jeudi 31 octobre 2013

Henry, portrait d'un serial-killer

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site gallerytheimage.com

"Henry: Portrait of a Serial Killer" de John Mc Naughton. 1986. U.S.A. 1h23. Avec Michael Rooker, Tom Towles, Tracy Arnold.

Sortie salles France: 6 Février 1991

FILMOGRAPHIE: John Mc Naughton est un réalisateur américain, né le 13 Janvier 1950 à Chicago. 1984: Dealers in Death. 1986: Henry, portrait d'un serial killer. 1991: Sex, drugs, Rock and Roll. 1991: The Borrower. 1993: Mad Dog and Glory. 1996: Normal Life. 1998: Sexcrimes. 2000: Condo Painting. 2001: Speaking of sex. 2004: Redliners. 2009: Backstabbers. 2013: The Harvest.


Ce film s'inspire de fait réels. Ce n'est pas une histoire vraie proprement dite. Les aveux d'un certain Henry ont servi à faire ce film. Aveux qu'il a niés, par la suite. Otis et Becky sont des personnages fictifs. 

Interdit en salles durant 4 ans par la censure américaine et estampillé X, Henry est le premier long-métrage du réalisateur John Mc Naughton. Inspiré du personnage d'Henry Lee Lucas, tueur en série responsable de plus de 199 meurtres, le film dépeint la dérive meurtrière d'un duo d'anciens taulards, des marginaux résolument reclus de leur condition miséreuse. D'un côté, Henry, le plus influent, est un tueur méthodique extériorisant sa rage sur les innocents depuis le traumatisme de son enfance galvaudée par une mère prostituée. De l'autre, Otis est un badaud écervelé facilement influencé par le vice et la perversion. A bord de leur véhicule, ils sillonnent les quartiers nocturnes afin d'assassiner au hasard d'une rue des citadins. Au coeur de ce duo indocile, la soeur d'Otis, Becky, tente de se faire une place dans leur appartement restreint et s'efforce à chercher un petit boulot de strip-teaseuse avant de tomber amoureuse d'Henry. Car épris d'empathie et d'identification pour ses confidences martyrs, Becky eut été préalablement victime d'une enfance incestueuse vis à vis de son géniteur. A travers le teint blafard d'une photo granuleuse ainsi que le souci documentaire d'une réalisation expérimentale,  John Mc Naughton nous immerge au sein d'un cauchemar urbain profondément glauque et crapuleux. Ainsi, le climat poisseux, particulièrement prégnant, s'avère si malsain qu'à la sortie de la projo nous nous sentions physiquement pollués par cette débauche où la saleté du sang et les cris d'agonie résonnent encore tel un écho !


Or, en autopsiant sans concession le portrait de deux assassins arriérés, littéralement vautrés dans le meurtre, Henry... constitue une épreuve de force morale toujours plus dérangeante de par sa gratuité profondément perverse. Car en position de voyeur, nous sommes contraints de témoigner de l'existence triviale du trio de chômeurs (Otis va vite abdiquer son poste de pompiste au fil de son cheminement meurtrier) et surtout d'espionner par l'oeil de la caméra leurs méfaits criminels par le truchement de leurs errances nocturnes. La contrainte de subir leur quotidienneté misérable et surtout d'assister à leurs exactions sanglantes provoquant un malaise viscéral tangible du fait de son traitement hyper réaliste. Ainsi, en évitant toute forme de racolage, John Mc Naughton filme de manière crue des meurtres brutaux à l'aide d'une caméra vhs qu'Otis se divertit à préserver en mémoire. Alors que du point de vue de Henry (l'être le moins licencieux car jamais assouvi de sadisme), les crimes sont souvent établis hors champs en nous proposant simplement d'en découvrir la résultante des mutilations. Qui plus est, les flash-back émis au son des hurlements des victimes rehaussent l'aspect cauchemardesque de l'esprit dérangé d'Henry, prisonnier de ses pulsions vengeresses et torturé par ces démons. On s'étonne d'ailleurs de lui éprouver un chouia d'empathie pour le rapport à la fois amical et affectueux entretenu avec Becky, et ce juste avant de renouer avec ses pulsions malades.


Incarné par des comédiens transis de vérité à travers leur dégénérescence immorale, Henry... provoque autant de fascination pour l'aspect reportage infligé à sa mise en scène que de dégoût pour la représentation radicale du duo de serial-killers irrécupérables. Glaçant et psychologiquement perturbant du fait de son épineuse intensité (telle ce massacre d'une famille filmé en mode "VHS" !), rarement un film d'horreur n'aura décrit avec autant de vérisme et véracité l'introspection pathétique de deux monstres humains. 
Pour public averti.

L'avis de Mathias Chaputhttp://horrordetox.blogspot.fr/2011/03/henry-portrait-of-serial-killer-de-john.html

*Bruno
31.10.13. 3èx


mercredi 30 octobre 2013

BYZANTIUM

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site onechannel.tv

de Neil Jordan. 2012. Irlande/Angleterre. 2h01. Avec Gemma Arterton, Saoirse Ronan, Jonny Lee Miller, Sam Riley, Caleb Landry Jones, Tom Hollander, Daniel Mays.

Sortie salles Angleterre / Irlande. 31 Mai 2013. France: Direct To Video

FILMOGRAPHIE: Neil Jordan est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain irlandais, né le 25 Février 1950 à Sligo. 
1982: Angel. 1984: La Compagnie des Loups. 1986: Mona Lisa. 1988: High Spirits. 1989: Nous ne sommes pas des Anges. 1991: L'Etrangère. 1992: The Crying Game. 1994: Entretien avec un Vampire. 1996: Michael Collins. 1997: The Butcher Boy. 1999: Prémonitions. 1999: La Fin d'une Liaison. 2002: L'Homme de la Riviera. 2005: Breakfast on Pluto. 2007: A vif. 2009: Ondine. 2012: Byzantium


Cinéaste auteur déjà responsable d'authentiques perles du genre (The Crying Game, La Compagnie des Loups, Entretien avec un Vampire), Neil Jordan renoue avec l'ambition de ses débuts pour un second traitement émis au thème vampirique dans une volonté de renouveler les codes du genre.  
Deux femmes vampires tentent de survivre dans leur société moderne et trouvent refuge auprès d'une auberge surnommée Byzantium. La plus jeune d'entre elles tombe amoureuse d'un amant et lui dévoile son histoire vieille de 200 ans. C'est alors que débarque une confrérie ayant pour unique motivation de les annihiler. Pourvu d'intentions louables afin de redonner un sang neuf au mythe du vampire et surtout d'oeuvrer dans le vrai cinéma fantastique, Byzantium joue dans la cour des grands à daigner illustrer la nouvelle débâcle d'un couple de vampires, prises à parti avec des misogynes indomptables et quelques émissaires aussi pugnaces. Alors qu'Eléanor semble lamentée de sa condition d'immortelle dans son corps d'adolescente de 16 ans, sa mère Clara se livre à la prostitution afin de subvenir à leur besoin. Epris de mélancolie et de contrariété, Eléanor trouve refuge dans les bras d'un partenaire tout aussi dépressif. Dans un désir de confidence et afin de soulager sa culpabilité, elle écrit un journal qu'elle finit par dévoiler à son confident. 


En alternant l'époque contemporaine et victorienne, le film se scinde par l'entremise de flash-back où nous allons pouvoir étudier le passé de nos héroïnes afin de comprendre de quelle manière ont-elles pu devenir des vampires et par quelle malédiction ! Pour leur caractérisation surnaturelle, Neil Jordan ne s'embarrasse pas des stéréotypes orthodoxes pour nous ressortir l'attirail des canines pointues, du miroir sans reflet et des pouvoirs surhumains. Bien au contraire, avec modestie, nos suceuses de sang toutes en humanisme sont ici simplement pourvues d'un ongle acéré pour attaquer leur proie afin d'entailler la chair et en siroter toute la sève. Pourvu d'une photographie somptueuse et d'une imagerie lyrique parfois ensorcelante, Byzantium tente de nous séduire et nous captiver à travers la complexité torturée de ces femmes condamnées à la solitude, car dépréciées par une confrérie misogyne réfutant la procréation. Le scénario structuré faisant la part belle à la psychologie conflictuelle entre une mère obtus et sa fille dépressive, d'autant plus épiées par des antagonistes machistes ou couards. Malencontreusement, et en dépit de la sincérité évidente du réalisateur, Byzantium peine à captiver durant sa première heure auquel son rythme fastidieux l'empêche de nous impliquer au plus près du désarroi des héroïnes. Qui plus est, son manque d'intensité dans les enjeux accordés nous détache parfois de leur vicissitude déclinante. Néanmoins, on se réconforte auprès de certaines séquences fantasmagoriques à la poésie stylisée (la fontaine de jouvence inondée de sang), d'idées retorses (le repère des chauves-souris et leurs effets occultes) et d'une seconde partie mieux maîtrisée dans son rythme fertile en péripéties. Enfin, la beauté charnelles des actrices, où la notion de saphisme est parfois effleurée, ainsi que leur dimension humaine allouée, est rehaussée du jeu dépouillé des comédiennes. 


Si le premier acte de Byzantium risque de décourager certains spectateurs par sa monotonie pesante, la suite s'avère mieux gérée pour préserver l'intérêt des vicissitudes d'Eléanor et Clara. En demi teinte donc bien que parsemé d'éclairs de génie et d'effusions sanglantes, mais un spectacle éminemment intègre, original et stylisé. Pour parachever, cette nouvelle variation vampirique peut se targuer de considérer le spectateur comme un cinéphile studieux en quête de divertissement intelligent. 

30.10.13
Bruno Matéï 

    mardi 29 octobre 2013

    IMPULSE (Pulsion Homicide)

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviescreenshots.blogspot.com

    de Graham Baker. 1984. U.S.A. 1h31. Avec Meg Tilly,  Tim Matheson, Hume Cronyn, Bill Paxton, John Karlen, Claude Earl Jones.

    Sortie salles U.S: 28 Septembre 1984

    FILMOGRAPHIEGraham Baker est un réalisateur, producteur et scénariste américain.
    1981: La Malédiction Finale. 1984: Impulse. 1988: Futur Immédiat, Los Angeles 1991. 1990: The Recruit. 1991: Ni dieu ni maître (Born to Ride). 1999: Beowulf


    Trois ans après la Malédiction Finale et pour une seconde fois Graham Baker renoue avec la série B fantastique militant ici contre la pollution chimique. Dans une petite ville bucolique, suite à un séisme, leurs habitants sont soudainement épris d'accès de démence incontrôlée ! Série B modeste ayant connu son petit succès auprès des vidéos-clubs des années 80, Impulse est notamment une nouvelle occasion pour Meg Tilly de renouer avec le genre après s'être fait remarquée un an au préalable dans Une Nuit trop noire et Psychose 2. Avec un pitch de départ accrocheur digne d'un épisode de la 4è Dimension, Graham Baker ne manque pas d'audace pour illustrer la lente dégénérescence "schizo" de citadins contaminés par un produit toxique. Ainsi, c'est à travers le personnage de Jennifer que nous allons suivre cette folie collective après qu'elle eut reçu un appel de sa génitrice. Dans des propos incohérents extrêmement virulents, cette dernière s'en prend violemment à elle pour lui reprocher d'être responsable de sa dépression. Quelques minutes plus tard, la mégère se tire une balle dans la tête mais y survit in extremis ! Avec l'aide de son mari, Jennifer retourne dans sa région natale pour se rendre à l'hôpital auprès d'elle afin de tenter de saisir les motivations de son suicide. Au même moment, d'étranges évènements surviennent auprès de la population, les habitants semblant épris de pulsions immorales !


    Avec cet argument prometteur décuplant nombre d'incidents débridés, Impulse dégage un parfum de souffre assez fascinant du point de vue des protagonistes renouant avec leurs bas instincts ! A l'image de ce médecin délibéré à couper le tube d'oxygène d'une patiente de façon irrégulière pour mieux observer ses instants d'agonie ! Alors qu'un peu plus tard, le shérif régional ne vas pas hésiter à abattre d'une balle dans le dos un adolescent suspecté de vol à l'étalage ! Cette succession d'accidents volontaires dénués de raisonnement nous confine donc dans un cauchemar halluciné où notre pauvre Jennifer (Meg Tilly dégage une belle fragilité émotionnelle) tentera de préserver sa famille en guise de survie. Rehaussé du climat champêtre d'un soleil écrasant, Impulse insuffle des sentiments troubles d'inquiétude et de rire nerveux lorsque les victimes intoxiquées sont incapables de pouvoir réfréner leur accès d'irascibilité ! Cette psychose collective n'épargnant aucun citadin, Jennifer semble de plus en plus compromise à protéger ses proches, à moins que la résolution de cette pandémie n'y soit enfin divulguée. Que nenni ! Graham Baker réfutant le happy end salvateur et enfonçant le clou du nihilisme lors d'une conclusion glaçante Spoiler ! où les autorités du gouvernement seront directement mises en cause afin d'étouffer l'affaire ! Fin du Spoil


    Série B fantastique écolo non dénuée de maladresses de par sa réalisation parfois hésitante et auprès des réactions parfois incohérentes des personnages, Impulse joue la carte du délire incongrue à travers son thème alarmiste lié à la pollution, et ce afin de mieux nous surprendre. Le caractère attachant des protagonistes (comédiens de seconde zone au visage familier !), son climat versatile et surtout l'audace impartie à certains moments scabreux (les échanges de regards lubriques entre un adulte et une adolescente) renforcent la nature saugrenue de cet ovni injustement méconnu. 

    Dédicace à Christophe Colpaert
    29.10.13
    Bruno Matéï


    lundi 28 octobre 2013

    L'HOMME AU MASQUE DE CIRE (House of Wax)

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site fearsforqueers.blogspot.com

    d'André De Toth. 1953. U.S.A. 1h28. Avec Vincent Price, Paul Picerni, Frank Lovejoy, Phyllis Kirk, Carolyn Jones, Charles Bronson.

    FILMOGRAPHIE SELECTIVE: André De Toth (Endre von Toth) est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, d'origine austro-hongroise, né le 15 Mai 1912 à Mako (Csongrad), décédé le 27 Octobre 2002 à Burbank (Californie).
    1942: Le Livre de la Jungle (réalisation de 2è équipe). 1944: Dark Waters. 1947: Femme de feu. 1947: l'Orchidée Blanche. 1951: Le Cavalier de la mort. 1952: Les Conquérants de Carson City. 1953: L'Homme au Masque de cire. 1954: Chasse au gang. 1955: La Rivière de nos amours. 1959: La Chevauchée des bannis. 1960: Contre-espionnage. 1961: Les Mongols. 1963: l'Or des Césars. 1968: Enfants de salaud.


    Remake d'un petit classique oublié des années 30, l'homme au Masque de Cire va largement dépassé son modèle sous la houlette d'André De Toth, cinéaste plus habitué aux westerns traditionnels que l'épouvante gothique. Pourvu d'un Technicolor resplendissant et de l'interprétation magnétique du monstre Vincent Price, ce chef-d'oeuvre inspiré du Fantôme de l'Opéra suscite autant la même fascination, sans tenir compte du procédé 3D révolutionnaire de l'époque ! Régisseur d'un musée de cire, Henry Jarrod voue un amour immodéré pour ses mannequins de cire. Un soir, son associé cupide décide d'incendier l'établissement afin de toucher une prime d'assurance de 25 000 dollars. Porté disparu, Henry élabore une vengeance diabolique au sein de ses nouvelles créations. 


    A travers la vengeance morbide d'un sculpteur entièrement voué à sa passion, André De Toth livre un classique d'épouvante d'une santé florissante dans sa réalisation alerte prenant soin de tailler une carrure à ses divers personnages. Que ce soit notre "monstre au masque" accompagné de sbires disciplinés (dont l'un d'eux s'avère incarné par le tout jeune débutant Charles Bronson !), l'investigatrice Sue Allen (très convaincante dans son rôle de limier scrupuleuse !) et son fidèle amant, ou encore les policiers fureteurs aux réparties sarcastiques ! Chacun de ces protagonistes s'implique dans l'action avec intégrité et font progresser les évènements dans une notion de suspense habilement dosée. L'amour désespéré que porte Henry pour son (nouveau) modèle féminin et l'enquête suspicieuse menée par cette dernière (Sue Allen) sont les principaux moteurs émotionnels où leur confrontation va s'avérer toujours plus intense et risquée ! Outre l'esthétisme raffiné imparti à sa scénographie gothique du musée de cire, l'Homme au masque de cire est donc rehaussé d'une intrigue solide alternant rebondissements horrifiques, humour noir et étude policière. Au delà de la prestance sacrée de Vincent Price, artiste maudit féru d'amour pour sa "Marie Antoinette", la fascination exercée est notamment décuplée par les mannequins historiques qui jalonnent le musée dans une reconstitution minutieuse afin de mieux coller à la réalité des faits exposés. Cette aura fantastique sous jacente qui enveloppe le récit est d'autant plus trouble quand on sait que sous l'apparence étrangement humaine de ces figures encaustiques se planque un cadavre humain !


    En dépit de son attrait irrésistiblement ludique, sa rutilance formelle et la densité des personnages, l'Homme au Masque de cire aborde en sous-texte une réflexion sur l'art perfectible, la quête du sensationnalisme au sein de l'entertainment (le public en quête d'émotions toujours plus intenses !) et surtout la passion dévorante allant à l'encontre de la raison. Sous l'allégeance indéfectible de Vincent Price, cette vengeance macabre est immortalisée au rang de classique inoxydable  !

    28.10.13. 5èx
    Bruno Matéï


    samedi 26 octobre 2013

    TOP SECRET !

                                              Photo empruntée sur Google appartenant au site fan-de-cinema.com

    de Jim Abrahams, Jerry et David Zucker. 1984. U.S.A/Angleterre. 1h30. Avec Val Kilmer, Lucy Gutteridge, Billy J. Mitchell; Christopher Villiers, Michael Gough, Sydney Arnold, Jim Carter, Omar Sharif, Peter Cushing, Jeremy Kemp.

    Sortie salles France: 26 Septembre 1984. U.S: 8 Juin 1984


    FILMOGRAPHIE: David Zucker est un réalisateur, producteur, scénariste, acteur, cascadeur américain, né le 16 Octobre 1947 à Milwaukee, Wisconsin (Etats-Unis). 1980: Y'a t-il un pilote dans l'avion ? 1984: Top Secret. 1986: Y'a t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988: Y'a-t'il un flic pour sauver la reine. 1991: Y'a t'il un flic pour sauver le président ? 1993: For Goodness Sake. 1998: BASEketball. 2003: Mon boss, sa fille et moi. 2003: Scary Movie 3. 2006: Scary Movie 4. 2008: An American Carol.
    Jim Abrahams est un scénariste, réalisateur, producteur et acteur américain, né le 10 Mai 1944 à Shorewood. 1980: Y'a t-il un pilote dans l'avion ? 1984: Top Secret. 1986: Y'a t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988: uand les jumelles s'emmêlent. 1990: Roxy est de retour. 1991: Hot Shots ! 1993: Hot Shots 2. 1997: Au risque de te perdre. 1998: Le Prince de Sicile.
    Jerry Zucker est un producteur, réalisateur, scénariste et acteur américain, né le 11 Mars 1950 à Milwaukee, Wisconsin. 1979: Rock 'n' Roll Hgh School. 1980: Y'a t-il un pilote dans l'avion ? 1984: Top Secret. 1986: Y'a t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1990: Ghost. 1995: Lancelot. 2001: Rat Race.


    Quatre ans après le succès phénomène Y'a t'il un pilote dans l'avion ?, le trio Jim Abrahams, David et Jerry Zucker récidive dans la parodie afin de rendre hommage en l'occurrence à l'espionnage et l'action belliqueuse. Pour anecdote, l'apparition clin d'oeil d'Omar Sharif (franchement à l'aise dans un rôle aussi grotesque !) est d'ailleurs une note d'intention au film d'espionnage homonyme de Black Edwards réalisé en 1974. Comédie débridée au non-sens que n'aurait pas renié les Monty Python, Top Secret brasse tous azimuts les classiques vintage des années 40/50 (la Grande Evasion, le Magicien d'Oz, l'Homme qui en savait trop, Stalag 17) et les produits modestes des années 80, à l'instar de l'inénarrable le Lagon bleu, gros succès "fleur bleue" des années 80. A travers la simplicité d'un scénario improbable (avec l'aide de résistants, un chanteur de rock va tenter de faire évader un savant notoire emprisonné en Allemagne de l'Est pour l'achèvement d'une arme secrète), nos réalisateurs perpétuent leur tradition du pastiche cartoonesque avec toujours autant de verve impayable.


    En comptant un gag visuel ou verbal toutes les 15 à 20 secondes, Top Secret ne peut pas concourir à la perfection de l'hilarité. Mais l'abattage des comédiens (Val Kilmer en tête, imitant spontanément Elvis Presley dans la peau de Nick Rivers !), les numéros musicaux chorégraphiés avec entrain et sa frénésie visuelle lorgnant vers le fantastique (la démarche et le langage verso du bibliothécaire incarné par Peter Cushing, la scénographie d'un saloon subitement régie sous la mer !) nous plongent dans un délire anarchique où l'absurdité est à son apogée. Si les éclats de rire ne sont pas aussi probants que leur indémodable premier chef-d'oeuvre, les ZAZ ont tout de même procréé l'objet culte d'une farce impétueuse !

    26.10.13
    Bruno Matéï



    vendredi 25 octobre 2013

    LES REVOLTES DE L'AN 2000 (¿Quién puede matar a un niño? / Who can kill a child ?)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinaff.com

    de Narciso Ibanez Serrador. 1976. Espagne. 1h50. Avec Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, Miguel Narros, Maria Luisa Arias, Marisa Porcel, Juan Cazalilla.

    Récompense: Prix de la Critique à Avoriaz, 1977

    Sortie salles France: 2 Février 1977. Espagne: 26 Avril 1976

    FILMOGRAPHIE: Narciso Ibanez Serrador est un scénariste, producteur et réalisateur uruguayen, né le 4 Juillet 1935 à Montevideo (Uruguay).
    1969: La Résidence. 1976: Les Révoltés de l'An 2000 



    Longtemps resté inédit en Dvd en France, les Révoltés de l'An 2000 est une perle rare d'un cinéaste discret natif d'Espagne, bien qu'ayant déjà ébranlé les cinéphiles avec un premier chef-d'oeuvre de perversité gothique, la RésidenceSur une petite île, un couple de vacanciers doit affronter une ribambelle d'enfants tueurs. Cette trame aussi linéaire qu'improbable s'érige sous la caméra de Narciso Ibanez Serrador en acmé d'effroi de par sa tension éprouvante. La force incisive de ce cauchemar hermétique émanant de son thème lié à l'enfance meurtrie et de sa mise en scène alerte réfutant la moindre gaudriole grand-guignol ! A l'instar de son générique abominable laissant défiler des images d'archives de crimes de guerre perpétrés contre eux ! Cette introduction hautement dérangeante est une illustration barbare de ce que l'humanité peut envisager de pire sur leur progéniture en cas de génocide ! Passé cette turpitude, le film va y extraire une fable contestataire auprès de ces bambins motivés à passer à l'action du talion contre la cruauté de l'homme !


    Quoi de plus banal qu'un garçonnet innocent batifolant avec ses fidèles camarades au sein d'une ruelle ! Sauf qu'en l'occurrence, leur environnement insulaire duquel ils sont originaires est épargnée de moindre présence parentale ! Ainsi, à travers un sens du suspense lattent et la confection avisée du climat de mystère, le réalisateur tisse une toile d'araignée autour d'un couple d'itinérants complètement désorientés par le mutisme pesant des citadins. Pour autant, c'est parmi le témoignage de deux survivants qu'ils vont pouvoir mesurer la gravité du danger ! Si bien qu'ici, les bambins fripons à la bouille angélique tuent sans la moindre hésitation tout étranger majeur ! Outre le fait que l'hostilité meurtrière provient de ces chérubins à tête blonde, aucune justification nous est divulguée pour leurs exactions vengeresses ! (même si on peut suggérer qu'ils se transmettent leur haine par télépathie). Ainsi, ce refus d'explication rationnelle augmentera le malaise diffus que le spectateur perçoit avec aigreur, quand bien même l'apparence "anodine" des enfants nous embrigade dans une situation de grande impuissance. Et donc, cet enjeu de survie que le couple devra déjouer désespérément s'avère d'autant plus malsain que la rigueur qui y émane les contraint de riposter avec une violence intolérable. Néanmoins, on en dira de même des enfants goguenards capables d'exercer des sévices indécents contre l'étranger (le vieillard battu à mort à l'aide d'un bâton, le jeu de la serpe sur cette même victime, la défunte déshabillée par des enfants ricaneurs, le lynchage collectif du père que sa fille eut provoqué). De par son âpre réalisme ainsi qu'une dimension psychologique davantage éprouvante, Narciso Ibanez Serrador y élabore une impitoyable descente aux enfers pour la frêle destinée de nos héros. A l'instar de son final nihiliste atteignant une intensité dramatique sans compromis !


    Il est né l'enfant du miracle, Héritier du sang d'un martyr.
    Inquiétant, dérangeant, effrayant et d'une cruauté inouïe, Les Révoltés de l'an 2000 constitue une épreuve de force d'une rare puissance émotionnelle et d'évocation (à l'image insensée du foetus exterminant de l'intérieur de l'abdomen sa propre génitrice, il fallait oser pareille idée tordue ! ). Ainsi, l'originalité burnée de son scénario, la rigueur de son climat désespéré et le jeu étrangement naturel des bambins n'auront jamais été aussi convaincants pour transcender la thématique de l'enfant tueur ! Et si un jour leur révolte aurait lieu, serions nous capables d'enrayer pareille menace planétaire ?

    Note: Faute d'une violence jugée pénible, la Finlande et l'Islande ont interdit le film dans leur contrée.

    *Bruno
    25.10.13. 3èx

    La critique de Mathias Chaputhttp://horrordetox.blogspot.fr/2011/07/les-revoltes-de-lan-2000-de-narciso.html
    La critique deThierry Carterethttp://www.arkepix.com/kinok/DVD/SERRADOR_Narcisso/dvd_revoltesan2000.html


    jeudi 24 octobre 2013

    LE BLOB (The Blob)

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site backtothemovieposters.blogspot.com

    de Chuck Russel. 1988. U.S.A. 1h35. Avec Kevin Dillon, Shawnee Smith, Donovan Leitch, Ricky Paull Goldin, Jeffrey DeMunn, Candy Clark, Joe Seneca, Del Close.

    FILMOGRAPHIE: Chuck Russel est un réalisateur, producteur, scénariste américain, né le 6 Août 1952 à Highland Park dans l'Illinois (Etats-Unis).
    1987: Freddy 3. 1988: Le Blob. 1994: The Mask. 1996: l'Effaceur. 2000: l'Elue. 2002: Le Roi Scorpion. 2014: Arabian Nights.


    Remake d'un classique ringard des années 50 incarné par le tout jeune débutant Steve McQueen, Le Blob revient 30 ans plus tard sous la houlette du néophyte Chuck Russel. Après avoir succéder à Wes Craven et Jack Sholder pour l'entreprise du 3è opus de Freddy, cet habile faiseur de série B élabore avec son second métrage une réactualisation beaucoup plus stimulante que son ancêtre.


    Grâce aux effets spéciaux conçus en partie par la société Dream Quest Images, le Blob redouble de punch et d'efficacité à élaborer des séquences cinglantes aussi inventives que spectaculaires. Dans un esprit cartoonesque et avec une dose de dérision sardonique, les attaques récurrentes de la fameuse gélatine organique s'avèrent redoutablement jouissives lorsqu'elle décide de s'attaquer aux quidams pour les ingurgiter. A l'instar de ce pauvre clochard ayant osé toucher la masse visqueuse à l'aide d'un bâton après avoir été témoin du crash d'un météore. Avec originalité, Chuck Russel rivalise d'audaces à piéger les victimes au sein d'endroits familiers lors des confrontations avec la chose ! Que ce soit à l'intérieur d'une cabine téléphonique ou d'une voiture, dans une chambre d'hôpital ou sous la bouche d'un évier, au plafond d'un cinéma ou dans les sous-sols de conduits, le Blob se faufile et s'infiltre dans chaque recoin avec une sagacité redoutable ! Car plus elle ingurgite de victimes, plus sa masse protéiforme s'amplifie ! Néanmoins, cette germe tueuse venue de l'espace par la faute de l'homme possède une faille, celle de ne pas supporter la température extrême du froid ! Alors qu'un couple d'adolescents va tenter d'avertir les autorités et la population du danger exponentiel, une équipe de confinement biologique (des bactériologues véreux) va tenter de préserver la chose pour l'asservir en arme de guerre au péril des citadins.


    Attention au Blob ! ça colle !
    Avec sa mise en scène nerveuse et son intrigue efficiente multipliant courses-poursuites, action explosive et scènes gores inventives, le Blob réussit à divertir dans un savoir-faire artisanal. A l'instar de ces remarquables trucages adroitement peaufinés pour caractériser l'horreur graphique ou l'aspect dévastateur de la gélatine. Enfin, le duo attachant formé par deux amants pugnaces (Kevin Dillon n'est autre que le frère de Matt Dillon !) contourne le stéréotype du teenager écervelé avec une dose d'humanité intègre.   

    24.10.13. 3èx
    Bruno Matéï

    mercredi 23 octobre 2013

    MOTHER'S DAY

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site backtothemovieposters.blogspot.com

    de Charles Kaufman. 1980. 1h31. U.S.A. Avec Nancy Hendrickson, Deborah Luce, Tiana Pierce, Holden McGuire, Billy Ray McQuade, Robert Collins, Rose Ross.

    Sortie salles U.S: Septembre 1980

    FILMOGRAPHIE: Charles Kaufman est un réalisateur, producteur et scénariste américain. Il est le frère du producteur de la firme Troma. 1977: The Secret Dreams of Mona. 1980: Mother's Day. 1982: Ferocious Female Freedom Fighters? 1985: When Nature Calls. 1988: Jakarta.


    "L'éducation consiste à nous donner des idées, et la bonne éducation à les mettre en proportion."
    Hit vidéo des années 80, Mother's Day fit les beaux jours des fantasticophiles friands de bande horrifique décomplexée. Si aujourd'hui cette bisserie sponsorisée par le label Troma est un peu sombré dans l'oubli, on se surprend toujours de l'efficacité du concept familial soumis au survival aussi brutal que sardonique. Trois amies célibataires décident de passer un week-end bucolique en pratiquant le camping sauvage. La nuit tombée, elles sont attaquées par une bande de rednecks assoiffés de violence. Excités par leurs nouveaux trophées, ils s'empressent de les présenter à leur charmante génitrice. Démarrant sur les chapeaux de roue, personne ne peut oublier son prologue goguenard au cours duquel un jeune couple fera les frais d'un stratagème criminel autour d'une fausse panne de voiture. Car à proximité d'un sentier forestier, deux hommes masqués font subitement irruption pour alpaguer les amants. Décapitation spectaculaire du malheureux puis surtout passage à tabac de la jeune fille sont sauvagement illustrés sous nos yeux avec une crudité tranchée. Se réjouissant avec une bonhomie espiègle, la mamie applaudit les exploits sanguinaires de ces deux rejetons. Fondu au noir, le générique peut débuter ! Bienvenue chez Mother's Day dont le titre débridé est déjà à lui seul une plaisanterie de mauvais goût ! A travers le modèle lucratif du slasher et du survival, Charles Kaufman complote une immense farce sanglante où les clichés orthodoxes sont directement inspirés des bandes déviantes des années 70 (Massacre à la Tronçonneuse, la Colline a des Yeux) et du phénomène symptomatique Vendredi 13 (sorti sur les écrans 4 mois au préalable !).


    Si nos personnages potaches pour autant attachants dans leur esprit jouasse, et les situations convenues pullulent lors de sa première demi-heure, les évènements suivants convergent au spectacle cartoonesques infiniment bête et méchant ! Avec l'efficacité d'une décharge d'ultra violence héritée des séries B d'exploitation des Seventies, Mother's Day accumule les séquences extrêmes où viols, sévices et humiliations seront le calvaire quotidien de nos trois étudiantes. Embrigadées dans une baraque familiale insalubre encombrés de TV, déchets et malbouffe, elles tenteront désespérément d'y sortir en comptant sur leur sororité. Si l'intrigue conventionnelle ne fait pas preuve d'originalité, le portrait inouï alloué au trio familial éclabousse constamment l'écran avec une ironie galvanisante. Car ces deux benêts sevrés aux séries TV et tributaires d'une rombière narcissique sont éduqués dans une hiérarchie militaire afin de mieux martyriser les quidams égarés. Leur entrainement drastique s'avère d'ailleurs assez irrésistible de drôlerie lorsqu'ils s'opposent à la compétition sportive face à la fierté de leur maman ! En prime, pour relancer le survival en lieu clos, Charles Kaufman enchaîne les courses poursuites à travers bois puis se rattache au sous-genre du rape and revenge avec une pointe d'intensité dramatique assez empathique ! (le sort tragique imputé à l'une des victimes). Les filles éreintées d'épuisement et de désagrément lors de leur évasion finissant ensuite par élaborer de terribles châtiments à leurs agresseurs avec une hargne littéralement bestiale ! Coup de hache dans les testicules, aiguille plantée dans le cou, acide déversée dans le gosier, téléviseur encastré dans la tête, strangulation et charcutage au couteau électrique ! Autant dire que les effets-chocs terriblement cinglants s'enchaînent avec une efficacité effrénée ! Par le biais de ces héroïnes en herbe déterminées, on apprécie également le développement de leur esprit solidaire, rebelle et pugnace après avoir essuyé autant de souffrance morale et corporelle.


    En dépit de quelques clichés et situations potaches néanmoins funs, Mother's Day se savoure telle une friandise acidulée. De par l'esprit cartoonesque que la famille dégénérée insuffle en permanence et la cohésion désespérée de leurs victimes en proie à une aliénante rébellion. Méchamment irrévérencieux, mal élevé, subversif et immoral, Mother's Day est une inoubliable farce macabre, un cocktail survitaminé où l'audace incongrue fait constamment des étincelles.  
    A réserver toutefois à un public averti ! 

    Bruno
    11/08/18. 6èx
    23.10.13. 

    Jaquette Vhs appartenant au site l'Antre de l'horreur

    GRAVITY

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

    de Alfonso Cuaro. 2013. U.S.A/Angleterre. 1h31. Avec Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris.

    Sortie salles France: 23 Octobre 2013. U.S: 4 Octobre 2013

    FILMOGRAPHIE: Alfonso Cuaro est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur mexicain, né le 28 Novembre 1961 à Mexico.
    1991: Solo con tu pareja. 1995: Le Petite Princesse. 1998: De Grandes Espérances. 2001: Y tu mama tambien. 2004: Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban. 2006: Les Fils de l'Homme. 2013: Gravity.


    Repoussant les limites du réalisme au cinéma, Gravity marque un nouvel échelon au sein du space opera dans une forme minimaliste réfutant la surenchère traditionnelle. Nous sommes donc ici à contre-emploi des blockbusters lucratifs conçus pour épater le public ado friand de batailles intergalactiques. Ici, c'est une invitation au voyage en apesanteur auquel nous participons de plein gré ! Une contemplation de notre système stellaire tel que nous ne l'avons jamais observé auparavant ! Qui plus est, avec l'entremise du relief, ce procédé perfectible n'aura jamais été aussi inhérent afin de s'immiscer dans l'action où l'immensité de l'espace, la structure détaillée des navettes fissiles ainsi que les pluies fortuites de projectiles déploient une profondeur de champ irréelle !


    A travers la survie d'une astronaute perdue au milieu de l'infini, sévèrement perturbée par moult incidents techniques et intempéries de particules, Alfonso Cuaro nous entraîne dans une dérive cauchemardesque où la tension s'avère toujours plus expressive !
    Durant 1h30, nous sommes immergés dans la conscience fébrile de Ryan Stone, doctoresse préalablement meurtrie par le deuil accidentel de sa fille et prise de marasme lorsque le manque d'oxygène de sa combinaison se fait sentir. A travers son cheminement personnel partagé entre l'instinct de survie et le désir du sacrifice, le réalisateur célèbre le courage et le dépassement de soi. La capacité psychologique de pouvoir se relever en désespoir de cause et obstruer ses pensées les plus noires, notamment la dignité du baroud d'honneur pour la reconquête d'une vie terrestre.
    Bouleversante quand elle livre ses confidences morales face à notre témoignage ou devant son poste émetteur en guise de solitude, Sandra Bullock livre une interprétation viscérale à coeur ouvert. La puissance émotionnelle qui émane de son désespoir existentiel et sa volonté de déjouer son défaitisme nous accable d'une manière d'autant plus intimiste que personne ne peut lui venir en aide au coeur de cet abyme mutique.


    Alone
    Prouesse technique et visuelle étourdissante de virtuosité à tel point que certaines images anthologiques confinent au vertige (les astronautes incessamment livrés au vide de l'apesanteur) ou à la claustration suffocante (l'intérieur des sas auquel Ryan est contrainte de se blottir), Gravity exalte le lyrisme poétique d'un cinéaste entièrement voué à l'humanité de son personnage. Confrontés à un enjeu de survie redoublant de vicissitudes mortelles, Alfonso Cuaro nous fait participer à une expérience cinématographique sensitive, nouveau langage expérimental établi via une caméra amovible. Et de porter à l'édifice un magnifique portrait de femme fragile où la dernière image, symbolique, nous déchire le coeur dans son onirisme naturaliste.  

    23.10.13
    Bruno Matéï

        

    mardi 22 octobre 2013

    NE VOUS RETOURNEZ PAS (Don't look now)

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieramblings.com

    de Nicolas Roeg. 1973. Angleterre/Italie. 1h50. Avec Donald Sutherland, Julie Christie, Hilary Mason, Clelia Matania, Massimo Serato, Renato Scarpa.

    Sortie salles France: 18 Septembre 1974

    FILMOGRAPHIE: Nicolas Roeg est un réalisateur anglais et directeur de photo, né le 15 Août 1928 à Londres.
    1970: Performance. 1971: La Randonnée. 1973: Ne vous retournez pas. 1976: l'Homme qui venait d'ailleurs. 1980: Enquête sur une passion. 1984: Eureka, 1985: Insignificance. 1986: Castaway. 1988: Track 29. 1990: Les Sorcières. 1991: Cold Heaven. 1995: Two Deaths. 2007: Puffball.


    Pierre angulaire du fantastique cérébral, Ne Vous retournez pas est l'une des rares expériences cinématographiques à avoir su transcender l'inquiétude oppressante de manière éthérée si bien que nos sentiments troubles se laissent voguer au rythme d'une intrigue latente perpétuellement envoûtante. A contrario de son point d'orgue terrifiant culminant vers un meurtre graphique à la vision d'effroi, Nicolas Roeg brode une intrigue machiavélique où la mort s'avère le thème essentiel de cette excursion avec le mysticisme. Par l'entremise du prélude traumatique auquel une fillette en manteau rouge vient de perdre la vie en se noyant dans une rivière, Ne vous retournez pas suit le cheminement des parents endeuillés au sein de la ville spectrale de Venise.


    A travers une photo naturaliste, c'est un véritable voyage touristique que le réalisateur nous guide parmi la présence de citadins instinctivement craintifs de présence étrangère. Dans cette région mutique aux ruelles obscures, John et Laura Baxter vont établir la connaissance de deux soeurs décaties dont l'une s'avère médium. Réfractaire à l'existence d'un au-delà alors qu'au moment de la mort de sa fille un présage inscrit sur une diapositive se révéla à lui, John se retrouve confronté à son scepticisme devant le témoignage d'incidents alarmistes. De son côté, sa femme Laura se réconforte dans les bras de l'extralucide après avoir appris que sa fille se trouve en harmonie dans un au-delà serein. Néanmoins, un avertissement divinatoire va les mettre en garde que John court prochainement un grave danger. Tandis que ce dernier va à nouveau être témoin d'une étrange vision (sa propre femme vêtue de noir en compagnie des soeurs inséparables), un mystérieux tueur accoutré d'une capuche rouge perpétue ses crimes dans les parages !


    La peur innée de la mort, notre questionnement sur l'existence d'un "ailleurs", la paranoïa s'insinuant dans notre fragilité lorsqu'un deuil familial vient de nous accabler, Nicolas Roeg traite ces thèmes avec un pouvoir de suggestion hypnotique. Sa mise en scène avisée et expérimentale, exploitant à merveille le cadre touristique d'un Venise diaphane, s'enrichit d'un montage rigoureux afin de nous perturber les sens. Qui plus est, le jeu viscéral du couple Julie Christie / Donald Sutherland (à l'instar de leur étreinte charnelle où l'érotisme n'aura jamais été aussi virginal !) va agrémenter un climat sensitif où nos facultés semblent délibérément abandonnées à l'alchimie créatrice du cinéaste. Errance obsédante avec l'insolite d'une réalité indécise, balade crépusculaire avec la mort et les prémonitions, Ne vous retournez pas s'accapare de notre psyché à la manière sensorielle du paternel rongé par son deuil filial. A travers son parcours introspectif (auquel il est aussi permis d'évoquer le rêve de sa culpabilité), Nicolas Roeg évoque une réflexion spirituelle sur l'angoisse de l'inconnu et sur l'intuition en interne d'un cauchemar insurmontable.

    22.10.13. 3èx
    B-M


    lundi 21 octobre 2013

    ALL THE BOYS LOVE MANDY LANE

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site ecranlarge.com

    de Jonathan Levine. 2006. U.S.A. 1h30. Amber Heard, Anson Mount, Whitney Able, Michael Welch, Edwin Hodge, Aaron Himelstein, Luke Grimes.

    Sortie salles U.S: 11 Octobre 2013 (sortie limitée). Angleterre: 15 Février 2008. France, uniquement en Dvd: 3 Août 2010

    FILMOGRAPHIE:  Jonathan Levine est un réalisateur et scénariste américain, né le 18 Juin 1976 à New-York.
    2006: All the Boys love Mandy Lane. 2008: Wackness. 2011: 50/50. 2013: Warm Bodies.


    Inédit en salles en France et tardivement programmé aux States (il est sorti cette année le 13 Octobre !), faute d'une défaite financière des distributeurs (l'insuccès émis au dyptique Boulevard de la mort / Planet Terror), All the Boys love Mandy Lane aura connu bien des déboires pour accéder à son exploitation commerciale. Une bande d'ados décide de passer un long week-end bucolique dans le ranch familial d'un de leurs camarades. C'est aussi l'occasion pour les garçons de courtiser la jeune Mandy Lane, fille candide à la beauté renversante. Mais une série de meurtres violents vont venir ébranler leur festivité. Sous le mode opératoire du slasher de base influencé par Vendredi 13, le réalisateur Jonathan Levine se réapproprie des clichés avec une ambition bien personnelle afin de se démarquer de la routine. On est d'abord frappé par la beauté naturelle de ces images poétiques (métaphore de la puberté) mais aussi impressionné par la troublante Mandy Lane lorsqu'elle déambule dans son lycée sous le regard éperdu des adolescents. Cette égérie sexuelle attise d'autant plus curiosité, concurrence et jalousie qu'elle semble faire preuve d'abstinence pour la luxure.



    Ce personnage central, Jonathan Levine va en tirer un archétype féministe où l'aura trouble de sa présence virginale va planer durant tout le récit. Au niveau des stéréotypes impartis à la description des protagonistes (le dragueur, la blonde potiche, le bouffon, la grande gueule, le quidam valeureux, etc...) le réalisateur les fait voler en éclat en accordant une certaine humanité dans leur malaise pubère. Car si nos jeunes fêtards continuent à se droguer et forniquer dans une insouciance libertaire, le témoignage innocent de Mandy Lane et la présence meurtrière d'un tueur aux aguets vont les rappeler à l'ordre de la raison. Ou quand le slasher rencontre la chronique sociale d'une jeunesse déshumanisée par la compétition. En dépit de la stature imposée à ces personnages si souvent déconsidérés dans l'iconographie du genre, All the Boys love Mandy Lane est notamment transcendé par la stylisation d'une mise en scène rigoureuse (voire parfois même expérimentale !) en multipliant les prises de risque. Celles de bousculer les habitudes du spectateur pour son ton anti ludique et son refus de concession puisque l'aspect spectaculaire des meurtres n'a rien de divertissant. Ici, la violence est froide, crue, même si parfois hors-champs afin d'éviter la complaisance, et son réalisme désespéré nous laisse dans une certaine contrainte émotionnelle. D'autant plus que l'aspect équivoque du personnage de Mandy Lane accentue cette force émotive nous laissant au final un arrière goût amer dans la bouche. En crescendo, Jonathan Levine distille une terreur moite davantage ardue pour le sort des ados, alors que son point d'orgue nihiliste nous laisse sur le carreau pour la révélation du meurtrier ainsi que son parti-pris immoral !


    Poétique, désenchanté, dérangeant mais aussi poignant, All the Boys love Mandy Lane réfute la redite triviale pour nous livrer un psycho-killer vénéneux. Le soin formel accordé aux images graciles et la beauté envoûtante de Mandy Lane se complétant harmonieusement pour laisser en mémoire une élégie défaitiste, malaise social du constat de l'amour. Pour un premier long-métrage aussi atypique, on peut presque évoquer le coup de maître d'un auteur sagace !

    21.10.13
    Bruno Matéï

    samedi 19 octobre 2013

    A HIJACKING. (Kapringen)


    de Tobias Lindholm. 2012. Danemark. 1h39. avec Pilou Asbæk, Søren Malling, Dar Salim, Roland Møller

    Sortie salles France: 10 Juillet 2013

    FILMOGRAPHIE: Tobias Lindholm est un réalisateur, scénariste et acteur danois.
    2010: R
    2012: A Hijacking


    Dans l'océan Indien, sept marins danois vont devenir les victimes d'une prise d'otages à bord de leur navire. Leur entreprise professionnelle va tenter de négocier avec les terroristes une demande de rançon exorbitante afin de la réévaluer et sauver l'équipage. 


    Un film choc d'un réalisme décoiffant et au jeu d'acteur bluffant de vérité ! Le réalisateur danois réinventant ici le concept d'une prise d'otage avec un souci de vérité faisant office de documentaire. Principalement dans les rapports de force étroits que des hommes d'affaires et un affréteur doivent entretenir avec des terroristes afin d'établir un consensus sur la somme désirée. Alors que nos bureaucrates vont tout mettre en oeuvre pour réduire le montant de la rançon, les pirates n'auront de cesse à pratiquer le chantage contre la vie d'innocents afin d'exiger une somme extravagante.
    Du point de vue des victimes, le réalisateur privilégie une émotion viscérale envers leur traitement infligé pour des problèmes d'hygiène et auquel humiliations et jeu de soumission sont pratiquées par des rebelles sans vergogne. Un sentiment tangible de claustration est également transmis au spectateur à travers leur interminable embrigadement au sein du navire. En auscultant leur humanisme sévèrement contrarié par la chance de survie car contraints de patienter durant des mois une décision majeure, A Hijacking met en exergue leur épreuve de force toujours plus ardue jusqu'au traumatisme psychologique. Sans parler de l'attente des familles stressées, sévèrement malmenées par une situation insoutenable.
    A la manière d'un reportage, le réalisateur nous immerge donc dans un cauchemar en haute mer oppressant où l'abattement semble également nous atteindre. Au delà du jeu rigoureux de l'interprétation, on peut également louer la prestance des comédiens somaliens aux gueules faméliques éludées de moindre empathie. Impassibles et opiniâtres, même si parfois épris d'une certaine sympathie pour les otages (la séquence de beuverie qu'ils se partagent aux premières semaines des négociations), leur posture belliqueuse laisse augurer le pire quand à la mise de rançon incessamment remaniée par des notables obtus !


    Avec le réalisme tranché d'une situation de crise interminable, A Hijacking nous fait traverser le calvaire d'une prise d'otage dans une volonté immersive de nous impliquer en interne des négociations. Sa mise en scène épurée éludée de moindre fioriture, son émotion parfois ardue (le final en demi-teinte laisse une trace indélébile dans l'esprit du spectateur) et surtout le jeu authentique des comédiens laissent en mémoire un suspense éprouvant où le courage de survie est mis à rude épreuve.   

    Bruno Matéï
    19.10.13