PERE NOEL ORIGINES

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site imdb.com

"Rare Exports: A Christmas Tale" de Jalmari Helander. 2010. Finlande-France-Norvège-Suède. 1h22. Avec Per Christian Ellefsen, Peeter Jakobi, Tommi Korpela, Jorma Tommila, Onni Tommila.

Sortie salles France: 14 Décembre 2011. Norvège: 3 Décembre 2010.

FILMOGRAPHIE: Jalmari Helander est un réalisateur et un scénariste finlandais né le 21 juillet 1976. 2010: Père Noël Origines. 2014: Big Game (également coscénariste).

Comédie fantastique finlando-franco-norvégio-suédoise, Père Noël Origines fit sensation dans les festivals où il fut projeté, notamment à Gérardmer, dont le public lui réserva un accueil des plus enthousiastes malgré l’absence de récompense. Inspiré de deux courts-métrages réalisés par Jalmari Helander en 2003 et 2005, le film tire sa force de l’originalité d’un scénario résolument hétérodoxe, aussi efficace que truculent. Digne d’une production Amblin des années 80, l’intrigue met en scène un héros en culotte courte avec une justesse inattendue. Le jeune Onni Tommila incarne Pietari, un redresseur de torts en devenir, animé d’un humanisme à la fois attendri et stoïque, nourri par une relation conflictuelle et inaboutie avec son père.

Synopsis: Alors que des chercheurs américains prétendent avoir découvert l’origine du véritable Père Noël, fossilisé depuis des siècles au cœur de la montagne Korvatunturi, une série de massacres de rennes inquiète les habitants d’un village voisin. Peu après, Pietari et son père découvrent un individu mystérieux, grièvement blessé dans un piège à loup. À moitié nu, mutique, il adopte un comportement aussi placide qu’imprévisiblement violent.

Jouant habilement sur l’attente d’un suspense anxiogène lié au comportement équivoque de cet étrange vieillard, Père Noël Origines instille d’abord un mystère diffus, presque sournois, laissant planer la menace d’un danger létal. Cette première partie, volontairement trompeuse, amorce ensuite un virage réjouissant, multipliant incidents et retournements ludiques à travers un déferlement d’idées aussi débridées que délicieusement irrévérencieuses. Le film ose ainsi une représentation du Père Noël à la fois couillue et salace. Certaines séquences flirtent avec une allusion dérangeante à la pédophilie - lorsque l’inconnu adopte une attention ambiguë face à Pietari, ou lorsque ses complices, poursuivent dans la neige une cargaison d’enfants suspendus à un hélicoptère afin de les châtier pour leur turbulence. À travers cette incarnation chimérique de Santa Claus, Helander signe un pied de nez savoureux à la légende, nourri d’une dérision gentiment sarcastique.

Outre l’énergie d’un récit imprévisible, le film séduit par le charisme inquiétant de ses Pères Noël fouettards et par la caractérisation fraternelle des villageois, soudés face à l’absurde. La posture soudainement martiale du jeune Pietari, s’improvisant meneur avec une conviction inébranlable, parachève l’ensemble avec une étonnante force émotionnelle.

Animé d’un humour espiègle et subtilement inventif, porté par une narration exubérante, Père Noël Origines repose aussi sur la cohésion attachante de ses protagonistes, redresseurs de torts mus par une volonté presque capitaliste, plaisamment gouailleuse. Ovni féerique où le conte de Noël est diaboliquement détourné au profit d’un climat vénéneux, le film affiche une insolence rafraîchissante, élevant le divertissement fantastique à une maturité réjouissante.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Récompense: Prix de la meilleure réalisation, 9e Festival du film d’horreur de Wales, mars 2010.

LE FILS DE SAUL. Grand Prix Cannes 2015. Oscar du Meilleur film Etranger, 2015.

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Saul fia" de László Nemes. 2015. Hongrie. 1h47. Avec Géza Röhrig, Levente Molnár, Urs Rechn, Todd Charmont, Sándor Zsótér, Uwe Lauer, Björn Freiberg

Sortie salles France: 4 novembre 2015. Hongrie: 11 juin 2015

FILMOGRAPHIE: László Nemes, né à Budapest (Hongrie) le 18 février 1977, est un réalisateur et scénariste hongrois. 2015: Le Fils de Saul.

Malgré ses longueurs récurrentes et un climat austère pesant, un très beau film sur la dignité du deuil infantile durant l'holocauste nazi.

Récompenses: Festival de Cannes 2015 : Grand prix
Prix FIPRESCI
Prix François Chalais
Prix Vulcain de l'artiste technicien de la CST pour l'ingénieur du son Tamás Zányi
Boston Online Film Critics Association Awards 2015 : Meilleur film en langue étrangère
New York Film Critics Circle Awards 2015 : Meilleur premier film
National Board of Review Awards 2015 : Meilleur film en langue étrangère
Golden Globes 2016 : Meilleur film en langue étrangère
Oscars 2016 : Meilleur film en langue étrangère

LA FORET D'EMERAUDE

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"The Emerald Forest" de John Boorman. 1985. U.S.A. 1h54. Avec Powers Boothe, Charley Boorman, Ruy Polanah, Meg Foster, Dira Paes, Eduardo Conde, William Rodriguez

Sortie salles France: 26 juin 1985. U.S: 3 juillet 1985.

FILMOGRAPHIE: John Boorman est un réalisateur, producteur, scénariste et acteur américain, né le 18 Janvier 1933 à Shepperton (Royaume-Uni).
1965: Sauve qui peut. 1967: Le Point de non-retour. 1968: Duel dans le pacifique. 1970: Leo the last. 1972: Délivrance. 1974: Zardoz. 1977: L'Exorciste 2. 1981: Excalibur. 1985: La Forêt d'Emeraude. 1987: Hope and Glory. 1990: Tout pour réussir. 1995: Rangoon. 1998: Le Général. 2001: Le Tailleur de Panama. 2003: In my Country. 2006: The Tiger's Tail.

"La forêt amazonienne disparaît au rythme de 2500 hectares par jour. 4 millions d'indiens y vivaient. Il n'en reste que 120 000. Quelques tribus n'ont eu aucun contact extérieur. Il savent encore ce que nous avons oublié." Paragraphe du générique de fin.

Gros succès commercial en France ayant réuni plus de 2,6 millions de spectateurs à sa sortie en 1985, La Forêt d'Emeraude pâti aujourd'hui d'une certaine indifférence chez nous programmateurs audiovisuels en dépit de sa notable réputation. Oeuvre écolo dénonçant la déforestation auprès de magnats sans vergogne, aventure humaine aussi exaltante que furieusement sauvage, la Forêt d'Emeraude s'inspire d'une histoire vraie lorsqu'un père de famille, ingénieur de chantier pour la fondation d'un barrage, s'efforça durant plus de 10 ans à retrouver son fils enlevé par une ethnie indienne. Choc des cultures entre la civilisation moderne et celle archaïque d'une tribu indigène, John Boorman nous dépeint scrupuleusement les us et coutumes des "Invisibles" avant que l'homme moderne ne vienne piétiner leur terre pour les chasser dans un motif pécuniaire. Par ces rapports de force déloyaux émane un saisissant contraste entre les chantiers en construction et le bout de terrain forestier que les "Invisibles" désespèrent à préserver malgré leur foi en une mère nature philanthrope.

Observant de prime abord avec souci documentaire leur condition de vie harmonieuse parmi le témoignage du père recueilli au sein leur foyer depuis une rixe contre les Féroces (un peuple amazonien autrement hostile), Boorman déclare sa flamme à la faune, la flore et à l'indien qui y réside dans un florilège d'images dantesques sublimant sa nature paradisiaque. Faisant preuve d'une réflexion mystique quant aux pouvoirs occultes d'une ethnie pacifique, La Forêt d'Emeraude prend la tournure d'un conte existentiel sous l'autorité de dame nature prête à perpétrer sa revanche contre la cupidité de notre civilisation moderne. Par le biais d'une poignante histoire d'amour entre un père et son fils, la narration finit par amorcer une tournure plus dramatique et violente lorsque le paternel, conscient de sa culpabilité vénale, finit par prendre conscience que son rejeton ne pourra jamais s'adapter à sa société de consommation fondée sur le goût du lucre, la perversion du profit et l'exploitation humaine (celle des ouvriers mais aussi la traite des blanches que les "féroces" négocieront au profit d'armes vendus par la pègre).

Périple initiatique d'un duo parental plongé dans une société primitive antimatérialiste où la nature se porte garante à préserver leur civilisation bâtie sur la tolérance, le respect d'autrui et l'amour patriarcal, La Forêt d'Emeraude nous laisse un goût d'amertume lorsque John Boorman nous dévisage de notre corruption vénale et de notre irrespect pour l'environnement. Magnifique.

La Maison de la Terreur / La Casa con la scala nel buio / Blade in the Dark

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de Lamberto Bava. 1983. Italie. 1h48 (version intégrale) - 1h36 (France). Avec Andrea Occhipinti, Anny Papa, Fabiola Toledo, Michele Soavi, Valeria Cavalli, Stanko Molnar.

Sortie salles France: 23 décembre 1987. Italie: 11 mai 1983

FILMOGRAPHIE: Lamberto Bava est un réalisateur et scénariste italien, né le 3 avril 1944 à Rome.
1980: Baiser Macabre. 1983: La Maison de la Terreur. 1984: Apocalypse dans l'océan rouge. 1984: Blastfighter. 1985: Demons. 1985: Midnight Horror. 1986: Demons 2. 1991: Body Puzzle. 2006: Ghost Son.

Largement inspiré par Ténèbres d'Argento et un peu moins de Blow Up (pour la résolution de l'assassin à travers une pellicule), Lamberto Bava nous offre avec la Maison de la Terreur un sympathique ersatz du Giallo à défaut de nous passionner vers une ultime demi-heure un tantinet poussive par moments. Hormis ce léger handicap, le cinéaste parvient à instaurer un suspense soutenu au sein de son thriller typiquement transalpin, ponctué comme le veut la tradition de meurtres sanglants assez réussis pour nous impressionner en mode viscéral. Le Pitch: Musicien pour le cinéma, Bruno loue une résidence afin de parfaire sa dernière composition en toute tranquillité. Alors qu'une jeune voisine vient lui rendre visite pour l'accoster, cette dernière est assassinée par un mystérieux rôdeur. Inquiet par sa disparition, Bruno ne tarde pas à suspecter qu'un meurtre vient d'être commis dans sa villa. Par le biais du huis-clos domestique auquel l'ombre du tueur plane à chaque recoin, Lamberto Bava nous confectionne donc un psycho-killer anxiogène futilement atmosphérique. 

Par l'entremise d'un leitmotiv musical (parfois rébarbatif avouons-le) et d'une scénographie domestique aimablement stylisée, le cinéaste s'efforce de singer le cinéma d'Argento si bien que certains plans dans les poursuites et exactions (la position des victimes, l'aménagement du jardin de la villa) semblent avoir été calqués sur Ténèbres (notamment la tenue vestimentaire des voluptueuses actrices lascives). Sans compter ses éclairages oniriques chargés de teintes limpides et bleu-ciel afin d'agrémenter son design domestique. Pourtant, ce sentiment largement référentiel est pallié par la sincérité de Lamberto Bava soucieux d'y façonner un psycho-killer étrangement inquiétant au sein d'un dédale mortuaire. Le cinéaste transfigurant avec application permanente chaque recoin de la demeure à l'instar d'un théâtre macabre batifolant avec la mort. Qui plus est, il parvient avec assez de créativité à styliser deux meurtres dans la manière d'assassiner suivi de l'art de l'agonie morbide. Sans déflorer la résolution de l'intrigue également inspirée d'un grand classique du genre, Bava finalise sa conclusion avec une certaine habileté afin de justifier la pathologie traumatique du tueur en corrélation avec le cinéma de genre.

Hormis un jeu d'acteurs perfectible quelque peu attachant dans leur modeste sincérité et les références saillantes empruntées à Ténèbres (esthétisme limpide à l'appui au sein d'une villa harmonieuse), La Maison de la Terreur dilue un mystère latent gentiment magnétique autour de fulgurances criminelles à la fascination morbide. S'efforçant de rendre une copie de travail formellement ciselée, Lamberto Bava s'extirpe miraculeusement de la médiocrité grâce à son aimable ambition d'émuler son maître, et ce en dépit de quelques baisses de rythme (et d'intérêt) lors de sa dernière partie rehaussée d'un final crédible. 

Dédicace à Céline Trinci.

*Bruno

23/03/23. 3èx.

Démons 2

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

de Lamberto Bava. 1986. Italie. 1h31. Avec David Edwin Knight, Nancy Brilli, Coralina Cataldi-Tassoni, Bobby Rhodes, Asia Argento.

Sortie salles France: 27 Mars 1987

FILMOGRAPHIE: Lamberto Bava est un réalisateur et scénariste italien, né le 3 avril 1944 à Rome.
1980: Baiser Macabre. 1983: La Maison de la Terreur. 1984: Apocalypse dans l'océan rouge. 1984: Blastfighter. 1985: Demons. 1985: Midnight Horror. 1986: Demons 2. 1991: Body Puzzle. 2006: Ghost Son.

Un an après le succès de Démons, Lamberto Bava rempile pour une suite aussi lucrative façonnée avec cette même sincérité et générosité dans son alliage d'action et de gore typiquement transalpins. Exploitant à nouveau l'unité de lieu par le biais d'un vaste immeuble, l'intrigue se focalise en premier acte sur la réception mouvementée d'un anniversaire d'étudiante. Alors qu'à la TV est diffusée une série B d'horreur captivante, eu égard de la fascination des spectateurs, un démon s'extirpe de la lucarne pour y agresser la locataire de la fiesta. Brièvement possédée par le Mal, elle transmet sa contagion auprès de ses camarades. C'est le début d'une épreuve de survie que quelques rescapés vont tenter de surpasser depuis leur condition d'embrigadement. Car privés d'électricité et incapables de s'extirper de leur appartement, ils vont user de bravoure et d'adresse pour se prémunir contres les affronts démoniaques.

Plaisir innocent du samedi soir comme le fut brillamment son congénère, Démons 2 exploite le filon d'un succès mérité en surenchérissant dans l'action et le gore festifs. Multipliant les situations de claustration au sein d'un ascenseur, d'un club de muscu et de 2/3 appartements, l'intrigue alterne les allers/retour sur la condition recluse de survivants scindés en groupe. De par la vigueur des affrontements sanglants aussi improbables que délirants s'ajoute la qualité artisanale d'effets spéciaux souvent spectaculaires (le clin d'oeil ironique à Videodrome ou encore le ghoulie s'extirpant de l'estomac d'un marmot). Emaillé de séquences oniriques stylisées (l'apparition nocturne des démons aux yeux fluorescents), Démons 2 fait notamment preuve d'inventivité dans leur aspect grand-guignolesque, à l'instar du chien et du bambin en phase de mutation. Bordélique à plus d'un titre, les séquences horrifiques se succèdent sans répit dans une ambiance de folie expansive si bien que survivants et démons se combattent avec la même insolence primitive. Nombre de séquences parfois grotesques sombrant dans l'hilarité improvisée, tant par le cabotinage outré des comédiens que certaines stratégies d'attaque amorcées en véhicules. Ce climat d'hystérie collective se traduit aussi par la physionomie spumescente des monstres vociférant insatiablement leur soif d'exactions !  Du pur régal 100% fun.

Si l'effet de surprise est rompu et que le scénario élémentaire repose uniquement sur l'esbroufe, Demons 2 renoue généreusement avec l'esprit ludique du survival en huis-clos, la touche surréaliste en sus. Lamberto Bava s'efforçant de renouveler l'action des pugilats sanglants en exploitant habilement l'éclectisme des décors. Une bisserie d'exploitation au charme encore plus factuel qu'à sa glorieuse époque que les fans ne se lasseront jamais de revisionner. 

La Chronique de Demons: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/05/demons-demoni.html

*Bruno

29.04.25. VF à privilégier. 4è

04.01.24. Vistfr

22.05.24. VF

COCOON. Oscar 87 du meilleur acteur pour Don Ameche.

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieposter.com 

de Ron Howard. 1985. U.S.1. 1h56. Avec Don Ameche, Wilford Brimley, Hume Cronyn, Brian Dennehy, Jack Gilford, Steve Guttenberg, Maureen Stapleton, Jessica Tandy

Sortie salles France: 27 Novembre 1985. U.S: 21 Juin 1985

FILMOGRAPHIE: Ron Howard est un réalisateur et acteur américain, né le 1er Mars 1954 à Duncan, Oklahoma.
1977: Lâchez les bolides. 1982: Les Croque-morts en folie. 1984: Splash. 1985: Cocoon. 1985: Gung Ho. 1988: Willow. 1989: Portrait craché d'une famille modèle. 1990: Backdraft. 1992: Horizons Lointains. 1994: Le Journal. 1995: Apollo 13. 1996: La Rançon. 1999: En direct sur Ed TV. 2000: Le Grinch. 2001: Un Homme d'Exception. 2003: Les Disparus. 2005: De l'ombre à la lumière. 2006: Da Vinci Code. 2008: Frost/Nixon. 2009: Anges et Démons. 2011: Le Dilemme. 2013: Rush. 2014: Au coeur de l'Océan. 2016: Inferno.

Enorme succès commercial à sa sortie en salles si bien qu'une suite fut rapidement mise en chantier 3 ans plus tard, Cocoon s'inspire clairement du cinéma de Spielberg par son esprit féerique à exploiter une intervention extra-terrestre avec une sobre simplicité. Dénué de prétention mais s'appuyant sur la facilité des bons sentiments, Ron Howard aborde les thèmes de la vieillesse et de l'acceptation du deuil parmi l'efficacité d'un pitch pittoresque. Dans une maison de retraite, un trio d'acolytes sclérosés parvient à rajeunir après avoir pataugé dans la piscine d'une propriété privée. Seulement, l'endroit est également le refuge d'un groupe extra-terrestre venu y déposer des cocons après que ces derniers eurent été soutirés de l'océan. Leur stratagème est donc de récupérer leurs comparses pour les rapatrier dans leur lointaine galaxie après des siècles d'hibernation.

Comédie fantastique à l'esprit de légèreté et de fraîcheur, Cocoon cultive une indéniable sympathie en la présence pétulante de couples du 3è âge en instance de renaissance puis celle attendrissante d'E.T candides (FX adroits à l'appui pour consolider leur apparence incandescente). Les comédiens septuagénaires s'en donnant à coeur joie dans leur dynamique de groupe à concerter les virées nocturnes avec une appétence de liberté qui incitera les autres pensionnaires à se jeter dans la piscine de jouvence. Au-delà de la fougue extravertie de ces vétérans du 3è âge, l'acteur Steve Guttenberg prête son talent de distrait empoté avec beaucoup de naturel, quand bien même sa partenaire féminine campée par la délicieuse Tahnee Welch (fille de Raquel Welch s'il vous plait !) insuffle un charme concupiscent dans une fonction gentiment fallacieuse. Réflexions sur le sens de la vieillesse et l'injustice de la mort, Ron Howard les abordent avec humour, émotion poignante et poésie sous l'impulsion d'une idéologie spirituelle. Nos retraités ayant finalement opté pour une vie éternelle, on peut y voir une métaphore sur l'acceptation du deuil du point de vue de la famille endeuillée par la disparition de l'être aimée. Malgré l'évidente naïveté de son traitement et le côté superficiel de la réalisation, Ron Howard s'extirpe de ses lacunes grâce à la complicité fougueuse des comédiens et l'originalité du sujet compromettant la survie d'E.T et de vieillards parmi l'esprit rédempteur de la fraternité.

Conte féerique sur la fidélité de l'amour et l'acceptation de la mort, Cocoon repose sur la sincérité de Ron Howard à s'influencer modestement du cinéma de Spielberg. Hormis l'aspect un peu mièvre du climat onirique et de sa caractérisation humaine pleine d'optimisme, ce spectacle familial tire parti de son attrait grâce à l'efficacité du concept fantasmatique (la cure de rajeunissement chez des retraités en fin de vie) où les comédiens laissent libre court à une insolence galvanisante. 

Récompenses: 1986 : Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour Don Ameche
1986 : Oscar des meilleurs effets visuels pour Industrial Light & Magic
1986 : Saturn Award du meilleur réalisateur pour Ron Howard

29.03.16 (4èx)
07.06.02

LA LEGENDE DE BEOWULF

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Beowulf" de Robert Zemeckis. 2007. U.S.A. 1h55. Avec Ray Winstone, Anthony Hopkins, Angelina Jolie, John Malkovich, Robin Wright, Brendan Gleeson, Crispin Glover, Alison Lohman

Sortie salles France: 21 Novembre 2007. U.S: 16 Novembre 2007

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois).
1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight. 2015: The Walk.

Entièrement réalisé en performance capture que Zemeckis avait déjà utilisé pour Le Pole Express, la Légende de Beowulf retrace le parcours fallacieux d'un illustre guerrier compromis par sa cupidité et son désir de notoriété. C'est après avoir vaillamment combattu le monstre Grendel que la mère de ce dernier se résigne à lui soumettre un pacte en guise de vengeance. Attisé par la place du trône que le roi Hroogar lui avait déjà promis s'il rapportait la tête du monstre, Beowulf accepte d'enfanter un fils à la mère de Grendel et de lui céder une licorne d'or afin d'acquérir la gloire. Spectacle d'héroic-Fantasy regorgeant de bravoures homériques très impressionnantes (les interventions erratiques du monstre, le combat épique avec le dragon), la Légende de Beowluf traduit une belle vigueur dans la fluidité des combats aériens et des pugilats sanglants. Effrayant à plus d'un titre, de par son apparence putrescente et ses exactions impitoyables, Grendel parvient pourtant à nous susciter une certaine compassion par sa condition de victime malgré lui avec l'appui d'une mère chérissant.

Mais au-delà du ressort trépidant des affrontements bellicistes chorégraphiés avec inventivité, le spectacle moyenâgeux puise notamment sa densité dans la caractérisation humaine de ses personnages. L'intrigue vénéneuse se focalisant sur les actes et les conséquences morales de Beowulf depuis sa rencontre avec une créature divine. Guerrier aguerri reconnu pour son courage et sa force physique, ce dernier n'hésite pas à duper son entourage sur les circonstances de ses exploits héroïques. Sans jamais céder à la surenchère gratuite (l'action étant au service d'un fil narratif privilégiant la passation de pouvoir entre souverains liés au secret), Zemeckis amorce une ampleur à la dimension humaine quant au cheminement de perdition de Beowulf. Notamment lorsque sa remise en question éveillera chez lui culpabilité et désir de rédemption quelques décennies après ses triomphes. Héros torturé d'avoir lâchement trompé les siens au prix de la célébrité et de la cupidité, Beowulf nous insuffle une inévitable empathie depuis sa conscience meurtrie d'avoir osé tolérer un pacte avec le diable. C'est sous l'apparence trompeuse d'une déesse plantureuse que notre héros céda même si celle-ci profita de ces pouvoirs occultes pour mieux l'assouvir. Esthétiquement envoûtant et richement détaillé pour retranscrire avec réalisme et onirisme une scénographie médiévale inscrite dans le bruit et la fureur, la Légende de Beowulf alterne l'action spectaculaire et l'émotion poignante, notamment avec le soutien moral du second-rôle féminin, Wealtheow. Une épouse mélancolique lucide de ses échecs conjugaux depuis les trahisons communes de Hroogar et Beowulf auprès de leurs pairs.

A travers la simplicité d'un scénario efficacement structuré, la Légende de Beowulf insuffle une belle densité humaine pour le profil insidieux d'une légende héroïque fascinée par le pouvoir. Sous couvert d'un film d'aventures haletant et violent, c'est donc un divertissement anticonformiste que nous propose Zemeckis en taillant la carrure d'un héros faillible conscient de ses faiblesses humaines.  

Sweeney Todd: Le Diabolique Barbier de Fleet Street

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street" de Tim Burton. 2007. U.S.A/Angleterre. 1h56. Avec Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Edward Sanders, Jamie Campbell Bower, Timothy Spall, Jayne Wisener

Sortie salles France: 23 janvier 2008. U.S: 21 Décembre 2007

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2007: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

D’après un roman publié en 1846 par Malcolm Rymer et Thomas Peckett, Sweeney Todd s’inspirerait des exactions d’un véritable serial killer : un barbier ayant sévi à Paris au XIVᵉ siècle avec la complicité d’un pâtissier installé en face de son échoppe, lequel cuisinait des pâtés en croûte à partir des cadavres livrés par son acolyte. Adaptée au fil du temps au cinéma, en téléfilm, en radiophonie et en théâtre — de 1847 jusqu’en 2006 -, la légende réapparaît en 2007 sous la forme d’une comédie musicale horrifique sous la houlette de Tim Burton. À la vision d’un tel spectacle, à la fois iconoclaste et hardcore, on se demande encore comment le cinéaste a pu convaincre Hollywood de financer pareille entreprise. Burton ne lésine pas sur les gerbes de sang, offrant des égorgements d’un réalisme tranchant, tout en orchestrant une fable de vengeance, de romance et de folie. Le film retrace le sombre destin de Benjamin Barker, barbier londonien emprisonné quinze ans pour un motif dérisoire par la cruauté d’un juge véreux, épris de sa femme. Devenu Sweeney Todd, et épaulé par une pâtissière spécialiste des tourtes à la viande, il prépare sa terrible revanche contre le juge Turpin (impeccable Alan Rickman, entre orgueil tranquille et cruauté décomplexée), tout en espérant retrouver son épouse prisonnière de cet imposteur.

Émaillé de mélodies éclectiques chantonnées avec emphase par une troupe habitée, Sweeney Todd oscille sans cesse entre comédie et horreur pure, brassant des émotions d’une austérité funèbre. Porté par un apparat gothique - décors expressionnistes, costumes endeuillés, photo désaturée, reconstitution criante de vérité - le film enivre la vue, guidé par le duo maudit Todd/Mrs. Lovett. Johnny Depp incarne avec froideur hiératique un barbier mélancolique rongé par une rancune incurable, tandis qu’Helena Bonham Carter oppose une sensualité trouble, complice secrètement amoureuse dont le regard vénéneux insuffle une sournoiserie subtile. Si l’intrigue dramatique sacrifie le suspense à la mécanique implacable de la vengeance, le film séduit et effraie par son ambiance hybride, quasi indicible, où la violence barbare se mêle à une galerie d’âmes corrompues. Le réalisme du climat opaque - parfois dépressif - déconcerte, d’autant que la tournure cruelle des événements ne laisse place à aucune illusion. La folie du barbier est retranscrite sans romantisme, jusqu’à l’issue nihiliste de l’épilogue qui laisse sans voix.

Tour à tour baroque et sardonique, profondément malsain et sordide, romantique et tragiquement cruel, Sweeney Todd s’impose comme un spectacle horrifique halluciné, alliant l’ivresse des numéros musicaux à la sauvagerie d’un ultra-gore à couper au rasoir. Refusant le divertissement ludique, Tim Burton cisèle avec une virtuosité technique un ofni inclassable, convoquant à la fois l’héritage du muet et la modernité de l’horreur graphique. Par son climat onirico-macabre, aussi méphitique qu’envoûtant, le film prévient d’emblée le spectateur : son aura vitriolée ne laisse pas indemne. Œuvre magnifique, mais traversée d’un désespoir mélancolique en perdition morale, elle laisse dans la bouche une amertume dramatique difficile à digérer sitôt le générique clos.

Public averti.

— le cinéphile du cœur noir

2èx. 29.08.25. Vost

STAR WARS, EPISODE VII: LE REVEIL DE LA FORCE

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdsreleasedates.com

"Star Wars Episode VII: The Force Awakens" de J. J. Abrams. 2015. U.S.A. 2h18. Avec Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Adam Driver, Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Peter Mayhew et Joonas Suotamo, Domhnall Gleeson

Sortie salles France: 16 décembre 2015. U.S: 18 Décembre 2015

FILMOGRAPHIE: J.J Abrams est un réalisateur, producteur, compositeur, acteur et scénariste américain pour le cinéma et la télévision, né le 27 Juin 1966 à New-york. Il est en outre le créateur des séries TV, Lost, Alias, Felicity, Fringe, Undercovers, Alcatraz et Obb Jobs.
2006: Mission Impossible 3. 2009: Star Trek. 2011: Super 8. 2013: Star Trek into the darkness. 2015: Star Wars, le réveil de la force.

                                     Comme on dit si bien: l'avatar ne vaudra jamais l'original.

Emaillé de séquences d'action à couper le souffle et de la rencontre franchement poignante du duo séculaire Harrison Ford / Carrie Fisher, un sympathique divertissement aux intentions sincères évidentes (réconcilier l'ancienne et la nouvelle génération du public) mais dénué d'âme, de fureur et de passion, d'intensité dramatique et de chaleur humaine (ou si peu, à l'instar de son climat austère !), faute d'un scénario scolaire aux enjeux vides d'intérêt (2h07 pour entrevoir l'apparition escomptée de Luke Skywalker !).

P.S: Mention spéciale pour la révélation Daisy Ridley tout à fait convaincante dans son rôle juvénile d'insurgée en initiation héroïque.

EDWARD AUX MAINS D'ARGENT. Oscar du Meilleur Maquillage, 1991.

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site chuckyg.com

"Edward Scissorhands" de Tim Burton. 1990. U.S.A. 1h45. Avec Johnny Depp, Winona Ryder, Dianne Wiest, Anthony Michael Hall, Alan Arkin, Kathy Baker, Robert Oliveri, Vincent Price.

Sortie salles France: 10 Avril 1991. U.S: 14 Décembre 1990

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

Après nous avoir surpris avec Beetlejuice et Batman, Tim Burton transcende son talent de conteur baroque à travers Edward aux mains d'argent, merveille d'émotions d'une fulgurance féerique. L'intrigue retraçant avec beaucoup de fantaisies puis une gravité exponentielle les vicissitudes d'une créature humaine affublée de cisailles en guise des mains. Autrefois créé par un inventeur de génie, ce dernier mourut avant même de lui substituer de véritables poignes. Après avoir visitée l'antre de son château, une commerciale en esthétique décide de l'adopter au sein de sa famille depuis son isolement. Rapidement, les voisins du quartier affluent afin de faire connaissance avec l'étrange phénomène. Abordant avec acuité les thèmes de l'intolérance, du préjugé, du racisme et du fanatisme religieux, Edward aux mains d'argent milite pour le droit à la différence sous l'impulsion d'une impossible romance. Car si Edward fascine irrémédiablement son entourage par ses talents artistiques de sculpteur en horticulture et en coiffure; la jalousie, la rancoeur et la couardise de seconds rôles vont l'entraîner vers le lynchage communautaire. 

Variation moderne de Frankenstein pour l'innocence du monstre féru de maladresses à différencier les valeurs du bien et du mal en l'absence parentale, et pour sa condition criminelle, Edward aux mains d'argent traduit en seconde partie un goût pour la romance pure sous le pilier d'un onirisme enchanteur. Les flocons de neiges et les sculptures de glaces ornementales faisant office de symbole d'espoir pour la correspondance des amants maudits. Emaillé d'instants irrésistibles de cocasserie pour l'acclimatation malhabile d'Edward au sein d'une société conformiste fondée sur le paraître (les caprices et les idées préconçues des voisines ont également leur part de responsabilité pour la déchéance colérique de ce dernier), l'intrigue finit par céder à une dramaturgie toujours plus inquiétante lorsque la fille des Boggs finit par lui éprouver des sentiments en dépit de la jalousie de son compagnon. Winona Ryder endossant avec pudeur du regard en émoi une fille touchée par la grâce amoureuse dans sa fragile élégance. Oscillant la maladresse et le talent pictural dans sa posture excentrique de monstre infantile, Johnny Depp livre sans doute l'un de ses rôles les plus prégnants tant il parvient par l'appui du mimétisme et du regard candide à provoquer une intense émotion au fil de son insertion sociale. Ce dernier se confrontant à un concours de circonstances infortunées depuis son influence manipulable et son handicap tactile.  

Joyaux noir aussi baroque que cruel pour la situation galvaudée du monstre, conte de noël d'un onirisme enchanteur pour la romance singulière du couple, Edward aux mains d'Argent célèbre les notions de candeur et de pureté avec une émotion toujours plus rigoureuse. Soutenu par l'élégie évocatrice de Danny Elfman, ce manifeste pour le droit à la différence oppose brillamment le blanc et le noir lorsque l'amour se retrouve bafoué par l'intolérance, l'ignorance et la jalousie. Un chef-d'oeuvre d'une grande fragilité humaine.  

Dédicace à Audrey Dupuis

L'ANNEE DU DRAGON

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site cityonfire.com

"Year of the Dragon" de Michael Cimino. 1985. U.S.A. 2h14. Avec Mickey Rourke, John Lone, Ariane Koizumi, Leonard Termo, Victor Wong, Dennis Dun, Raymond J. Barry
                         
Sortie salles France: 13 novembre 1985. U.S: 16 août 1985

FILMOGRAPHIE: Michael Cimino est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 3 février 1939 à New-York.
1974: Le Canardeur. 1978: Voyage au bout de l'enfer. 1980: La Porte du Paradis. 1985: L'Année du Dragon. 1987: Le Sicilien. 1990: La Maison des Otages. 1996: The Sunchaser. 2007: Chacun son cinéma - segment No Translation Needed.

Grand polar des années 80 qui redora le blason de Michael Cimino après le four financier de La Porte du paradis, L'Année du dragon est l’occasion singulière de tailler une carrure antipathique à un héros réactionnaire.

Souhaitant à tout prix alpaguer un baron de la drogue au sein du quartier de Chinatown, Stanley White nous est décrit comme un capitaine ingrat, inscrit dans un individualisme forcené. Un chien fou aux méthodes expéditives, qui entraînera des dommages collatéraux auprès de son entourage, quand bien même son rôle d’époux infidèle le réduit à l’état de goujat incorrigible. C’est d’ailleurs durant ce désordre conjugal qu’il extériorise sa colère sur le terrain, avant de se réconforter maladroitement dans les bras d’une séduisante journaliste.

Dans une subtile structure narrative, à la manière d’un opéra aux accents lyriques, Michael Cimino dépeint la situation chaotique d’une cité urbaine où trafics et exactions de triades sont savamment planifiés. Au sein de cette pègre intouchable, commanditée par le magnat Joey Tai, Stanley White s’est juré de nettoyer les quartiers de cette vermine en provoquant orgueilleusement son ennemi juré.

Prenant grand soin d’ausculter le profil torturé d’un flic sur la dérive, Cimino accorde beaucoup de crédit à nous familiariser avec son quotidien conjugal afin de renforcer l’intensité des enjeux et de nous alerter sur sa responsabilité morale face aux conséquences criminelles qu’il engendre.

Par son incapacité à se remettre en question ("J’aimerais devenir un type sympa, mais je ne sais pas comment faire !" s’exclamera-t-il dans la conclusion), sa prétention et son arrogance à provoquer la mafia, émergent une série d’affrontements punitifs dont White et Tai seront les principaux instigateurs.

Dans sa fonction irritable de flic rageur, Mickey Rourke explose une fois de plus l’écran, endossant la carrure pugnace d’un justicier aux confins de la folie. Sa volonté constante d’éradiquer à tout prix les trafiquants donne lieu à des pugilats sanglants que Cimino orchestre avec virtuosité. Une violence âpre, insufflant par ailleurs une intensité dramatique rigoureuse, notamment dans le sacrifice des innocents.

Par son rythme haletant, mais aussi ses plages d’accalmie mettant en lumière la caractérisation fébrile et tourmentée des protagonistes, L'Année du dragon déploie sa trajectoire sous le prisme d’une dimension humaine désespérée.

Chemin de croix d’un jeune loup suicidaire dans sa soif de justice et de vendetta, L'Année du dragon transfigure avec brio imperturbable le portrait peu recommandable d’un représentant de l’ordre sur le fil du rasoir. Par le biais de sa déchéance morale, de sa responsabilité assumée et de son courage burné, Michael Cimino y dénonce l’impossible déracinement d'une emprise mafieuse implantée sur un territoire étranger. D’un réalisme opaque dans sa facture, aussi épique que poignant, ce chef-d’œuvre du polar séduit également par son éclatante modernité (à l’instar de l’énergie rageuse de ses séquences d’action).

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Beetlejuice. Oscar du Meilleur Maquillage, 1989.

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site legrandaction.com

de Tim Burton. 1988. U.S.A. 1h32. Avec Alec Baldwin, Geena Davis, Michael Keaton, Winona Ryder, Jeffrey Jones, Catherine O'Hara, Glenn Shadix

Sortie salles France: 14 décembre 1988. U.S: 30 Mars 1988

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children. 2019: Dumbo. 2024 : Beetlejuice Beetlejuice. 2026 : Attack of the 50 Foot Woman. 

Comédie horrifique débridée animée par l'insolence de Michael Keaton dans sa fonction expansive d'exorciste de l'au-delà, Beetlejuice emprunte le thème de la hantise avec une invention cartoonesque en roue libre. 

Fraîchement décédé, un couple tente vainement d'effrayer les nouveaux occupants de leur ancienne demeure. Grâce au manuel des jeunes décédés, ils invoquent l'aide d'un exorciste, Beetlejuice ! 

Pour son second long, Tim Burton perdure dans la comédie loufoque en abordant les thèmes du deuil, de la hantise et de l'existence après la mort. Un argument horrifique académique que le cinéaste renouvelle fort brillamment de par son énergie aussi communicative que créatrice, son sens visuel flamboyant, sa cadence musicale, la galerie bigarrée de ses revenants et le ressort de gags macabres sciemment bonnards et pétulants.

En l'occurrence, si les fantômes tentent d'effrayer ses occupants pour retrouver l'harmonie de leur tranquillité, ces derniers finissent par se familiariser à leurs pitreries impromptues tant nos spectres farceurs redoublent d'outrance dans leurs stratégies exubérantes. Ainsi, sous la férule d'une mécanique du rire bien rodée, Beetlejuice parvient notamment à y cristalliser un univers macabro-féerique par l'entremise d'une dimension parallèle invoquée à l'au-delà. Le couple de fantômes ne cessant de voguer d'un univers à l'autre pour mieux gérer leur nouvelle condition immortelle et avant d'invoquer l'aide de l'exorciste Beetlejuice. 

Parmi la galerie festive des protagonistes qu'endossent fougueusement le couple de fantômes, la famille Deetz et leurs invités, Tim Burton prend soin d'y esquisser avec beaucoup de tendresse le portrait fragile d'une ado rebelle en quête identitaire suivie de 2 fantômes en quête de repos. C'est d'ailleurs grâce à sa solitude et à son idéologie morbide qu'elle parvient à déceler les apparitions fantomatiques pour y entretenir facilement une complicité amicale afin de s'extraire de sa dépression. 

Enfin, pour pimenter l'intrigue fertile en situations irrésistiblement grotesques - la séquence musicale du repas reste le moment le plus déjanté, Beetlejuice impose notamment sa personnalité sous l'impulsion survitaminée de Michael Keaton. Il s'en donne à coeur joie à adopter la défroque insalubre d'un trublion d'outre-tombe aussi perfide et impudent que pervers et (génialement) mal élevé.

Par le biais d’un pitch sommaire que l’on connaît par cœur, Tim Burton en exploite la mécanique avec une redoutable efficacité sous couvert d’alibi parodique, renouvelant ainsi un fantastique baroque vu nulle part ailleurs. Les péripéties en pagaille, confinées dans un huis clos domestique, tirent pleinement parti de leur insolence et de l’inventivité de leurs provocations horrifiques, tandis que la posture décalée des comédiens exacerbe l’esprit foncièrement décomplexé de ce divertissement sans prétention. Véritable exutoire à la hantise de la mort, illustré de façon délicieusement enchanteresse, Beetlejuice célèbre l’inéluctable avec un goût désinhibé, presque libérateur, au point de transformer l’angoisse existentielle la plus répréhensible en jubilation cathartique.

Dédicace à Pauline Quinterne

*Bruno

15.09.2024. 4èx. 4K Vostfr

Mary Reilly

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site pinterest.com

de Stephen Frears. 1996. U.S.A. 1h48. Avec Julia Roberts, John Malkovich, George Cole, Michael Gambon, Kathy Staff, Glenn Close, Michael Sheen

Sortie salles France: 17 Avril 1996. U.S: 23 Février 1996

FILMOGRAPHIE: Stephen Frears, est un réalisateur et producteur britannique, né le 20 juin 1941 à Leicester. 1968 : The Burning. 1971 : Gumshoe. 1979 : Bloody Kids. 1984 : The Hit. 1985 : My Beautiful Laundrette. 1987 : Prick Up Your Ears. 1987 : Sammy et Rosie s'envoient en l'air. 1988 : Les Liaisons dangereuses. 1990 : Les Arnaqueurs. 1992 : Héros malgré lui. 1993 : The Snapper. 1996 : Mary Reilly. 1996 : The Van. 1998 : The Hi-Lo Country. 2000 : High Fidelity. 2000 : Liam. 2002 : Dirty Pretty Things. 2005 : Madame Henderson présente. 2006 : The Queen. 2009 : Chéri. 2010 : Tamara Drewe. 2012 : Lady Vegas : Les Mémoires d'une joueuse. 2014 : Philomena. 2015 : The Program. 2016 : Florence Foster Jenkins.

Honteusement oublié, discrètement reconnu à sa sortie, Mary Reilly aborde le thème éculé de la lutte entre le Bien et le Mal à travers un jeu d’acteurs à son apogée. Loin de simplement remaker les classiques de Fleming ou Mamoulian, Stephen Frears y appose sa signature en instillant une romance équivoque entre Jekyll et sa gouvernante. Traumatisée par les sévices d’un père alcoolique, Mary tente d’oublier son passé en se dévouant à la demeure du Dr Jekyll. Lorsque celui-ci annonce l’arrivée imminente d’un mystérieux locataire nommé Mr Hyde, elle lui confie peu à peu ses blessures secrètes. Une complicité se noue, fragile, avant que l’irruption de Hyde ne bouleverse tout dans un souffle de dépravation.

Baigné dans une lumière blafarde, irrésistiblement envoûtante, Mary Reilly s’ancre dans un Londres du XIXe siècle reconstitué avec un soin presque hanté. La demeure labyrinthique dissimule de sinistres expériences, et la mise en scène s’attarde moins sur les effets que sur les âmes, scrutant les tourments des amants maudits. Stephen Frears sonde les méandres psychologiques de ces deux êtres fracassés, tiraillés entre désir, culpabilité et instinct de perdition.

À travers ce jeu trouble de soumission mêlée de confiance, le cinéaste accorde une attention précieuse aux états d’âme de Mary, fascinée malgré elle par le magnétisme brutal de Hyde. Julia Roberts incarne avec une sobriété poignante cette figure timorée, ambivalente, déchirée entre sa pudeur et un fantasme larvé. Son passé martyr ressurgit à la faveur des provocations de Hyde, et la jeune femme se laisse happer dans un ballet implicite de masochisme. Par son traitement audacieux — notamment dans la chimère érotique du rêve nocturne — Frears réinvente Dr Jekyll and Mr Hyde sous l’impulsion d’un amour tragiquement rédempteur.

Jekyll et Hyde, tous deux compromis par leurs sentiments, s'affrontent dans un duel intérieur où pouvoir et soumission, lumière et ténèbres s’entrelacent. Mis en scène avec élégance, le film distille la suggestion, mais n’évite pas la cruauté graphique : les sévices subis par Mary, la fillette rouée de coups, la mort brutale d’un ami… Ces éclats de violence renforcent une tension diffuse, insidieuse, qui contamine l’espace et les corps.

Outre la fragilité désarmée d’une Julia Roberts sans fard, le film s’abandonne à l’intensité vénéneuse d’un John Malkovich sobrement autoritaire au regard fuyant, hypnotique, insidieux. Il incarne, dans un trouble miroir, la part autodestructrice d’un chercheur condamné à démembrer son propre être pour disséquer les racines du Mal.

Jeu de miroir diaphane pour une romance masochiste en quête de rédemption, Mary Reilly explore avec fièvre les pulsions perverses et la fascination pour le Mal, dans une complicité trouble que Malkovich et Roberts électrisent jusqu’à l’os. Œuvre cérébrale, viscérale, poignante, elle élève le fantastique avec une dignité rare. Une perle vénéneuse à redécouvrir d’urgence.

*Bruno 

16.05.25. Vost

Mars Attacks !

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineclap.free.fr

de Tim Burton. 1996. U.S.A. 1h45. Avec Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox, Rod Steiger, Tom Jones, Lukas Haas, Natalie Portman, Jim Brown, Lisa Marie, Sylvia Sidney, Paul Winfield, Pam Grier, Jack Black, Joe Don Baker, O-Lan Jones, Christina Applegate.

Sortie salles France: 26 février 1997. U.S: 13 décembre 1996

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

Parodie des films de science-fiction des années 50 inspiré d'un jeu de cartes à collectionner de 1962, Mars Attacks se permet par cette occasion un joli pied de nez au patriotisme d'Emmerich lorsque Independance Day sorti en fanfare la même année. 

Le Pitch: Des martiens venus de Mars tentent d'entrer en contact avec le doyen des Etats-Unis. Alors que l'armée sur le qui-vive solutionne l'affront, le président opte pour l'accueil pacifiste. A tort, si bien que ces derniers n'ont comme seule ambition de détruire notre planète afin de la conquérir. 

Comédie débridée se moquant ouvertement des valeurs américaines avec une dérision caustique, Mars Attacks conjugue l'action pétaradante et les gags burlesques avec une inventivité exubérante. Sous l'impulsion extravertie d'une distribution de stars hétérogènes (on y croise même le chanteur Tom Jones), l'intrigue linéaire n'est qu'un prétexte pour Burton à singer une invasion extra-terrestre pour mieux se railler de l'idiocratie ricaine.

Que ce soit les élus politiques, l'armée réactionnaire, la contre-culture de la communauté "peace and love" ou encore le fanatisme de la religion, chacune de ses institutions bien pensantes volent en éclat sous les ricanements des E.T. Caricaturant sans modération le tempérament vaniteux des représentants politiques et de l'armée dans leur fonction martiale, Tim Burton privilégie également la valeur morale de deux personnages candides, introvertis et placides (une grand-mère et son p'tit fils timoré prochainement aptes à sauver le monde de manière aléatoire) souvent répudiés par leur entourage comme des laissés-pour-compte. Outre cette galerie de personnages fantasques, patriotiques et doux rêveurs, Mars Attacks tire parti de son ressort jouissif grâce aux exactions persifleuses de nos E.T faméliques. Affublé d'un cerveau surdimensionné que leur petit corps supporte nativement, ces derniers complotent leurs stratégies d'attaques parmi la motivation sardonique de subterfuges à répétition. Le peuple américain étant considéré à leurs yeux comme des êtres naïfs aussi influençables que manipulables. Emaillé de moments surréalistes insufflant un climat biscornu (le camouflage d'un martien dans une posture féminine au déhanchement dégingandé !), voir parfois même dérangeant (leurs expérimentations douteuses pratiquées sur quelques cobayes humains), Tim Burton cultive de temps à autre une poésie baroque fortuite pour mieux nous détourner !

Satire cinglante du patriotisme américain, pamphlet parodique évoquant le danger du nucléaire, Mars Attacks ! renouvelle l'invasion extra-terrestre dans un esprit déluré de bande-dessinée au vitriol. Outre la posture irrésistible de nos martiens gausseurs numériquement assez convaincants, le film séduit également par sa vigueur musicale. Tant par le thème entêtant orchestré par Danny Elfman que les bruitages éclectiques de sa bande-son survoltée ! (notamment l'impact strident des armes lasers). Jouissif au possible dans une décontraction irrésistiblement assumée. 

*Bruno

04.10.24.

4èx. Vostfr