Magic Magic

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site -films.ws

de Sebastian Silva. 2013. U.S.A. 1h37. Avec Juno Temple, Emily Browning, Michael Cera, Catalina Sandino Moreno, Agustin Silva.

Sortie salles France: 28 Août 2013 (23 Mai 2013 au Festival de Cannes). U.S: 22 Janvier 2013

FILMOGRAPHIE: Sebastian Silva est un réalisateur, scénariste et producteur chilien, né le 9 Avril 1979 à Santiago, Chilie. 2007: La vida me mata. 2009: La nana. 2010: Les vieux chats. 2013: Crystal Fairy. 2013: Magic magic.

Dans la lignée de Répulsions de Roman Polanski (pour l'ambiance schizo générée par un profil féminin taciturne) et du Locataire (pour les visions patibulaires d'un esprit monomane), Magic magic nous illustre le cas de conscience d'une jeune introvertie délogée en villégiature avec quelques compagnons au sein d'une archipel du Chili. Alors que son entourage profite de leur séjour avec engouement, Alicia éprouve de plus en plus de difficulté à se familiariser au groupe en escomptant l'arrivée de sa cousine. Cette virée champêtre somme toute banale est le début d'une lente descente aux enfers pour sa déchéance mentale inscrite dans une paranoïa schizophrène. 

Au sein du cadre naturel d'une île clairsemée, le réalisateur Sebastian Silva nous plonge dans une ambiance feutrée particulièrement hermétique afin d'examiner l'introspection douloureuse d'une jeune fille timorée beaucoup trop fragile pour s'adapter à l'environnement convivial de ses proches inconnus. Particulièrement sensible à la faune environnante, celle-ci éprouvera d'ailleurs un malaise viscéral auprès d'un de ses camarades...

Plus tôt, Alicia fut déjà éprise de remord et de tristesse face à l'abandon d'un chiot en pleine route bucolique. Ainsi, à travers sa psyché fragilisée d'anxiété, ses compagnons semblent exprimer railleries et condescendance à son égard alors qu'un chien de garde trop agité endosse une menace de plus en plus ingérable. L'indéniable empathie que l'on éprouve pour cette fille persécutée et la manière sensitive dont le réalisateur y caractérise son état de conscience nous plongent dans un drame intime où malaise et anxiété aggripent nos émotions avec acuité. En crescendo, et parmi l'aura hermétique d'une atmosphère d'étrangeté, Sebastian Silva nous confronte à son ressenti paranoïde vécu de l'intérieur. 

En victime persécutée d'affres démoniales, Juno Temple (Killer Joe) insuffle une sensibilité à fleur de peau pour nous retransmettre ses états d'âme rongés par la peur de l'autre et du vertige du vide, faute d'une solitude indissoluble. La densité humaine qu'elle y apporte nous inspire inévitablement une grande compassion face à son désarroi de sa maladie mentale. Cette intensité émotionnelle qui y émane est subtilement retranscrite par un réalisateur renonçant l'ombre du pathos pour mettre en avant la vérité humaine, comme celle de ces camarades.

Au seuil du vide
Baignant dans un climat naturel à l'étrangeté ineffable et accentué de la discrétion du score ombrageux, Magic magic provoque une angoisse toujours plus expressive pour l'attention du spectateur toujours plus affecté à témoigner d'une déchéance mentale. Beaucoup d'entre vous trouveront d'ailleurs inéquitable la manière déroutante dont le cinéaste s'entreprend d'y boucler son dénouement. Car selon nos croyances (comme celui du rituel de la magie), chacun pourra interpréter à sa manière l'issue cathartique ou sacrificielle allouée à la pathologie d'Alicia. Poignant et cauchemardesque, l'interprétation prégnante de Juno Temple se doit aussi d'être saluée pour l'expression intensive liée à sa pudeur paranoïaque. 

*Bruno

01.08.13

Un après-midi de chien (Dog Day Afternoon). Oscar du Meilleur Scénario, 1975.

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Moviecovers

de Sidney Lumet. 1975. U.S.A. 2h04. Avec Al Pacino, John Cazale, Penelope Allen, Charles Durning, Chris Sarandon, James Broderick.

Sortie salles France: 30 Janvier 1976. U.S: 21 Septembre 1975

Récompenses: Oscar du Meilleur Scénario Original, 1975
LAFCA du Meilleur film, 1975

National Film Preservation Board en 2009 (pour conservation à la Bibliothèque du Congrès des Etats-Unis).

FILMOGRAPHIE: Sidney Lumet est un réalisateur américain, né le 25 Juin 1924 à Philadelphie, décédé le 9 avril 2011 à New-York. 1957: 12 Hommes en colère. 1958: Les Feux du Théâtre. 1959: Une Espèce de Garce. 1959: l'Homme à la peau de serpent. 1961: Vu du pont. 1962: Long voyage vers la nuit. 1964: Le Prêteur sur gages. 1964: Point Limite. 1965: La Colline des Hommes perdus. 1966: Le Groupe. 1966: MI5 demande protection. 1968: Bye bye Braverman. 1968: La Mouette. 1969: Le Rendez-vous. 1970: Last of the mobile hot shots. 1970: King: A filmed record... Montgomery to Memphis. 1971: Le Dossier Anderson. 1972: The Offence. 1972: Les Yeux de Satan. 1973: Serpico. 1974: Lovin' Molly. 1974: Le Crime de l'Orient Express. 1975: Un Après-midi de chien. 1976: Network, main basse sur la TV. 1977: Equus. 1978: The Wiz. 1980: Just tell me what you want. 1981: Le Prince de New-York. 1982: Piège Mortel. 1982: Le Verdict. 1983: Daniel. 1984: A la recherche de Garbo. 1986: Les Coulisses du Pouvoir. 1986: Le Lendemain du Crime. 1988: A bout de course. 1989: Family Business. 1990: Contre Enquête. 1992: Une Etrangère parmi nous. 1993: l'Avocat du Diable. 1997: Dans l'ombre de Manhattan. 1997: Critical Care. 1999: Gloria. 2006: Jugez moi coupable. 2007: 7h58 ce samedi-là.

D'après un fait divers risible survenu le 22 Août 1972 à Brooklyn, Un après-midi de chien nous relate les bévues de deux braqueurs de banque ayant pris en otage 9 fonctionnaires durant 12 heures puis rapidement encerclés par les forces de l'ordre faute de leur incompétence. Aussitôt, médias, journalistes et badauds s'en mêlent pour se réunir autour de l'établissement afin d'assister à la mascarade la plus saugrenue de l'histoire de la criminalité ! Si bien que la prise d'otage vire ici à une véritable farce lorsque la population déchaînée s'autorise à aduler la renommée du leader épris d'un élan contestataire envers la société.Avec un réalisateur aussi confirmé que Sidney Lumet et la présence indéfectible deux acteurs au sommet de leur talent (Al Pacino et John Cazale forment un duo atypique de par leur complicité pataude et contrariée), Un Après-midi de chien dresse un tableau peu reluisant d'une société répressive dont la mutinerie d'Attica résonne tel un écho. Pour mémoire, au sein de cette célèbre prison, un soulèvement de prisonniers de nationalité majoritairement noire causèrent la mort de 29 d'entre eux contre 10 gardiens. C'est ce que clame à la foule excitée Al Pacino, alias Sonny Wortzik, père de famille de deux enfants en pleine crise conjugale du fait de son idylle homosexuelle avec un homme. La raison invoquée de son braquage ? Pouvoir s'approprier une somme conséquente afin de permettre une opération chirurgicale (un changement de sexe) à son amant !

Ainsi, avec un souci de vérité documenté, Sidney Lumet soulève donc ici une question d'éthique lorsque les services d'ordre (ici le FBI) envisagent de supprimer sans sommation un malfrat potentiellement parano et imprévisible afin de sauvegarder la survie des otages. Sur ce point, le point d'orgue dramatique s'avère d'une cruauté particulièrement amère quant à la méthode expéditive empruntée au FBI afin de neutraliser le malfrat le plus instable. A la misère sociale scrupuleusement analysée (nous saurons tout de l'existence miséricorde que mène Sonny avec sa femme intarissable, son amant dépressif et sa mère obtus si bien que les forces de l'ordre les feront intervenir devant l'établissement ou en interview médiatique), le réalisateur y introduit une bonne dose de dérision corrosive pour y caricaturer ce microcosme sociétal et mettre en exergue la situation alerte de marginaux au bout du rouleau. Cette dimension humaine impartie à l'utopie de ces deux paumés écervelés et ce degré d'authenticité alloué au cinéma vérité nous immergeant de plein fouet à travers leur prise de conscience dépressive (prioritairement l'intimité névralgique de Sonny). Ou comment deux chômeurs sans repères en étaient venus à accomplir un acte aussi suicidaire que burné !

De par sa mise en scène virtuose d'une belle rigueur et le jeu criant de vérité des pieds nickelés à l'humanisme torturé, Un après midi de chien nous confronte à un grand moment de cinéma pour relater la dérision d'un fait-divers impayable. En guise d'anecdote historique, après avoir purgé une peine de 20 ans de réclusion, le leader du braquage (de son vrai nom, John Wojtowicz), reçu 7 500 dollars et 1 % des bénéfices du film afin d'accorder des droits de son histoire. 

*Bruno
31.07.13. 3èx

Génération Perdue / The Lost Boys

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site hollywoodgothique.com

de Joel Schumacher. 1987. U.S.A. 1h37. Avec Jason Patric, Corey Haim, Kiefer Sutherland, Corey Feldman, Jamison Newlander, Jami Gertz, Edward Herrmann.

Sortie salles France: 13 Janvier 1988. U.S: 31 Juillet 1987

FILMOGRAPHIE: Joel Schumacher est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 29 Août 1939 à New-York. 1981: The Incredible Shrinking Woman. 1983: SOS Taxi. 1985: St Elmo's Fire. 1987: Génération Perdue. 1989: Cousins. 1990: l'Expérience Interdite. 1991: Le Choix d'Aimer. 1993: Chute Libre. 1994: Le Client. 1995: Batman Forever. 1996: Le Droit de Tuer ? 1997: Batman et Robin. 1999: 8 mm. 1999: Personne n'est parfait(e). 2000: Tigerland. 2002: Bad Company. 2002: Phone Game. 2003: Veronica Guerin. 2004: Le Fantôme de l'Opéra. 2007: Le Nombre 23. 2009: Blood Creek. 2010: Twelve. 2011: Effraction. 2013: House of Cards. Prochainement: Breaking News.

Conçu à la base comme un divertissement pour ados, Génération Perdue réussit à dépasser son simple statut de commande grâce à la modernité de sa variation vampirique plutôt rock and roll. Si bien que nos vampires s'apparentent à de jeunes marginaux au look rebelle, profitant de leur éternelle jeunesse dans une insouciance libertaire. Tandis que les jeunes héros doivent justement faire preuve de maturité pour les combattre. Phénomène culte chez les générations des années 80 et 90 (il fut réalisé en 1987), rehaussé d'un succès estimable en salles, Génération Perdue défie les aléas du temps tant il préserve encore aujourd'hui cette fraîcheur fringante à travers son ambiance crépusculaire de fête foraine.

Lucy Emmerson et ses deux jeunes fils débarquent dans la demeure familiale de son père en Californie. Durant une soirée estivale, l'aîné fait la rencontre de la ravissante Star, une jeune fille gravitant autour d'un groupe de rebelles de sinistre renommée. Littéralement sous le charme, cette rencontre inopinée va totalement bouleverser la vie de Michael lorsque celui-ci va devoir se mesurer aux défis que lui propose David, leader du clan. De retour chez lui, Michael semble souffrir du syndrome du vampire.

Soutenu par une bande-son rock endiablée et le fameux thème planétaire "Cry Little Sister", Génération Perdue condense une foule de qualités esthétiques et techniques pour séduire le spectateur avec un ton original pour l'époque.

Pour redonner du sang neuf au thème vampirique et ainsi convaincre la nouvelle génération, Joel Schumacher s'emploie à détourner certains codes et décors archaïques (telle la manière dont les vampires sont contraints de sommeiller, leur façon de se déplacer dans les airs et de s'agripper aux victimes, mais aussi leur tanière confinée sous une grotte au décorum de flibustier) et les exploite dans un contexte moderne de festivités où la jeunesse en villégiature s'épanouit chaque nuit d'été. Soin formel d'une photographie flamboyante, réalisation alerte fourmillant de trouvailles visuelles, action trépidante influencée par la bande dessinée (trois de nos fervents lecteurs vont reproduire les armes de combat et s'inspirer de certaines règles de conduite entrevues dans leur revue afin de démasquer le chef des vampires), point d'orgue très spectaculaire (on se surprend aussi de la qualité des FX explosifs) et surtout étude caractérielle d'adolescents débrouillards (jamais têtes à claques ou orgueilleux), redoublant de pugnacité pour contrecarrer l'hostilité des vampires.

L'étonnante réussite du film tient notamment au caractère crédible des enjeux de l'histoire. Sans nullement sombrer dans le ridicule, les péripéties que nos héros juvéniles affrontent avec bravoure et audace sont établies dans une éthique de respect pour les valeurs familiales et la sauvegarde d'un amour en perdition (la relation romanesque de Michael et Star est compromise par leur statut de demi-vampire).

Le jeu naturel de chacun des comédiens (Kiefer Sutherland, délectable dans le rôle insidieux du vampire intraitable, Jami Gertz se révèle devant nos yeux avec une beauté sensuelle ensorcelante et Jason Patric insuffle une présence charismatique quasi animale) renforce inévitablement son capital infiniment attachant. Qui plus est, les seconds rôles attribués aux ados dégourdis ne font jamais preuve d'outrance ou de trivialité dans leurs agissements utopiques, car ils témoignent d'une naïveté humaine somme toute spontanée.

Sous l'égide d'un réalisateur aussi inégal qu'inspiré, Génération Perdue avait de quoi sombrer dans le produit aseptisé pour rapidement prendre la poussière d'une relique. Mais grâce à l'étonnante probité de Schumacher, plus motivé que jamais, ce divertissement artisanal pétri de fraîcheur, de fantaisies, d'action fantastique et de romance onirique transcende l'ornière escomptée. Son irrésistible pouvoir de séduction émane notamment des étreintes charnelles des amants éternels, nous emportant au rythme du tube lyrique "Cry Little Sister" de Gerard McMann. Un pur régal émotif et auditif pour la génération 80 (le film transpire le parfum de cette époque révolue).

— Celui du cœur noir des images 🖤

17.09.26. 5èx 

19.09.25. 

30.07.13.

L'ASCENSEUR (De Lift). Grand Prix à Avoriaz 1984.

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site notrecinema.com

de Dick Maas. 1983. Hollande. 1h35. Avec Huub Stapel, Willeke van Ammelrooy, Josine van Dalsum, Liz Snoyink, Wiske, Sterringa, Huib Broos, Pieter Lutz, Paul Gieske.

Sortie salles France: 22 Février 1984. U.S: 4 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Dick Maas est un scénariste, réalisateur, producteur et compositeur hollandais né le 15 Avril 1951 à Heemstede (Pays-Bas). 1977: Picknick. 1977: Adelbert. 1981: Rigor Mortis. 1983: L'Ascenseur. 1986: Les Gravos. 1988: Amsterdamned. 1992: Flodder in Amerikia ! 1995: Les Lavigueur 3: le retour. 1999: Issue de secours. 2001: L'Ascenseur, niveau 2. 2003: Long Distance. 2004: Zien (video). 2010: Saints.

En 1984, une petite production hollandaise d'un jeune réalisateur méconnu décroche le prestigieux Grand Prix au Festival d'Avoriaz. Bien que décrié par la plupart des cinéphiles qui auraient plutôt privilégié des oeuvres plus probantes comme Christine, Dead Zone (même s'il se voit décerner 3 prix secondaires !) ou encore le Dernier Testament, l'Ascenseur trouve quand même son public dans les salles obscures si bien qu'il remporte un joli succès commercial. Cet engouement inattendu pour cette série B modeste est surtout favorisé par l'originalité de son concept lorsque l'ascenseur d'un immeuble résidentiel commet des actes meurtriers envers les quidams infortunés. Cette idée saugrenue, voire ridicule, est pourtant sauvée par l'ironie macabre du cinéaste multipliant incidents meurtriers dans un sens effréné de l'efficacité allié à son thème alarmiste: la technologie organique. A l'instar de cet aveugle trébuchant maladroitement dans le vide après avoir appuyé sur le bouton pour se rendre à l'étage désiré. Ou encore lorsque le gardien se retrouve la tête coincée entre deux volets d'ascenseur alors que la cage commence subitement à descendre pour là lui arracher ! Il y a aussi une autre séquence anxiogène de par son climat claustrophobe quand deux couples éméchés vont se retrouver piégées dans l'enceinte de l'ascenseur pour y être asphyxiés.

Le scénario délirant (il y est question de micro puces douées de vie organique se régénérant d'après la machine d'un ordinateur !) s'attache donc à nous décrire l'investigation d'un dépanneur et d'une journaliste, déterminés à résoudre la mystérieuse défaillance technique empêchant la fonctionnalité ordinaire d'un ascenseur. Outre l'inanité des rapports conjugaux entre le héros et sa femme (leur mésentente s'avère peu crédible lorsque le mari impassible tente de lui réfuter son adultère avec sa collègue journaliste), le film véhicule un intérêt constant pour escompter la résolution d'une énigme débridée pointant du doigts les dangers de technologies innovantes. Sur ce point, on peut d'ailleurs souligner l'avant-garde de son thème d'anticipation si bien qu'il préfigure l'inoculation des puces électroniques en interne du corps humain (aujourd'hui l'identification d'un animal domestique peut-être imprimée sous la peau). On peut aussi évoquer dans un avenir proche les nouvelles lois envisageables auquel les puces seraient imposées dans le corps humain pour déjouer la progression d'une maladie (ce qu'évoque l'un des protagonistes lors de son analogie avec les puces organiques !).

De par son concept insensé et le caractère à la fois modeste et attachant des protagonistes, l'Ascenseur constitue une série B ludique dont le savoir-faire technique du réalisateur (les séquences chocs inventives, intenses et sardoniques se succèdent brillamment avec un sens du cadrage) renforce son capital irrésistiblement bonnard. 

Récompense: Grand Prix au Festival du Film Fantastique d'Avoriaz en 1984

*Bruno
26.07.13.
6èx

Litan, La Cité des Spectres Verts. Prix de la Critique à Avoriaz, 1982.

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb

de Jean Pierre Mocky. 1981. France. 1h28. Avec Jean-Pierre Mocky, Marie José Nat, Nino Ferrer, Marysa Mocky, Bill Dunn, Georges Wod, Dominique Zardi.

Sortie salles France: 24 Février 1982

FILMOGRAPHIE: Jean Pierre Mocky (Jean-Paul Adam Mokiejewski) est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur français, né le 6 Juillet 1933 à Nice. 1959: Les Dragueurs. 1960: Un Couple. 1961: Snobs ! 1962: Les Vierges. 1963: Un Drôle de Paroissien. 1964: La Cité de l'indicible peur. 1965: La Bourse et la Vie. 1967: Les Compagnons de la Marguerite. 1969: La Grande Lessive. 1970: l'Etalon. 1970: Solo. 1971: l'Albatros. 1972: Chut ! 1973: l'Ombre d'une Chance. 1974: Un Linceul n'a pas de poche. 1975: l'Ibis Rouge. 1976: Le Roi des Bricoleurs. 1978: Le Témoin. 1979: Le Piège à Cons. 1981: Litan. 1982: Y'a t'il un français dans la salle ? 1983: A mort l'Arbitre. 1985: Le Pactole. 1986: La Machine à découdre. 1987: Le Miraculé. 1987: Agent Trouble. 1987: Les Saisons du plaisir. 1988: Une Nuit à l'assemblée nationale. 1988: Divine Enfant. 1990: Il gèle en enfer. 1991: Mocky Story. 1991: Ville à Vendre. 1992: Le Mari de Léon. 1992: Bonsoir. 1995: Noir comme le souvenir. 1997: Robin des Mers. 1997: Alliance cherche doigt. 1998: Vidange. 1999: Tout est calme. 1999: La Candide. 2000: Le Glandeur. 2001: La Bête de Miséricorde. 2002: Les Araignées de la nuit. 2003: Le Furet. 2004: Touristes, oh yes ! 2004: Les Ballets Ecarlates. 2005: Grabuge ! 2006: Le Deal. 2007: Le Bénévole. 2007: 13 French Street. 2011: Les Insomniaques. 2011: Crédit pour tous. 2011: Le Dossier Toroto. 2012: Le Mentor. 2012: A votre bon coeur, mesdames. 2013: Dors mon lapin. 2013: Le Renard Jaune.

Des masques, de la musique et des danses : dans la ville de LITAN chaque année, on fête ainsi les morts.
Mais cette année là...

Récompensé du Prix de la Critique à Avoriaz en 1982 (mais de l'aveu du réalisateur sifflé par Brian De Palma et John Boorman durant une représentation  !), Litan est l'un des rares films de Jean Pierre Mocky à avoir su traiter le genre fantastique avec une ambition toute spirituelle. Le pitch: Durant la fête de la saint Litan, un couple se retrouve impliqué dans une série d'évènements mystérieux et meurtriers. Plongés dans une folie incontrôlée, les habitants de cette cité montagneuse semblent être victimes d'une machination scientifique révolutionnaire. Athée mais persuadé que l'âme perdure au delà de la mort, Jean Pierre Mocky nous illustre ici un rêve fantasmatique aux allures de carnaval macabre. Baignant dans l'atmosphère irréelle d'un cadre naturel montagneux nappé de brouillard, le réalisateur accorde un soin formel à peaufiner ses décors diaphanes de cimetière gothique, de grotte humectée ou d'hôpital délabré, quand bien même des villageois affublés de masques morbides sèment la zizanie parmi la foule hagarde.

Ainsi, le mystère de Litan semble émané d'une rivière jalonnée de feux-follets depuis qu'un séisme aurait peut-être libéré un minerais inconnu dissout dans l'eau. Au sein de cette fête des morts, il y a aussi les sinistres expérimentations d'un scientifique capable de démystifier les secrets inavoués de l'après-mort. Avec un désir prégnant de nous immerger dans un rêve insolite de bal costumé dénué de sens et de raison, Jean Pierre Mocky s'interroge sur le mystère insondable de la mort. Alors qu'un couple est témoin d'étranges phénomènes, telles ces disparitions et meurtres inexpliqués et l'avènement de cadavres hébétés, le secret de Litan semble s'éclaircir après les déclarations d'un revenant récalcitrant ! Pour se faire, pour l'idéologie du réalisateur, pas d'enfer ni de dieu après la mort mais une âme errante assoupie dans un rêve attendant le moment propice de s'y libérer. "Nous rêvons votre vie et quand notre rêve s'arrête alors vous mourrez", dira l'un des sujets expérimenté sous hypnose ! La réflexion métaphysique d'une mise en abyme (un rêve dans un rêve) est donc évoquée, la lutte de deux ombres dans un même corps, à moins que nous ne sommes que le songe d'une âme assoupie se donnant libre choix d'endiguer notre rêve à tous moments ! C'est d'ailleurs par un rêve prémonitoire vécu par l'héroïne que le film amorce son fantasme pour s'y matérialiser face à notre témoignage ! Ainsi, nous sommes donc peut-être le fruit d'une expérience d'un alchimiste créateur !

Le carnaval des âmes
Délire baroque à l'imagerie païenne saisissante, farce macabre où les morts sont détroussés de leur âme par une eau rocheuse ou disséquées par un médecin mystificateur, Litan intrigue, déroute et fascine pour nous plonger dans le mystère le plus abyssal de notre existence: l'au-delà de la mort. De par son pouvoir d'envoûtement prédominant et sa mélodie orchestrale entêtante, on peut aisément concéder que cette perle rare reste l'une des plus belles réussites fantastiques pour un genre si boudé et peu exploré dans l'hexagone. Un authentique film culte en somme à l'aura indicible prégnante. 

* Bruno

04.03.22. 4èx

25.07.13. 

Récompense: Prix de la Critique au Festival International du film fantastique d'Avoriaz en 1982.

Dormir et rêver...
C'est comme si on flottait, on sent la présence des autres morts autour de soi... Pas de ciel, pas d'enfer, rien... Rien, vous êtes là et vous attendez, quelque fois vous rêvez mais ensuite le rêve s'arrête.. Vous attendez que les vivants meurent et il nous rejoignent dans notre rêve... Nous rêvons votre vie et quand notre rêve s'arrête alors vous mourrez... Nous sommes comme deux ombres luttant pour un même corps, bientôt nous ne serons plus qu'une âme... Eric ne sera plus que le souvenir de quelqu'un que j'ai été il y a très longtemps... Quelqu'un qui était en vous, j'ai été plus fort que lui alors je me souviendrais de sa vie  comme si ça avait été la mienne...
                                          LITAN, LA CITE DES SPECTRES VERTS

ONLY GOD FORGIVES. Grand Prix au Festival du film de Sydney, 2013.

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site flicksandbits.com

de Nicolas Winding Refn. 2013. France/Danemark. 1h30. Avec Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm, Tom Burke, Ratha Pohngam, Byron Gibson.

Récompense: Grand Prix au Festival du film de Sydney, 2013.

Sortie salles France: 22 Mai 2013. U.S: 19 Juillet 2013

FILMOGRAPHIE: Nicolas Winding Refn est un scénariste, réalisateur, producteur et acteur danois, né le 29 septembre 1970 à Coppenhague (Danemark).
1996: Pusher. 1999: Bleeder. 2003: Inside Job. 2004: Pusher 2. 2005: Pusher 3. 2008: Marple - Nemesis (télé-film). 2009: Bronson. 2010: Valhalla Rising. 2011: Drive. 2012: Only God Forgives.

Après le succès inattendu Drive et la révélation Ryan Gosling, Nicolas Winding Refn enchaîne avec Only God Forgives, récompensé du Grand Prix à Sydney. Trip métaphysique quasi expérimental, le réalisateur prend ici le contre-pied de son polar antécédent pour nous livrer un ovni beaucoup moins accessible pour le spectateur lambda peu habitué aux ambiances hermétiques. Car ici, le réalisateur utilise le thème de la vengeance pour fignoler avant tout une mise en scène hyper travaillée dans des décors stylisés et picturaux. A la suite de la mort de son frère, Julian voit débarquer l'arrivée de sa mère lui suppliant d'assassiner le responsable. Cette doléance intransigeante d'une mégère castratrice va être le théâtre d'un règlement de compte sanglant entre Chang, officier de police véreux et Julian, célibataire introverti en quête existentielle. 

Pari audacieux que ce polar obscur noyé dans un rythme languissant mais transcendé par une ambiance envoûtante et des éclairs de violence soudains. Concerto emphatique sur la vengeance expéditive, Only God Forgives bouscule les habitudes du spectateur dans un spectacle onirique de sons et lumières. A l'intonation d'une partition musicale électrisante, les antagonistes ressemblent ici à des fantômes errants se provoquant communément par des regards mutiques puisque les bavardages laconiques laissent souvent place aux coups de sabres pourfendeurs et gunfights assourdissants ! Balade nocturne dans un Bangkok crépusculaire illuminé de néons polychromes où les prostituées ferment les yeux face à la barbarie, Only God Forgives chorégraphie la besogne de meurtriers renfrognés, ne cessant de se provoquer par des exactions vindicatives inutiles. La filiation, la paternité déchue sont ici abordés du point de vue de protagonistes meurtris d'un deuil infantile. En justiciers redresseurs de torts, ils souhaitent établir eux mêmes la sentence meurtrière afin d'apaiser leur rancoeur. Au milieu de cette confrontation sanglante, notre anti-héros Julian va devoir se mesurer à un ange de la vengeance indestructible. Compromis par la dictature tyrannique de sa mère (Kristin Scott Thomas est littéralement transie d'agressivité impassible !) et ayant vécu une enfance douloureuse (il avait préalablement assassiné son propre géniteur dans son pays natal !), Julian va devoir combattre la figure divine d'un ange exterminateur dans une éthique indécise en perte de repères. Car ici, notre gangster est un boxeur novice brisé par la solitude et la démission parentale mais néanmoins épris d'empathie auprès de la candeur des enfants martyrs. 

Sauvage et cruel, monotone et concis mais d'une beauté contemplative ensorcelante, Only God forgives privilégie l'expérience atmosphérique et le lyrisme envoûtant au sein d'une intrigue tortueuse imprimant la quête impossible d'une plénitude et de la repentance. On adhère et on se laisse bercer par la mélodie baroque ou on rejette en bloc cette ambition auteurisante de prôner avant tout une mise en scène prodige. Pour ma perception sensorielle, la balade funeste m'a laissé une trace indélébile dans l'esprit !

L'hommage pour Drive: http://brunomatei.blogspot.fr/2011/12/drive-prix-de-la-mise-en-scene-cannes.html
L'hommage pour The Place beyond the Pines: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/05/the-place-beyond-pines.html

24.07.13

Bruno Matéï

OBLIVION

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site nowhereelse.fr

de Joseph Kosinski. 2013. U.S.A. 2h04. Avec Tom cruise, Morgan Freeman, Olga Kurylenko, Nikolaj Coster-Waldau, Melissa Leo, Andrea Riseborough.

Sorties salles France: 10 Avril 2013. U.S: 12 Avril 2013

FILMOGRAPHIE: Joseph Kosinski est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 3 Mai 1974. 2010: Tron: l'héritage. 2013: Oblivion

Film d'anticipation grand public à la portée mystique universelle (renouer avec l'autonomie du souvenir dans une doctrine d'altruisme et de sentiment), Oblivion est un nouveau spectacle d'une opulence visuelle inédite au sein d'un univers terrestre clairsemé.

Envahie par une espèce extra-terrestre surnommée les "Scavs", la moitié de la terre fut décimée après une guerre nucléaire entre les humains et ces envahisseurs. Depuis, les survivants se sont réfugiés sur la planète Titan sous le contrôle d'un mystérieux ordinateur. 2077. A cause d'une loi interdisant de prémunir les souvenirs, Jack et son alliée Julia ont perdu la mémoire pour être installés dans une station afin de pouvoir surveiller la fiabilité des drones. Des engins volants capables d'extraire de l'eau de mer pour la transformer en énergie chez les humains expatriés sur Titan. Un jour, Jack est témoin du crash d'un vaisseau spatial. A proximité, il découvre parmi des caissons une jeune femme en hibernation au visage familier. Il décide de la ramener dans sa station sans savoir que son destin est subordonné à l'avenir de l'humanité. 

Avec une ambition esthétique singulière, le réalisateur Joseph Kosinski se rattache au soin formel pour authentifier les décors décharnées d'une terre dévastée par une guerre extra-terrestre. Un couple de geôliers se contentent de surveiller du haut de leur station la surface aride de la terre évacuée de toute présence humaine. Cet univers criant de réalisme blafard donne lieu à des décors de désolation de toute beauté, renforcés par les teintes désaturées d'une photographie argentée. En ce qui concerne l'aspect technologique d'une civilisation extra-terrestre, là aussi un soin scrupuleux est préconisé pour façonner des vaisseaux spatiaux circulaires au design immaculé ou encore des drones de combat aussi furtifs que précis dans leur cible ajustée. Avec l'illustre présence de Tom Cruise aux commandes, l'acteur livre avec conviction une présence héroïque pugnace accentuée d'une prise de conscience humaniste en quête identitaire. Si le scénario étroitement lié au clonage (thème emprunté à une métaphore sur la réincarnation) et à la réminiscence (notamment notre rapport affectif au souvenir) avait gagné à être perfectible, il ne manque pas de nous captiver pour sa structure ciselée privilégiant la densité romantique d'un couple en rédemption ainsi que leur responsabilité majeure d'un enjeu imparti à la survie de la Terre. Déployant par intermittence des séquences de combats aériens à couper le souffle, Joseph Kosinski allie aussi une action belliqueuse vers son point d'orgue crucial avant de renouer avec un lyrisme prude militant pour une réflexion spirituelle. Notamment le sens de la bravoure et du sacrifice afin de rendre honneur aux défunts, mais aussi notre dignité à prémunir la vie des futures générations (comment un homme peut-il mieux mourir qu'en affrontant les dangers ! Pour les cendres de ces ancêtres et les temples de ses dieux, déclarait le romain Orathius !).

Vivre et laisser mourir
Avec maîtrise technique et souci formel prégnant, Oblivion privilégie une belle place pour l'émotion lyrique (accord musical au souffle romanesque à l'appui !) avant de s'engager dans la virtuosité de quelques séquences homériques. L'intensité humaine qui émane des personnages conquérants ainsi que sa réflexion formulée à la dévotion des sentiments transcendent aisément l'aspect conformiste de son scénario. Ainsi, on garde en mémoire un spectacle d'une beauté épurée enchanteresse. 

23.07.13
Bruno 

LA PEUR AU VENTRE (Running Scared)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Wayne Kramer. 2006. U.S.A. 2h02. Avec Paul Walker, Cameron Bright, Vera Farmiga, Chazz Palminteri, Karel Roden, Johnny Messner, Ivana Milicevic.

Sortie salles France: 1er Mars 2006. 24 Février 2006

FILMOGRAPHIE: Wayne Kramer est un réalisateur, scénariste et monteur sud-africain, né en 1965 en Afrique du Sud.
1992: Blazeland. 2003: Lady Chance. 2006: La Peur au Ventre. 2009: Droit de passage.

Polar hard-boiled mené à un train d'enfer, La Peur au Ventre est un pur divertissement stimulé par une intrigue fertile en rebondissements (un peu trop parfois même) mais qui ne s'embarrasse pas de certaines ficelles grossières durant son cheminement trépidant. Durant un deal de came, une rixe sanglante éclate entre des gangsters et des flics ripoux provoquant la mort d'un des membres de la police. Afin d'éviter la prison et celle de ses alliés, Joey décide de planquer l'arme dans sa cave. Seulement, le camarade de son rejeton réussit à s'en emparer pour tenter de tuer son beau-père tyrannique. Par l'autorité de son leader, Joey ne possède que quelques heures de sursis afin de de retrouver l'arme du crime. 

Avec son prologue pétaradant déployant une chorégraphie d'échanges de tirs sanglants, La Peur au Ventre n'hésite pas à façonner une réalisation stylisée pour mettre en valeur l'esbroufe d'une ultra violence spectaculaire. Méchamment cinglant, ce polar brutal et palpitant véhicule une indéniable efficacité dans sa narration linéaire multipliant des revirements fortuits au creux d'une urbanisation lunaire livrée à la corruption. Si en cours de route, certaines invraisemblances se compromettent dans la facilité (les nombreuses mésaventures que Oleg doit traverser durant sa fugue, la facilité à laquelle Joey réussit à enfiler la blouse et récupérer la balle au sein du service hospitalier) et que son épilogue abuse d'une dramaturgie aussi inutile que simulée, le film n'en demeure pas moins captivant par sa vigueur effrénée . D'autant plus que le rôle principal imparti au bellâtre Paul Walker est un choix concluant puisque l'acteur véhicule une prestance plutôt viscérale dans sa stoïcité à provoquer ces adversaires. Anti-héros érigé sous la bannière du bad boy aux yeux bleux, notre comédien dégage une véritable intensité émotionnelle par son tempérament impétueux déclenchant parfois un héroïsme suicidaire. Dans le rôle de l'épouse maternelle, la charmante Vera Farmiga lui partage la vedette avec sincérité et nous surprend également par son tempérament réactionnaire d'une pulsion expéditive lorsqu'elle décide d'endiguer un couple de pédophiles. Enfin, dans la peau d'un ado maltraité en quête paternelle, le petit Cameron Bright grossit parfois le trait dans ses expressions de stupeur mais s'en tire tout de même honorablement par sa présence photogénique aussi flegme que taciturne.

Revolver
Polar brutal rondement mené par l'adrénaline d'actions intempestives, La Peur au ventre s'impose en excellent divertissement pour mettre en vedette une foule d'antagonistes à l'immoralité sardonique. Sa réalisation inventive (montage assidu et clippesque) et moderne (couleurs saturées, slow motion chorégraphié, séquence inscrite sur pause ou en déchronologie accélérée) ainsi que l'interprétation persuasive de Paul Walker (peut-être son meilleur rôle à l'écran !) nous permettent aussi de faire l'impasse sur quelques facilités fantaisistes. Enfin, à travers l'obsession passionnelle d'un des antagonistes pour son archétype chimérique, on appréciera l'hommage sincère adressé à une légende du western cher à Ford, John Wayne. 

22.07.13. 2èx
Bruno Matéï

7 Jours à vivre / Seven days to live

                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site schyzo-dead-house.purforum.com

de Sebastian Nemman. 2000. Allemagne/Tchecoslovaquie/U.S.A. 1h37. Avec Amanda Plummer, Sean Pertwee, Nick Brimble, Gina Bellmman, Sean Chapman, Eddie Cooper, Amanda Walker.

Sortie salles France: 9 Mai 2001

FILMOGRAPHIE: Sebastian Nemman est un réalisateur et scénariste allemand, né le 21 Juin 1968 à Lüneburg. 2000: 7 Jours à Vivres. 2002: Das Jesus Video (télé-film). 2006: Hui Buh - Le Fantôme du château. 

Série B d'épouvante truffée de références aux classiques du genre (Amityville, Shining, La Maison près du Cimetière, L'Au-delà), 7 Jours à vivre nous replonge dans le récit du couple maudit. Après la perte tragique de leur enfant à la suite d'un terrible accident domestique - une séquence d'une intensité éprouvante rappelant le traumatisme du Cercle infernal - Martin et Ellen choisissent de s'exiler dans une vieille demeure bucolique afin de tenter de faire leur deuil. Plus tôt, un inquiétant prologue nous avait déjà mis sur la voie en dévoilant la découverte macabre d'une femme obèse, retrouvée boursouflée sur une chaise par ses voisins, tandis que son mari, prostré dans un état de sidération, demeure avachi dans un coin du salon.

Le film frappe d'emblée très fort avec la mort atroce d'un bambin, étouffé par une guêpe dissimulée dans son bol de céréales. Une scène d'un réalisme suffocant qui atteint son paroxysme lorsque son père tente, dans un ultime geste désespéré, de lui pratiquer une trachéotomie de fortune. Bouleversé par cette disparition brutale, le couple décide alors de s'installer dans une vieille bâtisse isolée, en bordure d'un marais. Très vite, d'étranges phénomènes viennent troubler le quotidien d'Ellen. En proie à de terrifiantes hallucinations, elle découvre peu à peu de mystérieux indices lui révélant, dans un compte à rebours implacable, qu'il ne lui reste plus que sept jours à vivre.

Modestement réalisé mais porté par une réelle efficacité, 7 Jours à vivre n'invente certes rien avec son intrigue balisée, lorgnant ouvertement du côté de Shining - Martin, écrivain en panne d'inspiration, sombre progressivement dans la folie - ainsi que des atmosphères macabres chères à Lucio Fulci. Mais c'est précisément sur ce terrain que le film séduit pleinement. Il faut saluer le soin apporté à sa photographie aux teintes sépia ainsi qu'à son climat gothique, noyé dans une brume et dans des pièces domestiques poussiéreuses, au sein duquel on s'abandonne avec un plaisir non dissimulé.

Animé d'un véritable souci esthétique, Sebastian Niemann compose des images macabres d'une authentique beauté picturale afin d'accentuer le pouvoir d'attraction inquiétant de cette demeure isolée où tout amateur d'atmosphères vétustes prendra un malin plaisir à se perdre. Son architecture extérieure ainsi que son environnement marécageux évoquent instantanément La Maison près du Cimetière, tandis que la cave semble directement héritée de L'Au-delà, jusque dans son épilogue convoquant de lugubres fantômes putrides surgis des profondeurs d'un marais maudit.

En prime, Amanda Plummer et Sean Pertwee livrent des compositions convaincantes, insufflant une densité psychologique à ce couple dont les blessures, la solidarité et la lente désagrégation émotionnelle se révèlent particulièrement touchantes. Si son intrigue, non exempte de clichés - notamment dans son ultime partie et sa grossière ellipse lors du kidnapping à l'hôpital - laisse parfois planer un sentiment de déjà-vu, sa construction narrative demeure suffisamment captivante pour maintenir un suspense constant. Dommage, toutefois, que son ultime rebondissement morbide, lorsque les morts émergent enfin de leur sommeil éternel, soit expédié avec autant de précipitation. Une séquence pourtant fascinante et riche de promesses, mais frustrante tant elle est beaucoup trop écourtée. Vraiment rageant. 

Efficace, captivant et surtout atmosphérique au possible, 7 Jours à vivre demeure cette savoureuse série B du samedi soir, débordante de charme et de sincérité, que Sebastian Niemann met en scène avec un amour évident pour le cinéma fantastique. On lui pardonnera volontiers quelques effets numériques franchement ratés ainsi que plusieurs facilités narratives - particulièrement dans sa dernière partie - tant subsiste en mémoire cet envoûtant voyage au cœur d'un gothisme à l'ancienne, profondément imprégné de l'esprit de Lucio Fulci. Une recommandation de choix pour tous les amoureux de ce fantastique italien où l'atmosphère prime sur tout le reste.

— Celui du cœur noir des images 🖤

02.07.26. 4èx 

19.07.13.

PACIFIC RIM

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Guillermo Del Toro. 2013. U.S.A. 2h12. Avec Charlie Hunnam, Ron Perlman, Idris Elba, Charlie Day, Burn Gorman, Clifton Collins Jr, Rinko Kikuchi.

Sortie salles France: 17 Juillet 2013. U.S: 12 Juillet 2013

FILMOGRAPHIE: Guillermo Del Toro est un réalisateur, scénariste, romancier et producteur américain, né le 9 Octobre 1964 à Guadalajara (Jalisco, Mexique).
1993: Cronos. 1997: Mimic. 2001: l'Echine du Diable. 2002: Blade 2. 2004: Hellboy. 2006: Le Labyrinthe de Pan. 2008: Hellboy 2. 2013: Pacific Rim.

Kaiju vs Jaegers
Oubliez les baudruches clinquantes Transformers et leurs playmobil, Guillermo Del Toro cristalise avec Pacific Rim un rêve de gosse pour des millions de spectateurs. Pur hommage aux Kaijus (films de monstres japonais apparus au cinéma dans les années 50) mais également au mecha (sous genre animé des mangas célébré par Goldorak dans les années 70 !), Pacific Rim transcende avec une virtuosité inédite tout ce qui avait été conçu au préalable dans le gigantisme monstrueux.

Blockbuster familial conçu pour émerveiller toutes les tranches d'âge, cet affrontement colossal entre

Jaegers (robot ultra perfectionné que deux homme réussissent à télécommander par leur pensée commune !) et Kaijus nous plonge dans des rixes de destruction massive étourdissantes. Et pour mieux contempler ses altercations titanesques, Guillermo Del Toro filme toutes les séquences de nuit afin de mieux mettre en valeur les armures métalliques de nos robots guerriers et les écailles argentées de monstres protéiformes ! A titre d'exemple prégnant, leur combat survenant dans un Tokyo illuminé de néons flashy nous déploie des séquences démentielles de bastons homériques avec un sens du détail inouï. Car ici l'action fluide nous permet de nous immerger en interne des combats sans l'utilisation d'une caméra erratique (que ce soit au milieu de l'océan ou à l'intérieur de la ville !). Un privilège donc qui va permettre d'exacerber l'action avec une rare intensité émotionnelle .

Outre la simplicité d'un scénario naïf prétexte aux confrontations pharaoniques (au fond du Pacifique, l'ouverture d'une brèche permet aux Kaijus d'envahir la terre pendant que des robots humanoïdes se préparent à la guerre !), Pacific Rim n'en n'est pas pour autant un épuisant pop-corn movie puisque la première heure prend le temps de nous décrire un univers technologique criant de vérité et de nous établir une complicité avec la caractérisation de nos héros. Que ce soit Raleigh Becket, jeune briscard pugnace mais affaibli par la disparition de son frère durant un combat de labeur, Stacker Pentecost, un colonel drastique au passé glorieux mais souffrant d'une certaine pathologie, et enfin Mako Mori, jeune japonaise pleine de bravoure mais ayant vécu un choc traumatique durant son enfance. En prime, son obscure relation paternelle avec le colonel la contraint de remettre en question sa collaboration avec Raleigh afin de pouvoir partir au front. D'autres seconds protagonistes fort en gueule sont également de la partie pour se mesurer aux Kaijus, tandis qu'un duo de scientifiques fébriles viennent égayer l'aventure de leurs extravagances cérébrales !

Le choc des Titans

Festival de pyrotechnie à vous faire décoller la mâchoire, Pacific Rim équivaut à la quintessence de l'actionner bourrin dans sa volonté studieuse de faire rêver son public avec humilité. Vouant son amour immodéré pour ces robots d'acier et ces reptiles hostiles, Guillermo Del Toro concède un gigantesque spectacle populaire prônant les valeurs nobles du courage, de la pugnacité, de la fraternité et du sens du sacrifice, tout en glorifiant l'égalité des sexes et l'unification des peuples.

19.07.13.

Bruno Matéï

                                      

Le Jour des Morts-Vivants / Day of the Dead

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site whatculture.com

de Georges A. Romero. 1985. U.S.A. 1h43. Avec Lori Cardille, Terry Alexander, Joseph Pilato, Jarlath Conroy, Richard Liberty, Sherman Howard.

Sortie salles France: 10 Décembre 1986. U.S: 19 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Georges Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 2011: Deep Red.

 

"Dans les entrailles du dernier jour".

Huit ans après le raz-de-marée Zombie, George A. Romero boucle sa trilogie avec Le Jour des Morts-vivants. Entouré d’acteurs méconnus et fidèle à sa touche féministe, il confie cette fois le rôle principal à une jeune femme, stoïque comme une statue au milieu du chaos. Avec l’entremise du sorcier des chairs Tom Savini et la pulsation hypnotique de John Harrison, Romero érige à nouveau sa vision de l’apocalypse, toujours aussi viscérale, toujours aussi spontanée.

Dans l’antre d’une base militaire creusée dans la roche, une poignée de scientifiques et de soldats s’écharpent pour sauver leurs peaux — tandis que dehors, la terre appartient aux morts.

En huis clos, le cinéaste nous enferme parmi la tyrannie de militaires abrutis et la résignation nerveuse de savants rongés d’angoisse. Il ressasse ses obsessions — l’incommunicabilité, l’individualisme — et se moque cruellement de l’homme, ce primate narcissique soudain confronté à un désordre qui le dépasse. Plus psychologique que son prédécesseur, Le Jour des Morts-vivants plonge plus profond dans la chair de ses personnages — et c’est justement ce qu’on lui reprochera. 

 

Romero esquisse un portrait de femme inattendu : Lori Cardille, encore novice, incarne Sarah, meneuse opiniâtre à l’endurance presque virile. Son humanisme bute contre la brutalité bornée du capitaine Rhodes (Joseph Pilato, délicieusement cabotin), despote mesquin prêt à purger quiconque ose le défier. Parmi ses compagnons, un latino fiévreux, incapable de brider ses fantômes, hait la froideur de Sarah et grince sous le poids de ses propres failles.

Pendant que les zombies, muselés derrière des grilles rouillées, attendent leur heure, deux camps rivaux s’autodévoraient déjà. Le Dr Frankenstein, savant fou, tente d’apprivoiser Bub — zombie moribond, inoubliable pantin incarné par Sherman Howard. Bientôt, le chaos éclate : la base s’ouvre, les morts s’engouffrent, et la dernière heure, jusqu’alors tendue par la haine humaine, éclate en une orgie de chair et de tripes.

Plus satirique encore que Zombie, Le Jour des Morts-vivants se gausse des militaires, crétins congénitaux à l’ego surdimensionné, et de la science, arrogante rivale de Dieu. Dehors, l’armée des goules attend, mâchoires claquantes, boyaux à l’air. Là encore, Tom Savini signe des prodiges : membres arrachés, entrailles répandues, crânes éclatés — tout filmé sans détour ni hors-champ pudique.

Certes, le film est peut-être le plus fragile de la trilogie — budget famélique, scénario inégal — mais ses atouts demeurent implacables : psychologie charnue, narration entaillée d’ironie noire, explosions de sang orgasmique, ambiance unique, à l'instar de cette bande-son exotique qui bat comme un cœur malade. Assez pour en faire, malgré tout, un classique définitif du genre.

--Bruno

18.07.13. 5èx

La critique de La Nuit des Morts-vivants : http://brunomatei.blogspot.fr/2012/02/la-nuit-des-morts-vivants-night-of.html

 

Récompenses: Prix d'Interprétation Féminine, Prix des Effets-Spéciaux au Festival du Rex de Paris en 1986.
Prix Spécial Gore