Les Autres / The Others

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

d'Alejandro Amenabar. 2001. France/Amérique/Espagne. 1h44. Avec Nicole Kidman, Fionnula Flanagan, Christopher Eccleston, Alakina Mann, James Bentley, Eric Sykes, Elaine Cassidy, Renée Asherson.

Sortie salles France: 26 Décembre 2001. U.S: 10 Août 2001

FILMOGRAPHIE: Alejandro Amenabar est un réalisateur, scénariste, écrivain, monteur, acteur, producteur et compositeur de nationalité hispano chilienne, né le 31 Mars 1972 à Santiago.
1996: Tesis. 1997: Ouvre les Yeux. 2001: Les Autres. 2004: Mar Adentro. 2009: Agora. 2015: Régression.

Poème gothique sur la solitude de la mort et l'incapacité d'affronter le deuil autour du cheminement psychotique d'une mère de famille prise à parti avec de potentiels fantômes, les Autres renoue avec le classicisme des suspenses psychanalytiques, à l'instar des pièces maîtresses, les Innocents et la Maison du Diable. Car auprès d'un scénario retors remarquablement structuré, Alejandro Amenabar dédie son intrigue à la fragilité de ses personnages caractérisés d'une mère et de ses deux enfants en quête désespérée de vérité. 

Le Pitch: 1945. Alors que son mari n'est toujours pas revenu de la guerre, Grace accueille les trois nouveaux domestiques de sa demeure. Persécutée par d'étranges bruits résonnants de l'intérieur de la bâtisse, cette dernière accuse dans un premier temps sa fille, particulièrement espiègle et impertinente car ne cessant d'importuner son frère cadet sur l'éventuel apparition du fantôme de Victor. Peu à peu, Grace sombre dans un délire de persécution alors que les domestiques adoptent un comportement de plus en plus équivoque. 

Inspiré du roman le Tour d'Ecrou d'Henry James, Alejandro Amenabar transcende à l'écran avec une ambition formelle (l'architecture gothique est d'autant plus renforcée de magnifiques éclairages incandescents) une sombre histoire de fantômes inscrite dans la fragilité de l'accablement. Prenant pour cadre une immense demeure victorienne confinée au milieu d'un parc champêtre alors que la brume environnante y masque une partie de sa devanture, Les Autres cultive un goût pour l'angoisse et l'inquiétude parmi l'intelligence d'un détournement des codes usuels.

Dans le sens où les rôles classiquement attribués au premier abord sont finalement inversés au profit d'une énigme fort astucieuse brouillant les identités des personnages (les vivants se substituant aux fantômes et vice-versa !). Se focalisant sur le désarroi neurotique d'une mère de famille apeurée par des phénomènes irrationnels depuis la disparition de son mari et de son isolement dans la pénombre (ses enfants atteints de protoporphyrie ne supportant pas la lumière), Alejandro Amenabar en dresse un magnifique portrait de femme démunie incapable d'accepter le fardeau de la mort de par sa posture désaxée d'une solitude nécrosée. Brossant en second plan l'innocence bafouée de ses enfants toujours plus curieux à déceler les présences surnaturelles, les Autres insuffle un climat d'étrangeté palpable, notamment par le pouvoir de suggestion d'une réalisation épurée entièrement vouée à ausculter les névroses de ces trois personnages. Fort d'une montée progressive d'un suspense impeccablement huilé, l'intrigue parvient autant à nous déranger que nous questionner sur le comportement équivoque de ses protagonistes, notamment les trois domestiques nous signalant assez rapidement qu'il s'agit en fait de commanditaires d'une conjuration. Et si Les Autres parvient autant à envoûter dans son immersion à la fois spirituelle et occulte, il le doit énormément à la dimension humaine des comédiens criants d'instabilité. Que ce soit la présence gracile de Nicole Kidman en épouse catholique extrêmement susceptible, la posture arrogante de Alakina Mann en soeur aînée teintée de perversité lorsqu'elle effraie cruellement son frère, ou encore la personnalité de James Bentley endossant avec candeur un garçonnet transi d'émoi à l'idée d'entrevoir un mort. A eux trois, ils parviennent avec une intensité toujours plus rigoureuse à nous interpeller dans leur psychose en chute libre, quand bien même l'hallucinante révélation du twist final nous arrache les larmes pour aborder avec une grande sensibilité l'acceptation de la mort et la quiétude du repos éternel quelque soit l'endroit élu (ici la maison mère, incarnation identitaire des propriétaires).

Poème élégiaque sur le consentement du deuil et la perte de l'être cher, métaphore sur le traumatisme de la guerre, réflexion spirituelle sur la foi et l'illusion de la réalité (la vie n'est qu'un long rêve dont la mort nous réveille !), Les Autres aborde la peur de l'inconnu (du point de vue de fantômes errants) avec une sensibilité inconsolable (le point d'orgue m'a autant effondré que perturbé malgré la dignité de son message mystique). Tout le fondement de ce récit n'étant au final qu'un dérivatif, une délivrance à accepter la fragilité de l'existence intimement liée à la destinée morbide d'un questionnement existentiel avec l'au-delà. Attention chef-d'oeuvre dont la révélation finale traumatique vous hantera à jamais en vous interrogeant sur les mondes parallèles qui empiètent parfois (toujours ?) notre quotidienneté. 

Bruno 
03.11.24. 5èx. Vostfr

Récompenses:
Festival international du film de Flandres 2001.
Prix du meilleur film d'horreur, meilleure actrice pour Nicole Kidman, meilleur second rôle féminin pour Fionnula Flanagan, par l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur en 2002.
Prix du meilleur réalisateur, meilleur scénario et meilleure photographie, lors des Cinema Writers Circle Awards 2002.
Prix Goya du meilleur film, du meilleur réalisateur, du meilleur scénario original, de la meilleure photographie, du meilleur montage, des meilleurs décors et du meilleur son (Ricardo Steinberg, Tim Cavagin, Alfonso Raposo, Daniel Goldstein) en 2002.
Actrice de l'année pour Nicole Kidman, lors des London Critics Circle Film Awards 2002.
Saturn Award pour Nicole Kidman.

Die Hard 4: Retour en Enfer

                                             
                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site instantcritique.com

"Live Free or Die Hard" de Len Wiseman. 2007. U.S.A. 2h08. Avec Justin Long, Timothy Olyphant, Cliff Curtis, Maggie Q, Mary Elisabeth Winstead, Jonathan Sadowski, Kevin Smith, Cyril Raffaelli.

Sortie salles France: 4 Juillet 2007. U.S: 21 Juin 2007

FILMOGRAPHIE: Len Wiseman (Len Ryan Wiseman) est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 4 Mars 1973 à Fremont, Californie, Etats-Unis. 2003: Underworld. 2006: Underworld 2: Evolution. 2007: Die Hard 4. 2012: Total Recall: Mémoires Programmées.

                                              

Douze ans après Une Journée en Enfer, John McClane renoue ses exploits avec Die Hard 4 sous la houlette de Len Wiseman, cinéaste reconnu auprès de la jeune génération pour ces deux premiers métrages, Underworld 1 et 2. Synopsis: Avec l'aide d'un jeune Hacker, McClane doit à nouveau déjouer le complot terroriste d'un ancien agent des services secrets délibéré à prendre sa revanche depuis son éviction injustifiée. Epaulé d'experts en informatique, Thomas Gabriel cible le réseau informatique national contrôlant les communications, les transports et l'énergie des Etats-Unis. Son but: plonger l'Amérique dans le chaos et en profiter pour lui soutirer des milliards de dollars. A partir de ce pitch pointant du doigt les technologies innovantes de l'informatique et de ses moyens de communications exploités à des fins terroristes, Len Wiseman compte sur l'efficacité optimale de morceaux de bravoure étourdissants de réalisme. Bien évidemment, et depuis l'ère triviale du numérique exploitant tous azimuts une action (souvent) outre-mesure, l'intensité des situations périlleuses s'avère parfois (souvent) invraisemblable à force d'esbroufe ostentatoire. Toutefois, grâce à l'inventivité d'une action à la fois lisible et vertigineuse, de l'ultra dynamisme du montage et de sa virtuosité technique, ses séquences anthologiques parviennent donc ici à travestir les exploits pyrotechniques dans le domaine du crédible. Aussi invraisemblables soient certaines situations saugrenues que l'on contemple pour autant avec un sourire de gosse gâté. 

                                           

Niveau action disproportionnée, nous sommes donc épatés par cette démonstration de force récurrente dont le clou du spectacle culmine avec une poursuite en camion à couper le souffle quant à la menace belliqueuse d'un avion prêt à abattre sa cible sur aire d'autoroute. Quant à l'intrigue, simple mais originale et ombrageuse quant au nouveau danger qu'endossent les pirates informatiques et ce manifeste (subsidiaire) anti consumériste qu'évoque le hacker Matt Farrell à McClane ("instaurer un climat quotidien de frayeur médiatique afin de pousser le citoyen à consommer"), elle demeure efficacement structurée avant d'y relancer l'action auprès d'un rapt faute de l'arrogance inépuisable de McClane à se railler de Gabriel et de sa compagne experte en kung-fu. Ce jeu du chat et de la souris, ce "cours après moi que je t'attrape", Len Wiseman nous le livre de manière orthodoxe sans que l'intensité des enjeux (humains et techniques) ne perde son potentiel en cours de route. Même si on peut déplorer un suspense pas si tendu qu'escompté quant à la confrontation entre Gabriel et Mc Lane. Quand bien même la stature cabotine de Timothy Olyphant (car jouant un peu trop sur les mêmes mimiques avec sa petite mâchoire contracté !) ne peut égaler les prestations des autres antagonistes iconisées par les opus du cinéaste John McTiernan. Et si l'identité emblématique du héros moderne John McClane perd ici un peu de sa saveur, Bruce Willis reste toutefois attachant, magnétique, séducteur, drôle, héroïque avec un charisme toujours aussi tranquille que distingué. Epaulé du jeune Justing Long en hacker retors et débrouillard, ce nouveau duo opposant le choc des générations s'avère réussi à travers leur cohésion aussi pugnace que suicidaire si bien qu'ils enchainent pour notre plus grand plaisir les prises de risques les plus follingues et débridées sans jamais se sentir otage d'une action factice risible. 

                                        

De par l'attrait réellement jouissif de son action constamment épique, Die Hard 4 parvient avec un réel brio technique à distraire immodérément parmi le savoir-faire technique d'une réalisation soignée et l'efficacité d'une intrigue potentiellement prémonitoire (plier les USA à genou par le biais de l'informatique !). L'action intense, oppressante, gargantuesque demeurant toujours d'une lisibilité infaillible sous l'impulsion du nouveau duo accord épaulé de la bonnard Mary Elizabeth Winstead en fille à papa à la fois obtuse, sobrement caractérielle puis tolérante de par sa condition soumise. A réhabiliter au plus vite donc auprès de ceux n'ayant été pleinement convaincus si bien que Die Hard 4 se situe selon moi largement au niveau de 58 minutes pour vivre. Alors que le 5è et ultime opus est à reléguer fissa aux oubliettes. 

Les autres opus de la saga:
Piège de Cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/piege-de-cristal.html
58 Minutes pour vivre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/…/58-minutes-pour-vivre.html
Une Journée en Enfer: http://brunomatei.blogspot.fr/…/08/une-journee-en-enfer.html

*Bruno
3èx. vf 12.08.22

58 MINUTES POUR VIVRE

                                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site dpstream.net

"Die Hard 2" de Renny Harlin. 1990. U.S.A. 2h04. Avec Bruce Willis, Bonnie Bedelia, William Atherton, Franco Nero, William Sadler, John Amos, Dennis Franz, Art Evans.

Sortie salles France: 3 Octobre 1990. U.S: 4 Juillet 1990

FILMOGRAPHIE: Renny Harlin est un réalisateur et producteur américain d'origine finlandaise, né le 15 Mars 1959 à Riihimäki (Finlande).
1986: Born American. 1988: Prison. 1988: Le Cauchemar de Freddy. 1990: 58 Minutes pour vivre. 1990: The Adventures of Ford Fairlane. 1993: Cliffhanger. 1995: L'île aux Pirates. 1996: Au revoir à jamais. 1999: Peur Bleue. 2001: Driven. 2004: Profession Profiler. 2004: L'Exorciste, au commencement. 2006: Le Pacte du Sang. 2008: Cleaner. 2009: 12 Rounds. 2011: Etat de Guerre. 2013: Dvatlov Pass Incident. 2014: La Légende d'Hercule.

Second volet de la célèbre franchise initiée en 1988, 58 Minutes pour vivre revient deux ans plus tard sous l'égide du cinéaste inégal Renny Harlin. Si ce dernier peine à retrouver la virtuosité de John Mc Tiernan pour l'élaboration des séquences d'action, sa structure narrative et la rigueur du montage, on peut malgré tout vanter son savoir-faire à avoir su façonner une grosse série B d'action, de par le caractère trépidant de son rythme explosif. Cette fois-ci, John McClane doit déjouer la menace de terroristes délibérés à faire évader un trafiquant de drogue, le général Ramon Esperanza, juste après que ce dernier doit atterrir sur l'aéroport de Washington-Dulles. Avec leur logistique et leur hiérarchie militaire, ils parviennent à couper toutes communication avec la tour de contrôle contraignant chaque avion de rester en vol jusqu'à épuisement du carburant. Alors que la police et l'armée sont dépêchés sur les lieux pour tenter de compromettre leur projet, McClane, se résout individuellement à trouver une solution depuis que les terroristes ont mis à exécution leur première menace. 

Combinant à nouveau les codes du film d'action avec ceux du cinéma catastrophe, Renny Harlin peine à diluer un suspense haletant autour du sort précaire de quelques avions contraints de survoler les airs depuis la prise d'otage d'une piste d'atterrissage épargnée de signalisation. Et pour épicer la situation singulière, d'y introduire à bord d'une des embarcations l'épouse de McClane accompagnée d'un journaliste mégalo tête à claque (celui du 1er volet !). Et question humour, là aussi le film pâti d'un certain manque d'originalité pour les quelques répliques échangées (comme celles de McClane avec le Capitaine Lorenzo) alors que la caricature impartie aux antagonistes n'évite pas non plus le stéréotype. Néanmoins, avec l'efficace habileté d'une série de rebondissements et subterfuges, et la vélocité de McClane, 58 minutes pour vivre insuffle une indéniable sympathie pour sa stature ludique de spectacle bourrin ! Et bien que Bruce Willis s'avère ici moins habilement exploité dans sa fonction ironique de héros stoïque, il parvient tout de même à s'y impliquer spontanément dans ses risques alloués aux bravoures de dernier ressort.

Malgré le manque de maîtrise de sa réalisation perfectible, à l'instar de quelques moments d'action maladroitement découpées, 58 minutes pour vivre tire-parti de son attrait ludique par l'efficacité d'une intrigue échevelée multipliant sans modération les morceaux de bravoure. Au final, grâce à sa vigueur démonstrative et la bonhomie de ses têtes d'affiche (notamment quelques seconds-rôles plaisantins), on ne s'ennuie jamais de cet excellent spectacle de samedi soir !

Focus sur les autres opus:
Piège de Cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/piege-de-cristal.html
Une Journée en Enfer: http://brunomatei.blogspot.fr/…/08/une-journee-en-enfer.html

Bruno Matéï
4èx

PIEGE DE CRISTAL

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site bryanonion.com

"Die Hard" de John Mc Tiernan. 1988. U.S.A. 2h12. Avec Bruce Willis, Alan Rickman, Alexander Godunov, Bonnie Bedelia, Reginald VelJohnson, Paul Gleason, De'voreaux White, William Atherton, Hart Bochner.

Sortie salles France: 21 Septembre 1988. U.S: 22 Juillet 1988

FILMOGRAPHIE: John McTiernan est un réalisateur et producteur américain, né le 8 janvier 1951 à Albany à New-York. 1986: Nomads. 1987: Predator. 1988: Piège de Cristal. 1990: A la Poursuite d'Octobre Rouge. 1992: Medicine Man. 1993: Last Action Hero. 1995: Une Journée en Enfer. 1999: Le 13è Guerrier. 1999: Thomas Crown. 2002: Rollerball. 2003: Basic. 2015: Red Squad.

Modèle de suspense et d'efficacité au sein du cinéma d'action, Piège de Cristal renouvela le genre à la fin des années 80 par le biais d'un réalisateur surdoué (un an au préalable, il triomphait déjà avec son second film, Predator), quand bien même Bruce Willis accéda à la consécration du public pour son rôle aguerri d'héros seul contre tous. Un groupe de faux terroristes prennent en otage les hôtes d'une réception en interne d'un gratte ciel afin de décoder un coffre fort contenant 640 millions de dollars. Au même moment, le lieutenant John McLane confiné dans une salle de bain entend les coups de feu de sommation du leader allemand Hans Gruber. Délibéré à se cloisonner, McLane va tenter avec bravoure suicidaire de déjouer l'ambitieux projet des cambrioleurs. Plaçant le cadre de son action dans le huis-clos d'un gigantesque immeuble d'une trentaine d'étages, dédale de tous les dangers pour notre héros sans repère, John McTiernan l'exploite avec une inventivité constante pour ses déplacements imposés, ce dernier étant contraint de s'isoler dans les endroits les plus restreints (cage d'ascenseur, conduit d'aération, combles du plafond) avant de canarder les terroristes frayant son chemin. 

Dans la peau du flic arrogant infatigable coursant ses adversaires à pied nu et en "marcel", Bruce Willis iconise son personnage avec un charisme hargneux dénué de prétention sachant que l'acteur ne cesse de se railler de lui même dans sa situation désespérée d'intrus malgré lui ! Bourré de répliques cocasses échangées entre lui et ses ravisseurs, Piège de Cristal alterne action, humour et catastrophe (à l'instar de son final en apothéose rappelant l'anthologique Tour Infernale !) avec un sens du suspense vertigineux. De par l'habileté dont le cinéaste charpente son intrigue, la précision accordé au sens du découpage et la tension omniprésente qu'insuffle ce contexte de siège. En prime, pour épicer les caractérisations humaines, quelques seconds-rôles tantôt sournois, cupides ou obtus (un journaliste en mal de notoriété, un otage transfuge, un adjoint de police condescendant) viennent bouleverser la situation avec irresponsabilité. Outre la trempe antipathique de ces derniers, Piège de Cristal sait également se montrer altruiste lorsque McLean sympathise avec un sergent de police (un afro-américain ventripotent au coeur tendre) pour lui dévoiler des infos sur le blocus tout en lui révélant le nombre de morts qu'il eut pu supprimer chez les terroristes. Enfin, une pointe de romance est impartie à ces efforts lorsqu'il doit préserver la vie de sa propre épouse prise en otage, cette dernière tentant fébrilement de masquer son identité aux yeux des assaillants. Bourré de situations et revirements imprévues, à l'instar de la police réunie en masse autour de l'immeuble et tentant d'y pénétrer quand bien même les terroristes ripostent sans modération, Piège de Cristal attise le danger omniprésent parmi l'appui de notre redresseur de tort en prise aux subterfuges et stratégies d'affront pour la survie des otages. 

Au rythme d'une bande-son haletante, Piège de Cristal renouvelle le cinéma d'action sous l'autorité d'une réalisation virtuose exploitant à merveille les espaces restreints de l'empire de cristal, quand bien même le duo impétueux formé par Bruce Willis et Alan Rickman se provoque avec une impudence jouissive ! Un chef-d'oeuvre du genre n'ayant rien perdu de son souffle épique dans ses explosions et canardages sans compter l'attrait émotionnel d'une intrigue fertile en incidents arbitraires !  

58 Minutes pour vivre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/…/58-minutes-pour-vivre.html
Une Journée en Enfer: http://brunomatei.blogspot.fr/…/08/une-journee-en-enfer.html


Bruno Matéï
4èx

UNE JOURNEE EN ENFER

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"Die Hard with a vengeance" de John Mc Tiernan. 1995. U.S.A. 2h08. Avec Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Jeremy Irons, Graham Greene, Colleen Camp, Larry Bryggman, Anthony Peck, Nick Wyman.

Sortie salles France: 2 Août 1995. U.S: 19 Mai 1995

FILMOGRAPHIE: John McTiernan est un réalisateur et producteur américain, né le 8 janvier 1951 à Albany à New-York. 1986: Nomads. 1987: Predator. 1988: Piège de Cristal. 1990: A la Poursuite d'Octobre Rouge. 1992: Medicine Man. 1993: Last Action Hero. 1995: Une Journée en Enfer. 1999: Le 13è Guerrier. 1999: Thomas Crown. 2002: Rollerball. 2003: Basic. 2015: Red Squad. 

Cinq ans après 58 minutes pour vivre, John McTiernan reprend les commandes de la saga pour transcender une suite aussi digne que son modèle ! Concentré d'action, d'humour et de suspense sur fond de scénario catastrophe imparti au thème du terrorisme, Une Journée en Enfer est également la réunion de deux vétérans en la matière, Bruce Willis et Samuel L. Jackson. Nos deux cabotins formant avec complicité impayable (répliques incisives à l'appui !) un couple de héros à perdre haleine pour leur course intrépide engagée à travers les rues de New-York afin de déjouer le prochain attentat du terroriste Peter Krieg (Jeremy Irons, épatant de fourberie dans son modeste narcissisme !). Ce leader allemand (le frère du franc-tireur du 1er volet !) s'est investi par esprit de vengeance de se payer la tête de Mc Lean en lui assignant un jeu de devinettes. Un défi morbide que nos deux héros vont devoir relever dans un enjeu de survie afin de débusquer l'origine de la bombe et son potentiel désamorçage avant la fatale explosion.

Course effrénée contre la montre, Mc Lean et son co-équipier noir Zeus Carver sont donc contraints de se soumettre à ce chantage sardonique afin d'épargner la vie de centaines d'innocents. Spoil ! Mais toute cette mise en scène savamment planifiée autour d'un métro et d'une école n'était finalement qu'un leurre, un subterfuge afin que Krieg et son armée puissent dévaliser l'or de la réserve fédérale de New-York ! Fin du Spoil ! Cet hold-up du siècle renfermant des milliards de dollars, John McTiernan le transcende parmi l'audace d'un terroriste utopiste et la perspicacité de nos héros à bout de course. Jubilatoire dans son suspense à couper au rasoir et ses revirements homériques impromptus, le cinéaste se permet en outre de nous offrir une leçon de mise en scène par le biais d'un savoir-faire technique millimétré. Avec son intrigue alerte taillée sur mesure et la complicité pugnace de nos héros en roue libre, une Journée en Enfer décuple son intensité émotionnelle par le biais d'un montage nerveux enchaînant parfois en même temps deux situations alertes (la tentative policière de désamorçage d'une bombe infiltrée dans une école au moment même où nos héros s'efforcent de poursuivre les meurtriers en cavale). Les séquences intermittentes d'action et de catastrophe s'avérant d'autant plus vraisemblables et justifiées sous l'impulsion intraitable de terroristes et héros se défiant ironiquement l'autorité. Le réalisme imparti aux bravoures, la rigueur du montage et le sens inventif des cadrages (le prologue explosif en plein centre urbain, l'altercation sanglante dans l'ascenseur, la course-poursuite de véhicules entamée sous une pluie battante !) décuplant l'aspect addictif d'un jeu du chat et de la souris opposé entre bons et méchants.

Fun, drôle, trépidant, spectaculaire et jubilatoire, Une Journée en Enfer relève le défi d'égaler son modèle par le biais d'une leçon de mise en scène à inculquer dans les écoles et par la complicité de deux héros sévèrement raillés dans leur épreuve de survie. Pour le genre si improbable et fantaisiste du cinéma d'action en quête d'esbroufe souvent gratuite, le terme "chef-d'oeuvre" reprend ici tout son sens sous la caméra circonspecte d'un maître non dupe de dérision.  

Piège de Cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/piege-de-cristal.html
58 Minutes pour vivre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/…/58-minutes-pour-vivre.html


Bruno Matéï
3èx

BAD LIEUTENANT

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

d'Abel Ferrara. 1992. U.S.A. 1h36. Avec Harvey Keitel, Frankie Thorn, Victor Argo, Paul Calderon, Leonard L. Thomas, Zoë Lund, Jaime Sanchez, Peggy Gormley.

Sortie salles France: 10 Mars 1993. U.S: 20 Novembre 1992

FILMOGRAPHIE: Abel Ferrara est un réalisateur et scénariste américain né le 19 Juillet 1951 dans le Bronx, New-York. Il est parfois crédité sous le pseudo Jimmy Boy L ou Jimmy Laine.
1976: Nine Lives of a Wet Pussy (Jimmy Boy L). 1979: Driller Killer. 1981: l'Ange de la Vengeance. 1984: New-York, 2h du matin. 1987: China Girl. 1989: Cat Chaser. 1990: The King of New-York. 1992: Bad Lieutenant. 1993: Body Snatchers. Snake Eyes. 1995: The Addiction. 1996: Nos Funérailles. 1997: The Blackout. 1998: New Rose Hotel. 2001: Christmas. 2005: Mary. 2007: Go go Tales. 2008: Chelsea on the Rocks. 2009: Napoli, Napoli, Napoli. 2010: Mulberry St. 2011: 4:44 - Last Day on Earth. 2014: Welcome to New-York. 2014: Pasolini.

Témoignage édifiant sur la déliquescence morale un flic ripoux et sur l'avilissement de sa toxicomanie (drogue et alcool compris !), Bad Lieutenant est une descente aux enfers qu'Abel Ferrara filme au plus près des tourments de son personnage autodestructeur. Filmé à la manière d'un reportage en plein coeur des cités marginales new-yorkaises, son hyper réalisme s'avère d'autant plus rigoureux avec l'appui des comédiens poussant le vice jusqu'à l'extrême puisque véritablement shootés devant la caméra d'un Ferrara complice. 

Immersif, viscéral, glauque, étouffant, sensitif, Bad Lieutenant insuffle le malaise pour ausculter l'introspection licencieuse d'un lieutenant condamné à répéter les mêmes gestes de routine pour son accoutumance à la came, l'alcool et l'argent. Une posture davantage dépravée afin de fuir une réalité trop véreuse dans son lot quotidien de faits divers criminels et de délinquances mineures sans repères. Sa dérive vers le néant n'étant que les conséquences de ses excès toxicomanes, son goût pour les paris d'argent et son parti-pris libertaire à souiller l'honneur de son insigne jusqu'à concrétiser ses fantasmes pervers (son chantage sexuel imparti à deux jeunes fêtardes durant un contrôle routier). Avec une rare intensité émotionnelle, Ferrara filme les séquences de défonce à la manière d'un documentaire hardcore que n'aurait pas renié la chaîne allemande Arte. Les shoots à la seringue pénétrant dans les veines avec un réalisme chirurgical quand bien même le décorum restreint d'appartement délabré participe au climat putassier de l'environnement insalubre ! De par sa crudité abrupte et le jeu halluciné d'Harvey Keitel véritablement transi par sa déchéance humaine, le malaise éprouvé durant son cheminement existentiel inspire nausée mais aussi pitié lorsque ce dernier tente in extremis de trouver la rédemption auprès de Dieu. Subitement épris d'empathie pour le viol d'une nonne qui aura décidé d'invoquer le pardon à ses agresseurs (deux jeunes mineurs issus de quartier miséreux), le lieutenant l'incite dans un revers de conscience à déposer plainte. La puissance du film émanant également de son idéologie catholique, de ses remords éprouvés, de sa décision d'affronter sa culpabilité pour finalement se confesser à Dieu et qui, dans un ultime acte salvateur, décide d'alpaguer ces deux violeurs afin de se racheter une conduite. 

Réflexion sur le pardon, la rédemption spirituelle et l'influence perverse du Mal, cri d'alarme sur les ravages de la toxicomanie, Bad Lieutenant est un uppercut émotionnel d'une intensité crapuleuse aussi dérangeante que malsaine lorsque Harvey Keitel se met à nu devant la caméra expérimentale d'un Ferrara aussi torturé par ses vieux démons. 

A Zoë Lund...

Bruno Matéï

4èx 

JACKIE BROWN

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site fontsinuse.com

de Quentin Tarantino. 1997. U.S.A. 2h34. Avec Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert Foster, Robert De Niro, Bridget Fonda, Mickael Keaton, Michael Bowen, Chris Tucker, Lisa Gay Hamilton, Sid Haig, Hattie Winston, Tom Lister, Quentin Tarantino, Denise Crosby, Helmut Berger.

Sortie salles France: 1er Avril 1998. U.S: 25 Décembre 1997

FILMOGRAPHIE: Quentin (Jérome)Tarantino est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 27 Mars 1963 à Knoxville dans le Tennessee.
1992: Réservoir Dogs. 1994: Pulp Fiction. 1995: Groom Service (segment: The Man from Hollywood). 1997: Jackie Brown. 2003: Kill Bill 1. 2004: Kill Bill 2. 2007: Boulevard de la Mort. 2009: Inglorious Basterds. 2012: Django Unchained. 2015: The Hateful Eight.

Hommage à la Blaxploitation et déclaration d'amour à son égérie féminine, Pam Grier, Jackie Brown emprunte un roman d'Elmore Leonard, Punch Creole, afin de célébrer le complot d'une hôtesse de l'air prise à parti avec la police et un trafiquant d'armes pour lequel elle intervient en tant que passeuse de monnaie. Par l'entremise d'un tour de passe-passe avec des sacs et avec l'aide d'un prêteur sur gages, elle décide de s'emparer de 550 000 dollars sous la surveillance discrète de la police délibérée à coincer son mentor, le gangster Ordell Robbie. Trois ans après la consécration de Pulp Fiction, Quentin Tarantino continue de surfer sur le polar dans une démarche de suspense policier et de mettre sur piédestal une anti-héroïne au passé galvaudé cette fois-ci déterminée à prendre sa revanche sur sa médiocre existence. Comme de coutume, Tarantino rassemble autour de son intrigue un florilège de stars notoires pour mettre en exergue des numéros d'acteur à la verve infatigable. 

Que ce soit De Niro pour son numéro parodique de braqueur de banque en beauf semi-retraité, Bridget Fonda dans sa fonction railleuse de garce arrogante ou Samuel L. Jackson interprétant avec cynisme un trafiquant d'armes sournois dans ses accès de rancoeur meurtrière. Mais la palme du duo le plus proéminent revient à Pam Grier, l'actrice en second souffle endossant avec flegme couillu une hôtesse de l'air apte à duper ses adversaires, quand bien même Robert Foster (l'inoubliable interprète de Vigilante de Lustig) lui partage la vedette dans celui du prêteur de caution, un quinquagénaire subitement amoureux de cette récidiviste malmenée. Au rythme d'une BO entraînante enchaînant sans modération les plus beaux tubes de Soul-Music, et parmi la stylisation d'une réalisation toujours aussi épurée, Quentin Tarantino bâti une intrigue charpentée autour d'une conjuration retorse que mène Jacky pour parfaire son dessein et piéger à son tour une police perfide. Outre l'aspect stimulant de ce complot de longue haleine non dénué d'humour et de rebondissements caustiques pour ses éclairs de violence réaliste, l'intensité émotionnelle qui s'y dégage est largement impartie à la spontanéité flamboyante des comédiens en roue libre superbement dessinés dans leur étude caractérielle. Notamment l'intérêt que porte son auteur au thème de la vieillesse qu'il aborde avec tendresse sous l'impulsion romantique de Jackie et Max. C'est ce que laisse transparaître la sous-intrigue, une histoire d'amour forte et mature allouée au couple véreux de quinquagénaires. Par le biais de leur rapport timoré, voir hésitant, mais par l'alchimie de leurs sentiments qu'ils partagent implicitement, Jackie Brown bouleverse les coeurs au sens noble du terme. Le film abordant l'amour et la vieillesse avec la considération de ces seniors en quête de rédemption mais finalement incapables de s'autoriser une seconde chance par crainte de l'engagement et de l'échec. Le film se clôturant sur leur amertume d'un destin infortuné quand bien même l'usure du temps s'étiole un peu plus entre leurs mains. 

En dépit de son brio technique inébranlable, de la fougue faconde des comédiens et de l'aspect roublard de son intrigue, Quentin Tarantino livre peut-être avec Jackie Brown son oeuvre la plus intimiste et émouvante afin de sacraliser la Blaxploitation parmi l'icone de deux anciens vétérans du cinéma Bis, Pam Grier et Robert Foster. Un grand moment de cinéma d'une maturité beaucoup plus sensible et profonde qu'elle n'y parait !

Bruno Matéï

2èx

Splice

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Vincenzo Natali. 2009. U.S.A/France/Canada. 1h44. Avec Adrien Brody, Sarah Polley, David Hewlett, Delphine Chanéac, Brandon McGibbon, Simona Maicanescu.

Sortie salles France: 30 Juin 2010. U.S: 4 Juin 2010

FILMOGRAPHIE: Vincenzo Natali est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 6 Janvier 1969 à Détroit, Michigan. 1997: Cube. 2002: Cypher. 2003: Nothing. 2009: Splice. 2013: Haunter.

(Sempiternelle) Mise en garde contre les manipulations génétiques à des fins médicales, Splice empreinte ce thème d'anticipation afin d'y façonner une série B aussi efficace que bougrement inquiétante eu égard de son aura de souffre perméable. Le Pitch: Afin de favoriser la recherche médicamenteuse, un couple de chercheurs joue aux apprentis-sorciers en combinant l'ADN humain avec celui de divers animaux. Il en résulte une créature hybride mi-humaine, mi-animale que le duo décide de confiner dans la grange de leur foyer. Prénommé Dren, cette dernière adopte un comportement toujours plus agressif depuis sa claustration, quand bien même les rapports du couple de scientifiques s'avèrent houleux face à leur situation devenue ingérable. Sous couvert de science-fiction alarmiste, le réalisateur de Cube  exploite fort efficacement le mythe du savant fou sous l'impulsion d'un suspense soutenu quant à l'évolution morale (puis physique) de la créature et de nos apprentis sorciers ne sachant plus distinguer le bien du mal. Par le biais d'effets spéciaux numériques incroyablement réalistes, Splice insuffle un indéniable pouvoir de fascination pour l'attrait immaculé du cobaye androgyne chamarré d'un regard sensuel aussi diaphane qu'anxiogène. 

Le réalisateur accordant notamment avec soin documenté d'y dépeindre les diverses étapes de sa transformation, de sa gestation à sa maturité. Outre l'aspect attractif de cette découverte révolutionnaire tenant lieu de situations tantôt tendres, tantôt cocasses, l'intrigue met en parallèle les rapports équivoques du couple de chercheurs bravant les lois et leur éthique pour parfaire leur intérêt personnel (la quête de célébrité) et médical (notamment afin de créer un vaccin contre Alzheimer). Par conséquent, de par leurs expériences frauduleuses y émane un comportement malsain bâti sur le mensonge, la trahison et même l'adultère lorsque la sexualité commence à susciter chez l'un d'eux un désir irrépressible d'expérience nouvelle avec l'étranger. Et donc, à travers leur autorité contradictoire dénuée de repère dans leur éthique anti manichéenne, et l'attitude toujours plus farouche de Dren, une tension palpable commence à s'irriguer autour d'eux, quand bien même le spectateur, conscient de leur tardive prise de conscience redoute une issue dramatique. Parfois angoissant, voir même flippant auprès de la posture imprévisible de la créature plus vraie que nature, Splice n'en demeure pas moins passionnant et empathique de par le caractère attachant des amants en perdition (Adrien Brody et Sarah Polley provoquent une épaisseur psychologique davantage sentencieuse dans leurs accès de remords et quête désespérée de rédemption) . Sans compter l'aspect onirique de certaines séquences crépusculaires (particulièrement le final à la dramaturgie homérique) qu'une créature en mutation progressive instaure en nouvelle icone du bestiaire fantastique.

A la fois malsain, inquiétant et parfois même étonnamment pervers, Splice parvient surtout à conjuguer avec intelligence suspense, tension, émotion, appréhension et tendresse autour des agissements véreux du trio maudit. Tant au niveau de leur amour maternel que de la montée progressive du danger engendrant de façon insidieuse le ressort du sacrifice. Outre l'alchimie romantique du duo infortuné se disputant la vedette avec rigueur dramatique, l'oeuvre fétide est toutefois contrebalancée d'un sens de l'émerveillement en la présence ambivalente de Dren, victime hybride malencontreusement enfantée par le genre humain.

*Bruno
08.04.23. 3èx 
17.08.15 / 02.11.10 - 70v

L'HOMME QUI VENAIT D'AILLEURS

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site blogs.rue89.nouvelobs.com

"The Man Who Fell to Earth" de Nicolas Roeg. 1976. Angleterre. 2h19. Avec David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Bernie Casey, Jackson D. Kane.

Sortie salles France: 6 Juillet 1977. U.S: 28 Mai 1976

FILMOGRAPHIE: Nicolas Roeg est un réalisateur anglais et directeur de photo, né le 15 Août 1928 à Londres. 1970: Performance. 1971: La Randonnée. 1973: Ne vous retournez pas. 1976: l'Homme qui venait d'ailleurs. 1980: Enquête sur une passion. 1984: Eureka, 1985: Insignificance. 1986: Castaway. 1988: Track 29. 1990: Les Sorcières. 1991: Cold Heaven. 1995: Two Deaths. 2007: Puffball.

                          Une chronique exclusive de Audrey Jeamart (http://scopophilia.fr/)

À l’opposé de son titre français laconique, ou anglais (« The man who fell to earth ») factuel, le quatrième film du britannique Nicolas Roeg est une œuvre complexe, sinueuse, d’une circonvolution confinant au vertige. Tenter de la résumer serait, plus qu’une gageure, une erreur, tant l’on savait bien avant X-Files que la vérité est ailleurs. Son intrigue, dévoilée par bribes, part d’une base linéaire et relativement sommaire (un extra-terrestre ayant pour mission de trouver un moyen d’acheminer de l’eau sur sa planète, où se meurent sa femme et ses deux enfants), mais emprunte constamment des chemins de traverse qui la rendent finalement accessoire et font du film, saturé d’ellipses et de soubresauts, une œuvre aussi décontenançante que fascinante.

Si la trame du film, dans sa globalité, suit bien une ligne chronologique, Roeg brouille constamment les repères et se montre peu avare en ellipses. On reste également interdits devant l’étrangeté et la beauté de ses montages alternés, dont le sens peu ou prou nous échappe. À nous de reconstituer, déduire, supposer, sans jamais acquérir de certitude. Tout comme la trajectoire du personnage, la narration du film se caractérise par un certain flottement, entre détours et raccourcis. Les motivations même du héros semblent floues, ses réactions parfois incohérentes. Sans plus d’explications, il nous faut accepter que Thomas Jerome Newton, qui vient tout juste d’arriver sur Terre, et après avoir simplement eu le temps de vendre son alliance, se retrouve assis dans le salon d’un avocat spécialisé dans les brevets (d’où découlera l’entreprise qui le rendra riche, mais dans quel but ?), qu’il s’établisse, en dépit de sa fortune, dans une chambre d’hôtel peu cossue où il accumulera les postes de télévision (abrutissement délibéré ou volonté d’engranger en peu de temps l’ensemble des us et coutumes humains ?), qu’il s’installe avec Mary-Lou, la femme qu’il y a rencontrée, dans une maison isolée, pour finalement ne se sentir bien nulle part.

De ce désordre apparent naît le vertige. Vertige d’une narration heurtée, ponctuée de cul-de-sac, traversée de réminiscences-visions de cet ailleurs (des étendues blanches et désertiques, et trois êtres aux yeux jaunes vêtus d’étranges combinaisons : souvenirs, visualisations mentales en temps réel ou espoirs futurs matérialisés, on ne saurait vraiment dire) dont on ignore au fond si le héros souhaite vraiment le retrouver. Vertige de la quête qui se délite progressivement (a-t-elle seulement existé ?), se désagrège comme une navette qui exploserait en entrant dans l’atmosphère. Car il apparaît de plus en plus évident que ce qui pouvait s’apparenter au départ à une mission des plus essentielles (retrouver sa famille et la sauver) n’est en fait qu’une errance. Celle d’un être qui s’invente un but sans être lui-même convaincu de son importance, qui bâtit un empire et devient millionnaire pour tout abandonner et finir reclus (d’abord volontairement, puis contre son gré, mais au fond, cela fait-il une différence ?). Qu’importe d’où il vienne (ni où il va), Thomas Jerome Newton est surtout dévasté par le nihilisme.

Difficile alors de ne pas voir le film de Roeg comme une allégorie de la chute originelle. Thomas Jerome Newton n’est-il pas celui qui littéralement « tombe sur la Terre » ? Dans leur dénuement, leur ascétisme serein, les visions de sa planète d’origine ne reflètent-elles pas une sorte de paradis perdu, où seul compte le bonheur d’être ensemble et de mener une vie simple ? Troublant également est ce plan de Tommy et Mary-Lou (qui interprète également sa femme extraterrestre), cet homme et cette femme, nus, qui se regardent, puis nous regardent, nimbés d’un voile vaporeux.

L’espoir d’un retour à l’âge d’or s’incarnerait alors dans cette mission de sauvetage familial, ni plus ni moins qu’une illusion destinée à amortir la chute, dont Tommy devient le symbole errant. Une fois identifiée comme un leurre, cette quête fait de Tommy un homme tout ce qu’il y a de plus ordinaire. Un homme s’inventant un personnage. D’extraterrestre, en l’occurrence. Et c’est là que le choix de David Bowie (pour qui Roeg a conçu l’adaptation du roman de Walter Stone Tevis), d’emblée évident sans que l’on puisse au premier abord avancer une raison autre que son magnétisme et l’atypisme de sa silhouette frêle, de ses yeux vairons et de ses cheveux orange, prend tout son sens.

Qui d’autre pouvait mieux incarner Thomas Jerome Newton (nom ternaire comme celui de David Robert Jones) qu’un musicien qui semblait lui-même venu d’ailleurs et s’était toujours inventé des personnages, dont le plus connu, Ziggy Stardust, créé en 1972 (le film a été tourné en 1975), n’est autre qu’un messager d’une intelligence extraterrestre ? En 1969, Space Oddity, inspiré par sa fascination pour 2001 L’Odyssée de l’espace de Kubrick, raconte déjà l’errance, spatiale, du Major Tom, dont on apprendra quelques dix années plus tard, dans Ashes to Ashes, qu’il n’était qu’un junkie, et que l’astronaute était donc un personnage.

La figure de l’extraterrestre n’est pas innocente en ce sens que les termes « alien » et « aliénation », cette idée de dépossession de ce qui fait l’essence d’un être, proviennent du même mot latin. L’alien éprouvant des difficultés à s’intégrer n’est autre qu’un être aliéné qui traverse l’existence à la recherche, comme à tâtons, d’une complétude se dérobant sans cesse devant lui. Sans raison de vivre (l’autodestruction, par l’alcool, ou en tant qu’idée, comme avec ce pistolet intervenant dans les jeux érotiques de Tommy et Mary-Lou, parcourt le film entier), l’homme vit dans l’illusion de grands projets qui ne font que masquer le vide qui l’accable. C’est ce qui rend L’Homme qui venait d’ailleurs si mélancolique, si tragique, au fond.

Et comme les correspondances à l’œuvre dans le film n’en finissent plus et donnent elles aussi le vertige, la légende raconte que Bowie était sous l’emprise de substances pendant toute la durée du tournage. Qu’importe. Peu nous intéresse, au final, de savoir si cet air détaché, ce faciès quasiment imperturbable traversé par quelques sourires et mimiques ironiques d’autant plus saisissants qu’ils sont rares, découlent d’une volonté de jeu d’acteur ou d’un état second. Il est surtout troublant de superposer l’altérité manifeste à la fois de l’acteur, et du personnage. « Just being me as I was was perfectly adequate for the role. I wasn’t of this earth at that particular time », avait-il déclaré.

Au terme de cette déambulation chaotique, c’est par la création artistique que Tommy (qui tel Dorian Gray ne prend pas une ride, quand tous les autres personnages sont devenus vieux) se reconnecte à sa quête. On découvre en effet qu’il a composé un album (que sa femme entendra peut-être de là où elle est, nous suggère-t-on) sous le nom de The Visitor. Quelques années, plus tard, ce seront des portraits de Bowie tirés du film qui orneront les pochettes des albums Station to Station et Low (sur lequel figurent certains morceaux écrits pour la bande originale du film, mais qui ne furent pas utilisés).

En dépit de sa complexité, de sa continuité malmenée ne facilitant pas la compréhension immédiate et nous laissant parfois hagards, L’Homme qui venait d’ailleurs est d’une beauté confondante. D’une poésie rare, lancinante, profondément mélancolique. On demeure fasciné devant la trajectoire de cet homme qui se prend parfois à rêver et s’invente, échappatoire illusoire aux tourments qu’il tente de contourner, de sublimer, une seconde peau qui ne remplacera jamais vraiment la première, et devient le sublime et fragile écrin métaphorique de la difficulté de vivre et de s’adapter.

Audrey Jeamart (http://scopophilia.fr/)

PLANET TERROR

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site planetterror.wikia.com

de Robert Rodriguez. 2007. U.S.A. 1h45. Avec Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Marley Shelton,
Josh Brolin, Naveen Andrews, Michael Biehn, Stacy « Fergie » Ferguson, Michael Parks, Tom Savini, Jeff Fahey, Carlos Gallardo, Nicky Katt, Bruce Willis, Quentin Tarantino.

Sortie salles France: 14 Août 2007. U.S: 6 Avril 2007

FILMOGRAPHIE: Robert Rodriguez est un réalisateur et musicien américain, d'origine mexicaine, né le 20 Juin 1968 à San Antonio, Texas, Etats-Unis.
1992: El Mariachi. 1993: Roadtracers (télé-film). 1995: Desperado. 1995: Groom Service (Four Rooms, segment: The Misbehavers). 1996: Une Nuit en Enfer. 1998: The Faculty. 2001: Spy Kids. 2002: Spy Kids 2. 2003: Spy Kids 3. 2003: Desperado 2. 2005: Sin City. 2005: Les Aventures de Shark Boy et Lava Girl. 2007: Planète Terror. 2009: Shorts. 2010: Machete (co-réalisé avec Ethan Maniquis). 2011: Spy Kids 4. 2013: Machete Kills. 2014: Sin City: j'ai tué pour elle. 2014: From dusk till Daw: The Series (épis 1,2 et 4). 2015: Machete Kills Again... in Space.

Vibrant hommage aux séries Z horrifiques des années 70 et 80, Planet Terror s'édifie en offrande ultime que tous les amoureux du Bis espéraient voir naître un jour sur grand écran. Ceux ayant été bercés par des peloches aussi incongrues que l'Avion de l'Apocalypse, le Monstre qui vient de l'espace, le Manoir de la Terreur ou Contamination. Si le duo Rodriguez / Tarantino nous avait déjà comblé avec le polar vampiresque (tendance Tequila !) Une Nuit en Enfer, nos lurons remettent le couvert de l'ultra-référence en décuplant l'épice action/gore autour d'une invasion de zombies putrescents. La faute de leur condition vérolée incombant à une transaction militaire menée par le lieutenant Muldoon, puisqu'un gaz mortel vient de se libérer dans les airs pour y infecter la population d'une bourgade rurale. Cherry, une go-go danseuse en démission et son ex amoureux décident de s'allier avec un restaurateur et une poignée de mercenaires afin de repousser les monstres affamés de chair humaine. 

Ce pitch éculé que les amateurs connaissent par coeur, Rodriguez en extirpe une gigantesque farce macabre dans son lot jubilatoire de poursuites, gunfights et agressions sauvages. Une confrontation outre-mesure déployée entre zombies (à tête de pizza svp !) et survivants communément confinés au sein d'un centre hospitalier, d'un restaurant et d'une base militaire. Baignant dans le mauvais goût parmi l'audace d'un gore aux effluves transalpines (dont un fameux clin d'oeil à Fulci pour l'archétype de l'écharde !), Rodriguez s'en donne à coeur joie afin d'illustrer avec esbroufe grand-guignolesque des séquences d'éventrations, de décapitations, de démembrements, de mutilations à grand renfort de geysers de sang ! Outre le caractère ultra jouissif des son action trépidante saturée d'humour mesquin, Planet Terror est également transcendé par une galerie de personnages tous plus excentriques, cyniques et ubuesques les uns des autres. Avec les trognes charismatiques de comédiens en roue libre, dignes représentants des années 80, le film possède une facture vintage proprement irrésistible, notamment dans la manière iconique dont le cinéaste parvient à dessiner le portrait pugnace de deux héroïnes estropiées. Rivalisant d'idées saugrenues (la mitraillette encastrée au moignon d'une unijambiste !) et de situations scabreuses pittoresques (les couilles émasculées s'imposent en tractation durant tout le cheminement de l'intrigue quand bien même les pustules éjaculent sur les visages de témoins !), Planet Terror se vautre dans le ridicule avec un ton parodique extraverti. Qui plus est, avec une volonté d'atmosphériser le cadre de l'action rurale (le grill-room) et médicale (l'hôpital en alerte), Rodriguez soigne l'esthétisme flamboyant d'une photo rongée de scratchs (afin de se fondre aux vieilles bobines du Grindhouse !) au rythme entêtant d'une partition électro échappée d'un Carpenter. Bref, toute une poésie visuelle et auditive jamais à court de carburant dans son panel de trouvailles fantasques, graveleuses et répulsives !

Hymne solennel aux bisseries Z et autres classiques du gore transalpin que Fulci a initié de sa patte licencieuse, Planet Terror transfigure l'hommage et dépoussière le cinéma d'exploitation avec une vigueur galvanisante, une inventivité débridée, une verve insolente (les dialogues rivalisent de grivoiserie et vulgarité !) et une générosité intarissable. Immersif en diable dans sa volonté de sacraliser l'atmosphère palpable d'une bourgade Texane en prise avec un surnaturel morbide, Planet Terror redore le zombie apathique avec purisme sous l'impulsion prétentieuse de comédiens cartoonesques. 

Bruno Matéï

2èx

SCREAM 2

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemagora.com

de Wes Craven. 1997. U.S.A. 2h01. Avec Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Jamie Kennedy, Jerry O'Connell, Elise Neal, Liev Schreiber, Timothy Olyphant, Sarah Michelle Gellar.

Sortie salles France: 8 Juillet 1998. U.S: 12 Décembre 1997

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio.
1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

Seconde suite d'un premier opus mondialement reconnu, Scream 2 continue de surfer sur le slasher en vogue avec un goût tacite pour la parodie, Wes Craven s'interrogeant aujourd'hui sur la nécessité des suites à succès générant le merchandising, quand bien même les producteurs véreux utilisent l'appât du fait-divers crapuleux pour l'adapter à l'écran et divertir le public ado. A l'instar de son modèle, le film s'ouvre avec un prologue tout aussi cruel lorsqu'un couple de spectateurs est pris à parti avec le tueur masqué en pleine projection de Stab (adaptation cinématographique du premier Scream). Wes Craven ayant auparavant pris soin de nous attacher à leur rapport romantique afin de mieux irriguer l'empathie après leurs assassinats. Nanti d'un ressort dramatique, il utilise la mise en abîme pour mettre en exergue la réaction aphone du public lorsqu'il se retrouve témoin d'un véritable assassinat sur la scène de l'écran. Par le biais du "film dans le film" auquel ces derniers se frissonnent à observer le meurtre fictif d'une baby-sitter, Scream 2 tend à prouver à quel point le réalisme au cinéma peut altérer l'esprit du spectateur ne sachant plus ici distinguer fiction et réalité. Ou lorsque la tragédie du quotidien vient transcender l'illusion pour rappeler à l'ordre la conscience soumise du jeune public en émoi !

Outre sa réflexion sur le pouvoir de l'image et l'influence de la violence cinématographique qu'il peut parfois exercer chez des sujets fragiles, l'intrigue met également en appui un discours sur l'avidité de la célébrité par l'entremise des journalistes sans scrupule et surtout de l'étudiant Cotton Weary (celui que Sidney avait accusé dans le 1er opus et qui lui valu d'écoper une peine de prison), délibéré aujourd'hui à prendre sa revanche sur sa réputation auprès de l'opinion public. Bourré de références aux classiques du Slasher mais aussi du Giallo, l'intrigue exploite moult rebondissements épiques, suspects et faux coupables lorsqu'un nouveau tueur décide de fonder une suite au 1er Scream pour y imposer sa signature et commettre une nouvelle série d'homicides afin de brimer Sidney Prescott et son entourage. Avec inventivité, cruauté sardonique et pas mal de vigueur dans la gestion des séquences de poursuites, Wes Craven élabore de nouvelles séquences d'angoisse ou de terreur particulièrement palpitantes (avant d'exploiter les repères du huis-clos claustro !) lorsque les victimes sont incessamment traquées par un tueur malhabile, ce dernier ne cessant de trébucher lorsqu'il s'engage à rattraper sa proie en panique. Une manière habile de détourner les codes du genre et de s'en moquer en jouant autant sur les poncifs éculés des suites à rallonge (notamment ces fameux alibis impartis à la vengeance et au coupable bicéphale !). Le point d'orgue s'avérant assez jubilatoire dans son humour sarcastique et ses contrecoups en pagaille régis autour d'une scénographie théâtrale. Une leste manière de dévoiler l'envers du décor cinégénique et tous ces artifices techniques que le cinéaste pratique inévitablement dans l'hyperbole ! Pour parachever, on peut également prôner la complicité amicale de tous les comédiens (déjà célébrés dans le premier opus !) formant une cohésion attachante par leur caractère spontané, quand bien même Courteney Cox insuffle à sa fonction de journaliste cupide une dimension plus humaine (et romantique !) dans sa prise de conscience d'aborder cette nouvelle dramaturgie avec discernement. 

Fun et bien troussé par son savoir-faire véloce et son rythme sans faille, Scream 2 renouvelle son style ironique avec perspicacité pour divertir son public complice d'une farce macabre. De manière satirique, voire parodique, Wes Craven profitant de nous questionner sur notre responsabilité morale à distinguer la fiction d'une violence horrifique et la tragédie du fait-divers qu'Hollywood n'hésite pas exploiter vulgairement afin de favoriser le merchandising des suites lucratives. 

Les Chroniques de Scream: http://brunomatei.blogspot.com/2011/04/scream.html
                               Scream 4: http://brunomatei.blogspot.com/2011/04/scream-4.html

Bruno Matéï

3èx