l'Emprise. Antenne d'Or, Avoriaz 1983.

"The Entity" de Sidney J. Furie. 1981. U.S.A. 2h05. Avec Barbara Hershey, Ron Silver, David Labiosa, George Coe, Margaret Blye, Jacqueline Brookes, Richard Brestoff, Michael Alldredge, Raymond Singer, Allan Rich.

Sortie en salles en France le 23 Février 1983. U.S: 4 Février 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sidney J. Furie est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 28 Février 1933 à Toronto, en Ontario (Canada). 1959: A Dangerous Age. 1961: Le Cadavre qui tue. The Snake Woman. 1964: La Poupée Sanglante. 1965: Icpress, danger immédiat. 1966: L'Homme de la Sierra. 1970: L'Ultime Randonnée. 1978: Les Boys de la compagnie C. 1981: l'Emprise. 1986: Aigle de Fer. 1987: Superman 4. 1988: Aigle de Fer 2.  1991: La Prise de Beverly Hills. 1995: Aigle de Fer 4. 1997: Les Rapaces. 1997: Les Enragés. 2000: Jeu Mortel. Nuit Infernale. 2003: Détention. 2004: Direct Action. 2005: American Soldiers. 2006: The Veteran (télé-film).

Ce film est l'histoire romancée d'un incident réel qui a eu lieu à Los Angeles, en Californie, en Octobre 1976. Pour les chercheurs, c'est l'un des cas les plus extraordinaires de l'histoire de la parapsychologie. 
La vraie Carla Moran vit aujourd'hui au Texas avec ses enfants. 
Les attaques, moins fréquentes et moins intenses... continuent.

D'après un roman éponyme de Frank De Felitta (Audrey Rose), Sidney J. Furie nous transcende en 1981 un troublant cas de hantise inspiré d'un fait-divers. Récompensé à Avoriaz de l'Antenne d'or, l'Emprise  peut se targuer de figurer parmi les meilleurs films de hantise. Si bien qu'il doit beaucoup de son attrait effrayant grâce à la mise en scène avisée de Furie optant pour un réalisme sans fard et à la prestance criante de vérité de Barbara Hershey justement couronnée du prix d'interprétation féminine au festival susmentionné. Le pitch: Une nuit, une mère de famille se fait sexuellement agresser par une présence invisible dans sa chambre. Après cet incident imbitable, une seconde agression toute aussi violente auprès des sévices sexuels se produit le lendemain. Quelques jours plus tard, en se rendant à son travail, elle perd le contrôle de son véhicule sans pouvoir le maîtriser.  Démunie et terrifiée à l'idée de retourner chez elle, elle consulte un éminent psychiatre pour tenter de comprendre les aboutissants de ses multiples agressions. Avec un argument aussi ridicule et grotesque, l'Emprise aurait pu facilement sombrer dans la gaudriole zédifiante si un réalisateur estimable ainsi qu'une actrice sobrement expressive ne s'étaient réunis pour tenter de nous convaincre de la cause inexpliquée d'un phénomène surnaturel. Et si 40 ans plus tard l'Emprise s'avère toujours aussi terrifiant, inquiétant et oppressant, c'est dans sa sobre conviction à nous illustrer sans esbroufe le destin improbable d'une mère de famille harcelée par une entité lubrique.

La première partie, habilement entrecoupée de scènes-chocs jamais racoleuses, nous décrit donc avec intensité psychologique le calvaire de Carla, victime de viols réguliers commis dans sa demeure familiale. Le sentiment d'angoisse sous-jacent émanant de l'anxiété de Carla, car redoutant une nouvelle attaque cinglante, étant parfaitement insufflé à l'esprit du spectateur, communément témoin de l'intrusion du surnaturel dans son quotidien. Quand au caractère incisif des séquences d'agression perpétrées contre la victime, elles se révèlent rigoureuses de réalisme plutôt malsain. L'efficacité des effets-spéciaux est d'autant mieux exploitée à bon escient, à contrario d'une surenchère grand-guignolesque pour essayer d'authentifier les exactions d'un ectoplasme. Ainsi, cette menace insidieuse s'avère d'autant plus frénétique qu'en l'occurrence le surnaturel se permet d'agresser physiquement la même victime réduite à l'objet sexuel ! De par sa nature vériste, Sidney J. Furie privilégie ensuite la psychologie de son héroïne lors de séances de psychothérapie amorcées avec le psychiatre Sneiderman (Ron Silver, épatant de sobriété à travers son esprit à la fois circonspect et terriblement cartésien). La psyché rationnelle du corps psychiatrique tentera évidemment de convaincre Carla que ses agressions sexuelles ne sont que le fruit d'un refoulement. Car en remuant dans son passé auprès d'un père incestueux et d'un échec sentimental avec un amant juvénile, Sneiderman tentera vainement ramener à la raison la névrose de Carla. Ainsi, ces moments intimistes inscrits dans un cadre thérapeutique  accentueront la poignante détresse de cette patiente fragile, d'autant plus démunie de ne pouvoir convaincre son entourage.

                                      

Spoiler ! La seconde partie alimentera ensuite son potentiel surnaturel en se focalisant sur les points de vue de parapsychologues. Si bien qu'une équipe de scientifiques spécialisés dans l'occultisme vont apporter leur soutien afin d'épauler Carla. Afin de prouver que cette abstraction n'est point une projection psychique de sa part, une expérience jamais pratiquée dans le domaine ésotérique nous conduira dans un vaste hangar afin de reconstituer grandeur nature la demeure de Carla. Leur but étant de daigner  emprisonner l'entité grâce à de l'Hélium liquide pour tenter de la geler si cette chose possédait une masse solide. L'armada technologique imputé de manière disproportionnée dans sa tentative inusité d'appréhender l'entité paranormale impressionne autant qu'elle nous questionne sur leur stratégie à la limite du grotesque. Pour autant, Sidney J. Furie réfute à nous convaincre que le surnaturel existe bel et bien, si bien qu'il laisse libre choix au spectateur de distiller le doute et l'interrogation face aux vicissitudes d'une femme apparemment saine d'esprit. De son côté, le psychiatre Sneiderman épris de compassion pour elle tentera d'endiguer cette folle entreprise paranormale pour la protéger d'un éventuel incident mortel. Fin du Spoiler. On peut enfin insister sur le jeu fébrile de Barbara Herschey  particulièrement poignante, émouvante, davantage déterminée dans un rôle épineux de victime martyrisée par un bourreau sans visage mais contrainte de lui tenir tête dans la finalité morale. Celle-ci oscillant l'humanité chétive avec une force de caractère dans sa quête rédemptrice d'y balayer son imbitable cauchemar.

Proprement effrayant lors de ces attaques cinglantes d'une cause surnaturelle, l'Emprise demeure un parangon d'effroi transcendé de la densité psychologique de ces protagonistes et d'une ambiance anxiogène aussi bien fascinante qu'inquiétante. Par le biais de l'option "fait-divers" mis en exergue au terme du métrage, ce grand moment de trouille parvient également à nous questionner sur la spiritualité d'une entité immatérielle. Passionnant et hypnotique, notamment sous l'impulsion d'une bande son tonitruante, ce modèle d'appréhension peut sans rougir trôner auprès de ses homologues notoires, La Maison du Diable, Trauma, La Maison des Damnés, l'Enfant du Diable, les Innocents. Du grand cinéma d'épouvante comme on en fait plus, hélas.

*Bruno
Dédicace à Aurore Drossart
03.07.24. 6èx. Vostfr

21.11.11.  

Récompense: Antenne d'or au festival d'Avoriaz en 1983 et Prix d'interprétation Féminine à Barbara Hershey..

Hatchi (Hachi, A Dog's Story)

de Lasse Haelstrom. 2009. U.S.A. 1h32. Avec Richard Gere, Sarah Roemer, Joan Allen, Cary-Hiroyuki Tagawa, Jason Alexander, Erick Avari, Robert Capron, Daviana McFadden, Kevin DeCoste.

Sortie en salles en France le 9 Juin 2010. U.S: 18 Décembre 2009

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lasse Haekstrom est un réalisateur et scénariste suédois, né le 2 Juin 1946 à Stockholm (Suède). 1975: A Guy and A gal. 1985: Ma vie de chien. 1991: Ce cher Intrus. 1993: Gilbert Grape. 1995: Amours et mensonges. 1996: Lumièe et compagnie. 1999: l'Oeuvre de Dieu, la part du Diable. 2000: Le Chocolat. 2001: Terre Neuve. 2005: Une vie inachevée. 2005: Casanova. 2006: Faussaire. 2009: Hatchi. 2010: Dear John. 2012: The Danish Girl.

D'après une histoire vraie. 
Le véritable Hachico est né à Odate, au Japon, en 1923. Il est mort en Mars 1934.
Une statue de bronze trône aujourd'hui à sa place habituelle, en face de la gare de Shibuya.

Je vois déjà v'nir certains lecteurs ricaner à la vue de cette affiche puérile mettant en vedette un illustre acteur glamour, ancienne gloire d'hollywood; le regard attendri auprès du toutou à peluche. Et pourtant, dans sa forme canonique à daigner cibler un public familial, le réalisateur de Gilbert Grape évite admirablement le pathos lacrymal souvent redoutée dans ce type de produit. D'autant plus qu'il s'agit ici du traditionnel remake d'un film japonais Hachiko monogatari de Seijiro Koyama, réalisé en 1987. Attention toutefois au crève-coeur inconsolable que nombre de spectateur éprouveront de façon aussi désarmée qu'impuissante ! Le Pitch: En revenant du travail, un professeur de musique universitaire trouve sur son chemin un petit chiot errant. En guise d'empathie, il décide de le ramener chez lui contre l'avis de son épouse. Au fil des jours, une amitié se noue entre les deux compagnons. Surnommé Hatchi du fait de ses origines japonaises, le chien accompagne chaque matin son maître jusqu'au quai de la gare et revient l'attendre le soir après sa journée de boulot. Les mois passent, leur relation amicale perdure jusqu'au jour ou le destin décide de les séparer.

Une histoire simple de prime abord, standard diront les indécis car focalisée sur les sentiments intenses que peuvent lier un chien fidèle et son maître. Mais parmi l'intelligence du refus de complaisance, le réalisateur suédois Lasse Haekstrom nous invite à découvrir cette étonnante rencontre que chacun de nous connaît ou a déjà vécu avec son propre animal de compagnie. Ce rapport tendre si affectueux que l'on puisse établir avec un chien entièrement voué à vous rester fidèle, et ce jusqu'à la fin de votre existence. C'est ce que nous narre Hatchi à travers cette relation transcendant l'amitié, l'amour et la reconnaissance au nom de la commune fidélité. La première partie nous illustrant auprès d'une succession de séquences touchantes mais jamais mièvres l'union amicale d'un sexagénaire davantage attendri par le comportement humain de son compagnon canin. Si bien que chaque matinée de la semaine, Parker doit se rendre à la gare pour prendre le train et rejoindre son université afin d'y  enseigner la musique auprès de ses étudiants. Et chaque matin, Hatchi l'accompagne au quai jusqu'à ce que son maître embarque dans le train et revienne le soir même de la journée. Fidèlement, en début de soirée, Hatchi se poste sur la place pour l'attendre à nouveau patiemment face à la curiosité de commerçants surpris par son dévouement aussi vaillant et loyal.

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Spoiler !!! Mais un jour, alors qu'il attend paisiblement son retour, Hatchi ne reverra plus jamais celui qui s'était engagé à adopter un animal en reconnaissance d'amour et d'amitié. Cette seconde partie abrupte et inopinée, bifurquant irrémédiablement vers le drame déchirant nous est illustrée sans excès mais avec une sensibilité écorchée vive (si peu de le surligner). A ce titre, la séquence concise du fameux accident cérébral dont sera victime l'un des protagonistes s'avère d'une sobriété exemplaire car elle refuse de s'attarder sur la douleur affectée des principaux membres de la famille endeuillée. Quotidiennement, nous allons continuer de suivre le destin insensé de Hatchi, déterminé à attendre son maître durant neuf longues années. Chaque jour, le chien solitaire se destinant à imposer cette règle ancrée sur les valeurs de loyauté pour escompter revoir Parker descendant fatalement du train. Fin du Spoiler. Dans un rôle inhabituel, Richard Gere interprète avec un naturel flegme un professeur de musique aussi épanoui dans sa vie professionnelle que conjugale. Les rapports chaleureux et fougueux qu'il entretient communément avec Hatchi permettent de nous toucher lors de séquences futiles aux sentiments nobles. Quand bien même le chien endossé par trois Akita Inus (selon l'âge évolutif d'Hatchi) est sobrement exploité à travers les moments aussi graves que joyeux. Son regard empli d'innocence et sa bonhomie instinctive ne peuvent laisser insensible un spectateur contemplatif envers sa patience immodérée pour la fidélité. Un spectateur peu à peu gagné par une bouleversante empathie à la limite du soutenable (selon la sensibilité de chacun évidemment et de votre passion amoureuse pour la cause animale). 
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Une fidélité légendaire
Récit authentique prônant les valeurs d'amour et d'amitié que peuvent respectivement alimenter un chien et son maître, Hatchi nous désarme le coeur (à vif !) en tolérant une destinée inéquitable. Un portrait alloué à la complicité altruiste de l'homme et de son chien, brutalement dissociés par la mort mais à nouveau unifiés vers un seuil spirituel. Un drame bouleversant d'une acuité émotionnelle singulière, qui plus est, évitant avec intelligence de tomber dans le produit standard conçu pour faire pleurer dans les chaumières. En sus de son émotion fragile impitoyable, et afin d'y transcender cet amour inoxydable, la douceur timorée de sa partition au piano y accompagne sobrement l'ambiance en demi teinte. Par conséquent, à travers l'impact d'une histoire aussi fastueuse qu'insensée, Hatchi risque naturellement de vous faire chavirer dans un déluge d'émotions aussi incontrôlées que rigoureuses (pour ne pas dire traumatiques pour ceux nouant une tendresse indéfectible auprès du "chien"). 
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A Hatchi, Barney et Harvey, mes héros...

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Dédicace à Gilles Roland, Selena de Sade et Isabelle Rocton.
19.11.11
Bruno Matéï
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Ci-dessous, la critique de mes amis Luke Mars et Gilles Roland
http://darkdeadlydreamer.blogspot.com/2011/11/hachi-dogs-tale-aka-hachiko-dogs-story.html?showComment=1322205834540#c3807275587435140473
http://www.shunrize.com/wordpress/critique-hatchi

L'avis de mon ami Mathias Chaput:

Il est des films intemporels que l’on n’oublie jamais, des films si bouleversants qu’ils hantent notre mémoire à jamais, des films d’une force émotionnelle qui balayent tout et qui nous bloquent en quelques minutes où nous avons l’impossibilité de retenir nos larmes : « Hatchi » fait partie de cette race très fermée de métrages…
« Philadelphia », « Le cercle des poètes disparus » sont du même calibre mais « Hatchi » dégage un pouvoir émotionnel encore plus intense que ces deux films…
D’une intensité mélodramatique et d’un jeu d’acteurs bien rôdé (on s’attache très vite aux personnages, le chef de gare, le vendeur de hot dogs, la libraire), on s’habitue à une routine très touchante et de voir ce chien au beau milieu de tout ce petit monde qui parait gentillet et émouvant (le cadre, les habitudes, les saisons qui défilent, filmés intelligemment et sans la moindre redondance)…
Et lorsque tout s’écroule (après la première heure) un sentiment indicible comme une brise glaciale qui nous balayerait littéralement, la c’est le DRAME qui prend place !
Et c’est terrible…
« Hatchi » a une force instantanée de faire virer à 360 degrés la quiétude qui s’était immiscée, la complicité absolue entre un homme et son chien pour aboutir au film le plus lacrymal de tous les temps, à la sensibilité impénétrable et au cœur gros comme ça, nous collapsant de pleurs sans discontinu…
Niveau technique, la mise en scène est très correcte et les décors sont parfaitement adaptés au film…
Richard Gere est bouleversant et prouve une énième fois qu’il est un grand acteur…
Le chien Hatchi est adorable, bref ce film est sublime, superbe et fascinant, mais très difficile en même temps : il en ressort une impression terrible, comme rarement vue au cinéma…
En un mot : DECHIRANT.
on est RETOURNéS !

Note : 10/10
Paix éternelle à Lady, Labelle, Ursa et Barney
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UN MONDE SANS PITIE. César de la meilleure première oeuvre, Prix Louis-Delluc.

d'Eric Rochant. 1989. France. 1h24. Avec Hippolite Girardot, Mireille Perrier, Yvan Attal, Jean-Marie Rollin, Cécile Mazan, Aline Still, Paul Pavel, Anne Kessler, Patrick Blondel.

Sortie en salles en France le 22 Novembre 1989. U.S: 31 Mai 1991

Récompenses: César de la meilleure première oeuvre.
César du Meilleur Espoir Masculin pour Yvan Attal
Prix Louis-Delluc en 1989.

FILMOGRAPHIE: Erich Rochant est un réalisateur et scénariste français né le 24 Février 1961.
1989: Un Monde sans Pitié
1990: Aux Yeux du monde
1994: Les Patriotes
1996: Anna Oz
1997: Vive la République !
2000: Total Western
2006: l'Ecole pour tous

"On n'a plus qu'à être amoureux, comme des cons; et ça, c'est pire que tout.."
Récompensé de deux césars et du Prix Louis-Delluc, le premier film d'Eric Rochant est le porte parole d'une génération désabusée. Celle de la fin des idéologies des années 80 auquel une certaine jeunesse désorientée se morfondait dans les idylles naissantes alors que d'autres s'improvisaient dealer de shit pour compenser la maigreur du RMI.

Hippo est un trentenaire sans illusion, vivant en collocation d'un appartement précaire avec son jeune frère vendeur de drogue. Un jour, il rencontre Nathalie, une ambitieuse étudiante et tombe facilement sous son attrait naturel. Ensemble, ils vont tenter d'envisager une liaison romantique malgré leur personnalité divergente et un regard antinomique sur le monde contemporain. 
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Pour un premier essai derrière la caméra, Eric Rochant aura marqué toute une génération de cinéphiles avec ce portrait aigri d'un jeune chômeur avide de liberté épanouie mais incapable de s'insérer dans une société individualiste et drastique. Régulièrement appréhendé par la police, faute de l'état délabré d'un véhicule volé et vivant sous le toit de son jeune frère, dealer de shit, Hippo sacrifie son temps dans les soirées festives entre amis ou les parties de poker illégalement financières. Avec la rencontre impromptue d'une jeune fille optimiste pleine de vigueur, il va à nouveau se laisser attendrir par l'amour pour mieux supporter la tare d'une vie miséricorde sans espoir de réussite sociale. Au fil de leur relation en demi-teinte d'un caractère distinct et du pessimisme nihiliste d'Hippo, leur liaison amoureuse va peu à peu s'étioler dans une déception inéquitable.

Dans une ambiance morose et nonchalante scandée par la mélodie fragile de Gérard Torikian, Eric Rochant dresse un douloureux portrait sur un quidam déboussolé de ses angoisses existentielles. Où ses parents puritains et austères ne comprennent plus leur rejeton fuyant instinctivement sa responsabilité pour se réfugier dans une solitude apathique. Ou les amants faussement amoureux fuient leur banalité pour renouer avec un semblant de tendresse éphémère. Ne reste alors pour Hippo que l'amitié fraternelle d'un acolyte bienveillant tout aussi défaitiste pour s'allier contre une misère sociale intransigeante.
Si le cheminement hasardeux de notre protagoniste réussit sincèrement à nous toucher et interpeller, c'est en partie grâce à la prestance du novice comédien Hippolite Girardot, livrant peut-être son rôle le plus intense. D'un naturel révolté dans son idéologie misanthrope, il parvient admirablement à retranscrire sa détresse sous-jacente et son lourd désarroi face à un monde sans pitié tributaire de l'égotisme et du chômage expansif.

Hormis un début parfois emphatique dans les rapports humains contradictoires, Un monde sans pitié réussit souvent à provoquer une fébrile émotion face à tant de désillusion engendrée par un jeune glandeur inhibé par sa rage d'exister. Sa conclusion d'une acerbe ironie illustre fatalement le déclin d'une love story insoluble. 

16.11.11. 3èx
Bruno Matéï

La Maison près du Cimetière / Quella villa accanto al cimitero

de Lucio Fulci. 1981. Italie. 1h26. Avec Catriona MacColl, Paolo Malco, Ania Pieroni, Giovanni Frezza, Silvia Collatina, Dagmar Lassander, Giovanni De Nava, Daniela Doria, Gianpaolo Saccarola.

Sortie en salles en France le 24 Mars 1982. U.S: 01 Mars 1984
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FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996. 1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 : L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio, 1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence..

Personne ne saura jamais si les enfants sont des monstres ou les monstres des enfants.
Henry James.

En 1981, juste après sa fresque morbide, l'Au-delà, le maître du macabre renoue une 4è fois avec la thématique du zombie pour façonner La Maison près du Cimetière. Un point d'orgue intimiste mettant un terme à sa sarabande de cadavres lépreux exhumés des portes de l'Enfer des Zombies, de Frayeurs et de l'Au-dela. Néanmoins, méfiez vous aujourd'hui des enfants qui pleurent dans le noir ! Près de Boston, aux Etats-Unis, un couple emménage dans une demeure avec leur fils. Le jeune Bob possède la faculté de communiquer par télépathie avec une étrange fillette entrevue sur une photo. Bientôt, de mystérieux évènements vont se produire dans l'ancienne maison des Freudstein. En effet, cet ancien propriétaire autrefois chirurgien fasciné par la quête d'immortalité aurait trouvé l'antidote afin de se régénérer.
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Avec son prélude concis quelque peu gratuit, la Maison près du Cimetière insuffle néanmoins dès ses premières secondes un sentiment anxiogène d'angoisse latente. Une maison vétuste de style gothique se trouve à proximité d'un cimetière hanté par la famille Freudstein. A l'intérieur de cette bâtisse, un couple d'amoureux entré par effraction s'improvise un cache-cache nocturne alors que la jeune fille, davantage transie d'inquiétude, est aussitôt appréhendée par le maître de maison, Dr Freudstein ! Lucio Fulci réussit aussitôt à créer le malaise par l'entremise d'une affres tangible dans ces recoins funestes d'une demeure antique et nous alarme du danger létal provenant du gouffre de la cave. Après nous avoir brièvement présenté la nouvelle famille Boyle installée dans leur nouvelle propriété, un contact est établi entre l'enfant, Bob, et une jeune enfant du nom de Mae. Préalablement aperçue à travers un portrait de tableau inscrit sur le mur de leur ancienne habitation, Bob semble le seul à pouvoir voir, entendre et communiquer avec cette étrange fillette. Une rouquine particulièrement contrariée que le jeune garçon puisse emménager chez les Freudstein. Pendant que Mr Boyle continue ses recherches funèbres sur le passé trouble et meurtrier de ce chirurgien utopiste, Lucie, Ann, la femme de ménage, et Bob seront témoins de phénomènes irrationnels de plus en plus terrifiants.

En opposant le thème de la maison hantée avec le mythe du mort-vivant, le réalisateur peaufine une ultime fois un conte macabre effrayant où l'innocence infantile est mise en amont pour être sévèrement tourmentée. Hormis un scénario obscur parfois incohérent (la relation équivoque qu'entretiennent sans logique Norman Boyle et la babysitter, Ann, ou encore le parquet ensanglanté que cette dernière s'empresse de nettoyer sans donner d'explication plausible), l'intérêt de l'intrigue est privilégié d'un sentiment de terreur tangible suintant de la tanière d'une cave scellée. En maître de l'effroi, Fulci refait surgir à de nombreuses reprises nos peurs enfantines du monstre enfermé dans le placard, le noir envahissant d'un sous-sol décrépi se caractérisant ici par une sombre cave. Alors que de jour comme de nuit, le bourdonnement inquiétant de bruits résonnants à travers les cloisons ainsi qu'une voix enfantine d'enfant en larmes importunent les vivants. En dépit d'une direction d'acteurs toujours aussi terne et hésitante (même si Catriona McCool et la troublante Ania Pieroni relèvent sobrement le niveau), un décor mortuaire faisant office de personnage à part entière nous est transcendé à travers l'environnement glauque de cette oubliette souterraine occultant des cadavres dépecés, éventrés ou démembrés. A chaque instant où l'un de nos protagonistes dubitatifs souhaitent malencontreusement oser franchir les escaliers menant au sous-sol, un sentiment persistant d'oppression nous est savamment distillée. En prime, fidèle à sa réputation de maître transalpin du putride et de l'horreur graphique, Lucio Fulci, entouré de sa fidèle équipe (le maquilleur Gianneto de Rossi et le photographe Sergio Salvati), nous confectionne une fois de plus deux séquences gores hallucinées auquel la sauvagerie déployée et la manière d'ausculter les chairs éviscérées nous laisse pantois de stupeur ! Tisonnier pénétré dans la chair à trois reprises jusqu'à l'éclatement orgasmique d'une carotide puis tranchages successifs de gorge entaillée au couteau dans des gerbes de sang ! Ces séquences chocs singulières issues de notre pourfendeur transalpin surprennent toujours autant par leur impact à la fois réaliste et couillu ! Mais Lucio Fulci mêle également avec une certaine sensibilité le thème délicat de l'enfance discréditée par l'intolérance des adultes ne souhaitant leur accorder d'intérêt auprès de leurs angoisses intimes. Le final poétiquement élégiaque dévoilant la véritable identité de Mae et de sa mère nous laisse finalement dans un sentiment d'amertume car nous ne saurons jamais quelle destinée attend Bob chez sa nouvelle famille d'accueil.

Avec son scénario un peu confus mais néanmoins original, La Maison près du Cimetière est transcendée par son ambiance pétrifiante d'une demeure photogénique suintant la souillure. En particulier cette cave abritant un monstre solitaire fasciné par les secrets de l'immortalité. Accoutré d'un uniforme saphir enduit de moisissure et d'un faciès purulent et famélique, le Dr Freudstein est apte à entrer au panthéon des créatures moribondes les plus inquiétantes du cinéma d'horreur. La superbe comptine musicale de Walter Rizatti contribuant notamment à instaurer cette ambiance aussi néfaste que mélancolique du monstre tapi dans l'ombre. Un mort-vivant guettant de l'obscurité de sa tanière sa prochaine proie afin de subvenir à ses besoins nutritifs et tout en pleurant sa condition d'âme proscrite. La peur est une denrée rare au cinéma, ne vous privez pas de (re)faire un petit détour du côté mystique de la maison près du cimetière !

*Bruno

13.01.24. 6èx

14.11.11. 

La critique de Mathias Chaput:
Au carrefour du film de zombies et du métrage de maisons hantées, « La maison près du cimetière » est une franche réussite, combinant tous les codes chers à Lucio Fulci et se dotant de séquences « hardgore » gratinées, avec pour levier dans l’angoisse les peurs enfantines…

Ultime œuvre du segment quadrilogique de films de zombies initié par « L’enfer des zombies », « Frayeurs » et « L’au-delà », « La maison près du cimetière » se démarque de la violence inhérente à ses prédécesseurs pour imbriquer une poésie, un sens du lyrisme macabre et une ode à la putréfaction chers à Fulci et le final évoque des similitudes avec celui de « The Beyond » de par un onirisme et une sensation d’étrangeté au charme certain, rehaussant la « patte » Fulci dans un catharsis aussi soudain qu’inattendu…

Les bambins sont les vecteurs du film et volent la vedette au Docteur Freudstein, héritage des zomblards ralentissants de « Frayeurs » et prétexte à des séquences chocs précises et terrifiantes, bien cadrées dans la continuité du scénario…

Catriona Mac Coll, égérie de Fulci, est toujours aussi fabuleuse et Ania Pieroni déborde d’un charme ténébreux qui allait faire exploser sa (courte) carrière puisqu’Argento la remarqua et l’embaucha pour deux de ses films (« Inferno » et « Ténèbres »)…

Ponctué d’éclairs et de foudroiements (le passage avec la chauve-souris, les morts violentes –notamment le prologue bluffant- ou les découvertes hasardeuses et funestes), « La maison près du cimetière » est un sommet du genre et consolide un peu plus la carrière de Fulci, ce dernier étant toujours en quête d’explorations cinématographiques…

Il clôt ses expérimentations et intègre un pan supplémentaire de sa filmographie tout en n’oubliant pas de faire plaisir à ses fans de la première heure en leur concoctant un film racé et lugubre, dépressif et capiteux…

Encore une fois, il faut le voir pour comprendre et appréhender le genre qui érigea Fulci comme maitre absolu du film horrifique italien…

Note : 10/10

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GAME OF THRONES

Le Trône de fer (Game of Thrones) est une série télévisée américaine créée par David Benioff et D.B. Weiss,  d'après la saga littéraire de fantasy médiévale, Le Trône de Fer de George R.R. Martin, diffusée simultanément aux Etats-Unis et au Canada depuis le 17 Avril 2011 sur HBO et HBO Canada. 
Une deuxième saison, annoncée deux jours après la première diffusion de la série, est en phase de production.
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La série décrit les complots et les rivalités qui se jouent au sein du Royaume des Sept Couronnes, où les familles royales luttent pour s'emparer du Trône de fer, symbole du pouvoir absolu.
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MON AVIS EN 2 MOTS:

Hormis des longueurs récurrentes un peu rébarbatives et des intrigues complexes et abstraites durant ces 4 premiers épisodes, cette série moyennageuse dépasse tout ce qui a été préalablement érigé à la tv et même au cinéma tant elle est d'un réalisme sensorielle bluffant ! Photo, décors, costumes, musique, rien n'a été laissé au hasard pour captiver et fasciner un public totalement immergé par les conflits et trahisons au sein du royaume des 7 couronnes. Mais c'est surtout l'incroyable densité psychologique d'acteurs charismatiques finement développés qui permettent d'élever cette série au rang de chef-d'oeuvre télévisuel. J'ai aimé la manière dont l'inégalité des sexes est traitée et abordée par les mentalités conservatrices, les complots, trahisons et manipulations octroyés aux personnages sournois en quête de mégalomanie, les conflits familiaux mesquins en phase de déclin, les romances déchues, le baroud d'honneur invoqué au thème de la vengeance et l'empathie accordée à d'autres personnages peu reluisants. Erotiquement torride et effronté, barbare, ultra violent (la brutalité qui émane des passages les plus crus impressionnent viscéralement l'esprit), aride, acéré, blafard et doté d'un véritable souffle épique, la série se permet même dans sa seconde moitié de bifurquer vers la fantasy occulte.
Les deux derniers épisodes, capitaux dans les enjeux belliqueux à venir, sont d'une puissance émotionnelle bouleversée alors qu'un coup de théâtre incongru et inéquitable nous laisse dans un état de marasme inconsolable.

La chair et le sang dans toute sa splendeur de décadence et de romance contrariée suggère pour sa seconde saison une suite encore plus palpitante, opaque et effrénée.
Une date dans le paysage télévisuel.
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1ère saison: 


Epis 1:  L'Hiver vient
Epîs 2:  La route royale
Epis 3:  Lord Snow
Epis 4:  Infirmes, bâtards et choses brisées
Epis 5:  Le Loup et le Lion
Epis 6:  Une couronne d'or
Epis 7:  Gagner ou mourir
Epis 8:  Frapper d'estoc
Epis 9:  Baelor
Epis 10: De feu et de sang
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LES RUES DE FEU. Prix de la Meilleure Actrice, Amy Madigan à Catalogne, 1984.

de Walter Hill. 1984. U.S.A. 1h33. Avec Michael Paré, Diane Lane, Rick Moranis, Amy Madigan, Willem Dafoe, Deborah Van Valkenburgh, Richard Lawson, Rick Rossovich, Bill Paxton, Lee Ving.

Sortie en salles en France le 14 Novembre 1984. U.S: 1er Juin 1984
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Récompense: Prix de la meilleure Actrice pour Amy Madigan au Festival international du film de Catalogne en 1984.

FILMOGRAPHIE: Walter Hill est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 10 janvier 1942 à Long Beach, en Californie (États-Unis).
1975 : Le Bagarreur (Hard Times),1978 : Driver,1979 : Les Guerriers de la nuit, 1980 : Le Gang des frères James,1981 : Sans retour, 1982 : 48 heures, 1984 : Les Rues de feu,1985 : Comment claquer un million de dollars par jour,1986 : Crossroads, 1987 : Extrême préjudice, 1988 : Double Détente, 1989 : Les Contes de la crypte (1 épisode),1989 : Johnny belle gueule,1990 : 48 heures de plus,1992 : Les Pilleurs,1993 : Geronimo,1995 : Wild Bill, 1996 : Dernier Recours,1997 : Perversions of science (série TV),2000 : Supernova, 2002 : Un seul deviendra invincible, 2002 : The Prophecy, 2004 : Deadwood (série TV).

Deux ans après son buddy movie célébré par le duo impayable Nick Nolte / Eddy Murphy  (alors qu'il s'agissait pour ce dernier de son 1er rôle à l'écran !), notre briscard invétéré Walter Hill réalise une série B effrénée. Mixture improbable entre le film de bandes des sixties, le western moderne et la romance classique sur fond de musique pop et de rock n'roll. Le tout enraciné dans une époque indéfinissable, à situer à mi-chemin entre la rébellion des blousons noirs des années 50 et 60 et l'excentricité polychrome des néons flashys des années 80. La chanteuse Ellen Aim est kidnappée en plein concert par l'odieux Raven devant une foule médusée ! Après avoir mis à feu et à sang la ville, le gang se réfugie à proximité d'un quartier malfamé. Une barman décide d'écrire à son frère pour l'avertir que son ex petite amie a été enlevée par la bande de motards, les "bombers". Tom Cody, homme solitaire et marginal, se rend fugacement sur les lieux et décide de proposer une transaction avec le manager d'Ellen, Billy Fish. 
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Mis en scène avec une frénésie évoluant au rythme de tubes pop des années 80 et du rock des années 60, Les Rues de feu débute de manière explosive, via un préambule monté de main de maître par un réalisateur assidu à authentifier son univers dérivé de la bande dessinée et du western. En pleine retranscription d'un concert starisé par la mélomane Ellen Aim, une bande de motards affublés de cuir s'empare de la belle tout en foutant le zouc au sein de la petite banlieue, histoire de montrer aux citadins que toute tentative de rébellion est une peine perdue d'avance. Action et violence échevelées sont menées sur un rythme trépidant alors qu'une musique rock vrombissante va exacerber cette estocade culminant sa déchéance explosive en plein centre urbain ! Le suite de l'histoire reste d'une simplicité éculée ! Un rebelle décide de sauver son ex kidnappée par ces "Bikers". Après l'avoir sauvé, notre héros va être confronté à la menace du leader de la bande particulièrement rancunier, ce dernier lui proposant de se battre au corps à corps lors d'un prochain combat. Pour alimenter cette intrigue archi balisée et rendre l'aventure aussi excitante qu'exaltante, Walter Hill privilégie le montage millimétré et compte sur une galerie de personnages irrésistiblement attachants, davantage en nombre grandissant durant l'épreuve de force de la mission périlleuse. Que ce soit la soeur candide et loyale convoquant un héros renfrogné au grand coeur, la chanteuse lascive à la voix langoureuse, la baroudeuse inflexible aux allures de garçonne, le manager imbus et vaniteux, la fan "pot de colle" futilement hystérique de son égérie, et un sympathique groupe de Blacks à la voix uniforme. Alors que du côté antagoniste, la bande des "Bombers" est représentée par une équipée motorisée, menée par la pugnacité d'un dur à cuir impassible du nom ténébreux de Raven. Avec une originalité risquée, le réalisateur fait évoluer nos héros dans une époque indéterminée sans flirter miraculeusement l'invraisemblance. Durant leur trajet semé d'embûches pour s'emparer de la belle Ellen, notre petite communauté va user de subterfuge et stratagèmes pour combattre les "Bombers" mais aussi déjouer les forces de l'ordre déployées en nombre dans les contrées adjacentes. Entrecoupé de morceaux musicaux interprétés par de véritables artistes comme Dave Alvin, Cy Curnin, Stevie Nicks, Jim Steinman, Tom Petty, Kennie Vance ou encore Dan Hartman, l'aventure épique pleine de fantaisies et de réparties cinglantes nous insuffle une irrésistible empathie face à la bonhomie de nos héros aussi chaleureux que vaillants.

Quand au point d'orgue escompté, il s'achemine de manière débridée vers un combat homérique entre Tom et Raven, tous deux armés de pioche pour mieux s'entretuer avant d'achever leur cinglant affrontement à poings nus. Pour parachever cette épopée flamboyante, nous aurons ensuite l'aubaine d'écouter une ultime fois la voix mélodieuse de notre chanteuse confinée dans sa salle de concert à guichet fermé. Niveau interprétation, l'excellent Michael Pare endosse avec sa trogne bellâtre le personnage viril d'un cow-boy solitaire intraitable, quand bien même sa partenaire Diane Lane lui prête la vedette dans une prestance suave et lamentée, car dépitée du caractère téméraire de son ex amant rancunier. Récompensée du Prix de la meilleure actrice à Catalogne pour son rôle inébranlable de soldat de fortune, Amy Madigan crève l'écran et harmonise spontanément l'ambiance de camaraderie engendrée par sa fidèle équipe. L'impayable Rick Moranis s'attribue d'une présence pittoresque dans sa posture de petit patron cupide à l'esprit présomptueux pour s'entacher de mener la bande avec risible autorité. Enfin, en bandit ténébreux vêtu de cuir noir, Willem Dafoe apporte une dimension belliqueuse lors de ses exactions marginales conçues sur l'ultra violence, la perversion et l'égotisme.

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Avec une efficacité optimale pour pallier la maigreur de son script, et une vigueur musicale pour écheveler l'action rocambolesque, Walter Hill rend hommage au cinéma d'action au sein de l'univers hybride du western moderne et de la BD. La multitude des genres imbriqués dans cet époque sans âge et sa flamboyance impartie à la scénographie rutilante édifiant l'ovni en fable romanesque de rock and roll. Pour parachever, pourrait-on omettre de souligner l'omniprésence du score électrique confectionné par l'illustre Ry Cooder !

11/11/11. 6èx
Bruno Matéï
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DRACULA. Bram Stoker's Dracula. Saturn Award du Meilleur Film d'Horreur en 1993.

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Francis Ford Coppola. 1992. U.S.A. 2h08. Avec Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E. Grant, Cary Elwes, Bill Campbell, Sadie Frost, Tom Waits, Monica Bellucci, Michaela Bercu.

Sortie en salles en France le 13 Janvier 1993. U.S: 13 Novembre 1992.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Francis Ford Coppola est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 7 Avril 1939. 1963: Dementia 13. 1966: Big Boy. 1968: La Vallée du Bonheur. 1969: Les Gens de la pluie. 1972: Le Parrain. 1974: Conversation Secrète. Le parrain 2. 1979: Apocalypse Now. 1982: Coup de coeur. 1983: Outsiders. Rusty James. 1984: Cotton Club. 1986: Peggy Sue s'est mariée. 1987: Jardins de Pierre. 1988: Tucker. 1989: New-York Stories. 1990: Le Parrain 3. 1992: Dracula. 1996: Jack. 1997: L'Idéaliste. 2007: l'Homme sans âge. 2009: Tetro. 2011: Twixt.

Enorme succès à sa sortie en salles puisqu'il engrangea au total 215 862 692 dollars à travers le monde, Dracula fut en 1992 un évènement cinématographique quand on sait que derrière cet ambitieux projet Francis Ford Coppola s'est porté garant à échafauder sa propre version du mythe. Réunissant des têtes d'affiche de prestige et des moyens importants pour remanier la destinée immortelle du plus célèbre des vampires, cette version inscrite dans un classicisme flamboyant se pare d'un romantisme désenchanté.  Le Pitch: En 1462, en Transylvanie, le comte Vlad Dracul s'engage dans une offensive contre les Turcs alors que sa femme Elizabeta l'attend impatiemment dans son château. Après l'achèvement d'une cruelle bataille sanglante, son épouse reçoit une lettre lui indiquant que son amant est mort au champ d'honneur. Désespérée et anéantie par le chagrin, elle décide de se suicider en se jetant du haut d'un fleuve. Ayant survécu à la guerre, le comte revient dans sa demeure pour apprendre la terrible nouvelle. Fou de haine et de douleur, il décide de renier Dieu et ses sbires pour s'adonner vers les forces occultes et réclamer ainsi vengeance pour la mort inéquitable de son idylle. Quatre siècles plus tard, Jonathan Harker, clerc de notaire est invité à quitter Londres pour se rendre en Transylvanie dans la demeure de Dracula. En effet, le comte est intéressé à racheter l'abbaye de Carfax. Au moment de leur rencontre, le maître des ténèbres entrevoit le portrait de la fiancée de Jonathan, Mina. Frappé de stupeur par sa beauté lascive, il reconnait en elle le parfait sosie de son ancienne épouse. Il décide de partir à Londres pour la retrouver après avoir tendu un traquenard à Jonathan Harker en invoquant ses princesses de la nuit avides de sang frais. 

Enième version d'un des archétypes les plus inaltérables du cinéma d'épouvante, Dracula s'alloue d'un éclat nouveau sous la caméra virtuose de Francis Ford Coppola. Cinéaste notoire accumulant les réussites les plus novatrices de ces dernières décennies, cette réactualisation du fameux vampire des Carpathes apporte son originalité et alimente un nouvel intérêt dans un romantisme éperdu baigné de flamboyance gothique. Un parti-pris formel privilégié par des décors somptueux ainsi qu'une photo saturée de pourpre et carmin. La musique orchestrale composée par Wojciech Kilar s'accordant par des violons sombres et raffinés, les costumes baroques resplendissant par leur aspect élitiste (surtout pour les personnages ténébreux) et les effets-spéciaux artisanaux étant confectionnés avec rigueur (exit donc la modernité des effets numériques que Coppola avait réfuté avant l'entreprise du tournage !). La mise en scène inventive du réalisateur multiplie les angles de vue alambiqués, les cadrages affinant l'étendue des vastes paysages gothiques ainsi qu'une poésie florissante émanant d'une imagerie fantasmagorique. Au passage, un bel hommage est rendu au cinématographe en pleine ascension victorienne alors qu'au même moment sortait le roman de Bram Stoker. Les comédiens sont plutôt adroitement sélectionnés pour nous enivrer dans une aventure horrifique émaillée de péripéties homériques mais surtout de romance aigre caractérisée par le couple Dracula / Mina. Nos amants maudits sont remarquablement endossés par l'excellent Gary Oldman en noble vampire lamenté d'un amour éperdu, et la radieuse Winona Ryder, réincarnation de sa maîtresse immolée, destinée à sauver une âme maléfique autrefois vouée à Dieu. A eux deux, ils forment un duo ensorcelant dans leur relation fébrile au souffle romanesque charnel. A négliger par contre dans le rôle secondaire de l'amant berné, Keanu Reeves, semblant ici bien transparent et peu à l'aise pour exacerber son amour et son empathie envers sa compagne tributaire du prince des ténèbres.

Une touche d'érotisme est également soulignée durant le cheminement narratif comme ce livre pornographique que Mina feuillette timidement avec une curiosité fascinée, alors que sa comparse Lucie est plutôt dévergondée à suggérer les positions sexuelles les plus débridées. Enfin, le charme ardent émanant des maîtresses de la nuit dévêtues dans un lit de soie, enlaçant à eux trois de manière torride un Jonathan Harker transi d'excitation, fait sans doute partis des moments les plus vénéneux du film. Parfois, certaines séquences horrifiques surprennent par leur tonalité cruelle comme ce bébé en pleurs offert en sacrifice pour les trois princesses des ténèbres. Il y a aussi cette splendide séquence où nos héros attendent patiemment l'arrivée de Lucie dans la chapelle, alors que la morte devenue vampirisée porte en ses bras un enfant pour s'apprêter à le dévorer avant de s'engouffrer dans son caveau familial. Le final haletant s'octroie d'un caractère épique pour parachever une tragédie de désespoir et de romance. La force psychologique du récit est d'avoir osé dénaturer le personnage maléfique de Dracula dans sa triste destinée d'un amour meurtri. Alors que sa nouvelle compagne réincarnée en la personne de Mina était donc vouée à lui rendre la mise pour l'extraire du monde des ténèbres afin de le repentir à Dieu.

Liens d'amour et de sang
Spectacle grandiose déployant un florilège de séquences aussi flamboyantes, épurées que dantesques et échevelées, Dracula de Coppola tire son impact émotionnel et son originalité par son récit romanesque d'une beauté funèbre pleine de lyrisme. Le charme lascif de Mina, enlacée dans les bras d'un comte mélancolique rongé de remord, nous entraînant dans un somptueux ballet onirique où l'amour cathartique reste plus fort que tout.

Dédicace à Isabelle Rocton

*Bruno

10.11.11. .

15.08.23. 4èx

Récompenses: Oscar du Meilleur Montage sonore, des Meilleures Costumes et du Meilleur Maquillage en 1992.
Saturn Awards du Meilleur film d'Horreur, du Meilleur Acteur pour Gary Oldman, du Meilleur Réalisateur, du Meilleur Scénario et des Meilleurs Costumes en 1993.