TERREUR SUR LA LAGUNE

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site caveofcult.co.uk

"Solamente Nero / The Bloodstained Shadow" de Antonio Bido. 1978. Italie. 1h50. Lino Capolicchio, Stefania Casini, Craig Hill, Massimo Serato, Juliette Mayniel.

FILMOGRAPHIE: Antonio Bido est un réalisateur et scénariste italien né le 8 Janvier 1949
1977: Il gatto dagli occhi di giada. 1978: Terreur sur la Lagune. 1984: Barcamenandoci. 1987: Mak P 100. 1989: Aquile (télé-film). 1991: Blue Tornado. 2000: Battaglione San Marco.

Giallo sous-estimé préalablement découvert en VHS par les cinéphiles des années 80 sous l'étendard d'Hollywood Video, Terreur sur la Lagune se réapproprie des codes du genre avec une maladresse tout à fait attachante. Le réalisateur prenant soin de dupliquer le travail stylisé de Dario Argento avec motivation, que ce soit au niveau de l'ossature d'une narration machiavélique, de la mise en scène clippesque des meurtres ou des éclairages blêmes d'un Venise feutré préfigurant l'esthétisme pastel de Ténèbres. Un professeur, Stéphano, rend visite à son frère pasteur dans un hameau de Venise. Ayant préalablement sympathisé avec une jeune peintre durant son voyage ferroviaire, il reste fasciné par l'un de ces tableaux religieux illustrant la mort d'une fille par un démon. Au même moment, un mystérieux tueur s'en prend aux riverains pendant que le prêtre est sujet à un morbide chantage. 

Ersatz du genre aussi naïf que sympathique pour son intrigue à rebondissements compromise aux digressions, puis dans la bonhomie du couple de héros témoins malgré eux d'une succession d'assassinats quand bien même nombre de seconds-rôles peu recommandables font office de mine suspecte, Terreur sur la Lagune tire parti de son capital sympathie pour la sincérité du cinéaste à façonner un giallo dans sa noble tradition. L'ombre des Frissons de l'Angoisse planant d'ailleurs sur les épaules du professeur exposé au trauma infantile et curieux d'élucider l'énigme d'un tableau d'art sous icone catholique. Prenant pour cadre la cité littorale de Venise, Antonio Bido parvient à insuffler un sentiment envoûtant d'étrangeté éthérée, à l'instar des poursuites horrifiques ou de la déambulation des (rares) riverains suspectant avec vigilance l'étranger. Si les 2/3 tiers du film se concentrent sur la récurrente dérive criminelle du tueur masqué, le cinéaste prend soin de peaufiner la forme dans l'exploitation inventive de ces décors naturels (sépulture, presbytère, bâtisse gothique, berge, église) auquel victimes et assassin servent de figuration au spectacle gothico-baroque (notamment l'épure livide des éclairages urbains inscrits dans une architecture onirique). Rehaussé de la partition éclectique de Stelvio Cipriani, le film adopte la même sonorité entraînante des Goblin afin d'intensifier les situations d'appréhension et d'altercation dans une métronomie haletante et avant que n'intervienne la modestie des cruautés meurtrières. Quant à sa dernière partie multipliant avec efficacité les rebondissements et levant le voile sur une machination à tiroirs, l'intrigue s'avère suffisamment bien pensée pour s'y laisser berner et comprendre les aboutissants du tueur Spoiler ! tout en égratignant au passage la corruption religieuse Fin du Spoiler.

Si la plupart des interprètes cabotins surjouent modestement leur stature de victime ou de présumé coupable, l'indéniable empathie accordée au couple de héros et au prêtre de la paroisse permet de s'immerger dans une investigation criminelle éculée de prime abord mais assez surprenante dans le dénouement de sa dernière demi-heure fertile en péripéties et contrecoups. Un sympathique giallo donc tout à fait fréquentable, notamment pour son charme onirico-macabre imparti à sa confection argentesque !

Remerciement à Contrebande VHS

Bruno Matéï

                                       

IL ETAIT UNE FOIS UN MEURTRE. Prix du Jury au Festival du film Policier de Beaune, 2011

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site bloody-disgusting.com

"Das letzte Schweigen / The Silence" de Baran bo Odar. 2010. Allemagne. 1h55. Avec Ulrich Thomsen, Wotan Wilke Möhring, Sebastian Blomberg, Katrin Sab, Burghart Klaubner.

Sortie salles France: 27 Avril 2011. U.S: 8 Mars 2013. Allemagne: 1 Juillet 2010

FILMOGRAPHIE: Baran bo Odar est un réalisateur suisse né le 18 Avril 1978. 

2006: Sous le soleil. 2010: Il était une fois un meurtre. 2014: Who Am I: Kein System ist sicher

Production allemande récompensée du Prix du Jury au Festival du film policier de Beaune, Le silence (titre beaucoup mieux subtil et approprié que son homologue français quant à l'issue de l'intrigue !) allie drame psychologique et thriller sous couvert d'un tabou brûlant, le trouble mental de la pédophilie. Le 8 juillet 1986, un pédophile circulant en voiture kidnappe une adolescente au moment où cette dernière emprunte un sentier bucolique à bicyclette. Le passager du véhicule observe impuissant au viol et à la strangulation de la fillette par son acolyte. 23 ans plus tard, le même jour estival, et sur les lieux du précédent homicide, une autre fille circulant à bicyclette est portée disparue. Persuadé qu'il s'agit du même agresseur, la police rouvre l'enquête quand bien même le coupable oculaire de l'affaire précédente tente de retrouver la trace de son compagnon meurtrier. 

Thriller psychologique au suspense perpétuellement tendu, notamment grâce à la sobriété sentencieuse des comédiens, le Silence préconise l'investigation policière de longue haleine afin d'élucider une affaire criminelle de pédophilie vieille d'un quart de siècle. On peut d'ailleurs saluer la pudeur dont le cinéaste fait preuve pour illustrer sans racolage quelques séquences difficiles par le biais d'un réalisme rugueux et de la conviction d'interprètes taillés sur mesure pour extérioriser face à l'écran des pulsions de déviance sexuelle. En parallèle d'une enquête émaillée d'indices et de rebondissements alertes, Baran bo Odar privilégie l'étude caractérielle du second pédophile, ancien témoin oculaire aujourd'hui époux et père de deux enfants mais contraint en l'occurrence de faire resurgir sa responsabilité d'un passé crapuleux. Par sa posture désespérée à tenter de découvrir l'auteur de cette nouvelle disparition et par sa difficulté ardue à refréner ses pulsions perverses, l'intrigue dilue un climat anxiogène particulièrement malsain lorsque le spectateur est contraint d'observer sa culpabilité existentielle en perdition. Pour renforcer l'acuité du contexte singulier, la narration est également impartie au portrait plus délétère du criminel pédophile, concierge d'immeuble vivant reclus dans un appartement parmi le fétichisme de ces fantasmes pédopornographiques. Enfin, en alternant le deuil insurmontable des parents de la première disparue avec la détresse des nouveaux parents redoutant une issue morbide pour le sort de leur fille, Le Silence allie suspense et ressort dramatique modéré afin d'escompter un dénouement potentiellement optimiste. 

Captivant et haletant dans l'ossature studieuse d'une investigation sordide, et donc éprouvant par le climat pervers régi autour des profils pédophiles, Le Silence se permet également de dénoncer le rôle (racoleur) des médias anticipant la résolution d'une affaire crapuleuse sans preuves tangibles, et la fonction expéditive d'une hiérarchie policière incapable d'élucider les auteurs d'infanticides. Un sombre thriller constamment sur le fil du rasoir dans sa narration indécise qu'une interprétation sans faille rehausse d'intensité dans leur fardeau moral, mais dont l'audace incongrue du dénouement risque d'en dérouter plus ! 

Remerciement à Pascal Frezzato

Bruno Matéï

LES PROIES

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site northwestchicagofilmsociety.org

"The Beguiled" de Don Siegel. 1971. U.S.A. 1h44. Avec Clint Eastwood, Geraldine Page, Elizabeth Hartman, Jo Ann Harris, Darleen Carr, Mae Mercer.

Sortie salles France: 18 Août 1971. U.S: 31 Mars 1971

FILMOGRAPHIE: Don Siegel (Donald Siegel) est un réalisateur et producteur américain, né le 26 Octobre 1912 à Chicago en Illinois, décédé le 20 Avril 1991 à Nipoma, en Californie.
1956: l'Invasion des Profanateurs de Sépultures. 1962: l'Enfer est pour les Héros. 1964: A bout portant. 1968: Police sur la ville. 1968: Un Shérif à New-York. 1970: Sierra Torride. 1971: Les Proies. 1971: l'Inspecteur Harry. 1973: Tuez Charley Varrick ! 1974: Contre une poignée de diamants. 1976: Le Dernier des Géants. 1977: Un Espion de trop. 1979: l'Evadé d'Alcatraz. 1980: Le Lion sort ses griffes. 1982: Jinxed.

Sorti la même année que l'Inspecteur Harry, fer de lance du Vigilante Movie, Les Proies emprunte un genre plus intimiste, celui du drame psychologique doublé d'un suspense vénéneux afin de décrire les rapports de force impartis entre une ligue féminine et un soldat nordiste. Grièvement blessé, le caporal nordiste Mc Burney est recueilli au sein d'un pensionnat de jeunes filles sudistes que la directrice Martha Farnsworth dirige avec autorité malgré le climat tendu de la guerre. En guise de survie et pour tenter de s'y échapper, il s'emploie à courtiser plusieurs de ces pensionnaires avant la convalescence de sa jambe estropiée. Mais la jalousie de la directrice et de deux autres internes vont déchaîner les haines et les passions au sein d'une rivalité sexiste.

En dépit de l'aspect fallacieux de son affiche française et américaine laissant sous-entendre un western somme toute classique, Les Proies détourne les conventions du genre pour décrypter un drame psychologique au confins de l'horreur. Confiné dans le cadre restreint d'un huis-clos familial auquel un soldat grièvement blessé est contraint d'y séjourner parmi l'hospitalité rassurante d'une gente féminine, Les Proies cristallise autour de sa victime un piège machiavélique d'une intensité exponentielle. Une guerre des sexes jusqu'au-boutiste mais inégale (l'élément perturbateur s'avérant seul contre tous !) lorsque l'inconfiance puis la trahison vont nous être dévoilés sous le témoignage féminin. Illustrant avec subtilité les thèmes universels du désir amoureux et de l'éveil sexuel, de la jalousie et de la possessivité, de l'infidélité et de la manipulation au sein du couple, l'intrigue y extrait une étude scrupuleuse sur nos pulsions de haine et de rancoeur lorsque la passion eut été préalablement bâtie sur le simulacre. La descente aux enfers qu'endurera Burney n'étant que les conséquences de ses stratégies de séduction conçues pour l'enjeu de sa survie, l'instinct d'aguicheur et le profit de la luxure. Jeu de duperie et de séduction auquel de jeunes internes s'adonnent à leurs pulsions sexuelles avant de se laisser soustraire par la rancune de leur échec, Don Siegel renforce le caractère malsain de cette situation de crise (tous les témoins étant notamment victimes de leur déchéance lubrique !) en effleurant les tabous de l'inceste (l'ancienne relation partagée entre la directrice et son frère), de la pédophilie (McBurney ose séduire une fillette de 12 ans après l'avoir embrassé sur la bouche !) et de l'esclavage (le passé galvaudé de la domestique avant l'acte d'un viol). De ces rapports toujours plus tendus de tromperie et d'exclusivité amoureuse émanent une implacable vendetta au parfum de souffre vertigineux dans la cohésion meurtrière.

Sous l'impulsion de séductrices habitées par la fougue amoureuse et la revanche véreuse au mépris d'un Clint Eastwood inopinément perfide, Les Proies transcende le drame psychologique avec une intensité horrifique aussi éprouvante que malsaine. Don Siegel laissant extraire les bas instincts de cette confrérie féminine influencée par une dynamique de groupe contestataire. 

Bruno Matéï
4èx

MESSIAH OF EVIL (le messie du mal)

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site rarehorror.com 

de Willard Huyck et Gloria Katz. 1971. U.S.A. 1h30. Avec Marianna Hill, Michael Greer, Anitra Ford, Joy Bang, Elisha Cook Jr, Royal Dano.

FILMOGRAPHIE: Willard Huyck est un réalisateur, scénariste producteur et acteur américain, né le 8 Septembre 1945 à Los Angeles, Californie, U.S.A. 1971: Messiah of Evil. 1979: French Postcards. 1984: Une Défense Canon. 1986: Howard le canard. Gloria Katz est une réalisatrice, productrice et actrice américaine, née le 25 Octobre 1942 à Los Angeles, Californie, U.S.A. 1971: Messiah of Evil.

Inédit en salles en France, Messiah of Evil est enfin exhumé de l'oubli grâce à l'étendard Artus Films ayant eu l'aubaine de l'éditer en Dvd en 2010. Film culte au sens étymologique du terme alors qu'il s'agit à la base d'une oeuvre de commande, cette série B au budget dérisoire tire parti de son pouvoir de fascination grâce à son ambiance crépusculaire particulièrement éthérée et grâce à la posture mutique d'antagonistes cannibales. Après avoir été alerté par une lettre, Arletty part rejoindre son père, artiste peintre, au sein du village de Point Dune. Sur place, elle constate chez lui son absence mais se retrouve rapidement interloquée par l'intrusion d'un trio d'individus aux motivations suspicieuses. Dans la ville, les évènements inquiétants se déchaînent au rythme d'exactions cannibales de citadins contaminés par un étrange mal. Ovni indépendant alliant le cinéma d'auteur et le film d'exploitation, Messahiah of Evil frappe d'emblée le spectateur de par son esthétisme baroque, les teintes dominantes de rouge et de bleu nous rappelant les fulgurances stylisées d'un certain Mario Bava.

Tourné en Techniscope (le parent pauvre du cinémascope nous évoquera Alain Petit dans le bonus Dvd d'Artus !) avec des comédiens pour la plupart méconnus (si on excepte l'héroïne et deux illustres apparitions secondaires); Messiah of Evil aborde une intrigue insolite assez déroutante auprès de l'errance nocturne de protagonistes en phase de questionnements. Celle de retrouver la trace d'un artiste peintre impliqué dans un fléau de grande ampleur et celle de saisir les aboutissants d'une communauté occulte de partisans se regroupant autour d'une plage pour escompter la venue d'un oracle un soir de lune rouge. Tout le film se focalisant sur les va-et-vient récurrents d'Arletty et de ses compagnons égarés dans une bourgade fantôme, quand bien même les rares habitants qui y résident sont atteints d'une étrange contamination depuis la prophétie d'un pasteur s'étant juré de revenir imposer sa malédiction tous les 100 ans. Avec une volonté d'égarer le spectateur à l'instar du fantasme irrationnel, Willard Huyck et Gloria Katz multiplie les séquences insolites par l'entremise d'un parti-pris pictural, poétique et atmosphérique. De par les décors baroques d'un design d'ameublement où des personnages politiques sont peints sur les murs, et l'atmosphère anxiogène irriguant les pores d'une plage ou du centre urbain. En prime, son rythme languissant et le comportement volontairement incohérent des personnages renforcent le propos du réalisateur délibéré à expérimenter une ambiance hermétique derrière l'ombre planante de Carnival of Souls !

Soutenu d'une envoûtante partition électro rappelant l'acoustique d'un Carpenter, Messiah of Evil se décline en plongée fantasmagorique de par le parcours indécis que l'héroïne arpente sous l'autorité indolente de fantômes inscrits dans l'aigreur (ils versent des larmes de sang à travers leur condition contagieuse). Rehaussé de la présence magnétique de la troublante Marianna Hill (l'Homme des hautes plaines, Le Parrain 2), cette expérience avec l'étrange puise sa densité et son impact émotionnel dans sa création formelle d'un univers cauchemardesque résolument tangible. 

Bruno Matéï
2èx
29.06.15
21.09.10 (222 vues)

PENSIONE PAURA

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au blog l'antredel'horreur

de Francesco Barilli. 1977. Italie/Espagne. 1h32. Avec Luc Merenda, Leonora Fani, Francisco Rabal, Jole Fierro, José Maria Prada, Lidia Biondi, Maximo Valverde, Wolfango Soldati.

FILMOGRAPHIE: Francesco Barilli est un acteur, réalisateur et scénariste italien, né à Parme en 1943 (Italie). Comme réalisateur: 1968 : Nardino sul Po, 1974 : Il Profumo della signora in nero, 1977 : Pensione paura, 1987 : Cinecittà 50, 1991 : Le Dimanche de préférence,1997 : Casa Barilli (vidéo),1998 : Erberto Carboni (vidéo),2000 : Giuseppe Verdi (vidéo), 2002 : Giorni da Leone (feuilleton TV), 2005 : Il Palazzo ducale e il Bertoja a Parma (vidéo).
Comme scénariste: 1972 : Qui l'a vue mourir ? (Chi l'ha vista morire?), 1972 : Au pays de l'exorcisme, 1974 : Il Profumo della signora in nero, 1977 : Pensione paura, 2002 : Giorni da Leone (feuilleton TV).

                                         

Drame psychologique à la croisée du giallo et du polar, Pensione Paura s'avère un ovni délicieusement insolite dans la galerie impartie à ces seconds-rôles rustres ne songeant la plupart du temps qu'à forniquer au sein d'un hôtel lugubre, quand bien même un mystérieux tueur rode aux alentours. A la fin de la seconde guerre mondiale, la jeune Rosa attend impatiemment l'arrivée de son père parti au front depuis des années. Gérante d'un hôtel avec l'appui de sa mère, elle est contrainte de tolérer une clientèle peu recommandable dans leur goût pour la luxure et le voyeurisme. Alors que la mère de Rosa planque un amant dans un placard, cette dernière est retrouvée morte en bas de l'escalier, la nuque brisée. Livrée à elle même malgré la bonhomie sournoise du jules, la jeune fille se confronte aux provocations lubriques de sa clientèle. En particulier, un machiste ne cessant de la harceler avant de daigner dérober les diamants de sa vieille maîtresse. 

Trois ans après le Parfum de la dame en noir, superbe introspection psychanalytique d'un trauma infantile, Francesco Barilli renoue avec le même thème dans ce drame schizophrène pour mettre en exergue le portrait fragile d'une adolescente livrée à une inépuisable inquiétude depuis la mort de sa mère et l'absence paternelle. Métaphore sur le fascisme dans le profil alloué à une clientèle vile, collabo et expéditive, poème sur l'incapacité d'assumer le deuil et sur la perte de l'innocence, initiation à la maturité et à l'éveil sexuel, Pensione Paura se pare d'une aura singulière pour traiter ses thèmes sous l'impulsion d'une adolescente prise à parti avec l'arrogance d'une salace clientèle. Principalement un gigolo obsédé sexuel capable d'en déflorer l'innocence, quand bien même deux gangsters viennent s'inviter dans l'établissement dans le but de dérober les diamants d'une rombière parmi sa complicité. Immersif en diable, de par son atmosphère ensorcelante régie au sein d'un hôtel baroque (notamment l'aspect expressionniste des extérieurs rappelant l'architecture picturale de la Maison aux Fenêtres qui rient !), et l'interprétation incandescente de Leonora Fani (l'expression de sa pudeur crève l'écran à chacune de ses apparitions !), l'intrigue hermétique ne cesse de bousculer les habitudes du spectateurs impliqué dans une énigme criminelle assez nébuleuse, à l'instar de la posture extravagante de chacun des protagonistes. Entre film auteurisant et thriller horrifique, Francesco Barilli parvient à consolider ces éléments contradictoires par le biais d'une structure narrative fortuite et d'un lot de rebondissements à la limite du grotesque ! Mais sans toutefois verser dans le ridicule, et grâce à la présence angélique de Leonara Fani, le film ne cesse d'irriguer un pouvoir de fascination dans la déambulation fantasmagorique de l'héroïne sur le fil du rasoir (Alice n'est pas loin !). Le comportement incohérent, déficient ou excentrique des témoins de l'hôtel renforçant l'aspect indicible d'un climat diaphane irrésistiblement magnétique où perversion, débauche et voyeurisme font bon ménage.

Alice et les songes de la perversion 
Soutenu par la partition gracile de Adolfo Waitzman et par l'aplomb d'une galerie de comédiens inscrits dans une dépravation insidieuse, Pensione Paura décuple son pouvoir d'envoûtement sous l'impulsion traumatique d'une adolescente livrée à leur déchéance sexuelle. Il en émane un magnifique drame sur le trouble identitaire où l'ombre du Giallo titille l'intérêt du spectateur parmi l'alchimie ambitieuse d'un auteur féru d'ambiance ésotérique (avec l'appui contraire d'un environnement naturel onirique) et de réalisme cru (la scène de viol et les corps dénudés sont filmés sans tabou et les meurtres transmettent une violence morbide). A découvrir d'urgence du fait de sa rareté car il s'agit d'une relique transalpine peu reconnue !  

Remerciement à la Caverne des Introuvables.

Bruno Matéï
26.06.15
09.05.11 (376 vues)

Les Jours et les Nuits de China Blue / Crimes of Passion

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Ken Russel. 1984. U.S.A. 1h46. Avec Kathleen Turner, Bruce Davison, Gordon Hunt, Dan Gerrity, Anthony Perkins, Terry Hoyos, Annie Potts, John Laughlin, John G. Scanlon, Janice Renney, Stephen Lee...

Sortie salles France: 19 juin 1985. U.S.A: 19 octobre 1984

FILMOGRAPHIE: Ken Russell est un réalisateur, scénariste, acteur, producteur, monteur et directeur de la photographie britannique né le 3 juillet 1927 à Southampton. 1967 : Un cerveau d'un milliard de dollars, 1969 : Love , 1970 : The Music Lovers, 1971 : Les Diables, 1971 : The Boy Friend, 1972 : Savage Messiah essiah, 1974 : Mahler, 1975 : Tommy, 1975 : Lisztomania,
1977 : Valentino, 1980 : Au-delà du réel, 1984: Les Jours et les nuits de China Blue.1986 : Gothic, 1988 : Salome's Last Dance , 1988 : Le Repaire du ver blanc ,1989 : The Rainbow ,1991 : La Putain, 2002 : The Fall of the Louse of Usher, 2006 : Trapped Ashes segment "The Girl with Golden Breasts".

Délire inclassable d'une exubérance psychotique par son érotisme outré, une oeuvre flamboyante sur la passion du désir et la quête éperdue de l'assouvissement sexuel !
Quatre ans après son trip métaphysique Au dela du réel, le sorcier fou Ken Russel continue de surfer sur la provocation avec Les jours et les Nuits de China Blue, drame psychanalytique où l'érotisme torride se mêle à une flamboyance sadomaso. Réunissant à l'écran deux illustres comédiens au parcours distinct (Anthony Perkins et Kathleen Turner s'opposant ici dans une guerres des sexes jusqu'au-boutiste !), le cinéaste aborde les thèmes de l'intégrisme, du refoulement et de la frustration sexuelle pour mettre en exergue les rapports équivoques de personnages en quête de rédemption amoureuse. Le Pitch: Bobby Grady est un détective fuyant sa vie conjugale depuis sa frustration avec son épouse asexuée. C'est dans les bras de China Blue qu'il tente de trouver réconfort, une prostituée comblant sans retenue les fantasmes de sa gente masculine. Or, sous son apparence charnelle et sulfureuse, China Blue occupe le jour un poste de stylisme sous le patronyme de Joanna Crane. Bobby tente en désespoir de cause de la courtiser malgré le harcèlement d'un pasteur désaxé, délibéré à repentir la vie débauchée de China.  Provocateur en diable spécialiste des ambiances baroques et débridées où l'aura malsaine s'y dilue de manière reptilienne (les Diables), Ken Russel cultive ici un goût pour l'ironie dérangeante afin de dépeindre la frustration sexuelle au sein du couple. Particulièrement du point de vue investigateur de Donny Hopper en quête éperdue de désir sexuel depuis que sa femme frigide se noie dans la désillusion. Pour évoquer la déréliction du célibat et la crainte d'aimer et d'être aimé, Ken Russel brosse à travers le personnage ambivalent de China Blue un magnifique portrait de femme contrainte d'endosser la défroque d'une prostituée pour assouvir ses pulsions fantasmatiques, et par la même occasion, se venger du machisme de l'homme lors de séances de sadomasochisme. 

Bafouée par des années de déception amoureuse et faute d'un passé incestueux, elle se répugne à amorcer une relation sentimentale durable avec un amant par peur de routine et de tourment. Or, en guise d'expiation métaphorique, un prêtre psychotique s'incruste dans son quotidien salace afin de la repentir et apaiser son propre refoulement à travers son refus d'accomplir ses pulsions sexuelles. Et donc, auprès des thèmes de la perversion, de la débauche et du désir, Ken Russel dresse le constat d'échec d'une détresse humaine s'isolant dans la sexualité de consommation afin d'anesthésier leur frustration. Dans sa fonction schizophrène de prostituée en perdition, Kathleen Turner se porte garante avec une spontanéité impétueuse et un sens de provocation qui laisse pantois ! Lascive, sexy, dominatrice, effrontée car provocatrice en diable, elle magnétise l'écran parmi l'audace de ses loisirs lubriques et avec la complicité masculine d'une clientèle infortunée. En tenue d'Eve et de jarretelles compromise aux excès en tous genres, l'actrice s'avère d'ailleurs vaillante d'avoir accepté un rôle aussi subversif alors qu'elle venait de triompher sur les écrans dans l'aventure familiale A la poursuite du diamant vert. Dans son dernier grand rôle, Anthony Perkins  lui partage la vedette dans une posture extravagante de pasteur intégriste obsédé par le pêché de la luxure ! Il faut le voir accourir avec son godemiché afin de tourmenter China Blue et lui énoncer d'innombrables versets religieux à l'idéologie prohibitive. D'autre part, durant son parcours psychotique en chute libre on peut également évoquer l'ironie sardonique de son final oppressant pour le rapport du double entretenu avec China Blue alors que Ken Russel se permet d'offrir un clin d'oeil au célèbre  Psychose dans la composante du travestissement.

Soutenu d'une partition dissonante électrisante, Les Jours et les nuits de China Blue invoque le délire visuel baroque autant qu'une tendresse affligée pour cette satire féministe impartie à la sexualité névrosée et à l'assouvissement du couple. Par le biais de ses personnages frustrés, refoulés, schizos et psychotiques, le réalisateur transcende un poème sulfureux sur la passion du désir, l'acceptation de l'échec et la rédemption amoureuse (vecteurs indissociables pour l'harmonie conjugale) quand bien même Kathleen Turner et Anthony Perkins se disputent l'autorité dans un anthologique rapport destructeur de discorde misogyne. 

*Bruno
19.01.23. 5èx

25.06.15. 4èx
18.02.11 (594 vues)

Note: LAFCA Award de la meilleure actrice pour Kathleen Turner au Los Angeles Film Critics Association Awards.

  

LE LOUP-GAROU DE LONDRES. Oscar des Meilleurs Maquillages, 1982.

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site joblo.com

"An American werewolf in London" de John Landis. 1981. U.S.A. 1h37. Avec David Naughton, Jenny Agutter, Griffin Dunne, John Woodvine, Don McKillop, Paul Kember.

Sortie salles France: 4 Novembre 1981. U.S: 21 Août 1981

FILMOGRAPHIE: John Landis est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 3 Août 1950 à Chicago (Illinois, Etats-Unis).
1973: Schlock. 1977: Hamburger Film Sandwich. 1978: American College. 1980: The Blues Brothers. 1981: Le Loup-garou de Londres. 1983: Un Fauteuil pour deux. 1983: La Quatrième Dimension. 1985: Série noire pour une nuit blanche. 1985: Drôles d'espions. 1986: Trois amigos ! 1986: Cheeseburger film sandwich. 1988: Un Prince à New-York. 1991: l'Embrouille est dans le sac. 1992:Innocent Blood. 1994: Le Flic de Beverly Hills 3. 1996: Les Stupides. 1998: Blues Brothers 2000. 1998: Susan a un plan. 2010: Cadavres à la pelle.

Sorti aux Etats-Unis quatre mois après la sortie du tout aussi novateur Hurlements, Le Loup-Garou de Londres révolutionna le genre horrifique grâce en priorité à une séquence de transformation restée inégalée depuis le talent perfectionniste de Rick Barker. Couronné d'un Oscar pour la rigueur de ses effets-spéciaux, ce moment d'anthologie au réalisme saisissant s'avère d'une intensité émotionnelle proprement hypnotique. John Landis filmant au plus près des parties corporelles cette dégénérescence monstrueuse en insistant notamment sur l'impuissance de la victime hurlant sa détresse de ne pouvoir résister à la mutation ! Et à ce niveau, on peut autant saluer le jeu viscéral de David Naughton affligé par la sueur et les larmes pour contempler avec stupeur horrifiée sa déchéance animale ! En parvenant à agencer la comédie et l'horreur, John Landis accomplit le tour de force d'amuser (les facéties espiègles du héros retrouvé nu dans un quartier zoologique de Londres) et de nous terrifier (l'incroyable balade nocturne que nos deux touristes arpentent prudemment dans la campagne brumeuse des Landes) malgré le classicisme de son intrigue centrée sur une malédiction lycanthropique. 

Avec une efficacité imparable dans sa charpente narrative et une maîtrise assidue en terme de réalisation, John Landis réexploite le mythe du loup-garou dans le contexte contemporain d'un Londres hanté par les anciennes traditions. Reprenant les clichés usuels au genre, il parvient donc à renouveler le thème grâce au judicieux dosage réalisme horrifique (meurtres particulièrement sauvages) et fantaisie extravagante (sens burlesque du gag inventif), à point tel que rarement un film dit d'horreur n'aura su aussi bien combiner le brassage des genres. Qui plus est, outre la fonction en roue libre des seconds-rôles pleins de charisme dans leur témoignage ubuesque (le couple d'enquêteurs en perpétuelle discorde), apeuré (toute la clientèle de l'auberge) ou au contraire prévenant (Griffin Dunne endossant la posture putrescente du zombie altruiste, John Woodvine campant avec autorité un patricien loyal) le Loup-garou de Londres n'oublie pas de provoquer l'empathie parmi le couple David Naughton (féru de ferveur spontanée !), Jenny Agutter (succulente de sensualité timorée !). Notamment la condition torturée impartie à David puisque harcelé par son acolyte d'outre-tombe de devoir se plier au suicide salvateur au moment même où il s'éprend d'une jeune infirmière. Enfin, par l'entremise iconique du zombie tourné ici en mode parodique, John Landis parvient encore à détourner le concept canonique du loup-garou avec inventivité (les morts reviennent à la vie tant que la malédiction n'est pas levée !) et sens burlesque payant, quand bien même son point d'orgue catastrophique nous laisse les mains moites par son intensité cuisante !

Multipliant avec générosité les séquences d'anthologie au rythme d'une BO tantôt entraînante, tantôt envoûtante,(les rêves cauchemardesques de David prenant pas sur la réalité de son quotidien, l'exhibition au parc zoologique, la poursuite dans les sous-sols du métro, la panique urbaine empruntée au mode catastrophe et la fameuse transformation animale) Le Loup-Garou de Londres a réussi à renouveler le genre pour s'imposer comme la quintessence moderne du film de loup-garou que seul son homologue Hurlements est parvenu à émuler. 

La Chronique de Hurlements: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/…/hurlements-howling.html

Bruno Matéï

6èx

FRISSONS D'HORREUR

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"Macchie Solari/Autopsy" de Armando Crispino. 1975. Italie. 1h40. Avec Mimsy Farmer, Barry Primus, Ray Lovelock, Carlo Cattaneo, Angela Goodwin, Gaby Wagner, Massimo Serato, Ernesto Colli.

Sortie salles France: 3 Octobre 1979

FILMOGRAPHIE: Armando Crispino est un réalisateur et scénariste italien, né le 18 Octobre 1924 à Biella, Italie, décédé le 6 Octobre 2003 à Rome.
1966: Le Piacevoli notti. 1967: Johnny le bâtard. 1968: Commandos. 1970: Faccia da Schiaffi. 1972: L'Etrusco uccide ancora. 1974: La Badessa di Castro. 1975: Frissons d'Horreur. 1975: Plus moche que Frankenstein tu meurs.

Thriller un peu trop méconnu à mon sens malgré une certaine renommée auprès des cinéphiles, Frissons d'Horreur s'engage dans la voie du thriller (je préfère éluder le terme Giallo tant l'ensemble s'avère hétérodoxe !) avec assez d'efficacité et de subversion pour retenir en haleine le spectateur jusqu'à la révélation du coupable. Depuis une vague de suicides perpétrés sous un climat solaire irrespirable, une doctoresse est hantée par d'horribles hallucinations ! Les cadavres fraîchement débarqués de sa morgue revenant à la vie pour la lutiner ! Au même moment, des proches de son entourage disparaissent mystérieusement pour laisser sous-entendre le sacrifice du suicide. Avec l'aide d'un curé, Simona tente maladroitement de démystifier cette affaire morbide ! 

Découvert par les amateurs en location Vhs au prémices des années 80, Frissons d'Horreur engendre une aura particulière au sein du thriller transalpin, de par son goût pour les visions morbides de cadavres nus gouailleurs et de sinistres mannequins exposés dans un musée des horreurs. Ajoutez à cela une connotation sexuelle prégnante dans le désarroi psychologique d'une héroïne en perte de sens lubrique et vous obtenez une sorte d'ovni au vitriol où plane un soupçon de nécrophilie. En alliant les meurtres en série d'un mystérieux assassin avec les suicides de quidams en détresse influencés par un climat tropical, Armando Crispino façonne une ambiance d'étrangeté magnétique que la posture équivoque de chacun des personnages va accentuer dans leur névrose interne. A l'instar de ce curé irascible à peine remis de sa convalescence psychiatrique et de Simona, femme médecin plongée dans la déficience mentale depuis la disparition inexpliquée de ses proches et depuis une volonté de lui nuire par la déraison. Par l'entremise d'une sombre conjuration où suspects et faux coupables font bon ménage, le cinéaste réussit à implanter un suspense graduel en dépit d'une intrigue indécise. Notamment dans la déstructuration du scénario et du montage elliptique et dans l'incohérence de certains protagonistes (volontairement outranciers ou au contraire mutiques). On ne manquera pas d'ailleurs de souligner également le caractère inopinément psychotique de certaines confrontations musclées (Simona s'en prenant brutalement à l'un de ses adjoints après une tentative de viol, le curé s'égosillant avec les poings à résonner un voisin de palier !) ajoutant à l'ensemble une atmosphère paranoïaque. Outre la présence charnelle et dénudée d'une Mimsy Farmer pleine d'intensité érotique et le charisme inquiétant des seconds-rôles masculins, le film se permet en outre de s'épauler d'une partition musicale mélancolique composée par l'illustre Ennio Morricone.

Tour à tour glauque et étrange, déroutant et décousu, Frissons d'Horreur pâti d'un manque de maîtrise dans l'ossature du scénario sporadique mais déborde d'audace à distiller un climat interlope où se mêlent sans complexe sexualité et déviances macabres. Une curiosité détonante donc rehaussée d'un suspense fructueux quant à l'identité du véritable assassin, quand bien même ses défauts précités ajoutent finalement un charme vénéneux au thriller transalpin ! 

Bruno Matéï
3èx

FRERE DE SANG

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site discreetcharmsandobscureobjects.blogspot.co

"Basket Case" de Frank Henenlotter. 1982. U.S.A. 1h35. Avec Kevin Van Hentenryck, Terri Susan Smith, Beverly Bonner, Robert Vogel, Diana Browne, Lloyd Pace.

Sortie salles U.S: Avril 1982

FILMOGRAPHIE: Frank Henenlotter est un réalisateur américain de films d'horreur né le 29 août 1950 à New-York. 1982: Frères de sang. 1988: Elmer, le remue-méninges. 1990: Frères de sang 2. 1990: Frankenhooker. 1992: Frères de Sang 3. 2008: Sex Addict.

Ovni culte des années 80 célébré dans les vidéos-clubs en vogue, Frère de Sang fut également la révélation du cinéaste underground Frank Henenlotter, petit maître de la provocation et du mauvais goût dans sa conception d'une improbable amitié morbide entre deux frères siamois. A la croisée d'Elephant Man pour sa plaidoirie sur le droit à la différence et des films gores d'Herschell Gordon Lewis pour son outrance démesurée, Frère de Sang réussit l'exploit de communier drôlerie, horreur et dramaturgie par le biais d'exactions vindicatives de Duane et Belial . Après avoir été séparés par des chirurgiens sans scrupule sous l'allégeance d'un père réfutant la monstruosité d'une progéniture siamoise, Duane réussit in extremis à sauver de la mort son frère difforme. L'ayant recueilli dans une poubelle après l'opération, Duane part se réfugier chez sa tante afin de le protéger des badauds et assassins. Quelques années plus tard, les deux frères décident d'accomplir une vengeance méthodique pour châtier les responsables de leur séparation. 

Tourné avec les moyens du bord dans les bas-fonds sinistrés de New-york et en toute illégalité, incarnée par des comédiens amateurs surjouant sans complexe leur prestance extravagante, Frère de sang transpire la série B bisseuse, notamment par le biais d'une photo aussi blafarde que granuleuse. Récit horrifique principalement dédié au gore révulsif et à l'humour sardonique, Frères de sang se complaît à émailler l'intrigue de séquences-chocs redoutablement percutantes (bande-son stridente à l'appui !), tout en parodiant en toile de fond la posture dégénérée d'une foule de marginaux reclus dans un hôtel sordide. Cadre d'aménagement précaire auquel Duane et Belial s'y sont réfugiés le temps de parfaire leur besogne punitive. De par son réalisme crapuleux où les gerbes de sang sont auscultées en gros plan et l'intensité des exactions cruelles d'une créature s'égosillant à tout va sa cruelle condition, Frères de Sang oppose horreur et émotion avec une surprenante empathie. A l'instar de ce flash-back remémorant la tragédie familiale des frères siamois et leur infaillible tendresse impartie l'un pour l'autre. Dans le reflet de sa haine meurtrière et par la détresse de son regard habité par la rancoeur de l'injustice, Belial s'avère le véritable pilier émotif, quand bien même la modestie adroite des effets spéciaux parviennent à le crédibiliser dans sa mobilité étriquée et dégingandée. Outre l'aspect spectaculaire des séquences chocs souvent impressionnantes, les ressorts dramatiques impartis à la jalousie possessive de Belial n'hésitent pas à verser dans la cruauté pour les rapports de divergence (et télépathiques !) entrepris avec son frère depuis une liaison amoureuse entamée avec une réceptionniste.

Ultra gore, glauque et malsain, drôle, tendre et émouvant, Frères de Sang idéalise l'objet culte de déviance pour l'effronterie du scénario débridé alliant éclairs de violence et bouffées de tendresse parmi l'amour impossible de deux frères infortunés. Du gore underground aussi trash qu'incroyablement dégénéré ! 

Bruno Matéï
6èx

GRACE. Prix du Jury, Gerardmer 2010.

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Paul Solet. 2009. U.S.A. 1h25. Avec Jordan Ladd, Stephen Park, Gabrielle Rose, Serge Houde, Samantha Ferris, Kate Herriot, Troy Skog.

Sortie salles U.S: 4 Août 2010

FILMOGRAPHIE: Paul Solet est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain.
2009: Grace. 2015: Dark Summer.

Récompensé du Prix du Jury à Gérardmer, Grace est le premier film de Paul Solet, réalisateur particulièrement doué d'avoir su façonner une ambiance poisseuse et étouffante au sein d'une demeure familiale régie par une mère possessive. Enceinte et sur le point d'accoucher, Madeline est sévèrement endeuillée par la mort de son mari depuis leur accident de voiture. Rescapée in extremis, elle finit malencontreusement par enfanter un bébé mort-né. Mais quelques minutes plus tard, elle parvient in extremis à le ressusciter. Seul hic, sa progéniture a besoin de sang frais pour pouvoir survivre. Végétalienne, Madeline s'efforce néanmoins d'acheter de la viande dans les rayons de supermarché afin de récupérer le sang animal pour y nourrir sa fille. Pendant ce temps, avec la complicité d'un médecin, sa belle-mère rongée par la colère d'avoir perdu son fils se détermine à lui soutirer le bébé. 

Dans la lignée du Monstre est Vivant et de Répulsions, Grace renouvelle le concept du bambin tueur par le biais d'un réalisme paranoïde. De par l'attitude névrosée d'une mère accablée par une circonstance singulière ! Celle de subvenir aux besoins de son enfant pour le nourrir avec de l'hémoglobine ! Ce qui donne lieu à la régularité d'un contexte improbable lorsque, pour apaiser sa faim, celle-ci doit tolérer que le bambin vienne téter (ou plutôt grignoter !) son sein jusqu'au sang ! Qui plus est, l'élaboration studieuse d'une atmosphère fétide alliant odeur de sang et visions de cadavres (que ce soit un rat ou une victime humaine !) empoisonnent l'esprit du spectateur dans un maelstrom d'images sensorielles où rien n'est laissé au hasard ! A l'instar de ses mouches persécutant le sommeil du bébé jusqu'à ce que l'une d'elle ose s'infiltrer dans l'une de ses narines ! Entre drame psychologique (pour la dégénérescence progressive de Madeline en perte de sens et de repère !) et horreur malsaine (pour la variété de détails macabres impartis aux corps scarifiés ou molestés, ou pour cette putrescence alimentaire !), l'intrigue assigne le huis-clos en la présence solitaire de cette maman éprouvée par ses antérieures fausses-couches et le deuil marital. Prenant pour thèmes l'obsession maternelle et le deuil infantile, Paul Solet ne cesse de cultiver un goût pour la provocation autour de la déchéance psychotique de cette mère assaillie par la vue du sang et ce besoin irrémédiable d'en nourrir son bambin. Par l'entremise de détails scabreux contrastant avec l'épure d'une photo pastel, Grace nous achemine à une descente aux enfers en crescendo (intensité du suspense à l'appui pour le sort réservé à deux protagonistes !). De par la posture meurtrière de Madeline s'infligeant de préserver la vie de sa fille et l'impuissance de sa psychose à accepter l'anormalité de cette naissance.

Pour l'amour de Grace 
Eprouvant, sordide, viscéral et sensoriel, notamment dans cette subtilité audacieuse d'agencer une certaine sensualité à l'imagerie morbide, Grace privilégie la mise en scène alambiquée pour illustrer sans complaisance le cheminement déclinant d'une mère accablée par le deuil mais se raccrochant au fil monstrueux d'une progéniture zombie ! Une expérience profondément malsaine dans son flot d'images dérangeantes où l'innocence la plus candide est ici réduite au vampirisme par instinct de survie, à ne pas mettre entre toutes les mains ! 

Bruno Matéï
2è

Piranhas

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site lavisqteam.fr

de Joe Dante. 1978. U.S.A. 1h34. Avec Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin McCarthy, Keenan Wynn, Barbara Steele, Shannon Collins.

Sortie salles France: 15 Novembre 1978. U.S: 3 Août 1978

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984). 1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978: Piranhas. 1981 : Hurlements. 1983 : La Quatrième Dimension, troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich, 5 sketchs .1987 : L'Aventure Intérieure. 1989 : Les Banlieusards. 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération . 1993 : Panic sur Florida Beach . 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action . 2006 : Trapped Ashes , premier segment, Wraparound. 2009 : The Hole.

Piranha. Définition (source Wikipedia): Le terme Piranha est un nom ambigu qui désigne plusieurs espèces de poissons d'eau douce vivant dans les rivières d'Amérique du Sud. Les piranhas se regroupent en bancs pour attaquer une proie plus grosse qu'eux. Ils n'en restent pas moins souvent solitaires, quelle que soit leur taille. Leur longueur moyenne est d'environ 15 à 25 cm ; ils peuvent cependant être plus grands. La plupart sont des prédateurs avec des dents aiguës et un appétit pour la viande. Contrairement à ce que dit la légende, ils ne s'attaquent pas systématiquement aux êtres vivants, mais seulement en présence de sang dans l'eau. Ils peuvent détecter la présence d'une goutte de sang dans l'eau à plusieurs dizaines de mètres.

Démarquage sardonique des Dents de la Mer, Piranhas prône l'amour de la série B sous la houlette du réalisateur néophyte Joe Dante (il s'agit de son second long-métrage) et du célèbre producteur Roger Corman. Le Pitch: Faute d'expériences génétiques de l'armée et de l'inadvertance d'une journaliste, des piranhas d'eau douce parviennent à s'échapper de leur bassin d'expérimentation pour rejoindre la rivière du coin. Un jeune couple vaillant tente d'alerter la population locale au moment même ou le corps militaire s'efforce d'étouffer l'affaire. L'insouciance des bambins d'une colonie de vacances et les touristes d'une station balnéaire vont prochainement servir d'appât aux poissons carnassiers. Avec les moyens du bord mais beaucoup de perspicacité dans la confection d'effets spéciaux adroits et dans l'utilisation judicieuse d'une bande-son grésillante, Joe Dante en extrait un petit modèle d'efficacité. La manière sagace à laquelle il s'emploie à suggérer les exactions des piranhas relevant du prodige par la vigueur du montage et l'impact graphique de certains cadavres lacérés ! 

Pourvu d'une photo soignée afin de souligner l'ambiance estivale de son environnement champêtre, Piranhas insuffle une belle atmosphère solaire autour de l'épanouissement de vacanciers quand bien même la couleur du sang va venir ternir le paysage édénique ! Emaillé de séquences chocs aussi intenses qu'épiques, l'intrigue s'avère d'autant plus haletante parmi l'autorité solidaire d'un couple de héros détournant l'hypocrisie de l'armée et des forces de l'ordre (stratégie d'évasion, vol de véhicule de police, course automobile) au profit de la survie des baigneurs. Fustigeant au passage les manipulations génétiques expérimentées pour la guerre bactériologique et chimique, Joe Dante cultive un goût pour la provocation en pointant du doigt l'hypocrisie américaine jamais remise de la guerre du Vietnam. Outre le caractère jouissif de deux séquences de panique assez intenses en terme de dramaturgie (au passage, les enfants trinquent), Piranhas doit autant son attrait ludique parmi  les attachantes trognes de seconde zone pleins de charisme. Outre la bonhomie badine que forme le duo héroïque Bradford Dillman / Heather Menzies, on y croise également Kevin McCarty en savant-fou névrosé, Belinda Balaski en monitrice vertueuse et Paul Bartel en directeur bourru de colonie de vacances. Quand bien même du côté des antagonistes véreux on y côtoie l'acteur fétiche Dick Miller en magistrat couard, la reine de l'horreur gothique Barbara Steele en médecin affabulatrice et Bruce Gordon en colonel indigne.  

Scandée de la partition lancinante de Pino Donaggio aux accents fragiles, Piranhas exploite le filon horrifico-catastrophique initié par Spielberg avec un goût prononcé pour la dérision ainsi qu'une pointe de tendresse au travers de séquences intimistes innocentes. Bougrement ludique, ce petit classique du B movie allie d'autant mieux les séquences-chocs percutantes et le suspense exponentiel avec un sens infaillible de l'efficacité !

Bruno

06.05.23. 6èx

La Chronique de Piranha 3D: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/02/piranha.html

L'ANTRE DE LA FOLIE. Prix de la Critique, Fantasporto 96.

                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site arkhamdrive-in.com

"In the mouth of Madness" de John Carpenter. 1994. U.S.A. 1h35. Avec Sam Neil, Jürgen Prochnow, David Warner, Charlton Heston, Julie Carmen, John Glover, Frances Bay.

Sortie salles France: 8 Février 1995. U.S: 3 Février 1995

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 :The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible, 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Dernier volet de sa trilogie de l'apocalypse initiée par The Thing et Prince des Ténèbres, l'Antre de la Folie est l'un des rares films à avoir su traiter du thème de la folie avec autant de puissance d'évocation, de par son imagerie paranoïde héritée de l'univers de Lovecraft. Si le scénario n'est en rien le prototype d'un des romans de l'écrivain, John Carpenter lui rend dignement hommage à travers un récit tortueux suggérant plus qu'il ne montre l'ascension du Mal, entre fiction et réalité ! D'une étonnante subtilité dans le cheminement schizophrène d'un assureur rationnel peu à peu gagné par la perplexité, l'Antre de la folie transcende son investigation parano à travers l'influence d'un écrivain porté disparu. Ce dernier s'avérant le maître de cérémonie de la folie progressive après s'être laissé inspiré par des créatures tapies dans l'ombre des enfers.

Bourré de séquences anxiogènes irrésistiblement effrayantes ou déstabilisantes dans leur facture baroque et sardonique, l'Antre de la Folie est entièrement dédié à la singularité d'un scénario retors littéralement ensorcelant, le Mal étant le pilier d'une malédiction conçue pour annihiler l'espèce humaine. Par l'entremise des écrits diaboliques d'un roman d'horreur prenant forme dans la réalité de notre quotidien et possédant un à un les esprits du lectorat, les forces du Mal ont décidé de parachever leur dessein afin de matérialiser l'apocalypse sur terre ! Leur suprématie, leur arme infaillible pour duper l'ennemi, l'extension de la folie du point de vue d'un public fanatique, addicte aux romans d'horreur ! Cette mise en abyme, l'enchâssement insinueux de la fiction dans la réalité, John Carpenter la maîtrise à la perfection par le biais d'une réalisation vertigineuse renouvelant sans cesse l'angoisse des situations inédites. A l'instar de son final espiègle désireux de railler cette fois-ci l'esprit du spectateur pour le contaminer à son tour dans une folie contagieuse. Cette ironie mordante cultivé par un venin reptilien est également une des forces du film afin de mettre en exergue l'esprit sarcastique de son thème principal: la paranoïa collective engendrant l'hystérie meurtrière.

Une expérience schizophrène douée d'organisme.
Réflexion sur l'identité, la paranoïa et le fanatisme religieux, méditation sur le pouvoir de persuasion à travers l'autorité du romancier mais aussi du point de vue visionnaire d'un cinéaste, l'Antre de la Folie semble avoir été écrit par un diable ricaneur tant la puissance de ses images dérangeantes nous transfigure l'avènement de l'apocalypse. Chef-d'oeuvre schizo s'il en est, l'Antre de la Folie (titre on ne peut mieux approprié !) est également un jubilatoire exorcisme à nos pire frayeurs pour sa parabole impartie à l'influence du Mal et à l'attrait pour la fiction ! 

B.M
3èx