Le Sanctuaire / La Chiesa / The Church

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site silverferox.blogspot.fr

de Michele Soavi. 1989. 1h42. Italie. Avec Barbara Cupisti, Tomas Arana, Hugh Quarshie, Giovanni Lombardo Radice, Asia Argento, Feodor Chaliapin Jr, Antonella Vitale.

Sortie salles Italie: 10 Mars 1989

FILMOGRAPHIE: Michele Soavi est un réalisateur italien né le 3 Juillet 1957 à Milan, (Italie). 1985: The Valley (vidéo). 1985: Le Monde de l'horreur (Documentaire). 1987: Bloody Bird. 1989: Le Sanctuaire. 1991: La Secte. 1994: Dellamorte Dellamore. 2006: Arrivederci amore, ciao. 2008: Il sangue dei vinti.

Deux ans après s'être fait remarquer avec l'onirique Bloody Bird, psycho-killer flamboyant récompensé du Prix de la Peur à Avoriaz, le néophyte Michele Soavi aborde cette fois l'horreur gothique avec Le Sanctuaire, produit par son maître et mentor Dario Argento.

Série B modestement ambitieuse au regard de son budget limité, le film repose sur l'art du suspense nourri de mystère et sur l'efficacité d'épisodes horrifico-occultes que des protagonistes tentent de déjouer au sein d'une cathédrale maudite. Le Sanctuaire fait notamment appel au survival dans sa seconde partie, fertile en péripéties morbides que Soavi imprime d'un stylisme pictural en roue libre.

Ainsi, si l'intrigue simpliste - des victimes de l'hérésie, condamnées des siècles plus tôt, sont réveillées à la suite d'une malédiction ancestrale par inadvertance d'un bibliothécaire, au sein d'une cathédrale en rénovation - manque d'originalité, elle s'inspire par ailleurs de l'atmosphère enivrante de la fameuse Forteresse noire de Michael Mann lors du réveil des forces du Mal. Un plan symbolique y est d'ailleurs littéralement repris, sous un éclairage bleuté. Michele Soavi transcende néanmoins ces emprunts en imprimant sur pellicule un art consommé de l'atmosphère pénétrante et de l'inventivité formelle.

Il exploite notamment avec astuce le cadre tentaculaire et délétère d'une cathédrale jonchée de souterrains et de pièces secrètes, en proie à l'influence du Mal. Inépuisable pochette surprise où horreur, gore et fantastique se fondent avec une insolence parfois abrupte - certaines scènes chocs affichant une verdeur viscérale -, Le Sanctuaire fascine et inquiète sans modération à travers son panel de situations souvent hallucinatoires. Si bien que les protagonistes, à la merci du Mal, se révèlent impuissants à départager la réalité de la chimère. Porté par une recherche visuelle à la fois personnelle et référentielle, notamment à travers son prologue moyenâgeux volontiers cruel, malsain et épique, marqué par les châtiments infligés à des métayers sans défense, le film baigne dans un délire morbide capiteux, sublimé par le score sépulcral et éclectique du groupe Goblin, accompagné de Keith Emerson, illustre compositeur d'Inferno d'Argento.

Baignant dans un climat vénéneux de gothisme baroque - l'une des victimes est mordue par un gros poisson carnassier, une autre violée par un bouc humain -, Le Sanctuaire embrasse l'épouvante contemporaine avec une alchimie expérimentale. Soavi, résolument impliqué dans ses recherches formelles, notamment à travers une réalisation tarabiscotée et des effets subjectifs, nous offre un trip émotionnel où la fascination morbide gagne toujours davantage de terrain. Et si l'intrigue, un brin inachevée, aurait gagné à être plus dense, le spectacle généreusement bigarré, qui décuple les incidents meurtriers dans son second acte, mérite largement le détour. Soavi y imprime sa personnalité latine, avec un goût prononcé pour l'onirisme morbide qui n'appartient qu'à son imaginaire inspiré. Et plus je me replonge à cœur ouvert dans cet univers au fil des visions successives (7è au compteur), plus je me laisse bercer par son délire gothique, avec un ravissement cinéphile encore plus impactant.

— Celui du cœur noir des images 🖤

20.10.26. 7èx. Vistfr 

03.02.25. Version anglaise 

La Féline (Cat People)

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Paul Schrader. 1982. U.S.A. 1h58. Avec Nastassja Kinski, Malcolm McDowell, John Heard, Annette O'Toole, Ruby Dee, Ed Begley Jr, Scott Paulin, Frankie Faison, Ron Diamond, Lynn Lowry.

Sortie salle France: 8 Septembre 1982. U.S: 2 Avril 1982

FILMOGRAPHIE: Paul Schrader est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 22 Juillet 1946 à Grand Rapids (Michigan). Blue Collar: 1978. 1979: Hardcore. 1980: American Gigolo. 1982: La Féline. 1985: Mishima. 1987: Light of Day. 1988: Patty Hearts. 1990: Etrange Séduction. 1992: Light Sleeper. 1994: Witch Hunt (télé-film). 1997: Touch. 1997: Affliction. 1999: Les Amants Eternels. 2002: Auto Focus. 2005: Dominion. 2007: The Walker. 2008: Adam Resurrected. 2013 : The Canyons. 2014 : La Sentinelle. 2016 : Dog Eat Dog. 2017 : Sur le chemin de la rédemption. 2021 : The Card Counter. 

"L'amour a fait d'elle une bête érotique". 
Etrange film que cette Féline, remake (ou plutôt variation !) du chef-d'oeuvre (contrairement éthéré) de Jacques Tourneur. Car en abordant avec une certaine ambiguïté les thèmes de l'inceste et du refoulement sexuel, Paul Schrader entreprend un film fantastique à la charge érotique invariante sous l'impulsion charnelle de Nastassja Kinski. Irena retrouve son frère Paul après de longues années d'absence. Passées les retrouvailles, celui-ci tente rapidement de la convaincre qu'une malédiction les unis. Spoil ! Parce que leurs ancêtres accordaient le sacrifice d'enfants à des panthères, les âmes infantiles grandissaient dans le coeur et le corps de ces félins pour peu à peu devenir des humains. Ainsi, afin d'éviter la prochaine métamorphose, le frère et la soeur devaient avoir une relation incestueuse. Fin du Spoil. Irena, déconcertée par ces révélations improbables repousse les avances de son frère. Le lendemain, une jeune prostituée est sauvagement blessée par un animal dans une chambre d'hôtel. A la vue de cette version modernisée assez trouble et sulfureuse, voir parfois  spectaculaire, le cinéaste adopte un parti-pris démonstratif à contre-emploi de son modèle de suggestion. Si bien qu'en l'occurrence les quelques scènes chocs qui jalonnent le récit s'avèrent d'un réalisme intense à défaut du racolage bon marché (la métamorphose, l'arrachage du bras ou l'éviscération de la panthère concoctés par de superbes FX de Tom Burman !). Quand bien même l'érotisme qui en émane est décuplé par la posture électrisante d'une Nastassja Kinski mise à nu !

Sa silhouette lascive magnétisant l'écran dans une fragilité candide, de par sa personnalité timorée et torturée à s'éveiller aux autres puis tenter de percer le mystère qui entoure sa filiation maudite. Car en quête identitaire et de désir sexuel, Irena est profondément troublée par les allégations de son frère compromis par une étrange malédiction. Quand bien même sa romance toujours plus ardente et passionnelle auprès d'un vétérinaire de zoo l'accule à passer à l'acte sexuel afin d'y perdre sa virginité. Mais à quel prix ? Tant et si bien que cette troublante relation entre eux découle sur une étrange rédemption répressive où la passion des sentiments ne peut toutefois se résoudre à les séparer. Ainsi, à travers ses plages fantasmagoriques stylisées accentuées de l'entêtant score de Giorgio Moroder (les images chimériques s'avèrent d'une flamboyance ensorcelante), La Féline fascine et séduit parmi l'élément perturbateur de l'inceste et du désir torride qu'instille le triangle amoureux. La présence patibulaire du génial Malcolm McDowell (une fois de plus habité par son rôle équivoque de dominateur !) renforçant le climat insolite que Schrader parvient avec élégance à mettre en images (photo léchée en sus). Notamment auprès de sa première partie tantôt macabre illustrant ses virées nocturnes et exactions meurtrières avec machisme condescendant (ses nuits de débauche avec de jeunes prostituées). Le second acte aussi captivant se focalise enfin vers l'initiation sexuelle d'Irena prise entre le dilemme de son instinct primitif et son amour irrépressible pour son amant. Ce qui nous vaudra d'ailleurs une originale transformation de la belle en bête avant d'osciller entre le crépuscule d'une traque urbaine et d'un ultime coït mélancolique.

"Femme en cage". 
Troublante métaphore sur l'emprise sexuelle par le biais d'un amour interdit, réflexion sur la perte de virginité par le biais d'une angoisse du désir, de l'engagement et de la passion, La Féline transfigure le portrait névrosé d'une jeune vierge assujettie à sa malédiction ancestrale. Objet de désir et de fantasme, Natassja Kinski  irradie l'écran de sa beauté aussi bien virginale que concupiscente. Cette charge érotique constante, son climat diaphane inusité et l'efficacité de son script à la fois couillu et vénéneux élevant La Féline au Classique du Fantastique contemporain (quasi impénétrable).

Gaïus
07/08/18. 6èx
02.07.12. 5èx (209 vues)

PARASITE

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinematerial.com

de Charles Band. 1982. U.S.A. 1h25. Avec Cheryl Smith, Demi Moore, Cherie Currie, Vivian Blaine, Scott Thomson.

Sortie salles France: 28 Juillet 1982. U.S: 12 Mars 1982

FILMOGRAPHIE: Charles Band est un producteur de cinéma, réalisateur et scénariste américain, né le 27 décembre 1951 à Los Angeles.1973 : Last Foxtrot in Burbank. 1977 : Crash!. 1982 : Parasite
1983 : Metalstorm. 1984 : Trancers. 1985 : The Dungeonmaster. 1986 : L'Alchimiste. 1990 : Synthoïd 2030 (vidéo). 1990 : Meridian : Le Baiser de la Bête (vidéo). 1991 : Trancers II. 1992 : Doctor Mordrid. 1993 : Prehysteria!. 1993 : Dollman vs. Demonic Toys (vidéo). 1996 : Le Cerveau de la famille. 1997 : Mystery Monsters. 1997 : Hideous!. 1997 : The Creeps. 1999 : Blood Dolls. 2000 : NoAngels.com (vidéo). 2002 : Pulse Pounders. 2003 : Puppet Master: The Legacy (vidéo). 2004 : Dr. Moreau's House of Pain (vidéo). 2005 : Decadent Evil (vidéo). 2005 : Doll Graveyard. 2005 : The Gingerdead Man. 2006 : Petrified (vidéo). 2006 : Evil Bong. 2007 : Ghost Poker. 2007 : Decadent Evil II (vidéo). 2011 : Killer Eye: Halloween Haunt

Hit video des années 80 sous la bannière étoilée Hollywood video, Parasite est une modeste série B  peu ambitieuse comme de coutume chez l'habitué des séries Z, Charles Band. Exploité à sa sortie  salles en 3D (relief argentique à l'ancienne !), Parasite conjugue timidement science-fiction post-apo et horreur gore, faute d'un pitch étique peu embarrassé par les invraisemblances (notre héros toujours en vie après l'explosion de son estomac, il fallait oser !) et les ellipses. A savoir qu'un médecin porteur d'un terrible parasite tente de trouver un sérum pour l'annihiler. Pour cela, afin de lui prélever du sang, il doit retrouver la trace d'un autre parasite dérobé par un gang. Egaré dans une petite bourgade désertique, il tente de se débarrasser de ces loubards et d'un étrange homme en noir travaillant pour le gouvernement. C'est alors qu'il se lie d'amitié avec un tenancier et une jeune fille solitaire. Baignant dans le cadre désertique d'un climat solaire irrespirable, Parasite séduit la vue si j'ose dire auprès de l'amateur de nanars attentif au soin apporté aux décors limités, faute de son budget low-cost.

Truffé de séquences inutiles mais pour autant assez sympas et ludiques (les loubards hyper cabotins s'adonnant aux récurrentes bastons auprès des citadins), Parasite insuffle une charmante fantaisie auprès de la posture excentrique de ces antagonistes jouant les méchants avec un sérieux involontairement cocasse. Quand bien même le duo héroïque formé par Robert Glaudini (il possède un charisme flegmatique saillant en dépit de sa posture inexpressive) et Demi Moore, assez convaincante en faire-valoir prévenante, parviennent à nous impliquer dans leurs enjeux de survie  d'une cause humanitaire. Et donc grâce à son aspect visuel relativement accrocheur, ces petits détails techniques délirants (les armes lasers, les mutations du parasite !) et à sa foule de personnages assez cartoonesque (leur chassé-croisé vire à la loufoquerie), Parasite emporte l'adhésion. Tout du moins chez l'inconditionnel de plaisir coupable sensible à la sincérité de l'auteur respectant la série B candide avec un second degré assumé. Et pour pimenter le récit avare en surprise et au suspense timoré (la quête redondante du scientifique à retrouver le parasite meurtrier inspire pour autant un côté attachant dans sa posture atone et soumise), Charles Band procède à d'étonnants FX artisanaux pour parfaire quelques séquences chocs parfois très impressionnantes. A l'instar du parasite s'extirpant de la tête d'une victime ou d'un autre s'ôtant de l'estomac du héros (les 2 séquences étant filmées en gros plan gorasse). 

Nanar bonnard assez immersif dans sa tentative de rationaliser un univers post-apo au sein d'un contexte horrifique, Parasite tire parti de son budget précaire grâce à l'intégrité de Charles Band confectionnant une aimable petite série B d'un charme naïf étonnamment cinégénique. 

Gaïus
2èx

Box Office France: 283 141 entrées

Contamination

de Luigi Cozzi (Lewis Coates). 1980. Italie/Allemagne. 1h35. Avec Ian McCulloch, Louise Marleau, Marino Masé, Siegfried Rauch, Gisela Hahn, Carlo De Mejo, Carlo Monni.

Sortie salles France: 15 Juillet 1981. Italie: 2 Août 1980

FILMOGRAPHIE: Luigi Cozzi est un réalisateur et scénariste italien, né le 7 Septembre 1947 à Busto Arsizio (Italie). 1969: Le Tunnel sous le monde. 1973: Il Vicino di casa. 1975: L'Assassino è costretto ad uccidere ancora. 1976: Dedicato a una stella. 1976: La Portiera nuda. 1979: Starcrash. 1980: Contamination. 1983: Hercule. 1985: Les Aventures d'Hercula. 1988: Turno di notte (série tv). 1988: Nosferatu à Venise. 1989: Sinbad of the seven seas. 1989: Le Chat Noir. 1989: Paganino Horror. 1991: Dario Argento: Master of Horror. 1997: Il Mondo di Dario Argento 3: Il museo degli.  orrori di Dario Argento (video).

                                         

 

L’invasion vient de Mars.

Gros hit des vidéoclubs sous la bannière étoilée d’Hollywood Video, Contamination demeure l’un de ces classiques bisseux des années 80 que les fans de gore se sont empressés de louer, happés par l’aspect dégueulbif de sa jaquette explicite. Surfant sur le succès d’Alien, réalisé un an plus tôt, Luigi Cozzi en extirpe un ersatz transalpin jouissif, dans sa manière ostentatoire d’étaler complaisamment une horreur cracra. Si bien qu’à l’appui de ralentis stylisés, les estomacs explosent, vomissent leurs viscères au contact d’un acide né d’un œuf étranger. À partir d’un argument incongru d’invasion extra-terrestre, le réalisateur revisite la scène anthologique d’Alien (le xénomorphe s’extirpant de la cage thoracique de John Hurt !) pour en extraire une anticipation horrifique bien plus gore, qu’il réitère à intervalles réguliers.

Entouré d’aimables seconds couteaux du ciné bis (le trio attachant Ian McCulloch, Louise Marleau, Marino Masé), Contamination conjugue aventure exotique (leur expédition en Amérique du Sud pour démanteler une société de café), suspense vaguement oppressant (la panique – assez peu crédible – de Stella recroquevillée dans sa salle de bain à proximité d’un cocon) et horreur cinglante (les corps qui volent en éclats, disséqués au ralenti parmi les zooms insistants !).

Et si le récit s’avère linéaire, voire tracé d’avance, il est contrebalancé par l’efficacité d’une mise en scène soignée (notamment dans la structure narrative rythmée d’humour, autour des rapports contradictoires entre la colonel Stella et l’imbécile heureux Tony), un tempo soutenu, et le charisme familier (du moins pour les aficionados) d’acteurs bisseux jouant les investigateurs héroïques avec autant de simplicité que de dérision. En prime, l’aspect niais des répliques et l’humour lourdingue lâché par le cabotin Marino Masé pourront vite irriter le spectateur lambda, peu sensible aux productions Z. Mais cette posture pittoresque, volontairement grossière, renforce le charme naïf et le second degré d’une entreprise low-cost, taillée pour divertir l’amateur d’horreur crapoteuse et incongrue.

Les scènes gore, spectaculaires, font mouche grâce à leur esthétique artisanale et leur absence de complexes : les boyaux fumants éclaboussent l’écran. Et l’apparition finale du fameux cyclope impressionne franchement par son aspect éminemment délétère, visqueux, viscéral. Face à cette icône monstrueuse, résolument glauque, et grâce à un montage habile, à la conviction d’acteurs transis d’effroi, Luigi Cozzi nous immerge dans un cauchemar malsain, un dernier quart d’heure homérique, hypnotique, rehaussé d’effets spéciaux étonnamment convaincants - si bien qu’on se surprend à croire à leur vigueur réaliste.

Classique bisseux au pouvoir de fascination morbide inextinguible, Contamination préserve son attrait bonnard en jouant principalement sur l’effet « révulsif / appréhensif » de l’œuf extraterrestre, aussi blafard que méphitique. L’aspect verdâtre de sa physionomie se tend au tempo d’une respiration gutturale qui imprègne toute la pellicule. Et les Goblin d’achever le sort : une pulsation électro, funèbre, imprimée à jamais dans les tympans des fidèles.

— le cinéphile du cœur noir

* Gaïus
03.08.18. 7èx
29.07.13. (104 vues)

Luigi Cozzi

SILENT NIGHT BLOODY NIGHT / DEATHHOUSE

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site pinterest.fr

"Night of the Dark Full Moon" de Theodore Gershuny. 1972. U.S.A. 1h25. Avec Patrick O'Neal, James Patterson, Mary Woronov, Astrid Heeren, John Carradine, Walter Abel.

Sortie salles U.S: Novembre 1972

FILMOGRAPHIE: Theodore Gershuny est un réalisateur américain né le 30 Octobre 1933 à Chicago, décédé le 16 Mai 2007 à New-York. 1988-1990: Monsters (TV Series: 2 episodes). 1985-1987 Histoires de l'autre monde (TV Series: 5 episodes). 1985 Stephen King's Golden Tales (Video: segment "Strange Love"). 1973 Sugar Cookies. 1972 Silent night Bloody night. 1970 Kemek.

Rareté aussi oubliée que mésestimée en dépit de sa résurrection en Dvd chez l'éditeur Bach Films et de sa disponibilité en Blu-ray Outre-Atlantique; Silent night bloody night (à ne pas confondre avec le slasher Silent night Deadly Night natif des années 80 !) est une véritable perle horrifique comme on en voit peu de nos jours. Car imprégné d'une ambiance mortifère tangible au sein d'une demeure gothique chargée en silence, mystères et secrets inavoués,  Silent Night... est ce que l'on prénomme un pur film d'ambiance hérité de l'horreur Old school des Seventies (pellicule granuleuse à l'appui). Le réalisateur soignant son cadre domestique terriblement inquiétant avec l'appui de protagonistes équivoques; notamment auprès de leur charisme patibulaire si bien que l'on peine à éprouver une certaine compassion à l'un d'entre eux. Au niveau de l'intrigue assez confuse au premier abord (notamment au niveau de sa chronologie historique), l'auteur nous illustre la transaction d'une demeure de sinistre réputation qu'un petit fils s'efforce de revendre en compagnie de son avocat. Au préalable, quelques décennies plus tôt, son grand-père mourra immolé par le feu dans de mystérieuses circonstances. S'agit-il d'un suicide ou d'un crime prémédité sachant qu'au même moment une présence dans la maison y composa une mélodie au piano ? Alors que l'avocat et sa maîtresse profitent de l'isolement de la bâtisse pour y séjourner une nuit, un tueur échappé d'un asile rode aux alentours. 

A travers un récit assez vrillé et douloureux au niveau de sa dramaturgie abrupte,  Theodore Gershuny y instaure un climat horrifique résolument ensorcelant au fil d'une investigation latente assez avare en indices. La fille du maire et le petit-fils du défunt propriétaire s'épaulant mutuellement à tenter de percer le mystère qui entoure la fameuse demeure restée trop longtemps inoccupée (un sentiment d'abandon et d'isolement que le réalisateur retranscrit à merveille à travers ses cadrages tarabiscotés et ses silences pesants). Quand bien même un tueur au téléphone y terrorise la police, une secrétaire et le bourgmestre avant de passer à l'acte criminelle (on apprécie d'ailleurs l'impact percutant - bien que habilement suggéré - du 1er double meurtre brutalement perpétré à la hache !). Ainsi, si l'intrigue ne fait pas preuve d'un rythme nerveux en privilégiant la caractérisation intimiste de ses personnages, la manière scrupuleuse dont le réalisateur s'efforce de consolider un climat d'insécurité perméable autour d'eux nous instille curiosité et sentiment de fascination irrépressible. A l'instar de son long flash-back tourné en sépia au gré d'un éclairage surexposé nous dévoilant des convives aussi égrillards que grossiers autour d'une table culinaire. Et ce avant qu'une explosion de violence n'y vienne semer le trouble et le chaos cauchemardesque. Autant dire que cette réminiscence à la fois glauque et malsaine fait office d'anthologie d'une horreur pestilentielle, notamment de par son réalisme expérimental. Quand bien même son surprenant final assez baroque (notamment auprès de l'accoutrement vestimentaire, victorien, d'un des protagonistes) nous laisse sur un sentiment d'impuissance, de malaise et de douce mélancolie. 

Psycho-killer crépusculaire préfigurant les tueurs au téléphone icônifiés dans Black Christmas et l'incroyable Terreur sur la Ligne, Silent Night Bloody Night conjugue avec une certaine originalité les thèmes de la famille dysfonctionnelle et de la hantise pour renchérir tourment et appréhension au sein d'une demeure gothique transie d'une présence démoniale. A découvrir d'urgence pour tous les amoureux de film d'ambiance sépulcrale native d'un ciné indépendant aussi discret et personnel qu'audacieux. 

Dédicace à Sandra Hameau

Gaïus

LES DIABOLIQUES. Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur film étranger,1956

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Henry Georges Clouzot. 1955. France. 1h57. Avec Simone Signoret, Véra Clouzot, Paul Meurisse, Charles Vanel, Pierre Larquey, Michel Serrault

Sortie salles France: 29 Janvier 1955

FILMOGRAPHIE: Henri-Georges Clouzot est un scénariste, dialoguiste, réalisateur, et producteur de cinéma français, né le 20 novembre 1907 à Niort, décédé le 12 janvier 1977 à Paris. 1942 : L'assassin habite au 21. 1943 : Le Corbeau. 1947 : Quai des Orfèvres. 1949 : Manon. 1949 : Retour à la vie (segment Le Retour de Jean). 1950 : Le Voyage en Brésil (inachevé). 1950 : Miquette et sa mère. 1953 : Le Salaire de la peur. 1955 : Les Diaboliques. 1956 : Le Mystère Picasso. 1957 : Les Espions. 1960 : La Vérité. 1964 : L'Enfer, inachevé. 1967 : Grands chefs d'orchestre. 1968 : La Prisonnière.

Chef-d'oeuvre du suspense horrifique made in France autant célébré par la critique (récompenses en sus répertoriée en fin d'article !) que par le public (3 674 380 entrées), Les Diaboliques constitue un modèle de mise en scène hitchcockienne si bien qu'Henri-Georges Clouzot joue avec nos nerfs et manipule notre raison par le biais d'un scénario cruel d'une redoutable perversité. Sans déflorer d'indice, le récit impeccablement charpenté tourne autour d'une stratégie criminelle que s'efforcent de parfaire 2 complices féminines (l'épouse, la maîtresse) avides de se débarrasser de leur amant épouvantablement machiste et tyrannique. Paul Meurisse se délectant avec condescendance à molester son épouse avec un art consommé de la provocation et de l'humiliation. Le hic, c'est qu'après l'avoir lâchement assassiné et englouti au fond d'une piscine, ce dernier disparaît sans laisser de traces. Tout du moins c'est ce que le réalisateur laisse planer dans un premier temps afin de distiller un suspense latent toujours plus inquiétant autour des interrogations infructueuses des criminelles. C'est dire si Henri-Georges Clouzot est digne de rivaliser avec sir Alfred Hitchcock, notamment dans son brio à distiller vers son dernier acte une angoisse oppressante plaquant littéralement au siège le spectateur.

Celui-ci jouant avec les effets d'ombres d'un jeu de lumières suggérant une silhouette fantomatique à travers des corridors étrangement aphones. Le récit étant en prime épargné de toute partition musicale afin de rehausser le caractère réaliste des situations et rebondissements parfois improbables mais pour autant scrupuleusement dépeintes si bien que Clouzot ne lâche jamais d'une semelle les faits et gestes de nos meurtrières afin de bien nous familiariser avec leur mutuelle contrariété, entre deux caractères opposés. Et donc, en abordant en filigrane le thème de la hantise, Henri-Georges Clouzot s'improvise en maître de l'angoisse horrifique dans sa manière retorse de jouer avec les codes du film d'épouvante (avec en sus une savoureuse notion "surnaturelle" lors de sa dernière minute !), et ce jusqu'à son dénouement grand-guignolesque inscrit dans la légende du 7è art. Au-delà de la solide prestance de Paul Meurisse en détestable amant phallocrate, les Diaboliques est transcendé par les performances de Simone Signoret en maîtresse commanditaire inscrite dans une force de caractère et surtout par la douce et fragile Véra Clouzot littéralement habitée en victime démunie incessamment persécutée par ses doutes, sa névrose et ses affres de l'incompréhension. Ajoutez également pour renforcer l'attrait lugubre de sa trajectoire narrative quasi surnaturelle un noir et blanc envoûtant afin de mieux vous immerger dans la psyché névralgique de Christina (Véra Clouzot) avec autant d'empathie que d'appréhension subtilement vénéneuse.

En dépit de son renversant effet de surprise dissipé au second visionnage, Les Diaboliques reste pour autant un savoureux jeu de peur et de perversité autour d'une intrigue implacable d'une cruelle ironie macabre que son casting proéminent transfigure avec une vérité humaine à la fois glaçante et couarde. On peut d'ailleurs aussi saluer en second-rôle chargé de dérision, et en guise de cerise sur le gâteau, la présence infaillible de Charles Vanel en commissaire avenant aussi discret que fin limier. 

Gaïus
2èx

Récompenses: Prix Louis-Delluc en 1954.
Prix du meilleur film étranger lors des New York Film Critics Circle Awards 1955.
Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur film étranger en 1956.

Scanners

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site toddkuhns.com

de David Cronenberg. 1981. Canada. 1h43. Avec Jennifer O'Neill, Stephen Lack, Patrick McGoohan, Lawrence Dane, Michael Ironside, Robert A. Silverman, Lee Broker, Mavor Moore, Adam Ludwig, Murray Cruchley...

Sortie salles France: 08 avril 1981  U.S.A: 14 janvier 1981

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada). 1969 : Stereo, 1970 : Crimes of the Future, 1975 : Frissons, 1977 : Rage, 1979 : Fast Company, Chromosome 3, 1981 : Scanners, 1982 : Videodrome, 1983 : Dead Zone,1986 : La Mouche, 1988 : Faux-semblants, 1991 : Le Festin nu, 1993 : M. Butterfly, 1996 : Crash, 1999 : eXistenZ, 2002 : Spider, 2005 : A History of Violence, 2007 : Les Promesses de l'ombre, 2011 : A Dangerous Method.

10 secondes... la douleur commence, 15 secondes... vous étouffez, 20 secondes... vous explosez !

Deux ans après l'éprouvant Chromosome 3, drame horrifique sur les conséquences d'un divorce névrotique engendrant une lignée monstrueuse, David Cronenberg poursuit son exploration de la mutation génétique avec Scanners. Le docteur Paul Ruth, figure de proue de l'organisation ConSec, capture un SDF du nom de Cameron, ignorant l'origine de ses dons de télépathe, aussi puissants que destructeurs. Le médecin lui révèle l'étendue de ses capacités psychiques tout en apaisant ses souffrances mentales (un scanner perçoit les voix et pensées d'autrui de façon décuplée). Grâce à l'éphémerol, médicament initialement prescrit aux femmes enceintes, Cameron peut contenir ses effets secondaires. Mais une mission capitale l'attend : traquer et éliminer Darryl Revok, scanner renégat à la tête d'une organisation criminelle.

Ce pitch, aussi passionnant que délirant, nous entraîne dans les méandres de la mutation biologique via une enquête mêlant espionnage industriel, horreur viscérale et science-fiction alarmiste. Avec une efficacité métronomique, Cronenberg orchestre un duel mental entre deux entités aux cerveaux hypertrophiés. L'un, Cameron, s'efforce de canaliser ses facultés grâce à l'aide bienveillante de son mentor. L'autre, Revok, ambitionne de créer une nouvelle race de mutants pour imposer sa domination, en exploitant les vertus mutagènes de l'éphémerol.

Dans cette guerre silencieuse où le cerveau devient arme de destruction, se pose la question des origines de leur pouvoir : radiation, mutation, effet secondaire d'un traitement médicamenteux ? En filigrane, Cronenberg dénonce les dérives pharmaceutiques et l'expérimentation sauvage de molécules non maîtrisées. Une résonance troublante avec les scandales médicaux bien réels, tel que celui du Médiator.

Michael Ironside campe un Revok mégalomane, froid et cynique, manipulateur né pour dominer. Face à lui, Stephen Lack impose une présence hagarde, désincarnée, son regard fuyant et sa posture rigide accentuant l'étrangeté de ce héros muré dans le doute. Le duel est d'autant plus poignant qu'il est porté par une tension quasi mystique. Autour d'eux gravitent Jennifer O'Neill, troublante et vulnérable dans la peau d'une télépathe fragile, et Patrick McGoohan, savant ambigu dont la bienveillance apparente masque une responsabilité plus trouble.             

La chair des Pensées.

Traitant avec une originalité rare de la mutation cérébrale à travers la télépathie, Scanners demeure une référence incontournable du genre, autant par son intensité visuelle que par son intrigue singulière, à la fois paranoïaque et charnelle. Outre la partition d'Howard Shore, vibrante de menace souterraine, on salue le design sonore : battements de cœur étirés, respirations lourdes, voix diffractées comme autant d'éclats d’un monde intérieur au bord de l'implosion.

Quant à ses visions chocs, Cronenberg signe des moments d'anthologie : cafétéria en transe, hypnose sépulcrale, explosion crânienne culte, et cette idée insensée d'un fœtus télépathe influençant un esprit hostile depuis le ventre de sa mère. Et pour finir, un climax dantesque : affrontement psychique, chaires en fusion, regards embrasés, écorces d'hommes calcinées. Une hallucinante bataille mentale où le corps explose sous l'assaut de l'esprit. Le tout sublimé par les effets spéciaux de Dick Smith, artisan de la désintégration de l'âme et du corps, en dépit de lentilles trop laiteuses.

Un choc sensoriel et métaphysique. Une onde de choc qui résonne encore sous la peau.

Gaïus
31.07.18. 5èx24.02.11. (102 vues)

DANS LA BRUME

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Daniel Roby. 2018. France/Québec. 1h25. Avec Romain Duris, Olga Kurylenko, Fantine Harduin, Michel Robin, Anna Gaylor.

Sortie salles France: 4 Avril 2018

FILMOGRAPHIE: Daniel Roby est un réalisateur, directeur de photographie, producteur, metteur en scène et éditeur québécois, né le 25 octobre 1970 à Montréal. 2018 : Dans la brume. 2015 : Versailles (série télévisée). 2013 : Louis Cyr : L'homme le plus fort du monde. 2011 : Funkytown. 2004 : La Peau blanche. 2003 : Quelques instants de la vie d'une fraise.

Réalisé par le québécois Daniel Roby, Dans la Brume est une production Franco-québécoise s'essayant honnêtement au genre fantastique avec efficacité à défaut d'être transcendant. Car retraçant sans effets homérique (si on épargne son percutant préambule catastrophiste faisant écho à la Guerre des Mondes) mais avec un souci formel (atmosphère blafarde vitriolée planant au dessus de Paris) la survie d'un couple retranché au dernier étage de leur immeuble chez un couple âgé afin de fuir la brume toxique, Dans la brume gagne en réalisme en survival post-apo soigneusement conté. Et si on peut déplorer un manque de surprise et d'action d'après une trajectoire narrative privilégiant les caractérisations humaines de parents s'efforçant de protéger leur fille atteinte du syndrome de Stimberger (elle est confinée dans une gigantesque prison de verre dans l'appartement du dessous), Dans la Brume cultive une  dimension dramatique poignante au fil d'un compte à rebours de tous les dangers. La brume s'élevant toujours plus de quelques centimètres au niveau des toitures des habitations à chaque minute.

Au niveau du casting, Romain Duris monopolise l'écran avec autant de force de sûreté lors de ses stratégies héroïques pugnaces que d'humanité fébrile auprès de ses rapports précaires avec sa fille alitée (que Fantine Harduin nous retransmet avec un flegme timoré si bien qu'on a un peu de mal à y ressentir sa crainte du trépas et sa compassion parentale). Accompagné d'Olga Kurylenk en épouse contrariée, celle-ci fait notamment preuve d'un sang froid expressif lors de ses bravoures à prêter main forte à son mari avant de céder au sens du sacrifice. Enfin, derrière un vétéran du cinéma français habitué aux seconds-rôles (le Jouet, la Chèvre, le Marginal, l'Important c'est d'aimer) on apprécie également l'apparition émouvante de Michel Robin en voisin sclérosé prévenant au ton mélancolique.

Sans faire preuve d'intensité fulgurante mais laissant percer une émotion davantage poignante au fil de son récit alarmiste, Dans la Brume est une intéressante et sympathique contribution au Survival Post-apo made in France (avec un soutien Québécois !), correctement réalisée et interprétée. 

* Gaïus

SAVAGE STREETS

                      Photo empruntée sur Google, appartenant au discreetcharmsandobscureobjects.blogspot.com

"Les Rues de l'enfer" de Danny Steinmann. 1984. U.S.A. 1h33. Avec Linda Blair, John Vernon, Robert Dryer, Johnny Venocur, Sal Landi, Scott Mayer.

Sortie salles France: 9 Janvier 1985. U.S: 5 Octobre 1984 

FILMOGRAPHIE: Danny Steinmann est un auteur, producteur et réalisateur américain, né le 7 janvier 1942 à New York, décédé le 18 décembre 2012. 1985: Vendredi 13, chapitre 5. 1984: Les rues de l'enfer. 1980: Les secrets de l'invisible. 1973: High Rise.

Profitant du filon lucratif du Vigilante Movie en plein essor durant les années 80, Danny Steinmann y ajoute une louche de Rape and Revenge avec Savage Streets mystérieusement classé X Outre-atlantique ! Car si sa scène de viol un peu hard provoque encore un certain malaise et que le sort d'une jeune fille éjectée du haut d'un pont s'avère (selon moi) encore plus dérangeante, la vengeance criminelle escomptée par notre icone féministe (celle placardée sur l'affiche dans une posture héroïque impassible) fait office de bande dessinée si bien que Troma aurait bien pu le produire. A l'instar du quatuor de punks neuneus que l'on croirait issus d'un remake de Class 84 (notamment le jeune ado influant issue de famille respectable) déversant leurs insanités aux profs et à la gente féminine dans une position misogyne ballot. On s'amuse également (parfois même avec une hilarité nerveuse) du jeu si provocateur de Linda Blair surjouant sans complexe son rôle de justicière (un vrai garçon manqué dans son regard fielleux et sa défroque d'un noir rutilant !) avec une dérision limite grotesque. Il faut dire qu'elle en fait des tonnes à travers ses expressions altières pour notre plus grand bonheur de cinéphile Bisseux. 

Au-delà de ses têtes d'affiche à la fois racoleuses et vulgaires que Danny Steinmann filme parfois complaisamment dans leur plus simple appareil (les scènes de douches avec ces lycéennes aux poitrines opulentes), Savage Streets se vautre aimablement dans la trivialité d'un script émaillé de séquences toutes plus ludiques les unes que les autres. Si bien que le spectateur reluque ses séquences anodines avec un esprit second degré jubilatoire (les crêpages de chignon entre Brenda et sa rivale nunuche, la clientèle jouasse dans la boite de nuit se déhanchant sur du Rock de comptoir, le chahut communautaire des lycéens durant les cours ingérables). Et donc, Savage Streets a beau être archi prévisible dans sa moisson ininterrompue de clichés au point d'anticiper les évènements (notamment les confidences éplorées d'un des criminels auprès de sa victime hospitalisée parmi le témoignage de notre future justicière), on se distrait sans modération à suivre les vicissitudes de Brenda et sa bande malmenés par ces punks erratiques. Danny Steinmann soignant en prime les lieux urbains hipsters à l'aide d'une photo criarde éclairée de néons.

Atomic College
À la fois benêt et primaire, génialement fun et pittoresque, Savage Streets détourne le rape and revenge avec un esprit BD aussi décomplexé que débridé - en témoigne ce final homérique, fertile en pitreries gestuelles, mais aussi maladroit dans la gestion de la tension et du montage des affrontements. On quitte alors cette bande dessinée mal élevée avec un plaisir cinéphile aussi innocent qu’addictif.

À privilégier d’urgence : l’hilarante VF, truffée de dialogues grossiers déclenchant un rire nerveux incontrôlable. Quant à la VO, son revirement de ton est si détonnant qu’on a presque l’impression de découvrir une autre série B, plus sobre, plus grave, presque étrangère à elle-même.

* Gaïus
20/02/26. 3èx

ENFER DE LA VIOLENCE (L')

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site ecranlarge.com

"The Evil That Men Do" de Jack Lee Thompson. 1984. U.S.A. 1h27. Avec Charles Bronson, Theresa Saldana, Joseph Maher, Antoinette Bower, René Enríquez, John Glover.

Sortie salles France: 15 Mars 1984 (Int - 18 ans). U.S: 21 Septembre 1984

FILMOGRAPHIE (comprenant uniquement les productions des années 80): Jack Lee Thomson, de son vrai nom John Lee Thompson, est un réalisateur, scénariste et producteur britannique né le 1er août 1914 à Bristol (Royaume-Uni), décédé le 30 août 2002 à Sooke (Canada). 1980 : Cabo Blanco 1981 : Happy Birthday. 1981 : Code Red (TV). 1983 : Le Justicier de minuit. 1984 : L'Enfer de la violence. 1984 : L'Ambassadeur : Chantage en Israël. 1985 : Allan Quatermain et les Mines du roi Salomon. 1986 : La Loi de Murphy. 1986 : Le Temple d'or. 1987 : Le justicier braque les dealers. 1988 : Le Messager de la mort. 1989 : Kinjite, sujets tabous. 

                                       

Un an après le succès du Justicier de Minuit, Jack Lee Thompson recrute à nouveau son acteur fétiche Charles Bronson afin de renchérir un Vigilante movie en bonne et due forme. D'une ultra violence inouïe (la séquence d'intro particulièrement crue est digne de rivaliser auprès d'un tortur'porn ressuscité par la saga Saw), L'Enfer des la Violence s'enrichit d'un climat malsain tantôt poisseux eu égard des exactions expéditives de notre justicier impassible non avare d'invention pour parvenir à ses fins. Ancien tueur à gage, Holland est sollicité par une vieille connaissance à renouer avec les armes afin de mettre un terme aux agissements d'un criminel nazi passé maître dans l'art de torturer ses victimes. Ayant préalablement sacrifié l'un de ses amis lors d'une (insupportable) séance d'électrocution (discours emphatique en sus prononcé plus tôt par lui face à une assemblée voyeuriste !), Holland se lie d'amitié avec la veuve du défunt. Notamment en lui promettant de mettre fin aux agissements du bourreau réfugié dans une forteresse en Amérique du Sud. 

Et donc à travers ce pitch éculé parfaitement prévisible (même si l'idée délétère du nazi en activité y ajoute une certaine originalité), Jack Lee Thompson transcende la banalité des faits exposés par le biais d'une solide réalisation exploitant sans complexe action et violence (horrifique) avec une efficacité en roue libre. Outre la présence virile du vétéran Charles Bronson toujours aussi décontracté en exterminateur placide, l'Enfer de la violence exploite habilement le cadre solaire du Mexique, à l'instar d'une visite touristique, et à travers le genre westernien que sa dernière partie homérique (poursuite en bagnoles à l'appui) improvise autour d'une prise d'otage davantage intense puis insolite (notamment auprès de sa tournure morbide faisant écho à Freaks). Qui plus est, afin de parfaire le caractère obscur de l'intrigue criminelle semée de cadavres, son score ténébreux au tempo lourd y exacerbe un style percutant à sa réalisation déjà bien rodée. Tant auprès de sa direction d'acteurs (avec des gueules familières de seconds-rôles issus des années 80), du cadre urbain tropical oscillant ensuite avec un environnement rural desséchée que du jeu du chat et de la souris que  Bronson arpente en fin limier réactionnaire. Et d'y ajouter durant sa macabre filature une tacite romance qu'il forme timidement avec Rhiana afin que celle-ci témoigne en personne de sa vendetta promue.

"Dans l'exécution de la justice, il n'y a pas meilleur exécuteur que BRONSON"
B movie fichtrement sympathique à travers son intrigue classique parfaitement rodée, cocktail vitriolé d'ultra violence épicée tant et si bien que son interdiction en salles aux - de 18 ans reste encore aujourd'hui méritoire auprès du public non averti, l'Enfer de la violence peut être considéré comme l'un des plus brutaux Vigilante Movies auquel Bronson collabora (sans abattement) pour parfaire ses exploits sanguinaires en justicier sexagénaire. Et on peut avouer sans ambages que le papy en question en avait toujours dans le pantalon au 3è cycle de sa carrière ! 

* Gaïus
3èx

Box Office France: 876 771 entrées

Je suis vivant / La corta notte delle bambole di vetro

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Aldo Lado. 1971. Italie/Allemagne/Yougoslavie. 1h32. Avec Ingrid Thulin, Jean Sorel, Mario Adorf, Barbara Bach, Fabijan Sovagovic, José Quaglio.

Sortie salles France: 19 Novembre 1999 (Int - 16 ans). Italie: 28 Octobre 1971

FILMOGRAPHIE: Aldo Lado est un réalisateur italien, né le 5 décembre 1934 à Fiume (Croatie).

1971: Je suis vivant. 1972: Qui l'a vue mourir ? 1972: La Drôle d'affaire. 1973: Sepolta viva. 1974: La cugina. 1975: La Bête tue de sang Froid. 1976: L'ultima volta. 1978: Il prigioniero (TV). 1979: L'humanoïde. 1979: Il était un musicien – Monsieur Mascagni. 1981: La désobéissance. 1982: La pietra di Marco Polo (TV). 1983: La città di Miriam (TV). 1986: I figli dell'ispettore (TV). 1987: Sahara Heat ou Scirocco. 1990: Rito d'amore. 1991: La stella del parco (TV). 1992: Alibi perfetto. 1993: Venerdì nero. 1994: La chance.

 

"La nuit courte des papillons de verre."

Thriller transalpin où se télescopent enquête policière, mystère, suspense et horreur, Je suis vivant peut rebuter une partie du public tant Aldo Lado refuse de divertir au sens standard au gré d’une intrigue sinueuse, préférant dénoncer une haute bourgeoisie viciée.

Synopsis : amoureux de la jeune et belle Mira, le journaliste Gregory Moore s’attire la jalousie de son ancienne compagne Jessica. Un jour, Mira disparaît mystérieusement sans laisser de trace. Durant une investigation de longue haleine - qui lui vaut aussi les défaveurs de la police - Gregory subit une violente agression et se réveille dans une morgue, en état de catalepsie. Impuissant à hurler sa survivance, il tente de reconstituer, depuis ce corps figé, les événements morbides ayant suivi la disparition inexpliquée de Mira.

Si Aldo Lado s’est fait connaître auprès des amateurs de giallo avec le fort sympathique Qui l’a vu mourir ? et le classique d’effroi La Bête tue de sang-froid (remarquable variation sur La Dernière maison sur la gauche), sa première réalisation, Je suis vivant, demeure plus confidentielle mais aussi passionnante. La cause sans doute à la personnalité atypique du cinéaste, décidé à expérimenter dès son premier essai un thriller obscur, peuplé de protagonistes interlopes et de témoins cauteleux au sein d'une ambiance feutrée granuleuse. 

Car si l’intrigue captive en prenant son temps pour déployer son récit larvé, Lado y sème un mystère de plus en plus prégnant autour de la disparition de Mira et de la condition démunie de Gregory, qui s’efforce d’alerter le corps médical de sa présence encore vivante. Jalonné de séquences baroques et de déambulations nocturnes traversées d’interrogations existentielles, Je suis vivant n’est pas conçu pour caresser le spectateur dans le sens du poil : il l’embarque dans une intrigue métaphorique, au climat morbide et quasi indicible.

La conclusion, abrupte et désespérée, étonne par son refus du happy end, renforçant la nature hermétique et malsaine de ce thriller jusqu’à l’image finale, figée dans une terreur sourde. Un parti pris à contre-emploi qu’Aldo Lado assume pleinement, dans son ambition auteurisante de livrer un thriller expérimental, à la fois intriguant et envoûtant, sur la perte de liberté d’une jeunesse rebelle, victime d’une société hypocrite et totalitaire.

 

"Les poupées ailées." 

De par son ambiance austère, son suspense inquiétant et sa charge politique viciée, Je suis vivant s’impose comme une œuvre d’étrangeté baroque et singulière, redoutablement intelligente dans sa dénonciation de l’entrave libertaire imposée par un pouvoir conservateur.

Un excellent thriller donc, qui hante bien au-delà du générique, notamment grâce à cette dernière image, figée dans la peur la plus sourde et la plus insidieuse, à glacer le sang.

— le cinéphile du cœur noir

11.11.25. 3èx. Vostfr

La finale. Grand Prix Festival de l'Alpe Duez, 2018.

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Robin Sykes. 2018. France/Belgique. 1h25. Avec Thierry Lhermitte, Rayane Bensetti, Émilie Caen, Lyes Salem, Cassiopée Mayance.

Sortie salles France: 21 Mars 2018. Belgique: 28 Mars 2018

FILMOGRAPHIE: Robin Sykes est un réalisateur, producteur, scénariste et producteur.
2018: La Finale.

                                       
                                       Estampillé "Coup de coeur" Strange Vomit Dolls !

Cure de bonheur et de tendresse anti-sinistrose - alors qu’on aurait pu redouter une comédie sirupeuse, volontiers pathos, au vu d’un sujet aussi grave - La Finale n’a pas volé son Grand Prix à l’Alpe d’Huez. Le premier long-métrage de Robin Sykes nous touche droit au cœur, avec une émotion jamais programmée. Il aborde la maladie d’Alzheimer sous l’angle d’une comédie douce-amère (efficacement rythmée à l’américaine !), magnétisée par le tandem Thierry Lhermitte / Rayane Bensetti, d’une spontanéité irréfragable.
Le récit initiatique s’articule autour de la discorde entre J.B., jeune passionné de basket bien décidé à rejoindre Paris pour sa finale, et son grand-père encombrant, atteint d’Alzheimer. Évidemment, au fil d’un périple houleux semé d’incidents, de rencontres humaines, de quiproquos et de détours absurdes - que Lhermitte enchaîne avec une innocence parfois bouleversante - Roland et J.B. vont peu à peu apprendre à se connaître, au fil de l’empathie croissante de ce dernier, tiraillé entre le questionnement parental, la mémoire affective et la réflexion comportementale.

Si le scénario prévisible ne brille pas par son inventivité, Robin Sykes mise sur le choc des générations, en quête d’amour, de passion et de reconnaissance. Il compte aussi sur le réalisme de leur itinéraire infortuné pour nous faire vibrer avec une bonhomie pudique. Les séquences les plus émouvantes, ou drôles malgré elles, emportent l’adhésion grâce à l’élan vital des comédiens, qui nous transmettent leurs émotions sans jamais forcer la corde sensible.
Et la surprise est réelle, lorsqu’en dernière partie, le film bascule dans une dramaturgie plus marquée, mais toujours sans racolage. On en apprend alors un peu plus sur le passé tragique - pour ne pas dire traumatique - de Roland, aux racines profondes de sa maladie cognitive.
Dans ce cadre de comédie légère menée tambour battant, Sykes cultive un témoignage humble, pudique et tendre sur Alzheimer. Sans voyeurisme, ni blagues acnéennes, il défend les valeurs de l’amour, de l’amitié, de la cohésion familiale… et surtout de la réminiscence, comme outil fragile mais lumineux pour accompagner les malades vers une forme d’allégresse, aussi fallacieuse soit-elle. La Finale prend dès lors tout son (second) sens, lors d’une conclusion anthologique (préparez les mouchoirs !), convoquant un évènement sportif resté dans toutes les mémoires - si bien que “quand on a vu ça, je crois qu’on peut mourir tranquille”.

"Le match d’une vie".

Comédie pittoresque, beaucoup plus tendre et douloureuse qu’elle n’y paraît, La Finale gagne en intensité émotionnelle au fil de son initiation identitaire, autant pour J.B. que pour Roland. Elle arrachera sans doute les larmes aux plus sensibles grâce à la prestation bouleversante de Thierry Lhermitte (Prix d’interprétation indiscutable), d’un naturel troublant - on jurerait qu’il est réellement atteint de cette pathologie. L’acteur soulève le film sur ses épaules, en tandem avec un Rayane Bensetti prometteur, adolescent rebelle à la fringance jamais irritante.

Après l’incroyable surprise Tout le monde debout de Dubosc, La Finale demeure sans conteste LA comédie de l’année 2018. Et Robin Sykes, un talent à surveiller !

* Gaïus

Récompenses: 
Grand Prix, Prix d'interprétation masculine pour Thierry Lhermitte au Festival international du film de comédie de l'Alpe d'Huez 2018.