ALIEN COVENANT

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site fr.pinterest.com

de Ridley Scott. 2017. U.S.A/Angleterre. 2h02. Avec Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Danny McBride, Demián Bichir, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez.

Sortie salles France: 10 Mai 2017. U.S: 19 Mai 2017

FILMOGRAPHIE: Ridley Scott est un réalisateur et producteur britannique né le 30 Novembre 1937 à South Shields. 1977: Duellistes. 1979: Alien. 1982: Blade Runner. 1985: Legend. 1987: Traquée. 1989: Black Rain. 1991: Thelma et Louise. 1992: 1492: Christophe Colomb. 1995: Lame de fond. 1997: A Armes Egales. 2000: Gladiator. 2001: Hannibal. 2002: La Chute du faucon noir. 2003: Les Associés. 2005: Kingdom of heaven. 2006: Une Grande Année. 2007: American Gangster. 2008: Mensonges d'Etat. 2010: Robin des Bois. 2012: Prometheus.

"Il se prend pour Dieu mais Dieu a horreur de la concurrence"
Fraîchement sorti de la salle obscure avec un flegme rassurant (au vu du bashing de masse perpétré sur le réseau Facebook !) et un sourire d'ado docile (car rassasié de mes émotions fortes), je m'empresse de délivrer à chaud mes impressions et par la même occasion de déclarer ma flamme au créateur de la franchise (discrédité ces dernières années), Monsieur Ridley Scott. Ayant révolutionné le Space opera avec son oeuvre séminale Alien, ce dernier nous revient avec la préquelle de son modèle dont l'action se situe 10 ans après les évènements de Prometheus. Sans dévoiler les tenants et aboutissants de l'intrigue brassant les thèmes de la peur de l'inconnu, du danger létal et de la création Spoil ! par le biais d'un droïde vindicatif Fin du spoil (parti-pris original de justifier la genèse mutante du xenomorphe du point de vue d'un esclave technologique, métaphore à l'idéologie insurrectionnelle de Terminator, voir aussi de Mondwest), Alien Covenant constitue à mes yeux un spectacle flamboyant renouant avec l'essence du cinéma d'horreur. A savoir cristalliser avec intégrité et brio technique tension, angoisse, mystère et terreur au sein d'un univers stellaire/terrestre aussi dark qu'envoûtant et par l'entremise d'une créature iconique toujours aussi furieusement expressive.

Ce goût pour le sentiment d'insécurité parmi la montée en puissance de la tension, Ridley Scott parvient de nouveau à le ressusciter lors d'une première partie terriblement affolante quant à l'inoculation de micro organismes que deux membres de l'équipage vont malencontreusement enfanter. Les séquences chocs d'une violence inouïe provoquant une terreur viscérale suffocante sous le pivot d'un montage ultra dynamique faisant jaillir par sa frénésie visuelle une intensité dramatique éprouvante. En dépit de son schéma narratif de prime abord éculé (15 passagers font un détour sur une planète hostile pour se faire massacrer un par un alors qu'un androïde aux intentions équivoques tentera de les préserver dans son antre domestique), Alien Covenant nous entraîne dans un voyage au bout des ténèbres sous une texture d'"épouvante licencieuse" que n'aurait pas reniés les artisans du ciné Bis. Ridley Scott n'hésitant pas à recourir à une violence cruelle face aux témoignages de trognes méconnues qu'on croirait tout droit sorties de Mutants ou d'Inseminoïd. Le jeu sobre et l'empathie pour eux en sus ! Car outre la fonction élémentaire de quelques seconds-rôles voués au trépas, nous sommes loin de la transparence de ceux d'un Vendredi 13 dont on éprouve aucune compassion pour leur terrible sort. Semé de clins d'oeil au premier Alien (notamment l'accoutrement vestimentaire "classique" de nos héros futuristes, le huis-clos final au sein du vaisseau spatial) parmi de belles inventions (l'extraction de l'alien chez deux victimes et la manière singulière dont celles-ci furent infectées), tout en ayant l'évidente volonté de séduire une nouvelle génération, Alien Covenant alterne efficacement morceaux de bravoures ultra spectaculaires et instants de terreur haletants ou vigoureux sous l'effigie de xenomorphes toujours aussi rageux et vicelards. A ce titre, on peut d'ailleurs louablement saluer l'audace de son épilogue nihiliste Spoil ! ne laissant aucune échappatoire aux derniers survivants si bien que l'on quitte l'écran avec une grave amertume Fin du Spoil.

Dans l'espace, personne ne vous entend hurler ! 
Spectaculaire, grandiose et épique sans céder à une vulgaire esbroufe, angoissant, intense et parfois terrifiant au sein d'un univers crépusculaire aussi étouffant qu'immersif, Alien Covenant réinvente le divertissement horrifique par le biais de clichés habilement maîtrisés (notamment l'art de conduire un cheminement que l'on connait par coeur) et sous une facture bisseuse diablement réjouissante (les moyens pharaoniques en plus !). Comme le souligne en prime l'attachante caractérisation des personnages aussi fragiles et vulnérables qu'autrement combatifs et déterminés fuyant l'hostilité de créatures aussi exterminatrices. Il en émane un spectacle hybride de samedi soir dont les maîtres mots sont "jouissance", "émotion" et "poésie" (la magnifique séquence d'apprivoisement d'un alien face à son maître s'avère d'une intensité mélancolique), renouant d'une certaine manière avec une époque révolue. Spoil ! Pour parachever, je salue la double performance de Michael Fassbender endossant un rôle divinement diabolique auquel son caractère à la fois cynique et insidieux instaure une réflexion sur les conséquences perverses de la soumission convergeant à une rébellion fascisante. Fin du Spoil.

Bruno Matéï

La critique de Mathieu le Berre: http://retro-hd.com/critiques/cinema/1774-alien-covenant.html

La critique de Gilles Rolland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-alien-covenant/

La critique du Point: http://www.lepoint.fr/pop-culture/cinema/alien-covenant-quand-ridley-scott-se-prend-pour-dieu-09-05-2017-2125903_2923.php

Le point de vue antinomique de Jean Marc Micciche:
Bon la question qui fâche...oui Alien covenant....J'ai du mal à comprendre l'indulgence qu'il y a autour du film...Et malgré mes réticences de bases très marqués, j'avais envie d'y croire, en Scott, dans sa mythologie....bref j'étais partie pour voir du Alien, pas un Vendredi de l'espace, parce que je suis désolé, c'est juste çà (malheureusement), une boucherie froide, sans aucune (pour la majorité) une once de mise en place de suspense. La première heure fait encore illusion, car moi en tant que fan de sf pur, je suis content de voir un vaisseau dans l'espace, et si le film se résume à une version clean du premier Alien, au moins la chose titille encore ma vibre alien...La scène d'ouverture fait un lien poussif sur la création (sic) mais bon c'est jolie et bien cadré, bien joué...la scène de l'incident spatial est une bonne entrée matière...puis le signal, plus l'arrivée sur la planète mystérieuse, etc...bon même si visuellement ça a de la gueule et la direction artistique est soigné, on reste loin quand de l'étrangeté, du suspense, de l'exploration de la planète...bref du sous alien, mais ça reste dans les clichés du genre, ça me gêne pas...et puis du coup le film s'accélère avec pour ma part les deux meilleures scènes du film, toute la scène d'horreur dans la navette ou Scott se lâche dans un jeu de course poursuite en montage parallèle vraiment grisant suivie dans la scène 'raptor' dans les hautes herbes...certes les perso agissent comme des teubés mais il y a une vrai tension..bref une bonne demi heure avant l'arrivée de David et de tout le tra lala sur la création....et là mon cerveau décroche littéralement....le film devient d'une lourdeur pachydermique, bavard, surlignant tout dix fois histoire de bien souligner le message.. et c'est là que le film vire clairement aux slaher à deux balles. Scott déteste ses personnages et pour un jeu de massacre triste pas si loin de série z genre Inseminoid ou Créatures...les bisseux trouveront sans doute leurs comptes dans ce wft, les autres pleureront....au passage, on apprend le sort des ingénieurs (renversant), on découvre l'origine de l'alien et de l'oeuf (misère)...les perso, tous plus con les uns que les autres font n'importe quoi et on les emploi à les faire tuer comme des merdes (qu'on est loin des perso secondaires des trois premiers alien)....je passe sur les invraisemblances, les ellipses pourries, car on a droit à deux scènes qui vaut leurs pesant de cacahouètes (le sauvetage et le scène dans le vaisseau). Il est temps que le film se termine....voilà la création de l'alien est douloureuse que celle de dark wador. Si vous aimez les slasher couillon, ça peut le faire.....

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site critique-film.fr   

de Ridley Scott. 2011. U.S.A. 2h02. Avec Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Guy Pearce, Logan Marshall-Green, Sean Harris, Rafe Spall, Emun Elliott, Benedict Wong.

Sortie salles France: 30 Mai 2012. U.S: 8 Juin 2012

FILMOGRAPHIE (Info Wikipedia): Ridley Scott est un réalisateur et producteur britannique né le 30 Novembre 1937 à South Shields.
1977: Duellistes. 1979: Alien. 1982: Blade Runner. 1985: Legend. 1987: Traquée. 1989: Black Rain. 1991: Thelma et Louise. 1992: 1492: Christophe Colomb. 1995: Lame de fond. 1997: A Armes Egales. 2000: Gladiator. 2001: Hannibal. 2002: La Chute du faucon noir. 2003: Les Associés. 2005: Kingdom of heaven. 2006: Une Grande Année. 2007: American Gangster. 2008: Mensonges d'Etat. 2010: Robin des Bois. 2012: Prometheus

Une équipe de scientifiques se dirigent vers une planète hostile après avoir exploré une grotte illustrant une carte sur l'origine de la vie. A bord de cette expédition, Elizabeth et son ami Charlie sont persuadés de rencontrer nos créateurs de l'humanité sur la planète LV-223. 33 ans après Alien, Ridley Scott ainsi que ses scénaristes Damon Lindelof et John Spaihts ont enfin entrepris de concrétiser le rêve de millions de fans. Concevoir une préquelle à son modèle et donc relancer la franchise pour exploiter d'autres horizons spéculatives et rameuter une nouvelle génération. Spectacle de science-fiction d'une sobriété intègre, Prometheus est avant tout une réussite esthétique dans sa photogénie rugueuse d'un univers hostile, un règne interlope imprégné de mystère avant l'affront d'un cataclysme terrien. A la manière de son aîné Alien, le réalisateur nous refait le coup de l'excursion ombrageuse auprès d'une nouvelle compagnie d'explorateurs envisageant de démystifier l'origine de la vie par le biais d'une carte symbolique. Sur place, en visitant les lieux d'une cavité rocheuse à l'atmosphère irrespirable, ils vont se confronter à une multitude d'énigmes, telles ces apparitions furtives d'humanoïdes virtuels ou encore le corps momifié d'un extra-terrestre. Tandis qu'au fil de leur archéologie, des sculptures et monuments historiques inscrites sur les remparts d'un sous-sol présagent une technologie avancée.
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Avec une ambition formelle, Ridley Scott se réapproprie des codes de la mythologie dans une sorte de mise en abyme pour réinterpréter un univers opaque irrésistiblement inquiétant. Dans Prometheus, l'immersion de son milieu inhospitalier est totalement fluide ! En artiste virtuose aux idées technologiques innovantes, renouant avec de vastes décors organiques d'une planète caverneuse, Scott s'impose une fois de plus en créateur d'images. Cette persuasion de nous entraîner en interne d'une galaxie jalonnée d'éléments troubles ou nébuleux, en connivence avec l'origine de la vie. Avec une science du suspense sous-jacent, Prometheus insuffle une atmosphère singulière d'abandon et d'isolement auprès d'une équipe de chercheurs incapables de supplanter l'antagoniste. Les enjeux humains impartis aux personnages, leur choix conflictuel de survie pour sauvegarder la terre et leur foi spirituelle vont être mis à lourde épreuve pour tenter de se devancer. Pour rationaliser leurs vicissitudes, la dimension humaine de nos protagonistes est allouée à une poignée de comédiens dépouillés car éludés d'une éventuelle bravoure guerrière (mention spéciale à Naomi Rapace en héroïne opiniâtre de sa conviction mystique et à Michael Fassbinder, androïde étrangement équivoque, sournois et affable). Des scientifiques au caractère bien distinct, chargés de crainte, de doutes et d'espoir mais piégés par une évolution délétère auprès d'un individu perfide. Quand bien même au fil de leur cheminement en déclin, leur quête initiatique est allouée d'une théorie métaphysique sur la notion de Bien et de Mal (un Dieu créateur souhaiterait-il invoquer notre perte ?). Notamment sur le fondement de notre foi à la spiritualité pour nous convaincre d'exister et évoluer.

Je ne sais rien mais c'est ce que je choisi de croire
Si nombre de questions restent en suspens (pour quelle motivation les ingénieurs souhaitent éradiquer la Terre et quel est le rôle véritable des armes biologiques ?), Prometheus est suffisamment dense, tangible, convaincant, parfois même terrifiant pour relancer une nouvelle franchise prometteuse. Spectaculaire, esthétiquement fascinant et impressionnant (l'avortement fait figure de nouvelle anthologie horrifique alors que la cruauté de certaines mises à mort renforcent son aspect cauchemardesque), Prometheus déploie en outre un nouvel antagoniste ésotérique. Un humanoïde finalement accouplé avec une forme organique bien connue des amateurs et donc en l'occurrence dévoilée sous son incubation originelle ! S'il n'est pas le chef-d'oeuvre annoncé, la nouvelle démesure de Ridley Scott est un grand film d'anticipation sur l'horreur d'une menace inconnue, l'infini inaccessible et notre soif d'en déchiffrer le sens.
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CASTLE FREAK

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site thehorrorhoneys.com

de Stuart Gordon. 1995. U.S.A. 1h30. Avec Jeffrey Combs, Barbara Crampton, Jonathan Fuller, Jessica Dollarhide, Massimo Sarchielli, Elisabeth Kaza.

Sortie Dvd France: 16 Février 2000. U.S: 14 Novembre 1995.

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un acteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago, dans l'Illinois. 1979: Bleacher Bums (Téléfilm), 1985: Ré-animator, 1986: From Beyond, 1987: Dolls, 1988: Kid Safe: the vidéo, 1990: Le Puits et le pendule, La Fille des Ténèbres (téléfilm), Robot Jox, 1993: Fortress, 1995: Castle Freak, 1996: Space Truckers, 1998: The Wonderful Ice Cream Suit, 2001: Dagon, 2003: King of the Ants, 2005: Edmond, Master of Horrors (2 épisodes), 2007: Stuck, 2008: Fear Itself (1 épisode).

Deux ans après avoir tâté de la science-fiction avec le sympathique Fortress, Stuart Gordon renoue à ses premiers amours avec Castle Freak. Une série B horrifique inédite en salles, pur hommage au cinéma gore italien des années 80 inscrit dans une complaisance putassière pour le plus grand bonheur des fans. L'intrigue minimaliste nous illustre les rapports houleux d'une famille après avoir hérité d'un château italien appartenant à une défunte duchesse. Seulement, dans la cave, une créature humaine réduite à l'état animal parvient à briser ses chaines après des décennies d'esclavage. Traumatisés par la mort de leur fils lors d'un tragique accident de voiture, John, Susan et leur fille tentent difficilement de renouer les liens familiaux au moment même où le monstre profite de son autonomie pour se nourrir de chair fraîche. Une histoire sans surprise mais débridée inspirée de l'écrivain H.P Lovecraft que Stuart Gordon emballe avec savoir-faire dans sa démarche horrifique aussi bien couillue qu'incongrue. Car si les clichés pullulent autour de cette cellule familiale en crise, le réalisateur n'y force pas le trait si bien que l'on s'identifie sans difficulté à leur discorde conjugale quand bien même les portraits castrateurs impartis à la police suspicieuse font également preuve de sobriété dans leur posture entêtée.

Epaulé d'un rythme assez soutenu au fil d'un cheminement inquiétant, Stuart Gordon compte sur l'efficacité des scènes horrifiques aussi impressionnantes que révulsives qu'une créature repoussante perpétue insatiablement, quand bien même l'atmosphère glauque et malsaine qui émane de ses exactions emprisonne le spectateur dans un décorum gothique aussi poisseux qu'envoûtant (photo sépia à l'appui). Outre ses clins d'oeil hérités du ciné gore transalpin (notamment celui adressé au Manoir de la Terreur d'Andréa Bianchi lors d'une séquence lubrique !), Castle Freak distille une vigueur viscérale en la présence parfaitement crédible d'une créature humaine du plus bel effet pestilentiel. Littéralement fascinant par son aspect aussi bien décharné que putrescent, ce monstre autrefois battu par une mère abusive provoque de prime abord une certaine pitié dans sa condition miséreuse et martyr. A l'instar de la séquence d'ouverture éprouvante qui voit une rombière lui asséner des coups de fouet "cloutés" sur sa chair chétive ! Une séquence extrême difficilement supportable de par ces hurlements plaintifs faisant écho dans les parois du château. Sans toutefois s'attarder sur la compassion de cette victime monstrueuse, Stuart Gordon préfère opter pour un grand-guignol sordide lors de séquences-chocs percutantes filmées en plan serré. Quant à son attachante distribution, Jeffrey Combs s'avère toujours aussi convaincant en époux alcoolique en quête désespérée de rédemption et tenant tête aux forces de l'ordre avec une autorité déterminée. Quand bien même Barbara Crampton lui partage plus modestement la vedette avec une contradiction rancunière en épouse trahie.

Soutenu du score entêtant de Richard band faisant gentiment écho à Ré-animator, Castle Freak joue modestement la carte de la série B horrifique dans une complaisance putassière n'ayant pas à rougir de ses ascendants latins. Un divertissement agréablement troussé donc où l'ambiance putride colle aux basques du spectateur avec plaisir masochiste, et ce en dépit de sa facture frivolement télévisuelle. 

Bruno Dussart
2èx 

KING OF THE ANTS

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site alchetron.com

de Stuart Gordon. 2003. 1h41. Avec Chris McKenna, Kari Wuhrer, George Wendt, Vernon Wells, Lionel Mark Smith, Timm Sharp.

Sortie salles France: 2 Octobre 2005

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un acteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago, dans l'Illinois. 1979: Bleacher Bums (Téléfilm), 1985: Ré-animator, 1986: From Beyond, 1987: Dolls, 1988: Kid Safe: the vidéo, 1990: Le Puits et le pendule, La Fille des Ténèbres (téléfilm), Robot Jox, 1993: Fortress, 1995: Castle Freak, 1996: Space Truckers, 1998: The Wonderful Ice Cream Suit, 2001: Dagon, 2003: King of the Ants, 2005: Edmond, Master of Horrors (2 épisodes), 2007: Stuck, 2008: Fear Itself (1 épisode).

Du cinéma brut de décoffrage où la trivialité du Mal emporte la mise. 
Concentré d'ultra violence dans son lot de tortures, sévices et meurtres d'une bestialité inhumaine, King of the Ants ne nous laisse pas indemne pour son effarant constat imparti à la nature primitive de l'homme. Par l'entremise d'une intrigue aussi véreuse que fétide qu'extériorisent une poignée d'antagonistes immoraux, Stuart Gordon dérange et choque avec une intensité réaliste inédite au sein de sa riche filmo. Ayant pour mission de supprimer un comptable pour le compte d'un entrepreneur corrompu, Sean Crawley se laisse influencer par la criminalité pour la somme de 15 000 dollars. Faute de sa personnalité aussi médiocre que vulnérable, ce dernier était finalement le pion d'un odieux traquenard commandité par l'entrepreneur et ses sbires. Dès lors, faute de son arrogance et de son chantage compromettant d'importants documents, Sean va passer par une série d'épreuves où tortures morales et physiques vont le mener aux cimes de la folie, et ce avant sa nouvelle mutation identitaire. 

Martyr

Récit initiatique d'un quidam victime de sa cupidité, de sa déliquescence criminelle et de ses châtiments corporels, King of the Ants retrace son chemin de croix avec un réalisme cru à couper au rasoir. Et ce jusqu'aux limites de l'insoutenable que les personnes sensibles auront sans doute du mal à encaisser. Les séquences de tortures et règlements de compte meurtriers s'enchaînant au fil d'une endurante vendetta que Sean Crawley va soudainement imposer lors d'un éveil de conscience où haine et désespoir vont lui permettre de se fondre dans la peau d'un démon exterminateur. Car après nous avoir éprouvé avec la mort gratuite d'un comptable livré à sa lâche merci, Stuart Gordon souhaite ensuite nous susciter pitié et empathie quant à la nouvelle condition soumise du meurtrier réduit à l'état d'esclavage (pour ne pas dire légume déficient épris de masochisme). Le réalisateur insistant durement sur ses lynchages quotidiens perpétrés par des complices orgueilleux se complaisant à exercer fougueusement l'innommable. Une manière radicale afin d'interroger le spectateur sur la justification de la violence punitive invoquée sur un assassin aussi lâche que ces tortionnaires. Ce déchaînement d'ultra violence souvent insupportable s'avérant le pilier émotif d'une intrigue amorale semée de rebondissements délétères si bien que l'amour s'invitera subitement par une porte de secours. Cette seconde partie moins éprouvante mais toute aussi malsaine et dérangeante s'attachant à nous décrire la rédemption "perfide" de notre exterminateur désireux d'approcher un semblant d'havre romantique avant que ces anciens démons ne le réveillent à perdurer une ultra violence jusqu'au-boutiste dans sa condition préalablement véreuse.

La bête sommeille en nous

Incongru, sardonique, ultra malsain et terriblement éprouvant quant aux éclairs d'ultra violence à la fois horrifiques et insolents, King of the Ants affiche sans complexe une expérience de cinéma extrême conçue pour mettre en lumière crue notre instinct pervers. Un objet aussi inclassable que poisseux nous livrant sans fard un portrait dérisoire de notre nature primale partagée entre la liberté de choix moral à privilégier la cause fragile du Bien ou celle beaucoup plus simple d'adhérer au Mal.
Pour public averti

Bruno Matéi

GET OUT

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jordan Peele. 2017. U.S.A. 1h44. Avec Daniel Kaluuya, Zailand Adams, Allison Williams, Catherine Keener, Erika Alexander, Bradley Whitford, Caleb Landry Jones.

Sortie salles France: 3 Mai 2017. U.S: 24 Février 2017

FILMOGRAPHIE: Jordan Haworth Peele, né le 21 février 1979 à New York, est un acteur, humoriste, réalisateur, scénariste et producteur américain. 2017: Get Out.

Précédé d'une bande-annonce aussi alléchante que prometteuse et d'une réputation élogieuse dès sa sortie salles (suffit de jeter un rapide coup d'oeil sur la notation de Rotten Tomatoes), Get Out est le nouveau phénomème horrifique outre-atlantique que le réalisateur novice Jordan Peele est parvenu à transfigurer avec un brio avisé. Tant et si bien qu'il s'agit de son premier essai derrière la caméra après avoir exercé les métiers d'acteur et d'humoriste. Sans déflorer le moindre indice du scénario aussi roublard et original que génialement machiavélique (même si l'influence des Femmes de Stepford est infaillible !), Get Out débute comme une agréable romance autour d'un couple interracial que forment Rose, jeune fille issue d'une classe bourgeoise, et Chris, un afro-américain équilibré et prévenant. Délibérée à le présenter à ses parents le temps d'un week-end, Chris accepte gentiment la proposition. Alors que les parents et le frère de Rose font preuve d'ironie impudente auprès de lui, l'ambiance néanmoins chaleureuse et bon enfant va rapidement bifurquer à la paranoïa, notamment parmi la posture inquiétante des deux domestiques afros-américains trop affables pour être honnêtes. Bijou de suspense horrifique entièrement dédié à la caractérisation interlope de seconds-rôles hyper convaincants, de par leur charisme saillant et leurs expressions neutres, Get out parvient à diluer un délicieux parfum de mystère, d'angoisse et de tension latente autour d'un Chris contemplatif, car témoin malgré lui d'évènements aussi troubles que nonsensiques.

Ce vénéneux climat d'étrangeté que parviennent à extérioriser l'assemblée bourgeoise (notamment leur réunion amicale instaurée dans le jardin) ainsi que les deux domestiques (à la fois évasifs, taiseux et faussement rassurants !) nous immerge subtilement dans un cauchemar anxiogène toujours plus palpable quant au cheminement investigateur de Chris en remise en question raciale. Emaillé de séquences dérangeantes d'une intensité psychologique, l'intrigue alterne quelques situations affolantes de comportements erratiques du point de vue secondaire des noirs faisant office de majordome ou attentionné auprès d'une gente sclérosée. Observant avec une habile attention la montée en puissance de la paranoïa de Chris (notamment lorsqu'il s'efforce d'alerter timidement sa petite amie en évitant de surdramatiser ses potentielles divagations !), Jordan Peele brosse son portrait à la fois fébrile et vulnérable sous l'impulsion spontanée de l'acteur Daniel Kaluuya crevant l'écran parmi ses expressions de crainte et de doute, de constance et de vaillance. Et ce avant que l'horrible piège ne se referme sur ses frêles épaules avec un sentiment d'impuissance viscérale que le spectateur témoigne avec autant d'appréhension, quand bien mêmes les soudains éclairs de violence nous mettront à rude épreuve morale. Au-delà de son réalisme cauchemardesque lestement diffus et du climat malsain du contexte aussi singulier, Jordan Peele se permet en prime de désamorcer par intermittence l'angoisse des situations par des saillies d'ironie génialement cocasses (l'improbable déposition de l'ami de Chris face au trio de flics noirs retenant difficilement leur sérieux !).

Satire caustique sur le racisme (en ces temps sinistrosés de haine et d'intolérance) par le biais d'un esclavage moderne, Get Out transcende l'outil horrifique avec autant de maîtrise technique (on peut parler de modèle de mise en scène, voir de coup de maître) que d'intelligence retorse si bien que l'angoisse des situations émane toujours de la caractérisation comportementale des personnages sournois (l'ombre de Rosemary's Baby planant aussi bien sur leurs épaules !). Et à ce titre, il faut autant prôner le jeu incroyablement percutant des comédiens se délectant à se fondre dans la peau de leur personnage avec une intensité faciale redoutablement perfide. Quant au scénario aussi bien glaçant de cynisme que génialement débridé, il s'agit là d'un des plus originaux que l'on ait vu depuis longtemps. A l'instar de cette anthologique séance d'hypnose ou encore de l'impuissance de la domestique à tenter d'extérioriser subitement un appel à l'aide !

Bruno Dussart

La critique de Gilles Roland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-get-out/

de Bryan Forbes. 1974. U.S.A. 1h50. Avec Katharine Ross , Paula Prentiss, Peter Masterson, Nanette Newman, Tina Louise, Carol Eve Rossen, William Prince, Carole Mallory, Toni Reid, Judith Baldwin.

Date de sortie: 12 février 1975 (USA)

FILMOGRAPHIE: Bryan Forbes est un réalisateur de cinéma britannique, également acteur, producteur et scénariste, né John Theobald Clark à Londres le 22 juillet 1926.
1961 : Whistle Down the Wind , 1962 : La Chambre indiscrète,1964 : Le Rideau de brume,1964 : L'Ange pervers,1965 : Un caïd, 1966 : Un mort en pleine forme,1967 : Les Chuchoteurs,1968 : Le chat croque les diamants, 1969 : La Folle de Chaillot, 1971 : The Raging Moon, 1975 : Les Femmes de Stepford, 1976 : The Slipper and the Rose, 1978 : Sarah,1980 : Les Séducteurs   , 1982 : Ménage à trois, 1984 : The Naked Face, 1990 : The Endless Game (tv)

Desperate Housewives
Adapté d'une oeuvre originale de Ira Levin (Rosemary's Baby), Les Femmes de Stepford demeure une satire caustique sur le sexisme, un tableau saugrenu sur la phallocratie évoquée au travers d'un récit d'anticipation horrifique. D'ailleurs, le sujet singulier si fascinant engendra une pléthore de séquelles parmi lesquelles The Revenge of the Stepford Wives (téléfilm de 1980), The Stepford Children, The Stepford Husbands ou encore le remake aseptique de Frank Oz réalisé en 2004. Un couple vient s'installer dans la bourgade verdoyante de Stepford, petit village situé dans le Connecticut où il fait bon vivre calme et sérénité. Joanna se lie d'amitié avec les voisines du quartier, particulièrement Bobby, une jeune femme extravertie et affranchie n'hésitant pas à critiquer l'attitude atone de certaines de ses collègues. Au fil des semaines, notre duo ne va pas tarder à s'inquiéter du comportement non-sensique de ces dernières.  

Précurseur de l'illustre série TV Desperate Housewives si j'ose dire, Bryan Forbes surprend autant qu'il déconcerte à travers cette version vitriolée de la guerre des sexes. Passée sa première partie ne laissant rien supposer de la montée en puissance du cauchemar domestique, Les Femmes de Stepford amorce doucement une ambiance trouble progressivement diffuse. Ces différents portraits caustiques impartis à la "famille modèle" empruntant le cheminement de l'irrationnel pour mieux duper et déranger le spectateur. Un parti-pris couillu afin de dénoncer avec incongruité la place de la femme soumise au sein du foyer conjugal lors d'une époque en mutation sociale. La charge est féroce, jusqu'au boutiste, à l'instar de sa conclusion aigre (quand bien même le scénario originel envisagé par William Goldman était encore plus horrifiant !). L'intrigue héritée d'un épisode de la Quatrième dimension insufflant une intensité dramatique autour d'une caractérisation corrosive de discordes conjugales en proie au non-sens. Cette tension insolite ira d'ailleurs en crescendo pour converger vers un dernier acte proprement opaque. D'un charisme saillant, mature et sensuel, notamment parmi l'intensité de son regard noir gagné de contrariété, Katharine Ross incarne avec force de caractère le rôle d'une ambitieuse photographe sensiblement attirée par l'angoisse d'une improbable découverte au point d'en bouleverser sa propre destinée ! 

Soit belle et tais-toi. 
Nonobstant une mise en place quelque peu poussive des personnages et la langueur (volontaire) du 1er acte, Les Femmes de Stepford constitue une bobine d'étrangeté singulière culminant vers l'effroi d'un dénouement inattendu si bien que le spectateur se partage entre malaise et empathie pour la condition de ces "femmes objets". La solidité de sa distribution aussi bien photogénique (la trop rare et méconnue Katharine Ross en tête !), l'aura insolite émanant de l'intrigue à rebondissements ainsi que son point d'orgue horrifique anti happy-end laissent en mémoire un pastiche corrosif sur l'émancipation féminine durant la révolution des Seventies. A redécouvrir avec vif intérêt, les Femmes de Stepford étant l'une des oeuvres les plus débridées de son époque frappée d'un réalisme audacieux et d'idées à revendre ! 

Eric Binford
11.01.11. 2èx

BRIGADE DES MOEURS

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site ebay.fr

de Max Pecas. 1985. France. 1h39. Avec Thierry de Carbonnières, Gabrielle Forest, Christian Barbier, Jean-Marc Maurel, Phify, Olivia Dutron, Brigitte Lahaie, Ticky Holgado, Jean-Pierre Bernard.

Sortie salles France: 9 Janvier 1985

FILMOGRAPHIE: Max Pécas est un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma français né le 25 avril 1925 à Lyon et mort le 10 février 2003 à Paris. 1960 : Le Cercle vicieux. 1961 : De quoi tu te mêles, Daniela ! 1962 : Douce Violence. 1962 : Une femme aux abois. 1963 : Cinq filles en furie. 1964 : La Baie du désir. 1965 : Espions à l'affût. 1966 : La Peur et l'Amour. 1968 : La Violence et l'amour. 1968 : La Nuit la plus chaude. 1970 : La Main noire. 1970 : Claude et Greta. 1971 : Je suis une nymphomane. 1973 : Je suis frigide... pourquoi ? 1974 : Club privé pour couples avertis. 1974 : Sexuellement vôtre. 1975 : Rêves pornos. 1975 : Les Mille et une perversions de Felicia. 1976 : Luxure. 1977 : Marche pas sur mes lacets. 1978 : Embraye bidasse, ça fume. 1979 : On est venu là pour s'éclater. 1980 : Mieux vaut être riche et bien portant que fauché et mal foutu. 1981 : Belles, blondes et bronzées. 1982 : On n'est pas sorti de l'auberge. 1983 : Les Branchés à Saint-Tropez. 1985: Brigade des mœurs. 1986 : Deux enfoirés à Saint-Tropez. 1987 : On se calme et on boit frais à Saint-Tropez.

Echec public en salles, Brigade des Moeurs est un polar d'exploitation que Max Pecas, spécialiste de comédies polissonnes, emballe avec un certain savoir-faire technique durant sa carrière déclinante. Dépourvu d'un pitch standard dénué d'intensité, de suspense et de rigueur dramatique, le réalisateur pallie sa vacuité narrative par un florilège de séquences ultra violentes et un soupçon de gore et d'érotisme qu'un flic justicier et la pègre sèment durant leurs règlements de compte. Dénué d'épaisseur psychologique, il est difficile de s'impliquer dans la vengeance expéditive de ce dernier plutôt inexpressif (sorte de sosie renfrogné de Francis Perrin) si bien que l'on éprouve peu d'empathie à son héroïsme réactionnaire et à son altruisme auprès de la gente féminine. Pour compenser l'ennui de son intrigue routinière alternant attaques et contre-attaques jusqu'au générique de fin, on peut s'amuser de retrouver quelques têtes familières imparties aux seconds-rôles (Brigitte Lahaie, Ticky Holgado et surtout l'excellent Christian Barbier), se prêtant au jeu du gendarme et du voleur avec une certaine spontanéité. Uniquement bâti sur sa surenchère aussi subversive que grand-guignolesque, Brigade des Moeurs a donc bien du mal à captiver en dépit de sa générosité homérique peu fructueuse.

Un polar franchouillard faussement impressionnant faisant office de pétard mouillé. 

Bruno Matéï

A 16 ANS DANS L'ENFER D'AMSTERDAM

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"La ragazza del Vondel Park" de Rino Di Silvestro (Axel Berger). 1984. Italie. 1h28. Avec Ann-Gisel Glass, Sebastiano Somma, Tony Serrano, Donatella Damiani

Sortie salles France: 2 Novembre 1984

FILMOGRAPHIE: Rino Di Silvestro est un acteur, scénariste et réalisateur italien né le 30 Janvier 1932, décédé le 3 Octobre 2009. 1985: Les nuits chaudes de Cléopâtre. 1984 À seize ans dans l'enfer d'Amsterdam. 1980 Bello di mamma. 1979 Baby Love. 1976 Les déportées de la section spéciale SS. 1976 La louve sanguinaire. 1974 Prostituzione. 1973 La vie sexuelle dans une prison de femmes

Epigone Z du traumatisant Moi, Christine F... 13 ans, droguée et prostituée, A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam porte la signature de Rino Di Silvestro (aka Axel Berger), spécialiste du cinéma d'exploitation comme le souligne sa filmographie lucrative bien connue des fans bisseux. C'est notamment à lui que l'on doit l'étrange et (gentiment) fascinant La Louve Sanguinaire, aussi superficiel et saugrenu soit-il, si bien qu'il s'agit à mon sens de son meilleur film, du moins le plus atmosphérique, inquiétant et trouble dans son concentré d'érotisme et de lycanthropie gore. Délibéré à surenchérir le modèle d'Uli Edel à renfort de séquences glauques d'une déviance parfois étrangement fascinante (la séance de voyeurisme dans le train effleure la pornographie, son plan X inséré au cours d'une brève séquence pénitentiaire et les moult shoots que les drogués s'injectent de manière parfois si convaincante qu'on y soupçonne l'authenticité de leurs gestes !), A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam sombre dans le nanar à force de maladresses techniques, de cabotinage d'acteurs de seconde zone et d'ultra complaisance en roue libre.

Par le truchement d'une intrigue indigente à peine inspirée d'un épisode des Feux de l'Amour (une jeune ado, Anna, sombre dans la drogue et la pornographie au moment de tomber amoureuse d'un quidam au grand coeur), Rino Di Silvestro s'efforce de provoquer malaise et dégoût par le biais d'un décorum sordide où industrie pornographique, tapinage et fixettes d'héros sont le lot quotidien de notre héroïne tributaire d'un maquereau aussi paumé qu'elle. Au coeur de leur sempiternelle crise conjugale et des rapports houleux d'Anna avec sa mère, un quidam philanthrope succombe à ses charmes lors d'une séquence expéditive de drague improvisée (comptez 2 minutes chrono pour nous convaincre de leur étreinte). En prime d'un montage elliptique ahurissant de maladresse (à moins qu'il ne s'agisse d'une version Cut !), l'intrigue nous perd d'ailleurs un peu en cours de route en dépit de son extrême simplicité à surligner (et alterner) les déchéances physiques et morales d'Anna rendue toxicomane et les règlements de compte entre divers macros et l'amant au grand coeur. Pour autant, en dépit de tous ces défauts précités érigeant l'entreprise au rang de nanar d'exploitation, A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam distille charme et sympathie à suivre (dans notre instinct voyeuriste gentiment pervers) les errances sordides d'Anna sous l'impulsion d'une narration fertile en péripéties et ce malgré ses redondances. A l'instar de son final musclé involontairement drôle car multipliant les pugilats de comptoir, faute du cabotinage des comédiens surjouant à n'en plus finir dans leurs expressions à la fois colériques, rebelles et démunies.

Pur produit d'exploitation estampillé Z, A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam mérite le détour par son charme bisseux typiquement latin (comme le souligne d'ailleurs sa mélancolique partition musicale) au gré de situations scabreuses ostentatoires que Rino Di Silvestro prend plaisir à filmer sans aucun complexe (tel ce plan X aussi inopiné qu'il provoque soupçon de cocasserie !) et avec le désir de choquer le spectateur parmi des codes narratifs inévitablement ludiques. 

P.S: A noter que le montage est signataire du cinéaste Bruno Mattei ! Ceci explique cela !

Eric Binford

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo" (Nous, les enfants de la gare du Zoo) de Uli Edel. 1981. Allemagne. 2h09. Avec Natja Brunckhorst, Thomas Haustein, Jens Kuphal, Rainer Woelk, Jan Georg Effler, Christiane Reichelt, Daniela Jaeger.

Sortie salles France: 24 Juillet 1981 (Interdit aux - de 13 ans). Allemagne: 2 Avril 1981.

FILMOGRAPHIE: Uli Edel est un réalisateur, producteur et monteur allemand, né le 11 Avril 1947 à Neuenburg am Rhein (Allemagne).
1971: Der Kleine Soldat. 1976: Die Erzählungen Bjelkins (télé-film). 1977: Der Harte Handel (télé-film). 1978: Das Ding: (série TV). 1981: Moi, Christiane F., 13 ans, droguée, prostituée. 1984: Eine Art von Zorn (télé-film). 1987: Waldhaus (série TV). 1989: Dernière sortie pour Brooklyn. 1993: Body. 1994: Confessions d'une rebelle (télé-film). 1995: Mike Tyson, l'histoire de sa vie (télé-film). 1996: Raspoutine (télé-film). 1999: La Ville des Légendes de l'Ouest (télé-film). 2000: Le Petit Vampire. 2001: Les Brumes d'Avalon (télé-film). 2002: King of Texas (télé-film). 2002: Jules César (télé-film). 2003: Evil Never Dies (télé-film). 2004: L'Anneau Sacré (télé-film). 2008: La Bande à Baader. 2010: Zeiten Andern Dich.

"D'la pisse et d'la merde, partout ! Y'a qu'à r'garder ! Qu'est ce que ça peut faire que d'loin tout est l'air neuf et de grand standing, avec des blouses vertes, des supermarchés ! Ce qui pue l'plus à l'intérieur, c'est les cages d'escalier. Les enfants, qu'est ce qu'ils peuvent faire quand ils jouent dehors et qu'ils ont envie d'pisser ! Le temps qu'l'ascenseur arrive au 11è ou au 12è, ils ont fait dans leur culotte et ils reçoivent une raclée. Autant l'faire dans la cage d'escalier. Et j'habite là depuis qu'j'ai 6 ans, avec ma mère, ma soeur et mes chats. Et j'en ai ras l'bol ! En ville, il y a des affiches partout. Le Sound, la discothèque la plus moderne d'Europe. C'est là qu'je veux aller..." 

Expérience jusqu'au-boutiste à l'intensité dramatique impitoyablement éprouvante, Moi, Christiane F. est un uppercut émotionnel difficilement soutenable lorsque l'on témoigne impuissant de la descente aux enfers d'une junkie dans le Berlin des années 70. L'épreuve de force intarissable d'une adolescente de 13 ans prise au piège de son addiction à l'héroïne, est donc contrainte de se prostituer afin de subvenir à ses besoins depuis le divorce parental. Cette déchéance humaine en déclin, ce désespoir sans échappatoire, le spectateur la contemple avec un malaise viscéral et sensitif proche de la nausée. De par son ambiance lourde, oppressante, glauque (score lancinant hypnotique à l'appui !) régie autour d'une gare berlinoise fréquentée par de jeunes SDF, et son réalisme documenté extrêmement dérangeant qu'une caméra voyeuriste ausculte sans tabou (les seringues pénétrant dans les veines avant une giclée de sang, les crises de manque et les crampes où sueur et vomi s'entremêlent pour y arroser les draps et tapisser les murs, les rapports sexuels forcés avec une clientèle dépravée !).

Uli Edel ne recule donc devant rien pour relater sans concession le quotidien miséreux de Christiane et ses comparses déambulant, tels des zombies nécrosés, dans un quartier malfamé pour y tapiner afin de se procurer leur offrande. L'ultra réalisme alloué à leur cheminement urbain s'avère si tangible qu'on jurerait qu'acteurs méconnus et figurants marginaux se soient prêtés au jeu de la défonce pour se shooter volontairement face caméra ! Devant l'acuité d'une fascination aussi malsaine, aucun long-métrage n'était parvenu à un tel degré d'authenticité, à l'instar de la déliquescence physique des comédiens retranscrite en temps réel ! Si le jeu assez amateur des seconds-rôles juvéniles et les dialogues triviaux font preuve de facilité, le sentiment d'improvisation éprouvé se prête plutôt bien au climat de sinistrose auquel ils appartiennent, quand bien même une photo blafarde nous martèle l'esprit par sa facture opaque. Le cinéaste s'attardant perpétuellement à mettre en exergue leur contrariété psychique liée à l'accoutumance incontrôlée du produit (d'où ce parti-pris du montage elliptique !). Si Moi Christiane F. s'avère si implacablement immersif et criant de vérité dans la déchéance morale des toxicos, il le doit beaucoup au talent épidermique de Natja Brunckhorst. L'actrice se fondant dans la peau d'une infortunée avec un sentiment de désespoir collapsé et parmi l'apitoiement du regard affligé d'impuissance et de solitude !

Cri d'alarme contre une jeunesse déboussolée avide d'expérience nouvelle, épreuve de survie impartie à l'emprise de la came, Moi Christiane F... remémore dans une ambiance funéraire suffocante le témoignage le plus glauque, le plus sordide et éprouvant jamais traité sur le fléau. Outre son portrait vérité imparti à son héroïne mondialement célébrée par le best-seller des journalistes Kai Hermann et Horst Rieck, Moi, Christiane F... laisse le spectateur dans un état de choc mutique sitôt le générique écoulé. Pour publics avertis mais à prescrire dans tous les collèges, lycées et universités ! 

A mon frère de coeur Pascal, décédé en Décembre 93, et à tous ceux qui n'ont eu la chance de s'en sortir...

Bruno Dussart

LE CROCODILE DE LA MORT. Licorne d'Or, Rex de Paris, 1978.

"Death Trap / Eaten Alive" de Tobe Hooper. 1977. U.S.A. 1h31.Avec Neville Brand, Mel Ferrer, Carolyn Jones, Marilyn Burns, William Finley, Stuart Whitman, Robert Englund, Janus Blythe.

Sortie en salles en France le 24 Mai 1978. U.S.A: Mai 1977.

FILMOGRAPHIE: Tobe Hooper est un réalisateur américain né le 25 Janvier 1943 à Austin (Texas)
1969: Eggshells, 1974: Massacre à la Tronçonneuse, 1977: Le Crocodile de la Mort, 1979: The Dark (non crédité), 1981: Massacre dans le Train Fantome, 1982: Poltergeist, 1985: Lifeforce, 1986: l'Invasion vient de Mars, Massacre à la Tronçonneuse 2, 1990: Spontaneous Combustion, 1993: Night Terrors, 1995: The Manglers, 2000: Crocodile, 2004: Toolbox Murders, 2005: Mortuary, 2011: Roadmaster.

                                     

"J'm'appelle Buck et j'veux baiser !".
Trois ans après l'onde de choc Massacre à la Tronçonneuse, Tobe Hooper renoue avec l'horreur poisseuse pour transcender à nouveau un cauchemar sur pellicule instauré dans un motel marécageux. Mais suite à un différent avec la production, il quitte l'entreprise en plein milieu de tournage et laisse le soin au producteur Mardi Rustam de prendre la relève. Alloué d'un budget plus confortable et entièrement tourné en studio, cette commande conçue pour récupérer le succès de Massacre... et des Dents de la mer est inspirée des exactions d'un authentique sérial-killer ayant sévi dans les années 30, Joe Ball. Cet ancien soldat de la 1ère guerre mondiale que l'on surnommait parfois "l'homme alligator" fut propriétaire d'une auberge et d'un étang. Dans ce bassin était entretenu cinq crocodiles qu'il nourrissait de chiens et de chants vivants avant de sacrifier 20 femmes ! Outre son emprise visuelle aux cimes du surnaturel (éclairages criards à l'appui), le Crocodile de la mort préserve son pouvoir de fascination pour le tableau caustique imputé à l'Amérique rurale. Par le biais d'un scénario linéaire (un tenancier et son alligator sèment la mort auprès de touristes égarés), prétexte à une ébauche de meurtres plutôt sanglants, Tobe Hooper réussit à imposer sa patte de faiseur d'ambiance putride dans le décor hostile d'un motel de Louisiane. Dès le prologue, une ambiance irréelle émane du cadre forestier (les couleurs sont saturées de nuances orangers et de rouge criard ) lorsqu'une jeune catin entreprend d'un pas hésitant le refuge de cette auberge sortie tout droit d'un conte de fée vitriolé.

Son cadre hospitalier et le contexte criminel à venir rappelle d'ailleurs Psychose, Tobe Hooper s'évertuant en prime de se débarrasser de l'héroïne dès le premier quart-d'heure, quand bien même le spectateur commençait timidement à s'attacher à sa fragilité dans sa fonction de prostituée en herbe. Ce premier meurtre perpétré avec verdeur est sans doute l'effet choc le plus sauvage du film dans les coups de fourche répétés sur la victime moribonde. L'arrivée prochaine d'un couple névrosé, accompagné d'un chien et de leur fillette, fera notamment les frais du tueur azimuté et de son crocodile lors de scènes de panique d'une intensité dégénérée. En dépit de l'apparence parfois perfectible du croco en carton-pâte, Tobe Hooper parvient à le rendre menaçant parmi ses attaques insidieuses perpétrées sur les clients lorsqu'il s'extrait des eaux blafardes pour les dévorer ardemment. Pour preuve, une situation en péril décuple d'intensité lorsqu'une fillette prise de panique témoigne impuissante à l'attaque de son chien incidemment tombé dans l'étang. Un peu plus tard, c'est au tour du père et de la soeur de la première victime d'arpenter les lieux afin d'interroger le propriétaire de son inexplicable disparition. Au delà de son ambiance franchement étouffante, la fascination prégnante qui s'y dégage est exacerbée d'une galerie de machistes particulièrement cintrés alors que Neville Brand domine insidieusement sa clientèle avec une misogynie criminelle ! Criant de naturel dans sa trogne burinée, ses cheveux hirsutes et son regard d'aliéné marqué par les horreurs du Vietnam, il se délecte à iconiser un taulier sclérosé où son cynisme engendre des accès de démence incontrôlés. Autour de ces agissements psychotiques démesurés et afin d'amplifier son climat malsain littéralement pénétrant, Hooper exploite adroitement une bande-son dissonante alternant les sonorités aiguës avec des tubes de country retransmis dans un vieux transistor. Pour parachever, la dernière demi-heure toujours plus alerte et cauchemardesque renoue avec l'ambiance d'hystérie collective héritée de Massacre à la Tronçonneuse lors de courses poursuites escarpées que nos survivantes vont emprunter à travers bois, dans les chambres ou encore sous le plancher du motel  !

Baignant dans une ambiance mortifère aussi bien malsaine que suffocante où chaque marginaux, obsédés, névrosés ou dépressifs reflètent l'état d'esprit d'une Amérique profonde à la fois rustre et paumée, Le Crocodile de la Mort met en lumière (ocre) un conte d'horreur furibard, à mi chemin entre la fable sardonique et la métaphore sur le trauma Vietnamien. Avec dignité, brio et beaucoup d'insolence, Hooper sacralise un second classique de l'horreur sociale jalonnée de séquences chocs électrisantes sous l'impulsion d'hurlements stridents ! 

A Marilyn Burns, décédée le 5 Août 2014...

Bruno Matéï
05.05.17
17.08.11 (307)

Récompenses: Grand Prix (Licorne d'Or) et Prix d'Interprétation masculine pour Neville Brand au festival du film fantastique du Rex à Paris en 1978

UN ANGE POUR SATAN

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Un angelo per Satana" de Camillo Mastrocinque. 1966. Italie. 1h32. Avec Barbara Steele, Anthony Steffen, Ursula Davis, Aldo Berti, Maureen Melrose, Vassili Karamesinis.

Sortie salles France: 24 Mai 1967. Italie: 4 Mai 1966

FILMOGRAPHIE: Camillo Mastrocinque est un scénariste et réalisateur italien né à Rome le 11 mai 1901, décédé le 23 avril 1969. 1936 : Regina della Scala (it). 1938 : L'orologio a cucù. 1940 : Don Pasquale. 1940 : La danza dei milioni. 1941 : I mariti. 1942 : Fedora. 1943 : Mariage secret, tourné en Espagne. 1947 : Perdu dans les ténèbres. 1947 : Il segreto di don Giovanni. 1948 : L'Homme aux gants gris. 1948 : Le Choix des anges. 1949 : Duel sans honneur. 1950 : Plus fort que la haine. 1956 : La Banda degli onesti. 1956 : Totò, Peppino e... la malafemmina. 1957 : Dites 33. 1958 : Parisien malgré lui. 1958 : Domenica è sempre domenica. 1958 : La Loi de l'homme. 1959 : La cambiale. 1959 : Brèves amours. 1960 : Noi duri. 1960 : Petites femmes et haute finance. 1960 : Incorrigibles parents. 1961 : Totòtruffa 62. 1962 : Un beau chassis. 1962 : Diciottenni al sole. 1962 : Gli eroi del doppio gioco . 1964 : Un cœur plein et les poches vides. 1964 : La Crypte du vampire. 1966 : Un ange pour Satan. 1968 : Totò Story. 1968 : La più bella coppia del mondo.

Petit bijou de gothisme transalpin tourné dans un joli noir et blanc, un Ange pour Satan est également l'occasion pour la reine de l'horreur de dévoiler sans modération son immense talent par l'entremise d'un double rôle relatif à la possession démoniaque. Je parle bien entendu de l'égérie Barbara Steele transperçant ici à nouveau l'écran par son immense regard ébène et sa sensualité capiteuse. Production modeste plutôt occultée au sein de sa notoire filmographie, Un Ange pour Satan est enfin exhumé de sa torpeur en Dvd sous l'effigie de Seven 7. Une aubaine inespérée du fait de sa rareté que les fans du genre auraient tort de se priver tant le cinéaste Camillo Mastrocinque impose rigueur formelle et narrative (en dehors du dénouement dégingandé selon moi) à aviver son intrigue mystique par le biais d'une approche gothique typiquement italienne.

A la suite du retour inattendu de la jeune Harriet, nièce du comte Montebruno, et de la restauration d'une vieille statuette, les villageois craignent qu'une malédiction vieille de plus de 2 siècles intentent à leur tranquillité. Rapidement, Harriet semble possédée par l'esprit démoniaque d'une ancêtre noyée de jalousie et de rancunes envers sa beauté. Baignant dans une délicieuse atmosphère gothique nappée de mystère sous l'impulsion viciée d'une Barbara Steele habitée par une haine meurtrière, Un Ange pour Satan met en exergue un jeu de manipulation et de perversité conçu sur la fourberie du Mal. Nombre de villageois sensiblement susceptibles tombant dans les mailles du filet d'une mante religieuse obsédée d'être chérie par ses proies aussi bien masculines que féminines. La force de l'intrigue résidant dans les stratégies perfides d'Harriet redoublant de séduction érotique pour manipuler à sa guise son entourage épris de vertige face à sa beauté ténébreuse. Outre l'intensité des enjeux démoniaques d'un pouvoir de séduction irrépressible, Un Ange pour Satan distille de manière progressive une cruelle dramaturgie au rythme d'exactions criminelles où l'innocence en paiera le prix fort. A l'instar des ruptures conjugales que le village endure en impuissance et ce jusqu'au cérémonial funèbre.

En dépit d'un final peu cohérent dans son parti-pris d'imposer une soudaine cause rationnelle aux évènements surnaturels et d'abuser de twists forts de café, Un Ange pour Satan demeure un spectacle d'épouvante délicieusement captivant par son atmosphère gothique monochrome. Quand bien même le jeu ambivalent de Barbara Steele fait preuve de noire élégance parmi ses expressions aussi bien sadomasochistes que charnelles. 

Bruno Matéï
3èx 

POLICE FEDERALE, LOS ANGELES

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"To Live and Die in L.A." de William Friedkin. 1985. U.S.A. 1h56. Avec William L. Petersen, Willem Dafoe, John Pankow, Debra Feuer, John Turturro, Darlanne Fluegel, Dean Stockwell, Steve James, Robert Downey Sr.

Sortie salles France: 7  Mai 1986. U.S: 1er Novembre 1985.

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés à la cérémonie des Oscars d'Hollywood. 1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Echec public en France alors qu'aujourd'hui tous les cinéphiles s'accordent à dire qu'il s'agit d'un des plus grands polars des années 80, Police Federale, Los Angeles renouvelle le genre avec un esthétisme stylisé aussi baroque qu'envoûtant. William Fridekin filmant scrupuleusement la capitale de Los Angeles sous une photo crépusculaire aussi hyper réaliste que léchée. Polar à la fois haletant et intense mené par un trio de comédiens furibards dans leur fonction combative, Police Federale... tire-parti de sa grande efficacité grâce à son intrigue anticonformiste bafouant les règles de la bienséance. Chien fou avide de revanche derrière son insigne, Richard Chance tente d'appréhender un dangereux faussaire ayant assassiné au préalable son meilleur ami à deux jours de la retraite. Avec l'aide d'un co-équipier, il décide de braquer illégalement un convoyeur afin de proposer une transaction au contrefacteur en échange de ses billets volés. Mais rien se déroulera comme prévu. 

Autour de scènes d'actions d'une violence âpre et d'une anthologique course-poursuite automobile à la fois inventive, originale et effrénée (sans toutefois égaler celle de French Connection), William Friedkin magnifie les portraits anti-manichéens de flics aussi bien véreux qu'empotés à la poursuite d'un artiste criminel (il peint des tableaux en dehors de ses activités de faussaire) d'une séduction vénéneuse (comme le souligne la fidélité de sa compagne vénale). D'une audace aussi inouïe que déconcertante quant à la tournure des évènements dramatiques, Police Federale... illustre avec une ambition formelle la déliquescence morale de deux flics impliqués dans l'illégalité d'un braquage où les conséquences de leurs actes s'avéreront tragiques. Vengeance sournoise et jeu de manipulation menés sur un rythme trépidant, notamment grâce au brio de sa mise en scène particulièrement innovante si bien que l'on se surprend du caractère baroque de certaines séquences à la limite du surréalisme (le final symbolique imposant un brasier infernal face au témoignage d'un flic en mutation identitaire), Police Federale... insuffle une emprise hypnotique au fil d'une structure narrative dangereusement létale. Les flics sur le qui-vive et les seconds-rôles flirtant avec le Mal de manière parfois équivoque (à l'instar de l'avocat "bicéphale" et de la compagne de Richard Chance en liberté conditionnelle, potentiellement complice de la déroute policière).

Au rythme d'une BO pop / électro typique des années 80, Police Fédérale, Los Angeles affiche une intensité magnétique au cours de son intrigue reptilienne où les figures du Bien et du Mal se jumellent pour un vénéneux enjeu de vengeance. Outre l'implication très spontanée des comédiens habités par une fureur de vaincre, on reste autant frappé par la stylisation d'une urbanisation hyper documentée aux éclairages oniriques. Du grand art (moderne) pour une référence du genre se renouvelant à chaque visionnage si bien que la pellicule de Friedkin semble habitée par une entité rampante.    

Bruno Dussart
3èx

PITCH BLACK

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de David Twohy. 2000. U.S.A. 1h48. Avec Vin Diesel, Radha Mitchell, Cole Hauser, Keith David,
Lewis Fitz-Gerald, Rhiana Griffith.

Sortie salles France: 19 Juillet 2000. U.S: 18 Février 2000

FILMOGRAPHIE: David Twohy est un réalisateur et scénariste américain, né le 18 octobre 1955 à Los Angeles (États-Unis). 1992 : Timescape. 1996 : The Arrival. 2000 : Pitch Black. 2002 : Abîmes.
2004 : Les Chroniques de Riddick. 2009 : Escapade fatale. 2013 : Riddick.

Série B moulée à l'ancienne si j'ose dire, de par l'amour et l'intégrité du réalisateur à honorer le genre autour de l'efficacité de scènes d'actions percutantes et le souci formel d'une scénographie dépaysante, Pitch Black assure le spectacle, aussi modeste soit-il. A partir d'un schéma narratif orthodoxe inspiré de la saga Alien, David Twohy en extirpe un haletant survival mené sur le rythme soutenu d'une action jamais gratuite ou racoleuse. Confinés sur une planète solaire à la suite de leur crash, une poignée de survivants doit se confronter à l'agressivité de créatures vampires n'attaquant qu'au crépuscule. Hors, une éclipse est sur le point d'apparaître au moment même où nos héros tentent d'accéder au vaisseau d'une base scientifique afin de fuir. Exploitant à merveille le cadre insolite d'une planète incandescente si bien que la nuit ne peut voir le jour (à une seule exception !), David Twohy oscille les teintes colorées avec l'appui d'une photo désaturée, surexposée puis progressivement fluctuante quant à la dernière partie naturellement crépusculaire. Egaré au sein de ce no man's land spatial, le spectateur observe les récurrents déplacements de nos protagonistes avec une fascination mêlée d'appréhension depuis que des créatures extra-terrestres tapies dans les grottes se préparent à l'affront.

Ces dernières numérisées s'avérant assez photogéniques et singulières pour provoquer l'effet escompté (à 2/3 plans en CGI ratés près !) lors d'attaques aériennes aussi furtives que cinglantes. Outre l'intensité des agressions homériques que nos survivants affrontent vaillamment durant une course contre la montre (celle de survivre le temps d'une nuit interminable !), Pitch Black est notamment valorisé par le refus de concession du sort de ces derniers. Opposant les confrontations obtuses entre un chasseur de primes et un évadé de prison prénommé Riddick (que Vin Diesel cabotine avec une virilité égocentrique en mastard intraitable !), l'intrigue joue sur leurs conflits d'autorité avec une certaine ambiguïté. Dans le sens où Riddick, anti-héros par excellence que n'aurait pas renié Plissken, s'avère assez énigmatique dans ses intentions rebelles à privilégier la loi du plus fort et du plus rusé. Au coeur de leur dissension morale, une jeune héroïne préalablement compromise par ses sentiments contradictoires d'égoïsme et d'indulgence (le prologue met clairement en lumière son désir de préserver sa peau au péril de ses pairs) va tenter de se racheter et d'apporter un regain d'humanisme et de fraternité quant à l'austérité de Derrick en instance (d'éventuelle) clémence.

Affichant une fulgurance formelle atmosphérique au sein d'un paysage post-apo horrifique, Pitch Black fait presque office de modèle d'efficacité dans son lot de scènes d'actions parfois impitoyables si bien que n'importe quel survivant peut trépasser d'une séquence à l'autre (le dénouement en étonnera d'ailleurs plus d'un !). Constamment inventif lorsqu'il s'agit de mettre en lumière sa scénographie nocturne parmi l'appui d'un anti-héros nyctalope et parmi l'attirail de gadgets fluos que nos survivants improvisent en guise de survie, l'action ne cesse de rebondir sous leurs impulsions pugnaces tantôt sournoises. 

Eric Binford
3èx

Définition de Nyctalope: faculté de voir la nuit