Deux hommes dans la ville de José Giovanni. 1973. France/Italie. 1h38.

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Découverte hier soir de Deux hommes dans la ville de José Giovanni. Une première découverte, puisque même si j'avais déjà visionné le film étant plus jeune, j'étais justement trop jeune pour m'en remémorer quoi que ce soit. On peut donc parler d'une première fois.

Réunissant l'illustre tandem Jean Gabin et Alain Delon, cette œuvre intime m'aura particulièrement surpris par la nature de sa thématique centrale, dont je ne connaissais absolument rien, mais surtout par la puissance dramatique de sa dernière demi-heure, lorsque le récit adopte une ampleur sociale et morale de la plus grande importance en s'attaquant à la controverse de la peine de mort.

 

 
Au-delà de la difficile réinsertion sociale d'un ancien délinquant, Gino Strabliggi, interprété par Alain Delon, qui retrouve la liberté après avoir purgé dix années de prison pour un braquage de banque, le film s'attache à dépeindre le parcours d'un homme qui tente de renouer avec une existence ordinaire. Grâce à Germain Cazeneuve, un éducateur social incarné par Jean Gabin, Gino parvient progressivement à retrouver sa place dans la société, à renouer avec l'amour et à décrocher un emploi dans une imprimerie. Une seconde chance lui est donc accordée, jusqu'au jour où l'inspecteur principal Goitreau, interprété par l'impassible Michel Bouquet, refait surface pour importuner, voire harceler, cet ancien détenu qu'il n'a jamais cessé de considérer comme un criminel intarissable.

Ainsi, en traitant son sujet avec un humanisme jamais larmoyant et sans fioriture, sobrement dépeint par la caméra circonspecte de José Giovanni, et grâce aux prestations exemplaires de Jean Gabin et Alain Delon, Deux hommes dans la ville insuffle un sentiment à la fois paisible et inquiétant à travers cette époque vétuste des années 70 particulièrement sensorielle. Une dramaturgie inopinée s'installe progressivement, jusqu'à faire basculer le récit dans une tragédie humaine d'une intensité bouleversante. Un parti pris draconien qui m'a percuté de plein fouet. 

 

 
Et si l'on augure initialement un simple récit de vengeance à la suite d'un rebondissement dramatique, le film se révèle beaucoup plus ambitieux et intelligent dans sa démarche. Car c'est véritablement au cours de son ultime demi-heure que Deux hommes dans la ville trouve toute sa puissance et sa raison d'être, en développant un réquisitoire contre la peine de mort d'une remarquable intelligence d'esprit, sans verser dans la complaisance.

Le parcours de cet ancien détenu, qui avait pourtant réussi à renouer avec la vie en société grâce à une seconde chance, va ainsi sombrer dans le désarroi, la rébellion et finalement le désespoir, sous l'effet de l'acharnement autoritaire d'un inspecteur castrateur, dénué d'empathie et de toute compassion. Une figure policière glaçante dont l'obstination et le mépris de la rédemption vont précipiter Gino vers une issue tragique.

 

D'ailleurs, on peut rappeler qu'en 1973, au moment du tournage, la peine de mort était encore en vigueur en France. La cruauté morale et la brutalité physique de cette ultime demi-heure ne peuvent donc que nous interpeller et nous remettre en question sur la légitimité d'une telle sanction. Une réflexion que l'on retrouve également, sous une autre approche également remarquable, dans le méconnu Ted Bundy de Matthew Bright, réalisé en 2002 - à travers son final insoutenable -

En définitive, Deux hommes dans la ville nous permet autant de nous laisser captiver par un récit humaniste empreint de tendresse, d'espoir et d'inquiétude que de nous confronter à un questionnement moral particulièrement éprouvant. Grâce notamment aux prestations expressives de Jean Gabin, en éducateur pétri d'attention et de bienveillance pour son protégé dans sa posture bougonne, et d'Alain Delon, qui conserve cette sobriété innée, instinctive, tout en finesse, le film nous bouleverse profondément. C'est aussi grâce à eux que le dénouement acquiert une telle force émotionnelle, nous confrontant à l'intolérable fardeau d'une mise à mort aussi cruelle qu'injustifiée.

 

Car derrière le destin brisée de Gino se dessine celui d'un homme que l'injustice d'un système judiciaire, réfractaire aux circonstances atténuantes, condamne à payer de sa chair les conséquences d'un engrenage auquel il n'aura finalement pas réussi à échapper en cédant aux pulsions destructrices.

Voilà ce que représente à mes yeux Deux hommes dans la ville: un solide drame social et carcéral, soigneusement réalisé par José Giovanni, profondément humaniste et résolument engagé contre la peine de mort, au point de contribuer à éveiller les consciences et à faire évoluer les mentalités.

 

— Celui du cœur noir des images 🖤

The Dog Stars de Ridley Scott. 2026. U.S.A/Royaume-Uni. 1h59.

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Sortie salles France: 26 Août 2026. 

Budget: 110 millions de dollars. 

Musique : Harry Gregson-Williams

 

Découverte hier soir de The Dog Stars qui marque le retour de Ridley Scott du haut de ses 88 ans, une fois n'est pas coutume. Il signe un récit post-apo intimiste et contemplatif, porté par une jolie distribution parmi lesquelles Jacob Elordi, Margaret Qualley et Josh Brolin, auquel s'ajoute Guy Pearce dans le rôle du père de Cima, (interprétée par Margaret Qualley).

 

L'histoire s'articule autour de Hig, un homme profondément meurtri par la perte récente de son épouse et de son chien, qui forme un tandem improbable avec Bangley, un vieux briscard incarné par Josh Brolin. Tous deux tentent de survivre dans une base aérienne du Colorado, au sein d'un monde ravagé par une épidémie de grippe. Mais Hig, nourrit par l'espoir de découvrir d'éventuelles contrées où subsisteraient d'autres survivants, décide de prendre son envol à bord de son avion. Commence alors un périple initiatique au cours duquel ce personnage à la fois humain et optimiste, que Ridley Scott s'attache à humaniser tout au long de son parcours moral, cherche avant tout un havre de paix.

Car derrière les apparences d'un récit post-apo potentiellement hostile, le film aux allures de Néo-Western traite surtout de l'acceptation du deuil et de la reconstruction de soi par l'entremise de l'amour. Au fil d'un cheminement semé d'embûches et d'altercations aussi violentes qu'intenses (les scènes d'action sont bien filmées), Hig va progressivement retrouver une forme d'apaisement intérieur, tout en entrevoyant la possibilité d'un nouvel avenir, d'une existence potentiellement plus optimiste, grâce à l'aide, au soutien et à la solidarité d'une poignée de survivants.

 

Si The Dog Stars demeure une œuvre dispensable, susceptible de décevoir par son caractère atone légèrement prévisible et son manque de surprises, le film n'en reste pas moins agréable à suivre, parfois poignant et émouvant. Ses protagonistes ne manquent pas d'intérêt, avec leur humanisme blessé et torturé, ou autrement ferme et stoïque (le briscard Bangley) au cœur d'un climat de désolation à la fois envoûtant et étonnamment lumineux. Ridley Scott filme d'ailleurs à merveille les magnifiques paysages verdâtres du Colorado, à travers des panoramiques à donner le vertige, qui confèrent à l'ensemble une dimension contemplative à contre-emploi, puisque quasi solaire et édénique.

 

Au-delà de ses limites narratives (dont une situation hospitalière qui peut largement dérouter et laisser perplexe), The Dog Stars constitue ainsi une belle aventure humaine, qui trouve son intérêt dans la caractérisation psychologique de ses personnages et se révèle finalement plutôt optimiste, tant dans son message existentiel que dans sa dimension spirituelle. Comme le souligne son titre original, qui renvoie à la constellation du Chien et fait écho au roman éponyme de Peter Heller dont le film est adapté.

 

 

Et pour tout cela, The Dog Stars est certes un film mineur dans la filmo de Ridley Scott, mais une œuvre pudique, onirique et contemplative qui ne manque pas d'émotion à travers ses valeurs de la solidarité, du courage, de l'amour et de la confiance. Un survival posé qui parvient à dégager des ondes positives au cœur d'un univers post-apo violent, désolé et pourtant traversé par une lumière porteuse d'espoir où pointe une religion pacifiste.

 

— Celui du cœur noir des images 🖤

Frankenstein de Guillermo Del Toro. 2025. Mexique/U.S.A. 2h30

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Frankenstein — La Douleur d'être au monde. 🖤

Parfois, certains films ne se livrent pas toujours au premier regard. Pour preuve avec cette magnifique adaptation de Frankenstein par Guillermo del Toro, que j'ai revue cet après-midi avec un plaisir et une émotion incommensurables. Alors que mon premier visionnage m'avait laissé frustré dans ma position médiane, cette seconde découverte m'a enfin permis d'en apprécier pleinement les qualités, tant sur le plan visuel qu'humain. Deux qualités essentielles pour nourrir ce grand spectacle néo-gothique

Avec un budget de 120 millions de dollars, on peut avouer sans rougir que le résultat est éclatant à l'écran. Il s'agit d'une réussite visuelle absolument exemplaire, une œuvre somptueuse dont les images, souvent oniriques, nous éblouissent du début à la fin. 

Mais au-delà de ses qualités formelles à damner un saint, la grande réussite de cette nouvelle transposition du célèbre roman de Mary Shelley réside dans sa capacité à humaniser ses deux figures centrales : le créateur, Victor Frankenstein, et sa créature. À travers leur affrontement, c'est toute la question de l'autorité et du pouvoir qui se dessine, dans une relation où l'orgueil du premier se heurte à la détresse existentielle du second au coeur d'une ambiance désespérée jamais programmée.

Sans verser dans une dramaturgie excessivement appuyée ni dans une mélancolie trop explicite, Guillermo Del Toro parvient à faire émerger une émotion forte et profonde, d'autant plus bouleversante qu'elle demeure pudique, sensible, fragile, écorchée. Cette fresque de plus de deux heures trente force donc le respect par la sensibilité de son approche et l'empathie qu'elle suscite envers la créature, remarquablement interprétée par Jacob Elordi. Par son expressivité contenue, sa mélancolie discrète, ses remords et ses regrets souvent inscrits dans le non-dit, le comédien donne chair à un être hanté par sa douleur existentielle et sa peur d'exister, abandonné par un créateur incapable d'assumer les conséquences terribles de sa propre création. 

Arrogant, égoïste, mégalo et orgueilleux, Victor Frankenstein n'en demeure pas moins un personnage complexe à la lisière de l'expiation, admirablement incarné par Oscar Isaac, qui parvient lui aussi à donner une véritable épaisseur humaine à son personnage. Imbu de sa personne, persuadé de pouvoir imposer sa volonté au monde, le créateur se révèle prisonnier de sa propre démesure, de ses talents d'apprenti sorcier maudit. Une interprétation qui, à l'image de celle de Jacob Elordi, privilégie la justesse et la finesse de jeu à la démonstration.

Quant à Mia Goth, qui interprète Elizabeth, elle apporte au récit une présence d'une subtile délicatesse, empreinte de fragilité et de sensibilité. Son personnage, qui se sent différent du monde qui l'entoure, incarne à sa manière cette marginalité qui traverse l'ensemble du film.

Car c'est bien l'une des thématiques essentielles que Guillermo Del Toro explore ici : la peur de la différence et le rejet de ceux que nous ne comprenons pas. À travers cette histoire éculée, le cinéaste nous la réinvente sans effet de manche. Il nous invite également à réfléchir à la dualité du bien et du mal, à l'instinct de survie (la séquence des loups dans la bergerie) au sens de l'existence et à notre propre nature humaine indissociable d'une violence réactionnaire. Car face à l'inconnu, face à celui qui nous paraît étranger ou menaçant, l'être humain a trop souvent tendance à recourir à la lâcheté d'une violence punitive plutôt qu'à chercher à comprendre et à communiquer avec autrui. L'instinct de survie prend alors le pas sur la réflexion, et la peur de l'autre devient le terreau de l'intolérance.

Toutes ces thématiques, si chères au roman de Mary Shelley, sont admirablement dépeintes dans cette flamboyante fresque, qui se révèle être bien davantage qu'un simple récit fantastique réactualisé. Un véritable hymne à l'existence, à l'anatomie humaine, à la fragilité de notre condition et surtout à cette énergie mystérieuse qui nous anime au cours de notre passage sur Terre depuis l'émergence d'Adam et Eve. 

Frankenstein est donc une splendide réussite, aussi remarquable par sa somptuosité visuelle que par l'humanité fragile qui se dégage de ses personnages passionnants à radiographier. Jusqu'à l'évolution morale de Victor Frankenstein, dont le parcours finit par éveiller en nous une certaine forme d'empathie, Guillermo Del Toro compose une œuvre profondément humaine, mêlée de fragilité, de tendresse et de cruauté, qui trouve dans son dénouement une conclusion à la fois inopinément poignante et émouvante.

"Ainsi, le coeur peut se briser, et cependant continuer à vivre".

— Celui du cœur noir des images 🖤

Hope de Na Hong-jin. 2026. Corée du Sud. 2h37.

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Hope - Un arc-en-ciel déflagratoire 🖤

En découvrant hier soir le fameux Hope, le nouveau délire de Na Hong-jin, on comprend rapidement pourquoi cette œuvre pharaonique, forte de ses 2 h 37 (dont 2h31 hors générique de fin), est en train de se tailler une réputation aussi impressionnante.

Quel spectacle de dinguo, par tous les Croms ! Hope est une véritable déflagration, un cartoon live de bruit et de fureur comme on en rencontre rarement dans le paysage du cinéma d'action, mais pas seulement. C'est aussi une pure déclaration d'amour au film de monstres et à la science-fiction, orchestrée par un cinéaste qui nous avait déjà gratifiés de trois œuvres majeures : The Chaser (à mes yeux un chef-d'oeuvre), The Murderer et The Strangers.

 

À travers la traque infernale menée par un duo de policiers et de paysans dans une bourgade dévastée par une présence extraterrestre, Na Hong-jin réinvente les codes du genre avec une audace et surtout une maîtrise de tons sidérantes. Durant les quarante à quarante-cinq premières minutes, il prend soin de ne pas dévoiler l'apparence monstrueuse de ses créatures. Or, impossible de décrocher de son fauteuil, tant les paysages de désolation et les hors-champ sonores, la menace palpable toujours plus grandissante, ponctués par les grognements inquiétants de ces entités, entretiennent une tension permanente. Le désarroi, la peur et l'incompréhension de personnages complètement déboussolés, désorientés par l'espace dévasté de tôles froissées donnent à cette première partie une dimension aussi expressive qu'oppressante.

Puis vient un affrontement épique entre une créature extraterrestre dantesque (en mode longiligne) jamais vue ailleurs et un policier armé de son seul fusil d'assaut. S'ensuit une interminable course-poursuite automobile, ponctuée d'affrontements physiques et de fusillades, dans une séquence démentielle à couper le souffle. Na Hong-jin relance incessamment l'action sans jamais nous laisser le temps de respirer, avec une intensité affolante qui n'aurait certainement pas déplu à Sam Raimi, notamment celui de Evil Dead 2.

 

Car Hope est également rempli à ras bord d'un humour aussi inattendu que jubilatoire. Loin de la plaisanterie potache pour l'ado acnéen, celui-ci naît notamment de la confrontation morale et la maladresse impayable de certains personnages terriblement attachants. Certaines situations, souvent morbides, deviennent franchement hilarantes, sans jamais empiéter sur le sérieux de l'entreprise. C'est même l'une des grandes réussites du film : ne jamais se moquer du cinéma de genre, mais témoigner d'une véritable tendresse envers l'histoire, les lieux et ses personnages. Une affection qui transpire à chaque plan et qui nourrit cette alchimie hallucinante d'y communier sans déborder comédie, action, western, science-fiction, horreur et fantastique.

Certes, après une première heure menée tambour battant, un ventre mou d'une trentaine à une quarantaine de minutes se fait ressentir. Mais cette accalmie, loin de la disgrâce, n'est finalement qu'une trêve afin de mieux rebondir, relancer l'action (notamment dans un lieu forestier) avant une nouvelle déferlante d'affrontements. La dernière course-poursuite, aussi anthologique que l'affrontement liminaire, relève alors de la prouesse technique et visuelle, au point de pouvoir faire rougir George Miller et sa trilogie Mad-Max ! Du roller coaster à tombeau ouvert. C'est insensé, tant on a réellement l'impression de n'avoir jamais rien vu de semblable à l'écran.

 

D'une générosité décomplexée (euphémisme), d'une intelligence jamais prétentieuse, Hope nous rend notre âme d'enfant et notre regard émerveillé devant une galerie de monstres absolument fascinante, dont l'imagerie singulière prend corps aussi bien dans les environnements urbains que dans les territoires forestiers. La délocalisation de l'action vers une forêt de tous les dangers renouvelle encore le spectacle : certains chasseurs s'y égarent et se retrouvent nez à nez avec des créatures extraterrestres d'une vélocité hostile hallucinante. On ne sait plus où donner de la tête alors que - paradoxe - l'action nullement gratuite reste toujours lisible sous l'impulsion d'effets numériques suffisamment crédibles pour y croire sans sourciller (ou alors si peu si on fait la fine bouche).

Voilà donc un spectacle orgasmique, une lettre d'amour au cinéma de genre et au divertissement d'une poignante sincérité. Na Hong-jin orchestre impérialement cette démesure tout en accordant une telle attention, une tendresse et une affection palpables pour ses personnages solidaires à la fois pugnaces et suicidaires. À cette générosité métronomique s'ajoute enfin la dimension lyrique d'un climat de science-fiction apocalyptique nourri par la présence mystérieuse de cette entité extraterrestre égarée sur notre Terre.

 

Quant à la conclusion, elle nous laisse volontairement en suspens, ouvrant la voie à une seconde partie (le storyboard étant trop épais, nous n'aurons plus droit à la trilogie escomptée), que l'on espère aussi furibarde, affolante, débridée, décalée.

Du grand spectacle homérique comme on ose plus en (par)faire.

 

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The Empty Man de David Pryor. 2020. U.S.A. 2h17

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Il n'est jamais trop tard pour découvrir une formidable surprise en la présence invisible - et maudite - de The Empty Man (2020 déjà !), réalisé par David Prior. Six ans plus tard, j'apprends que ce film est enfin réévalué et considéré comme culte à sa juste valeur. En tout état de cause, mon intuition avait vu juste, tant j'étais plongé à corps perdu dans cette odyssée mentale irrationnelle, inspirée de la bande dessinée du même nom de Cullen Bunn et Vanesa R. Del Rey, publiée chez Boom! Studios.

Et si, passé le terrifiant prologue réfrigérant, les trente à quarante premières minutes augurent un film de croque-mitaine en bonne et due forme (Freddy, et surtout Candyman), l'intrigue, bâtie autour d'une enquête occulte de longue haleine, penche davantage du côté du cinéma lynchéen et de celui de Gary Sherman (mais chut !). Le parti pris repose sur le non-dit, un silence diffus, des mantras abscons à déchiffrer et une présence tacite, d'autant plus angoissante et convaincante qu'elle nous confronte à la crainte d'un danger immatériel et indicible, sournois, reptilien, irréversible.

Dans la peau de ce détective privé, époux autrefois infidèle, assoiffé de vérité et en quête de rédemption, James Badge Dale porte sobrement l'intrigue sur ses épaules. Avec suffisamment d'implication et de retenue pour préserver son esprit critique rationnel, il se lance sur les traces d'Amanda, la fille de sa voisine Nora, son ancienne maîtresse.

Bref, cette proposition ambitieuse de thriller horrifique opaque demeure aussi passionnante qu'inquiétante, d'autant qu'un second visionnage devrait se révéler encore plus fructueux pour rassembler les pièces de ce puzzle spirituel. Quant à sa durée conséquente, décriée à l'époque par une partie du public (2 h 17, mais 2 h 11 sans le générique), le temps ne compte plus tant l'intrigue magnétise et manipule nos sens dans une maîtrise cérébrale volontairement complexe mais diablement fascinante. D'autant que sa photographie singulière laisse béat d'admiration : privilégiez la 4K, c'est à damner un saint !

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Le Spectre de Frankenstein / The Ghost of Frankenstein de Erle C. Kenton. 1942. 1h07. U.S.A.

 

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Redécouverte hier soir d'une sympathique déclinaison de la fameuse trilogie des Frankenstein, même si nous avons affaire, en l'occurrence, à la suite du Fils de Frankenstein. Réalisé par Erle C. Kenton en 1942, Le Spectre de Frankenstein nous permet, grâce à sa durée écourtée d'une heure sept, de passer un agréable moment, même si cette séquelle demeure tout à fait dispensable. Il s'en dégage néanmoins une sympathie et un charme gothique qui ne manqueront pas de séduire à nouveau les inconditionnels de la Monster Universal, comme ce fut une nouvelle fois mon cas hier soir.

Une série B relativement mineure, certes, desservie par un scénario parfois un tantinet décousu (surtout vers la fin avec cette rivalité scientifique), qui aurait mérité d'être davantage développé et mieux construit, mais qui possède suffisamment de charme et de sympathie pour que l'on ne s'y ennuie jamais.
 

Et puis rien que pour le rictus cabotin d'Igor endossé par l'espiègle Bela Lugosi, l'aventure gentiment macabre vaut le détour.

 

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Carrie créé par Mike Flanagan. 2026. U.S.A. 8 épisodes.

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Carrie, un nouveau monde — Un coup de cœur autant qu’un crève-cœur 🖤

Par celui du cœur noir des images.

On ne va pas tourner autour du pot. L’adaptation télévisuelle développée par Mike Flanagan est une véritable déflagration émotionnelle. Une épreuve de force que nous imposent ces huit épisodes électrisants et hypnotiques, tant nous sommes immergés dans cette nouvelle adaptation grâce à un art consommé du réalisme sensoriel.

Mike Flanagan et ses acolytes misent tout sur la caractérisation psychologique des personnages, à commencer par Carrie, magnifiquement interprétée par Summer H. Howell, criante de vérité dans la peau d’une souffre-douleur démolie par la cruauté de son entourage. Une performance bouleversante qui nous ferait presque oublier l’inoubliable Sissy Spacek (pléonasme assumé).

Carrie nous bouleverse jusqu’aux larmes de l’impuissance morale, tant face à cette cruauté communautaire tristement superficielle à l’ère des réseaux sociaux que face à l’autorité rigoriste de sa mère abusive, remarquablement interprétée par une Samantha Sloyan habitée par ses contradictions. Car Margaret White n’est pas seulement prisonnière de son fanatisme religieux : elle aime sa fille tout en l’enfermant dans une conception étouffante de son propre univers, la maintenant dans une candide ignorance des mœurs contemporaines. Une relation aussi toxique que passionnante, qui enrichit considérablement cette nouvelle adaptation du roman de Stephen King. Margaret endosse également une fonction de matrone influençable, jusqu’à devenir une sorte de porte-parole parental, révélant ainsi les mécanismes d’une autorité collective aussi inquiétante que conformiste.

Dès lors, Carrie joue subtilement avec nos nerfs, sans même que nous en ayons pleinement conscience, et malmène nos émotions, à l’instar d’un sixième épisode psychologiquement éprouvant, dans un contexte de violence collective dont je tairai les circonstances. Les autres épisodes, remarquablement construits et finement écrits, nous maintiennent dans un état permanent d’empathie, de révolte et d’anxiété, à mesure que se profile le bal du diable tant redouté, comme l’illustre dès l'ouverture du premier épisode les appels paniqués au secours.

Or, le génie de cette adaptation est précisément de se démarquer du chef-d’œuvre de Brian De Palma en recontextualisant l’action à notre époque, à l’ère du tout numérique, des smartphones et du voyeurisme décomplexé. Mike Flanagan n’oublie pas pour autant les thèmes du fanatisme religieux et de la paranoïa liée au terrorisme, brièvement abordés dès le premier épisode. Ici, le rigorisme religieux d’une mère abusive se conjugue à une société contemporaine où tous les coups semblent permis, où l’humiliation devient un spectacle et où la différence constitue un prétexte à la persécution.

Carrie est avant tout un cri d’alarme contre le harcèlement scolaire, cette violence collective nourrie par le rejet, l’intolérance, l’indifférence et la jalousie. Une génération qui se complaît dans la raillerie d’une jeune fille candide, étrangère aux codes sociaux d’un monde à la fois décomplexé, élitiste et trivial. Pourtant, Carrie n’a rien programmé de ce qui lui arrive : victime de cette cruauté ordinaire, elle subit, encaisse et se brise avant d’amorcer une révolte qui accompagne sa douloureuse accession à l’affirmation de soi.

 

L’exploration de ses pouvoirs télékinésiques, subtilement développée par Flanagan, s’étend également à d’autres personnages secondaires et nourrit une réflexion aussi singulière que passionnante sur le paranormal, jusqu’à nous faire croire à l’improbable. La série prend son sujet au premier degré, avec un sérieux et une sensibilité à fleur de peau qui forcent l’adhésion, en dépit du caractère éprouvant de ses épisodes terriblement addictifs (le temps ne compte plus).

 

Autre grande réussite, et pas des moindres : le personnage de Chris Hargensen, incarné par Allison Thornton, une antagoniste terriblement complexe dont on peine constamment à cerner les véritables intentions. C’est dire le jeu extrêmement précis de l’actrice, qui surfe avec un silence vénéneux sur cette dichotomie du bien et du mal ! On ne sait jamais vraiment jusqu’où la conduira sa moralité dérangée, pétrie de contradictions. Derrière sa méchanceté la plus fangeuse et couarde se dissimule une profonde détresse existentielle, alimentée par un divorce parental et par l’influence d’un père autoritaire, arriviste et égoïste. Sans jamais excuser sa cruauté, la série éclaire les mécanismes qui la nourrissent et donne à cette rivale une épaisseur psychologique aussi fascinante que perturbante. Bref, une interprétation iconique qui mérite toutes les louanges. 

Carrie, Chris et Margaret forment ainsi un trio de personnages qui se combattent autant moralement que physiquement, dans une confrontation où s’entrechoquent, vous l’aurez compris, jalousie, intolérance, fanatisme, vengeance et surtout méchanceté vaine. Leurs affrontements explosent à l’écran à travers des séquences-chocs nullement complaisantes. Car Mike Flanagan ne mise jamais sur la surenchère : il privilégie un drame psychologique rigoureux, porté par un réalisme estomaquant, suffocant, brutal et cruel, tandis que Carrie, désormais exorbitée, se laisse gagner par une soif de vengeance criminelle.

Mais là où cette adaptation m’a véritablement ébranlé, c’est dans son audace narrative. Quelques rebondissements inattendus viennent reconsidérer les événements antérieurs, tandis que le dénouement tant redouté se transforme en un sublime conte existentiel sur l’espoir, la rédemption et le sens de l’amour, entendu comme la possibilité d’apprendre à aimer. Là où la tragédie semblait inéluctable, Flanagan modifie la donne et entrouvre une porte vers un avenir insoupçonné. C’est précisément cette audace, au terme d’un véritable chemin de croix aussi éreintant qu’éprouvant, qui confère à l’ensemble sa dimension profondément humaine.

À mes yeux, Carrie représente donc la plus belle réussite télévisuelle de la carrière de Mike Flanagan. Rien que ça. Huit épisodes substantiels - euphémisme - d’une remarquable maîtrise narrative, qui nous font passer par toutes les étapes émotionnelles, entre larmes, colère et surtout désarroi moral. Une tragédie scolaire profondément meurtrie, tristement actuelle, dont on ressort complètement sonné, avec le besoin de prendre du recul pour digérer une expérience aussi riche que complexe, aussi lourde à porter qu’intense.

Avec Summer H. Howell, Carrie acquiert une dimension d’une pureté désarmante, doublée d’une inquiétante intensité. Son humanisme torturé nous poursuit bien après le générique final. Quant à cette bourgade de Chamberlain, elle devient le théâtre d’une véritable chasse aux sorcières contemporaine, où le harcèlement, le culte du paraître et la bêtise collective prospèrent sous le regard complaisant d’une société connectée qui semble avoir oublié le sens des mots équité, tolérance, différence et, surtout, respect d’autrui.

Une expérience télévisuelle comme j’en ai rarement connue, qui nous fait perdre nos repères et transforme l’horreur annoncée en un cri de détresse autant qu’en une fragile lueur d’espoir.

Dédicace à Nikki Freeman 🖤

Fall 2: deadpoint de Michael et Peter Spierig. 2026. U.S.A. 1h37.

 

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Une séquelle à couper le souffle qui réitère l'exploit sportif. 

 

Quatre ans après l'incroyable succès-surprise de Fall, réalisé par Scott Mann, celui-ci cède sa place aux frères Michael et Peter Spierig, co-auteurs et réalisateurs des formidables Daybreakers et Prédestination, pour nous confectionner une séquelle de haute voltige, d'un même niveau vertigineux que le premier opus. C'est dire si cette suite ne déçoit nullement à travers son spectacle ahurissant d'escalade, où de jeunes femmes souhaitent entreprendre l'ascension du mont Kwan, en Thaïlande, afin de rendre hommage à Shiloh, l'une des sœurs décédées dans le premier opus.

 

Ainsi donc, pour rendre hommage à sa sœur, Jax, accompagnée de Luce, une amie de Shiloh, va se retrouver bloquée à plus de 1 200 mètres d'altitude à la suite d'un glissement de terrain. Et donc, comme dans le premier opus, les réalisateurs jouent la carte du huis clos exigu au sein d'une gigantesque montagne, que nos héroïnes vont tenter de gravir en empruntant notamment un vertigineux plank walk.

 

 

Et comme dans le premier opus, à tous ceux qui souffrent comme moi d'acrophobie, vous serez de nouveau cramponnés à votre siège, avec parfois le souffle coupé et des hauts-le-cœur, tant cette séquelle très spectaculaire ne nous laisse quasiment nul répit pour nous emporter dans un tourbillon de séquences vertigineuses, d'un sidérant réalisme. Même si l'on peut percevoir par moments quelques effets numériques, ceux-ci ne nuisent nullement aux sensations vertigineuses que l'on ressent de manière métronomique, si bien que l'on croit dur comme fer à ce que l'on voit, du début à la fin.

 

Les réalisateurs parviennent notamment à relancer l'action dans des directions toujours aussi périlleuses, d'autant plus qu'un personnage interviendra au cours du récit. Mais chut, n'en disons pas plus, car Fall 2: Dead Point est non seulement hautement capiteux dans ses séquences à vous donner le vertige et le haut-le-cœur, mais, en prime, il impose certains rebondissements inattendus, alors même que l'aventure semble se clôturer à un moment propice de l'action. Que nenni ! Mais chut, n'en disons surtout pas plus.

 

Et outre son action expérimentale et ses panoramiques à couper le souffle, Fall 2: Dead Point parvient avec autant d'émotion que d'attention à capter notre intérêt grâce à la caractérisation profondément humaine de ces deux jeunes sportives qui vont évidemment devoir s'épauler, mais aussi se confronter à leurs contradictions morales au moment le plus crucial de l'action.

 

Ainsi donc, Fall 2: Dead Point nous offre une véritable réflexion sur la peur et le dépassement de soi à travers le personnage de Jax, qui décide justement de transcender ses affres grâce à l'enseignement de sa sœur : affronter ses peurs par le surpassement, la foi et la résilience.

 

Fall 2 nous retrace donc le parcours initiatique d'une jeune femme en berne, remarquablement et sobrement interprétée par Harriet Slater, qui dégage une véritable humanité, à la fois fragile et stoïque. Un beau portrait de femme digne, d'autant plus passionnant au fil de son évolution, à la fois morale et physique, jusqu'à ce final surprenant auquel nous ne nous attendions pas.

 

Ainsi donc, Fall 2: Dead Point, s'il n'est peut-être pas aussi sidérant et époustouflant que son premier opus, n'en demeure pas moins qu'il lui tient largement la dragée haute. À mon sens, on ne pouvait rêver meilleure séquelle, puisque ici, on reste cramponné au siège du début à la fin, avec quasiment autant d'intensité, de vigueur émotive et d'actions héroïques aussi improbables que réalistes.

 

 

Et c'est justement ce qui fait le sel et le charme de cette formidable série B, impeccablement menée et surtout exécutée avec un art consommé du réalisme décoiffant.

 

— Celui du cœur noir des images 🖤

Rental Family de Hikari. 2025. U.S.A/Japon. 1h49.

(Crédit photo : image trouvée via google, provenant du site imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)
 

Découverte matinale improvisée de la comédie dramatique Rental Family, réalisée par Hikari, avec Brendan Fraser dans le rôle principal.

Il y a des films comme ça qui emportent tout. On ne cherche pas à évaluer leurs petits défauts ou leurs qualités. On les prend comme ils sont, comme on aime quelqu'un.

Car Rental Family ouvre non seulement son cœur, mais également le nôtre, à travers l'évolution morale et intime de Phillip Van Der Plog, un acteur américain solitaire installé à Tokyo qui commence à travailler pour une agence japonaise de location de familles. Il va ainsi endosser différents rôles afin de se glisser dans la vie d'autres personnes, jusqu'à se retrouver profondément impliqué dans leurs existences.

 

Au fil de ces rôles de composition, nous allons notamment suivre son attachement à une fillette auprès de laquelle il joue le rôle d'un père, mais également celui qu'il éprouve pour un vieil acteur atteint de la maladie d'Alzheimer.

Ainsi donc, Rental Family est pour moi un hymne à la vie et aux valeurs familiales, notamment à travers la figure paternelle. Brendan Fraser y dégage une puissance émotive à fleur de peau, mais traitée avec une telle justesse qu'elle demeure constamment naturelle, sans tomber dans l'effet de larme facile.

Et si, au départ, j'avoue avoir eu un peu de mal à accepter son concept, que je trouvais presque stupide durant la première demi-heure, notamment auprès de la description de ses personnages couards, la suite du récit va justement donner tout son sens à cette idée de faux-semblants et de trahison. Le film finit même par nous amener à réfléchir sur notre propre rapport aux apparences et aux rôles que nous jouons parfois dans notre quotidien.

 

Ce que j'en retiens de cette odyssée humaine profondément tendre et bienveillante, c'est peut-être finalement l'idée qu'il faut cesser de faire semblant et rester soi-même, afin d'éviter de duper son entourage mais aussi de pouvoir être en paix avec soi-même. Une réflexion qui passe par des valeurs aussi simples qu'essentielles : l'honnêteté, la sincérité et surtout l'amour.

Rental Family se transforme alors en récit initiatique plein de douceur et de discrétion, comme un apprentissage humain auprès de personnages qui, chacun à leur manière, se trouvent confrontés au manque d'humanité, de tendresse ou de compassion au sein de leur propre existence et parfois même de leur cellule familiale.

L'œuvre fragile est d'une grande sensibilité, mais surtout d'une infinie délicatesse dans sa manière de faire naître l'émotion. Elle ne nous l'impose jamais. Elle ne cherche pas à nous arracher artificiellement des larmes : elle laisse simplement les sentiments surgir naturellement, presque à notre insu sous un score musical noble et rassurant. Et c'est précisément cette pudeur, cette discrétion et cette intimité qui font une grande partie de la réussite du film qui m'a saisi par surprise.

 

Phillip est lui-même un personnage profondément humaniste qui, au contact de ceux qu'il rencontre, va progressivement dévoiler son cœur, ses valeurs essentielles et certaines de ses blessures. Il apprend à connaître ces êtres qui l'entourent avec passion et attention, et, surtout, à les aimer avec une sincérité qui ne peut que nous toucher par son refus de les trahir au grand dam de son rôle de composition.

Rental Family est ainsi imprégné d'un lyrisme candide, porté par des personnages d'une grande fragilité humaine et animés par ce désir universel d'aimer et d'être aimés en retour.

Voilà ce que symbolise à mes yeux ce magnifique conte contemporain : une œuvre profondément existentielle, parfois aussi spirituelle (l'ultime plan, plein de grâce et d'innocence, est magique !), qui nous rappelle avec beaucoup de pudeur que derrière les rôles que nous jouons tous parfois, ce sont finalement les sentiments les plus authentiques - l'amour, l'amitié, la sincérité et l'honnêteté - qui donnent véritablement tout son sens à nos existences.

 

— Celui du cœur noir des images 🖤

Ice cream man de Eli Roth. 2026. 1h26. U.S.A.

(Crédit photo : image trouvée via google, provenant du site imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)

 

"Blood Feast."

Eli Roth est un grand gamin, turbulent, insolent, et surtout bien perché. Et c’est pour ça qu’on l’aime. Pour preuve avec Ice Cream Man, qui est à mon sens un pur hommage aux séries Z des années 80, tant il s’amuse comme un vilain petit canard avec son joujou, à renfort de gerbes de sang comme on en a rarement vu au sein de sa filmographie.

C’est dire si Ice Cream Man repousse les limites du sang, avec au moins une centaine d’effets chocs afin de bien vous faire comprendre que ce joyeux petit délire orgasmique injecte à rythme métronomique les séquences sanglantes les plus folles et barrées les unes que les autres. 

 

La cause de ce carnage communautaire ? Les enfants d’une petite bourgade se transforment en mystérieux assassins après avoir ingurgité une crème glacée distribuée par un mystérieux marchand.

Et si le récit n’est finalement qu’une succession d’attaques sanguines commises par ces enfants fêlés du bulbe, on ne s’ennuie jamais, tant le climat de folie semble contaminer non seulement les enfants, mais également les spectateurs, assistant à un véritable jeu de massacre à la fois fun, réjouissant et surtout complètement cintré.

Tout ça pour dire que Ice Cream Man transpire la série Z - de luxe -, notamment à travers son format scope et sa splendide photo saturée. On sent très bien qu’Eli Roth, à travers le jeu parfois volontairement approximatif de certains acteurs - pour ne pas dire parfois grotesque, notamment chez les adultes - joue la carte de la dérision impayable totalement assumée. Car Eli Roth voue ici un amour immodéré à ces séries Z qui ont bercé son enfance et son adolescence à la fin des années 70 et durant les années 80.

 

Ainsi donc, à mon humble avis, ceux qui feront la fine bouche face à ce spectacle volontairement grotesque et festoyant seront ceux qui ne comprennent pas les codes de la série Z et qui ne parviennent pas à prendre au second degré un film sciemment bordélique, mal élevé, stupide, saugrenu. Car Ice Cream Man transpire une telle générosité, une telle ambiance festive et un tel climat de folie contagieuse qu’il me semble improbable de ne pas apprécier cette proposition grotesque, transpirant l’amour du nanar avec un art consommé des effets spéciaux artisanaux, du plus bel effet, qui rutilent ici à travers ces confitures de groseilles.
 

Ice Cream Man ne pourra déplaire qu’aux pince-sans-rire, qu’aux spectateurs qui n’ont jamais compris le sens de la série Z la plus jouissive, même si Eli Roth l’emballe ici de manière luxueuse à travers sa texture colorée. On sera également surpris par son final à rebondissements, en guise de cerise sur le gâteau, qui permet de comprendre d’où vient ce mystérieux marchand de glaces, quel est son but et qui se cache derrière sa mystérieuse panoplie bienveillante. À ce niveau, Harry Milton demeure agréablement étrange et inquiétant, tant l’acteur parvient à insuffler un charisme subtilement patibulaire à travers son sourire narquois et son regard faussement accueillant, tout en discrétion.

 

À tous les amateurs de nanars et de séries Z à la fois drôles et hyper sanglantes, Ice Cream Man est donc un spectacle fort sympathique. Eli Roth nous façonne le tout avec une décomplexion en roue libre, tant il semble s’amuser comme un sale garnement à nous concocter les scènes d’horreur les plus sanglantes et déjantées qu’il ait pu concevoir au sein de sa pléthorique filmographie. Avec, derrière cette apparente fantaisie cartoonesque, cette audace de glisser en filigrane une métaphore sur l'inquiétante progression de la violence chez les mineurs dans notre société moderne trop souvent considérée comme laxiste. Mais ceci est une autre histoire...

 

— Celui du cœur noir des images 🖤

  

 

Ci-joint le billet d'humeur d'Olivier Rossignot: 

 

Je ne sais pas pourquoi, mais au vu du nombre de critiques catastrophiques, je soupconnais qu’Ice Cream Man pourrait bien me plaire. Probablement parce que cette manière de lui tomber à bras raccourcis dessus me semblait un peu suspecte, j’imaginais bien qu’Eli Roth ( dont je ne suis pas un immense admirateur non plus, j'aime Hostel 2 et Thanksgiving) allait continuer sa démarche de sale gosse qui n’en a rien à foutre et se vautrer dans le mauvais goût. Gagné ! Il ne s'agit pas de faire un grand film au scénario élaborer mais d'emplir l'écran d'un spectacle jouissif du chaos où toute la violence est possible, où les repères sautent, où les règles sociales s’effondrent et où tout est à peu près montrable. C’est obscène ? Je crois surtout que c’est très sain et cathartique.

En fait, Roth retrouve l’essence transgressive du gore - celle du pionnier H. G. Lewis -, le retour au grand guignol qui explose les tabous : et qu’est-ce que c’est drôle. Alors évidemment, Ice Cream Man a beau montrer ces enfants qui « s’amusent » avec les adultes, il ne cherche jamais à refaire du tragique à la Serrador (malgré les évidentes références), ce qui ne l’empêche pas d’aller très loin dans l’art brut de la mutilation et des viscères.

Pas de doute, notre époque a beau être particulièrement sinistre et cynique, elle n’aime pas qu’on lui crache à la gueule du sang et des enfants armés jusqu’aux dents pour écrabouiller les adultes. Moi, je trouve ça au contraire très appréciable qu’on s’en libère ainsi. On a mis l’élève Eli Roth au piquet pour son impolitesse et son plaisir de tâcher les murs ; moi, je le félicite de rester aussi enfantin, frondeur et de continuer à envisager le cinéma comme un doigt d’honneur.