WHAT WE DO IN THE SHADOWS

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site bloody-disgusting.com

de Jemaine Clement, Taika Waititi. 2014. Nouvelle-Zélande. 1h25. Avec Jemaine Clement, Taika Waititi, Jonathan Brugh, Cori Gonzales-Macuer, Stuart Rutherford.

Sortie salles France: Prochainement. Sortie salles Nouvelle-Zélande: 19 Juin 2014

FILMOGRAPHIE: Jemaine Clement est un acteur, musicien, humoriste et réalisateur néo-zélandais, né le 10 Janvier 1974 à Masterton. 2014: What we do in the Shadows.

Taika Waititi est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur néo-zélandais, né le 16 Août 1975. 

2002: John and Pogo. 2004: Two Cars, One Night. 2004: Heinous Crime. 2005: Tama Tu. 2007: A chacun sa chacune. 2008: Cinema 16: World Short Films. 2010: Boy. 2014: What we do in the Shadows. 

Sélectionné à Gérardmer 2015 mais déclaré "hors-compétition", What we do in the shadows est une petite production indépendante venue de la Nouvelle-Zélande, à l'instar du très sympa et bricolé Housebound. Ici, le duo Jemaine Clement / Taika Waititi empreinte la même démarche de la comédie horrifique avec un hommage appuyé pour la parodie vampirique. Afin de tenir lieu d'un documentaire, une équipe de cameramans dont nous ne verrons jamais le visage fait irruption dans la quotidienneté de vampires cohabitant dans leur demeure sclérosée. Mais dans sa nouvelle condition d'immortel, l'arrivée d'un cinquième membre va ébranler leur tranquillité au point de les mettre en danger. Comédie pittoresque surfant sur le principe du Found Footage, What we do in the Shadows dépeint avec ultra réalisme les vicissitudes de vampires anachroniques s'efforçant de se faire discret au sein de notre société moderne. Incessamment interrogés face caméra et pris en filature chez leurs faits et gestes de virées nocturnes, ces vampires au look aristocrate ont accepté de se prêter au jeu de la vérité pour nous livrer indépendamment leurs confidences, entre liberté épanouie mais aussi mélancolie esseulée (la souffrance récurrente de voir disparaître les êtres chers au fil de leur existence et celle de ne pouvoir croiser l'amour même si l'un d'eux en sortira vainqueur !).

Emaillé de déboires et festivités avec d'improbables rencontres nocturnes (les altercations avec les loups-garous valent leur pesant de cacahuètes !), où gags hilarants et idées retorses fusent tous azimuts (compter en moyenne une trouvaille toutes les 10 secondes !), What we do in the shadows redouble de générosité cocasse. A l'instar de la bonhomie décalée deux nouveaux protagonistes entrant en scène par inadvertance et donc prochainement voués à la métamorphose malgré leur charisme lambda. Si le film fait preuve d'une vigueur rafraîchissante dans le sens des réparties et des rapports parfois houleux compromis entre nos acolytes, il le doit beaucoup à la spontanéité des comédiens se prêtant au jeu avec autant de sobriété que de dérision mordante. L'aisance de cette parodie émanant notamment de leur esprit de cohésion et de leur indulgence à épargner la vie d'un humain trop vertueux pour le vouer au sacrifice. Ce savoureux dosage d'humour noir et de tendresse prouve aussi l'indéniable respect des réalisateurs à se moquer du genre vampirique sans volonté de les vulgariser au ridicule. Et en alternant notamment le clin d'oeil amusé aux classiques d'antan (Nosferatu et le Bal des Vampires en premier lieu !) et aux séries B édulcorées de la nouvelle génération (Twilight et Blade sont gentiment pastichés). En prime, sans se livrer à une démonstration de force opportuniste, les effets-spéciaux numériques qui intègrent discrètement l'intrigue retrouvent le charme et la magie d'antan par leur réalisme cuisant et leurs effets spectaculaires de stupeur inopinée.    

Débordant de bonne humeur et d'enthousiasme sans verser dans l'outrance ou la trivialité, What we do in the shadows symbolise par miracle la difficile recette rire/frisson dans un esprit décomplexé généreusement inventif. Car accordant une grande part d'humanisme à la caractérisation décalée de ces vampires séculaires, le film s'avère délicieusement réaliste au point d'envier leur situation invulnérable. A la manière du Bal des Vampires et de Vampires, vous avez dits Vampires, What we do in the shadows s'édifie donc en perle rare appelée à devenir culte chez les amateurs de parodie révérencieuse. A mon sens, et sans me laisser gagner par l'euphorie actuelle, il s'agit de la meilleure comédie horrifique vue depuis les deux classiques précités. Et le film de parachever ses nobles intentions sur une leçon de tolérance romantique que n'auraient pas renié Harold et Maude ! 

Bruno Matéï

LA PROCHAINE FOIS JE VISERAI LE COEUR

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site estelleelkaim.wordpress.com

de Cédric Anger. 2014. France. 1h51. Avec Guillaume Canet, Ana Girardot, Jean-Yves Bertellot, Patrick Azam, Arnaud Henriet, Douglas Attal, Piérick Tournier.

Sortie salles France: 12 Novembre 2014

FILMOGRAPHIE: Cédric Anger est un réalisateur et scénariste français, né 1975
2011: L'Avocat. 2014: La prochaine fois je viserai le coeur.

Inspiré de l'affaire du "Tueur de l'Oise" au cours duquel les exactions d'Alain Lamare eurent lieu à la fin des années 70, Cédric Anger nous propose avec la Prochaine fois je viserai ton coeur un drame criminel glaçant sous la houlette d'un gendarme perpétrant une vague de meurtres auprès de jeunes étudiantes dans la région de Picardie. Timide et introverti, vivant reclus dans un appartement, la solitude de Franck finit par l'orienter vers une devise criminelle, celle de la folie meurtrière, sachant que lors de son arrestation il fut reconnu irresponsable de ses actes pour être interné en Psychiatrie. Les experts évoqueront d'ailleurs chez lui le syndrome de l'héboïdophrénie, une psychopathologie de l'ordre des schizophrénies.

Outre le climat maussade d'une région bucolique ternie par l'intempérie, ce parti-pris esthétique reflète avec la sinistrose du criminel dans sa conscience aussi torturée qu'impassible. Un misanthrope incapable d'éprouver une quelconque compassion lorsqu'il s'efforce d'entamer une liaison avec une amie puis de fréquenter en parallèle la communauté gay, mais aussi inapte à ressentir un éventuel remord de dernier ressort pour ses actes crapuleux. Et dans un rôle à contre-emploi, Guillaume Canet réussit à faire oublier son illustre stature pour incarner à l'écran ce tueur pisse-froid se raillant du corps policier (il ne cesse de manipuler ses confrères afin de mieux brouiller les pistes) et de sa petite amie car suscitant une véritable aversion pour les rapports de tendresse. Son seul dérivatif afin de se libérer de ses actes criminels et oublier l'indifférence de ses parents, s'expier de ses pêchers par le masochisme en se flagellant le corps ou en se baignant par l'eau glacée ! C'est donc l'introspection d'un serial-killer peu commun que nous illustre Cédric Anger parmi le souci documentaire de ces pérégrinations solitaires et le réalisme sordide de ces assassinat en série. A l'instar du premier homicide perpétré froidement sur une auto-stoppeuse dans le cadre étriqué de son véhicule. Une séquence choc assez pénible par l'estocade improvisée et l'affolement désaxée du meurtrier ! Enfin, la partition musicale cafardeuse accompagne toute l'intrigue à la manière d'une lancinante marche funèbre que le tueur frigide déambule jusqu'au point de chute de son arrestation.

Austère et rigide, de par son atmosphère dépressive imposée et les pulsions névrotiques du sociopathe, La Prochaine fois je viserai le coeur privilégie densité psychologique et intensité des moments crapuleux parmi l'aplomb inflexible de Guillaume Canet. 

Bruno Matéï

GODZILLA (Gojira)

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site galleryhip.com

de Hishiro Honda. 1954. Japon. 1h36. Avec Akira Takarada, Momoko Kôchi, Akihiko Hirata, Takashi Shimura, Fuyuki Murakami.

Sortie salles Japon: 3 Novembre 1954. Sortie Française: 1957

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Hishiro Honda est un réalisateur japonais né le 7 Mai 1911, décédé le 28 Février 1993 à Tokyo.
1954: Godzilla. 1955: L'Abominable homme des neiges. 1956: Godzilla, king of the monsters ! 1956: Rodan. 1957: Prisonnière des martiens. 1961: Mothra. 1962: King Kong contre Godzilla. 1963 : Matango. 1963: Atragon. 1964: Mothra contre Godzilla. 1964: Dogora, the Space Monster. 1964: Ghidrah, le monstre à trois têtes. 1965: Frankenstein vs. Baragon. 1965: Invasion Planète X. 1966: Come Marry Me. 1966: La Guerre des monstres. 1967: La Revanche de King Kong. 1968: Les envahisseurs attaquent. 1969: Latitude Zero. 1969: Godzilla's Revenge. 1970: Les Envahisseurs de l'espace. 1975: Mechagodzilla contre-atttaque. 1980: Kagemusha, l'ombre du guerrier. 1990: Rêves (Yume) (coréalisé avec Akira Kurosawa). 1993: Madadayo.

Métaphore sur le péril atomique et les conséquences psychologiques de la guerre après les bombardements, Godzilla est ce que l'on peut nommer un film hybride. Dans le sens où Hishiro Honda alterne le caractère spectaculaire de destructions massives et de foule en panique avec l'aspect docu-drama du génocide de la guerre lorsqu'un monstre préhistorique vient d'anéantir toute une ville. Célébré ensuite comme une icone populaire auprès des jeunes spectateurs par le biais d'une série de divertissements dévoilant notre monstre d'écaille sous un aspect autrement héroïque, Godzilla version 54 n'emprunte pas le ton de la légèreté, en dépit de ses redondances à mettre en exergue l'appétit destructeur de ce dernier saccageant moult infrastructures urbaines. On est d'ailleurs frappé par l'ambiance crépusculaire qui émane de ses apparitions dantesques lorsqu'une ville incendiée est bientôt réduite en décharnement ! La texture monochrome de sa photographie amplifiant l'aspect sinistre de ces visions d'apocalypse ternies par la nuit ! Quant à la démarche nonchalante de Godzilla filmée au ralenti, sa lourde présence, son rugissement strident, son souffle atomique et son regard spectral nous évoque l'aliénation d'un animal déchu par les rayonnements chimiques ! On est aussi frappé par le réalisme de sa morphologie d'écaille alors que derrière le masque s'y cache un cascadeur en combinaison !

Si la première heure adopte une démarche laborieuse par son rythme poussif à insister sur l'inquiétude et l'affolement de la population japonaise prise à partie avec les récurrentes provocations du monstre, les 35 dernières minutes affichent une intensité dramatique franchement évocatrice quant au contexte chaotique d'une population en berne. Témoignage aussi puissant que bouleversant faisant écho aux traumatismes d'Hiroshima et de Nagasaki, le film insuffle dès lors une affliction mélancolique (score élégiaque à l'appui !) lorsque Hishiro Honda s'attarde à décrire l'apitoiement des femmes et des enfants démunis après le désastre causé par l'animal. Fruit des conséquences de la radioactivité provoquée par les essais nucléaires de l'homme, ce dernier n'est donc qu'une victime mutante rendue erratique par notre faute. Le scientifique étant capable de transfigurer de nouvelles armes nucléaires pour mieux intimider son rival et anticiper la guerre. On est aussi ébranlé par l'empathie que l'on s'accorde finalement pour Godzilla lorsque celui-ci se retrouve exploité au fond de la mer par la cause de "l'oxygen destroyer". L'invention novatrice d'un chimiste chargé de remords mais prêt à se sacrifier pour pardonner la folie de ses expérimentations !

Chant d'amour désespéré pour la paix, cri d'alarme contre les essais nucléaires, témoignage bouleversant sur le génocide des guerres et la condition des enfants martyrs, Godzilla fait preuve d'une rigueur dramatique inattendue lors de sa bouleversante dernière partie. On pardonne alors l'aspect cheap des FX en carton-pâte et la lenteur de son rythme abusant de redondances dans son premier acte pour garder en mémoire un douloureux réquisitoire contre le péril atomique. 

Bruno Matéï
3èx

L'INVASION DES MORTS-VIVANTS (The Plague of the Zombies)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site projectdeadpost.com

de John Gilling. 1966. Angleterre. 1h30. Avec André Morell, Diane Clare, John Carson, Brooks Williams, Jacqueline Pearce, Michael Ripper.

Sortie salles Angleterre: 9 Janvier 1966

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Gilling est un réalisateur et scénariste anglais, né le 29 Mai 2012 à Londres, décédé le 22 Novembre 1984 à Madrid (Espagne).
1957: Pilotes de haut-vol. 1958: Signes particuliers: néant. 1959: L'Impasse aux Violences. 1961: Les Pirates de la Nuit. 1962: L'Attaque de San Cristobal. 1966: L'Invasion des Morts-Vivants. 1966: La Femme Reptile. 1967: Dans les Griffes de la Momie. 1975: La Cruz del diablo.

Tourné simultanément avec La Femme-Reptile en 1966 pour utiliser les mêmes décors du village de Cornwall et du château, John Gilling renoue avec l'horreur insolite dans cette variation originale du mythe du zombie. L'invasion des morts-vivants illustrant leur résurrection par le culte du vaudou et pour servir d'esclaves au fond d'une mine désaffectée. A la suite d'une vague de morts inexpliqués, le docteur Peter Tompson demande l'aide de son confrère, le professeur Forbes, afin de tenter d'élucider ces macabres découvertes. Leur investigation les entraînent à fréquenter un châtelain accompagné de sbires spécialisés dans la chasse à courre. 

Bâti sur le même principe que la Femme-Reptile, à savoir l'enquête policière que deux protagonistes vont prolonger pour éclaircir la vérité et proclamer les potentiels coupables, l'Invasion des Morts-Vivants exploite efficacement un pitch singulier où s'entrecroisent séances de vaudou, hypnotisme, exhumations et résurrection de cadavres, disparitions et enlèvements, trafalgars, péripéties haletantes et point d'orgue explosif où la cause du feu fait office d'expiation. A ce titre, sa dernière partie homérique multiplie les incidents alertes et violentes rixes pour la survie de nos héros en perdition. D'ailleurs, la séquence où le professeur Forbes se retrouve piégé à l'intérieur du château en flammes s'avère particulièrement oppressante dans la vigueur du montage insufflant un suspense des plus acerbes ! Pour une première et unique incursion dans l'archétype du zombie, la Hammer Film s'en tire donc avec les honneurs sous l'égide de l'artisan John Gilling, déjà responsable du chef-d'oeuvre L'Impasse aux Violences. Toujours aussi remarquablement interprété (parmi quelques seconds-rôles déjà entrevus dans la Femme-Reptile !) et bénéficiant d'une photo sépia sublimant l'architecture gothique du manoir ou l'atmosphère irréelle d'une nature feutrée, l'Invasion des Morts-vivants permet également d'iconiser un séminaire de "zombies mineurs" servant de domestiques pour l'entreprise d'une mine de fer. Pourvus d'une physionomie argileuse, d'une défroque de moine et de yeux blêmes exorbités, ces cadavres parcheminés dégagent un charisme ensorcelant par leur posture rigide d'ouvriers sous-exploités. Sans compter la poésie macabre qui émanent de certaines séquences d'effroi, à l'instar de la première apparition de l'un d'entre eux ou de leur résurrection au sein d'un cimetière. 

Sans atteindre le charme vénéneux et l'intensité envoûtée de la Femme-Reptile, l'Invasion des Morts-Vivants s'avère suffisamment maîtrisé, original, sobrement interprété et efficacement haletant pour se souvenir d'un excellent divertissement à l'envergure exotique macabre. 

Bruno Matéï

2è

LE PUITS ET LE PENDULE (The pit and the pendulum/The inquisitor)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviesdvdnewreleases.com

de Stuart Gordon. 1990. U.S.A. 1h37. Avec Lance Henriksen, Stephen Lee, William J. Norris, Jeffrey Combs, Carolyn Purdy-Gordon.

Sortie U.S: 27 Juin 1991

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago (Illinois).
1979: Bleacher Bums (télé-film). 1985: Ré-Animator. 1986: Aux portes de l'au-delà. 1987: Dolls. 1988: Kid Safe (télé-film). 1990: Le Puits et le Pendule. 1990: La Fille des Ténèbres. 1990: Robojox. 1993: Fortress. 1995: Castle Freak. 1996: Space Truckers. 1998: The Wonderful ice cream suit. 2001: Dagon. 2003: King of the Ants. 2005: Edmond. 2005: Masters of Horro (le cauchemar de la sorcière - Le Chat Noir). 2007: Stuck. 2008: Fear Itself.

Directement sorti en Vhs en France au début des années 90, Le Puits et le Pendule se réapproprie de l'instrument de torture imaginé par le romancier Edgar Allan Poe afin d'exploiter une série B horrifique dénonçant les pratiques sadiennes de Torquemada. Accusés à tort de sorcellerie, un couple de boulangers se retrouve embrigadé dans le château du grand inquisiteur espagnol pour y être torturés. Car amoureux de la jeune Maria, Torquemada tente de la courtiser par le biais d'un odieux chantage. S'offrir à lui sexuellement et épargner la vie du compagnon de Maria ou refuser ses avances et torturer celui-ci dans des conditions atroces. 

Production mineure au budget limité, Le Puits et le Pendule pâti d'une facture télévisuelle et d'une reconstitution historique aussi minimaliste que factice dans ses décors trop frais d'architecture gothique. Quand bien même le scénario superficiel sert de prétexte pour étaler à intervalle régulier des séquences de torture assez gores et viscérales. Sur ce point, on ne manquera pas d'évoquer le premier supplice par strangulation imparti à une métayère accusée d'hérésie, juste avant de périr sur le bûcher. Une séquence impressionnante plutôt crue rappelant les débordements poisseux de l'illustre Marque du Diable de Armstrong. Au-delà de ses outrances grands-guignolesques assez efficaces, l'intrigue s'agence autour de la survie du couple de boulangers pris à parti avec les exubérances du tortionnaire Torquemada. Ce dernier s'avérant un psychotique passé maître dans l'art de confectionner des instruments de torture toujours plus machiavéliques, à l'instar de sa dernière oeuvre, le Puits et le Pendule. Toutes les victimes injustement accusées de sorcellerie servant de cobayes pour satisfaire ses pulsions perverses au nom de l'obscurantisme religieux. Néanmoins, et avec dérision, une véritable sorcière retenue prisonnière dans le château exploite ces pouvoirs occultes afin de prêter main forte au couple de boulangers et pour y accomplir sa propre vengeance. Mené sans temps morts, le cheminement narratif parfois débridé (la séquence risible de torture auquel le mari de Maria pouffe de rire pour mieux duper ses tortionnaires !) allie donc séances de torture, péripéties héroïques et rebondissements parmi l'extravagance d'antagonistes sardoniques et l'appui d'une sorcière avenante. Niveau interprétation, outre la panoplie de seconds-rôles familiers issus de la filmographie de Stuart Gordon, l'excellent Lance Henriksen se prête au jeu de l'inquisition avec un cabotinage outré dans sa posture royale, irascible et désaxée. Il faut d'ailleurs le voir s'essayer aux pratiques SM parmi la complicité d'un acolyte lors d'une sulfureuse séance de flagellation. 

Dispensable et lorgnant parfois vers le ridicule lors de séquences improbables, Le Puits et le Pendule devrait néanmoins satisfaire les fans de Tortur'porn historique dans ce sympathique produit d'exploitation rehaussé d'attachants seconds couteaux (sans compter l'apparition clin d'oeil d'Oliver Reed !).

Bruno Matéï

LE HOBBIT: LA BATAILLE DES 5 ARMEES (The Hobbit: The Battle of the Five Armies)

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site lestoilesheroiques.fr

de Peter Jackson. 2014. U.S.A. 2h24. Avec Martin Freeman, Ian Holm, Ian McKellen, Benedict Cumberbatch, Richard Armitage, ken Stott, Graham McTavish.

Sortie salles France: 10 Décembre 2014. U.S: 17 Décembre 2014

FILMOGRAPHIE: Sir Peter Robert Jackson est un réalisateur, producteur et scénarise néo-zélandais, né le 31 Octobre 1961 à Pukerua Bay, North Island (Nouvelle-Zélande).
1987: Bad Taste. 1989: Les Feebles. 1992: Braindead. 1994: Créatures Célestes. 1995: Forgotten Silver. 1996: Fantômes contre fantômes. 2001: Le Seigneur des Anneaux. 2002: Les Deux Tours. 2003: Le Retour du Roi. 2005: King-Kong. 2009: Lovely Bones. 2012: Le Hobbit: un voyage inattendu. 2013: Le Hobbit: la Désolation de Smaug. 2014: Le Hobbit: Histoire d'un aller et retour.

Dernier chapitre de la trilogie du Hobbit, La Bataille des 5 armées renoue avec l'esprit belliqueux des Deux Tours préalablement illustré dans l'autre saga de la Communauté de l'Anneau. Puisque, en l'occurrence, la compagnie des nains, des elfes, des humains, des Wrags et des Orques vont devoir s'opposer pour la propriété de la montagne sacrée. Inévitablement, cet opus s'avère l'épisode le plus adulte dans le compromis des enjeux stratégiques, à savoir privilégier l'accord de paix ou de la guerre du point de vue moral de Bilbon Sacquet et des nains sur la corde raide. Après que les nains eurent malencontreusement déchaîné la colère du dragon Smaug sur le hameau de Lac-ville, le prisonnier Bard réussit à s'échapper de sa geôle pour s'efforcer de le combattre parmi le soutien de son fils. Alors que l'annonce de la victoire est rapidement répandue chez les survivants, ces derniers glorifiant Bard au statut de héros, Thorin ordonne à son équipe des nains de retrouver le fameux Arkenston occulté sous les décombres du trésor. Littéralement aveuglé par sa cupidité et le sacre du throne, Thorin va déclencher un conflit d'une ampleur insoupçonnée: l'offensive des 5 armées ! Mais afin d'apaiser les tensions et trouver une issue pacifiste, Bilbon Sacquet finit par proposer une transaction avec l'appui de Bard, car ayant réussi à s'emparer du fameux Arkenston que Thorin convoite ardemment.

Epique et grandiose, La Bataille des 5 armées continue de déployer sa maestria technique parmi le talent perfectionniste de Peter Jackson. Les séquences de batailles homériques s'avérant aussi fluides et redoutablement inventives dans leur sens chorégraphique que vertigineuses dans l'ampleur imposée aux milliers de figurants. Renouvelant avec habileté moult confrontations belliqueuses entre batailles rangées et monstres gargantuesques, les altercations de masse qui s'ensuivent finissent également par se confiner vers des confrontations individuelles entre héros stoïques et orques sanguinaires. A cet égard, la Bataille des 5 armées fait preuve d'une intensité dramatique dans le châtiment invoqué à certaines victimes, particulièrement celles abusant de bravoure pour tenir lieu du sens de l'héroïsme et du sacrifice. Brassant les thème de la dignité et de la loyauté (la fonction médiatrice de Bilbon), de la rédemption (la soudaine prise de conscience de Thorin !), de l'amour et de la perte de l'être aimé (la situation précaire de l'elfe Tauriel et sa remise en cause des sentiments), Peter Jackson privilégie la caractérisation humaine de ces héros redresseurs de torts impliqués dans une lutte pour la justice et le pouvoir. Les forces du Bien et du Mal se déchaînant avec fureur et passion afin d'asseoir leur réputation sur l'autel de la montagne sacrée.  

Ultra spectaculaire dans ses affrontements de masse et la scénographie aérienne de décors dantesques, mais aussi poignant dans sa dernière partie tragique, La Bataille des 5 armées clôt le chapitre du Hobbit avec humilité de la raison, force des sentiments, sens du devoir et de l'honneur. Si une fois encore, il n'atteint pas l'acuité épique de la trilogie de l'anneau, ses réflexions sur l'influence du pouvoir et la préservation de l'écologie ne manquent pas d'intensité autour de l'implication des rivalités humaines et belliqueuses. Une excellente conclusion conçue dans la générosité du spectacle (à l'instar de son prologue flamboyant !) parmi l'autorité intègre d'un auteur féru d'égard pour Tolkien. 

Le Hobbit: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/12/photo-empruntee-sur-google-appartenant.html
Le Hobbit 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/le-hobbit-la-desolation-de-smaug-hobbit.html

Bruno Matéï

La Femme-Reptile / The Reptile

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de John Gilling. 1966. Angleterre. 1h31. Avec Noel Willman, Jacqueline Pearce, Ray Barrett, Jennifer Daniel, Marne Maitland, Michael Ripper.

Sortie salles France: 2 Août 1967

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Gilling est un réalisateur et scénariste anglais, né le 29 Mai 2012 à Londres, décédé le 22 Novembre 1984 à Madrid (Espagne). 1957: Pilotes de haut-vol. 1958: Signes particuliers: néant. 1959: L'Impasse aux Violences. 1961: Les Pirates de la Nuit. 1962: L'Attaque de San Cristobal. 1966: L'Invasion des Morts-Vivants. 1966: La Femme Reptile. 1967: Dans les Griffes de la Momie. 1975: La Cruz del diablo.

Seconde et avant-dernière incursion de John Gilling chez la Hammer Films, la Femme-Reptile adopte une facture quelque peu orientale autour de l'apparition singulière d'un monstre reptilien victime d'une malédiction. 

Le Pitch: A la suite de la mort de son frère, Harry Spalding et son épouse décident de s'installer dans sa demeure au sein du village de Cornwall. Autour d'eux, d'étranges incidents meurtriers vont les contraindre à faire équipe avec un aubergiste afin d'enquêter sur les activités obscures d'un médecin et de son entourage familial. 

A partir d'un concept original, et pour redorer un sang neuf aux monstres classiques dérivés de la  Universal, le réalisateur fait preuve d'une belle maîtrise dans l'art de nous conter une histoire d'épouvante jamais poussive, de par son suspense latent savamment entretenu et l'intensité des situations horrifiques qui y émanent. 

Ce qui importe surtout avec la Femme Reptile est de se laisser entraîner dans le cheminement studieux d'un couple et d'un tenancier, témoins malgré eux de disparitions aussi soudaines que mystérieuses mais déterminés à aller jusqu'au bout de leur enquête. Outre le caractère envoûtant de sa scénographie gothique ou de sa campagne nocturne éclairée d'une photo sépia, le film réussit à distiller une atmosphère diaphane au sein de la demeure d'un théologiste originaire d'un secret. Accompagné de sa fille anxieuse, ce paternel austère et castrateur s'avère le pivot dramatique de l'intrigue car ne cessant de nous interroger sur sa potentielle culpabilité ou complicité. A l'instar de son domestique ombrageux faisant preuve d'une certaine autorité sur lui avec une dérision sarcastique. On est d'ailleurs frappé par le charisme glaçant de ces personnages offrant un pied de nez à la bonhomie attachante du couple et de l'aubergiste, communément prémunis par l'héroïsme de dernier ressort. En ce qui concerne les apparitions du monstre, si aujourd'hui l'aspect cheap du maquillage peut (peut-être) prêter à sourire, il n'en demeure pas moins crédible dans sa manière viscérale de provoquer l'effroi face à ces morsures redoutablement mortelles. Des séquences étonnamment impressionnantes qui sont parvenues à me procurer de cinglants frissons notamment de par les effets de surprise savamment procurés. En prime, John Gilling sait utiliser avec dextérité l'effet de suggestion lors de ces rares apparitions afin de mieux cultiver l'angoisse du suspense quand à ses prochaines altercations ! Sur ce point, les séquences chocs s'avèrent aussi redoutablement efficaces à travers leur réalisme incisif et pour l'intensité de l'agonie lorsque les victimes tuméfiés succombent à l'asphyxie. 

Envoûtant et captivant, notamment par son aura de fascination prégnante, la Femme-Reptile privilégie la progression du suspense en utilisant les ressorts dramatiques d'une famille désunie par une conspiration orientale. Epaulé d'un récit remarquablement structuré et du charisme inflexible des comédiens absolument irréprochables, John Gilling exploite un nouvel archétype du monstre humain avec brio indiscutable. Un énième chef-d'oeuvre de la Hammer Films gardant intact son pouvoir d'étrangeté et de séduction. 

Bruno 

06.04.24. 4èx. Vo

ROAD TO PALOMA

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Jason Momoa. 2014. U.S.A. 1h31. Avec Jason Momoa, Sarah Shahi, Lisa Bonet, Michael Raymond-James, Wes Studi, Jill Wagner, Timothy V. Murphy, Chris Browning.

Sortie salles U.S: 11 Juillet 2014

FILMOGRAPHIE: Jason Momoa est un acteur et réalisateur américain, né le 1er Août 1979 à Honolulu (Hawaii).
2014: Road to Paloma

Révélé par la série Game of Thrones, l'acteur Jason Momoa s'autorise aujourd'hui de passer derrière la caméra avec Road to Paloma. Un road movie contemplatif illustrant la virée à moto d'un Amérindien après que ce dernier eut vengé la mort de sa mère en assassinant son meurtrier. Recherché par un agent du FBI, Robert Wolf parcourt les contrées de l'ouest américain afin de regagner un lac pour y déposer les cendres de la défunte. Spoiler ! Sur son chemin, il va se lier d'amitié avec un jeune marginal sans le sou, aborder une romance avec une indienne, secourir une femme sauvagement agressée et s'inviter en dernier ressort chez sa soeur pour tenir lieu d'un au revoir, ou d'un adieu... Fin du Spoil.

Pour une première réalisation à faible budget, Jason Momoa privilégie le drame intimiste sur fond de road movie existentiel, l'intrigue relatant les pérégrinations d'un justicier en évasion profondément meurtri depuis le viol de sa mère, faute de crime impuni. Hymne à la liberté et à la beauté de la nature, qu'elle soit esthétiquement sauvage ou épanouie, Jason Momoa voue une sensibilité pour le lyrisme crépusculaire au travers de séquences intimistes en apesanteur où l'émotion vient gentiment nous aborder. La pudeur et la tendresse qui en découlent provoquant chez nous une implication empathique chez la condition mélancolique du protagoniste que Jason Momoa endosse avec virilité et noblesse. Bien que la réalisation ne s'avère pas des plus maîtrisée et que le jeu des acteurs pèche par moments par manque d'aplomb, on peut compter sur l'intégrité de l'auteur à mettre en relief le parcours existentiel d'un Amérindien profondément blessé par les partialités d'une Amérique fourbe n'ayant que peu de déférence auprès de sa communauté. Si le scénario ne réserve guère de surprise quand à l'issue fatale du dénouement et ne fait que souligner le périple indécis du meurtrier en perdition, la beauté formelle d'une nature spirituelle, les touches poétiques fondées sur les notions d'amour et d'amitié, et la revendication d'une justice individuelle, nous touchent par la sincérité du propos.

Avec une volonté d'immerger le spectateur dans une odyssée routière émaillée de lyrisme et de poésie éthérée, Jason Momoa compte sur le témoignage humble de la communauté indienne pour nous laisser dériver vers un no man's land aussi poignant que désenchanté. Un essai prometteur donc, par son charme requis et ses bonnes intentions si on accepte la lenteur de l'intrigue au profit d'une ambiance naturaliste souvent lancinante.

Dédicace à Isabelle Rocton.
Bruno Matéï

DANSE MACABRE (Danza macabra)

                Photo empruntée sur Google, appartenant au site onashoestringbudgetwithnoshoes.blogspot.com

de Antonio Margheriti et Sergio Corbucci. 1964. Italie. 1h30. Avec Barbara Steele, Georges Rivière, Margarete Robsahm, Henry Kruger, Montgomery Glenn, Sylvia Sorrent.

Sortie salles France: 14 Avril 1965. U.S: 29 Juillet 1964.

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi.
1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Un an après la Vierge de Nuremberg, Antonio Margheriti se réapproprie de l'épouvante gothique avec Danse Macabre, considérée à juste titre comme sa pièce maîtresse. Cette fois-ci, et à l'instar de son homologue, La Sorcière Sanglante sorti la même année, il requiert l'emploi du noir et blanc pour transcender son conte macabre. Une histoire d'amour impossible (ou presque !) entre un noble cartésien et une revenante d'outre-tombe. A la suite d'un pari avec le propriétaire d'un château, un journaliste doit passer une nuit entière dans sa demeure parmi la potentielle présence de fantômes. A partir de cette trame linéaire digne d'une série Z, Antonio Margheriti exploite son potentiel anxiogène parmi l'originalité d'un script combinant les thématiques de la hantise et du vampirisme. Envoûtant et fascinant par son atmosphère éthérée d'un manoir régi par des amants diaboliques et pendant laquelle un journaliste est venu observer leur potentielle résurrection, Danse Macabre s'applique à nous convaincre de l'intrusion du surnaturel parmi son témoignage en prise avec d'étranges hallucinations. 

Au sein de ce décor gothique poussiéreux, unique refuge des morts, deux univers parallèles coexistent lorsque le visiteur se porte témoin impuissant de la présence des fantômes venus lui remémorer leur passé meurtrier. Incapables d'assumer leur fardeau criminel (ils se sont entretuer pour la rancune d'une adultère) et avides d'amour et de source de vie, il se refusent à emprunter le seuil de l'au-delà mais réussissent à subsister en se nourrissant du sang des vivants. Pour cela, ils n'ont qu'à patienter l'arrivée du nouvel hôte venu s'introduire dans leur propriété le temps d'une nuit en guise de challenge. Abordant les tabous de l'infidélité conjugale et du saphisme en cette époque puritaine, Danse Macabre cultive un certain goût pour l'audace, notamment lors de ses instants de poésie morbide sans doute influencé par Le Masque du Démon de Mario Bava. Je songe particulièrement à la séquence de la crypte auquel un cadavre émacié se met à respirer lentement du fond de son cercueil. Outre l'inquiétude feutrée s'exaltant des parois du manoir, Danse Macabre transfigure la thématique universelle de l'amour passionnel en la présence iconique de Barbara Steele. Cette dernière endossant avec son traditionnel magnétisme sensuel la femme de tous les désirs que notre journaliste s'alloue inévitablement de courtiser. Par le biais de ce couple en quête d'étreinte éternelle, le film fait preuve d'un romantisme éperdu dans leur condition maudite et leur soutien mutuel à se prémunir de la mort. C'est d'ailleurs par l'amour qu'Elisabeth se sent en vie avant de se contenter du sang des vivants. 

Le château des amants maudits

Fascinant et envoûtant dans le parcours chaotique d'un athée gagné par une paranoïa progressive car témoin malgré lui de l'existence après la mort, Danse Macabre encense le poème macabre, ou l'art de narrer la romance improbable entre deux amants divisés par leur condition existentielle. Celle des inconséquences de la vie et de la mort. 

Bruno Matéï

3èx

THE VOICES. Prix du Public, Prix du Jury, Gerardmer 2015.

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Marjane Satrapi. 2014. U.S.A./Allemagne. 1h47. Avec Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver, Ella Smith, Paul Chahidi, Stanley Townsend.

Sortie salles France: 11 Mars 2015. U.S: 6 Février 2015

Récompenses: Prix du Nouveau Genre, l'Etrange Festival, 2014
Prix du Public, l'Etrange Festival, 2014
Prix du Public, Gerardmer 2015
Prix du Jury, Gérardmer 2015

FILMOGRAPHIE: Marjane Satrapi est une réalisatrice française d'origine iranienne et auteur de bande dessinée, née le 22 Novembre 1969 à Rasht, Iran.
2007: Persepolis. 2011: Poulet aux prunes. 2013: La Bande des Jotas. 2014: The Voices.

"Le fait d'être seul dans ce monde est à la source de toutes nos souffrances"

Révélée par Persepolis, la réalisatrice franco-iranienne Marjane Satrapi avait ensuite déçue une partie du public avec ses deux métrages suivants, Poulet aux Prunes et La Bande des Jotas. Aujourd'hui revigorée car terriblement inspirée pour illustrer le cas pathologique d'un serial-killer communiquant avec ses animaux familiers, The Voices fait office d'ovni au vitriol dans son alliage de comédie romantique (photo acidulée à l'appui !) et d'horreur malsaine (gore graphique inscrit parfois dans la crudité à l'instar du 1er meurtre). Récompensé à l'Etrange Festival et à Gérardmer, ce métrage esthétiquement stylisé n'a pas volé ses prix tant il redouble d'originalité et d'insolence à illustrer le profil désaxé d'un individu réduit à la solitude depuis son enfance galvaudée (quelques flash-back viendront d'ailleurs nous éclairer sur son passé de maltraitance et son obédience à passer à l'acte irréparable).

Dans un désir de provoquer le spectateur et d'y corrompre nos habitudes par le principe ludique de la comédie, Marjane Satrapi exploite ici d'autant mieux l'horreur glauque et la poésie macabre chez l'introspection d'un maniaque infantile, Jerry Hickfang, refusant d'assumer sa stature psychotique. Sa perte de contact avec la réalité l'incitant par son isolement à communiquer avec son chat et son chien, successivement les acteurs de sa conscience segmentée entre le Bien (le chien) et le Mal (le chat). Jerry ne cessant de remettre en question sa dualité perpétuelle de pouvoir refréner le mal afin de promouvoir le bien. Rehaussé de l'interprétation de Ryan Reynolds, l'acteur porte le film sur ses frêles épaules dans sa dimension humaniste de victime férue d'amour impossible et de rédemption, car littéralement torturé par ses voix contradictoires de la raison et de la démence. Observant sa quotidienneté intimiste parmi ses animaux familiers au sein de son foyer, le film ne cesse de jongler avec les genres contradictoires pour mieux distiller le malaise d'un climat étouffant auquel l'effluve des cadavres putréfiés commence sérieusement à s'y exalter. Jalonné de situations gentiment sardoniques afin de mettre en exergue le caractère pathétique de sa condition psychosée, à l'instar des conversations qu'il s'imagine avec les têtes de ses victimes, le film oscille entre les sentiments de tendresse et d'angoisse pour sa stature inconsciente de criminel malgré lui, et cela en dépit de la parole rassurante de son chien et du soutien de sa thérapeute. Avec son allure de charmant garçon timoré aussi fragile qu'hostile, l'empathie qu'on lui accorde continue de provoquer chez nous un malaise tangible souvent intense lorsque l'on redoute sa prochaine exaction à commettre l'irréparable.

Comédie horrifique littéralement étranglée par le caractère glauque d'une ambiance déjantée volontairement ubuesque, The Voices occasionne la gêne morale dans cette douce descente aux enfers vers la psychose. Il en émane un ovni atypique brillamment inventif et techniquement travaillé, dont la prestance poignante de Ryan Reynolds provoque autant l'amertume que l'agrément dans sa facture schizophrène. Incessamment dérangeant, difficile de sortir indemne d'une farce aussi épouvantablement corrosive ! 

Bruno Matéï

La Vierge de Nuremberg / La vergine di Norimberga

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

de Antonio Margheriti. 1963. Italie. 1h27. Avec Rossana Podestà, Georges Rivière, Christopher Lee, Jim Dolen, Lucile Saint-Simon.

Sortie salles France: 3 Février 1965

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi. 1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Considéré comme l'un des fleurons de l'horreur transalpine au sein de la carrière inégale de Margheriti, La Vierge de Nuremberg emprunte le cinéma gothique parmi l'originalité d'un script débridé.  Chaudement photographié à travers sa lumière sépia transfigurant l'architecture gothique d'un manoir jalonné de pièces secrètes, chambre de tortures et galeries souterraines, La Vierge de Nuremberg épouse l'esthétisme pictural avant de nous embarquer dans une intrigue machiavélique au suspense charpenté. Le pitch: A la suite d'un cauchemar, Mary se réveille pour entendre des cris en interne du château auquel elle vient d'emménager avec son époux. Ces supplices l'entraînent finalement vers la salle des tortures. Attirée par l'instrument de la Vierge de Nuremberg, elle décide d'ouvrir le sarcophage orné de pointes pour découvrir le corps sans vie d'une jeune femme énuclée. Après avoir perdu connaissance, elle se réveille dans sa chambre parmi le témoignage de son mari. Il lui explique alors qu'elle sort d'un mauvais cauchemar. Mais l'attitude interlope d'une des gouvernantes et du valet finissent par la convaincre que cette nuit de cauchemar n'était point le fruit de son imagination. Baignant dans le climat envoûtant d'un manoir vétuste hanté des exactions moyenâgeuses d'un ancêtre sadique, La Vierge de Nuremberg cultive un goût pour le macabre et le malsain parmi l'originalité d'un script usant de faux suspects et estocades meurtrières pour mieux laisser planer l'ambiguïté. 

Dominé par la présence charnelle de Rossana Podestà, le cheminement narratif est entièrement alloué à l'instinct investigateur de son personnage sévèrement malmené par l'entourage familial. Une épouse démunie déambulant seule dans les salles du château entre appréhension et fascination puisque témoin malgré elle du potentiel coupable après avoir subi les visions morbides de cadavres mutilés. A ce titre, on peut mettre en exergue le caractère atroce de la torture du rat lorsqu'une femme est retrouvée la tête encagée avec le rongeur venu lui dévorer la bouche ! Une séquence viscérale assez intense et audacieuse,  toujours aussi impressionnante aujourd'hui, notamment pour l'effet de répulsion causé en caméra subjective et usant (même si discrètement) de gore graphique. Outre la flamboyance gothique de ses décors raffinés, de l'interprétation aérienne de Rossana Podesta et des seconds-rôles taillés à la serpe (Christopher Lee et Anny Delli Uberti mènent diaboliquement la danse !), La Vierge de Nuremberg sait entretenir un suspense affûté lorsque notre héroïne tente avec prudence d'ôter la soutane de l'inquisiteur. Jouant avec l'icône du spectre maudit revenu d'entre les morts pour s'y venger, Antonio Margheriti dépoussière l'épouvante séculaire par le biais d'une intrigue délirante faisant intervenir Spoil ! l'horreur du nazisme et ses expérience médicales officieuses. Le dénouement haletant s'avérant d'ailleurs assez glauque et poignant lorsque le passé traumatique du meurtrier nous est détaillé parmi l'implication d'une vendetta, et ce avant de nous révéler l'apparence sentencieuse de son visage meurtri Fin du Spoiler. 

Irrésistiblement envoûtant auprès de son ambiance insolite aussi macabre que malsaine et cultivant l'art d'y conter une intrigue à suspense plutôt fétide, La Vierge de Nuremberg créé la surprise d'une horreur hybride Spoil ! en affiliant les horreurs chirurgicales du Nazisme fin du Spoil avec l'intégrisme médiéval. Chef-d'oeuvre gothique iconoclaste au demeurant comme seuls les italiens ont le secret ! 

*Bruno

28.12.22. 4èx

LA PARTY

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site galleryhip.com

de Blake Edwards. 1968. U.S.A. 1h39. Avec Peter Sellers, Claudine Longet, J. Edwards McKinley, Marge Champion, Sharron Kimberly, Denny Miller.

Sortie salles France: 13 Août 1969

FILMOGRAPHIE: Blake Edwards est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 26 Juillet 1922 à Tulsa (Oklahoma), décédé le 15 Décembre 2010 à Santa Monica (Californie).
1955: Bring your smile along. 1956: Rira bien. 1957: L'Extravagant Mr Cory. 1958: Le Démon de Midi. 1958: Vacances à Paris. 1959: Opération jupons. 1960: Une seconde jeunesse. 1961: Diamants sur canapé. 1962: Allô, brigade spéciale. 1962: Le Jour du vin et des roses. 1963: La Panthère Rose. 1964: Quand l'inspecteur s'emmêle. 1965: La Grande course autour du monde. 1966: Qu'as-tu fait à la guerre, papa ? 1967: Peter Gunn, détective spéciale. 1968: La Party. 1970: Darling Lili. 1971: Deux Hommes dans l'Ouest. 1972: Opération Clandestine. 1973: Top Secret. 1975: Le Retour de la Panthère Rose. 1976: Quand la panthère rose s'emmêle. 1978: La Malédiction de la Panthère rose. 1979: Elle. 1981: S.O.B. 1982: Victor, Victoria. 1982: A la recherche de la Panthère Rose. 1983: L'Hériter de la Panthère rose. 1984: L'homme à femmes. 1984: Micki et Maude. 1986: Un sacré bordel. 1986: That's Life. 1987: Boires et Déboires. 1988: Meurtre à Hollywood. 1988: L'Amour est une grande aventure. 1991: Dans la Peau d'une blonde. 1993: Le Fils de la Panthère rose.

Grand classique de la comédie américaine, La Party réunit à nouveau le tandem payant de la Panthère Rose, Black Edwards/Peter Sellers, pour un délire impayable digne des facéties de Chaplin et Laurel et Hardy. Le moteur des séquences comiques fonctionnant également sur la pantomime du personnage principal sujet à moult incidents mineurs mais qui vont rapidement en enchaîner d'autres dans un concours de circonstances désastreuses. La gestuelle et la physionomie décontractée de Peter Sellers déclenchant le rire nerveux dans sa nature inconsciente de gaffeur intarissable.

Incidemment invité lors d'une réception mondaine chez un riche producteur de cinéma, un acteur indien va accumuler des bévues toujours plus catastrophistes et entraîner avec lui les invités dans une hystérie collective ! Immense éclat de rire confiné autour d'une luxueuse villa, Black Edwards utilise l'unité de lieu avec inventivité, le décor amovible servant également de pivot électronique pour déclencher des situations catastrophiques aussi débridées qu'inopinées. Si la présence irrésistible de Peter Sellers doit beaucoup à l'énergie comique de sa discrétion fantasque, certains seconds-rôles (deux des majordomes opérant le service aux invités vont finir par s'affronter parce que l'un d'eux est atteint d'ébriété !) insufflent autant le rire incontrôlée dans leur conflit d'autorité. Par le biais de cette soirée mondaine de prime abord pacifique, Black Edwards se permet un joli pied de nez au snobisme d'Hollywood avec cet indien perturbateur venu désinhiber la vanité des invités. Ce qui culmine d'ailleurs à un final apocalyptique lorsque la réception dévergondée tourne à l'hystérie infantile lors d'un gigantesque bain de mousse causé par le nettoyage d'un bébé pachyderme ! Mais bien avant ce délire orgasmique où toutes les bévues sont déployées avec une frénésie communicative, Peter Sellers aura accompli le tour de force comique de nous amuser dans ses vicissitudes malchanceuses et avant de nous attendrir parmi la chaude complicité d'une comédienne en herbe.

Désopilant et pittoresque dans sa succession de gags jamais à court d'idées saugrenues, La Party n'oublie pas non plus de nous émouvoir par l'entremise d'une tendre romance où la candeur des sentiments effleure la féerie. Transcendé par le tempérament flegmatique du clown Peter Sellers, cette comédie cartoonesque distille un charme, une bonne humeur et une vigueur toujours aussi rafraîchissantes.   

Bruno Matéï
2èx