Territoires. Prix du Meilleur Thriller, BIFF 2010.

de Olivier Abbou. 2010. France/Canada. 1h35. Avec Roc LaFortune, Sean Devine, Nicole Leroux, Cristina Rosato, Michael Mando, Alex Weiner, Stephen Shellen, Tim Rozon.

Sortie en salles en France le 8 Juin 2011. 

FILMOGRAPHIE: Olivier Abbou est un réalisateur et scénariste français, né le 21 Mars 1973 à Colmar. 1997: Un jour de plus. 1999: Clin d'oeil. 2000: Le Tombeur. 2003: Manon. 2007: Madame Hollywood (série TV). 2010: Territoires. 2011: Yes, we can ! (télé-film).

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"Pour moi, la vie c'est apprendre à mourir, c'est ce que la hache représente. Il faut savoir trancher les liens qui nous retiennent à la vie avant que la mort nous y oblige."
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Récompensé à Bruxelles mais passé inaperçu lors de sa discrète sortie en salles, le premier long-métrage du français Olivier Abbou est un électro-choc comme on en endure rarement dans l'hexagone. Car effroyablement dérangeant, âpre et oppressant, cette descente aux enfers jusqu'au-boutiste stigmatise les pratiques barbares d'une Amérique paranoïaque et xénophobe, adepte de la torture pour déprécier ses présumés coupables du terrorisme post 11 Septembre. Le pitch: Après avoir assisté à un mariage familial au Canada, un groupe d'amis s'engage dans une route forestière des Etats-Unis pour rejoindre leur bercail. Au milieu d'un sentier, deux douaniers en service leur décrète de stopper leur véhicule pour présenter leur papier. Les cinq individus d'origine étrangère sont rapidement accusés de terrorisme et vont vivre la plus cauchemardesque des situations faite d'humiliations et de sévices corporels. Au premier abord, Territoires a tout du traditionnel tortur'porn agencé au survival lorsque cinq modestes citadins se retrouvent séquestrés, humiliés et torturés par deux bouseux, anciens soldats de la guerre du Golfe ayant exercer des interrogatoires drastiques sur des prisonniers islamistes du camp de Guatanamo. Ce qui frappe d'emblée à la vue de ce shocker très éprouvant, c'est son réalisme insupportable émanant de situations toutes plus humiliantes les unes que les autres, ainsi que la qualité indéniable du casting tout en sobriété.
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En prime, pour une première réalisation, Olivier Abbou s'alloue d'une étonnante maîtrise technique de par le maniement d'une caméra plongée au coeur d'une forêt clairsemée. La photographie désaturée et blafarde au grain prononcé va également alimenter son sentiment anxiogène et suffocant proche du malaise pour saisir le spectateur. De manière inspiré et rigoureuse, le réalisateur illustre donc avec verdeur le calvaire quotidien d'une poignée d'innocents en situation de claustration. Constamment interrogés par deux tyrans extrémistes, les humiliations récurrentes de tortures physiques mais surtout psychologiques infligées sur eux nous entraînent au coeur d'un enfer bien réel. Car à travers ce kidnapping d'aimables quidams, faute de leur physique basané, Olivier Abbou établit un parallèle avec les conditions de vie de prisonniers islamistes accusés de terrorisme et envoyés dans le camp de Guantanamo. Une base navale du sud-ouest de Cuba justifiée par le président George W. Bush où des sévices barbares leur ont été administrés par des soldats américains vindicatifs, orduriers, pour ne pas dire cyniques. Si bien que leurs aveux forcés furent souvent confessés sous la contrainte d'une violence aussi sordide qu'intolérable. Ainsi, à travers le portrait dérisoire de ces deux rednecks esseulés au fin fond d'une Amérique profonde,  l'écho d'un climat insécuritaire de tout un pays effrayé par sa paranoïa collective s'y avère tacite après que les attentats du 11 septembre frappèrent de plein fouet leur activité économique.

C'est en priorité ce sous-texte politique implacable qui exacerbe le réalisme brutal de sa narration. Un drame frigide où l'horreur inhumaine déploie toute son arrogance et sa rancune à daigner asséner sa haine raciale sur des quidams de nationalité étrangère accoutrées d'une combinaison orange. Ainsi donc, ce huis-clos de terreur infatigable nous place dans une situation si inconfortable qu'elle semble nous infliger viscéralement la même souffrance psychologique tolérée aux victimes. Quand bien même la dernière demi-heure s'octroie d'un revirement inopiné auprès de l'intrusion d'un détective privé addicte à la drogue dure suite au décès de sa fille. L'ambiance diaphane s'avère subitement plus étrange et insolite à travers ce nouveau protagoniste indemnisé pour retrouver nos héros réduits à l'état animal. Spoiler !!! Sur fond de philosophie indienne, la destinée de nos protagonistes semble tracé dans un irrémédiable no man's land et l'épilogue rebutant risque sévèrement d'en déconcerter plus d'un tant il nous laisse amèrement sur le bas côté de la chaussée. Fin du Spoil
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Martyrs.
Solidement interprété sans fioriture, réalisé avec intelligence et d'un épouvantable nihilisme, Territoires demeure un suspense péniblement oppressant de par son intensité abrupte, autant qu'un drame désespéré d'une efficacité implacable. Sa conclusion réfutant le potentiel happy end salvateur  enfonçant un peu plus le clou dans les cimes du pessimisme si bien que le spectateur y laissera des séquelles morales sitôt le générique de fin ! Oeuvre choc remarquable d'humilité empathique pour les suspects présumés, Territoires transcende le genre horrifique avec un réalisme proche du documentaire.

Récompense: Prix du Meilleur Thriller au BIFF de Bruxelles en 2010.

21.10.11
Bruno 

Note (info wilkipedia):
Le camp de Guantanamo se trouve sur la base navale de la baie de guantanamo dans le sud-est de Cuba. Dans ce centre de détention militaire de haute sécurité, sont détenues des personnes qualifiées de "combattant illégal", capturées par l'armée américaine dans les différentes opérations qu'elle mène à l'étranger (Afghanistan, Irak, etc.) contre des millitants et "terroristes islamistes". Le choix de ce centre situé à Cuba sur une base militaire américaine a été justifié par le président George W. Bush afin de fonder juridiquement la décision de refuser de soumettre les détenus au système judiciaire fédéral américain, prenant appui sur l'extra-territorialité de la base.

Le 16 nomvembre 2008, Barack Obama, alors président-élu, a confirmé son intention de fermer le camp. Mais cette fermeture pose en particulier des problèmes de nature juridique comme le fait que des aveux ont été obtenus "sous contrainte", créant ainsi un vice de procédure, ce qui pourrait conduire la justice américaine à libérer des condamnés, dont au moins un, Khalid Cheikh Mohammed, a été jugé responsable des attentats du 11 septembre 2001. Le 22 Janvier 2009, Obama a signé un décret présidentiel ordonnant la fermeture du camp dans un délai d'un an. La prison de heute sécurité de la petite ville de Thomson dans l'Illinois, construite en 2001, mais dont les 2800 cellules ne sont pas toutes remplies, va être achetée par l'Etat fédéral. De nombreuses difficultés, tant politiques qu'administratives et juridiques, entravent la réalisation de la fermeture du camp de Guantanamo qui compte toujours 176 prisonniers en août 2010.

HELLRAISER 2: LES ECORCHES (Hellbound: Hellraiser 2). Version Non Censurée.

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de Tony Randel. 1988. U.S.A. 1h43. Avec Clare Higgins, Ashley Laurence, Kenneth Cranham, Imogen Boorman, Sean Chapman, William Hope, Doug Bradley, Barbie Wilde, Simon Bamford, Nicholas Vince.

Sortie en salles en France le 5 Juillet 1989. U.S.A: 23 Décembre 1988.

FILMOGRAPHIE: Tony Randel est un réalisateur, scénariste et monteur américain né le 29 Mai 1956. Il est parfois crédit sous le nom de Anthony Randel. 1985: Def-Con 4. 1988: Hellraiser 2. 1992: Inside Out 2. Amityville 1993. 1993: Ticks. 1995: North Star: la légende de Ken le Survivant. 1996: Confiance Aveugle. 1996: Morsures. 1998: Assignment Berlin. 2007: The Double Born.

Un an après le succès de Hellraiser, c'est au réalisateur novice Tony Randel de succéder à Clive Barker pour façonner la suite des aventures de Pinhead et ses acolytes. D'après un scénario de Peter Atkins, Kirsty, survivante du premier volet, est placée dans un institut psychiatrique géré par le Docteur Channard. Ce médecin fasciné par le monde occulte des ténèbres fait infliger à certains de ses sujets diverses tortures qu'ils pratiquent eux mêmes sur leur corps scarifié. Grâce au matelas ensanglanté sur lequel mourut Julia, un de ses patients est immolé pour pouvoir subvenir à sa renaissance. Après ses longues recherches sur l'origine du cube maléfique, Channard exploite une jeune fille autiste afin de pouvoir déchiffrer ses secrets. Pendant ce temps, Kirsty reçoit un message de l'au-delà lui sollicitant de sauver son père prisonnier de l'enfer. 

On ne peut pas dire que la carrière de Tony Randel soit un exemple de réussites probantes dans le domaine du cinéma de genre. Pourtant, en 1988, il réalise avec ce deuxième métrage sa plus ambitieuse réussite en s'appropriant de l'univers SM de Hellraiser. Une suite respectueuse dans le sens où elle reprend la continuité des tragiques évènements survenus au préalable ainsi que le cheminement évolutif des survivants. Cette fois, Kirsty (la fille de Franck), est soignée dans un centre psychiatrique suite à son traumatisme subi par la confrérie de Pinhead. Epaulée d'une jeune patiente autiste, elles vont s'allier pour faire face à la nouvelle menace des cénobites et se retrouver projetées dans un dédale de l'enfer. Le prologue illustrant le profil pervers d'un médecin obsédé par la souffrance et l'agonie nous permet d'assister à quelques moments glauques du plus répugnant effet. Des malades moribonds et paranos, faute de prises de drogues hallucinogènes, sont enfermés dans les geôles des sous-sols de l'institut pour s'infliger quotidiennement des tortures innommables. Mais le clou du spectacle déviant est sans conteste cette séquence maladive auquel un schizophrène se retrouve invité dans la demeure familiale de Channard. Par son influence perfide, le cobaye à demi-nu nous laisse transparaître un corps malingre lardé de plaies et contusions.

Souffrant de visions infernales de lombrics et asticots lui grignotant la chair, il se mutile à nouveau le torse en se lacérant des coups de rasoir. Une séquence viscérale d'une rare violence et d'une audace si malsaine que la censure de l'époque ne manquera pas de l'éclipser pour sa diffusion en salles (mais aussi plus tard en dvd dans notre pays hexagonal). Quand à la résurrection de Julia, cadavre décharné en proie à la renaissance corporelle, la poésie morbide qui y émane donne lieu à des moments de sensualité baroque lorsqu'elle décide de s'embaumer le corps de bandelettes à l'instar d'une momie.
La suite ambitieuse et épique est une exploration au cœur des enfers régi par Léviathan. Une bataille sans merci nous est donc livré entre Kirsty, Tiffany, les Cénobites et notre nouveau duo mégalo formé par Julia et Channard. Ces séquences irréelles parfois décousues permettent tout de même de déployer un florilège de séquences cauchemardesques à l'inventivité formelle (couloirs interminables et dédales sans destination abritant des créatures hideuses). De surcroît, nous en saurons un peu plus sur le passé du leader Pinhead ainsi que ces comparses autrefois humains. Et de manière couillu, le réalisateur n'hésitera pas à les malmener pour les destituer de leur omnipotence avec un rival aussi orgueilleux. Justement, l'aspect le plus ludique sera cette fois-ci établi au profit du praticien Channard, créature tentaculaire inspirée de l'univers de Lovecraft. Un mutant humain avide de consécration et de défiance pour se mesurer à la stature de Leviathan, monolithe souverain aux pouvoirs ésotériques impénétrables.

Spectacle baroque et débridé déployant avec une imagination fertile un univers aussi fantasmagorique que ténébreux, Hellraiser 2 peut se targuer d'être la meilleure suite d'une saga inégale toujours plus mercantile. Hormis l'aspect anarchique d'une narration redondante dans ces incessants va-et-vient entre l'au-delà et la terre, ce divertissement hardgore (du moins en version Uncut !) affiche une ambition horrifique encore plus extravagante et effrontée que son modèle.  

* Bruno
07.01.19. 3èx
20.10.11.   

RED STATE

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de Kevin Smith. 2011. U.S.A. 1h28. Avec Michael Parks, Melissa Leo, John Goodman, Kyle Gallner, Stephen Root..
FILMOGRAPHIE: Kevin Smith est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 2 Août 1970 à Red Bank, dans le New-Jersey (Etats-Unis).
1994: Clerks, 1995: Les Glandeurs, 1997: Méprise Multiple, 1999: Dogma, 2001: Jay et Bob contre-attaquent. 2004: Père et Fille. 2006: Clercks 2. 2008: Zack et Miri font un porno. 2010: Top Cops. 2011: Red State.

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Kevin Smith, trublion habitué aux comédies noires décalées, nous propose ici un brutal revirement de ton avec Red State. Un drame réaliste et rigoureux, véritable réquisitoire contre le fanatisme religieux englué dans une société américaine sournoise. Pour élaborer le profil de son antagoniste principal, Smith s'est inspiré du véritable révérend Phelps, fondateur de l'église baptiste de Westboro et homophobe réputé pour sa haine réactionnaire. Par le biais d'internet, un trio d'adolescents prend rendez vous avec une quadragénaire résidant dans une caravane aux abords d'un terrain forestier. Sur place, après avoir bu de la bière frelatée, ces derniers sont appréhendés pour être emprisonnés en interne d'une église régie par le père Cooper. Un intégriste réfractaire aux homosexuels et à la luxure, prônant une justice expéditive envers quelques innocents kidnappés par ces disciples. Mais cette fois, rien ne se déroulera comme prévu.
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Vendu comme un film d'horreur néophyte, Red State n'est en rien le divertissement primaire concocté pour nous donner notre lot de sueurs froides dans un scénario canonique. Réalisé avec brio dans son réalisme incisif épaulé d'une caméra mobile agressive dans les moments les plus alarmistes, la narration charpentée stigmatise avec verdeur le fondamentalisme d'une secte religieuse édifiée par le pasteur Cooper. Un sexagénaire intégriste et homophobe inculquant à ses adorateurs que ces pêcheurs doivent être éradiqués de la terre. Le prologue débute comme un classique teen-movie auquel trois jeunes lurons vont décider de passer du bon temps avec une femme mature adepte de l'échangisme. Ce canevas balisé va cependant brusquement virer de ton quand nos héros vont se retrouver piégés par la mégère d'une paroisse catholique. Ce qui interpelle à la vue de ce pamphlet anti-religieux, c'est sa froideur austère, son réalisme rugueux octroyé à la caractérisation de personnages antipathiques et d'une violence expéditive souvent insupportable parce qu'elle fustige l'innocence vouée au sacrifice. D'ailleurs, le premier meurtre perpétré à l'intérieur du huis-clos pastoral se révèle le plus pénible dans son acuité, quand bien même la foule convaincue de leurs méfaits laisse transparaître une satisfaction malsaine dans leur idéologie anti-gay. Spoil ! La suite du récit évite intelligemment la redite des conventions avec cette potentielle cavale de deux des héros et du blocus policier. Red State se transforme alors subitement en film de siège survitaminé auquel des forces de l'ordre enrôlées par un supérieur pugnace vont encercler et prendre d'assaut nos intégristes martyrs. Fin du Spoil.

Les séquences d'action filmées caméra à l'épaule ou en vue subjective offrant de beaux moments de bravoure accentuées par une bande-son clinglante afin d'exacerber l'impact stridant du carnage. Les rivaux en proie à la peur et la panique mais inévitablement stoïques se lancent dès lors dans un ultime baroud-d'honneur. Pas de héros dans ce récit âpre et brutal évalué sans compromis mais un sentiment désabusé de défaite sociale pour les deux camps rivaux se battant au nom de la fierté et d'une idéologie fasciste. Sachant que les flics eux mêmes vont dévoir employer le subterfuge pour se débarrasser d'une bavure impardonnable. Dans celui du prédicateur prêchant la piété avec éthique despotique, Michael Parks s'avère terrifiant de cynisme. John Goodman en impose tout autant pour son personnage de leader policier, convaincu de braver sa déontologie professionnelle afin de sortir vainqueur d'un terrorisme religieux. La séduisante et gracile Melissa Leo insuffle une poignante empathie dans celle d'une mère repentie, osant bafouer sa doctrine conservatrice pour la sauvegarde de sa postérité infantile.

Avec sa mise en scène âpre et studieuse et la sobriété dérangée des interprètes, Red State redouble d'efficacité pour illustrer avec vigueur un pamphlet édifiant sur les pratiques extrémistes d'adorateurs de Dieu. Son point d'orgue explosif ne manque pas non plus de dérision caustique par son revirement divin !

17.10.11
Bruno Matéï

THE TREE OF LIFE. Palme d'Or Cannes 2011.

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de Terrence Malick. 2010. U.S.A. 2h18. Avec Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Hunter McCracken, Joanna Going, Fiona Shaw, Laramie Eppler, Tye Sheridan, Jessica Fuselier, Nicolas Gonda, Will Wallace. 

Sortie en salles en France le 17 Mai 2011. U.S: 8 Juillet 2011.

FILMOGRAPHIE: Terrence Mallick est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 30 Novembre 1943 à Ottawa (Illinois).
1973: La Ballade Sauvage.
1978: Les Moissons du Ciel
1998: La Ligne Rouge
2005: Le Nouveau Monde
2011: The Tree of Life

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La Palme d'Or 2011 est vraiment, vraiment rebutante !

J'ai fini par endiguer le film au bout d'1H30 (sur 2H20) tant il s'étire inlassablement dans son ambiance religieuse et nonchalante pour illustrer son thème métaphysique sur le sens de la vie terrestre. Les images fastes, limpides, immaculées, sont magnifiques, la mise en scène expérimentale use et abuse du maniement d''une caméra toujours en mouvement (un parti pris qui m'a beaucoup irrité) et les comédiens sont quelques peu déroutants, comme envoûtés par ce qu'ils ressentent et traversent. Au final, j'ai eu l'impression que l'émotion ne perçait jamais. C'est fort dommage.

A revoir peut-être car j'ai comme l'impression que ce trip existentiel est aussi réussi que raté.
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Jack grandit entre un père autoritaire et une mère aimante, qui lui donne foi en la vie. La naissance de ses deux frères l'oblige bientôt à partager cet amour inconditionnel, alors qu'il affronte l'individualisme forcené d'un père obsédé par la réussite de ses enfants. Jusqu'au jour où un tragique événement vient troubler cet équilibre précaire...

LES OISEAUX (The Birds)

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d'Alfred Hitchcock. 1963. Angleterre. 2h00. Avec Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Ethel Griffies, Charles McGraw, Ruth McDevitt, Lonny Chapman. 

Sortie en salles en France le 6 Septembre 1963. U.S: 28 Mars 1963.

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980.
1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

"C'est peut-être le film le plus terrifiant que j'ai jamais tourné !" Alfred Hitchcock.

Trois ans après Psychose, Sir Alfred Hitchcock se résout après mûre réflexion d'adapter une nouvelle de Daphné Du Maurier, The Birds. Le scénario totalement réapproprié par lui même et Evan Hunter était prévu à l'origine pour la série TV, Alfred Hitchcock présente. Mais après avoir lu que de réelles attaques de volatiles s'étaient produites dans son pays, il prit conscience qu'il pouvait en tirer un nouveau tour de force d'épouvante pour le format cinéma. Les Oiseaux nécessita trois ans de préparation (en priorité pour les FX et maquettes), faute de sa complexité technique qui entraîna 370 scènes truquées. Pour dévoiler le talent consciencieux du maître du suspense, la séquence finale a fait l'objet de 32 prises et reste selon ses dires l'un des films les plus difficiles qu'il eut entrepris. Dans la ville de Bodega Bay, Melanie Daniel, jeune femme mondaine, visite une oisellerie et fait la connaissance de Mitch Brenner, un avocat conquis par le charme de l'inconnue. Pour l'anniversaire de sa jeune soeur Cathy, il aimerait acheter un duo d'inséparables en guise de cadeau. Mélanie, vexée de l'arrogance ironique de celui-ci, s'empresse de lui acheter mais décide malgré tout de lui offrir en s'invitant à son propre domicile. Sur la route, elle est sauvagement agressé par une mouette.
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Clef de voûte de l'épouvante contemporaine resté inégalée à ce jour, Les Oiseaux réussit l'exploit de nous impressionner de plein fouet avec la présence anodine de simple volatiles subitement épris de rage meurtrière ! La première partie du récit, toute en suggestion, s'attache à nous décrire l'idylle naissante entre deux amants alors que la mère de celui-ci éprouve une jalousie pour cette snob inconnue de réputation notoire. En manipulateur masochiste, Alfred Hitchcock s'amuse dans un premier temps à nous attacher au trio auquel l'idylle est quelque peu contrariée par l'austérité d'une belle-mère possessive trop attentionnée car craignant que son fils ne lui soit éternellement soutiré par cette mante religieuse. En prime, le maître du suspense, ici lattent, se prend malin plaisir à dévoiler des fameux volatiles mais emprisonnés dans une cage dans un premier temps. Par petites touches, la présence docile des oiseaux nous est régulièrement exposée de manière candide. Jusqu'à ce qu'intervienne le premier incident octroyé envers Melanie montée à bord d'une barque pour rejoindre l'habitation de Mitch mais subitement offensée par l'affront d'une mouette sur le chemin du retour.

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Sans pour autant passer à l'action trépidante et pour mieux refréner son suspense sous-jacent, Les Oiseaux vont prendre leur envol et réellement passés à l'action 25 minutes après cette première rixe en déployant leur agressivité lors d'seconde partie incongrue à couper le souffle ! La menace improbable de ces vertébrés ovipares est d'autant plus déconcertante, imbitable et furieusement cinglante que nous ne connaîtrons jamais leurs véritables raisons de se rebiffer contre nous. Et en ce qui concerne les séquences d'agression, Hitchcock n'y va pas de main morte à confectionner une succession de scènes d'anthologies toutes plus terrifiantes et cruelles les unes que les autres. Là où l'accent est essentiellement mis en exergue sur la dramaturgie et le réalisme de chacune des situations de panique ! Que ce soit l'attaque impitoyable invoquée sur un groupe d'enfants évacuant les lieux de leur établissement scolaire, l'offensive sanglante sur la ville de Bodega Bay réduite à feu et à sang, ou encore l'assaut d'une demeure champêtre auquel nos héros s'y sont réfugiés après avoir barricadé portes et fenêtres ! La violence cuisante exercée par les oiseaux sur leurs victimes en état de marasme, leur bruitage irritant dans leur déplacement et cris vocaux transmis par une bande son dissonante et l'intensité de leurs exactions s'enchaînant sans répit nous impressionnent viscéralement jusqu'au malaise du point d'orgue ! Niveau distribution, le couple formé par Rod Taylor et Tippi Hedren fonctionne avec subtilité dans leur incessant jeu de drague tacite. L'acteur endossant ici un rôle viril faussement machiste et plaisamment arrogant pour tenter d'apprivoiser sa muse au caractère hautain. Alors qu'aux instants alarmistes des volatiles en action, il fera preuve de pugnacité et de courage pour tenter de protéger sa famille sévèrement fustigée. L'élégance de Tippi hedren affiche un charme gracile malgré son tempérament austère mais néanmoins transcendé d'une bonhomie comme le prouve son empathie auprès sa belle-mère. Cette dernière incarnée par Jessica Tandy exprimant dans une posture maternelle ombrageuse une poignante émotion dans sa crainte de perdre l'amour de son fils unique.

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Dénué de partition afin de mieux authentifier la situation cauchemardesque, Les Oiseaux se révèle 50 ans plus tard toujours aussi terrifiant et implacablement éprouvant. En pleine possession de ses moyens techniques (à contrario d'effets cheaps pour 2/3 plans grossiers), la mise en scène virtuose déployant un tour de force pour la montée progressive de son suspense et l'intensité des agressions sanglantes. Qui plus est, la folle originalité de son pitch écolo (la revanche de la nature sur l'homme comme le laisse aussi suggérer les volailles refusant de se nourrir) réussit par ailleurs à nous convaincre d'une telle utopie animalière. En l'occurrence, Les Oiseaux peut-être considéré comme l'un des métrages les plus oppressants et excentriques, tout en contrastant avec une idylle romantique non dénuée de densité psychologique dans les rapports houleux compromis par une belle-mère acariâtre ! 

13.10.11
Bruno Matéï

FURIE

de Brian De Palma. 1978. U.S.A. 1h57. Avec Kirk Douglas, John Cassavetes, Carrie Snodgress, Charles Durning, Amy Irving, Fiona Lewis, Andrew Stevens, Carol Eve Rossen, Rutanya Alda, Joyce Easton.

Sortie en salles en France le 4 janvier 1979. U.S: 10 Mars 1978.

FILMOGRAPHIE: Brian De Palma, de son vrai nom Brian Russel DePalma, est un cinéaste américain d'origine italienne, né le 11 septembre 1940 à Newark, New-Jersey, Etats-Unis.
1968: Murder à la mod. Greetings. The Wedding Party. 1970: Dionysus in'69. Hi, Mom ! 1972: Attention au lapin. 1973: Soeurs de sang. 1974: Phantom of the paradise. 1976: Obsession. Carrie. 1978: Furie. 1980: Home Movies. Pulsions. 1981: Blow Out. 1983: Scarface. 1984: Body Double. 1986: Mafia Salad. 1987: Les Incorruptibles. 1989: Outrages. 1990: Le Bûcher des vanités. 1992: l'Esprit de Cain. 1993: l'Impasse. 1996: Mission Impossible. 1998: Snake Eyes. 2000: Mission to Mars. 2002: Femme Fatale. 2006: Le Dahlia Noir. 2007: Redacted.

Deux ans après Obsession et Carrie réalisés successivement la même année, Brian De Palma renoue avec le thème de la parapsychologie dans Furie. Un film fantastique diaboliquement ficelé, conjuguant avec bonheur espionnage, action, suspense et épouvante traditionnelle, saupoudré d'une pointe de cocasserie en début d'intrigue. Entouré d'acteurs de renom (Kirk Douglas, John Cassavetes, Charles Durning, Amy Irving), ce film sous-estimé est à réhabiliter à sa juste valeur tant il exploite avec beaucoup d'efficacité et de maîtrise technique une intrigue aussi haletante que surprenante.
Doué de pouvoirs paranormaux, un jeune garçon se fait kidnapper par l'agence du gouvernement de son père. Après avoir manqué de trépasser dans un odieux traquenard commandité par un ami de longue date, le paternel décide de partir à sa recherche. Au même moment, une jeune fille, Gillian, possédant également des dons exceptionnels, communique par télékinésie avec son fils.

En s'appropriant une nouvelle fois du thème de la télékinésie préalablement établi avec l'envoûtant Carrie, Brian De Palma s'inspire d'un roman de John Farris pour nous concocter un prodigieux spectacle dans ses genres disparates. On est d'ailleurs surpris du ton ironique des premières séquences lorsque Peter Sandza est contraint de trouver des vêtements en pénétrant par effraction chez un coupe de sexagénaires décontenancés par son apparence demi-nue ! Ou encore la présence risible de ces deux policiers pris en otage par notre héros affublé d'un costume de vieillard et craignant que leur nouvelle carrosserie de fonction ne soit sévèrement cabossée lors de courses poursuites engagées contre des espions. Paradoxalement, après que ne soit intervenu une séquence d'action trépidante particulièrement intense, on pouvait craindre que notre réalisateur se vautre dans le ridicule en y mêlant successivement ce genre de situations cocasses proprement hilarantes.

Néanmoins, l'humour omniprésent des vingts premières minutes va peu à peu s'occulter pour exacerber  l'action des enjeux avec l'intervention d'un nouveau personnage caractérisé par la ravissante Amy Irving (déjà remarquée dans Carrie). Cette jeune fille profondément accablée par son pouvoir surnaturel est incapable de contrôler ses émotions au moindre contact humain, provoquant chez le sujet une hémorragie impossible à maîtriser. C'est dans une clinique spécialisée que notre témoin va être contrainte de tenter de canaliser son pouvoir alors que des visions hallucinogènes et prémonition vont lui être administrées par l'influence télékinésique de Robin, le fils martyrisé par une confrérie gouvernementale sans vergogne. D'ailleurs, la narration menée avec maîtrise technique assidue (la séquence d'anthologie entièrement filmée en "slow motion" illustrant avec minutie la fuite de Gillian à travers rues contre les ravisseurs de l'odieux Ben Childress) doit beaucoup à la prestance de cette comédienne d'une justesse psychologique admirable. Elle peut même se targuer de voler carrément la vedette à nos héros principaux incarnés par les briscards Kirk Douglas et John Cassavettes ou encore le juvénile Andrew Stevens. C'est ce portrait empathique alloué à Gillian qui rend l'oeuvre si intense et captivante. Une victime chétive totalement dépassée par son don de prescience et de télékinésie, peu à peu asservie par l'arrivisme d'un agent politique. Un affabulateur convaincu de la substituer au fils de Peter davantage irascible, toxicomane et en perte de faculté surnaturelle. Là aussi, l'accent dramatique est privilégié dans la décrépitude du jeune garçon devenu incontrôlable car totalement destitué de sa personnalité. Dans la dernière partie réfutant le happy-end salvateur, nous retrouvons Peter, plus déterminé que jamais, accompagné de Gillian pour tenter de récupérer sain et sauf Robin, plus irascible et pernicieux que jamais. Ce point d'orgue particulièrement cinglant, car déployant des séquences chocs sanglantes magnifiquement supervisées par le maître des FX, Rick Baker, prémédite une mise à mort des plus explosives !

Si l'intrigue de Furie s'avère sans grande surprise et laisse interférer quelques gênantes invraisemblances (comme l'évasion de Peter réussissant à s'extraire de l'embarcation d'un rafiot après une gigantesque explosion), la maîtrise technique de De De Palma (amples mouvements de caméra vertigineux), l'interprétation de qualité (Amy Irving crève l'écran !), le score fastueux de John William et l'efficacité d'un récit fertile en péripéties renvoient au solide divertissement. 

Note: C'est le premier rôle au cinéma de Daryl Hannah qui interprète Pam, une écolière à la cafétaria assise à la droite de Gillian (l'avais même pas r'connu !).

Récompense: Saturn Awards 1979: Meilleurs maquillages pour William Tuttle et Rick Baker, remis par l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur.

12.10.11.     4
Bruno Matéï

                                          

DEMAIN LES MOMES. Grand Prix au festival du Rex de Paris 1976.

de Jean Pourtalé. 1975. France. 1h30. Avec Niels Arestrup, Brigitte Rouan, Emmanuelle Béart, Michel Esposito.

Récompenses: Grand Prix au 3ème Festival de film fantastique et de science fiction de Paris, ainsi que celui du Prix Spécial du Jury au Festival International de "New Orléans".

Sortie en salles en France le 18 Août 1976

FILMOGRAPHIE: Jean Pourtalé est un réalisateur français né le10 Septembre 1938 à Paris, décédé le 17 Octobre 1997. 1964: Dernier soir (court-métrage). 1969: Sylvie à l'Olympia (Court-métrage du tour de chant). 1975: Demain les Momes. 1980: 5% de Risques

En 1976 sort sur les écrans un premier film d'un réalisateur méconnu dans une quasi indifférence générale alors que certaines critiques bien pensantes n'hésiteront pas à lui tourner le dos. Néanmoins, les organisateurs de deux festivals lui ouvrent la voie de la reconnaissance avec 2 prix décernés à Paris et à la Nouvelle Orléans. En l'occurrence, totalement occulté ou ignoré par le plus grand nombre d'entre nous, Demain les mômes est un ovni filmique rare et précieux, aussi réaliste et désespéré que son cousin ibérique, j'ai nommé le chef-d'oeuvre martyr Les Révoltés de l'an 2000. Dans une époque future, suite à une potentielle guerre mondiale, le monde est devenu un lieu aride où quelques survivants errent sans but à la recherche d'un éventuel abri. Notre point de rencontre se situe dans le sud-ouest de la France alors que Philippe et Suzanne, réfugiés dans leur ferme champêtre, coulent des jours indolents grâce aux réserves de nourriture qu'ils ont approvisionné dans leur cave. Un jour, un groupe de quidams s'en prennent sauvagement à la jeune femme qui s'était retrouvée à l'extérieur de la maison. Philippe arrive précipitamment à sa rescousse et tire vainement avec son arme de chasse en direction des fuyards. Contraint de subsister solitairement pour cause de la disparition de sa femme, il tente de retrouver un quelconque survivant avec l'aide d'un récepteur radiophonique. C'est alors qu'une bande de gamins font irruption à proximité de sa maison !

Avec l'entremise d'un budget restreint et de décors minimalistes, Jean Pourtalé s'attelle à retranscrire lestement un univers en décrépitude suite à un cataclysme à échelle mondiale. Par le bruit d'un son perçant les tympans de chaque victime, la terre est devenu un cimetière décharné où le peu de survivants tentent maladroitement de subsister en se méfiant de la moindre présence humaine potentiellement hostile. En quelques plans chocs et explicites à nous dévoiler l'apparence horrifiée de quelques cadavres faméliques restés aux abords des trottoirs (maquillages plutôt adroits et morbides !), le réalisateur réussit à rendre crédible un univers glauque où erre le sentiment prégnant de désolation. Où seul l'aura du vent bourdonnant fait office de présence latente afin de renforcer le caractère morose de notre planète réduite en vestige. Après avoir dépeint l'existence quotidienne d'un couple d'amants réfugiés dans leur ferme du sud de la France, le danger aléatoire venu d'un trio de marginaux sans vergogne va inéquitablement soustraire la vie de Suzanne, la femme de ce dernier. Tandis que quelques jours plus tard, après avoir tenté de retrouver d'éventuels survivants par l'entremise d'une radio, Philippe va rentrer en contact avec un groupe d'enfants mutiques, accompagnés d'un cinquantenaire déficient.

Insinueusement et avec un souci d'authenticité proche du documentaire, Demain les Mômes nous dévoile le caractère monolithique et glacial d'une bande de marmots incapables d'éprouver un minimum de compassion face à leur nouveau protégé Philippe, homme de foi davantage désorienté et dérouté. Par petites touches, c'est la nouvelle ambition d'un homme solitaire tentant d'établir un contact amical avec cette bande organisée d'enfants sauvages qui nous ait détaillé scrupuleusement avec une sensibilité poétique, à l'instar de la superbe mélodie composée par Eric Demarsan. En intermittence, ce thème musical va subitement virer de ton pour devenir beaucoup plus ombrageux, de manière à mettre l'accent sur le côté mystérieux, étrangement aphone de la présence presque surnaturelle des enfants mutiques opposés au monde des adultes. La devise de Philippe sera de tenter de leur inculquer le savoir vivre, l'apprentissage des valeurs humaines, le respect d'autrui dans ce monde trop furtivement livré à l'agonie. Dépité et vexé de tant de rancoeur de la part de ces enfants introvertis et taciturnes, Philippe va se rendre à l'évidence que l'espoir de reconstruire un monde meilleur n'est qu'une irréversible désillusion. L'excellent et trop rare Niels Arestrup apporte l'aplomb nécessaire dans sa flegme maturité à daigner éduquer avec reconnaissance des gamins dénués d'amour et d'empathie (comme cette séquence qui voit l'un des leurs trébucher du haut de la toiture de la ferme). Et en ce qui concerne le portrait de ce groupe infantile communiquant exclusivement entre eux, ils retranscrivent avec un naturel trouble un étrange comportement imbitable face à l'encontre de l'adulte qui ne souhaitait qu'une cohésion amicale. Leur présence hostile et pernicieuse participe grandement au climat singulier que le film illustre avec un réalisme terrifiant. D'ailleurs, on ne manquera pas d'établir un rapprochement avec la physionomie interlope, faussement docile des enfants des Révoltés de l'An 2000, sorti la même année en Espagne.A titre subsidiaire, on notera aussi qu'Emmanuel Béart fait ses premiers pas devant la caméra du haut de ses 12 ans.

Les Enfants du Silence.
Baignant dans un climat d'insécurité sous-jacent davantage oppressant, Demain les Mômes constitue le constat d'échec de notre humanité si bien que les enfants du jour d'après adoptent ici une cruelle revanche contre l'autorité parentale responsable de leur perte d'innocence. Son final glaçant et nihiliste renforçant d'autant plus ce sentiment aigri de perdition, cette perte de l'illusion d'où ne présage que déshumanisation et intolérance. En résulte un récit post-apo tristement pessimiste, amer et désenchanté, où les images blafardes marquent les esprits sous le pilier d'un avenir dystopique. 

Dédicace à Atreyu sans qui je n'aurai jamais pû redécouvrir cette perle rare et introuvable.

06.10.11
Bruno Matéï

La Cloche de l'Enfer / La campana del infierno/The Bells

                                                                            Photo empruntée sur Google

de Claudio Guerin. 1973. Espagne. 1h32. Avec Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel Martin, Nuria Giemno, Christine Betzner, Saturno Cerra, Nicole Vesperini, Erasmo Pascual, Antonio Puga.

Sortie en salles en France en Août 1974.

FILMOGRAPHIE: Claudio Guerin est un réalisateur espagnol (1939 - décédé le 24 Février 1973)
1965: Luciano (T.V). 1966: La Corrida (T.V). 1969: Los Desafios (T.V). 1972: La Casa de las palomas. 1973: La Cloche de l'Enfer

Second et dernier long-métrage de Claudio Guerin, La Cloche de l'Enfer fait office de chef-d'oeuvre maudit auprès de son ironie macabre encadrant le secret du titre du film. En effet, le réalisateur mourut accidentellement l'ultime jour du tournage en trébuchant du clocher qu'il eut exploité (certaines mauvaises langues évoqueront d'ailleurs un éventuel suicide). C'est d'ailleurs Juan Antonio Bardem qui aurait achevé son mémorable point d'orgue fantasmagorique. 

Le Pitch: A sa sortie d'un centre psychiatrique auquel il fut injustement interné, Juan rejoint la demeure de sa tante, responsable de son emprisonnement. Ces trois cousines sont également logées à la même enseigne gothique de la tutrice. Juan va alors préméditer une vengeance implacable contre sa propre famille condescendante. 

Cette perle rare et oubliée, exportée de l'Espagne franquiste, est une oeuvre hypnotique au pouvoir de fascination prégnant auprès de sa mise en scène quasi expérimentale débordante de trouvailles poético-macabres. Avec l'entremise d'un scénario impondérable, structuré de manière perfide, La Cloche de l'Enfer ne cesse de surprendre le spectateur embarqué dans un étrange conte gothique d'une beauté diaphane à couper le souffle ! Nombre de séquences faisant intervenir volatiles, insectes, vertébrés aquatiques ou mammifères évoluant autour d'une nature sauvage nous transportent dans un environnement blême impénétrable. Privilégié d'une photo ocre transcendant la beauté de ces images insolites, l'aventure vengeresse de Juan est une perpétuelle immersion vers l'inconnu.

Tout le génie émanant d'une réalisation iconoclaste bousculant les règles du genre dans une structure aussi anarchiste qu'insidieusement planifiée. La quête vindicative de notre héros interlope, usant de subterfuges pour se railler de ses invités familiers, intriguant le spectateur interloqué par ce jeu sarcastique avec la mort. Si bien qu'après que sa mère émancipée se soit suicidée, Juan sera injustement condamné de ce deuil maternel par la faute d'une tante perfide appâtée par un héritage. Dès lors, après avoir été enfermé et drogué dans un centre psychiatrique, le fils revanchard décide d'accomplir auprès des responsables de son internement un rituel savamment réfléchi dans un jeu de farces et attrapes risibles. Paradoxalement, c'est après avoir exercé quelques jours dans un abattoir auquel les animaux y sont traditionnellement égorgés, désossés et dépecés (une séquence particulièrement pénible et dérangeante au vu de son authenticité) qu'il décide de passer à l'acte comme si sa profession l'eut aménagé à endurer la vue du sang et l'odeur morbide. Durant son cheminement hermétique, nous établissons la rencontre de personnages obscurs (le sdf réfugié dans une cabane), troubles et sournois (la tante renfrognée et les trois cousines au caractère bien distinct), ou pervers et erratiques (tes ces quatre quinquagénaires sur le point de violer une gamine esseulée aux abords de la forêt). Par ailleurs, un mystérieux film de souvenir familial tourné en super 8 semble dévoiler les rapports masochistes de Juan avec ces 3 cousines complices, alors que l'une d'entre elles fut éprise d'affection pour lui. De surcroît, une célèbre comptine (Frère Jacques, sonne les matines !) est régulièrement fredonnée par des voix enfantines annonçant implicitement le fameux chapitre final à tiroirs auquel un personnage clef va subitement intervenir. Chaque séquence inopinée dévoilant ingénieusement des situations insolubles à présager, une manière habile d'exacerber ce sentiment rare de vivre une expérience horrifique hors des sentiers battus. Là où chacun des protagonistes suspicieux, perplexes et aigris de leur existence nonchalante, semble errer dans un environnement blafard. On peut justement souligner en sous texte social le côté marginal et sexuellement émancipé du personnage principal (ses coucheries antécédentes avec des prostituées mais aussi avec l'une de ses cousines) mis en relief avec la bourgeoisie traditionnelle d'une tante rétrograde. Comme si le réalisateur semblait vouloir braver la dictature de son époque franquiste. Pour rappel historique, un gouvernement autoritaire et despotique régie de 1939 à 1975 par le chef de l'état et militaire Francisco Paulino Hermenegildo Teódulo Franco y Bahamonde.

Habité par la prestance équivoque de femmes sexuellement refoulées et surtout par l'interprétation nébuleuse, car faussement docile, du français Renaud Verley, La Cloche de l'Enfer  symbolise la rareté atypique tant il s'avère impossible d'évacuer l'étrangeté de son climat désincarné. Transcendé d'une réalisation audacieuse et d'un parti pris esthétique rivalisant d'inventivité formelle, ce chef-d'oeuvre insolent est apte à se classer parmi les plus beaux spécimens du fantastique ibérique.

*Bruno

05.10.11.   3

LA CHASSE AUX SORCIERES (The Crucible)

de Nicholas Hytner. 1996. U.S.A. 2h04. Avec Daniel Day Lewis, Winona Ryder, Paul Scofield, Joan Allen, Bruce Davison, Rob Campbell, Jeffrey Jones, Peter Vaughan, Karron Graves, Charlayne Woodard.
Sortie en salles en France le 26 Février 1997. U.S: 27 Novembre 1996

FILMOGRAPHIE: Nicholas Hitner est un réalisateur et producteur britannique né le 7 Mai 1956 à Manchester. 1994: La Folie du roi George. 1996: La Chasse aux sorcières. 1998: l'Objet de mon affection. Twelfth Night, or What You Will (télé-film). 2000: Danse ta vie. 2006: The History Boys.

En 1996, le peu prolifique Nicholas Hitner adapte à l'écran le fameux procès des sorcières de Salem de l'histoire coloniale des Etats-Unis qui fustigea dans le Massachusetts de l'an 1692 la condamnation et l'exécution de paysannes accusées de sorcellerie. Le film est adapté de la pièce à succès, The Crucible de Arthur Miller. A Salem, une hystérie collective menée par la jeune Abigail semble apeurer toute la population après que d'innocentes femmes se soient retrouvées accusées à tort de sorcellerie. Jalouse car éperdument amoureuse de John Protor avec qui elle avait eu préalablement une liaison d'adultère, elle décide par esprit vindicatif de faire accuser la femme de ce dernier.Succès critique à l'époque de sa sortie, cette production hollywoodienne de 25 millions de dollars réunissant une pléiade de stars notoires décrit avec parcimonie le déclin d'une population villageoise terrorisée par les superstitions satanistes et de l'inquisition instaurées au début du 13è siècle. Cette juridiction ecclésiastique réprimait sans concession les crimes d'hérésie jusqu'au XVIè siècle. Par l'entremise d'une catin perfide et pernicieuse parvenant facilement à endoctriner dans son hérésie un groupe de jeunes filles terrorisées par son influence, la population de salem va être en proie à une véritable hystérie collective. Une paranoïa de grande ampleur, une progression dans la folie si savamment alimentée que le sinistre Révérend Hale va être amené à se déplacer pour se rendre sur les lieux afin de constater la potentielle emprise du Diable. Dès lors, d'innocentes villageoises ou des paysans infirmes sont condamnés de pactiser avec le démon pour être finalement pendus devant une population enflammée. Mais un autre procès tout aussi dérisoire se profile autour du couple John et Sarah Protor, accusés à leur tour par Abigail, rongée par la haine et la jalousie d'avoir été dépréciée par cet époux valeureux avec qui elle eut précédemment une brève relation d'adultère.

La force du récit réalisé dans une reconstitution soignée de l'époque médiévale (bien que les décors soient minimalistes) est d'illustrer avec intensité émotionnelle le destin tragique de villageois lambda injustement condamnés à mort pour des suspicions contraires à l'ordre moral du catholicisme. Entre les vrais responsables de cette imbécile paranoïa incongrue et l'impassibilité des hauts représentants tributaires de la foi chrétienne censés résolver une justice équitable, Nicholas Hytner dénonce l'hypocrisie de ces juges incapables d'éprouver une once de lucidité et de discernement face aux accusations délirantes assénées aux victimes. C'est l'obsession du puritanisme inculqué depuis des siècles et l'intégrisme religieux qui nous sont sévèrement dénoncés à travers l'autorité d'une juridiction totalitaire. La peur d'être accusé de sorcellerie pour se retrouver la corde autour du cou va inciter nombre de villageois a avouer des expériences occultes qu'ils n'ont jamais commis. Ou à contrario, tenter de dissuader le tribunal consulaire de ces accusations grotesques mais se retrouver inévitablement suspecté pour un motif absurde contraire à la morale de Dieu. La victime présumée, totalement démunie, se retrouve alors esseulée pour sa plaidoirie établie sans avocat devant leur tribunal érigé par l’Église. Daniel Day Lewis endosse avec ferveur et autorité spontanée un personnage humble inscrit dans la dignité humaine, la raison et la véritable foi de ne pas se laisser vilipender par les mensonges d'une catin au pouvoir de persuasion diabolique. Un homme prêt à fabuler pour signer la fraude d'un acte de rédemption afin d'échapper à la pendaison ou à contrario sauver en dernier recours son âme en guise de repentance pour ces honnêtes convictions. Une loyauté déférente de ne pas se résoudre à un simulacre judiciaire compromis avant tout pour endormir une population davantage anarchiste. La gracile Winona Ryder lui partage la vedette avec la conviction d'une démesure hystérique, personnage odieux de mégère responsable d'une hécatombe humaine. En épouse aimante et candide, Joan Allen s'avère particulièrement sobre et poignante dans sa loyauté inflexible à accepter la ferme décision de son époux à se sacrifier en désespoir de cause..

                                     

Les Sorcières de Salem.
Particulièrement intense, poignant, voir bouleversant vers son point d'orgue tragique, la Chasse aux sorcières est l'un des plus puissants réquisitoires contre l'intolérance, le puritanisme sectaire et l'influence néfaste que l'inquisition aie pu engendrer sur des engeances sans vergogne. Superbement interprété par des comédiens criant de sobriété dans leur humanité désespérée, cet implacable drame historique s'érige en triste témoignage pour fustiger l'obscurantisme moyenâgeux et les superstitions qui en émanent. 

Récompenses:
1998 : Sony Ericsson Empire Award de la meilleure actrice pour Joan Allen.
1997 : BAFTA du meilleur acteur pour Paul Scofield.
1997 : Critics Choice Award de la meilleure actrice pour Joan Allen.

04/10.11
Bruno Matéï

 

MARTYRS. Méliès d'Argent du Meilleur Film Européen à Sitges 2008.

de Pascal Laugier. 2008. Canada/France. 1h37. Avec Morjana Alaoui, Mylène Jampanoï, Catherine Bégin, Robert Toupin, Patricia Tulasne, Juliette Gosselin, Xavier Dolan-Tadros, Isabelle Chasse, Emilie Miskdjian.

Récompenses: Mélies d'Argent du Meilleur Film Européen et Prix du Meilleur Maquillage au Festival de Sitges en 2008.

Sortie en salles en France le 3 Septembre 2008. U.S: 25 Septembre 2008

FILMOGRAPHIE: Pascal Laugier est un réalisateur Français né le 16 Octobre 1971.
Courts-Métrages:1993: Tête de Citrouille. 2001: 4è sous-sol. Longs-métrages: 2004: Saint Ange
2008: Martyrs. 2012: The Tall Man.

MARTYR: Un martyr (du grec ancien ,-υρος martus, « témoin ») est celui qui consent à aller jusqu’à se laisser tuer pour témoigner de sa foi, plutôt que d’abjurer.

Après son (injustement) décrié Saint-Ange, film fantastique tout en ambiance diffuse, Pascal Laugier revient quatre ans plus tard avec un film monstre, une expérience viscérale rarement vécue en interne de notre psyché malmené. Filmé à la manière d'un documentaire abrupt, Martyrs est un témoignage cru sur les sacrifices humains intentés par une bourgeoisie avide d'espoir spirituel. Dans les années 70, une jeune fille séquestrée et torturée pendant des mois par de mystérieux tyrans réussit à s'échapper de son cachot. 15 ans plus tard, après avoir été soignée dans un hôpital spécialisé, Lucie réussit à retrouver la trace de ses anciens bourreaux. Elle décide de leur rendre visite pour se venger du terrible traumatisme préalablement subi. Sa proche amie Anna va bientôt la rejoindre et constater l'horrible massacre perpétré.

Avertissement, et avant la conclusion de l'article, il est préférable d'avoir vu le film avant de lire ce qui va suivre !

Dès le prologue, âpre et haletant, nous sommes frappés par l'intensité émotionnelle qui en émane. Une jeune fille à moitié nue, lardée de cicatrices et de contusions sur le corps, s'enfuit d'un hangar à pieds nus, l'air hagard et terrorisée ! Ce préambule profondément dérangeant par son réalisme clinique, accentué d'une photographie désaturée, nous averti brutalement de l'austérité monolithique du metteur en scène irascible. Dans une structure narrative consciencieuse, Martyrs nous décrit sans concession le calvaire imposée à deux jeunes filles candides vouées à un destin martyr. C'est d'abord Lucie qui nous est caractérisée après son échappatoire de l'enfer, dans son refuge blême d'un centre hospitalier. Durant ces longues années d'internement, elle établit la rencontre d'Anna, une jeune fille empathique avec qui elle va entamer une profonde amitié. Sans cesse harcelée par ses visions horrifiques se matérialisant par l'épouvantable apparence d'une femme décharnée, Lucie reste profondément traumatisée par sa séquestration alors que les responsables n'auront jamais été retrouvés ni condamnés. Spoil ! Un jour, grâce à une photo d'article parue dans un journal, elle retrouve la trace de ses tortionnaires et décide de leur faire payer son impitoyable fardeau. Après que le massacre eut été commis, elle joint au téléphone sa fidèle amie pour l'avertir de son sanglant exutoire. Alors qu'Anna essaie de calmer Lucie, toujours persécutée par ses hallucinations morbides lui causant diverses scarifications qu'elle s'inflige sur son corps, elle se débarrasse péniblement des corps ensanglantés d'une famille au complet. Dans cette demeure bourgeoise d'apparence docile et vertueuse, on peut parfois entendre du sous-sol les agonies suppliciées de jeunes femmes prises en otage pour le compte d'une obscure confrérie. Fin du Spoil. Cet évènement inopiné va permettre de façon surprenante de relancer l'intrigue dans une épreuve atypique de survie contre la mort au prix de la piété religieuse !

Dans notre paysage hexagonal, jamais un film d'horreur d'une envergure aussi viscérale n'aura autant éprouvé et martyrisé son spectateur. A travers le calvaire jusqu'au-boutiste de deux jeunes filles livrées à elles-mêmes, Pascal Laugier nous emmène au coeur de l'enfer terrestre, dans une abominable expérience incongrue au seuil de l'au-delà. D'une portée mystique universelle que certains auront trouvé absurde (ou ridicule), Martyrs est un poème d'amour (noir) sur la solitude et l'endurance meurtrie de deux acolytes condamnés à souffrir leur désespoir. En prenant le contre-pied du divertissement sardonique gentiment compromis entre le spectateur et le réalisateur (Saw, Hostel et consorts), le réalisateur nous livre sans anesthésie ni complaisance rébarbative des séquences hardcores de violence acerbe infligées sur la victime. D'un réalisme estomaquant parfois insupportable pour les plus sensibles, ces séquences se déroulant durant le second acte nous met dans une situation encore plus gênante qu'au préalable car elle nous impose presque en temps réel le calvaire imbitable entrepris avec une nouvelle victime substituée à Lucie. Si l'on ressort de l'expérience Martyrs si ébranlé et péniblement affecté par la décrépitude autant morale que corporelle de Lucie et Anna, c'est parce que Pascal Laugier prime avant tout sur la psychologie névralgique de ses personnages fragiles et de cette violence putanesque justifiée par la cause d'une bourgeoisie mystique.

Peine d'amour au nom du Martyr.
Fragilisé par le talent ténu de deux actrices dévouées corps et âmes, Martyrs est une forme de chef-d'oeuvre maudit où l'horreur préconçue dépasse sa fonction de divertissement orthodoxe pour en extraire un drame humain profondément bouleversant et inoubliable (autant pour la compassion émise pour nos deux héroïnes que de l'horreur graphique qui en culmine). Nos frêles sentiments mis à nus s'avérant ici écorchés à vif pour mieux nous rappeler à l'ordre que la vie est une inépuisable défiance contre l'affliction. Là où des engeances aristocrates vendent leur âme afin de fuir leur médiocrité vers un ailleurs hypothétique et imprécis... La quête spirituelle de la paix éternelle nous laissant indubitablement dans le questionnement, nous n'avions plus qu'à attendre de rejoindre les suppliciées Lucie et Anna...

A Benoît...

Dédicace à Mathias Chaput 

03.10.11
Bruno Matéï

POLEMIQUE: Le 29 Mai 2008, à 13 voix contre 12, la commission de classification des oeuvres cinématographiques avait décidé d'interdire Martyrs aux moins de 18 ans. Suite à cette décision, de nombreuses voix se sont élevées, et une manifestation contre la censure et pour soutenir le cinéma de genre en France, s'était déroulée le 13 Juin 2008 devant le ministère de la culture à Paris. Y étaient présent, le metteur en scène Fernando De Azevedo, l'actrice Morjana Alaoui, ainsi que les membres de l'association du Club du Vendredi 13. Début juin, après que le réalisateur est venu défendre la question artistique de son film, la ministre de la Culture, Christine Albanel, a demandé à la commission une révision du classement, ce qu'elle fit le 1^er juillet, en proposant une mesure d'interdiction du film aux moins de 16 ans avec avertissement.

Le point de vue de Olivier Strecker (réalisateur et passionné de cinéma de genre):
"Martyrs" c un film inclassable... au même titre que "baise moi" et "irreversible".... les FX de Benoit lestang sont et resterons mémorables puisque jamais en France personne n'avait créé un "costume" (à l'instar de prods US "hellraiser" ou italienne "La Chiesa" où benoit est d'ailleurs sous "la bête")..... Quant à la superbe musique de Seppuku Paradigm elle reste une des plus glaciale, triste et mémorable dans la tête des fans du genre..... tout ceci fait de "martyrs" une oeuvre à part ! un chef d'oeuvre ? (c quoi d'abord un "chef d'oeuvre "?) en tous cas "martyrs" est et restera une oeuvre majeure dans le cinéma français... on nous a habitué à un cinéma frileux et gracement subventionné pour faire des nazeries... avec plus de 25 ans de ciné en tant qu'exploitant en salles de ciné "martyrs" EST le film de la controverse !!!!! et ça c'est bon..."
Et si je peux me permettre en sus, "martyrs" est une perle rare dans le cinéma français....j'avais les larmes aux yeux sur la scène finale... des larmes pour la violence du film... des larmes pour Benoit...


Mathias Chaput:
Véritable film « coup de poing », « Martyrs » réconcilie avec le cinéma de genre tricolore, jusqu’ici bien moribond…
Laugier parvient à capter la viscéralité de ses personnages de façon si dense et habile que l’on ne peut qu’éprouver une immense empathie pour ces derniers.
Des plans-séquences d’une fluidité hors du commun confèrent à instaurer une grâce rarement atteinte jusqu’alors…
Un vrai électrochoc, mais parfaitement mesuré et exempt du moindre voyeurisme, ici on fonctionne sans parti pris ni scènes outrancières mais bien dans la beauté du décharnement, dans l’accomplissement de deux destinées que tout oppose et sépare, jusqu’à une conciliation du fait des événements, tenants et aboutissants d’une vengeance ancrée à postériori…
Lucie et Anna (jouées magistralement par Mylène Jampanoi et Morjana Alaoui) sont des filles perdues à jamais, confrontées dans une spirale dédalesque où l’issue ne peut qu’être funeste et la souffrance omniprésente…
Mesurant cet aspect de ses personnages, Laugier a pris le choix de jouer la carte de l’émotionnel et le tout fonctionne de façon sidérante !
Il faut y voir un immense professionnalisme de sa part et une originalité s’articulant avec une histoire super casse gueule si on l’appréhende sans talent…
Mais Laugier a su insuffler la grâce par le biais de sa direction d’acteurs, précise et méticuleuse, et par une approche mystique justifiant le dénouement du métrage, bluffant le spectateur par son culot et l’aspect novateur qu’elle procure au genre…
Il n’y a pratiquement rien à redire devant cette maestria cinéphilique, humaine, juste et d’un aspect certes perturbant pour certains, mais qui restera une pierre angulaire du cinéma contemporain, dont on sort « collapsé » et bizarrement, rassuré et vidé…
Une vision expérimentale du septième art en quelque sorte mais en tous points maitrisé via une réalisation épurée et des passage très marquants qui vous hanteront à jamais…
Morjana si un jour tu lis ces lignes, « Je t’aime »…

10/10