Mort sur le Grill / Crimewave

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sam Raimi. 1985. U.S.A. 1h26. Avec Reed Birney, Paul L. Smith, Brion James, Louise Lasser, Bruce Campbell, Sheree J. Wilson, Antonio Fargas. 

Sortie salles France: 5 Mars 1986. U.S: 25 Avril 1986

FILMOGRAPHIE: Sam Raimi est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 23 Octobre 1959 à Franklin, Etats-Unis. 1981: Evil-Dead. 1985: Mort sur le Grill. 1987: Evil-Dead 2. 1990: Darkman. 1993: Evil-Dead 3. 1995: Mort ou Vif. 1998: Un Plan Simple. 1999: Pour l'amour du jeu. 2000: Intuitions. 2002: Spi-derman. 2004: Spider-man 2. 2007: Spider-man 3. 2009: Jusqu'en Enfer. 2013: Le Monde fantastique d'Oz. 2022 : Doctor Strange in the Multiverse of Madness. 

Une série B culte transplantée dans le cadre du cartoon live. 

Pas très bien accueilli lors de sa sortie internationale en dépit de nos critiques hexagonales plutôt favorables (principalement les revues spécialisées Mad Movies / L'EF / Starfix alors qu'à Avoriaz il fut vanter par quelques journalistes), Mort sur le Grill est une comédie probablement trop déjantée pour le spectateur non averti. Tant et si bien que Sam Raimi, à peine remis du fracassant succès Evil-Dead,  renoue avec le cartoon live et le suspense parodique dans un esprit débridé autrement décomplexé. Le comique railleur, les poursuites improbables et l'action décérébrée se disputant la mise lors d'un concours de circonstances ubuesques inscrites dans l'insolence sardonique (on peut d'ailleurs parfois avoir mal au crane selon l'humeur du jour). 

Et si l'intrigue, trop simpliste (inopinée rencontre puis affrontement entre un héros gaffeur, sa compagne qu'il tente maladroitement de courtiser et un duo de tueurs payés pour supprimer un amant infidèle) laisse peu de places au rebondissements, l'implication attentionnée de Raimi (tant niveau technique que formel, accompagné d'une photo rutilante) entouré d'une poignée d'acteurs festifs en roue libre rendent l'attraction franchement fougueuse en faisant fi de toute prétention. Sorte de grand huit lancé à vive allure, Mort sur le Grill demeure donc un flamboyant hommage aux cartoons de notre enfance, particulièrement Tex Avery, à travers son inventivité à corps perdu que Raimi relance sans cesse dans une formulation sémillante. Tous les protagonistes s'en donnant à coeur joie à se courser et se cogner au gré de mimiques sciemment surjouées. Généreusement bonnard, lunatique, frétillant, hystérique et badin au sein d'une scénographie alambiquée parfois incroyablement maitrisée (la poursuite finale sur bitume déménage en diable !); Mort sur le Grill ne pourrait décevoir que les pisse-froids, les dépressifs et rabats joie ayant notamment égaré en cours de chemin leur âme d'enfant. 

*Bruno

3èx

Osterman week-end

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sam Peckinpah. 1983. U.S.A. 1h43. Avec Rutger Hauer, John Hurt, Craig T. Nelson, Dennis Hopper, Chris Sarandon, Meg Foster, Helen Shaver 

Sortie salles France: 18 Avril 1984. U.S: 4 Novembre 1983

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984. 1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

Déprécié par le public et la critique à l'époque, même si Starfix le sacralisa "choc du mois" au sein de leur revue, Osterman Week-end est un splendide thriller maudit même si beaucoup mieux considéré aujourd'hui depuis sa sortie Dvd commercialisée chez nous et ailleurs. Fort d'un casting irréprochable (on y croise dans un élan spontané Rutger Hauer, John Hurt, Craig T. Nelson, Dennis Hopper, Chris Sarandon, Meg Foster, Helen Shaver) et d'une mise en scène solide, même si non exempt de couacs, maladresses (lisibilité à désirer pour certaines séquences alors que d'autres restent très impressionnantes) et incohérences (l'imprudence de Fassett / John Hurt à manipuler ses moult caméras de video surveillance perfectibles puis son rendez-vous complaisant en catimini dans le hangar de Tanner), Osterman Week-end empreinte le schéma du survival domestique avec un art consommé de la singularité. Tant auprès de la pluralité des caméras de vidéosurveillance disséminées dans chaque pièce de la demeure de Tanner (véritable précurseur de la télé-réalité que Peckinpah dénonce ouvertement, notamment à travers la manipulation des images) que de son climat nocturne davantage trouble, anxiogène, étrange, inquiétant, pour ne pas dire à la lisière d'un surnaturel horrifique lorsque les tueurs mutiques, planqués derrière les bosquets; entrent en action avec leurs armes infra rouge. 

Peckinpah distillant malaise sous-jacent et tension croissante au fil de la mission de Tanner acceptant d'épingler ses amis lors d'un week-end amical suite au compromis de l'agent de la CIA Fassett lui ayant prouvé plus tôt (via l'entremise de micros et de la vidéosurveillance) qu'ils s'avèrent des agents du KGB. Ainsi donc, face à la présence timidement affable de Tanner (Rutger Hauer, électrisant à travers son regard azur gagné par le doute, l'anxiété puis l'activité) accompagné de son épouse et de son fils en proie à l'interrogation, Osterman Week-end dégage un climat amical davantage insidieux sous l'impulsion de ses potentiels coupables davantage suspicieux du comportement de Tanner inscrit dans la réserve. La seconde partie du récit se transformant en chasse à l'homme alerte à travers ses règlements de compte revanchards superbement coordonnés d'une mise en scène attentionnée et d'un montage parfois en slow motion. Quant au dénouement salvateur dénonçant autant la manipulation politique que les effets pervers des médias et de notre addiction du médium, Osterman Week-end demeure l'avant-garde de notre nouvelle ère fallacieuse bâtie sur l'espionnage, le voyeurisme, le profit, la duperie, le mensonge, la mégalomanie.  

Mené avec le brio qu'on lui connait pour son ultime réalisation, Sam Peckinpah signe ici l'une de ses oeuvres les plus singulières (avec le chef-d'oeuvre nécrosé Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia) au sein d'une mise en forme étrangement riche, foisonnante, fascinante. Avec ce que cela sous entend d'exubérance et de véhémence auprès de l'artillerie lourde des armes à feu et des caméras de surveillance monopolisant constamment l'écran avec une intensité subtilement trouble, gênante, interlope. A revoir absolument donc si bien que les multiples relectures (j'en suis à ma 3è) demeurent aussi fougueuses et passionnantes auprès de son pouvoir de fascination (parfois mélancolique quant au final en forme d'adieu) que Peckinpah imprime de sa présence fantomatique (il décèdera d'ailleurs 1 an après la sortie du film en fustigeant une dernière fois la lâcheté de certains producteurs avec qui il collabora). 

*Bruno 

3èx

Scream 3

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Wes Craven. 2000. U.S.A. 1h56. Avec Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Parker Posey, Patrick Dempsey

Sortie salles France: 19 Avril 2000. U.S:  4 Février 2000 

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio. 1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

Considéré comme le moins bon de la saga, pour ne pas dire le plus mauvais, Scream 3 ne méritait pas tant de discrédit (bien que les critiques dans l'hexagone furent plutôt favorables). Car à la revoyure ce soir, et si à l'époque je fus également véritablement déçu par son contenu moins prononcé sur l'horreur et le gore (faute des pressions des producteurs traumatisés par la tuerie du lycée à Columbine), Scream 3 demeure suffisamment efficace, ironique (on joue toujours autant avec les codes en se raillant de l'industrie véreuse d'Hollywood, notamment auprès du chantage sexuel) et palpitant (qui plus est épaulé d'un montage au cordeau ultra dynamique) pour passer un bon moment de détente. Et ce, même si à mes yeux il n'atteint pas le niveau des 2 premiers opus, alors qu'aujourd'hui certains prétendent qu'il est supérieur au second volet. Outre le plaisir de retrouver les personnages majeurs des précédents épisodes; principalement David Arquette / Courteney Cox largement mis en avant ici auprès de leur enquête officieuse, Neve Campbell demeure toujours aussi attachante, expressive, charismatique en victime démunie s'efforçant ici de découvrir le passé de sa mère défunte que le tueur rend hommage à travers des photos de son portrait apposées sur les lieux du drame. A réhabiliter donc si bien que Scream 3 s'avère sincèrement sympa, inventif, parfois drôle par son esprit cartoonesque, caustique et ludique pour ne jamais céder à l'ennui. Avec mes remerciements aux youtubeurs m'ayant influencé à lui offrir une seconde chance.

Ci-joint les critiques de l'époque afin de prouver qu'il fut défendu chez nous, notamment chez Mad et l'EF (sans compter son score au box-office), ainsi qu'une excellente chronique de l'ami Jules de son émission Improcinécritique disponible sur You-tube

*Bruno

3èx

Box-Office France: 2 654 418 entrées

Fall

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Scott Mann. 2022. U.S.A/Angleterre. 1h47. Avec Grace Caroline Currey, Virginia Gardner, Mason Gooding, Jeffrey Dean Morgan. 

Sortie salles France: ?. Belgique: 14 Septembre 2022. U.S: 12 Août 2022

FILMOGRAPHIE: Scott Mann est un réalisateur et producteur britannique. 2005 : Down Amongst the Dead Men (co-réalisé avec Nick Rowntree). 2008 : The Tournament. 2015 : Bus 657 (Heist). 2018 : Final Score. 2022 : Fall. 

                             

                                                      TOP 2022 ! Haut les coeurs !

 

"L’acrophobie sublimée : plongée dans l’enfer vertical de Fall".

Époustouflant, à couper le souffle, crispant au possible — si bien qu’on reste rivé à son siège, tétanisé d’appréhension, de pessimisme, puis d’effroi ! Que de dithyrambes, me diras-tu ! Mais je m’adresse d’abord aux spectateurs qui, comme moi, souffrent du vertige. Autrement dit, à ceux pour qui la peur du vide est une hantise que Scott Mann magnifie à travers sa mise en scène technique et formelle : des images naturelles magnifiquement exploitées, baignées d’un onirisme tantôt crépusculaire, où tout (ou presque) paraît plus vrai que nature. Car Mann parvient à nous glisser dans la peau de ses deux héroïnes avec un art consommé du trucage artisanal.

Sans trop plonger dans les détails numériques, tout ce que vous verrez dans Fall est quasiment tangible, criant de vérité — à peu de choses près. Les deux actrices ont accompli de véritables cascades physiques, et la tour de la station radio qu’elles escaladent fut bel et bien construite sur le lieu du tournage : une structure de plus de 32 mètres, en lieu et place des 600 mètres redoutés à l’écran. Bref, Fall est une véritable expérience cinégénique à l’ancienne — à l’image de Top Gun Maverick, mais avec un budget plus modeste — menée à un train d’enfer littéralement vertigineux (doux euphémisme pour les âmes en proie au vertige, car il faut un cœur bien accroché ; tout le récit se condense en montagnes russes incontrôlées).

Il fallait oser tenir l’intérêt du spectateur pendant 1h47 avec comme seul décor une tour pharaonique et deux actrices juvéniles, monopolisant l’écran par leur force d’expression à la fois résiliente et désespérée. Les rebondissements, cohérents, irriguent leurs épreuves, tandis que certains spectateurs moins convaincus relèveront, à tort, quelques incohérences. Sachez, sans spoiler, que l’élément capital du chargeur cellulaire, utilisé à bon escient lors d’une action fatidique, est tout à fait plausible (oui, oui !). Le réalisateur et son équipe ont même testé l’expérience avant le tournage, pour redoubler d’authenticité dans cette épreuve tendue comme un arc. Vous voilà prévenus, sceptiques !

Si quelques clichés et anicroches narratives parsèment le récit (rien de rédhibitoire), le twist final, survenant quinze minutes avant le générique, nous invite à reconsidérer les actions antérieures à travers un second niveau de lecture — plus crédible, plus réaliste, plus sensé. Ce dernier éclaire notamment un morceau de bravoure un peu disproportionné mais plausible, selon les expertes en alpinisme consultées. Ce coup de théâtre renforce l’attrait bouleversant de cette descente aux enfers, véritable leçon de résilience, de bravoure et de dépassement de soi, portée par une intensité dramatique insoupçonnée, concluant cette hallucinante expérience humaine, militante d’une éthique spirituelle : la valeur précieuse du temps présent, que chacun devrait savourer au compte-goutte.

L'acrophobie à son paroxysme.

Étonnamment maîtrisé, ici un Scott Mann inspiré — loin de ses produits standard sans éclat (sa filmo, à mes yeux, exempte de réussites probantes) — et interprété avec sobriété, il met en scène ces survivantes émérites, liées par une solidarité amicale et une résistance physique, en quête d’une lueur d’espoir, aussi minime soit-elle. Fall met sans cesse les nerfs à rude épreuve, dans un florilège de séquences ultra éprouvantes (je m’adresse toujours aux spectateurs vertigineux), animées d’un réalisme vertigineux inédit.

Bombe émotionnelle, le film parvient aussi à nous bouleverser en arrière-plan — en mode dépressif — par un second niveau de lecture pétri d’humilité, de cri de révolte et de fatalisme cruel, notamment à travers la thématique de la rédemption parentale.

P.S. : privilégiez la VO et une qualité 4K pour décupler l’immersion dans ce vortex escarpé, au fulgurant pouvoir formel renversant.
Et pour les derniers sceptiques, voici la dithyrambe d’un youtubeur féru des genres.

*Bruno

You'll Like My Mother

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Lamont Johnson. 1972. U.S.A. 1h33. Avec Patty Duke, Rosemary Murphy, Richard Thomas, Sian Barbara Allen, Dennis Rucker, Harold Congdon

Sortie salles France: ?. U.S: 13 Octobre 1972

FILMOGRAPHIE: Lamont Johnson, né le 30 septembre 1922 à Stockton (Californie), aux États-Unis, et mort à Monterey (Californie), le 25 octobre 2010, est un réalisateur, acteur, producteur américain. 1967 : A Covenant with Death. 1968 : Kona Coast. 1968 : Call to Danger (TV). 1968 : European Eye (TV). 1969 : Haute tension dans la ville (TV). 1970 : My Sweet Charlie (TV). 1970 : L'Évasion du capitaine Schlütter. 1971 : Birdbath (TV). 1971 : Dialogue de feu. 1972 : Requiem pour un espion. 1972 : You'll Like My Mother. 1972 : Cet été-là (TV). 1973 : The Last American Hero. 1974 : Visit to a Chief's Son. 1974 : Exécuté pour désertion (TV). 1975 : Fear on Trial (TV). 1976 : Viol et Châtiment. 1977 : One on One (en). 1978 : Mais qui a tué mon mari ?. 1980 : Paul's Case (TV). 1980 : Off the Minnesota Strip (TV). 1981 : Crisis at Central High (TV). 1981 : Winchester et Jupons courts. 1981 : Otages à Téhéran (TV). 1982 : Dangerous Company (TV). 1982 : Life of the Party: The Story of Beatrice (TV). 1983 : Le Guerrier de l'espace. 1984 : Ernie Kovacs: Between the Laughter (TV). 1985 : Wallenberg: A Hero's Story (TV). 1986 : Unnatural Causes (TV). 1988 : Lincoln (TV). 1990 : The Kennedys of Massachusetts (feuilleton TV). 1990 : Voices Within: The Lives of Truddi Chase (TV). 1992 : Crash Landing: The Rescue of Flight 232 (TV). 1993 : La Chaîne brisée (TV). 1996 : The Man Next Door (TV). 1997 : Le Loup et le Raven (TV). 

Inédit en salles en France, You'll like my mother est un sympathique petit thriller à suspense aussi mineur soit son contenu quelque peu prévisible. Sa qualité intrinsèque émanant de l'excellence de son cast (principalement Patty Duke en jeune maman résiliente embrigadée contre son gré) résolument impliqué dans leur trouble fonction "familiale" au sein d'un concept usurpateur dénué de rebondissement mais suffisamment bien mené et correctement réalisé pour passer un bon moment. Et s'il s'avère vite vu, vite oublié, on ne peut nier la sincérité de Lamont Johnson à surfer sur un climat gothique tendance hitchcockienne (alors que les plus jeunes songeront plutôt à raison à "Misery") sous l'impulsion de l'effet de suggestion au grand dam de rebondissements horrifiques parcimonieux. A découvrir donc d'un oeil curieux pour les amateurs de raretés oubliées, si bien que ce huis-clos enneigé ne manque ni de charme ni d'audace malsaine auprès de 2 séquences dérangeantes quant à l'enjeu de survie du nouveau-né molesté suite à un éprouvant accouchement de fortune. 

*Bruno

2èx

La Possédée du Lac / La donna del lago / La Femme du Lac

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Luigi Bazzoni et Franco Rossellini. 1965. Italie. 1h25. Avec Peter Baldwin, Virna Lisi, Philippe Leroy, Ennio Balbo, Valentina Cortese, Piero Anchisi

Sortie salles France: 25 Novembre 1966. Italie: 10 Août 1965

FILMOGRAPHIE: Luigi Bazzoni, né le 25 juin 1929 à Salsomaggiore Terme dans la région de l'Émilie-Romagne en Italie et mort le 1er mars 2012 dans la même ville, est un réalisateur et un scénariste italien. 1965 : La Femme du lac. 1968 : L'Homme, l'Orgueil et la Vengeance. 1971 : Journée noire pour un bélier. 1973 : Le Gang des frères Blue. 1975 : Le orme. 1994 : Roma imago urbis. 

Encore une excellente découverte estampillée Artus Film que l'éditeur nous exhume de l'oubli dans une édition HD de qualité. Tourné en noir et blanc (expressionniste), La Femme du Lac relate le séjour esseulé de l'écrivain Bernard fuyant sa relation conjugale pour retourner à l'hôtel près d'une région côtière lorsqu'il fit la rencontre de la domestique Tilde avec qui il eut une liaison quelques temps au préalable. Or, un évènement dramatique vient d'avoir lieu apprendra-t-il par le propriétaire de l'hôtel. Obsédé par la quête de vérité, Bernard déambule, entre rêves et réalité, pour tenter de percer le secret qui entoure la vénéneuse Tilde. Tiré d'un fait divers survenu entre 1933 et 1946 et publié en roman en 1962 par l'écrivain Giovanni Comisso, La Femme du Lac exploite lestement le thriller à suspense dans le cadre d'une atmosphère d'étrangeté qui imprègne la pellicule. 

L'omniprésence du léger souffle d'un vent tranquille, ses images oniriques, charnelles ou fantasmagoriques (tant pour les rêves que pour une réalité crépusculaire ou mélancolique) et l'aspect interlope des protagonistes que côtoie le héros accentuant son attrait ensorcelant au sein d'une réalisation d'une étonnante modernité. Car tourné en 1965, Luigi Bazzoni et Franco Rossellini imposent une mise en scène à la fois inventive, expérimentale et baroque en exploitant avec raffinement ses images troubles d'une contrée montagneuse feutrée, quand bien même les rêves (prémonitoires ?) de Bernard nous sont décrits sans nous avertir s'il s'agit bien d'un songe ou de sa quotidienneté plombée de solitude. Et si la résolution de l'intrigue demeure simpliste, on reste fasciné et interloqué par l'aspect tordu (pour ne pas dire malsain) de cette tragédie criminelle fondée sur la manipulation, le chantage, la trahison au sein d'une ambiance austère intensifiant la caractérisation tourmentée des antagonistes. 

Fantôme d'amour.

Série B à suspense d'une aura fantasmagorique perméable à travers sa scénographie monochrome sublimant ses persos au mal-être existentiel, La femme du Lac est une excellente surprise indépendante qui honore le genre avec un soin technique audacieux pour l'époque. A découvrir sans réserve donc et à faire connaître au plus grand nombre. 

*Bruno

La Mort marche en Talons hauts / Nuits d'amour et d'épouvante / La morte cammina con i tacchi alti

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site themoviedb.org

de Luciano Ercoli. 1971. Italie/Espagne/France/Angleterre. 1h47. Avec Frank Wolff, Nieves Navarro, Simón Andreu, Carlo Gentili, George Rigaud. 

Sortie salles France: 26 Février 1975. Italie: 30 Novembre 1971

FILMOGRAPHIE: Luciano Ercoli est un réalisateur, scénariste et producteur italien né le 19 Octobre 1929 à Rome, décédé le 15 Mars 2015 à Barcelone, Espagne. 1977: La bidonata. 1975 Boites à fillettes.  1974 Lucrezia giovane. 1974 Il figlio della sepolta viva. 1973 Dérapage contrôlé. 1972 La mort caresse à minuit. 1971 Nuits d'amour et d'épouvante. 1970 Photo interdite d'une bourgeoise. 

Rareté introuvable exhumée de l'oubli grâce à Artus Films dans une superbe copie HD, la Mort marche en talons hauts est un sympathique Giallo qui mérite le coup d'oeil auprès des afficionados du genre. Car si le début de l'intrigue a de quoi un peu surprendre à travers son enchainement de séquences érotiques parfois gratuites mais charmantes (dont 2 chorégraphies lascives dans le crazy horse de Paris) de par la spontanéité des actrices italiennes renversantes de beauté, sans compter une rupture de ton cocasse inhabituelle pour le genre; la Mort marche en talons hauts instaure peu à peu une investigation à suspense jamais fastidieuse dès que le 1er meurtre féminin entre en scène. Les acteurs, pour la plupart connus des amateurs de Bis, demeurant tout à fait convaincants dans leur fâcheuse posture suspicieuse si bien qu'il s'avère houleux d'y démanteler le fameux coupable lors de son final à tiroirs redoutablement efficace. 

Le réalisateur Lucioano Ercoli (déjà responsable de La Mort Caresse à Minuit et Photo interdite d'une bourgeoise) cumulant les nombreux effets de surprise avec une cohérence indiscutable, et ce alors que l'on pensait que l'intrigue allait se clore sur une révélation capillotractée heureusement bâtie sur le faux semblant. Quant aux meurtres, timorés il est vrai, on reste surtout gentiment fasciné par une séquence choc quelque peu gorasse à travers son petit effet révulsif et son cadrage aux p'tits oignons. Des trucages rudimentaires certes qui prêteront à sourire les non-initiés mais néanmoins charmants par leur aspect artisanal rétro (même si l'effet choc du prologue avait gagné à être beaucoup plus réaliste auprès de son incision peu convaincante effectuée sur la gorge de la victime). Et pour parachever, comme de coutume dans la noble tradition du Giallo, la Mort marche en talons hauts illumine la vue à travers son esthétisme hyper soigné nanti d'une palette de couleurs à la fois douces, limpides, pour ne pas dire pastelles. 

Tout à fait fréquentable donc, d'autant plus que le coffret blu-ray demeure une fois de plus fastueux (tant pour le magnifique fourreau avec à l'intérieur ses affiches d'origine cartonnées, que pour sa qualité d'image optimale en scope). 

*Bruno

Tess. César du Meilleur Film.

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Roman Polanski. 1979. U.S.A/Angleterre. 2h51. Avec Nastassja Kinski, Peter Firth, Leigh Lawson, John Collin, Rosemary Martin, David Markham, Richard Pearson, Carolyn Pickles, Pascale de Boysson, Arielle Dombasle. 

Sortie salles France: 31 Octobre 1979. U.S: 12 Décembre 1980. 

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski est un réalisateur, producteur, comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra et scénariste franco-polonais américain. Il est né le 18 Août 1933 à Paris. 1962: Le Couteau dans l'eau. 1965: Répulsion. 1966: Cul de sac. 1967: Le Bal des Vampires. 1968: Rosemary's Baby. 1971: Macbeth. 1972: Week-end of a champion. 1972: Quoi ? 1974: Chinatown. 1976: Le Locataire. 1979: Tess. 1986: Pirates. 1988: Frantic. 1992: Lunes de fiel. 1994: La Jeune fille et la mort. 1999: La 9è porte. 2002: Le Pianiste. 2005: Oliver Twist. 2010: The Ghost Writer. 2011: Carnage. 2013: La Vénus à la fourrure. 2017 : D'après une histoire vraie. 2019 : J'accuse. 2022 : The Palace.

"Les histoires d'amour finissent mal en général."

Considéré à juste titre comme l'une de ses oeuvres les plus acclamées (selon wikipedia), Roman Polanski marqua de son empreinte le 7è art avec Tess, mélo d'une cruauté rarement égalée d'après le roman de Thomas Hardy publié en 1891. Chef-d'oeuvre élégiaque d'une durée substantielle de 2h51 (si bien qu'il y eut des polémiques à l'écourter selon certains pays dont le nôtre puisqu'il est entièrement tourné en France et produit par Claude Berri délibéré à le raccourcir de 30 minutes ), Tess est une bouleversante romance fustigeant l'intégrisme de la chrétienté lors de l'époque séculaire de la grande dépression (1876-1896). Dédié à Sharon Tate nous prévient le générique liminaire puisque celle-ci offrit le roman à son époux avant d'être assassinée par les membres de Charles Manson, Roman Polanski lui rend donc humblement hommage après avoir lu le bouquin et après avoir exaucé les voeux de celle-ci espérant qu'il l'adapte un jour à l'écran. Visuellement fastueux quasiment à chaque plan auprès d'une reconstitution historique sensorielle sublimant sa paisible nature (avec ptantôt des plages de féerie et de fantasmagorie), le film tourné dans un splendide scope nous fait partager les vicissitudes romantiques de la jeune Tess compromise par les tempéraments machistes d'un duo d'amants antinomiques mais communément cruels et égoïstes. 

                                    

L'un se pliant aux exigences d'une idéologie catholique (il est fils de pasteur), l'autre se vautrant dans une forme de masochisme moral à humilier, manipuler, tromper une jeune vierge ne connaissant rien de la méchanceté des hommes dénués de vergogne. Le récit magnifiquement écrit nous dépeignant avec une sobre émotion prude le profil inoubliable de cette jeune métayère d'une candeur à fleur de peau (euphémisme). L'un des portraits les plus doux, épurés, torturés et désespérés que le cinéma nous ait offert sous l'impulsion d'un artiste au sommet de son art. Roman Polanski fignolant sa réalisation comme le transfigurait par exemple Kubrick avec Barry Lindon tant les plans s'apparentent à s'y méprendre à de véritables tableaux picturaux. Mais Tess ne serait pas aussi puissamment fulgurant sans le talent vertueux de Nastassia Kinski écrasant tout sur son passage de sa beauté suave inscrite dans la stricte virginité. De par l'innommable cruauté du récit épouvantablement décrit sans complaisance, on reste à la fois scotché, amer et interloqué par l'évolution morale de Tess perdant peu à peu tout espoir auprès de son chemin de croix tracé d'avance. L'actrice exprimant en toute réserve timorée une palette de sentiments à la fois mélancoliques, languides, sentencieux sans jamais se morfondre dans une sinistrose outrancière eu égard de la subtile conduite narrative dénuée de fioritures puisque en état de grâce. 

D'un onirisme romantique à damner un saint (c'est d'ailleurs ce que nous dépeint réellement l'histoire !), Tess demeure l'emblème de la fragile intégrité à travers l'initiation rigoureuse de cette paysanne davantage lucide et en voie de rébellion (d'où ce final tragique !) auprès de la cruauté de ses amants  tributaires d'une époque où machisme et fanatisme religieux prédominent les mentalités archaïques. Scandé de la partition lyrique de Philippe Sarde, Tess est probablement l'un des plus beaux films du monde en dépit de son immense cruauté intolérable. Il demeure donc néanmoins à déconseiller aux dépressifs tout en étant formellement recommandé aux cinéphiles purs et durs. 

*Bruno

2èx

Box-Office France: 1 912 948 entrées

Récompenses:

5e cérémonie des César :

César du meilleur film – Claude Berri et Roman Polanski

César du meilleur réalisateur – Roman Polanski

César de la meilleure photographie – Ghislain Cloquet

53e cérémonie des Oscars :

Oscar de la meilleure photographie – Ghislain Cloquet et Geoffrey Unsworth

Oscar de la meilleure direction artistique – Pierre Guffroy et Jack Stephens

Oscar des meilleurs costumes – Anthony Powell

38e cérémonie des Golden Globes : Golden Globe du meilleur film étranger

Pacte avec un tueur / Best Seller

                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site chroniqueducinephilestakhanoviste.blogspot.com

de John Flynn. 1987. U.S.A. 1h35. Avec James Woods, Brian Dennehy, Victoria Tennant, Allison Balson, Paul Shenar, George Coe.

Sortie salles France: 13 Janvier 1988. U.S: 25 Septembre 1987

FILMOGRAPHIE: John Flynn est un réalisateur et scénariste américain, né le 14 Mars 1932 à Chicago, décédé le 4 Avril 2007 en Californie. 1968: Le Sergent. 1972: The Jerusalem File. 1973: Echec à l'Organisation. 1977: Légitime Violence. 1980: Les Massacreurs de Brooklyn. 1980: Marilyn, une vie inachevée. 1983: Touched. 1987: Pacte avec un Tueur. 1989: Haute Sécurité. 1991: Justice Sauvage. 1992: Nails (télé-film). 1993: Scam (télé-film). 1994: Brainscan. 1999: Meurtres très ordonnés. 2001: Protection.

Un excellent polar des années 80 aux éclairs de violence étonnamment brutaux au sein de cette série B retorse eu égard de l'originalité de son scénario concocté par le maître Larry Cohen qu'on ne présente plus. Un flic écrivain acceptant de négocier avec un tueur à gages afin de faire tomber un sénateur corrompu pour qui ce dernier exerçait. Le récit s'avérant beaucoup plus substantiel et sombre, notamment si je me réfère au passé de Dennis ayant failli trépasser lors d'un cambriolage sanglant alors que quelques années après c'est sa femme qui mourra d'un cancer. Ainsi, à travers son concept à la fois original et audacieux, Pacte avec un Tueur tire parti de son efficacité dans les rapports antinomiques entre le flic et le tueur collaborant mutuellement avec une constante ambiguïté (entre fascination / répulsion et une certaine forme de reconnaissance morale quant à l'épilogue dramatique). 

Tant pour les motivations du tueur déterminé à se substituer en héros, et donc à se racheter une conduite tout en perdurant ses exactions punitives sans une once de vergogne, alors qu'à plusieurs reprises il sauvera la vie de son acolyte de l'ordre et la fille de celui-ci, que pour le laxisme du flic, témoin voyeur de règlements de compte sanglants entre les sbires du sénateur à l'affut de leurs faits et gestes à interroger les témoins capitaux. James Woods excellant comme de coutume dans la peau du tueur à lunette noire et costard avec un flegme méthodique à la fois tranquille et détaché puisque motivé notamment par la rancoeur d'avoir été trahi par son supérieur. Quant à Brian Dennehy, il lui partage la vedette avec une audace morale assez étrange durant leur parcours investigateur semé de cadavres, entre confidences intimes et soutien mutuel déconcertant. 

Un solide polar marginal donc n'ayant rien perdu de son aura de souffre à travers cette quête de célébrité, de renaissance, d'héroïsme (hétérodoxe) et de rédemption. 

*Bruno

3èx

American Gigolo

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Paul Schrader. 1980. U.S.A. 1h57. Avec Richard Gere, Lauren Hutton, Hector Elizondo, Nina Van Pallandt, Bill Duke

Sortie salles France: 11 Juin 1980. U.S: 8 Février 1980

FILMOGRAPHIE: Paul Schrader est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 22 Juillet 1946 à Grand Rapids (Michigan). Blue Collar: 1978. 1979: Hardcore. 1980: American Gigolo. 1982: La Féline. 1985: Mishima. 1987: Light of Day. 1988: Patty Hearts. 1990: Etrange Séduction. 1992: Light Sleeper. 1994: Witch Hunt (télé-film). 1997: Touch. 1997: Affliction. 1999: Les Amants Eternels. 2002: Auto Focus. 2005: Dominion. 2007: The Walker. 2008: Adam Resurrected. 2013 : The Canyons. 2014 : La Sentinelle. 2016 : Dog Eat Dog. 2017 : Sur le chemin de la rédemption. 2021 : The Card Counter. 

"L'amant le mieux payé d'Hollywood pris dans une affaire de moeurs et de meurtre."

42 ans ! C'est le temps qu'il m'eut fallu attendre pour découvrir (au bon moment) American Gigolo si bien que lorsque j'étais ado à l'époque de "la Cinq", le sujet sulfureux ne m'intéressait guère, avec en prime de s'y coltiner en tête d'affiche l'acteur bellâtre Richard Gere consacré du jour au lendemain star bankable à la suite de ce retentissant succès (même si en France American Gigolo ne cumule que 691 163 entrées). A titre d'anecdotes subsidiaires, on peut d'ailleurs révéler que John Travolta devait initialement camper ce gigolo bon chic bon genre qu'il refusa à la suite d'un commun accord avec son agent, faute de ses récents échecs commerciaux. Quand bien même Christopher Reeve réfuta également le rôle pour des raisons que j'ignore. A l'arrivée, et à ma grande surprise (même si je n'ai jamais vraiment douté de sa qualité cinégénique), American Gigolo est venu à moi comme par enchantement afin de bouleverser mes attentes de spectateur en total éveil. J'avoue même sans ambages, et donc le plus sincèrement, avoir reçu un coup de coeur à reluquer la quotidienneté triviale de ce gigolo vendant son corps aux femmes huppées (surtout les plus âgées !) avant d'être pris pour cible par la police à la suite d'une découverte macabre qu'il fréquenta une nuit. Histoire simpliste ok, mais d'une efficacité imparable lorsque Paul Schrader offre toute sa conviction en son personnage assez gérontophile que Richard Gere transcende à la perfection dans son profil de prostitué masculin bientôt rattrapé par une romance aléatoire (que campe divinement la trop rare Lauren Hutton exquise de sensualité, en mode ténuité réservée). 

Et pour rester honnête, je connais bien mal la filmo de Richard Gere même s'il est parvenu à me traumatiser dans l'éprouvant Hatchi. Mais je ne serai guère surpris si la plupart s'accorde à clamer qu'il s'agit ici de son meilleur rôle tant l'acteur, à la démarche distinguée si naturelle, se voue corps et âme à donner chair à son personnage illégal avec un art consommé du style et de l'aplomb. Et ce juste avant d'afficher un ton autrement tendu et renfrogné lorsque la police est sur le point de le déférer à la suite d'un complot perfide. Mais si American Gigolo m'a autant séduit et captivé en la présence symptomatique de Gere constamment dans tous les plans, c'est également à travers la capacité innée de Schrader à susciter une véritable ambiance à la fois charnelle, trouble et parfois sensiblement inquiétante à travers ses nuits récursives filmées sans complaisance dans son parti-pris d'opter pour un réalisme tantôt documenté. On peut d'ailleurs même songer à Ferrara pour certains plans urbains un tantinet glauques ou insécures et à Friedkin lors d'une séquence musicale confinée en boite de nuit "gay". Le tout étant scandé du tube "call me" de Blondie que Giorgio Moroder reprendra en intermittence lors de tonalités remixées. Quand bien même lors de moments plus opaques et anxiogènes il opte pour une musicalité électro (typique des eighties !) autrement lourde et lugubre afin de renforcer l'aspect psycho-killer de sa seconde partie thriller. 

En optant pour un 1er degré assumé dénué de prétention à dresser le portrait évolutif d'un gigolo que son entourage vénal et sournois fuira depuis l'avancement de sa culpabilité, Paul Schrader injecte une étonnante dimension humaine à son potentiel coupable que seul l'amour pourrait sauver de sa condition à la fois recluse et soumise. Tout en magnifiant en filigrane la ville insidieuse de Los Angeles du côté des quartiers branchés et bourgeois d'une haute société adepte de la coke et de la prostitution de haut standing. Impeccablement narré à travers sa façon modeste de raconter son histoire dénuée de fioritures, American Gigolo hypnotise sobrement nos sens sous l'impulsion d'un Richard Gere au diapason car littéralement habité par son rôle racoleur peu à peu en proie au doute, à la peur, à la remise en question, à la maturité. Un vrai film de cinéma donc (qu'on ne peut plus façonner de nos jours) doublé d'un film d'ambiance quasi indicible dans sa subtile disparité des tonalités contradictoires. A revoir sans l'ombre d'une hésitation puisque ce métrage plein de sobriété me semble donc inaltérable dans ma condition néophyte du 1er visionnage. Vrai classique au demeurant. 

*Bruno

Ne dis rien / Speak no Evil

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Christian Tafdrup. 2021. Danemark. 1h38. Avec Morten Burian, Sidsel Siem Koch, Fedja van Huêt, Karina Smulders, Liva Forsberg. 

Sortie en VOD et Dvd le 23 Septembre 2022. Danemark: 17 Mars 2022.

FILMOGRAPHIE: Christian Tafdrup est un réalisateur, acteur et scénariste né le 8 April 1978 à Copenhagen, Danemark. 2022: Ne dis rien. 2017: En frygtelig kvinde. 2016: Forældre. 

Top 2022 ! Le malaise perpétuel au sens littéral (tant éthéré puis tangible) dépeint ici avec un vérisme si tranché qu'il est en permanence incommodant. Jusqu'au final incongru en mode dépression..

Un choc que ce suspense horrifique impeccablement tendu et malaisant au possible si bien que le réalisateur, en pleine capacité de sa maîtrise alchimique, nous saisit à la gorge 1h33 durant jusqu'au climax traumatique. Ainsi, à partir d'un pitch linéaire ultra simpliste (un couple de touristes danois et leur fille sont aimablement invités chez un couple hollandais préalablement rencontré en villégiature), Christian Tafdrup (dont il s'agit de son 3è long) parvient à tailler un suspense au cordeau quant au désarroi moral de ses invités accorts en proie à l'incompréhension, le doute, l'appréhension et surtout la gêne eu égard du comportement à la fois lunatique, impudent, erratique de ces propriétaires hollandais fallacieux. Toute l'intensité du récit résidant dans l'interrogation de ces protagonistes (et nous même !) avant d'y prendre la poudre d'escampette en lieu et place du malaise cuisant qui empoisonne leur fébrile quotidienneté. Tant et si bien que s'il ne se passe pas grand chose durant les 3/4 quarts du récit, on reste pour autant captivé, hypnotisé, sur le qui-vive car profondément inquiet de la tournure inévitablement dramatique de ce huis-clos où le malaise suffocant n'aura jamais été aussi perméable que dans ce métrage hollandais d'un vérisme à couper au rasoir. 

Tant auprès de l'ossature du récit imprévisible, de son aura malsaine toujours plus imposante que de la direction d'acteurs où chaque comédien se fond dans le corps de leur personnage avec un art consommé du naturel expressif. Le spectateur s'identifiant d'autant mieux aux victimes que leurs visages ne nous paraissent guère familiers auprès de leur identité danoise. C'est donc un scrupuleux voyage au bout de l'enfer moral que l'on nous dépeint ici, avant d'amorcer une horreur crue qui explosera lors des 5 ultimes minutes assez pénibles à regarder de par l'intensité de sa cruauté requise éludée de lueur d'espoir. Mais ce qui ébranle avant tout selon moi avec Ne dis rien, c'est sa capacité infaillible d'avoir su distiller la fibre du malaise le plus perfide et insidieux auprès des victimes et du spectateur attentif à leurs faits et gestes eu égard du sentiment d'insécurité les agressant au compte-goutte. Et ce sans s'embarrasser d'effets de manche grossiers qu'on a coutume de se coltiner dans les prods standard, la subtilité étant ici de rigueur pour mettre en exergue un jeu psychologique de soumission/domination à travers les valeurs familiales, le civisme et la pédagogie parentale.

"Parce que tu m'as laissé faire"

Huis-clos délétère d'une tension oppressante parfois insoutenable, Ne dis rien mise sur l'horreur éthérée, les non-dits (ce que l'on n'ose pas répondre à son interlocuteur par politesse), les regards équivoques, les postures outrées pour provoquer une angoisse incommode derrière une hospitalité insidieuse trop flegme pour être honnête. Outre l'interprétation exemplaire (c'est peu de le dire) de sobriété, le récit étant renforcé d'une partition faisant écho à Shining lors de moult séquences laconiques ou mutiques où la nature semble vampirisée par un ectoplasme démonial. Toujours dérangeant car souvent déstabilisant et embarrassant, Ne dis Rien explose son potentiel horrifique lors d'un épilogue abrupt faisant office de dépression traumatique. 

Pour public averti. 

*Bruno

Ci-joint la critique de Merej: 

Emily the Criminal. Prix du Public, Deauville 2022.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de John Patton Ford. 2022. U.S.A. 1h37. Avec Place Aubrey, Théo Rossi, Megalyn Echikunwoke, Gina Gershon

Sortie salles France: 9 Septembre 2022 uniquement à Deauville. Sortie salles U.S/Canada: 12 Août 2022

FILMOGRAPHIE: John Patton Ford est un acteur, scénariste et réalisateur américain. 

2022: Emily the Criminal. 

Encore un métrage passé par la trappe Vod alors qu'il aurait tant mérité une sortie salles en bonne et due forme. Première réalisation de John Patton Ford, Emily the Criminal est une claque comme on en voit si peu en cours d'année dans le paysage cinématographique. Tout du moins une oeuvre indépendante apte à trôner dans le classement d'un Top 10 annuel tant le réalisateur maîtrise son matériau sous l'impulsion d'une actrice au diapason: Place Aubrey. Personnellement, je ne connais pas encore cette actrice (non plus en vagues souvenirs) alors qu'elle approche déjà près de 30 métrages dans son curriculum vitae. Irradiant l'écran de sa présence naturelle sans fard, Place Aubrey compte sur la sobriété de ses expressions quelque peu introverties (mais affirmées !) pour nous captiver en nous suscitant une appréhension tangible à travers son cheminement illégal d'escroc à la p'tite semaine exploitant de fausses cartes bleues pour empocher un pactole toujours plus juteux. 

Savamment mis en place par un trio de malfrats retors, Emilie finit par se retrouver projetée dans un engrenage indélébile avec toutefois un courage et une audace que l'on ne voit jamais arriver tant l'actrice déploie une palette de sentiments équivoques dans sa condition de frondeuse partagée entre l'espoir de s'en sortir en dépit d'une société capitaliste à la fois arbitraire et cupide et la tentation de se laisser dériver toujours plus loin vers l'illégalité. John Patton Ford filmant la ville avec un brio vériste quasi documenté pour mieux nous immerger dans sa scénographie urbaine insécure disséminant les trafics en tous genres. Superbe portrait de femme forte donc dénuée de manichéisme, tant et si bien que son final imprévisible te fera grincer des dents avec une stupeur finalement fascinatoire, Emily the Criminal ne cesse de surprendre et de nous titiller les nerfs (certaines séquences effrénées demeurent d'une tension extrême sans anticiper l'évènement) avec en background une diatribe cinglante sur les laissés pour compte, les marginaux et les chômeurs contraints de survivre dans une jungle capitaliste aussi fourbe que déloyale. Alors que sa réflexion patente sur la contagion du vice porte à réfléchir sur notre propre condition éthique si bien que l'on s'identifie à l'anti-héroïne avec une fascination à double tranchant. 

Percutant et hypnotique (d'autant plus atmosphérique par moments), trouble et oppressant à travers sa mise en scène studieuse étonnamment maîtrisée pour un 1er essai, Emily the Criminal nous plonge dans une descente aux enfers latente. Dans la mesure où les quelques affrontements sur le fil du rasoir et les situations de transaction attisent notre curiosité avec une inquiétude dénuée de repères. Place Aubrey monopolisant l'écran anxiogène avec un aplomb davantage oppressant eu égard de son évolution morale à s'opposer contre l'autorité et l'injustice quitte à y perdre son âme pour un alléchant enjeu pécuniaire. Outre sa présence à la fois envoûtante et étrangement lascive, elle est accompagnée de son manager Théo Rossi résolument inné pour se fondre dans le corps du leader peu recommandable avec une force d'expression lui aussi laconique et mesurée. A eux deux ils improvisent un tandem davantage compromettant dans leur stratégie autonome de se mesurer à une provocation félonne afin d'asseoir et d'affirmer leur libre arbitre. Scandé d'un score électro lestement punchy, Emily the Criminal est une révélation à tous niveau (réal, écriture, interprétation) comme le confirment ses récompenses à Deauville et à Annapolis. Quand bien même le bouche à oreille fait son bonhomme de chemin comme je le fus soumis à travers les réseaux sociaux et certains youtubeurs. Tu sais donc ce qu'il te reste à faire... 

*Bruno

Récompenses: Prix du Jury, Meilleur long-métrage, Meilleure Actrice Aubrey Plaza au Festival du film d’Annapolis 2022.

Prix du Public, Deauville 2022.