SNOWPIERCER (Le Transperceneige)

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Bong Joon-ho. 2013. France/Etats-Unis/Corée du Sud. 2h06. Avec Chris Evans, Song Kang-ho, Ed Harris, John Hurt, Tilda Swinton, Jamie Bell, Octavia Spencer, Ewen Bremner.

Sortie salles France: 30 Octobre 2013. Corée du Sud: 1er Août 2013

FILMOGRAPHIE: Bong Joon-ho est un réalisateur et scénariste sud-coréen, né le 14 Septembre 1969 à Séoul.
2000: Barking Dog. 2003: Memories of Murders. 2006: The Host. 2009: Mother. 2013: Le Transperceneige.

Tiré d'une bande dessinée française, Snowpiercer renouvelle le film d'action avec une originalité sans égale, le réalisateur exploitant le décor d'un train avec autant de créativité (sa configuration hybride) que d'intelligence pour la peinture de son microcosme où l'inégalité des classes va imploser. En 2031, après le réchauffement climatique de la planète qui aura provoqué un cataclysme, l'humanité est devenue un glacier de désolation. Seuls, une poignée de survivants réfugiés à bord d'un train sont contraints de faire le tour du monde pour sauvegarder leur vie et entretenir le fonctionnement du convoi. Alors que les plus riches, installés dans les premiers compartiments, mènent une existence édénique, les pauvres sont parqués dans les dernières cabines insalubres pour être réduits à l'esclavage et la malnutrition. Mais leur leader Curtis et ses acolytes sont prêts à mener une sédition afin de pouvoir accéder à la "machine" gérée par le dictateur Wilford. 

Réflexion écolo sur le réchauffement climatique, pamphlet sur l'inégalité des classes sociales auquel les riches exploitent les plus faibles afin de mener une existence prospère, Snowpiercer redore le blason du film d'action avec méditation, épaulé du charisme buriné (ou excentrique !) de personnages opiniâtres. Alternant moments de bastonnades et gunfights stylisés (ralenti à l'appui !) aussi cinglants que barbares, ce survival réfrigérant tire parti de son décor ferroviaire avec un sens esthétique confinant parfois à la féerie (l'aquarium géant, le jardin des plantes, la piscine). Chaque compartiment du train révélant aux yeux de nos héros un nouveau décor insolite quand bien même une frange de population y cohabite en harmonie. A l'instar d'un jeu-video, nos héros sont donc contraints d'avancer avec prudence vers une nouvelle cabine pour déjouer l'hostilité de tueurs intraitables. Sans jamais se répéter et se laisser piéger par l'esbroufe, le réalisateur improvise ses scènes d'action avec intensité et refus de concession pour la survie de nos héros (n'importe lequel d'entre eux pouvant trépasser à tous moments !). C'est donc un véritable parcours du combattant que vont devoir affaire Curtis et sa troupe avec un sens du courage déterminé. Outre le caractère spectaculaires des offensives déloyales (nombre de stratégies perfides leur sont souscrits), Bong Joon-ho accorde autant d'intérêt à la dimension humaine de ces protagonistes (leur épreuve de force pour la survie et celle de la liberté, la remise en cause du héros) qu'à sa progression narrative incessamment surprenante (rebondissements en diable et intrusion inopinée de nouveaux antagonistes avant la confrontation attendue avec Wilford). Qui plus est, avec une amertume désespérée où l'être humain est assigné à reproduire les mêmes erreurs dans sa cupidité et son profit, le réalisateur transcende la destinée d'un héros ordinaire profondément fragilisé de sa condition d'opprimé. Enfin, Snowpiercer est notamment une réussite formelle dans la retranscription d'un univers post-apo où les effets spéciaux numérisés s'avèrent souvent stupéfiants de réalisme (je tairais d'ailleurs le caractère dantesque de son épilogue à bout de souffle !).

Généreux en diable, violent, intense, original et furieusement excitant, Snowpiecer transcende le mode du film d'action en accordant autant de place au facteur humain des enjeux dramatiques qu'au caractère spectaculaire des affrontements aléatoires. Avec une belle densité psychologique, il ne manque pas de nous interpeller sur sa condition sociale d'un régime despotique où l'enfant martyr paye une fois de plus le lourd tribut de la barbarie de l'homme. Celle de l'indépendance liée à la loi du plus fort, vecteur de survie pour accéder à la première place. Une référence du film d'action et un classique à en devenir !

Bruno Matéï

La critique de Yannick Dahan: https://www.youtube.com/watch?v=vZedrpiWGIk

Récompenses:

Grand Bell Awards 2013: Meilleur décorateur (Ondrej Nekvasil), Meilleur monteur (Choi Min-yeong et Kim Chang-joo). 

Korean Association of Film Critics Awards 2013: Meilleur film, Meilleure réalisateur (Bong Joon-ho)
Meilleur directeur de la photographie (Hong Kyung-pyo). 

Blue Dragon Film Awards 2013: Meilleur réalisateur (Bong Joon-ho), Meilleur décorateur (Ondrej Nekvasil).

 

THE SEASONING HOUSE

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site zombiehamster.com

de Paul Hyett. 2012. Angleterre. 1h33. Avec Rosie Day, Anna Walton, Jemma Powell, Kevin Howarth, Sean Pertwee, David Lemberg.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: Paul Hyett est un réalisateur, maquilleur, acteur et scénariste anglais.
2012: The Seasoning House. 2014: Heretiks. 2014: Howl.

Précédé d'une certaine réputation sulfureuse, faute de séquences gores d'un raffinement putassier, The Seasoning House joue la carte du film d'exploitation lancé par la franchise Hostel, Saw et consorts. Sur le modèle du Tortur'porn et du Rape and revenge, le britannique Paul Hyett s'essayant aux genres avec autant de maladresse que de complaisance. Prisonnière d'un réseau clandestin de prostitution en ex-yougoslavie, une sourde muette prépare son évasion afin de s'épargner une existence miséreuse où viols et sévices sont quotidiennement perpétrées sur d'innocentes esclaves. Par l'entremise d'un bref flash-back, nous apprendrons que ces jeunes filles ont été soutirées de leurs parents (souvent assassinés sous leur yeux !) par des militaires durant la guerre pour être exploitées à la prostitution et donc livrées à une gente misogyne dans un bordel miteux.

Glauque et poisseux, The Seasoning house nous plonge dans un univers de claustration en interne d'une cabane poussiéreuse, où le sang, le sperme et la sueur imprègnent les draps de chaque chambre, quand bien même les jeunes filles violées sont soumises aux pires maltraitances. Avec une certaine efficacité, la première demi-heure réussit à distiller une ambiance malsaine dans son décor putride et à provoquer une certaine empathie pour le courage de l'héroïne contrainte de droguer ses amies pour le compte d'une clientèle SM. Mais dès qu'elle tente de sauver une de ses collègues, prise à parti avec la perversité d'un colosse, les invraisemblances et les situations éculées n'auront de cesse de desservir la vraisemblance du récit. A l'instar de l'agression sanglante interminable émise entre la muette et ce surhomme increvable, ou encore quand cette dernière tente de se faufiler à l'intérieur des parois de l'établissement, telle une souris rusée, afin d'échapper aux tueurs. Mis en scène avec peu d'habileté dans son montage approximatif et modestement interprété, The Seasoning House finit donc rapidement par accumuler les situations grotesques, d'autant plus que l'attitude malhabile des tueurs finit par nous lasser de leurs stratégies dérisoires à tenter d'appréhender la rebelle. Pour parachever dans le ridicule, le réalisateur enfonce le clou dans son dernier quart-d'heure quand l'héroïne se retrouve (comme par enchantement !) accueilli par la femme du tueur à l'intérieur de son foyer, mais aussi quand elle tente de s'extirper d'un entrepôt pour échapper à son assaillant (la manière dont ce dernier est désarmé est plutôt risible).

Pur produit de consommation voué à choquer le spectateur dans le sens le plus racoleur du terme et avec une facilité redondante, The Seasoning House tente de provoquer et d'impressionner par le biais d'une violence graphique crue et d'une action spectaculaire canonique. Ces deux éléments conformément associés finissant par nuire à sa crédibilité et à l'intensité procurée. Pour les amateurs indulgents d'horreur ludique, le film peut néanmoins procurer son petit effet révulsif, certaines séquences vomitives provoquant l'inévitable "haut-le-coeur". 

Bruno Matéï  

MISSOURI BREAKS (The Missouri Breaks)

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieberry.com

d'Arthur Penn. 1976. U.S.A. 2h06. Avec Jack Nicholson, Marlon Brando, Randy Quaid, Kathleen Lloyd, John McLiam, Frederic Forrest, Harry Dean Stanton.

Sortie salles U.S: 18 Mai 1976

FILMOGRAPHIE: Arthur Penn est un réalisateur américain, né le 27 Septembre 1922 à Philadelphie, décédé le 28 Septembre à Manhattan, New-york.
1958: Le Gaucher. 1962: Miracle en Alabama. 1965: Mickey One. 1966: La Poursuite Impitoyable. 1967: Bonnie and Clyde. 1969: Alice restaurant. 1970: Little big man. 1975: La Fugue. 1976: Missouri Breaks. 1981: Georgia. 1985: Target. 1987: Froid comme la mort. 1989: Penn and Teller get killed. 1995: Lumière et compagnie (segment).

Doux euphémisme que de songer qu'à l'époque de sa sortie, Missouri Breaks dérouta une bonne partie de son public, Arthur Penn bousculant ici nos habitudes avec un cynisme particulièrement insolent. Rien que la séquence d'ouverture inopinée, une cruelle pendaison particulièrement réaliste, place le spectateur dans un sentiment de stupeur inconfortable, quand bien même la population gênée de cette macabre mise en scène se morfond prudemment dans le mutisme ! Le réalisateur n'aura de cesse d'alterner les situations pittoresques (le jeu de provocation machiste invoqué entre Tom et Jane pour leur gestation amoureuse, l'arrivée précipitée des voleurs au bordel géré par une septuagénaire) ou grotesques (toutes les facéties excentriques du régulateur, à l'instar de son travestissement en grand-mère !) avec d'autres à la teneur dramatique plutôt cruelle ! (les exactions sanglantes qui empiètent l'intrigue quand bien même le dernier survivant se retrouve confronté à une désarmante remise en cause).

Western insolite au cheminement narratif imprévisible et ne possédant aucune ligne de conduite, Missouri Breaks affiche la marginalité d'anti-héros afin d'illustrer une chasse à l'homme dont un régulateur se portera volontaire pour éliminer des voleurs de bétail. Durant tout le récit, Arthur Penn prend soin de nous attacher à la familiarité de ces quatre malfrats alors que leur leader est épris d'une idylle avec la fille d'un riche éleveur. C'est d'ailleurs ce dernier qui décide de recruter Robert Lee Clayton, régulateur impertinent et goguenard, déterminé à assassiner un par un ces braconniers liés par l'amitié. Dans la peau d'un tueur sans vergogne empli de lâcheté, Marlon Brandon crève l'écran pour endosser un personnage antipathique passant son temps à se goinfrer de nourriture tout en bavassant avec ses ennemis avec hypocrisie narquoise. A la fois flegme et pugnace, Jack Nicholson lui tient tête par son assurance perspicace avant de sombrer malgré lui dans une vengeance expéditive. Entre temps, le réalisateur prend notamment soin de mettre en valeur sa complicité amoureuse partagée avec Jane et son éventuel désir de s'assagir afin de consolider cette relation.

Une farce macabre gagnée par la défaite.
En dépit d'une première heure relativement langoureuse par son rythme dispersé, Missouri Breaks détourne les codes avec une ironie caustique particulièrement dérangeante, à l'instar de ses dialogues ciselés et ses éclairs de violence qu'on ne voit jamais arriver. Qui plus est, son cheminement narratif indécis nous place dans une perpétuelle interrogation quand à l'issue réservée aux voleurs de bétail mais aussi au régulateur. On sera d'autant plus dérouté par son final malsain d'une grande violence, et donc épargnant le happy-end, SPOILER pour afficher l'amertume de protagonistes vaincus, contraints de renouer séparément avec un semblant de vie ! FIN DU SPOILER. Un western atypique dont l'ambiance cynique nous extériorise un sentiment de souffre dans la bouche, et auquel l'interprétation effrontée de Marlon Brandon mérite à elle seule le détour !

Bruno Matéï
2èx

LE DEMON DES ARMES (Gun Crazy / Deadly is the Female)

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

de Joseph H. Lewis. 1950. U.S.A. 1h27. Avec Peggy Cummins, John Dall, Berry Kroeger, Morris Carnovsky, Annabel Shaw, Harry Lewis.

Sortie salles France: 20 Janvier 1950

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Joseph H. Lewis est un réalisateur américain, né le 6 Avril 1907 à New-York (Etats-Unis), décédé le 30 Août 2000 à Santa Monica (Californie).
1945: My name is Julia Ross. 1946: So dark the night. 1948: Le Manoir de la Haine. 1949: Le Maître du gang. 1950: Le Démon des Armes. 1950: La Dame sans passeport. 1952: Quatre jours d'angoisse. 1955: Man on a bus. 1955: Association Criminelle. 1955: Ville sans loi. 1958: Terreur au Texas.

Bien avant le chef-d'oeuvre d'Arthur Penn, un film noir s'était lui aussi inspiré des méfaits délinquants du couple meurtrier Bonnie and Clyde. Film noir d'une beauté diaphane, Le Démon des armes retrace avec réalisme (du moins pour l'époque !) l'équipée sauvage d'un couple d'amants, spécialiste des armes à feu et des braquages de banques. Au fil de leur périple infernal, ils vont s'attirer une triste renommée auprès des médias et des journaux au point de mobiliser toutes les polices de l'état qui finiront par leur soumettre une traque inlassable (l'haletante chasse à l'homme investie dans la forêt et en amont des marais reste ancrée dans les mémoires).

A travers cette course poursuite effrénée d'un couple de gangsters avides de liberté et de richesse, Joseph H. Lewis dresse un magnifique portrait de marginaux totalement tributaires de leur passion amoureuse autant que celle, indissociable, de leurs armes à feu. Des personnages burnés mais à la dimension humaine fragile et désespérée car entraînés malgré eux dans une virée criminelle toujours plus houleuse et irréversible. Par leurs exactions délinquantes, on sent bien que le réalisateur s'épanche sur la fascination des armes exercée envers le citoyen américain. Ici, c'est son côté perfide et malsain qui est mis en valeur par l'autorité d'un couple spécialiste du tir et des braquages. Le goût du risque, l'adrénaline et la détermination de leurs actes rebelles découlant d'une attirance semi-inconsciente pour une violence vénale ! (c'est ce que Bart avouera à sa compagne après avoir tenté de tuer un policier, alors que cette dernière est capable de braver l'acte par une peur irraisonnée !). Ce couple d'amants communément fous d'amour mais incapables de s'extirper de leur existence asociale est incarné à l'écran par des acteurs transis d'émoi ! Avec son charisme longiligne et son humanisme sentencieux, John Dall campe un gangster fasciné depuis l'enfance par sa passion des armes au point d'endosser finalement le rôle d'un gangster pour l'amour de sa compagne. Trouble et vénéneuse et beaucoup moins circonspecte, Peggy Cummins retransmet à merveille une criminelle toute aussi obsédée par le tir mais véritable instigatrice d'avoir impliqué son compagnon jusqu'au point de non retour. A eux deux, ils forment un duo aussi mythique que le couple Warren Beatty/Faye Dunaway recruté 17 ans plus tard dans Bonnie and Clyde, et doivent beaucoup à l'intensité furieuse et émotionnelle du récit.

Chef-d'oeuvre avant-coureur du film noir symbolisant les "amants criminels", Le Démon des Armes (titre français encore plus incisif et révélateur que son modèle !) est habité par l'exaltation amoureuse mais compromis par l'acte suicidaire d'un couple marginal pris dans l'engrenage de la violence. 

Bruno Matéï
2èx

MISS ZOMBIE. Grand Prix à Gérardmer, 2014.

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site horror-movies.ca

de Sabu. 2013. Japon. 1h25. Avec Ayaka Komatsu, Makoto Togashi, Riku Ohnishi, Takaya Yamauchi, Taro Suruga, Tateto Serizawa, Toru Tezuka.

Récompense: Grand Prix à Gérardmer, 2013

FILMOGRAPHIE: Hiroyuki Tanaka (Sabu) est un réalisateur, acteur et scénariste japonais.
1996: Dangan ranna. 1997: Postman Blues. 1998: Anrakkî monkî. 2000: Monday. 2002: Drive. 2002: Kôfuku no kane. 2003: Hard Luck Hero. 2005: Hôrudo appu daun. 2005: Shissô. 2009: Kanikosen. 2010: Toraburuman. 2011: Usagi doroppu. 2013: Miss Zombie. 2015: Ten No Chasuke.

Pendant auteurisant de Fido en mode austère, Miss Zombie réexploite la domestication du mort-vivant par le biais d'une ménagère soumise aux exigences d'une snob famille. Après avoir reçu un colis contenant une morte-vivante, la tranquillité d'un foyer va subitement se détériorer au fil de leurs rapports intimes avec l'étrangère.

Tourné en noir et blanc dans un souci formel souvent stylisé (nature crépusculaire aux figures géométriques), Miss Zombie évoque la déshumanisation de nos sociétés modernes en quête d'affinité et notre instinct de supériorité à exploiter les plus faibles. A travers la condition d'esclave d'une femme zombie égarée dans sa solitude, le réalisateur traite son sujet avec originalité dans la manière d'illustrer sa quotidienneté avec ses proches, mais aussi ses instants d'intimité, à l'instar de son regard mélancolique plongé dans le reflet d'un miroir. Sujette aux railleries et agressions physiques envers des citadins familiers, Miss Zombie observe du coin de l'oeil ses cruelles humiliations sans toutefois exercer une quelconque riposte. Jusqu'au jour où le fils de la famille meurt noyé au bord d'un étang. Cet instant dramatique va lui permettre de renouer avec son instinct maternel, puisqu'à la demande de la défunte mère, elle réussira à sauvegarder l'enfant par l'infection d'une morsure. Si depuis cette résurrection, le père et le fils lui vouent une vraie considération affective, il n'en n'est pas de même pour la mère délaissée, éprise aujourd'hui d'une rancune tenace. A partir de ce moment, les rôles vont subitement s'inverser (chaque membre de la famille se morfond dans le désarroi et l'impuissance, alors qu'au contraire, Miss Zombie retrouve des parcelles de vitalité et d'émotion) pour laisser exprimer une vengeance infructueuse où la mort en sera la seule expiation ! Dans un climat d'étrangeté où les non-dits renforcent le caractère insolite de son environnement feutré, Miss Zombie épouse un point de vue iconoclaste pour mettre en valeur l'humanité du Zombie dans une quête éperdue pour la reconnaissance, quand bien même son entourage se blottit dans la banalité et l'ennui de leur quotidien !  

Si Miss Zombie a de quoi laisser perplexe pour sa justification imposée au Grand Prix de Gérardmer, on ne peut nier l'ambition de son parti-pris formel et l'originalité de son sujet traité avec pudeur, intelligence et refus des conventions. Toutefois, il est préférable d'avertir le spectateur que la monotonie du rythme et l'aspect baroque de sa mise en scène risquent d'en déconcerter plus d'un. A privilégier en priorité aux amateurs de bizarrerie. 

Bruno Matéï

LE LOUP DE WALL STREET (The Wolf of Wall Street)

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Martin Scorcese. 2013. U.S.A. 2h59. Avec Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jon Bernthal, Jon Favreau, Jean Dujardin, Cristin Milioti, Matthew McConaughey.

Sortie salles France: 25 Décembre 2013. U.S: 25 Décembre 2013

FILMOGRAPHIE: Martin Scorsese est un réalisateur américain né le 17 Novembre 1942 à Flushing (New-york).
1969: Who's That Knocking at my Door, 1970: Woodstock (assistant réalisateur), 1972: Bertha Boxcar, 1973: Mean Streets, 1974: Alice n'est plus ici, 1976: Taxi Driver, 1977: New-York, New-York, 1978: La Dernière Valse, 1980: Raging Bull, 1983: La Valse des Pantins, 1985: After Hours, 1986: La Couleur de l'Argent, 1988: La Dernière Tentation du Christ, 1990: Les Affranchis, 1991: Les Nerfs à vif, 1993: Le Temps de l'innocence, 1995: Un voyage avec Martin Scorsese à travers le cinéma américain, 1995: Casino, 1997: Kundun, 1999: Il Dolce cinema -prima partie, A Tombeau Ouvert, 2002: Gangs of New-York, 2003: Mon voyage en Italie (documentaire), 2004: Aviator, 2005: No Direction Home: Bob Dylan, 2006: Les Infiltrés, 2008: Shine a Light (documentaire), 2010: Shutter Island. 2011: Hugo Cabret. 2013: Le Loup de Wall Street.

Outrancier et foisonnant, vulgaire et dépravé (les orgies sexuelles qui empiètent tout le récit), délirant et hilarant (les hystéries comateuses de Jordan et Donnie après avoir ingéré une drogue frelatée, leur escapade nocturne en yacht sous un ouragan !), mais d'un intérêt limité dans son cheminement narratif, Le Loup de Wall Street relate la biographie d'un courtier en bourse, Jordan Belfort. Durant plus de 10 ans, il va monter son propre empire après avoir formé des financiers préalablement incompétents. Avec l'aide de ces comparses, il va multiplier les arnaques de vente tout en sombrant dans le trafic de drogue et le blanchiment d'argent. Ses délinquants financiers vont mener une belle vie de débauche à grand renfort de sexe et de coke avant qu'un agent du FBI ne vienne fouiner dans leurs transactions.  

D'une durée de 3h00, cette fresque ambitieuse remarquablement interprétée (Leonardo DiCaprio est habité par la gagne pour transmettre à son équipe son savoir dans une posture de dandy cocaïné et obsédé sexuel !) se permet tous les excès afin de dresser un tableau dérisoire des requins de la finance réduits ici à des dégénérés assoiffés de gloire. Jusqu'au jour où toute cette jungle sans scrupule va se retrouver derrière les barreaux par la trahison de leur propre leader. Si la réalisation s'avère époustouflante de virtuosité avec un sens vertigineux du découpage et que les acteurs simiesques s'en donnent à coeur joie pour grimacer et gesticuler les grivoiseries, Martin Scorcese semble ici se répéter jusqu'à se parodier pour illustrer à nouveau un univers de corruption où des malfrats sont tributaires de leur cupidité, du sexe et de la drogue. 

Un spectacle bordélique aussi désordonné qu'éreintant, car alternant le comique de situation et la dramaturgie du propos (même le chef d'équipe Scorcese et tous les acteurs semblent avoir pris de la Coke durant tout le tournage !), où sa verve frénétique et la putasserie qui en découle risquent de lasser une partie du public par son côté rébarbatif (sa ligne de conduite s'avère épuisante à suivre selon l'humeur ou la fatigue du jour). A découvrir de préférence entre amis éméchés avec pas mal de whisky, de call-girls et de drogues sous la main !

Bruno Matéï

Cruising (La Chasse)

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site acesite.e-monsite.com

de William Friedkin. 1980. U.S.A. 1h42. Avec Al Pacino, Paul Sorvino, Karen Allen, Richard Cox, Don Scardino, Joe Spinell, Jay Acovone.

Sortie salles France: 24 Septembre 1980

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés à la cérémonie des Oscars d'Hollywood. 1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Ce film n'est pas un réquisitoire contre l'homosexualité. Il ne dépeint qu'une minorité, non représentative.

Film culte controversé que certaines ligues homosexuelles ricaines n'hésitèrent pas à pointer du doigt pour l'aspect sordide infligé à leur identité sexuelle, Cruising est une descente aux enfers, un voyage au bout de la nuit dans les milieux SM gay. Depuis qu'un meurtre effroyable eut été commis, un flic en herbe est contraint d'infiltrer les boites homosexuelles afin de démasquer le meurtrier. Alors que deux nouveaux meurtres viennent d'être perpétrés, Steve burns suspecte maladroitement un jeune homo pour l'entraîner vers un traquenard ! (Friedkin en profite d'ailleurs pour dénoncer les méthodes brutales de la police afin de faire avouer le présumé coupable !). Pendant ce temps, le tueur court toujours et continue d'observer ses congénères afin de sélectionner sa prochaine proie. 

Film choc à plus d'un titre dont l'aura de scandale lui valut une partie de sa renommée, Cruising est une expérience émotionnelle atypique, dans la mesure où nous sommes plongés dans un univers malsain aussi terriblement oppressant qu'irrésistiblement fascinant. Car rarement une caméra mobile n'aura osé s'infiltrer en interne du monde SM avec souci de vérité documenté ! D'autant plus que la présence magnétique et ambivalente d'Al Pacino nous place dans l'indélicate position de voyeur malgré nous. Si bien qu'à travers ses errances nocturnes, nous sommes contraints de pénétrer dans des lieux glauques pour observer des échanges de pratiques sexuelles contraires à sa pudeur et dont il devra parfois même pratiquer. Ainsi, à travers l'infiltration de ce jeune flic indécis, car égaré dans sa propre conscience, William Friedkin établit l'introspection d'un hétérosexuel subitement obligé de fréquenter une communauté marginale plutôt déviante au risque de se perdre dans les méandres du Mal. Car forcé de changer d'identité et d'orientation sexuelle pour se fondre dans la peau d'un homo, Steve Burns se compromet à combattre ses propres démons par le biais d'une traque émise au tueur pervers. Et pour reprendre une célèbre citation: "Celui qui combat des monstres doit prendre garde à ne pas devenir monstre lui-même". Spoil !!! Pire encore, et à l'instar du tueur, il ira jusqu'à commettre avec sauvagerie un crime à l'arme blanche en guise de légitime défense. Et quand le tueur est enfin interpellé, William Friedkin pousse le vice encore plus loin afin de laisser planer une ambiguïté épouvantablement dérangeante sur la culpabilité du héros lorsque un meurtre sauvage vient à nouveau d'être perpétré au couteau de cuisine. Fin du Spoil.

D'un réalisme cru (autant pour sa violence que pour la scénographie SM) et d'une rigueur technique hallucinante de maîtrise, Cruising réinvente le mode du thriller noir avec une forme documentée aussi hypnotique qu'expérimentale ! Un voyage au bout des ténèbres qu'Al Pacino ose péniblement transgresser dans une fascination perverse, et qui donc, par son comportement diaphane, ne cesse de nous interpeller sur le pouvoir du Mal exercé en chacun de nous ! Attention chef-d'oeuvre ! 

Bruno Matéï

3èx

                                       

The Children. Mention spéciale du Jury au Festival de Strasbourg, 2009

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Tom Shankland. 2008. Angleterre. 1h25. Avec Eva Birthistle, Stephen Campbell Moore, Hannah Tointon, Eva Sayer, William Howes, Rachel Shelley.

Sortie salles France: 21 Octobre 2009. Angleterre: 5 Décembre 2008

FILMOGRAPHIE: Tom Shankland est un réalisateur et scénariste anglais.
2006: No night is too long (télé-film). 2007: Waz. 2009: The Children

Après Waz, un excellent thriller passé inaperçu, Tom Shankland change de registre pour bifurquer vers l'horreur en empruntant la thématique de l'enfant tueur. Dans la lignée du Village des Damnés et plus précisément des Révoltés de l'an 2000, The Children relate la journée de cauchemar de deux familles anglaises, réunis dans un cadre bucolique pour fêter le jour de l'an, mais sévèrement pris à parti avec leurs propres enfants depuis qu'un éventuel virus s'est infiltré en eux ! Néanmoins, nous ne connaîtrons jamais l'origine de ce mal mystérieux quand bien même sa conclusion nihiliste finira par nous dévoiler le regard glacial d'une adolescente hagarde ! A moins d'avoir sombré dans la démence, nous ne serons jamais ce qu'il en adviendra, d'autant plus que seuls les enfants étaient les principales victimes de cette étrange épidémie. Série B oppressante à la tension exponentielle, The Children joue dans la cour des grands afin de consolider un film d'horreur premier degré, c'est à dire adulte, intègre et totalement éludé de potacherie, si ce n'est un humour noir terriblement grinçant ! Passé l'introduction nous présentant la convivialité de jeunes parents préparant les festivités au sein de leur chalet, un climat inquiétant va rapidement s'installer quand la caméra va ausculter les regards équivoques de chacun des bambins. 

Semblant épris d'un malaise aussi psychologique que viscéral, leur manière hostile d'observer leur famille provoque une gêne qui va doucement accroître au fil de leurs vicieuses stratégies. Car ce climat suspicieux particulièrement angoissant va accroître son intensité quand le premier incident meurtrier va nous être dévoilé. Dès lors, le spectateur est pris à la gorge pour témoigner des exactions sanglantes d'assassins en culottes courtes éludés de moindre compassion pour leurs proches. Avec un réalisme cru et brutalité, le réalisateur exacerbe des séquences chocs cinglantes nous provoquant un malaise palpable, d'autant plus que de simples enfants en sont ici les principaux tortionnaires ! Qui plus est, avec un esprit jusqu'au-boutiste, Tom Shankland poussera encore plus loin le bouchon de la tolérance en assassinant "brutalement" devant l'écran trois des chérubins ! Si l'intrigue s'avère linéaire et sans surprise, le réalisateur se raccroche donc à l'efficacité d'une succession d'évènements sanglants s'enchaînant sans répit pour parfaire un survival des plus racés. Déboussolés et pris de stupeur par la gravité des incidents meurtriers, la plupart des adultes se refuse à admettre la culpabilité de leurs enfants et finissent donc par se rejeter la faute l'un sur l'autre avant de pointer du doigt la jeune adolescente Casey (l'unique témoin ayant compris le comportement assassin des enfants !). Au décor réfrigérant d'une neige endeuillée, un sentiment de claustration se fait notamment ressentir quand les derniers survivants doivent s'isoler à l'intérieur de la maison pour tenter de s'y protéger.

D'un réalisme brutal dans sa violence radicale, The Children met les nerfs à l'épreuve pour nous terrifier et provoque un vrai malaise face à la responsabilité infantile de nos anges exterminateurs ! Un film-choc d'une belle efficacité, futur classique apte à entrer dans les archives du genre, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains !

Bruno 
2èx

Récompense: Mention spéciale du Jury lors du Festival européen du film fantastique de Strasbourg, 2009.

HER

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site teaser-trailer.com

de Spike Jones. 2013. U.S.A. 2h00. Avec Joaquim Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Sam Jaeger, Luka Jones.

Sorties salles France: 19 Mars 2014. U.S: 18 Décembre 2013

FILMOGRAPHIE: Spike Jonze (né Adam Spiegel le 22octobre 1969 à Rockville, Maryland) est un réalisateur de vidéos clips et de cinéma ainsi qu'un producteur de télévision.
1999: Dans la peau de John Malkovich. 2003: Adaptation. 2009: Max et les maximonstres. 2013: Her.

Dans la veine de Simone et d'Electric Dreams, Her dépeint de manière expérimentale les comportements amoureux d'un écrivain avec une conscience informatique au sein d'une société futuriste. Au fil de leurs rapports intimes que Théodore entretient à l'aide d'une simple oreillette, Her renouvelle le concept amoureux par l'intonation d'une voix synthétique douée d'une grande intelligence et capable d'éprouver de réels sentiments. Leurs échanges de conversations finissent rapidement par déboucher sur une relation sentimentale intense que le spectateur ressent avec réelle compassion, et cela en dépit du caractère saugrenu d'un homme réduit à la matérialité de son ordinateur et sa solitude d'un récent divorce. Au fil de leurs entretiens qu'ils se livrent dans un jeu de confiance et de confidences mutuelles, nous nous surprenons à éprouver comme Théodore une véritable affection pour une voix artificielle dénuée de corps mais éprise d'émotions et de désir sexuel ! Ce qui donne lieu à des situations hors normes parfois déstabilisantes, pour ne pas dire dérangeantes (je pense au triolisme imposé par Samantha qui débouchera sur une sévère désillusion). Cette liaison atypique entièrement conçue sur le dialecte des personnages est notamment une occasion de dévoiler l'acuité des mots et leurs capacités à faire naître l'amour lorsqu'ils sont exprimés avec passion, intégrité et considération. Mais c'est également oublier les effets pervers de la passion dévorante, sa nature égoïste, son esprit possessif et sa jalousie rancunière, quand bien même l'infidélité en était la principale conséquence !

Drame romantique d'une sensibilité prude et désespérée auquel son climat austère reflète bien la déshumanisation de nos sociétés modernes, Spike Jones illustre un conte des plus anxiogènes sur l'individualité de l'être humain toujours plus capricieux car dépendant d'outils technologiques toujours plus performants. A travers la liaison artificielle que Théodore entretient avec une voix informatisée, le réalisateur décrypte donc l'étude comportementale de l'homme isolé dans sa propre prison, car ne sachant plus aimer dans une modeste simplicité et donc réduit à retrouver un semblant de liberté dans l'illusion du sommeil. Angoissant et déprimant, à l'instar de tous ces citadins radoteurs déambulant comme des automates au sein d'une urbanisation dénuée de communication, Her bouleverse les sens du spectateur car il ne cesse de nous alarmer sur la dégénérescence morale de notre civilisation noyée dans une course au progrès.

"L'amour commence par l'éblouissement d'une âme qui n'attendait rien et se clôt sur la déception d'un moi qui exige tout."
Au rythme fragile d'une partition mélancolique, il en émane un constat alarmiste et déprimant sur le poids de la solitude et de l'incommunicabilité, non dépourvu de lueur d'espoir dans sa conclusion en demi-teinte, mais auquel sa dimension poétique ébranle le spectateur pour sa remise en question sur la notion de l'amour et notre dépendance à la matérialité.

Bruno Matéï

Récompenses:
Festival international du film de Rome 2013 : prix de la meilleure actrice pour Scarlett Johansson (sélection officielle)
Alliance of Women Film Journalists Awards 2013 : meilleure représentation de la nudité, de la sexualité ou de la séduction pour Scarlett Johansson et Joaquin Phoenix
American Film Institute Awards 2013 : top 10 des meilleurs films de l'année
Austin Film Critics Association Awards 2013 : meilleur film, meilleur scénario original pour Spike Jonze, Special Honorary Award pour Scarlett Johansson
Chicago Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze, meilleure musique de film pour Arcade Fire
Detroit Film Critics Society Awards 2013 : meilleur film, meilleur scénario, meilleure actrice dans un second rôle pour Scarlett Johansson
Florida Film Critics Circle Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Indiana Film Journalists Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze, Original Vision Award
Kansas City Film Critics Circle Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze, meilleur film de science-fiction, d'horreur ou fantastique
Las Vegas Film Critics Society Awards 2013 : meilleur scénario pour Spike Jonze
Los Angeles Film Critics Association Awards 2013 : meilleur film (ex-æquo avec Gravity), meilleure direction artistique pour K. K. Barrett
Online Film Critics Society Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
National Board of Review Awards 2013 : meilleur film, meilleur réalisateur pour Spike Jonze
New York Film Critics Online Awards 2013 : meilleur scénario pour Spike Jonze
San Diego Film Critics Society Awards 2013 : meilleur film, meilleur scénario original, meilleure musique de film pour Arcade Fire
St. Louis Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze et meilleure musique de film pour Arcade Fire
Toronto Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Washington D.C. Area Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Central Ohio Film Critics Association Awards 2014 : meilleur scénario original pour Spike Jonze et meilleure musique de film pour Arcade Fire
Critics' Choice Movie Awards 2014 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Golden Globes 2014 : meilleur scénario pour Spike Jonze
Writers Guild of America Awards 2014 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Oscars du cinéma 2014 :
Meilleur scénario original pour Spike Jonze

INDIANA JONES ET LE ROYAUME DU CRANE DE CRISTAL (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull)

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Steven Spielberg. 2008. U.S.A. 2h03. Avec Harrison Ford, Shia LaBeouf, Cate Blanchett, Karen Allen, Ray Winstone, John Hurt, Jim Broadbent.

Sortie salles France: 21 Mai 2008. U.S: 22 Mai 2008

FILMOGRAPHIE: Steven Allan Spielberg, Chevalier de l'Ordre national de la Légion d'honneur est un réalisateur, producteur, scénariste, producteur exécutif, producteur délégué et créateur américain, né le 18 décembre 1946 à Cincinnati (Ohio, États-Unis).1971: Duel , 1972: La Chose (télé-film). 1974: Sugarland Express, 1975: Les Dents de la mer, 1977: Rencontres du troisième type, 1979: 1941, 1981: les Aventuriers de l'Arche Perdue, 1982: E.T. l'extra-terrestre , 1983: La Quatrième Dimension (2è épisode), 1984: Indiana Jones et le Temple maudit, 1985: La Couleur pourpre, 1987: Empire du soleil, 1989: Indiana Jones et la Dernière Croisade, Always, 1991: Hook, 1993: Jurassic Park, La Liste de Schindler, 1997: Le Monde Perdu, Amistad, 1998: Il faut sauver le soldat Ryan Saving Private Ryan, 2001: A.I., 2002: Minority Report, Arrête-moi si tu peux, 2004: Le Terminal , 2005: La Guerre des Mondes, 2006: Munich, 2008: Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal, 2011: Les Aventures de Tintin, cheval de guerre. 2012: Lincoln.

19 ans après sa dernière croisade, Indiana Jones remet le couvert pour se lancer dans une nouvelle chasse au trésor en destination de la contrée du Pérou. Cette fois-ci, il y est question de retrouver la trace du crane de cristal, objet légendaire appartenant autrefois à la cité d'Akator mais aujourd'hui devenu introuvable. Alors que son ami Oxley était parti à sa recherche, il est kidnappé par l'armée russe du colonel Irina Spalko. Epaulé par son propre fils, Indy va devoir notamment s'allier avec un agent double, suivi un peu plus tard de son ancienne amie Marion, afin de récupérer le trésor et déjouer son détournement. 

D'après une histoire imposée par Georges Lucas auquel sa volonté première était de renouer avec le style B movie de la science-fiction des années 50, Steven Spielberg ravive la flamme de l'aventure épique en situant cette fois-ci l'action durant l'époque de la guerre froide. Avec son savoir-faire technique habituel et la réunion d'aimables têtes d'affiche, Indiana Jones et la Royaume du crane de cristal réussit à s'imposer comme un divertissement haletant, même si un soupçon de magie et d'intensité manquent à l'appel. Tous les ingrédients habituels (action, aventures, romance, humour) sont donc réunis pour notre plaisir en suivant la même schéma narratif que ses prédécesseurs. Si certains ont prétendu le caractère ridicule du final ésotérique, je trouve qu'au contraire l'idée reste originale pour s'en démarquer et ne fait que respecter la nature paranormale impartie à la légende des crânes de cristal (même si depuis un siècle le débat reste ouvert entre la foi des scientifiques et ceux des adeptes d'ovni). 

Si la nouvelle recrue Shial LaBeouf s'en sort formidablement bien pour incarner de manière rebelle un jeune héros plutôt burné, on n'en dira pas tant de celle qui endosse sa mère à l'écran: Karen Allen ! Si sa première intervention provoque le plaisir nostalgique de retrouver une ancienne icône, son manque d'éloquence et de tonus se fait si cruellement sentir qu'elle n'arrive jamais à s'insérer parmi l'enthousiasme de sa troupe. Celle qui avait auparavant réussit à s'affirmer comme une femme incorrigible et véhémente, débordante de compassion pour Indy, n'est donc plus que l'ombre d'elle-même malgré sa bonhomie forcée du sourire amical. Quand à Harrison Ford, et malgré son âge avancé, il réussit à peu de choses près à retrouver la vigueur de ses débuts pour réafficher un héros bondissant toujours aussi opiniâtre lorsqu'il s'agit de défier ses nombreux ennemis. Enfin, la méchante de service est cette fois-ci allouée à l'actrice Cate Blanchett, se prêtant avec charisme dans la carrure d'une matriarche russe monolithique ! 

Si ce 4è volet ne possède pas la même patine que ces modèles (le numérique fait aussi parfois défaut dans la texture des décors naturels et ceux, imposants, du temple Maya), Indiana Jones et le royaume de cristal est suffisamment trépidant, grandiose (toute l'expédition scrupuleusement pratiquée au sein d'Akator !), drôle et spectaculaire (son prélude confiné dans l'entrepôt de la zone 51, l'incroyable course-poursuite en véhicules en plein milieu de la jungle) pour passer un bon moment. 

La critique des Aventuriers de l'arche perdue (les): http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/les-aventuriers-de-larche-perdue.html
Indiana Jones et le temple maudit: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/indiana-jones-et-le-temple-maudit.html

Indiana Jones et la Dernière croisade: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/03/indiana-jones-et-la-derniere-croisade.html

Bruno Matéï

Le Massacre des Morts-Vivants

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant à Dead-movie

de Jorge Grau. 1974. Espagne/Italie. 1h35. Avec Cristina Galbo, Ray Lovelock, Arthur Kennedy, Aldo Massasso, Giorgio Trestini, Roberto Posse, José Lifante, Jeannine Mestre.

Sortie salles : 28 Novembre 1974

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Jorge Grau est un réalisateur et scénariste espagnol, né le 27 Octobre 1930 à Barcelone. 1973: Ceremonia sangrienta. 1974: Le Massacre des Morts-Vivants. 1959: Costa Brava. 1960: Sobre Madrid. 1960: Medio siglo en un pincel. 1961: Laredo, Costa Esmeralda. 1961: Barcelona vieja amiga. 1976: La Siesta. 1982: La Leyenda del tambor. 1983: Coto de Caza. 1987: El extranger-oh ! de la calle Cruz del Sur. 1990: La punyalada. 1994: Tiempos mejores.

A travers le thème du zombie transalpin, si Lucio Fulci nous offrit ses lettres de noblesses avec quatre fleurons inoxydables (l'Enfer des Zombies, Frayeurs, L'au-delà, La Maison près du Cimetière), un cinéaste espagnol tenta déjà en 1974 d'y dépoussiérer le genre avec une volonté outrancière de verser dans la tripaille. Retitré en France le Massacre des Morts-Vivants, cette  production italo-hispanique à faible budget s'efforce à chambouler le paysage horrifique quand bien même La Nuit des Morts-vivants venait de graver une empreinte indélébile dans la mémoire d'une génération de spectateurs. Le pitch: Alors que des agriculteurs tentent d'éradiquer les insectes des champs à l'aide d'un procédé chimique de radiation, des nouveaux-nés d'un hôpital sont épris de violente agressivité. Mais le pire est à venir lorsque des cadavres d'une nécropole reviennent à la vie pour importuner les vivants. Un couple de touristes en subira les frais et n'aura de cesse d'essayer de se protéger indépendamment depuis que la police du coin les suspectent d'homicides. Avec ses dialogues sommaires et la prestance timorée d'acteurs cabotins, le Massacre des morts-vivants peut paraître de prime abord maladroit et peu crédible, alors que sa réflexion écolo sur les conséquences des insecticides semble être un prétexte pour y apporter une touche d'intelligence au projet. Pour autant, aussi perfectible soit-il de par certaines situations risibles et la présence outrancière d'un flic borné (sans doute l'un des policiers les plus crétins de l'histoire du cinéma !), ce film d'horreur typiquement transalpin bénéficie d'une ambiance putride aussi glaçante qu'ensorcelante.

Ainsi, avec beaucoup d'efficacité, Jorge Grau renouvelle la peur dans une forme viscérale terriblement inconfortable. Qui plus est, les décors bucoliques de vallées anglaises se prêtent admirablement au climat d'étrangeté de son environnement feutré dénué de toute vie animale. Et si la caractérisation des morts-vivants s'avère minimaliste à travers leur physionomie cadavérique (une teinture blême vite expédiée sur le visage !), ils provoquent chez le spectateur une véritable hostilité à chacune de leurs apparitions. A l'instar du premier zombie sortant des eaux d'une rivière face à une touriste horrifiée, ou lorsque le couple se retrouve piégé en interne d'une cave parmi trois macchabées. Des séquences de panique particulièrement haletantes et intenses à travers son sens adroit du cadrage et du montage ! Quand à l'attaque finale confinée au sein d'un hôpital, on peut suggérer que Lucio Fulci aurait pu s'en inspirer afin d'y parfaire la dernière partie de L'au-delà lors de ses péripéties sanglantes assénées au couple de survivants. En prime, les râles d'outre-tombe que nos zombies maronnent en titubant rappellent encore les spécimens du maître qu'une bande-son ombrageuse amplifie pour distiller la peur. Ainsi donc, cette montée de l'angoisse parfaitement gérée par un cinéaste avisé s'avère d'autant mieux structurée auprès d'un florilège de situations alarmistes que notre couple devra déjouer. Les évènements macabres s'enchaînant à la manière d'un cauchemar irrationnel où la réalité n'a plus lieu d'être, quand bien même la police impuissante a toujours une longueur de retard.

Hormis ses couacs précités vite pardonnés, Le Massacre des Morts-Vivants captive le spectateur impliqué dans un cauchemar sépulcral où la prémices d'une apocalypse semble s'y profiler.  L'atmosphère d'angoisse et d'effroi particulièrement tangibles ainsi que la présence mortifère des cadavres croulants préfigurant le dessein de Fulci et ses illustres débordements sanglants. Tout bien considéré, cette véritable perle du genre n'a point à rougir de ses homologues ritals putrescents ! A redécouvrir d'urgence donc pour tous les amateurs d'ambiance putride, de gore faisandé et d'aura anxiogène littéralement palpable.

* Bruno

07.03.14
04.11.22. 6èx