BEN

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Phil Karlson. 1972. U.S.A. 1h34. Avec Lee Montgomery, Joseph Campanella, Arthur O'Connell,
Rosemary Murphy.

Sortie salles France: 4 Octobre 1972

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Phil Karlson est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 2 juillet 1908 à Chicago, Illinois (États-Unis), et mort le 12 décembre 1985 à Los Angeles (Californie). 1944 : A Wave, a WAC and a Marine. 1945 : There Goes Kelly. 1945 : G.I. Honeymoon. 1948 : Les Reines du music-hall. 1949 : Le Chat sauvage. 1949 : Down Memory Lane. 1950 : The Iroquois Trail. 1951 : Les Maudits du château-fort. 1952 : Le Quatrième homme. 1953 : L'Affaire de la 99ème rue. 1954 : They Rode West. 1955 : Coincée. 1955 : Les Îles de l'enfer. 1955 : On ne joue pas avec le crime. 1955 : The Phenix City Story. 1957 : Les Frères Rico. 1958 : Le Salaire de la violence. 1959 : Les Incorruptibles défient Al Capone (Téléfilm). 1960 : Saipan. 1960 : Key Witness. 1961 : Le Dernier passage. 1961 : Les Blouses blanches. 1962 : Un direct au cœur. 1963 : Massacre pour un fauve. 1966 : Matt Helm, agent très spécial. 1967 : La Poursuite des tuniques bleues. 1968 : Alexander the Great (TV). 1968 : Matt Helm règle son comte. 1970 : L'Assaut des jeunes loups. 1972 : Ben. 1973 : Justice sauvage. 1975 : La Trahison se paie cash.

Profitant du filon commercial de Willard réalisé un an au préalable, Ben est une séquelle aussi vaine que poussive. Faute d'une mise en scène académique, d'un jeu d'acteurs transparents et d'une intrigue stérile oscillant maladroitement relation amiteuse entre un bambin et son rat domestique et attaques animales racoleuses si bien qu'elle sombrent parfois/souvent dans le ridicule (le prologue dans la cave évacué de toute tension dans sa tentative de susciter le frisson, l'invasion dans le gymnase digne d'une prod Z et le final vainement homérique sous les égouts). On se console timidement auprès de son générique final lorsque Michael Jackson prête sa voix de chanteur à travers la superbe mélodie Ben (présente dans son second album) et l'on se remémore avec nostalgie sa fantasmatique jaquette éditée chez Proserpine durant la sacro-sainte époque Vhs. Dénué de moindre émotion et de tension dramatique dans son intrigue de pacotille et l'entreprise de techniciens peu motivés, Ben demeure un divertissement beaucoup trop naïf et obsolète (que j'aurai pour autant aimer défendre dans mon souvenir d'enfance émue !), à réserver aux mômes entre 11 et 13 ans.

Bruno Matéï
2èx

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de Daniel Mann. 1971. U.S.A. 1H35. Avec Bruce Davison, Elsa Lanchester, Ernest Borgnine, Sondra Locke, Michael Dante

Date de sortie : 18 juin 1971

FILMOGRAPHIE: Daniel Mann est un réalisateur américain né le 8 août 1912 à Brooklyn, New York (États-Unis) et décédé le 21 novembre 1991 à Los Angeles des suites d'une insuffisance cardiaque. 1952 : Reviens petite Sheba , 1954 : About Mrs. Leslie, 1955 : La Rose tatouée, 1955 : Une femme en enfer, 1956 : La Petite maison de thé, 1958 : Vague de chaleur, 1959 : The Last Angry Man, 1960 : The Mountain Road, 1960 : La Vénus au vison, 1961 : Le troisième homme était une femme, 1962 : Five Finger Exercise, 1962 : L'Inconnu du gang des jeux, 1963 : Who's Been Sleeping in My Bed?, 1966 : Our Man Flint, 1966 : Judith, 1968 : For Love of Ivy, 1969 : A Dream of Kings, 1971 : Willard, 1972 : La Poursuite sauvage, 1973 : Interval, 1973 : Maurie, 1974 : Lost in the Stars, 1975 : Le Voyage de la peur, 1978 : Matilda

A l'origine du projet, il y a un roman, Ratman's Notebooks de Stephen Gilbert, paru en 1968 aux Etats Unis. Trois ans plus tard, le réalisateur Daniel Mann le transpose à l'écran en prenant pour vedette le débutant Bruce Davison (une sobre prestation perfectible mais néanmoins convaincante !) ainsi que d'éminents seconds-rôles parmi lesquels Elsa Lanchester (La Fiancée de Frankenstein), Sondra Locke et Ernest Borgnine. A sa sortie en salles, le film récolte un joli succès si bien qu'une suite beaucoup moins sombre (car plus familiale) intitulée Ben sera rapidement mise en chantier sous la houlette du cinéaste Phil Karlson. Timoré et introverti, Willard est un jeune employé d'une entreprise ayant des rapports houleux avec son patron tyrannique. Après le travail, il s'isole en compagnie de sa mère alitée dans leur grande bâtisse gothique quand bien même quelques acolytes de celle-ci viennent parfois leur rendre visite. Un jour, Willard se distrait de l'intrusion d'un rongeur dans son jardin. Le début d'une étrange et tragique histoire d'amitié va se nouer entre eux. Pour ceux ayant vécu leur adolescence à l'époque charnière des années 80 n'ont jamais pu oublier sa première diffusion TV du lundi soir dans le cadre de l'émission l'Avenir du futur. Alors que le lendemain, durant la cour de récré, on s'empressait de relater avec fascination passionnelle le fameux film d'épouvante diffusé à une heure de grande écoute !

46 ans plus tard, que reste-t'il de ce petit classique des années 70 après qu'un excellent remake fut mis en chantier en 2003 par Glenn Morgan ? On ne peut pas dire que la réalisation académique et le montage elliptique soient au beau fixe, et ce même si un charme désuet s'y fait ressentir à travers cette attachante histoire d'amitié entre un homme et deux rats que Daniel Mann nous content avec une sensible attention. En prime, sa partition musicale archaïque, en quasi décalage avec l'époque dans lequel il fut conçu prêterait même à confusion si bien qu'on croirait que le film pourrait dater des années 50 ! Outre ses couacs et son aspect vétuste émanant d'une réalisation beaucoup trop canonique, Willard parvient encore à nous séduire et nous toucher grâce à son récit à la fois débridé et dramatique évoquant les rapports troubles entre Willard et son escorte de rats. Quand bien même Daniel Mann fustige au passage l'exploitation ouvrière auprès de la dictature d'un patron vénal (formidable Ernest Borgnine dans ses outrances gouailleuses !), ce dernier étant prioritairement responsable de la déliquescence morale de son employé prochainement voué à une rancoeur vindicative. Willard s'impose alors en conte horrifique à travers ce portrait fragile d'un célibataire endurci constamment raillé et discrédité par son entourage amical (si on excepte sa vaine liaison avec une secrétaire), professionnel, voir même familial (sa mère possessive le considère comme un raté en dehors de son bon caractère), si bien que sa nouvelle relation entamée avec les rats va enfin lui permettre de se forger une autorité et s'affirmer auprès des autres lors d'un règlement de compte meurtrier. Un acte de rancoeur finalement aussi couard qu'ingrat, tant auprès de la victime assassinée que des rongeurs exploités à des fins criminelles puis finalement sacrifiés au profit de la nouvelle indépendance de leur mentor.

La nuit du Rat
En dépit de ces scories susmentionnés, Willard reste un divertissement aussi bien attachant que bonnard dans son lot de séquences intimistes et incidents progressivement horrifiques, certes désuets, mais néanmoins crédibles quant aux rapports de domination/soumission (et vice versa) imputés entre Willard et Ben. Réflexion sur leurs rapports de force où possessivité, jalousie et désir de surpasser son allié empruntent le cheminement de la sédition, Willard ne manque pas de provoquer l'empathie à travers le portrait sensible d'un marginal livré au désespoir de la solitude.   

Note: Il s'agit d'un des premiers rôles de Bruce Davison au cinéma. Dans le remake, il incarne le père de Willard.

Eric Binford
16.05.17
27.01.11. 92

Willard

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de Daniel Mann. 1971. U.S.A. 1H35. Avec Bruce Davison, Elsa Lanchester, Ernest Borgnine, Sondra Locke, Michael Dante

Date de sortie : 18 juin 1971

FILMOGRAPHIE: Daniel Mann est un réalisateur américain né le 8 août 1912 à Brooklyn, New York (États-Unis) et décédé le 21 novembre 1991 à Los Angeles des suites d'une insuffisance cardiaque. 1952 : Reviens petite Sheba , 1954 : About Mrs. Leslie, 1955 : La Rose tatouée, 1955 : Une femme en enfer, 1956 : La Petite maison de thé, 1958 : Vague de chaleur, 1959 : The Last Angry Man, 1960 : The Mountain Road, 1960 : La Vénus au vison, 1961 : Le troisième homme était une femme, 1962 : Five Finger Exercise, 1962 : L'Inconnu du gang des jeux, 1963 : Who's Been Sleeping in My Bed?, 1966 : Our Man Flint, 1966 : Judith, 1968 : For Love of Ivy, 1969 : A Dream of Kings, 1971 : Willard, 1972 : La Poursuite sauvage, 1973 : Interval, 1973 : Maurie, 1974 : Lost in the Stars, 1975 : Le Voyage de la peur, 1978 : Matilda

A l'origine du projet, il y a un roman, Ratman's Notebooks de Stephen Gilbert, paru en 1968 aux Etats Unis. Trois ans plus tard, le réalisateur Daniel Mann le transpose à l'écran en prenant pour vedette le débutant Bruce Davison tout en sobriété ainsi que d'éminents seconds-rôles parmi lesquels Elsa Lanchester (La Fiancée de Frankenstein), Sondra Locke et Ernest Borgnine. A sa sortie en salles, le film récolte un joli succès si bien qu'une suite beaucoup moins sombre (car plus familiale) intitulée Ben est rapidement mise en chantier sous la houlette du cinéaste Phil Karlson. 

Le Pitch: Timoré et introverti, Willard est un jeune employé d'une entreprise ayant des rapports houleux avec son patron tyrannique. Après le travail, il s'isole en compagnie de sa mère alitée dans leur grande bâtisse gothique quand bien même quelques acolytes de celle-ci viennent parfois leur rendre visite. Un jour, Willard se distrait de l'intrusion d'un rongeur dans son jardin. Le début d'une étrange et tragique histoire d'amitié va se nouer entre eux. 

Pour ceux ayant vécu leur adolescence à l'époque charnière des années 80 n'ont jamais pu oublier sa première diffusion TV du lundi soir dans le cadre de l'émission l'Avenir du futur. Alors que le lendemain, durant la cour de récré, on s'empressait de relater avec fascination oh combien passionnelle le fameux film d'épouvante diffusé à une heure de grande écoute !

Quelques décennies plus tard, que reste-t'il de ce petit classique des années 70 après qu'un excellent remake fut mis en chantier en 2003 par Glenn Morgan ? Willard parvient encore à nous séduire et nous toucher grâce à la sobre efficacité du récit à la fois fascinant, débridé, oppressant puis dramatique évoquant les rapports troubles entre Willard et son escorte de rats. Quand bien même Daniel Mann  fustige au passage l'exploitation ouvrière auprès de la dictature d'un patron vénal (formidable Ernest Borgnine dans ses outrances gouailleuses). Ce dernier étant prioritairement responsable de la déliquescence morale de son employé prochainement voué à une rancoeur vindicative. 

Willard s'impose alors en conte horrifique à travers ce portrait fragile d'un célibataire endurci constamment raillé et discrédité par son entourage amical (si on excepte sa vaine liaison avec une secrétaire), professionnel, voir même familial (sa mère possessive le considère comme un raté en dehors de son bon caractère). Si bien que sa nouvelle relation amorcée avec les rats va enfin lui permettre de se forger une autorité et s'affirmer auprès des autres lors d'un règlement de compte meurtrier. Un acte de rancoeur finalement aussi couard qu'ingrat, tant auprès de la victime assassinée que des rongeurs exploités à des fins criminelles puis finalement sacrifiés au profit de la nouvelle indépendance de leur mentor.

La nuit du Rat
Attachant, fort et impeccablement construit dans sa construction d'un suspense latent au service d'un profil psychologique sombrant dans la psychopathie, Willard reste un excellent divertissement adulte à travers son lot de séquences intimistes et incidents progressivement horrifiques plutôt crédibles quant aux rapports de domination/soumission (et vice versa) imputés entre Willard et Ben. Réflexion sur leurs rapports de force où possessivité, jalousie et désir de surpasser son allié empruntent le cheminement séditieux, Willard ne manque pas de provoquer l'empathie à travers le portrait sensible de ce marginal livré au désespoir de sa solitude.   

Note: Il s'agit d'un des premiers rôles de Bruce Davison au cinéma. Dans le remake, il incarne le père de Willard.

Eric Binford
16.05.17
27.01.11. 92

01.05.25. 4èx

LOGAN

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site lestoilesheroiques.fr

de James Mangold. 2017. U.S.A. 2h17. Avec Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Boyd Holbrook, Stephen Merchant, Elizabeth Rodriguez, Richard E. Grant.

Sortie salles France: 1er mars 2017. U.S: 3 Mars 2017

FILMOGRAPHIE: James Mangold, de son vrai nom James Allen Mangold, est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 16 décembre 1963 à New York, dans l'État de New York, aux (États-Unis). 1995: Heavy. 1997: Cop Land. 1999: Une vie volée. 2001: Kate et Léopold. 2003: Identity. 2005: Walk the Line. 2007: 3 h 10 pour Yuma. 2010: Night and Day. 2013: Wolverine: Le Combat de l'immortel. 2017: Logan.

"On se met hors de la vie quand on a tué... Il n'y a pas de retour possible... Légitime ou non, un meurtre vous marque." 
Troisième volet imputé au personnage de Wolverine d'après Marvel Comics, Logan ressuscite le film de super-héros (en berne depuis une dizaine d'années si on excepte un ou deux sursauts) avec une grâce à la fois mélancolique et vertigineuse. Bouleversant drame familial si j'ose dire autour d'un survival mené avec une maîtrise sans fard, Logan constitue un concentré d'actions et d'émotions pures comme rarement le genre ait pu nous en offrir. Car à partir d'une intrigue linéaire relatant l'escapade d'un quatuor de super-héros contre l'armée, James Mangold en extrait un monstrueux divertissement inopinément sombre et sauvage. Sans concession, la vélocité des rixes entre bons et méchants s'avérant d'une barbarie viscérale lors des coups de griffes violemment assénés contre l'ennemi, quand bien même on se surprend de l'acuité dramatique des moments les plus cruels comme le soulignera une circonstance faussement rassurante. Sans céder à l'outrance ou le racolage comme il en pullulent chez les films de supers-héros mainstream, Logan demeure le p'tit canard subversif si bien que les séquences d'action chorégraphiées s'enchaînent (à en avoir parfois le tournis !) et se renouvellent au profit d'un récit substantiel faisant honneur à ses personnages tourmentés.

Modèle d'efficacité par sa structure soigneusement charpentée alternant bravoures homériques et émotion intimiste en la présence de Logan et de sa fille mais aussi de seconds-rôles malmenés (Xavier et Caliban), Logan distille un climat élégiaque (score au clavecin à l'appui !) au sein d'une campagne solaire contrastant avec la désillusion d'un Logan à bout de souffle dans sa retraite anticipée (il est proche du suicide). A travers ses dures expressions où se disputent l'irascibilité alcoolique, le désespoir latent mais aussi la rage de vaincre lors de furieux accès de révolte, Hugh Jackman nous délivre sans doute son plus grand rôle dans ce personnage sclérosé volontiers individualiste au point de délaisser le sort de sa partenaire incessamment traquée par des soldats sans vergogne. On peut d'ailleurs souligner le parti-pris réaliste du réalisateur à nous illustrer lors d'un bref passage explicatif la condition esclave de ces enfants martyrs souvent sacrifiés sous l'autel d'une hiérarchie militaire mégalo. Souvent mutique mais d'un charisme plutôt mature par son regard aussi bien revêche que torve, la petite Dafne Keen partage la vedette de son ascendant avec aplomb, soupçons d'arrogance et une émotion toujours plus fragilisée au fil de sa relation tendue avec son père. A eux deux, ils forment un duo improbable d'une belle dimension humaniste dans leur initiation fraternelle et familiale si bien que le réalisateur en extirpe au final un déchirant requiem avant de nous conclure une leçon de sagesse et de tolérance contre le venin de la haine meurtrière.

Transcendé par la densité humaniste de ces personnages en proie au doute, à la crainte de la vieillesse mais aussi à l'espoir de refonder un semblant de famille, Logan frappe en plein coeur dans son maelstrom d'émotions à la fois brutes et éthérées, notamment lorsque son sujet cible l'exploitation des enfants pour une cause belliciste. Au coeur des affrontements barbares émane une oeuvre initiatique épurée, pleine de bruit, de fureur et d'élégie, où perce une émotion lyrique. Un divertissement adulte avec une âme et un coeur, tel est l'emblème des grands classiques. 

Bruno Matéï

Alien Covenant

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site fr.pinterest.com

de Ridley Scott. 2017. U.S.A/Angleterre. 2h02. Avec Michael Fassbender, Katherine Waterston, Billy Crudup, Danny McBride, Demián Bichir, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez.

Sortie salles France: 10 Mai 2017. U.S: 19 Mai 2017

FILMOGRAPHIE: Ridley Scott est un réalisateur et producteur britannique né le 30 Novembre 1937 à South Shields. 1977: Duellistes. 1979: Alien. 1982: Blade Runner. 1985: Legend. 1987: Traquée. 1989: Black Rain. 1991: Thelma et Louise. 1992: 1492: Christophe Colomb. 1995: Lame de fond. 1997: A Armes Egales. 2000: Gladiator. 2001: Hannibal. 2002: La Chute du faucon noir. 2003: Les Associés. 2005: Kingdom of heaven. 2006: Une Grande Année. 2007: American Gangster. 2008: Mensonges d'Etat. 2010: Robin des Bois. 2012: Prometheus.

"Il se prend pour Dieu mais Dieu a horreur de la concurrence"
Fraîchement sorti de la salle obscure, le flegme apaisé (malgré le bashing de masse sur Facebook !) et le sourire d’ado docile (repus de mes émotions fortes), je m’empresse de livrer à chaud mes impressions — et, par la même occasion, de déclarer ma flamme au père fondateur de la franchise, Monsieur Ridley Scott, trop souvent discrédité ces dernières années. Après avoir révolutionné le space opera avec son œuvre séminale Alien, le voilà de retour avec une préquelle située dix ans après les événements de Prometheus. Sans dévoiler les arcanes d’une intrigue brassant peur de l’inconnu, danger létal et création, Scott signe, avec Alien: Covenant, un spectacle flamboyant renouant avec l’essence du cinéma d’horreur : cristalliser, avec intégrité et brio technique, tension, angoisse, mystère et terreur dans un univers stellaire et terrestre, sombre et envoûtant, habité par une créature toujours aussi furieusement expressive.

Ce goût du sentiment d’insécurité, Scott le ressuscite dès la première partie, terriblement affolante : l’inoculation de micro-organismes qu’involontairement deux membres de l’équipage vont enfanter déclenche des séquences chocs d’une violence inouïe, soufflant une terreur viscérale sous l’impulsion d’un montage frénétique, où chaque éclat visuel avive l’intensité dramatique. En dépit d’un canevas narratif de prime abord éculé (quinze passagers détournent leur route vers une planète hostile pour s’y faire massacrer un à un, tandis qu’un androïde aux intentions troubles les retient dans son antre), Alien: Covenant nous entraîne vers un voyage au bout des ténèbres, imprégné d’une « épouvante licencieuse » que n’auraient pas reniée les artisans du ciné bis. Scott ose une violence crue, exposant des trognes méconnues dignes de Mutants ou Inseminoïd - mais ici, le jeu sobre et l’empathie pour ces visages égarés font toute la différence. Loin de la chair à canon transparente d’un Vendredi 13, leurs morts nous touchent.

Semé de clins d’œil au premier Alien (costumes « classiques » de nos héros futuristes, huis clos final dans le vaisseau) et de trouvailles macabres (l’extraction de l’alien chez deux victimes, la singularité de leur contamination), Alien: Covenant séduit habilement une nouvelle génération tout en alternant morceaux de bravoure spectaculaires et surgissements de terreur haletante sous l’effigie de xénomorphes toujours aussi rageurs et perfides. On salue, à ce titre, l’audace de son épilogue nihiliste.

Dans l'espace, personne ne vous entend hurler ! 
Spectaculaire, grandiose et épique sans céder à l’esbroufe, angoissant et parfois terrifiant, plongé dans un univers crépusculaire aussi suffocant qu’immersif, Alien: Covenant réinvente le divertissement horrifique à travers des codes connus mais savamment revitalisés, baignant dans une facture bis délicieusement assumée - les moyens pharaoniques en prime. S’ajoute à cela l’attachante caractérisation de personnages à la fois fragiles et combatifs, fuyant l’hostilité de créatures exterminatrices. Il en résulte un spectacle hybride de samedi soir, où « jouissance », « émotion » et « poésie » dictent la cadence - et où la magnifique scène d’apprivoisement d’un alien par son maître irradie une intensité mélancolique.

-- Bruno  

La critique de Mathieu le Berre: http://retro-hd.com/critiques/cinema/1774-alien-covenant.html

La critique de Gilles Rolland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-alien-covenant/

La critique du Point: http://www.lepoint.fr/pop-culture/cinema/alien-covenant-quand-ridley-scott-se-prend-pour-dieu-09-05-2017-2125903_2923.php

Le point de vue antinomique de Jean Marc Micciche:
Bon la question qui fâche...oui Alien covenant....J'ai du mal à comprendre l'indulgence qu'il y a autour du film...Et malgré mes réticences de bases très marqués, j'avais envie d'y croire, en Scott, dans sa mythologie....bref j'étais partie pour voir du Alien, pas un Vendredi de l'espace, parce que je suis désolé, c'est juste çà (malheureusement), une boucherie froide, sans aucune (pour la majorité) une once de mise en place de suspense. La première heure fait encore illusion, car moi en tant que fan de sf pur, je suis content de voir un vaisseau dans l'espace, et si le film se résume à une version clean du premier Alien, au moins la chose titille encore ma vibre alien...La scène d'ouverture fait un lien poussif sur la création (sic) mais bon c'est jolie et bien cadré, bien joué...la scène de l'incident spatial est une bonne entrée matière...puis le signal, plus l'arrivée sur la planète mystérieuse, etc...bon même si visuellement ça a de la gueule et la direction artistique est soigné, on reste loin quand de l'étrangeté, du suspense, de l'exploration de la planète...bref du sous alien, mais ça reste dans les clichés du genre, ça me gêne pas...et puis du coup le film s'accélère avec pour ma part les deux meilleures scènes du film, toute la scène d'horreur dans la navette ou Scott se lâche dans un jeu de course poursuite en montage parallèle vraiment grisant suivie dans la scène 'raptor' dans les hautes herbes...certes les perso agissent comme des teubés mais il y a une vrai tension..bref une bonne demi heure avant l'arrivée de David et de tout le tra lala sur la création....et là mon cerveau décroche littéralement....le film devient d'une lourdeur pachydermique, bavard, surlignant tout dix fois histoire de bien souligner le message.. et c'est là que le film vire clairement aux slaher à deux balles. Scott déteste ses personnages et pour un jeu de massacre triste pas si loin de série z genre Inseminoid ou Créatures...les bisseux trouveront sans doute leurs comptes dans ce wft, les autres pleureront....au passage, on apprend le sort des ingénieurs (renversant), on découvre l'origine de l'alien et de l'oeuf (misère)...les perso, tous plus con les uns que les autres font n'importe quoi et on les emploi à les faire tuer comme des merdes (qu'on est loin des perso secondaires des trois premiers alien)....je passe sur les invraisemblances, les ellipses pourries, car on a droit à deux scènes qui vaut leurs pesant de cacahouètes (le sauvetage et le scène dans le vaisseau). Il est temps que le film se termine....voilà la création de l'alien est douloureuse que celle de dark wador. Si vous aimez les slasher couillon, ça peut le faire.....

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site critique-film.fr   

de Ridley Scott. 2011. U.S.A. 2h02. Avec Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Guy Pearce, Logan Marshall-Green, Sean Harris, Rafe Spall, Emun Elliott, Benedict Wong.

Sortie salles France: 30 Mai 2012. U.S: 8 Juin 2012

FILMOGRAPHIE (Info Wikipedia): Ridley Scott est un réalisateur et producteur britannique né le 30 Novembre 1937 à South Shields.
1977: Duellistes. 1979: Alien. 1982: Blade Runner. 1985: Legend. 1987: Traquée. 1989: Black Rain. 1991: Thelma et Louise. 1992: 1492: Christophe Colomb. 1995: Lame de fond. 1997: A Armes Egales. 2000: Gladiator. 2001: Hannibal. 2002: La Chute du faucon noir. 2003: Les Associés. 2005: Kingdom of heaven. 2006: Une Grande Année. 2007: American Gangster. 2008: Mensonges d'Etat. 2010: Robin des Bois. 2012: Prometheus

Une équipe de scientifiques se dirigent vers une planète hostile après avoir exploré une grotte illustrant une carte sur l'origine de la vie. A bord de cette expédition, Elizabeth et son ami Charlie sont persuadés de rencontrer nos créateurs de l'humanité sur la planète LV-223. 33 ans après Alien, Ridley Scott ainsi que ses scénaristes Damon Lindelof et John Spaihts ont enfin entrepris de concrétiser le rêve de millions de fans. Concevoir une préquelle à son modèle et donc relancer la franchise pour exploiter d'autres horizons spéculatives et rameuter une nouvelle génération. Spectacle de science-fiction d'une sobriété intègre, Prometheus est avant tout une réussite esthétique dans sa photogénie rugueuse d'un univers hostile, un règne interlope imprégné de mystère avant l'affront d'un cataclysme terrien. A la manière de son aîné Alien, le réalisateur nous refait le coup de l'excursion ombrageuse auprès d'une nouvelle compagnie d'explorateurs envisageant de démystifier l'origine de la vie par le biais d'une carte symbolique. Sur place, en visitant les lieux d'une cavité rocheuse à l'atmosphère irrespirable, ils vont se confronter à une multitude d'énigmes, telles ces apparitions furtives d'humanoïdes virtuels ou encore le corps momifié d'un extra-terrestre. Tandis qu'au fil de leur archéologie, des sculptures et monuments historiques inscrites sur les remparts d'un sous-sol présagent une technologie avancée.
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Avec une ambition formelle, Ridley Scott se réapproprie des codes de la mythologie dans une sorte de mise en abyme pour réinterpréter un univers opaque irrésistiblement inquiétant. Dans Prometheus, l'immersion de son milieu inhospitalier est totalement fluide ! En artiste virtuose aux idées technologiques innovantes, renouant avec de vastes décors organiques d'une planète caverneuse, Scott s'impose une fois de plus en créateur d'images. Cette persuasion de nous entraîner en interne d'une galaxie jalonnée d'éléments troubles ou nébuleux, en connivence avec l'origine de la vie. Avec une science du suspense sous-jacent, Prometheus insuffle une atmosphère singulière d'abandon et d'isolement auprès d'une équipe de chercheurs incapables de supplanter l'antagoniste. Les enjeux humains impartis aux personnages, leur choix conflictuel de survie pour sauvegarder la terre et leur foi spirituelle vont être mis à lourde épreuve pour tenter de se devancer. Pour rationaliser leurs vicissitudes, la dimension humaine de nos protagonistes est allouée à une poignée de comédiens dépouillés car éludés d'une éventuelle bravoure guerrière (mention spéciale à Naomi Rapace en héroïne opiniâtre de sa conviction mystique et à Michael Fassbinder, androïde étrangement équivoque, sournois et affable). Des scientifiques au caractère bien distinct, chargés de crainte, de doutes et d'espoir mais piégés par une évolution délétère auprès d'un individu perfide. Quand bien même au fil de leur cheminement en déclin, leur quête initiatique est allouée d'une théorie métaphysique sur la notion de Bien et de Mal (un Dieu créateur souhaiterait-il invoquer notre perte ?). Notamment sur le fondement de notre foi à la spiritualité pour nous convaincre d'exister et évoluer.

Je ne sais rien mais c'est ce que je choisi de croire
Si nombre de questions restent en suspens (pour quelle motivation les ingénieurs souhaitent éradiquer la Terre et quel est le rôle véritable des armes biologiques ?), Prometheus est suffisamment dense, tangible, convaincant, parfois même terrifiant pour relancer une nouvelle franchise prometteuse. Spectaculaire, esthétiquement fascinant et impressionnant (l'avortement fait figure de nouvelle anthologie horrifique alors que la cruauté de certaines mises à mort renforcent son aspect cauchemardesque), Prometheus déploie en outre un nouvel antagoniste ésotérique. Un humanoïde finalement accouplé avec une forme organique bien connue des amateurs et donc en l'occurrence dévoilée sous son incubation originelle ! S'il n'est pas le chef-d'oeuvre annoncé, la nouvelle démesure de Ridley Scott est un grand film d'anticipation sur l'horreur d'une menace inconnue, l'infini inaccessible et notre soif d'en déchiffrer le sens.
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Castle Freak

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site thehorrorhoneys.com

de Stuart Gordon. 1995. U.S.A. 1h30. Avec Jeffrey Combs, Barbara Crampton, Jonathan Fuller, Jessica Dollarhide, Massimo Sarchielli, Elisabeth Kaza.

Sortie Dvd France: 16 Février 2000. U.S: 14 Novembre 1995.

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un acteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago, dans l'Illinois. 1979: Bleacher Bums (Téléfilm), 1985: Ré-animator, 1986: From Beyond, 1987: Dolls, 1988: Kid Safe: the vidéo, 1990: Le Puits et le pendule, La Fille des Ténèbres (téléfilm), Robot Jox, 1993: Fortress, 1995: Castle Freak, 1996: Space Truckers, 1998: The Wonderful Ice Cream Suit, 2001: Dagon, 2003: King of the Ants, 2005: Edmond, Master of Horrors (2 épisodes), 2007: Stuck, 2008: Fear Itself (1 épisode).

Deux ans après avoir tâté de la science-fiction avec le sympathique Fortress, Stuart Gordon renoue à ses premiers amours avec Castle Freak. Une série B horrifique inédite en salles, pur hommage au cinéma gore italien des années 80 inscrit dans une forme de complaisance putassière pour le plus grand bonheur des fans. 

L'intrigue minimaliste nous illustre les rapports houleux d'une famille après avoir hérité d'un château italien appartenant à une défunte duchesse. Or, dans la cave, une créature humaine réduite à l'état animal parvient à briser ses chaines après des décennies d'esclavage. Traumatisés par la mort de leur fils lors d'un tragique accident de voiture, John, Susan et leur fille tentent difficilement de renouer les liens familiaux au moment même où le monstre profite de son autonomie pour se nourrir de chair fraîche. 

Une histoire sans surprise mais débridée et fascinante inspirée de l'écrivain H.P Lovecraft que Stuart Gordon emballe avec savoir-faire dans sa démarche horrifique aussi bien couillue qu'incongrue. Car si les clichés pullulent autour de cette cellule familiale en crise, le réalisateur n'y force pas le trait si bien que l'on s'identifie sans difficulté à leur discorde conjugale quand bien même les portraits castrateurs impartis à la police suspicieuse font également preuve de sobriété dans leur posture entêtée.

Epaulé d'un rythme assez soutenu au fil d'un cheminement inquiétant, Stuart Gordon compte sur l'efficacité des scènes horrifiques aussi impressionnantes que révulsives qu'une créature repoussante perpétue insatiablement. Quand bien même l'atmosphère glauque et malsaine qui émane de ses exactions emprisonne le spectateur dans un décorum gothique aussi poisseux qu'envoûtant (photo sépia à l'appui). Outre ses clins d'oeil hérités du ciné gore transalpin (notamment celui adressé au Manoir de la Terreur d'Andréa Bianchi lors d'une séquence lubrique), Castle Freak distille une vigueur viscérale en la présence parfaitement crédible d'une créature humaine du plus bel effet pestilentiel. Littéralement fascinant par son aspect aussi décharné que putrescent, ce monstre autrefois battu par une mère abusive provoque de prime abord une certaine pitié dans sa condition miséreuse et martyr. A l'instar de la séquence d'ouverture éprouvante auquel une rombière lui assène des coups de fouet "cloutés" sur sa chair chétive ! Une séquence extrême difficilement supportable de par ces hurlements plaintifs faisant écho dans les parois du château (tout du moins en VOSTR). Sans toutefois s'attarder sur la compassion de cette victime monstrueuse, Stuart Gordon préfère opter pour un grand-guignol sordide lors de séquences-chocs percutantes filmées en plan serré. Quant à son attachante distribution, Jeffrey Combs est toujours aussi convaincant en époux alcoolique en quête désespérée de rédemption et tenant tête aux forces de l'ordre avec une autorité déterminée. Quand bien même Barbara Crampton lui partage plus modestement la vedette avec une contradiction rancunière en épouse trahie.

Soutenu par le score entêtant de Richard Band, faisant subtilement écho à Re-Animator, Castle Freak joue modestement la carte de la série B horrifique, dans une complaisance putassière qui n’a pas à rougir de ses ascendants latins. Un divertissement solidement troussé, où l’ambiance putride s’accroche aux basques du spectateur avec un plaisir masochiste - et ce, malgré sa facture télévisuelle.

— le cinéphile du cœur noir
08.11.25. 3èx . Vostfr

KING OF THE ANTS

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site alchetron.com

de Stuart Gordon. 2003. 1h41. Avec Chris McKenna, Kari Wuhrer, George Wendt, Vernon Wells, Lionel Mark Smith, Timm Sharp.

Sortie salles France: 2 Octobre 2005

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un acteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago, dans l'Illinois. 1979: Bleacher Bums (Téléfilm), 1985: Ré-animator, 1986: From Beyond, 1987: Dolls, 1988: Kid Safe: the vidéo, 1990: Le Puits et le pendule, La Fille des Ténèbres (téléfilm), Robot Jox, 1993: Fortress, 1995: Castle Freak, 1996: Space Truckers, 1998: The Wonderful Ice Cream Suit, 2001: Dagon, 2003: King of the Ants, 2005: Edmond, Master of Horrors (2 épisodes), 2007: Stuck, 2008: Fear Itself (1 épisode).

Du cinéma brut de décoffrage où la trivialité du Mal emporte la mise. 
Concentré d'ultra violence dans son lot de tortures, sévices et meurtres d'une bestialité inhumaine, King of the Ants ne nous laisse pas indemne pour son effarant constat imparti à la nature primitive de l'homme. Par l'entremise d'une intrigue aussi véreuse que fétide qu'extériorisent une poignée d'antagonistes immoraux, Stuart Gordon dérange et choque avec une intensité réaliste inédite au sein de sa riche filmo. Ayant pour mission de supprimer un comptable pour le compte d'un entrepreneur corrompu, Sean Crawley se laisse influencer par la criminalité pour la somme de 15 000 dollars. Faute de sa personnalité aussi médiocre que vulnérable, ce dernier était finalement le pion d'un odieux traquenard commandité par l'entrepreneur et ses sbires. Dès lors, faute de son arrogance et de son chantage compromettant d'importants documents, Sean va passer par une série d'épreuves où tortures morales et physiques vont le mener aux cimes de la folie, et ce avant sa nouvelle mutation identitaire. 

Martyr

Récit initiatique d'un quidam victime de sa cupidité, de sa déliquescence criminelle et de ses châtiments corporels, King of the Ants retrace son chemin de croix avec un réalisme cru à couper au rasoir. Et ce jusqu'aux limites de l'insoutenable que les personnes sensibles auront sans doute du mal à encaisser. Les séquences de tortures et règlements de compte meurtriers s'enchaînant au fil d'une endurante vendetta que Sean Crawley va soudainement imposer lors d'un éveil de conscience où haine et désespoir vont lui permettre de se fondre dans la peau d'un démon exterminateur. Car après nous avoir éprouvé avec la mort gratuite d'un comptable livré à sa lâche merci, Stuart Gordon souhaite ensuite nous susciter pitié et empathie quant à la nouvelle condition soumise du meurtrier réduit à l'état d'esclavage (pour ne pas dire légume déficient épris de masochisme). Le réalisateur insistant durement sur ses lynchages quotidiens perpétrés par des complices orgueilleux se complaisant à exercer fougueusement l'innommable. Une manière radicale afin d'interroger le spectateur sur la justification de la violence punitive invoquée sur un assassin aussi lâche que ces tortionnaires. Ce déchaînement d'ultra violence souvent insupportable s'avérant le pilier émotif d'une intrigue amorale semée de rebondissements délétères si bien que l'amour s'invitera subitement par une porte de secours. Cette seconde partie moins éprouvante mais toute aussi malsaine et dérangeante s'attachant à nous décrire la rédemption "perfide" de notre exterminateur désireux d'approcher un semblant d'havre romantique avant que ces anciens démons ne le réveillent à perdurer une ultra violence jusqu'au-boutiste dans sa condition préalablement véreuse.

La bête sommeille en nous

Incongru, sardonique, ultra malsain et terriblement éprouvant quant aux éclairs d'ultra violence à la fois horrifiques et insolents, King of the Ants affiche sans complexe une expérience de cinéma extrême conçue pour mettre en lumière crue notre instinct pervers. Un objet aussi inclassable que poisseux nous livrant sans fard un portrait dérisoire de notre nature primale partagée entre la liberté de choix moral à privilégier la cause fragile du Bien ou celle beaucoup plus simple d'adhérer au Mal.
Pour public averti

Bruno Matéi

GET OUT

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jordan Peele. 2017. U.S.A. 1h44. Avec Daniel Kaluuya, Zailand Adams, Allison Williams, Catherine Keener, Erika Alexander, Bradley Whitford, Caleb Landry Jones.

Sortie salles France: 3 Mai 2017. U.S: 24 Février 2017

FILMOGRAPHIE: Jordan Haworth Peele, né le 21 février 1979 à New York, est un acteur, humoriste, réalisateur, scénariste et producteur américain. 2017: Get Out.

Précédé d'une bande-annonce aussi alléchante que prometteuse et d'une réputation élogieuse dès sa sortie salles (suffit de jeter un rapide coup d'oeil sur la notation de Rotten Tomatoes), Get Out est le nouveau phénomème horrifique outre-atlantique que le réalisateur novice Jordan Peele est parvenu à transfigurer avec un brio avisé. Tant et si bien qu'il s'agit de son premier essai derrière la caméra après avoir exercé les métiers d'acteur et d'humoriste. Sans déflorer le moindre indice du scénario aussi roublard et original que génialement machiavélique (même si l'influence des Femmes de Stepford est infaillible !), Get Out débute comme une agréable romance autour d'un couple interracial que forment Rose, jeune fille issue d'une classe bourgeoise, et Chris, un afro-américain équilibré et prévenant. Délibérée à le présenter à ses parents le temps d'un week-end, Chris accepte gentiment la proposition. Alors que les parents et le frère de Rose font preuve d'ironie impudente auprès de lui, l'ambiance néanmoins chaleureuse et bon enfant va rapidement bifurquer à la paranoïa, notamment parmi la posture inquiétante des deux domestiques afros-américains trop affables pour être honnêtes. Bijou de suspense horrifique entièrement dédié à la caractérisation interlope de seconds-rôles hyper convaincants, de par leur charisme saillant et leurs expressions neutres, Get out parvient à diluer un délicieux parfum de mystère, d'angoisse et de tension latente autour d'un Chris contemplatif, car témoin malgré lui d'évènements aussi troubles que nonsensiques.

Ce vénéneux climat d'étrangeté que parviennent à extérioriser l'assemblée bourgeoise (notamment leur réunion amicale instaurée dans le jardin) ainsi que les deux domestiques (à la fois évasifs, taiseux et faussement rassurants !) nous immerge subtilement dans un cauchemar anxiogène toujours plus palpable quant au cheminement investigateur de Chris en remise en question raciale. Emaillé de séquences dérangeantes d'une intensité psychologique, l'intrigue alterne quelques situations affolantes de comportements erratiques du point de vue secondaire des noirs faisant office de majordome ou attentionné auprès d'une gente sclérosée. Observant avec une habile attention la montée en puissance de la paranoïa de Chris (notamment lorsqu'il s'efforce d'alerter timidement sa petite amie en évitant de surdramatiser ses potentielles divagations !), Jordan Peele brosse son portrait à la fois fébrile et vulnérable sous l'impulsion spontanée de l'acteur Daniel Kaluuya crevant l'écran parmi ses expressions de crainte et de doute, de constance et de vaillance. Et ce avant que l'horrible piège ne se referme sur ses frêles épaules avec un sentiment d'impuissance viscérale que le spectateur témoigne avec autant d'appréhension, quand bien mêmes les soudains éclairs de violence nous mettront à rude épreuve morale. Au-delà de son réalisme cauchemardesque lestement diffus et du climat malsain du contexte aussi singulier, Jordan Peele se permet en prime de désamorcer par intermittence l'angoisse des situations par des saillies d'ironie génialement cocasses (l'improbable déposition de l'ami de Chris face au trio de flics noirs retenant difficilement leur sérieux !).

Satire caustique sur le racisme (en ces temps sinistrosés de haine et d'intolérance) par le biais d'un esclavage moderne, Get Out transcende l'outil horrifique avec autant de maîtrise technique (on peut parler de modèle de mise en scène, voir de coup de maître) que d'intelligence retorse si bien que l'angoisse des situations émane toujours de la caractérisation comportementale des personnages sournois (l'ombre de Rosemary's Baby planant aussi bien sur leurs épaules !). Et à ce titre, il faut autant prôner le jeu incroyablement percutant des comédiens se délectant à se fondre dans la peau de leur personnage avec une intensité faciale redoutablement perfide. Quant au scénario aussi bien glaçant de cynisme que génialement débridé, il s'agit là d'un des plus originaux que l'on ait vu depuis longtemps. A l'instar de cette anthologique séance d'hypnose ou encore de l'impuissance de la domestique à tenter d'extérioriser subitement un appel à l'aide !

Bruno Dussart

La critique de Gilles Roland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-get-out/

de Bryan Forbes. 1974. U.S.A. 1h50. Avec Katharine Ross , Paula Prentiss, Peter Masterson, Nanette Newman, Tina Louise, Carol Eve Rossen, William Prince, Carole Mallory, Toni Reid, Judith Baldwin.

Date de sortie: 12 février 1975 (USA)

FILMOGRAPHIE: Bryan Forbes est un réalisateur de cinéma britannique, également acteur, producteur et scénariste, né John Theobald Clark à Londres le 22 juillet 1926.
1961 : Whistle Down the Wind , 1962 : La Chambre indiscrète,1964 : Le Rideau de brume,1964 : L'Ange pervers,1965 : Un caïd, 1966 : Un mort en pleine forme,1967 : Les Chuchoteurs,1968 : Le chat croque les diamants, 1969 : La Folle de Chaillot, 1971 : The Raging Moon, 1975 : Les Femmes de Stepford, 1976 : The Slipper and the Rose, 1978 : Sarah,1980 : Les Séducteurs   , 1982 : Ménage à trois, 1984 : The Naked Face, 1990 : The Endless Game (tv)

Desperate Housewives
Adapté d'une oeuvre originale de Ira Levin (Rosemary's Baby), Les Femmes de Stepford demeure une satire caustique sur le sexisme, un tableau saugrenu sur la phallocratie évoquée au travers d'un récit d'anticipation horrifique. D'ailleurs, le sujet singulier si fascinant engendra une pléthore de séquelles parmi lesquelles The Revenge of the Stepford Wives (téléfilm de 1980), The Stepford Children, The Stepford Husbands ou encore le remake aseptique de Frank Oz réalisé en 2004. Un couple vient s'installer dans la bourgade verdoyante de Stepford, petit village situé dans le Connecticut où il fait bon vivre calme et sérénité. Joanna se lie d'amitié avec les voisines du quartier, particulièrement Bobby, une jeune femme extravertie et affranchie n'hésitant pas à critiquer l'attitude atone de certaines de ses collègues. Au fil des semaines, notre duo ne va pas tarder à s'inquiéter du comportement non-sensique de ces dernières.  

Précurseur de l'illustre série TV Desperate Housewives si j'ose dire, Bryan Forbes surprend autant qu'il déconcerte à travers cette version vitriolée de la guerre des sexes. Passée sa première partie ne laissant rien supposer de la montée en puissance du cauchemar domestique, Les Femmes de Stepford amorce doucement une ambiance trouble progressivement diffuse. Ces différents portraits caustiques impartis à la "famille modèle" empruntant le cheminement de l'irrationnel pour mieux duper et déranger le spectateur. Un parti-pris couillu afin de dénoncer avec incongruité la place de la femme soumise au sein du foyer conjugal lors d'une époque en mutation sociale. La charge est féroce, jusqu'au boutiste, à l'instar de sa conclusion aigre (quand bien même le scénario originel envisagé par William Goldman était encore plus horrifiant !). L'intrigue héritée d'un épisode de la Quatrième dimension insufflant une intensité dramatique autour d'une caractérisation corrosive de discordes conjugales en proie au non-sens. Cette tension insolite ira d'ailleurs en crescendo pour converger vers un dernier acte proprement opaque. D'un charisme saillant, mature et sensuel, notamment parmi l'intensité de son regard noir gagné de contrariété, Katharine Ross incarne avec force de caractère le rôle d'une ambitieuse photographe sensiblement attirée par l'angoisse d'une improbable découverte au point d'en bouleverser sa propre destinée ! 

Soit belle et tais-toi. 
Nonobstant une mise en place quelque peu poussive des personnages et la langueur (volontaire) du 1er acte, Les Femmes de Stepford constitue une bobine d'étrangeté singulière culminant vers l'effroi d'un dénouement inattendu si bien que le spectateur se partage entre malaise et empathie pour la condition de ces "femmes objets". La solidité de sa distribution aussi bien photogénique (la trop rare et méconnue Katharine Ross en tête !), l'aura insolite émanant de l'intrigue à rebondissements ainsi que son point d'orgue horrifique anti happy-end laissent en mémoire un pastiche corrosif sur l'émancipation féminine durant la révolution des Seventies. A redécouvrir avec vif intérêt, les Femmes de Stepford étant l'une des oeuvres les plus débridées de son époque frappée d'un réalisme audacieux et d'idées à revendre ! 

Eric Binford
11.01.11. 2èx

BRIGADE DES MOEURS

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site ebay.fr

de Max Pecas. 1985. France. 1h39. Avec Thierry de Carbonnières, Gabrielle Forest, Christian Barbier, Jean-Marc Maurel, Phify, Olivia Dutron, Brigitte Lahaie, Ticky Holgado, Jean-Pierre Bernard.

Sortie salles France: 9 Janvier 1985

FILMOGRAPHIE: Max Pécas est un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma français né le 25 avril 1925 à Lyon et mort le 10 février 2003 à Paris. 1960 : Le Cercle vicieux. 1961 : De quoi tu te mêles, Daniela ! 1962 : Douce Violence. 1962 : Une femme aux abois. 1963 : Cinq filles en furie. 1964 : La Baie du désir. 1965 : Espions à l'affût. 1966 : La Peur et l'Amour. 1968 : La Violence et l'amour. 1968 : La Nuit la plus chaude. 1970 : La Main noire. 1970 : Claude et Greta. 1971 : Je suis une nymphomane. 1973 : Je suis frigide... pourquoi ? 1974 : Club privé pour couples avertis. 1974 : Sexuellement vôtre. 1975 : Rêves pornos. 1975 : Les Mille et une perversions de Felicia. 1976 : Luxure. 1977 : Marche pas sur mes lacets. 1978 : Embraye bidasse, ça fume. 1979 : On est venu là pour s'éclater. 1980 : Mieux vaut être riche et bien portant que fauché et mal foutu. 1981 : Belles, blondes et bronzées. 1982 : On n'est pas sorti de l'auberge. 1983 : Les Branchés à Saint-Tropez. 1985: Brigade des mœurs. 1986 : Deux enfoirés à Saint-Tropez. 1987 : On se calme et on boit frais à Saint-Tropez.

Echec public en salles, Brigade des Moeurs est un polar d'exploitation que Max Pecas, spécialiste de comédies polissonnes, emballe avec un certain savoir-faire technique durant sa carrière déclinante. Dépourvu d'un pitch standard dénué d'intensité, de suspense et de rigueur dramatique, le réalisateur pallie sa vacuité narrative par un florilège de séquences ultra violentes et un soupçon de gore et d'érotisme qu'un flic justicier et la pègre sèment durant leurs règlements de compte. Dénué d'épaisseur psychologique, il est difficile de s'impliquer dans la vengeance expéditive de ce dernier plutôt inexpressif (sorte de sosie renfrogné de Francis Perrin) si bien que l'on éprouve peu d'empathie à son héroïsme réactionnaire et à son altruisme auprès de la gente féminine. Pour compenser l'ennui de son intrigue routinière alternant attaques et contre-attaques jusqu'au générique de fin, on peut s'amuser de retrouver quelques têtes familières imparties aux seconds-rôles (Brigitte Lahaie, Ticky Holgado et surtout l'excellent Christian Barbier), se prêtant au jeu du gendarme et du voleur avec une certaine spontanéité. Uniquement bâti sur sa surenchère aussi subversive que grand-guignolesque, Brigade des Moeurs a donc bien du mal à captiver en dépit de sa générosité homérique peu fructueuse.

Un polar franchouillard faussement impressionnant faisant office de pétard mouillé. 

Bruno Matéï

A 16 ANS DANS L'ENFER D'AMSTERDAM

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"La ragazza del Vondel Park" de Rino Di Silvestro (Axel Berger). 1984. Italie. 1h28. Avec Ann-Gisel Glass, Sebastiano Somma, Tony Serrano, Donatella Damiani

Sortie salles France: 2 Novembre 1984

FILMOGRAPHIE: Rino Di Silvestro est un acteur, scénariste et réalisateur italien né le 30 Janvier 1932, décédé le 3 Octobre 2009. 1985: Les nuits chaudes de Cléopâtre. 1984 À seize ans dans l'enfer d'Amsterdam. 1980 Bello di mamma. 1979 Baby Love. 1976 Les déportées de la section spéciale SS. 1976 La louve sanguinaire. 1974 Prostituzione. 1973 La vie sexuelle dans une prison de femmes

Epigone Z du traumatisant Moi, Christine F... 13 ans, droguée et prostituée, A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam porte la signature de Rino Di Silvestro (aka Axel Berger), spécialiste du cinéma d'exploitation comme le souligne sa filmographie lucrative bien connue des fans bisseux. C'est notamment à lui que l'on doit l'étrange et (gentiment) fascinant La Louve Sanguinaire, aussi superficiel et saugrenu soit-il, si bien qu'il s'agit à mon sens de son meilleur film, du moins le plus atmosphérique, inquiétant et trouble dans son concentré d'érotisme et de lycanthropie gore. Délibéré à surenchérir le modèle d'Uli Edel à renfort de séquences glauques d'une déviance parfois étrangement fascinante (la séance de voyeurisme dans le train effleure la pornographie, son plan X inséré au cours d'une brève séquence pénitentiaire et les moult shoots que les drogués s'injectent de manière parfois si convaincante qu'on y soupçonne l'authenticité de leurs gestes !), A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam sombre dans le nanar à force de maladresses techniques, de cabotinage d'acteurs de seconde zone et d'ultra complaisance en roue libre.

Par le truchement d'une intrigue indigente à peine inspirée d'un épisode des Feux de l'Amour (une jeune ado, Anna, sombre dans la drogue et la pornographie au moment de tomber amoureuse d'un quidam au grand coeur), Rino Di Silvestro s'efforce de provoquer malaise et dégoût par le biais d'un décorum sordide où industrie pornographique, tapinage et fixettes d'héros sont le lot quotidien de notre héroïne tributaire d'un maquereau aussi paumé qu'elle. Au coeur de leur sempiternelle crise conjugale et des rapports houleux d'Anna avec sa mère, un quidam philanthrope succombe à ses charmes lors d'une séquence expéditive de drague improvisée (comptez 2 minutes chrono pour nous convaincre de leur étreinte). En prime d'un montage elliptique ahurissant de maladresse (à moins qu'il ne s'agisse d'une version Cut !), l'intrigue nous perd d'ailleurs un peu en cours de route en dépit de son extrême simplicité à surligner (et alterner) les déchéances physiques et morales d'Anna rendue toxicomane et les règlements de compte entre divers macros et l'amant au grand coeur. Pour autant, en dépit de tous ces défauts précités érigeant l'entreprise au rang de nanar d'exploitation, A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam distille charme et sympathie à suivre (dans notre instinct voyeuriste gentiment pervers) les errances sordides d'Anna sous l'impulsion d'une narration fertile en péripéties et ce malgré ses redondances. A l'instar de son final musclé involontairement drôle car multipliant les pugilats de comptoir, faute du cabotinage des comédiens surjouant à n'en plus finir dans leurs expressions à la fois colériques, rebelles et démunies.

Pur produit d'exploitation estampillé Z, A 16 ans dans l'enfer d'Amsterdam mérite le détour par son charme bisseux typiquement latin (comme le souligne d'ailleurs sa mélancolique partition musicale) au gré de situations scabreuses ostentatoires que Rino Di Silvestro prend plaisir à filmer sans aucun complexe (tel ce plan X aussi inopiné qu'il provoque soupçon de cocasserie !) et avec le désir de choquer le spectateur parmi des codes narratifs inévitablement ludiques. 

P.S: A noter que le montage est signataire du cinéaste Bruno Mattei ! Ceci explique cela !

Eric Binford

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo" (Nous, les enfants de la gare du Zoo) de Uli Edel. 1981. Allemagne. 2h09. Avec Natja Brunckhorst, Thomas Haustein, Jens Kuphal, Rainer Woelk, Jan Georg Effler, Christiane Reichelt, Daniela Jaeger.

Sortie salles France: 24 Juillet 1981 (Interdit aux - de 13 ans). Allemagne: 2 Avril 1981.

FILMOGRAPHIE: Uli Edel est un réalisateur, producteur et monteur allemand, né le 11 Avril 1947 à Neuenburg am Rhein (Allemagne).
1971: Der Kleine Soldat. 1976: Die Erzählungen Bjelkins (télé-film). 1977: Der Harte Handel (télé-film). 1978: Das Ding: (série TV). 1981: Moi, Christiane F., 13 ans, droguée, prostituée. 1984: Eine Art von Zorn (télé-film). 1987: Waldhaus (série TV). 1989: Dernière sortie pour Brooklyn. 1993: Body. 1994: Confessions d'une rebelle (télé-film). 1995: Mike Tyson, l'histoire de sa vie (télé-film). 1996: Raspoutine (télé-film). 1999: La Ville des Légendes de l'Ouest (télé-film). 2000: Le Petit Vampire. 2001: Les Brumes d'Avalon (télé-film). 2002: King of Texas (télé-film). 2002: Jules César (télé-film). 2003: Evil Never Dies (télé-film). 2004: L'Anneau Sacré (télé-film). 2008: La Bande à Baader. 2010: Zeiten Andern Dich.

"D'la pisse et d'la merde, partout ! Y'a qu'à r'garder ! Qu'est ce que ça peut faire que d'loin tout est l'air neuf et de grand standing, avec des blouses vertes, des supermarchés ! Ce qui pue l'plus à l'intérieur, c'est les cages d'escalier. Les enfants, qu'est ce qu'ils peuvent faire quand ils jouent dehors et qu'ils ont envie d'pisser ! Le temps qu'l'ascenseur arrive au 11è ou au 12è, ils ont fait dans leur culotte et ils reçoivent une raclée. Autant l'faire dans la cage d'escalier. Et j'habite là depuis qu'j'ai 6 ans, avec ma mère, ma soeur et mes chats. Et j'en ai ras l'bol ! En ville, il y a des affiches partout. Le Sound, la discothèque la plus moderne d'Europe. C'est là qu'je veux aller..." 

Expérience jusqu'au-boutiste à l'intensité dramatique impitoyablement éprouvante, Moi, Christiane F. est un uppercut émotionnel difficilement soutenable lorsque l'on témoigne impuissant de la descente aux enfers d'une junkie dans le Berlin des années 70. L'épreuve de force intarissable d'une adolescente de 13 ans prise au piège de son addiction à l'héroïne, est donc contrainte de se prostituer afin de subvenir à ses besoins depuis le divorce parental. Cette déchéance humaine en déclin, ce désespoir sans échappatoire, le spectateur la contemple avec un malaise viscéral et sensitif proche de la nausée. De par son ambiance lourde, oppressante, glauque (score lancinant hypnotique à l'appui !) régie autour d'une gare berlinoise fréquentée par de jeunes SDF, et son réalisme documenté extrêmement dérangeant qu'une caméra voyeuriste ausculte sans tabou (les seringues pénétrant dans les veines avant une giclée de sang, les crises de manque et les crampes où sueur et vomi s'entremêlent pour y arroser les draps et tapisser les murs, les rapports sexuels forcés avec une clientèle dépravée !).

Uli Edel ne recule donc devant rien pour relater sans concession le quotidien miséreux de Christiane et ses comparses déambulant, tels des zombies nécrosés, dans un quartier malfamé pour y tapiner afin de se procurer leur offrande. L'ultra réalisme alloué à leur cheminement urbain s'avère si tangible qu'on jurerait qu'acteurs méconnus et figurants marginaux se soient prêtés au jeu de la défonce pour se shooter volontairement face caméra ! Devant l'acuité d'une fascination aussi malsaine, aucun long-métrage n'était parvenu à un tel degré d'authenticité, à l'instar de la déliquescence physique des comédiens retranscrite en temps réel ! Si le jeu assez amateur des seconds-rôles juvéniles et les dialogues triviaux font preuve de facilité, le sentiment d'improvisation éprouvé se prête plutôt bien au climat de sinistrose auquel ils appartiennent, quand bien même une photo blafarde nous martèle l'esprit par sa facture opaque. Le cinéaste s'attardant perpétuellement à mettre en exergue leur contrariété psychique liée à l'accoutumance incontrôlée du produit (d'où ce parti-pris du montage elliptique !). Si Moi Christiane F. s'avère si implacablement immersif et criant de vérité dans la déchéance morale des toxicos, il le doit beaucoup au talent épidermique de Natja Brunckhorst. L'actrice se fondant dans la peau d'une infortunée avec un sentiment de désespoir collapsé et parmi l'apitoiement du regard affligé d'impuissance et de solitude !

Cri d'alarme contre une jeunesse déboussolée avide d'expérience nouvelle, épreuve de survie impartie à l'emprise de la came, Moi Christiane F... remémore dans une ambiance funéraire suffocante le témoignage le plus glauque, le plus sordide et éprouvant jamais traité sur le fléau. Outre son portrait vérité imparti à son héroïne mondialement célébrée par le best-seller des journalistes Kai Hermann et Horst Rieck, Moi, Christiane F... laisse le spectateur dans un état de choc mutique sitôt le générique écoulé. Pour publics avertis mais à prescrire dans tous les collèges, lycées et universités ! 

A mon frère de coeur Pascal, décédé en Décembre 93, et à tous ceux qui n'ont eu la chance de s'en sortir...

Bruno Dussart