La Couleur de l'Argent / The Color of Money

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Martin Scorsese. 1986. U.S.A. 2h00. Avec Tom cruise, Paul Newman, Mary Elizabeth Mastrantonio, Helen Shaver, John Turturro, Forest Whitaker, Bill Cobbs.

Sortie salles France: 11 Mars 1987. U.S: 17 Octobre 1986

FILMOGRAPHIE: Martin Scorsese est un réalisateur américain né le 17 Novembre 1942 à Flushing (New-york). 1969: Who's That Knocking at my Door, 1970: Woodstock (assistant réalisateur), 1972: Bertha Boxcar, 1973: Mean Streets, 1974: Alice n'est plus ici, 1976: Taxi Driver, 1977: New-York, New-York, 1978: La Dernière Valse, 1980: Raging Bull, 1983: La Valse des Pantins, 1985: After Hours, 1986: La Couleur de l'Argent, 1988: La Dernière Tentation du Christ, 1990: Les Affranchis, 1991: Les Nerfs à vif, 1993: Le Temps de l'innocence, 1995: Un voyage avec Martin Scorsese à travers le cinéma américain, 1995: Casino, 1997: Kundun, 1999: Il Dolce cinema -prima partie, A Tombeau Ouvert, 2002: Gangs of New-York, 2003: Mon voyage en Italie (documentaire), 2004: Aviator, 2005: No Direction Home: Bob Dylan, 2006: Les Infiltrés. 2008: Shine a Light (documentaire). 2010: Shutter Island.2011 : Hugo Cabret. 2013 : Le Loup de Wall Street. 2016 : Silence. 2019 : The Irishman. 2022 : Killers of the Flower Moon. 2024 : Grateful Dead. 2026 : Roosevelt. 

L'argent est une addiction.

Auréolé de l'incandescent trio gagnant symbolisé du monstre sacrée Paul Newman (je m'agenouille !),  du jeune loup fougueux Tom Cruise (il crève quasiment l'écran de son naturel insolent) et de la charmante Mary Elizabeth Mastrantonio (de mémoire de cinéphile sa prestance la plus posée et sensuelle), La Couleur de l'Argent est un stoïque affrontement que se disputent 2 champions du billard dans l'art de la manipulation cérébrale. Paul Newman endossant le mentor émérite à inculquer à son poulain pédant les plus retors stratagèmes afin d'emporter la plus grosse mise. Passionnant, pour ne pas dire jubilatoire 1 heure 25 durant, tant auprès de la complicité amicale du trio où s'y  de chamailleries et réconciliation, que de leur chaude tournée dans les salles entremêlée de pugilats, de jalousie et de revanche murement réfléchies, la Couleur de l'Argent nous plonge dans les rouages de leur compétition avec un art consommé de l'intensité en roue libre. 

Mais à partir du moment où Eddie décide de raccrocher pour faire cavalier seul, j'avoue avoir été quelque peu refroidi, frustré, moins attentionné par la tournure brutale de l'intrigue à bien saisir qui manipule qui pour en sortir vainqueur. En tout état de cause, le spectacle demeure suffisamment attractif, pour ne pas dire addictif (à l'instar de l'outrecuidance de ses champions appâtés par le gain et leur goût immodéré du jeu) sous l'impulsion des comédiens frétillants (ils demeurent redoutablement attachants à travers leurs expressions insatiables doublées de fierté arrogante) et de la mise en scène virtuose de Martin Scorcese s'en donnant à coeur joie dans les mouvements de caméra fulgurants (particulièrement les travellings circulaires et les focus furtifs). Chaudement recommandée donc que cette séquelle roublarde nantie d'une émotion à la fois trouble et galvanisante quant aux effets pervers de la compétition où la manipulation prédomine au mépris de la moralité, voire de la pitié. 

*Bruno

Distinctions:

National Board of Review Awards 1986 :

prix du Meilleur acteur pour Paul Newman

New York Film Critics Circle Awards 1986 :

2e place au prix du Meilleur acteur pour Paul Newman

Oscar du meilleur acteur pour Paul Newman

2 Flics à Miami / Miami Vice

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de Michael Mann. 2006. U.S.A/Allemagne. 2h12. Avec Colin Farrell, Jamie Foxx, Gong Li, Naomie Harris, Ciarán Hinds, Justin Theroux, Barry Shabaka Henley.

Sortie salles France: 16 août 2006

FILMOGRAPHIE: Michael Kenneth Mann est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 5 Février 1943 à Chicago. 1979: Comme un Homme Libre, 1981: Le Solitaire, 1983: La Forteresse Noire, 1986: Le Sixième Sens, 1989: LA Takedown, 1992: Le Dernier des Mohicans, 1995: Heat, 1999: Révélations, 2001: Ali, 2004: Collatéral, 2006: Miami Vice, 2009: Public Enemies. 2015 : Hacker. (Blackhat). 2023 : Ferrari. 

"Un des plus grands films de Michael Mann". Jean-Baptiste Thoret.

Hélas boudé lors de sa sortie, Miami Vice est un grand film que beaucoup ont comparé à la série TV symptomatique des années 80 en reprochant sans doute son absence de nostalgie, d'exotisme bonnard, de tubes pop FM entêtants et de cool attitude des personnages. Car il s'agit ici d'une oeuvre expérimentale comme le prouve son parti-pris autonome de le tourner en caméra numérique Thomson Viper afin de nous faire participer de l'intérieur des évènements comme si nous y étions. Et si de la part d'un tâcheron le métrage n'aurait été qu'un banal divertissement policier sur fond de trafic de drogue et d'agents infiltrés, Michael Mann en tire une oeuvre littéralement fascinante de par son art d'y conter (non sans une certaine mélancolie symptomatique de sa filmo) son histoire "documentée" (doux euphémisme) au gré d'un suspense latent, et par son sens du détail magnifiant chaque séquence au point de s'immerger tête baissée dans les conflits et actions épiques des personnages à la fois tourmentés et résignés. Mais pas que, car au fil du cheminement filandreux de notre duo de flics infiltrés auprès d'un cartel, et afin de relancer l'action vers une pente autrement tendue et vertigineuse, Michael Mann y cultive une romance entre Isabella et Sony qui remettra en cause (et en question) les transactions illégales des bons et des méchants emportés par le doute, la défiance, le goût du risque, la vengeance, la mort. 

Particulièrement doué pour créer des ambiances crépusculaires envoûtantes sous l'impulsion d'un score électro, Michael Mann ne perd rien de son style épuré pour nous séduire sans ambages et nous émouvoir à travers le profil de nos flics de Miami couillus mais circonspects (bien qu'effrénés dans leur démarche) à tenter de faire tomber le plus gros bonnet de la bande;  Archangel de Jesus Montoya. Il faut dire que la sobriété des interprètes et des seconds-rôles charismatiques en tous points magistraux constitue également une plus-value pour authentifier cette guerre de drogue que Colin Farrell et Jamie Foxx monopolisent avec une classe renfrognée eu égard de leurs expressions dépouillées que Mann ausculte pourtant avec une attention scrupuleuse (mais jamais outrée ou racoleuse à l'instar de sa mise en scène incroyablement avisée). Quant aux rares scènes d'actions qui électrisent le récit en suspens, elles font preuve d'hyper réalisme furibard, tant auprès de son montage à couper au rasoir afin d'intensifier les affrontements épiques, que des bruitages et effets sonores impartis aux armes et autres explosions que Mann parachèvent lors d'un final belliqueux où chacun des protagonistes peut trépasser à tous moments. Une dramaturgie à la fois violente et cruelle mais surtout hyper tendue (notamment à renfort de répliques retorses pour mieux duper l'adversaire) que la série des années 80 ne pouvait se permettre à une heure de grande écoute. 

Du cinéma à l'état pur. 

C'est ce qui fait la grandeur, la force et la noblesse de ce Miami vice posé et contemplatif que de faire participer au public une histoire triviale de traque infernale contre le cartel en la magnifiant de par sa mise en scène personnelle et l'implication de son cast irréprochable jouant les bons et les méchants avec une foi monolithique. Grand film noir sur le capitalisme contemporain illustrant en filigrane une bouleversante romance impossible, Miami Vice resplendit de 1000 feux dans sa capacité à nous narrer au compte goutte son vénéneux récit en nous impliquant de plein fouet comme si nous étions devenus un personnage du film. Alors que les nombreux décors naturels et domestiques, les boites de nuits luxueuses, l'asphalte, les bolides et infrastructures font notamment office de personnages à part entière. Tout ça pour dire que Miami Vice se vit et se ressent comme un voyage au bout de la nuit auprès de ses moult sources de danger que nos protagonistes tentent de transgresser entre héroïsme stoïque (parfois à couper le souffle), patience et résilience pour venir à bout de leur mission. Mais à quel prix au travers de leur dérive existentielle finalement noyée de désillusion professionnelle et conjugale  ? 

*Bruno Matéï 

2èx

Complot de Famille / Family Plot. Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario

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d'Alfred Hitchcock. 1976. Angleterre. 2h00. Avec Bruce Dern, William Devane, Barbara Harris, Karen Black, Ed Lauter, Cathleen Nesbitt, Katherine Helmond.

Sortie salles France: 21 Juillet 1976. U.S: 9 Avril 1976

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980. 1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

Comédie policière rondement menée de par son lot de rebondissements, suspense lattent (avant une tension furtive en dernière partie pour le sort précaire d'un des personnages) et quiproquos que l'on ne peut anticiper, Complot de Famille est le divertissement idoine sous l'impulsion d'un scénario charpenté particulièrement décomplexé (il n'a point grugé son Prix Edgar Allan Poe du Meilleur Scénario). Pour ce faire, on peut autant compter sur l'engouement de notre quatuor de protagonistes vénaux (2 couples d'amants peu recommandables alors que l'on s'attache inévitablement auprès du duo le moins hostile et  répréhensible) escroquant sans vergogne les honnêtes gens. Blanche Tyler usant de séances de spiritisme avec la complicité de son amant George Lumley pour un enjeu pécuniaire de 10 000 dollars. Fran élaborant de son côté des rapts auprès de personnalités fortunées pour leur soutirer un diamant avec la complicité de son compagnon jouailler Arthur Adamson. Ainsi, ses personnages sans scrupule finiront inévitablement par se croiser et se rencontrer lors d'un jeu de cache-cache davantage tendu, pour ne pas dire oppressant, au péril de la vie de certains d'eux. 

Sémillante et enjouée au point de nous susciter parfois l'hilarité (ses grossières imitations dans la cuisine de l'une de ses victimes sclérosées), Barbara Harris se délecte à se fondre dans la peau d'une médium empathique avec un charisme typiquement cocasse dans sa posture faussement philanthrope. Elle est accompagnée du monstre sacré Bruce Dern incarnant ici avec une aisance autrement plus discrète, avenante et vigilante la double fonction de chauffeur de taxi et de détective amateur afin de retrouver la trace du fantôme Edward Shoebridge. L'indigne héritier de la fortune de Julia Rainbird, vieille dame cossue rongée de remords à la suite de la mort de sa soeur et du mari de celle-ci lors d'un étrange incendie. Quant au jeu torve de William Devane (le personnage le plus sombre des 4), il recourt à une expression à la fois cynique, insidieuse et orgueilleuse pour duper ses ennemis et préserver son identité. Il est enfin entourée de la troublante et vénéneuse Karen Black  (quel regard félin dans sa défroque distinguée accoutrée de lunettes noires !). Sa fameuse complice à la fois burnée et rigoureusement prudente négociant aux proches de la victime de rapt la mise d'un diamant en promesse de sa libération.  

Il serait donc temps de réhabiliter urgemment cette merveille de comédie policière menée sans temps morts et irrésistiblement passionnante alors qu'Hitchcock, dénué de prétention pour son ultime métrage, prend son temps à planter son intrigue pour y faire évoluer ses personnages avec une diabolique dérision (parfois proche du comique). Les acteurs communément expansifs prenant plaisir à participer à l'aventure rocambolesque au travers d'une topographie sinueuse semée d'embuches, de fausses pistes et de revirements génialement dosés au compte goutte, et donc sans esbroufe. Un régal j'vous dit. 

*Bruno Matéï 

2èx

You won't be alone

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Goran Stolevski. 2022. U.S.A/Australie/Serbie. 1h49. Avec Sara Klimoska, Anamaria Marinca, Alice Englert, Félix Maritaud, Carloto Cotta, Noomi Rapace.

Sortie salles France: 1er Avril 2022

FILMOGRAPHIE: Goran Stolevski est un réalisateur et scénariste australien. 2022: You won't be alone. 

Expérience de cinéma naturaliste contrairement à ses apparences cryptiques, You won't be alone empreinte au cinéma de Herzog et de Malick sous couvert d'un prétexte occulte magnifiant le portrait d'une femme-enfant en apprentissage existentiel. Et si ce métrage auteurisant ne plaira assurément pas à tous (faute de son climat hermétique plutôt froid et distant et de son aspect documenté plus vrai que nature), l'expérience quasi atypique que procure ce 1er essai ne peut laisser indifférent l'amateur d'étrangeté indépendante puissamment évocatrice. Ainsi, à travers la divergence morale d'une femme sorcière envers sa fille adoptive, mi-humaine, mi-sorcière, Goran Stolevski nous fait partager 1h49 durant le trajet oscillatoire de cette dernière qui devra apprendre l'adulte tempérance de vivre en communauté au sein d'une nature solennelle olfactive. Tant et si bien que You won't be alone se vit et se ressent comme un trip expérimental, telle une seconde naissance que le spectateur perçoit à travers les yeux candides de cette sauvageonne passant d'un corps à un autre afin de mieux comprendre et apprivoiser la nature humaine. Parfois bercé d'une partition fragile discrètement envoûtante, cet hymne à la vie, à la maternité, à la nature et à l'amour transpire l'authenticité du vécu auprès de ces métayers d'une époque séculaire à travers leur idéologie aussi superstitieuse que conservatrice. 

Baignant dans un doux climat de plénitude à travers ses yeux ingénus emplis de curiosité et de soif de découverte, tout en décrivant son rapport contradictoire avec la mort qu'elle commet de temps à autre à autrui dans son inculture à différencier le Bien du Mal, You won't be alone est contrebalancé de visions dérangeantes, malsaines et cruelles (surtout en présence de nouveau-nés éplorés) de par la menace létale d'une sorcière envieuse (sans doute le portrait le plus fulgurant du cinéma de par sa nature expressive dénuée d'humanisme !) incapable de comprendre, communiquer et transmettre la valeur maternelle eu égard de son mépris pour sa progéniture en proie à un éveil sentimental qu'elle ne pu soupçonner. Délicat et fragile, méphitique et désobligeant à travers l'ombre de la méchanceté la plus couarde et isolée, You won't be alone est autant une oeuvre existentielle onirique qu'expressive à nous communiquer avec un scrupuleux souci documentaire les premiers émois d'une naissance multiple que nous découvrons à travers la sensible intimité d'une enfant-monstre en proie aux valeurs inextinguibles du Bien après s'être débarrassée de son influence maléfique. 

*Bruno Matéï 

Luz, la Fleur du Mal / Luz: The Flower of Evil / Luz, la flor del mal.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmaffinity.com

de Juan Diego Escobar Alzate. 2019. Colombie. 1h44. Avec Yuri Vargas, Jim Muñoz, Conrado Osorio, Andrea Esquivel, Sharon Guzmán.

Sortie salles: 7 October 2019 (Sitges Film Festival)

FILMOGRAPHIE: Juan Diego Escobar Alzate est un réalisateur et scénariste colombien, né le 15 Août 1987 à Manizales. 2019: Luz. 

Issu de Colombie, cet OVNI indépendant ne plaira assurément pas au grand public non préparé à une expérience ésotérique aussi personnelle qu'envoûtante. Certaines de ses images fantasmagoriques demeurant de véritables tableaux oniriques que le réalisateur imprime à travers une flamboyante photographie bercée d'un fond musical aussi fragile que mélodieux. Et à ce niveau sensoriel d'une nature stellaire aussi gracile qu'épanouissante, la première demi-heure fait mouche à nous dépeindre cet univers bucolique laconique auquel une poignée de villageois tentent de cohabiter en harmonie en tentant d'y trouver leur paix intérieure. Or, à travers un récit sans trop de surprise nous relatant durant 1h44 la folie dépressive d'un père bigot et de ses 3 filles soumise à sa foi chrétienne, Luz, la Fleur du Mal cède place à la redondance et aux logorrhées à ne traiter que des thèmes du Bien et du Mal depuis l'intrusion d'un enfant mutique potentiellement habité par le diable. Réaliste, déroutant, pesant, ennuyeux, dérangeant, fascinant, beau, fragile, violent, immersif et sensitif, Luz ne laisse toutefois pas indifférent l'amateur d'expérience spirituelle ne ressemblant à nul autre métrage. 

Mais en l'état, on aurait peut-être opté pour un moyen métrage de 50 minutes plutôt que d'étirer sur la longueur ce concept religieux rébarbatif car beaucoup trop chargé en palabres et versets bibliques de nous marteler que Dieu (le bien) et Diable (le mal) ne font qu'une seule et même entité en notre enveloppe corporelle que nous combattons quotidiennement selon nos croyances, notre agnosticisme ou notre athéisme. Pour clore, on peut enfin dénoter la qualité de son cast méconnu totalement habité par leur expression tantôt aliénée, tantôt affligée au travers de séquences parfois horrifiques ou brutales que nous ne voyons pas arriver. Et on sent bien que le réalisateur très inspiré par son récit mystique se refuse à sombrer dans le racolage ou la fioriture en misant essentiellement sur l'expérience d'un vécu maladif à travers le fanatisme rigoriste (symbolisé par ce paternel transi incapable d'y distinguer les valeurs du Bien et du Mal), vecteur de tous les maux de nos sociétés depuis la nuit des temps. 

Exclusivement pour public averti donc.

*Bruno Matéï 

Hors la Loi

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Robin Davis. 1985. France. 1h48. Avec Clovis Cornillac, Wadeck Stanczak, Nathalie Spilmont, Isabelle Pasco, Pascal Librizzi, Jean-Claude Tran, Joël Ferraty, Philippe Chambon, Jean-Paul Roussillon, Madeleine Robinson. 

Sortie salles France: 3 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: Robin Davis, né le 29 mars 1943 à Marseille, est un réalisateur français. 1975 : Ce cher Victor. 1979 : La Guerre des polices. 1982 : Le Choc. 1983 : J'ai épousé une ombre. 1985 : Hors-la-loi. 1989 : La Fille des collines.  

Oublié de nos jours mais enfin commercialisé en format Blu-ray chez nous, Hors la loi est un sympathique récit d'aventures à la française, aussi mineur soit son contenu bâclé, pour ne pas dire dégingandé. Une traque sans relâche que subissent de jeunes délinquants d'un centre de redressement contre la police, les militaires et des fermiers revanchards à la suite d'une rixe mortelle dans une salle des fêtes. En dépit de ses nombreuses maladresses (principalement au niveau de l'attitude parfois irritante des protagonistes plutôt mal dirigés, qu'ils soient jeunes ou adultes), de son manque d'intensité et d'un récit prévisible pâtissant des hurlements outrées des jeunes acteurs jouant les rebelles au grand coeur avec un sens de l'improvisation théâtrale, Robin Davis compte sur les nombreux rebondissements belliqueux et ses magnifiques panoramas provinciaux pour nous attacher à ce survival champêtre modestement attachant. A l'instar de la présence déjà convaincante de Clovis Cornillac du haut de ses 16 ans en délinquant quelque peu autoritaire épris de sentiments pour Ida mais contraint de se mesurer à son rival Christian particulièrement envieux de cette dernière. 

*Bruno Matéï

2èx

The Gate / La Fissure

                                       

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site lovingmoviesfr.file

de Tibor Takács. 1987. U.S.A. 1h24. Avec Stephen Dorff, Christa Denton, Louis Tripp, Kelly Rowan, Jennifer Irwin.

Sortie salles France: 28 Mai 1987. U.S: 15 Mai 1987

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Tibor Takacs est un réalisateur hongrois né le 11 Septembre 1954 à Budapest (Hongrie). 1978: Metal Messiah. 1982: 984: Prisoners of the Future (télé-film). 1987: The Gate. 1989: Lectures Diaboliques. 1992: The Gate 2. 1996: Sabotage. 1997: Sanctuary. 2001: La Fille du Père-Noel (télé-film). 2003: Rats. 2007: Ice Spiders (télé-film). 2007: Mega Snake (télé-film). 2010: Tempête de météorites (télé-film). 2013: Spiders 3D.

Si j'avais quelque peu omis cette modeste série B que j'avais trouvé à l'époque bonnard et attachante (notamment grâce à l'originalité de ses effets-spéciaux particulièrement réussis et oh combien réjouissants), quelle fut ma surprise de le redécouvrir aujourd'hui sous un angle autrement gratifiant si bien que j'ai redécouvert (en format HD qui plus est) un formidable divertissement qu'on ne retrouve plus (ou si peu, à l'instar de la géniale série Stranger Things) de nos jours. Car aussi imbitable que cela puisse paraître, The Gate est un VRAI film d'horreur (point que j'avais bizarrement complètement omis de ma mémoire) joué par des bambins que Tibor Takacs ose combiner au travers de leur esprit de cohésion et de leur amitié indéfectible. Son climat étonnement angoissant distillant une lourde atmosphère d'étrangeté et d'insécurité en la présence d'ados farouches (mais en voie de rébellion) à tenter de venir à bout de la menace monstrueuse au sein de leur cocon domestique. L'intrigue simpliste traitant de ce trio (un frère, une soeur et leur acolyte) à déjouer les forces maléfiques d'un dessein morbide planétaire à la suite du déracinement de l'arbre de leur jardin. 

Ainsi, redécouvrir aujourd'hui ce B movie dénué de prétention prouve à quelque point les années 80 fut une véritable aubaine pour imprimer sur écran de petits métrages ludiques bourrés de sincérité, de générosité et de bons sentiments (dans le bon sens du terme) dans leur plaisir commun de bien faire à nous faire croire à l'improbable. En l'occurrence, on se retrouve à reluquer entre passion et fascination de petits monstres diablotins terriblement réalistes dans leur petit corps véloce que Tibor Takacs exploite lestement à l'aide d'FX toujours bluffants. Tant et si bien qu'aujourd'hui on reste aussi impressionné par leur apparence démoniale à travers un charisme quelque peu singulier. Quant au monstre final de taille autrement disproportionnée et filmé en stop motion, là encore on reste enchanté par cette vision de cauchemar dantesque en dépit de son aspect rétro génialement attachant. Et si la première partie laisse beaucoup de place à la suggestion, la mise en attente et à certaines dérives hallucinatoires plutôt insécures, le second acte autrement épique et horrifique embraye sur des confrontations à la fois haletantes et terrifiantes (l'apparition du mort-vivant s'extirpant du mur de la chambre fait froid dans le dos par son apparence spectrale !) que nos héros en herbe amorcent avec une foi déterminée (nous n'avons jamais le désagréable sentiment de supporter des ados turbulents et décervelés comme on est parfois contraint de se coltiner au travers de prods triviales plutôt arrivistes). 

Si bien que dans The Gate tout est relativement soigné, tant au niveau de sa réalisation soignée, de ses trucages artisanaux, de son score lugubre, de son atmosphère réellement anxiogène que des comédiens juvéniles (Stephen Dorff en tête en noble leader à la capacité de réflexion) réellement investis dans leur fonction à la fois épeurée et dévouée à combattre les forces du Mal lors d'une une directive solidaire (avec en prime un joli discours sur la fidélité amicale comme le prouve justement son épilogue salvateur). A redécouvrir donc avec un réel plaisir assumé, The Gate paraissant aujourd'hui plus couillu, plus charmant, plus réjouissant dans son concentré d'horreur, de fantastique mais aussi d'humour et de tendresse étonnamment premier degré ! 

*Bruno Matéï

3èx

Mise à Prix / Smokin' Aces

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Joe Carnahan. 2006. U.S.A/France/Angleterre. 1h49. Avec Ryan Reynolds, Jeremy Piven, Ray Liotta, Andy García, Alicia Keys, Common, Jason Bateman, Ben Affleck, Curtis Armstrong, Chris Pine, Joel Edgerton.

Sortie salles France: 1er Août 2007 (Int - 12 ans). U.S: 9 Décembre 2006. Angleterre: 12 Janvier 2007

FILMOGRAPHIE: Joe Carnahan est un réalisateur, scénariste, monteur et producteur américain, né le 9 mai 1969 à Sacramento. 1998 : Blood and Bullets. 2002 : Narc. 2002 : The Hire: Ticker (spot de la série The Hire pour BMW). 2006 : Faceless (TV). 2007 : Mise à prix. 2010 : L'Agence tous risques. 2012 : Le Territoire des loups. 2013-2015 : Blacklist (série télévisée) (3 épisodes). 2014 : Stretch. 2014-2015 : State of Affairs (série télévisée) (4 épisodes, également créateur). 2021 : Boss Level. 2021 : Copshop. 

Synopsis (issu de Wikipedia): Le boss de la pègre Primo Sparazza a lancé un contrat juteux sur la tête de Robert « Buddy Aces » Israel, un magicien louche qui a décidé de dévoiler au grand jour ce qui se passe dans le milieu de la pègre de Las Vegas. Le FBI, pressentant sa chance d'utiliser cet escroc à la petite semaine pour faire tomber le gros morceau que représente Sparazza, place Aces en détention provisoire, sous le contrôle de deux agents envoyés à la planque de Aces au lac Tahoe. Lorsque le montant de la rançon pour la tête de Aces se diffuse dans la communauté, des escrocs et escrocs en devenir, chasseurs de primes, gangsters, vieilles camées et traîtres du milieu se lancent également à sa poursuite. 

Mon avis: Démentiel !

Formidable polar d'action mené à un rythme intrépide en dépit de ces premières 40 minutes laissant trop de place aux palabres selon moi (il m'a fallut un petit temps d'adaptation pour entrer dans l'univers et la mise en place des personnages), Mise à prix est un régal jubilatoire sous l'impulsion d'un scénario constamment imprévisible et débridé. Tant et si bien que l'on reste bouche bée par ses twists à répétition afin de parachever un épilogue aussi ironique que dramatique. D'ailleurs, sur ce point de divergence des genres, Joe Carnahan (Narc, c'était lui !), manie admirablement nos émotions si bien que le spectateur est soit partagé par la drôlerie (parfois hilarante, à l'instar de la présence iconique du petit karatéka surnommé "Boogie" nous offrant une posture pédante à mourir de rire !), soit par une émotion parfois poignante que l'on ne parvient pas à préméditer tant le réalisateur maîtrise son sujet et sa mise en scène à à couper au rasoir. Car truffé de trouvailles, de personnages décalés (comme sortis d'une bande-dessinée mal élevée), de quiproquos et incidents ultra violents rigoureusement spectaculaires (et tout cela monte en crescendo dès que les gangsters, déployés en masse, s'approchent toujours plus près du repère de Israel), Mise à prix ne laisse nulle place à la routine dès que l'intrigue est plantée en dépit de la complexité de certains enjeux policiers (telle cette réminiscence en rapport à l'espionnage). 

C'est donc un fabuleux divertissement retors que nous cultive Joe Carnahan, épaulé il faut avouer par un casting incandescent (Ryan Reynolds, Jeremy Piven, Ray Liotta, Andy García, Alicia Keys, Common, Jason Bateman, Ben Affleck, Curtis Armstrong, Chris Pine s'amusent comme des gosses dissipés tout en prenant leur rôle au sérieux), d'une BO survoltée et surtout d'un script à la fois très efficace et original en dépit des apparences trompeuses. Et si on sent clairement une influence Tarantinesque, notamment auprès de la fringance de ses dialogues décomplexés et de son humour méchant, le cinéaste parvient pour autant à imposer son style et affirmer son intégrité (énergie à revendre en sus) afin de ne pas sombrer dans l'hommage trivial qu'on aurait tort de sermonner. Tout à la fois endiablé, déjanté, hilarant, impondérable (impossible de prédire qui trépassera dans la séquence suivante) et brutalement épique, Mise à Prix se permet en outre au sein de ce bain de sang sarcastique à instaurer une véritable émotion autour de ces personnages (méchants ou gentils) se combattant séparément avec une bravoure aussi burnée que méthodique. 

*Bruno Matéï 

2èx

Abuela. Prix du Jury, Gérardmer, 2022.

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Paco Plaza. 2021. Espagne/France. 1h40. Avec Almudena Amor, Vera Valdez, Karina Kolokolchykova, Alba Bonnin, Chacha Huang, Pablo Guisa Koestinger.

Sortie salles France: 6 avril 2022. Espagne: 22 Octobre 2021

FILMOGRAPHIE: Francisco Plaza Trinidad dit Paco Plaza est un réalisateur et scénariste espagnol, né le 8 février 1973 à Valence (Valence).2002 : OT: la película (documentaire). 2002 : Les Enfants d'Abraham. 2004 : L'Enfer des loups. 2007 : [REC] (co-réalisé avec Jaume Balagueró). 2008 : [REC]² (co-réalisé avec Jaume Balagueró). 2012 : [REC]3 Génesis. 2017 : Verónica. 2019 : Eye for an Eye. 2021 : Abuela. Prochainement: Hermana muerte. 

"À la fin d'une vie, la vieillesse revient en nausées. Tout aboutit à ne plus être écouté."

Proposition horrifique aussi originale qu'universelle à travers sa thématique houleuse de la peur de la vieillesse, Abuela est le nouveau projet de Paco Plaza, réalisateur inégal néanmoins attachant et intègre à travers son amour du genre qu'il voue sans se lasser. Car élevant le style au 1er degré (il s'agit bien d'une horreur adulte, posée, réfléchie et filandreuse), celui-ci soigne son cadre intimiste d'un huis-clos domestique entre une grand-mère sclérosée et sa petite fille s'efforçant de la soigner à la suite d'une hémorragie cérébrale. Superbement éclairé et photographié à travers ses décors domestiques vétustes où rien n'est laissé au hasard, Abuela dégage dans un premier temps une attirante atmosphère d'étrangeté placide lorsque la fille de 25 ans, mannequin de mode, est témoin d'inquiétants phénomènes inexpliqués sous la mainmise de sa grand-mère aussi mutique qu'insidieuse auprès de ses non-dits et de ses postures à la fois rigides et glaçantes. Ainsi, durant une bonne heure de métrage, on reste attentif au saisissant portrait imparti au 3è âge dans un vérisme documenté tantôt touchant, tantôt répulsif et si attentionné. Paco Plaza accordant autant d'attachement à la condition corporelle de cette dame décharnée impotente que la jeune mannequin (saisissant contraste entre beauté et laideur !) s'efforce de préserver en dépit de ses affres grandissantes pour sa folie mentale qu'elle redoute dans le plus grand désarroi (moment de solitude si poignant dans le resto chinois). 

Mais là ou le bas blesse émane qu'au fil de leurs rapports équivoques toujours plus tendus, ambigus et irraisonnés, le cinéaste emprunte certaines ficelles préjudiciables quant aux réactions morales de la jeune fille finissant toujours par céder à l'amour pour sa grand-mère alors que sa vie est sur le point de basculer dans la déprime et la démence. Tant et si bien que si nous étions à sa place, il me semble que nous aurions probablement (pour la plupart d'entre nous) pris la poudre d'escampette d'assister à tel cauchemar irrationnel en la présence de notre grand-mère potentiellement douée de télékinésie et autre sorcellerie. Et Plaza de poursuivre dans les clichés du genre avec 2 gros évènements meurtriers aussi effroyables qu'imbitables face au témoignage davantage démunie de la jeune fille en quête désespérée d'une main secourable. Quand bien même son final autrement plus intelligent, suggestif et terriblement sournois renoue avec les qualités de la première heure de par son art consommé d'une horreur feutrée diffuse aussi malsaine que dérangeante. 

C'est la perspective de la vieillesse qui nous donne l'envie de vivre.

Clairement non conçu à tous les spectateurs, Abuela demeure perfectible, inabouti, dégingandé, mais pour autant angoissant, malaisant, parfois effrayant et toujours troublant. A l'image de cette dame décatie à 2 doigts de trépasser que campe admirablement Vera Valdez (audacieusement mise à nu dans son corps exsangue, elle est habitée par ses fonctions occultes à travers son regard tantôt neutre, tantôt lestement expressif). On peut autant applaudir la force d'expression névralgique de Almudena Amor en mannequin juvénile l'accompagnant jusqu'à la mort en témoignant de sa vieillesse putrescente avec une appréhension (trop) contradictoire et perplexe. Remarquablement interprété donc (le gros point qualitatif du métrage avant sa mise en scène épurée), Abuela ne laisse pas indifférent si bien que l'on peut également répertorier nombre de qualités substantielles à travers sa réflexion sur la peur de la vieillesse et de la mort autant qu'à celle de la laideur corporelle.  

*Bruno Matéï

Récompenses: Festival international du film fantastique de Gérardmer 2022 : Prix du jury (exæquo avec Samhain de Kate Dolan). 

Prix Feroz 2022 : meilleure bande annonce pour Miguel Ángel Trudu

Solitaire / En Eaux troubles / Rogue.

                                             

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Rogue" de Greg McLean. 2007. U.S.A/Australie. 1h39. Avec Radha Mitchell, Michael Vartan, Sam Worthington, Caroline Brazier, Stephen Curry.

Sortie salles France: 13 Août 2008.

FILMOGRAPHIE: Greg McLean est un réalisateur, scénariste et producteur australien.
2005: Wolf Creek. 2007: Solitaire. 2014: Wolf Creek 2. 2016 : The Darkness. 2016 : The Belko. Experiment. 2017 : Jungle.

Révélé par le traumatisant Wolf Creek, Greg McLean exploite 2 ans plus tard le film de monstre marin avec Solitaire, une série B rondement menée à travers son inévitable concentré d'agressions animales, de suspense oppressant et de stratégies de survie plutôt bien pensées. Qui plus est, de nous surprendre constamment quant au sort aléatoire des potentielles futures victimes, on reste également fasciné et impressionné par son final dantesque quant à la confrontation épique entre le monstre et l'un des protagonistes sévèrement tourmenté par la bête carnivore. Ainsi, en exploitant l'unité de lieu lors de sa première heure (un groupe de touriste est contraint de s'abriter sur un ilot après le naufrage de leur bateau en essayant de théoriser une issue de secours), Greg McLean ne s'embarrasse nullement de racolage et de situations éculées grâce à l'intelligence de son histoire (tirée d'une histoire vraie) attachant autant d'importance à l'intensité dramatique de ses personnages aliénés (car en instance de survie précipitée) que des agressions animales jamais outrancières auprès des rares apparitions du monstre à écailles. D'ailleurs il faut patienter une bonne trentaine de minutes pour voir débarquer la première séquence morbide, tant et si bien que McLean nous expose d'abord la présentation de ses touristes hétéroclites lors d'une visite touristique à couper le souffle de par l'ampleur de ses paysages naturels d'une beauté édénique à couper le souffle. Le tout sous l'impulsion d'un envoûtant score mélodique aussi planant que dépouillé quant au sentiment de sérénité que l'on ressent à travers cette scénographie exotique résolument dépaysante. 

Ainsi donc, Solitaire ne cherche nullement à révolutionner le sous-genre si bien que l'action s'avère peu présente 1h39 durant. Pour autant, on reste constamment captivé et fasciné par ce huis-clos maritime de par l'attachement éprouvé pour ses protagonistes en proie à la peur, à la panique, à l'espoir et parfois à un héroïsme de dernier ressort aussi couillu que suicidaire, et par la présence disproportionnée du croco insidieux que McLean suggère lestement, notamment grâce au réalisme des situations à la fois censées, effrénées et désespérées. Or, pour relancer l'action dans une direction plus végétative et rocailleuse et ainsi satisfaire l'amateur de sensations fortes, le réalisateur nous comble avec enfin la présence démonstrative du monstre en proie à une rivalité humaine que l'on ne pouvait préméditer. L'attachant Michael Vartan demeurant sobrement convaincant en journaliste à la fois discret et pugnace lorsqu'il tente ensuite de secourir l'ultime victime en instance de survie précaire. Radha Mitchell incarnant avec un naturel sans fard une guide touristique s'évertuant à protéger son groupe aux caractères parfois bien trempés avec une forme d'autorité sciemment mesurée pour éviter d'accentuer la panique. Le reste du casting étant à l'avenant à travers leurs expressions humaines tantôt dépressives, apeurées, tantôt acharnées, sachant aussi qu'il s'agit d'acteurs méconnus auprès du public français (ce qui renforce donc le réalisme de ces profils lambdas en dépit de quelques persos secondaires un tantinet caricaturaux). 

Héros malgré lui

Voici donc une excellente série B aussi intelligente dans son refus de surenchère (et les FX numériques, récompensés en Australie, sont par ailleurs très réalistes) qu'attachante auprès de son suspense retors culminant vers un long final (une bonne vingtaine de minutes) autrement homérique et éprouvant (avec ce même degré de scrupuleux vérisme, aussi saugrenue soit cette confrontation inattendue). 

*Bruno Matéï

3èx

Récompense: Prix des meilleurs effets spéciaux pour Andrew Hellen, Dave Morley, Jason Bath et John Cox, lors des Australian Film Institute Awards en 2007.

Le Bossu

                                       

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de André Hunebelle. 1959. France/Italie. 1h45. Avec Jean Marais, Bourvil, Sabina Selman, Jean Le Poulain, Hubert Noël, Paulette Dubost, Alexandre Rignault.

Sortie salles France: 13 Janvier 1960

FILMOGRAPHIE: André Hunebelle est un maître verrier et réalisateur français, né le 1er Septembre 1896 à Meudon (Hauts-de-Seine), décédé le 27 Novembre 1985 à Nice. 1948: Métier de fous. 1949: Millionnaires d'un Jour. 1949: Mission à Tanger. 1950: Méfiez vous des Blondes. 1951: Ma Femme est formidable. 1952: Massacre en dentelles. 1952: Monsieur Taxi. 1953: Les Trois Mousquetaires. 1953: Mon Mari est merveilleux. 1954: Cadet Rousselle. 1955: Treize à table. 1955: l'Impossible Monsieur Pipelet. 1956: Casino de Paris. 1956: Mannequins de Paris. 1956: Les Collégiennes. 1957: Les Femmes sont marrantes. 1958: Taxi, roulotte et Corrida. 1959: Le Bossu. 1959: Arrêtez le massacre. 1960: Le Capitan. 1961: Le Miracle des Loups. 1962: Les Mystères de Paris. 1963: Oss 117 se déchaîne. 1963: Méfiez vous Mesdames. 1964: Banco à Bangkok pour Oss 117. 1964: Fantômas. 1965: Furia à Bahia pour Oss 117. 1965: Fantômas se déchaîne. 1967:   Fantômas contre Scotland Yard. 1968: Pas de roses pour Oss 117. 1968: Sous le signe de Monte-Cristo. 1971: Joseph Balsamo. 1974: Les Quatre Charlots Mousquetaires. 1974: Les Charlots en Folie: A nous quatre Cardinal ! 1978: Ca va faire tilt.

Le pitch: A la suite de l'assassinat du duc Philippe de Nevers par son cousin Philippe de Gonzague, un chevalier, Henri de Lagardère, lui promet lors de son dernier souffle de prendre sous son aile sa fille Aurore qu'il eut secrètement avec Isabelle de Caylus. Epaulé de son nouveau comparse Passe-poil, ils s'exilent quelques années en Espagne avant d'élaborer une retorse vengeance.

Ovationné par le public avec 5 846 808 entrées, Le Bossu a rapidement gagné son galon de classique du genre (notamment grâce ces multi rediffusions tv) alors que je reste profondément marqué par sa diffusion télévisuelle un mardi soir chez ma grand-mère sur Antenne 2. Revoir ce soir pour la 3è fois ce chef-d'oeuvre d'aventures et de cape et d'épée puis redorer ses émotions adolescentes comme s'il s'agissait de la première fois tient d'une aubaine miraculeuse. Pour autant, il n'y a à proprement parler rien de miraculeux à travers cette histoire de vengeance de longue haleine (étalée sur plusieurs années !) que Jean Marais et Bourvil complotent avec une fougue commune somme toute fringante. L'un endossant le rôle intrépide d'un chevalier au grand coeur à la fois rigoureusement loyal, malicieux et véloce dans sa capacité bondissante à venir à bout de ses rivaux. L'autre incarnant avec son charisme débonnaire un faire-valoir empoté s'efforçant timidement d'y protéger Aurore, fille de la princesse d'Isabelle de Caylus, avec une maladresse facétieuse. Celle-ci, radieuse et ingénue, étant peu à peu motivée par ses sentiments qu'elle éprouve auprès de son maître protecteur, j'ai nommé Henri de Lagardère interprété par Jean Marais dans un double rôle plein de ruses et d'ironie. 

Tant et si bien que l'on reste constamment enchanté par la virtuosité de la réalisation d'André Hunebelle  extrêmement formaliste, pointilleux, tatillon à parfaire son entreprise d'aventures remarquablement menées et charpentées (narrativement parlant) en y chorégraphiant des séquences de combats et poursuites aussi vigoureuses que percutantes. Aussi parce que tout sonne vrai et que les cascades sont exécutées avec un professionnalisme parfois détonnant (notamment auprès de la complicité héroïque des chevaux, telle cette situation en catimini où l'un d'eux est contraint de se coucher sur le sol par l'autorité du cavalier). Le Bossu étant tout simplement la réunion prodigieuse de talents hétéroclites à l'unisson pour le plaisir du grand public renouant à ses premiers émois d'une aventure en costumes séculaire. Formaliste également pour le soin imparti à ces décors naturels tout droit sortis d'un jardin d'Eden (les vastes plaines provinciales ensoleillées nous dépaysent dans une aura féerique palpable) que des sculptures et monuments d'un authentique château renfermant des trésors de richesses architecturales. Alors qu'en interne, les figurants, princes, ducs et gentes dames affublés de flamboyants costumes nous irradient la vue, à l'instar de la luminescente Sabina Selman dans un double rôle candide touché par la grâce de sa mansuétude sensuelle. Une actrice (méconnue à mes yeux) absolument convaincante, physiquement splendide à en pleurer de ses doux yeux de saphir, à travers ses  expressions timorées de tendresse, de détresse, de désir, d'espoir et d'apaisement lors de son houleux parcours de quête de vérité et de retrouvailles inespérées. 

Pur plaisir de cinéma épuré qu'on ne retrouve plus depuis des siècles à l'ère du tout numérique et de l'envahissement des super-héros bourrins, Le Bossu reste d'une modernité et d'une fraîcheur sans égales à travers son cocktail idoine de tendre romance, de fantaisie, d'action et d'aventures sous l'impulsion d'un chevalier vaillant parfois inquiétant dans son rôle bicéphale de bossu à la morphologie quelque peu malaisante. Une trouvaille narrative à la fois originale et judicieuse que Jean-Marais endosse avec un naturel sarcastique délicatement chafouin en redresseur de tort burné. 

*Bruno
11.06.2019

19.05.2022. 3èx

Ci-joint la chronique de DVDFR.COM:

Le Bossu est le film qui lia André Hunebelle à Jean Marais pour une série de classiques indémodables comme Le Capitan, Le Miracle des loups, Les Mystères de Paris et bien sûr, la trilogie Fantômas. Film d’aventure, comédie d’action familiale, Le Bossu demeure l’un des films les plus emblématiques de la filmographie de Jean Marais, marquant une rupture définitive avec le cinéma de Jean Cocteau qui l’avait connaître. Totalement investit dans ses cascades, bondissant, souriant l’épée à la main, le comédien se donne à fond dans ce magnifique long-métrage dépaysant, plein de couleurs et de joie de vivre. Soutenu par l’humour et la tendresse de Bourvil, le comédien trouve ici un second souffle et peut démarrer une longue carrière marquée par de grands succès populaires. Adapté du roman de cape et d’épée écrit par Paul Féval en 1857, Le Bossu avait certes déjà connu quelques adaptations, dont une mise en scène par Jean Delannoy en 1944 avec Pierre Blanchar dans le rôle de Lagardère, mais malgré les transpositions ultérieures, dont celle excellente réalisée par Philippe de Broca en 1997 avec Daniel Auteuil dans le rôle titre, celle d’André Hunebelle reste celle qui nous vient immédiatement à l’esprit. Réalisé avec une fougue et un panache contagieux par André Hunebelle, magistralement interprété, Le Bossu est un chef d’oeuvre du genre.

Réaction en chaîne / The Chain Reaction

                                         

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"The Chain Reaction" de Ian Barry. 1980. Australie. 1h32. Avec Steve Bisley, Arna-Maria Winchester, Ross Thompson, Ralph Cotterill, Hugh Keays-Byrne, Lorna Lesley.

Sortie salles France: 4 Février 1981. Australie: 25 Septembre 1980.

FILMOGRAPHIE: Ian Barry est un réalisateur, scénariste et producteur australien. 2003: Un père Noël au grand coeur (TV Movie). 2003 Sirènes (TV Movie). 2002 Miss Lettie and Me (TV Movie). 2001: A la poursuite du diamant de Jeru (TV Movie). 2000: Le village du père Noël (TV Movie) 2000: Le choix du retour (TV Movie). 1999 Pollution mortelle (TV Movie). 1998 Un secret bien gardé (TV Movie). 1997: Joey. 1996 Robo Warriors. 1995: Blackwater Trail. 1994: The Seventh Floor. 1991: Vengeances de femmes (TV Movie). 1989 Minnamurra.

Réaction en chaine (nucléaire), définition:

En physique nucléaire, une réaction en chaîne se produit lorsqu'un neutron cause la fission d'un noyau atomique fissile produisant un plus grand nombre de neutrons, qui à leur tour causent d'autres fissions, permettant de poursuivre cette réaction. 

Une réaction en chaîne non contrôlée se produisant avec une quantité suffisamment importante de combustible fissile (masse critique) peut mener à une explosion : c'est le principe d'une bombe atomique. La réaction en chaîne peut aussi être contrôlée et utilisée dans un réacteur nucléaire pour produire de l'énergie thermique, elle même susceptible d'être utilisée pour produire de l'électricité : c'est le principe de fonctionnement des centrales nucléaires.

Découvert une première fois sur Canal + à l'orée des années 80 un mercredi soir, Réaction en chaîne est une fort sympathique bande d'exploitation sous couvert de série B alarmiste quant au péril nucléaire qu'un couple et une victime (allègrement) contaminée s'efforcent d'alerter auprès de la populace et des autorités locales lors d'une traque de longue haleine. Production australienne co-produite par Mister  Georges Miller (auquel il aurait potentiellement réalisé les 2 courses-poursuites vertigineuses d'une intensité - déjà - effrénée !), Réaction en chaine fleure bon le divertissement musclé de par son rythme rapide émanant d'une efficacité soutenue en se focalisant sur les agissements d'un couple de vacanciers ayant hébergé un étranger grièvement blessé. On reconnaîtra d'ailleurs en 1er rôle réactionnaire, irascible et inconséquent, l'illustre présence (étonnamment irritable donc) de Steve Bisley (coéquipier et acolyte de Mad-Max tourné 1 an au préalable). Celui-ci endossant un pilote chevronné au caractère bien trempé lorsqu'il s'agit de s'opposer à l'étranger toujours plus moribond, aux force de l'ordre et aux hommes en combinaison blanche s'efforçant d'alpaguer leur fugitif afin d'étouffer l'affaire. 

Alors que sa compagne autrement plus douce et prévenante s'appliquera à protéger le contaminé dans une posture maternelle autrement plus lucide, posée et réfléchie. Un saisissant contraste donc qu'Arna-Maria Winchester incarne auprès de son physique saillant assez particulier si bien qu'elle dégage une aura sensuelle assez singulière, notamment d'après son bronzage bistré et ses manières un tantinet masculines. Mais au-delà de son suspense soutenu (le sort incertain de nos héros potentiellement contaminés par l'étranger) agrémenté de scènes d'action plutôt bien torchées (surtout les 2 poursuites en bagnoles froissées jamais gratuites), Réaction en chaine cultive une ambiance d'étrangeté sensiblement malsaine à travers une scénographie naturelle de toute beauté que le réalisateur exploite autour du bercail des vacanciers isolés en pleine forêt australienne. Quand bien même l'apparition toujours plus prononcée des hommes en blouse blanche affublés de masque à gaz renforce son climat malsain à la frontière de la science-fiction et de l'horreur (à l'instar de cette main agrippant soudainement lors d'une poursuite auto la passagère en proie à un irrésistible affolement). 

Ajoutez à cela l'invention de cadrages stylisés parfois baroques, un décorum industriel suintant l'hostilité et des protagonistes décomplexés aux gueules burinées que l'on a peu coutume de voir et vous obtenez une petite perle du thriller catastrophiste sous l'impulsion du score envoûtant de Andrew Thomas Wilson (à l'instar de son magnifique générique liminaire longeant une colline sur une route crépusculaire pour aboutir à la centrale nucléaire) que n'aurait renié Tangerine Dream (au gré de ses accents cosmiques). 

*Bruno Matéï

08.11.18

18.05.22. 3èx