Sicario: la guerre des cartels

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"Sicario: Day of the Soldado" de Stefano Sollima. 2018. Italie/U.S.A. 2h02. Avec Benicio del Toro, Josh Brolin, Isabela Moner, Jeffrey Donovan, Manuel Garcia-Ruflo, Catherine Keener

Sortie salles France: 27 Juin 2018. U.S: 29 Juin 2018

FILMOGRAPHIE: Stefano Sollima est un cinéaste et réalisateur italien, né le 4 mai 1966 à Rome. 2012: A.C.A.B.: All Cops Are Bastards. 2015: Suburra. Séries TV: Un posto al sole - soap opera (2002), La squadra - série TV, 7 épisodes (2003 - 2007), Ho sposato un calciatore - mini série (2005), Crimini - série TV, épisodes Il covo di Teresa, Mork et Mindy et Luce del nord (2006 - 2010)
Romanzo criminale, 22 épisodes (2008 - 2010). Gomorra, 12 épisodes (2014 - 2015).

Si Denis Villeneuve n'est plus de la partie pour donner suite à Sicaire, le réalisateur italien Stefano Sollima (déjà très remarqué avec son 1er métrage A.C.A.B et surtout Suburra !) relève haut la main la gageure de surpasser son congénère avec une séquelle de haute volée. Sicario: la guerre des Cartels retraçant avec un réalisme méticuleux la mission secrète de la CIA et du sicaire Alejandro Gillick d'enlever la fille d'un parrain du cartel afin d'influencer une guerre fratricide entre clans mafieux tirant des bénéfices sur le dos des migrants à la frontière americano-mexicaine. Car depuis un attentat meurtrier dans un supermarché, les passeurs grassement payés par leur supérieur sont désignés coupables par le secrétaire de la défense d'y faire entrer des migrants potentiellement terroristes. Ainsi, alors que la CIA parvient à kidnapper leur cible, la mission doit être annulée depuis la révélation identitaire des terroristes natifs d'Amérique. Mais au mépris de ses supérieurs et de son bras droit Matt Graver, Alejandro réfute les ordres d'éliminer chaque témoin. Thriller hypnotique rondement menée car d'une précision chirurgicale auprès de sa mise en scène virtuose, Sicario: la guerre des cartels plaque au siège de par sa structure narrative captivante fertile en bravoures homériques, retournements de situations et rebondissements parfois insensés (mais chut, j'en ai déjà trop dit !). On peut d'ailleurs s'agenouiller face au dynamisme du montage rendant lisible la chorégraphie de l'action entièrement au service narratif, et ce sans jamais complexifier vainement le récit plutôt limpide et dénué de digressions.

Superbement campé par 2 acteurs en acmé, Benicio del Toro / Josh Brolin se partagent la vedette avec un charisme quasi animal, notamment auprès de leur idéologie équivoque à combattre vaillamment le crime au prix d'un sacrifice difficilement tolérable. Description aride d'une société de corruption en déliquescence morale, tant auprès des redresseurs de tort impassibles que des trafiquants ne sachant plus trop distinguer qui travaille pour qui et quel est leur véritable identité derrière l'insigne ou le treillis, Sicario se taille une carrure mature assez avilissante auprès de ces personnages véreux s'entretuant pour l'enjeu d'une otage sans défense. Tendu comme un arc auprès de sa seconde partie à couper le souffle, le suspense narratif cède place à une dramaturgie escarpée lorsque Alejandro doit tenter de passer la frontière pour sauver l'otage sévèrement ballottée d'assister en direct à des tueries de masse. Là encore, Stefano Sollima apporte un soin scrupuleux à dresser le portrait si "réaliste" d'une jeune fille obtuse et rebelle mais davantage fragile et démunie au fil de son parcours de survie en proie au chaos. Outre le regard très sobre de Isabela Moner très impressionnante dans sa fonction aussi bien soumise qu'épeurée, le jeune Elijah Rodriguez s'avère aussi soigneusement structuré en passeur en herbe indécis gagné pour autant par le désir de vaincre ses peurs et montrer ses preuves à sa vile hiérarchie quitte à y vendre son âme. La pâleur de son regard candide, sa posture plutôt timorée doucement ternis par ses actes frauduleux nous glacent d'amertume passé sa probation criminelle.

Passionnant, violent et tendu à l'extrême lors d'un second acte littéralement anthologique, Sicario: la guerre des cartels surpasse son modèle en mode thriller noir et radical où bons et méchants ne font plus qu'un au sein d'une société aussi parano que schizo. 

* Bruno

Du sang dans la poussière

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"The Spikes Gang" de Richard Fleischer. 1974. U.S.A. 1h36. Avec Lee Marvin, Gary Grimes, Ron Howard, Charles Martin Smith, Arthur Hunnicutt, Marc Smit.

Sortie salles U.S: 1er Mai 1974

FILMOGRAPHIE: Richard Fleischer est un réalisateur américain né le 8 décembre 1916 à Brooklyn,  et décédé le 25 Mars 2006 de causes naturelles. 1952: l'Enigme du Chicago Express, 1954: 20 000 lieues sous les mers, 1955: les Inconnus dans la ville, 1958: les Vikings, 1962: Barabbas, 1966: le Voyage Fantastique, 1967: l'Extravagant Dr Dolittle, 1968: l'Etrangleur de Boston, 1970: Tora, tora, tora, 1971: l'Etrangleur de Rillington Place, 1972: Terreur Aveugle, les Flics ne dorment pas la nuit, 1973: Soleil Vert, 1974: Mr Majestyk, Du sang dans la Poussière, 1975: Mandingo, 1979: Ashanti, 1983: Amityville 3D, 1984: Conan le destructeur, 1985: Kalidor, la légende du talisman, 1989: Call from Space.

Honteusement méconnu et oublié alors qu'il s'agit à mon sens d'un des plus beaux westerns des années 70, Du sang dans la poussière retrace sans fioriture le parcours criminel de 3 adolescents après avoir secouru un braqueur de banque blessé lors de règlements de compte. Mélancolique, dur et désespéré, Du sang dans la poussière se veut à contre-courant du western traditionnel gentiment ludique dans la mesure où Richard Fleicher opte pour un réalisme froid en dressant le portrait si fragile d'ados en requête d'espoir et de liberté faute de leur encadrement parental psycho-rigide. Tout du moins c'est que l'on apprendra du point de vue de l'aîné Will Young régulièrement battu par son paternel en guise punitive, et qui donc décide un jour de se faire la malle pour acquérir sa propre indépendance et dénicher un havre de paix. Le réalisateur illustrant avec une rigueur dramatique expansive les conséquences tragiques du grand banditisme du point de vue de ces ados utopistes débordants de vie, de joie et d'humanité. 

Et donc sous l'influence d'un braqueur de banque aguerri, le trio s'imagine une nouvelle vie plus prospère après avoir opéré de petits emplois de fortune. Seulement, au fil de leur nouveau parcours délinquant particulièrement inhospitalier puisque semé de désordre et confrontations sanglantes, la vie de braqueur s'apparente plutôt à un danger endémique, une traque sans fin surtout lorsque l'on fait preuve d'inexpérience et que l'on privilégie l'esprit de camaraderie à travers leur amitié indéfectible. Magnifiquement interprété (on reconnaîtra le novice Ron Howard accompagné de l'excellent Charles Martin Smith dans sa nature empotée), Du sang dans la poussière est surtout illuminé par l'acteur  Gary Grimes en jeune frondeur féru de rêve et de positivisme avant de se laisser hanter par le remord et la vengeance que Richard Fleischer souligne notamment à travers ses pensées introspectives. Toujours aussi impressionnant dans sa carrure robuste et son charisme viril, Lee Marvin endosse un sexagénaire marginal avec une autorité déférente auprès de ses ados secourables lors de leur première rencontre. Et ce avant de leur dévoiler son véritable visage impassible, froid, calculateur de par sa ferme autonomie à ne leur céder aucune clémence lors des situations les plus alarmistes et moribondes. La dure loi du métier leur inculquant au final qu'il ne faudra compter que sur soi même pour tenter de s'extirper de la défaite, pour ne pas dire la mort.  

Bouleversant, noir et cruel, Du sang dans la poussière fait presque office de documentaire en soulignant la dérive criminelle d'ados livrés à eux mêmes depuis leur mauvaise fréquentation à s'idéaliser un nouveau père. Terriblement amer et sans concession à travers un cheminement indécis remarquablement conté et structuré, Richard Flescher nous éprouve moralement à travers la puissance de ces images mélancoliques noyées de désespoir existentiel. Tant et si bien que Du sang dans la poussière nous laisse gagner par une tristesse nonchalante sous l'impulsion du score sensible de Fred Karlin (résonnant longtemps dans nos mémoires après le générique de fin).

* Bruno

3èx 

L'enfant du Diable

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"The Changeling" de Peter Medak. 1980. U.S.A. 1h47. Avec George C. Scott, Trish Van Devere, Melvyn Douglas, Jean Marsh, John Colicos, Barry Morse, Madeleine Thorton-Sherwood, Helen Burns, Frances Hyland.

Sortie en salle en France le 29 Octobre 1980. U.S.A: 28 Mars 1980.

FILMOGRAPHIE: Peter Medak est un réalisateur et producteur hongrois né le 23 Décembre 1937 à Budapest (Hongrie). 1968: Negative, 1972: A day in the death of Joe Egg, 1973: Ghost in the noonday sun, 1978: The Odd job, 1980: l'Enfant du diable, 1981: la Grande Zorro, 1986: The Men's club, 1990: la Voix humaine, 1993: Romeo is bleeding, 1994: Pontiac moon, 1998: la Mutante 2.

Quelques mois après la sortie du grand succès public Amityville, la maison du diable, les producteurs Garth H. Drabinsky et Joel B. Michaels proposent pour 7,6 millions de dollars le nouveau projet d'un film de maison hantée. C'est à Peter Medak qu'incombe la tâche, metteur en scène canadien ayant déjà fait ses preuves avec les séries T.V Amicalement Votre, Cosmos 1999 ainsi que quelques longs-métrages parmi lesquels Negative et A day in the death of Joe Egg. Tiré d'un scénario de Russel Hunter auquel le récit serait fondé sur des évènements réels, l'Enfant du diable  (titre français d'apparence racoleur mais finalement moins fallacieux qu'il n'y parait !) puise sa substantialité et son intensité grâce à un alibi narratif en concertation avec les ambiances lourdes d'une angoisse diffuse. Et ce au mépris de l'artillerie de la surenchère trop habituelle chez nos producteurs margoulins. John Russel vient de perdre sa femme et sa fille lors d'un tragique accident de voiture. Lourdement éprouvé et après 4 mois de deuil, il quitte son foyer pour s'installer dans l'état de Washington et poursuivre un poste d'enseignant mélomane. Réfugié dans une vaste demeure en louage, il est rapidement témoin de phénomènes inexpliqués. Après un prélude d'une sobre intensité lors d'une tragédie accidentelle percutant de plein fouet une mère et sa fille face au témoignage impuissant du père, Peter Medak  nous fait pénétrer ensuite dans l'environnement gothique d'une vaste demeure où chaque pièce aphone semble hantée d'une présence occulte. Une ambiance inquiétante délectable émaillée de  moments de tension d'un réalisme aussi ensorcelant que perturbant si bien que le spectateur renoue avec sa peur du noir et de l'inconnu à proximité des chambres les plus poussiéreuses. Peter Medak exploitant agilement (mais de manière placide) sa caméra parfois subjective pour mieux nous confondre au vénéneux sentiment d'insécurité.

Outre le plaisir contradictoire de frissonner avec malaise en étant totalement impliqué dans la situation inexpliquée, le récit charpenté, scrupuleusement conté, privilégie ensuite diverses énigmes à résolver du point de vue démystificateur de John Russel. Croire à l'improbable, l'art de narrer sans effet de manche une ignoble stratégie infanticide où la psychologie des personnages les plus dignes se taillent une carrure d'investigateurs afin de démanteler le coupable jamais condamné ! Telle est la puissance de suggestion lorsque le metteur en scène s'efforce de nous convaincre d'une présence surnaturelle confinée le plus souvent dans un grenier orné de vieux souvenirs. La sobriété des comédiens à l'humanisme prévenant extériorisant notamment une inévitable compassion face à l'épouvantable tragédie qui s'esquisse devant eux ! Ainsi donc, au fil de ce climat anxiogène littéralement tangible mais vaporeux, sa trajectoire s'enrichit d'une passionnante investigation criminelle à la dramaturgie aussi poignante que révoltante. Peter Medak exploitant sans pathos un contexte crapuleux si bien que l'intrigue s'efforcera d'élucider au compte goutte les tenants et aboutissants d'un crime infantile toléré par une sommité handiphobe. Dans la peau du veuf accablé assorti d'une noble pudeur dans son refus de s'y morfondre, l'immense George C. Scott dilue une empathie dépouillée auprès de sa détermination studieuse à daigner coûte que coûte rétablir l'ultime vérité. Spoil ! Dans la mesure où elle compromet la culpabilité "équivoque" d'un notable notoire quasi intouchable. Sa lourde tâche de délivrer l'âme d'un enfant martyr s'avérant d'autant plus fébrile et épineuse qu'il devra s'opposer aux forces occultes avec une bravoure précaire.  Fin du Spoil. Irradiant l'écran parmi son imposante présence, l'acteur porte l'intrigue sur ses épaules en exprimant une force d'expression naviguant entre désagrément et désarroi, incompréhension et soif de découverte, et ce afin d'accéder à la rédemption (tant auprès de sa condition endeuillée que de la victime estropiée éplorant le secours). 

De par son florilège de séquences impressionnantes Spoil ! (la séance de spiritisme, la découverte du grenier et du puits, la noyade dans la baignoire, les coups de marteau tambourinant les cloisons, la balle ricochant dans l'escalier, l'apparition de la chaise du haut de l'escalier, le final explosif) fin du Spoil, L'Enfant du Diable prône avec une noble maturité le Fantastique le plus épuré, à l'instar de ses congénères La Maison du Diable, les Innocents, Ne vous retournez pas, Trauma ou encore  l'inoubliable Le Cercle Infernal. La fragilité de l'intrigue générant un poids dramatique davantage rigoureux (lever le voile sur une innocente disparition), le charisme robuste du vétéran George C. Scott en veuf désireux de prêter main forte à l'inconnu, la douceur bienveillante de Trish Van Devere  (autrement favorable pour soutenir son partenaire contrarié), et surtout l'atmosphère d'angoisse irriguant les murs de l'immense bâtisse achèvent d'accéder l'Enfant du diable au panthéon du chef-d'oeuvre maudit aussi lancinant que tragique. 

Récompenses: Prix du Meilleur acteur (George Scott) au Fantafestival 1982.
Prix génie du meilleur film, Genie Awards de la Meilleure photographie, Meilleur son, Meilleure direction artistique, Meilleur acteur étranger (George Scott), Meilleure actrice étrangère (Trish Van Devere), Meilleur scénario et Meilleur son en 1980

* Bruno
02.11.18. 5èx
07.04.11. 4 (611 v)

Vendredi 13, chapitre VI : Jason le mort-vivant

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"Friday the 13th Part VI: Jason Lives" de Tom Mcloughlin. 1986. U.S.A. 1h29. Avec Thom Matthews, Jennifer Cooke, David Kagen, Kerry Noonan, Renée Jones, Tom Fridley.

Sortie salles France: 14 Janvier 1987. U.S: 1er Août 1986.

FILMOGRAPHIE: Tom Mcloughlin est un scénariste et réalisateur américain né en 1950. 1983: One Dark Night, 1986: Jason le mort-vivant, 1987: Date with an angel, 1991: Sometimes they come back, 1992: Something to live for: the alison gertz story, 1999: Anya's Bell, 2001: The Unsaid, 2002: Murder in Greenwich, 2003: D.C. Sniper: 23 Days of fear, 2004: She's too young, 2005: Odd Girl Out, Cyber Seduction: His secret life, 2006: Not like everyone else, 2007: The Staircase Murders, 2008: Fab Five: The Texas Cheerleader Scandal.

Aussi surprenant que cela puisse paraître, car qui aurait pu imaginer un tel revirement dans l'ornière de la célèbre saga; Vendredi 13, Chapitre 6 s'avère de loin le meilleur du lot. Tout du moins, et à mon sens, le plus fun, le plus ludique, le plus décomplexé, le plus cartoonesque, et ce grâce au panache de sa mise en scène jamais à court de carburant, à ses personnages en roue libre et à son esthétisme bucolique joliment photographié. Réalisé par Tom Mcloughlin à qui l'on doit le sympathique Une nuit trop noire (bien connu des rats des vidéos), ce dernier parvient miraculeusement à transcender les situations éculées grâce à une dérision endémique que les protagonistes empotés et Jason l'incorrigible amorcent avec second degré assumé. Ainsi donc, truffé de personnages inconséquents que Jason Voorhees poursuit avec une tranquillité limite parodique, Vendredi 13, Chapitre 6 transpire la bonne humeur en toute décontraction. Notamment grâce au duo burné formé par Thom Matthews (Tommy aujourd'hui adulte, l'ado autrefois rescapé du Chapitre Final !) et Jennifer Cooke (la fille entêtée du shérif s'adonnant à une marginalité héroïque impromptue). Et donc si son schéma narratif ne sort pas des sentiers battus, Tom Mcloughlin parvient efficacement à renouveler les séquences de poursuites et exactions meurtrières dans de multiples sentiers forestiers si bien que l'on s'étonne de son rythme littéralement affolant (notamment auprès de son final haletant avec son action ramifiée du point de vue des flics et du couple juvénile !).

Ainsi, le spectateur jouasse s'enjaille à comptabiliser les victimes, sacrifiées, comme de coutume, de manière aussi cruelle que spectaculaire. D'ailleurs, on s'étonne même parfois d'y ressentir un soupçon d'empathie auprès de certaines timidement attachantes de par leur innocence. Et pour pimenter l'intrigue inévitablement rebattue (de jeunes vacanciers du camp "Forrest Green", quelques quidams locaux et 3,4 militaires férus de paintball vont faire les frais du tueur parmi le témoignage médusé d'une colonie d'enfants auquel Jason n'osera jamais lever la main !), Tommy s'efforcera durant sa garde à vue prolongée de convaincre le shérif local que Jason est bel et bien revenu d'entre les morts pour y semer un nouveau carnage. A cet égard, on peut également souligner son jouissif préambule aussi inventif que pittoresque lorsque Tommy et un acolyte se résignent à exhumer le cadavre de Jason dans une nécropole (délicieusement photogénique !) afin d'exorciser son traumatisme d'ado. Inventive, trépidante et semée d'humour noir, cette mise en bouche prometteuse annonce déjà le parti-pris sarcastique du cinéaste tout en starisant Jason dans sa nouvelle stature criminelle davantage indestructible (on croirait presque avoir à faire à un super-anti-héros !).

B movie du samedi soir purement ludique à travers sa moisson de péripéties horrifiques rondement menées, Vendredi 13, Chapitre 6 détonne en diable sous l'impulsion d'une dérision à la fois espiègle et sardonique. Quand bien même on s'étonne de la prestance convaincante de son casting guilleret se prêtant au jeu du "ouh fais moi peur" et du "attrapes moi si tu peux" avec une fougue communément expansive. Si bien que le tournage assurément festif leur aura sans doute légué un précieux souvenir potache ! 

* Bruno
3èx

Une prière avant l'aube

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"A Prayer Before Dawn" de Jean-Stéphane Sauvaire. 2018. France/Angleterre. 1h56. Avec Joe Cole, Vithaya Pansringarm, Nicolas Shake, Panya Yimmumphai, Pornchanok Mabklang, Billy Moore.

Sortie salles France: 20 Juin 2018 (Int - 16 ans). Angleterre: 20 Juin 2018.

FILMOGRAPHIE: Jean-Stéphane Sauvaire est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 31 décembre 1968. 2003, Carlitos Medellin. 2008, Johnny Mad Dog. 2012: Punk (télé-film). 2017 : Une prière avant l'aube.

"L'important est de ne jamais désespérer"
Film choc retraçant avec un vérisme ultra documenté le parcours d'endurance de Billy Moore, jeune détenu britannique incarcéré en prison pour possession de drogue, Une prière avant l'aube est une expérience sensitive dans l'enfer carcéral Thaïlandais peu (ou jamais ?) abordé à l'écran. Tout du moins c'est que nous illustre sa première partie littéralement nauséeuse lorsque Billy témoigne des conditions sordides de son incarcération avec d'autres détenus similaires à des animaux sauvages impudents. Viols, suicide, meurtres, châtiments corporels s'avérant leur lot quotidien si bien que chacun d'entre eux tente de survivre avec comme seul palliatif moral la drogue dure et l'alcool. Pour autant, dans ce milieu insalubre dénué d'humanité où tout se marchande, Billy va parvenir à se raccrocher au fil de sa passion pour la boxe après avoir essuyé une tentative de suicide. On peut d'ailleurs prévenir les âmes sensibles que sa première demi-heure parfois insoutenable (le mot n'est point outré) nous plonge dans un état de malaise viscéral difficilement gérable. Prioritairement une exaction de viol communautaire de par son réalisme ultra malsain auprès des corps en rut et d'un témoignage impuissant. Jean-Stéphane Sauvaire filmant son contexte carcéral avec une vérité sensorielle eu égard de sa caméra expérimentale auscultant les corps en mutation avec une virtuosité autonome.

Quand bien même tous les interprètes thaïlandais méconnus chez nous s'expriment dans leur langage volontairement inaudible (une partie des dialogues n'est pas sous-titré) afin de mieux s'identifier dans le mental de Billy en proie à la perte de repères, l'incompréhension et l'incommunicabilité. Car si Une prière avant l'aube s'avère aussi dur, cruel, asphyxiant et brut de décoffrage, il le doit au talent personnel de son auteur réfutant toute forme de racolage car plutôt délibéré à nous conter avec souci de vérité un vécu inusité. Tant et si bien qu'Une prière avant l'aube demeure avant tout un film de boxe transplanté dans la cadre d'un drame carcéral soigneusement reconstitué. Evitant les clichés usuels et l'esbroufe lors de multiples matchs de combats d'un réalisme et d'une intensité à perdre haleine, Jean-Stéphane Sauvaire nous hypnotise les sens lors de l'initiation héroïque de Billy partagé entre une révolte fielleuse (notamment faute de sa prise de stupéfiants par intermittence !) et un désir de surpasser ses pires démons. Le réalisateur filmant avec beaucoup de sensualité les déplacements et mouvements corporels des boxeurs vouant un culte pour le Tatoo afin d'imprimer leur nouvelle identité dans leur condition exclue. A travers son parti-pris d'authentifier et d'y dénoncer l'enfer d'un témoignage carcéral puis de bifurquer ensuite vers l'hymne à la boxe thaï sous l'impulsion d'une fureur de vaincre, il faut impérativement saluer la précision de sa bande-son hyper travaillée là encore conçue pour nous immerger dans l'introspection morale de Billy passant par divers stades de souffrances/transformations corporelles. Quitte à en perdre son essence vitale à travers ses perles de sueur !

La Nouvelle Chair.
D'une intensité dramatique constamment rigoureuse sans céder à la facilité de sentiments démonstratifs, Jean-Stéphane Sauvaire opte pour la pudeur et la sobriété, notamment auprès du jeu naturel de Joe Cole (Peaky Blinders, Green Room) époustouflant en guerrier primitif naviguant entre résilience et désespoir, folie et quête de rédemption. Drame carcéral éprouvant doublé d'un drame sportif par le truchement d'une histoire vraie, Une prière avant l'aube n'épargne aucune souffrance au spectateur immergé dans la tourmente d'un détenu stoïque à deux doigts d'y perdre son âme. 

* Bruno

Oeil pour oeil

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"Lone Wolf McQuade" de Steve Carver. 1983. U.S.A. 1h47. Avec Chuck Norris, David Carradine, Barbara Carrera, Leon Isaac Kennedy, Robert Beltran, L. Q. Jones

Sortie salles France: 20 Juillet 1983

FILMOGRAPHIE: Steve Carver est un réalisateur américain né le 5 avril 1945 à Brooklyn, New York. 1971 : The Tell-Tale Heart. 1974 : La Révolte des gladiatrices. 1974 : Super nanas. 1975 : Capone. 1976 : L'Enfer des mandigos. 1979 : Fast Charlie... the Moonbeam Rider. 1979 : Des nerfs d'acier. 1980 : Angel City (TV). 1981 : Dent pour dent. 1983 : Œil pour œil. 1986 : Oceans of Fire (TV). 1987 : Jocks. 1988 : À l'épreuve des balles. 1989 : La Rivière de la mort. 1996 : The Wolves.

Un must have de l'action décérébrée typiquement originaire de sa sacro-sainte décennie 80.
Gros souvenir de cinéphage si bien que j'ai eu l'opportunité de le découvrir en salles à sa sortie, Oeil pour Oeil est ce que l'on prénomme un gros plaisir coupable du cinéma d'action bourrin. Ou plus favorablement un pur trip de western moderne afin d'éviter de le vulgariser via sa locution maïnstream. Série B purement ludique endossée par l'une des stars des Eighties Chuck Norris (c'est d'ailleurs probablement son meilleur film !), accompagné ici du non moins notoire David Carradine  (révélé par la mythique série Kung-Fu!), Oeil pour Oeil fleure bon la nostalgie révolue à travers son émotion souvent élégiaque qu'un score très Morriconien (d'ailleurs composé par l'italien Francesco De Masi !) amplifie tout le long d'une intrigue cousue de fil blanc. Car en dépit de ces innombrables clichés et situations héroïques tantôt (involontairement) hilarantes (notamment en sus de réparties altières), Steve Carver s'efforce de rendre Oeil pour Oeil le plus attractif possible sous l'impulsion d'une distribution spontanée, aussi surjouée soit leur prestance pugnace ou belliqueuse.

En gros, un ranger du Texas réputé pour ses méthodes expéditives doit se confronter à d'odieux trafiquants d'armes que dirige le mafieux Rawley Wilkes, alors qu'au même moment la fiancée de ce dernier se séduit du preux ranger. Et donc à travers un schéma narratif éculé que l'on connait sur le bout des ongles, Steve Carver parvient miraculeusement à nous impliquer (émotionnellement parlant) dans l'action décérébrée suivie ensuite d'une dramaturgie racoleuse (avec nombre de "gentils" lâchement sacrifiés !) eu égard de sa générosité à enfiler les séquences homériques avec une émotion florissante ! Ainsi, on a beau anticiper les récurrents règlements de compte sanglants suivis des stratégies offensives de nos héros solidaires (notamment parmi l'appui d'une jeune recrue latino et d'un black de la police fédérale), puis sourire des bons sentiments que se concertent mutuellement le couple Chuck Norris / Barbara Carrera (superbe mannequin originaire du Nicaragua !), on batifole sans se lasser des viccisitudes du ranger redresseur de tort (héritier bisseux de Harry le salopard !).  Chuck Norris endossant au premier degré son personnage de loup solitaire avec la mine impassible qu'on lui connait, quand bien même David Carradine (d'une force tranquille féline !) se mesure à lui lors d'une chorégraphie martiale en guise de point d'orgue. Un affrontement aussi jouissif que plaisamment pittoresque à travers leurs échanges sagaces de corps à corps véloces et regards inflexibles !

Et donc tout cela a beau paraître aujourd'hui désuet, naïf et académique, Oeil pour Oeil dégage un charme insensé auprès des aficionados d'action belliqueuse de par la généreuse sincérité du travail appliqué de Steve Carver (dont j'ignore le contenu de sa filmo à priori bisseuse), aussi futile soit son concept narratif prisonnier d'une formule rebattue. Et ce même si l'abondante action teintée d'arts martiaux est ici transplantée dans le cadre du western moderne (notamment à travers sa superbe scénographie de plaines désertiques solaires). A savourer au second degré, anti-dépresseur galvanisant !

* Bruno
3èx

Box-office France : 741.000 entrées

Un couteau dans le Coeur

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Yann Gonzalez. 2018. France. 1h42. Avec Vanessa Paradis, Nicolas Maury, Kate Moran, Jonathan Genet, Khaled Alouach, Bastien Waultier, Thibault Servière, Pierre Emö.

Sortie salles France: 27 Juin 2018

FILMOGRAPHIE: Yann Gonzalez est un artiste et réalisateur français né en 1977 à Nice. 2013 : Les Rencontres d'après minuit. 2018 : Un couteau dans le cœur.

Un thriller gay auteurisant TRES, TRES, TRES particulier si bien que le grand public n'ayant aucune culture du ciné Bis des "Seventies/Eighties" (l'action se déroule en 1979) risque fort d'être dérouté ou blasé. Narrativement simpliste et sans surprises (un tueur masqué s'en prend aux acteurs porno d'une  productrice sentimentalement éplorée), musicalement planant, cette oeuvre underground vaut surtout pour sa facture onirico-baroque stylisée (l'ombre d'Argento y plane par moments) et son climat mélancolique nostalgique d'un cinéma révolu (celui de l'industrie du Porno artisanal et de ses cinémas de quartier). D'ailleurs, j'ai souvent été gêné par le trop plein de séquences lubriques homo à la fois crues, provocatrices et volontairement triviales. Au niveau du casting (à la diction hélas théâtrale), et même si Vanessa Paradis parvient parfois à distiller une émotion empathique dans sa condition torturée, on l'a connu plus brillante au préalable. A moindre échelle, les amateurs s'amuseront de retrouver avec plaisir quelques seconds couteaux au charismatique strié.
A réserver prioritairement à la communauté gay.

* Bruno

LES FEMMES DE STEPFORD

Photo empruntée sur Google, appartenant au site bloody-disgusting.com

"The Stepford Wives/Le Mystère Stepford" de Bryan Forbes. 1974. U.S.A. 1h54. Avec Katharine Ross , Paula Prentiss, Peter Masterson, Nanette Newman, Tina Louise, Carol Eve Rossen, William Prince, Carole Mallory, Toni Reid, Judith Baldwin.

Date de sortie: 12 février 1975 (USA)

FILMOGRAPHIE: Bryan Forbes est un réalisateur de cinéma britannique, également acteur, producteur et scénariste, né John Theobald Clark à Londres le 22 juillet 1926. 1961 : Whistle Down the Wind , 1962 : La Chambre indiscrète,1964 : Le Rideau de brume,1964 : L'Ange pervers,1965 : Un caïd, 1966 : Un mort en pleine forme,1967 : Les Chuchoteurs,1968 : Le chat croque les diamants,  1969 : La Folle de Chaillot, 1971 : The Raging Moon, 1975 : Les Femmes de Stepford, 1976 : The Slipper and the Rose, 1978 : Sarah,1980 : Les Séducteurs   , 1982 : Ménage à trois, 1984 : The Naked Face, 1990 : The Endless Game (tv)

"Desperate Housewives"
Adapté d'un roman de Ira Levin (Rosemary's Baby), Les Femmes de Stepford se décline comme une diabolique satire caustique sur le sexisme. Un tableau saugrenu de la phallocratie évoquée à travers une anticipation horrifique d'une franche singularité. D'ailleurs, son potentiel misogyne engendra une pléthore de séquelles parmi lesquelles The Revenge of the Stepford Wives (téléfilm de 1980), The Stepford Children, The Stepford Husbands, ou encore le remake aseptique de Frank Oz réalisé en 2004. Un couple vient s'installer dans la bourgade bucolique de Stepford, village situé dans le Connecticut où il fait bon vivre calme et sérénité. Joanna se lie d'amitié avec les voisines du quartier, particulièrement Bobby, jeune femme extravertie et affranchie n'hésitant pas à gloser la posture atone de certaines de ses collègues. Au fil des semaines, notre duo ne tarde pas à s'inquiéter du comportement non-sensique de ces dernières dénuées de caractère et et personnalité. Précurseur du génial Get out (autrement singé en satire anti-raciste), Bryan Forbes surprend autant qu'il ébranle à travers cette vision vitriolée de la guerre des sexes. Passée sa vénéneuse et trouble première partie ne laissant rien supposer de la montée en puissance du cauchemar domestique, Les Femmes de Stepford  amorce sensiblement une ambiance anxiogène délicatement diffuse à travers une banalité quotidienne étrangement épanouissante. Ces divers portraits de femmes de ménage à la fois obéissantes et dociles symbolisant la "famille modèle" avec un réalisme dérangeant feutré.

Qui plus est, et sans céder au grand-guignol de comptoir, Bryan Forbes recourt au pitch machiavélique inscrit dans l'irrationalité (irrésolue) pour mieux déranger le spectateur impliqué dans le désarroi et l'impuissance face au cauchemar domestique qui se dessine face à lui. Incroyablement maîtrisé donc au niveau de sa science d'un suspense studieux que n'aurait renié Sir Alfred Hitchcock, Bryan Frobes recourt à la puissance de suggestion subtilement vénéneuse afin d'y dénoncer la place de la femme "objet" au sein du foyer conjugal lors d'une époque en mutation sociale (l'émancipation féminine à l'orée des Seventies). La charge satirique très féroce ciblant ouvertement le machisme du bourgeois sans vergogne afin de satisfaire son appétence sexuelle et son ego de supériorité. Authentique cauchemar cérébral établit du point de vue d'une héroïne frondeuse en proie à l'incompréhension la plus démunie puis en quête d'ultime vérité lors d'un point d'orgue à la fois oppressant, jusqu'au boutiste et extrêmement amer, les Femmes de Stepford vire à l'horreur la plus lâchement cruelle. Quand bien même le scénario initial envisagé par William Goldman était encore plus horrifiant ! Pour autant, à travers ses postures féminines statiques profondément troubles et dérangeantes; l'intensité de leur étude comportementale donne lieu à des moments d'anthologie parfois très impressionnants. Outre un casting charismatique irréprochable (tant auprès des hommes virils que des femmes soumises), les Femmes de Stepford ne serait pas aussi "authentique" sans le talent viscéral de Katharine Ross ! D'un charisme lestement sensuel et pleine de maturité, notamment auprès de l'intensité de son regard noir naviguant entre douceur et contrariété, Katharine Ross idéalise avec force de caractère une ambitieuse photographe peu à peu envenimée par l'appréhension d'une psychose ingérable au point d'en bouleverser sa destinée programmée ! 

"Sois belle et tais-toi." 

Chef-d'oeuvre d'étrangeté horrifique au climat insidieux aussi claustro que glaçant, Les Femmes de Stepford empoisonne progressivement le spectateur dans un délire cauchemardesque où l'effroi gagne du terrain de par son suspense exponentiel à la dramaturgie escarpée. Sa conclusion sardonique, limite traumatisante, provoquant une éprouvante aigreur chez les plus empathiques d'entre nous. Pastiche corrosif sur l'émancipation féminine durant la révolution des Seventies, les Femmes de Stepford demeure hélas tristement actuel au sein de notre société ultra conservatrice où les discordes homme / femme n'auront jamais été perçues aussi intolérantes et répressives. A redécouvrir d'urgence !

* Bruno
26.10.18. 3èx
11.01.11. (231 vues)

LA NUIT DE LA METAMORPHOSE. Licorne d'Or au Rex de Paris.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Izbavitelj / The Rat Savior" de Krsto Papic. 1976. Yougoslavie. 1h16. Avec Ivica Vidovic, Mirjana Majurec, Relja Basic, Fabijan Sovagovic, Ilija Ivezic.

FILMOGRAPHIE: Krsto Papic est un metteur en scène yougoslave né le 7 décembre 1933 attitré d'un palmarès de 22 longs-métrages réalisés entre 1967 et 2003 ! En France, La nuit de la métamorphose eut l'opportunité de sortir en salles seulement 5 ans plus tard, précisément le 21 Janvier 1981.

Le pitch: En 1930, un jeune romancier, auteur d'un récit fantastique que personne ne souhaite éditer, est expulsé de son domicile faute de payer son loyer. Livré à lui même et sans le sou il parvient néanmoins à se réfugier dans les souterrains d'une banque désaffectée avec l'appui d'une ancienne connaissance. C'est alors qu'il devient témoin d'une étrange confrérie se livrant sans complexe aux orgies culinaires et lubriques !

Ovationné par la Licorne d'or et le prix du Meilleur Scénario au festival du film fantastique de Paris au Rex et récompensé du Grand Prix au festival de Trieste, La Nuit de la Métamorphose est un ovni rare et précieux parvenant sans esbroufe ni fioriture à rendre crédible un argument fantastique inusité ! A savoir qu'une ligue de rats parvient ici à adopter une apparence humaine lors d'un contexte de crise sociale. Et ce dans le simple but de nous asservir après nous avoir réduit au chômage et à la famine. Et donc derrière l'alibi de cette menace animale d'un genre nouveau s'y profile une allégorie sur la cupidité bureaucrate et les régimes fascisants à l'aube du Nazisme d'Hitler (pour rappel, l'action se déroule en 1930). Au-delà de son suspense lattent franchement accrocheur, la densité de l'intrigue est bien entendu de parvenir à nous convaincre de cette suprématie animale par le biais de sobres trucages pour autant très convaincants. L'oeuvre éclairée d'une superbe photo sépia se déroulant à travers une reconstitution historique hyper réaliste, aussi modeste soit sa scénographie urbaine constamment insalubre et clairsemée.

Ainsi, durant tout le récit, nous allons suivre l'obscure investigation de cet écrivain frondeur témoin d'une découverte macabre lors d'un banquet tenu secret. Tant et si bien qu'il décidera un peu plus tard de s'affilier auprès d'un éminent chimiste ayant parvenu à façonner un sérum afin d'éradiquer ses rats mutants contagieux. Particulièrement cibler le "sauveur" d'entre eux destiné à exterminer notre race ! Une lutte sans merci et désespérée s'engagera donc entre notre duo érudit et les rats humains davantage menacés mais tout bonnement insidieux pour se fondre à travers la population humaine.  L'intrigue constamment sombre et inquiétante diluant à merveille une prégnante ambiance mortifère où plane un sentiment d'insécurité sous-jacent, notamment si je me réfère au sort précaire du romancier et de la fille du professeur en étreinte amoureuse. Outre le caractère haletant puis davantage horrifique de sa dernière demi-heure (notamment pour la condition mutante de détenus humains "traités" dans une géôle infestée de rats carnassiers !), la Nuit de la Métamorphose n'hésite pas à renchérir dans la cruauté et l'amertume à travers une conclusion en demi-teinte car ambiguë pour la remise en question morale de l'écrivain en proie au doute, à la psychose et au remord. Le spectateur s'interrogeant avec gravité sur le sens optimiste ou pessimiste de sa dernière image aux destinées incertaines. Pour en revenir en 2 mots aux maquillages aussi concis que très réussis, on reste impressionné par l'apparence fétide des rats humains, de par leur défroque ténébreuse, leurs petits yeux viciés, leurs traits de visage discrètement velues et leur commissure parfois contrastée au centre de deux dents de belette.

De par son pouvoir de fascination hypnotique à travers la puissance atmosphérique de son imagerie crépusculaire, La Nuit de la Métamorphose offre ses lettres de noblesse au cinéma Fantastique yougoslave avec un réalisme étonnamment percutant. Fable à la fois inquiétante et passionnante sur la cupidité de notables affamés de pouvoir, ce chef-d'oeuvre maudit bénéficie en outre d'une étonnante distribution méconnue du public français s'identifiant d'autant mieux à leur caractérisation suspicieuse. Ce qui n'enlève en rien à leur charisme saillant pour la plupart d'entre eux ! Du grand art ! 

* Bruno
25.10.18 4èx
05.08.10 (208 vues)

. Licorne d'or et du Prix du Meilleur Scénario au festival du film fantastique de Paris au grand Rex.
. Grand Prix du festival du film fantastique de Trieste

BlacKkKlansman - J'ai infiltré le Ku Klux Klan. Grand Prix, Cannes 2018

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Spike Lee. 2018. U.S.A. 2h15. Avec John David Washington, Adam Driver, Laura Harrier, Topher Grace, Corey Hawkins, Jasper Pääkkönen, Paul Walter Hauser, Ryan Eggold

Sortie salles France: 22 Août 2018. U.S: 10 Août 2018

FILMOGRAPHIE: Spike Lee de son vrai nom Shelton Jackson Lee, né le 20 mars 1957 à Atlanta (Géorgie, États-Unis), est un scénariste, réalisateur et producteur américain.1983 : Joe's Bed-Stuy Barbershop: We Cut Heads. 1986 : Nola Darling n'en fait qu'à sa tête. 1988 : School Daze. 1989 : Do the Right Thing. 1990 : Mo' Better Blues. 1991 : Jungle Fever. 1992 : Malcolm X. 1994 : Crooklyn. 1995 : Clockers. 1996 : Girl 6. 1996 : Get on the Bus. 1998 : He Got Game. 1999 : Summer of Sam. 2000 : The Very Black Show. 2002 : La 25e Heure. 2004 : She Hate Me. 2006 : Inside Man. 2008 : Miracle à Santa Anna. 2012 : Red Hook Summer. 2013 : Old Boy. 2014 : Da Sweet Blood of Jesus. 2015 : Chi-Raq. 2018 : BlacK.

Hormis une première partie un peu trop laborieuse selon mon jugement de valeur, Blackkklansman se décline comme une percutante diatribe anti-raciste à travers le spectre du Ku Klux Klan tristement actuel. Tant et si bien que Spike Lee, plus que jamais inspiré (réal chiadée émaillée de splendides cadrages alambiqués, photo rutilante, humour corrosif, casting aux p'tits oignons, reconstitution fidèle des Seventies, BO gracile), conclue leur fanatisme suprémaciste à l'aide de terrifiantes images d'archive d'une violence insupportable. Et ce en pointant ouvertement du doigt la politique arbitraire de Trump excusant de manière résolument triviale la haine (monomane) de ces néo-nazis.

Récompenses: Festival de Cannes 2018 : Grand prix
Festival international du film de Locarno 2018 : prix du public

Box Office Français: 1 240 181 entrées

DEUX HEURES MOINS LE QUART AVANT JESUS CHRIST

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site ekladata.com

de Jean Yanne. 1982. France. 1h37. Avec Coluche, Michel Serrault, Jean Yanne, Michel Auclair, Françoise Fabian, Mimi Coutelier, Darry Cowl, Paul Préboist, Daniel Emilfork, André Pousse, Michel Constantin, Philippe Clay, José Artur, Yves Mourousi, Léon Zitrone, Valérie Mairesse.

Sortie salles France : 6 octobre 1982

FILMOGRAPHIE: Jean Yanne (Jean Gouyé) est un acteur, humoriste, écrivain, réalisateur, chanteur, producteur et compositeur français, né le 18 juillet 1933 aux Lilas et mort le 23 mai 2003 à Morsains. 1972 : Tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil. 1973 : Moi y'en a vouloir des sous. 1974 : Les Chinois à Paris. 1975 : Chobizenesse. 1978 : Je te tiens, tu me tiens par la barbichette. 1982 : Deux heures moins le quart avant Jésus-Christ. 1984 : Liberté, égalité, choucroute.

Flingué par la critique de l'époque malgré ses 4 601 239 entrées (3è au box-office après E.T et l'As des As !), 2 heures moins le quart avant Jésus-Christ parodie l'histoire romaine à l'aide d'un pitch uchronique finissant par lasser si je me réfère à ses multiples références politiques, publicitaires et audiovisuelles, et à sa poussive dernière partie lorsque Ben-Hur Marcel (endossé par un Coluche  aussi peu motivé que mal exploité) se confronte aux enjeux sportifs. Ainsi, hormis quelques rares bons gags, des seconds-rôles assez cocasses (Paul Bréboist en géôlier sarcastique) et surtout le numéro d'acteur emphatique de Michel Serrault en empereur gay, 2 heures moins le quart avant Jésus-Christ flirte avec la médiocrité (pour ne pas dire la nullité lors de ces gags les plus lourdingues et du jeu parfois insupportable de Mimi Coutelier en Cléopâtre versatile). Bref, ce grand n'importe nawak terriblement daté est représentatif de sa scénographie en carton pâte si bien que l'on a connu Jean Yanne autrement plus inspiré devant et derrière la caméra, et ce même si ses intentions satiriques étaient louables (se railler de la condescendance de nos exécutifs rupins).

* Bruno
2èx

VOUS N'AUREZ PAS L'ALSACE ET LA LORRAINE

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site ekladata.com

de Coluche. 1977. France/Belgique. 1h32. Avec Coluche, Dominique Lavanant, Gérard Lanvin, Olivier Constantin, Anémone, Martin Lamotte, Michel Blanc, Philippe Bruneau.

Sortie salle France: 19 Octobre 1977

FILMOGRAPHIE: Michel Colucci, dit Coluche, est un humoriste, comédien et réalisateur français, né le 28 octobre 1944 à Paris, décédé le 19 juin 1986 à Opio (Alpes-Maritimes).

En dépit de plusieurs gags lourdingues et d'une réalisation dilettante, l'unique mise en scène de Coluche est un divertissement bonnard se raillant de l'histoire de France (et de ces snobinards !) avec une bonne humeur décomplexée. Car au-delà d'une intrigue étique prétexte à gags, actions et quiproquos (un roi déchu tente de reprendre sa couronne avec l'aide de sa cousine et d'un chevalier blanc chansonnier - interprété par un Gérard Lanvin étonnamment à l'aise ! -), Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorraine parvient à nous arracher quelques rires et plusieurs sourires sous l'impulsion de têtes d'affiches issues de l'équipe du Spendid (même si Balasko manque à l'appel) et du café de la gare. Ainsi, grâce à leur spontanéité expansive, le spectacle parodique volontiers trivial parvient à amuser aussi zédifiante soit l'entreprise de Coluche plutôt mal à l'aise derrière la caméra. D'ailleurs, déçu du résultat, il ne réitéra pas l'expérience en dépit de ses 810 839 entrées (un maigre score si bien qu'en 1977 le film se classe en 44è position). Pour autant, sa prestation parfois hilarante en roi couard et obséquieux permet à chacune de ses interventions souveraines (et déplacements héroïques) de diluer un charme innocent au fil d'une aventure bondissante semblable à une BD mal élevée. A redécouvrir d'un oeil distrait.

* Bruno
2èx

LE MAITRE D'ECOLE

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site ekladata.com

de Claude Berri. 1981. France. 1h35. Avec Coluche, Josiane Balasko, Jacques Debary, Charlotte de Turckheim, Roland Giraud, André Chaumeau, Jean Champion.

Sortie salle France: 28 Octobre 1981

FILMOGRAPHIE: Claude Langmann, dit Claude Berri, est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur français, né le 1er juillet 1934, décédé le 12 janvier 2009. 1964: Les Baisers (segment « Baiser de 16 ans »). La Chance et l'amour (segment « La Chance du guerrier »). 1966: Le Vieil homme et l'enfant. 1968 Mazel Tov ou le Mariage. 1969: Le Pistonné . 1970: Le Cinéma de papa. 1972: Sex-shop. 1975: Le Mâle du siècle. 1976: La Première fois. 1977: Un moment d'égarement. 1980: Je vous aime. 1981: Le Maître d'école. 1983: Tchao Pantin. 1986: Jean de Florette. Manon des sources. 1990: Uranus. 1993: Germinal. 1996: Lucie Aubrac. 1999: La débandade. 2001: Une femme de ménage. 2004: L'Un reste, l'autre part. 2006: Ensemble, c'est tout. 2009: Trésor.

Comédie scolaire pleine de légèreté, de cocasserie et d'humanisme sous l'impulsion d'enfants turbulents et d'un instituteur suppléant s'efforçant de les éduquer avec un amateurisme payant, le Maître d'école parvient à séduire notamment grâce au talent de son auteur Claude Berri. Ce dernier dirigeant les marmots (anti têtes à claque !) avec souci de réalisme documenté eu égard du jeu expressif car criant de naturel des comédiens infantiles. On peut d'ailleurs s'interroger sur l'éventuelle improvisation de certaines séquences scolaires tant les enfants parviennent communément à communiquer leurs émotions avec une candeur dépouillée. Quant à la présence notoire de Coluche  (bordel, comme tu nous manques !), il se fond admirablement dans le corps enseignant avec une attachante maladresse à travers son désir d'éveiller l'esprit des enfants ("les inciter à réfléchir par eux mêmes" évoqueront le directeur ainsi qu'un conseiller pédagogue). L'acteur particulièrement complice auprès d'eux militant pour la révérence, la compréhension, le discernement, la tolérance afin de parfaire patiemment leur éducation.

Au-delà de son climat à la fois tendre et pittoresque, le film aborde en filigrane des thèmes majeurs de l'époque, telle la signification de l'homosexualité ("ce n'est pas une maladie" s'exclamera Coluche aux enfants en proie à l'incompréhension !) et la question de la peine de mort et du syndicat au moment même où l'école traverse une crise socio-politique de par son manque d'effectif à trouver un remplaçant après la dépression d'une enseignante (fraîchement incarnée par une Josiane Balasko  juvénile au bord de la crise de nerf). Et si l'intrigue assez routinière et peu surprenante pâtie de substantialité, le Maître d'école est transcendé par le touchant parcours initiatique du suppléant en proie à l'ambition pédagogue auprès d'une génération infantile en formation cérébrale. Témoignage nostalgique de cette génération 80 déjà soucieuse de la progression du chômage et de la haine du racisme. Pour autant, et dans son parti-pris assumé de nous divertir avec simplicité (notamment à travers les récurrentes batailles de nourriture à la cantine et chahuts dans les cours), Claude Berri compose le plus sincèrement quelques séquences assez drôles ou cocasses lors de confrontations entre élèves et instituteurs, et ce avant de nous susciter un sourire jovial de bambin autour (du bouquet final) d'un mariage festoyant. Les élèves invités à la réception se confondant aux adultes lors d'une danse frétillante que Richard Gotainer compose à travers un tube décalé. Pour ma part une vraie séquence anthologique dans son alliage si expansif de bonne humeur, d'insouciance et de ferveur communicatives que les acteurs insufflent avec une décontraction en roue libre ! Les spectateurs de l'époque y ont d'ailleurs été conquis puisque le Maître d'école cumula plus de 3 105 596 entrées !

* Bruno
3èx

ERREMENTARI. Prix du Public, San Sebastian, 2017.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Le forgeron et le diable" de Paul Urkijo. 2017. France/Espagne. 1h39. Avec Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy, Ramón Aguirre, José Ramón Argoitia, Josean Bengoetxea, Gotzon Sanchez.

Diffusé sur Netflix le 17 Octobre 2018. Sortie salles Gerardmer: 3 Février 2018.

FILMOGRAPHIE: Paul Urkijo Alijo est un réalisateur, scénariste et producteur espagnol, né le 22 Juin 1984. 2017: Errementari.

"Comptez les pois chiches !"
Ovni ibérique passé par la lucarne Netflix, Errementari est une expérience visuelle hors du commun, un choc esthétique démonial à la lisière du cinéma gothique de Mario Bava et du conte de fée occulte initié par Ridley Scott depuis Legend. C'est simple, depuis cette oeuvre culte (perfectible et maladroite mais visuellement tant gracile) on n'avait pas reluqué au cinéma un Belzébuth aussi expressif, rutilant et persifleur dans sa posture contrairement soumise si bien que le néophyte Paul Urkijo (il s'agit de sa toute 1ère réal !) se permet en outre d'illustrer en point d'orgue son cocon familial comme si vous y étiez !!! Car il faut savoir qu'à travers cette fulgurance esthétique littéralement picturale nous avions affaire à la plus belle vision de l'enfer depuis les expérimentations métaphysiques de Ken Russel (Au-delà du Réel), José Mojica Marins (l'Eveil de la Bête) ou encore de Riccardo Freda (Maciste en Enfer dans un domaine autrement kitch et bisseux). Quant au pitch à la fois loufoque, inquiétant, insolent et décomplexé, il demeure un concentré d'émotions hybrides (pour ne pas dire génialement contradictoires !) si bien que le spectateur éminemment ensorcelé par sa facture ténébreuse renoue avec son âme d'enfant avec des yeux d'émerveillement ! (du moins chez tous les férus de conte de fée au goût délicieusement frelaté de cauchemar gothique). Paul Urkijo, infiniment très inspiré et jamais à court d'inventions (cartoonesques) et retournements de situations, ne cessant de nous surprendre et donner le tournis à travers une scénographie d'une puissance enchanteresse hyper réaliste !

Notamment de par sa photo léchée ultra contrastée (éclairée de gélatines rouges, ocres et azur) et ses décors naturels d'une fulgurance onirique à damner le saint le plus timoré ! Mais pour en revenir à l'histoire inspirée d'une illustre légende (et produite par Alex de la Iglesias, excusez du peu !), la voici brièvement condensée: Après avoir voué un pacte avec le diable afin de rester en vie pour retrouver sa femme après la guerre (carliste) de 1835, un forgeron parvient à le kidnapper au sein de sa forge customisée en forteresse. 8 ans plus tard, et de manière résolument aléatoire, il se lie d'amitié avec une orpheline dans un concours de circonstances fureteuses et hostiles, notamment eu égard d'un mystérieux ministre et des villageois résignés à se débarrasser de lui depuis sa sinistre réputation criminelle.  L'art suprême du cinéma chimérique, c'est parvenir avec passion, intégrité, goût du réalisme et ambition singulière à nous faire croire à l'improbable ! Parvenir à travers une temporalité minimaliste (comptez ici 1h38, générique compris, bon dieu que le temps s'épuise vite !) à nous évader au coeur d'un univers de fantasy où fantastique, gothisme, horreur et humour macabre se télescopent avec une fluidité insoupçonnée. Car si Errementari parvient autant à fasciner, amuser et attiser notre curiosité, il le doit autant au développement indécis de sa narration plus intelligente et tendre qu'elle n'y parait (notamment auprès des valeurs familiales que le duo cultive incidemment et du sens du sacrifice pour l'enjeu d'une rédemption) et à ces personnages complètement décalés et au caractère bien trempé que le cinéaste imprime sur pellicule dans un esprit bonnard étonnamment débridé, héroïque et sardonique. Imaginez simplement de parcourir en images, les yeux pleins d'étoiles, une destinée inusité, une guerre aussi improbable qu'impitoyable entre un simple forgeron et un diablotin cabotin ! Pire encore, imaginez ce même forgeron arpenter à l'aide d'une immense cloche or massif l'antre de l'enfer à l'instar d'un Maciste sclérosé pour autant mastard !

Patxi en Enfer
Bref, arrêtons nous là, j'en ai déjà trop dit, ruez vous le plus naturellement du monde sur cette pépite hispanique après avoir déboursé votre ticket pour l'enfer, quitte à ne plus jamais y revenir. Où plutôt avec la volonté irrépressible d'y retourner afin de savourer (sans modération) les tribulations génialement grotesques, infernales et jouissives de Patxi et Usue ! Sans compter que Paul Urkijo vient d'estampiller sur sa bobine novice (et de manière impromptue !) le plus grand héros lambda de tous les temps ! 

* Bruno

Récompense: Prix du Public du 28e Festival du Cinema Fantastique et de Terreur de San Sebastian, an 2017