L'ETRANGE NOEL DE MR JACK

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site maddysouris.com

"The Nightmare Before Christmas" de Henry Selick. 1993. U.S.A. 1h16. Basé sur une histoire et des personnages créés par Tim Burton

Sortie salles France: 7 Décembre 1994. États-Unis : 29 octobre 1993

FILMOGRAPHIE: Henry Selick est un scénariste né le 30 novembre 1952, réalisateur et producteur américain de cinéma, spécialisé dans l'animation image par image (dite aussi  animation en volume).
1993 : L'Étrange Noël de Monsieur Jack. 1996 : James et la Pêche géante. 2001 : Monkeybone. 2009 : Coraline. 2015 : The Shadow King.

D'après un poème et des personnages imaginés par Tim Burton dans les années 80, l'Etrange Noel de Mr Jack retrace l'utopie de Jack Skellington, roi des citrouilles originaire de la ville d'Halloween. Lassé de sa fête, il décide de rejoindre la ville de Noel pour offrir aux enfants les traditionnels cadeaux après avoir kidnappé le père-Noël. Mais les jouets macabres généreusement distribués par la cheminée ne sont pas du goût de nos têtes blondes. Hymne à l'anticonformisme à travers une féerie macabre d'une inventivité fastueuse, l'Entrange Noel de Mr Jack est un plaisir esthétique permanent. De par le souci du détail imparti à l'expressionnisme de décors tantôt gothiques, tantôt enchanteurs, et la mobilité des personnages excentriques entièrement confectionnés en stop-motion. La puissance émotionnelle du métrage émanant de sa flamboyance macabre perpétuellement ensorcelante et de la posture rigide de nos pantins donnant chair à leur personnage avec une fantaisie exubérante. Ce tour de force technique animé image par image nécessita d'ailleurs 3 ans de préparation afin de parfaire l'ambition picturale du cinéaste perfectionniste. A travers la célébration de la fête des morts, ce dernier en profite pour dédramatiser son aspect macabre par le biais d'un humour noir caustique, alors que du point de vue des festivités de Noël, le conservatisme est roi lorsque les enfants dociles éprouvent la plus grande frayeur à se confronter à l'idée du changement. Bousculer les habitudes du spectateur afin de l'influencer à fréquenter un onirisme macabre aussi subversif que rédempteur (effrayer avec ironie les garnements pour mieux les exorciser de la peur de la mort), Henry Selick le prescrit avec un sens de l'imaginaire exaltant. Autant dire que la mission d'offrir un pied de nez aux conventions est pleinement réussie parmi l'appui complice d'un Tim Burton tout aussi amoureux de ces monstres (il refusa d'ailleurs de s'atteler à la réalisation au profit de Batman, le Défi).

Plaidoyer pour le droit à la différence et à la tolérance par le biais de créatures morbides irrésistiblement attachantes, hymne à la raison de la romance (le cheminement initiatique des deux héros), à la fête d'Halloween et son esprit sarcastique conçu pour dénaturer la peur de la mort, l'Etrange Noel de Mr Jack détourne avec une libre insolence le conte de noël au rythme de numéros musicaux harmonieusement chorégraphiés. 

Bruno Matéï
3èx

ERASERHEAD / LABYRINTH MAN

                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site mindpirates.org

de David Lynch. 1971-1976. U.S.A. 1h29. Avec Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph,
Jeanne Bates, Judith Anna Roberts.

Sortie salles France: 17 décembre 1980. U.S: 28 septembre 1977.

FILMOGRAPHIE: David Lynch est un réalisateur, photographe, musicien et peintre américain, né le 20 Janvier 1946 à Missoula, dans le Montana, U.S.A.
1976: Eraserhead. 1980: Elephant Man. 1984: Dune. 1986: Blue Velvet. 1990: Sailor et Lula. 1992: Twin Peaks. 1997: Lost Highway. 1999: Une Histoire Vraie. 2001: Mulholland Drive. 2006: Inland Empire. 2012: Meditation, Creativity, Peace (documentaire).

Précédé d'un bouche à oreille sulfureux lors des séances des fameux Midgnight Movies, Eraserhead est un premier long-métrage d'une ambition singulière dans la motivation expérimentale du réalisateur à nous confiner dans l'antre de son univers cauchemardesque littéralement anxiogène. Etudiant en arts plastiques, le néophyte David Lynch aura mis plus de 5 ans à façonner cet essai en noir et blanc après l'avoir autoproduit. Ce n'est qu'au fil des ans et des décennies que le film accède à la renommée après avoir essuyé échec public et critique. Dérangeant, malsain, perturbant, mais surtout terriblement anxiogène et dépressif, Eraserhead transpire l'aigreur à travers l'errance de son héros sentencieux littéralement tourmenté par sa condition parentale. L'intrigue s'attachant à décrire par le biais de ses fantasmes et/ou celui du rêve sa situation démunie face au statut paternel puis conjugal. Son amie insomniaque ayant quitter précipitamment le foyer à la suite des braillements de leur bambin, Henry Spencer tente maladroitement de poursuivre sa morne existence en la présence de ce rejeton moribond.

Avec son décor blafard de banlieue industrielle et la sonorité infernale impartie aux bruit des machines et du vent tempétueux, Eraserhead ébranle nos sens, déstabilise nos habitudes sereines pour mettre en exergue le dépaysement d'une glauque scénographie auquel chaque membre d'une famille est servile au mal-être existentiel. Renforçant le malaise parmi la présence fétide d'un foetus difforme (FX bluffants de réalisme !) que Mary a enfantée de manière prématurée, l'intrigue multiplie les évènements nonsensiques au fil de l'introspection mentale du héros en léthargie. Outre le caractère baroque et surréaliste du design d'ameublement auquel cohabitent les personnages excentriques (notamment la dame du radiateur et les parents névrosés de Mary), Eraserhead planifie avec une inventivité schizophrène une descente aux enfers où l'illogisme des situations et l'incompréhension de certains évènements renforcent le malaise d'un bad-trip plus vrai que nature. Par l'acuité visuelle de son imagerie opaque extraite d'un esprit immature en perte de repère avec sa réalité, le film distille un sentiment de mal-être épidermique aussi rigoureux que Massacre à la Tronçonneuse, Martyrs ou encore La Dernière maison sur la gauche. Autant dire que l'expérience successivement éprouvante, oppressante et malsaine n'accorde aucune délivrance au spectateur privé d'émotions ludiques pour l'extraire de ce climat de sinistrose en chute libre.

Expérience horrifique capiteuse parmi l'intensité de sa bande-son dissonante et son florilège de séquences cauchemardesques engendrées par un esprit dépressif incapable de s'assumer, Eraserhead aborde les thèmes de l'adultère, l'infanticide, la démission parentale et conjugale avec une originalité machiavélique. Tour à tour angoissant et étouffant au point de perdre tous nos repères, le film décuple le malaise parmi la présences iconique du bambin alité et celle de l'acteur Jack Nance traînant sa lourde dégaine à la manière d'un somnambule impassible. 
P.S: En raison de l'intensité scrupuleuse de son climat perturbant, les âmes sensibles sont priées d'être averties (le film étant interdit aux - de 18 ans lors de sa sortie)

Bruno Matéï
2èx

THE DEVIL'S REJECTS

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site jeknight.deviantart.com 

de Rob Zombie. 2005. U.S.A. 1h50 (Director's Cut). Avec Sid Haig, Bill Moseley, Sheri Moon Zombie, William Forsythe, Ken Foree, Matthew McGrory, Leslie Easterbrook, Geoffrey Lewis.

Sortie salles France: 19 Juillet 2006 (Interdit aux - de 16 ans). U.S: 22 Juillet 2005

FILMOGRAPHIE: Rob Zombie est un chanteur, musicien et réalisateur américain, né le 12 Janvier 1965 à Haverhill, dans le Massachusetts.
2003: House of 1000 Corpses. 2005: The Devil's Rejects. 2007: Werewolf Women of the S.S. (trailer). 2007: Halloween. 2009: Halloween 2. 2012: The Lords of Salem. 2016: 31.

Faisant suite à la Maison des 1000 morts deux ans après sa confection, The Devil's Rejects en modifie sa topographie horrifique pour privilégier l'ultra-violence d'un road movie poisseux à travers la traque du shérif Wydell contre trois psychopathes qu'endossent le Capitaine Spaulding, Otis Driftwood et Baby Firefly. Fou de haine et de vengeance après que son frère eut été assassiné par ces derniers, John Quincy Wydell décide d'enfreindre les lois pour mieux les alpaguer quitte à en perdre son âme dans sa justice expéditive bafouée par la lâcheté et le goût du crime. Road movie pétulant consigné dans la démesure d'une ultra violence toujours plus dégénérée, hymne aux bandes crasseuses des Seventies dont Texas Chainsaw Massacre en porte les stigmates, Rob Zombie se surpasse à transfigurer le portrait d'anti-héros habités par des pulsions sanguinaires dans leur furieux désir de liberté. Avec le parti-pris jusqu'au-boutiste de nous illustrer sans détour leurs exactions gratuites, The Devil's Rejects dérange, incommode, ébranle le spectateur, partagé entre fascination morbide, rire nerveux et gêne morale. Les séquences les plus extrêmes imposant un réalisme cru à la limite du supportable lorsque les victimes moribondes supplient leur bourreau d'apaiser leur souffrance. 

Si le scénario linéaire s'avère une limpidité scolaire, la manière ultra efficace dont Zombie exploite sa narration par le brio de la mise en scène engendre des morceaux d'anthologie à une cadence métronomique. D'un réalisme documenté et d'une audace désinhibée, le cinéaste ne cesse de provoquer à étaler sans répit des séquences d'humiliations et de tortures avec une immoralité assumée. Que ce soit du point de vue de nos sociopathes fraternels ou de la dérive licencieuse du shérif soumis à sa vendetta, The Devil's Rejects dépeint avec une flamboyance débridée un jeu du chat et de la souris au sein d'une Amérique profonde peuplée de rednecks ignares. Sur ce point, les seconds-rôles aux gueules burinées parfois grotesques ne manquent pas de cocasserie dans leur verve de mauvais goût (à l'instar de cette discussion échangée autour d'une transaction de volailles). De par ses trognes aussi vulgaires que mal élevées et notre trio de psychopathes puant la sueur et l'insalubrité, Rob Zombie en extrait une forme de parodie sarcastique, limite cartoonesque pour la caricature de ses malfrats se complaisant sans retenue dans l'insouciance, le sexe, la drogue, l'alcool et surtout la violence. Autour de ces postures sans vergogne, Rob Zombie parvient in extremis à modifier la donne dans sa dernière partie lorsque nos bourreaux vont se substituer aux victimes puisqu'un shérif assoiffé de sang aura décidé de les molester en fraudant les règles du jeu. Et de manière miraculeuse, de nous invoquer un soupçon d'empathie pour la rédemption suicidaire de ces rebuts de la société ! De par leur fin de course déloyale sujette à sévices humiliants, leur sens de fraternité familiale et leur appétence d'une liberté absolue. Zombie provoquant également l'émotion durant cette fuite sur bitume à travers l'intrusion de clichés reminiscents imposant, non sans lyrisme, leurs retrouvailles chaleureuses (sourires exaltants à l'appui !) au sein d'une campagne ensoleillée. Comme si ces déchets de l'humanité n'étaient finalement pas si éloignés de notre sens du bonheur ! 

Les Nouveaux Sauvages. 

Aussi dérangeant qu'ultra jouissif dans son concentré d'ultra violence désinhibée et de mauvais goût cartoonesque (du moins pour les amateurs purs et durs de bandes déviantes sardoniques), Devil's Rejects transfigure le portrait au vitriol de psychopathes à la manière d'une "horde sauvage" contemporaine en quête ultime d'un enfer plus serein. Un moment de cinéma inoubliable transcendé par le talent viscéral des comédiens dans leur stature fétide, un chef-d'oeuvre d'immoralité où perce finalement (l'illusion) d'un humanisme désespéré. 

Bruno Matéï

3èx 

La Critique de Mathias Chaput:
Véritable bombe pondue par un Rob Zombie en état de grâce, "Devil's rejects" est un film qui devance tous ces prédécesseurs au niveau de la violence !

Outrancier dans son fond et dans sa forme mais passionnant à suivre car parfaitement rythmé et bien joué, ce métrage tient largement ses promesses et se distingue des autres par une originalité peu commune ou très peu exploité, à savoir qu'on a plus de compassion pour les tueurs que pour la police...

"The devil's rejects" est un mastodonte, une machine de guerre qui annihile tout sur son passage, recelant de moments d'anthologie et ponctué de dialogues cultes même si faisant la part belle aux invectives...

Faisant référence non sans un humour décalé et jubilatoire à plusieurs événements d'outre Atlantique ou à des figures emblématiques comme Groucho Marx ou même Elvis Presley, Rob Zombie se fait plaisir et NOUS fait plaisir et ne plagie à aucun moment les autres (même si le tout début peut faire légèrement penser à "Massacre à la tronçonneuse")...

Un montage ultra serré se servant de plans fixes et un final prodigieux tout en nuances permet au spectateur de garder un recul approprié face à ce déchaînement de brutalité (Rob Zombie n'y allant vraiment pas de main morte) et fait accéder l'oeuvre au sommet du genre, sorte de mélange entre "La dernière maison sur la gauche", "Tueurs nés" et "Dirty Harry"...

Toute une culture vintage se retrouve dans un film qui mettra tout le monde d'accord, transcendé par une folie pure et ambiante que l'on n'avait pas vue depuis longtemps !

Déjà huit ans et pas une seule ride !

Un pur must à déguster sans modération !
Note : 10/10

NO ESCAPE

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

de John Erick Dowdle. 2015. U.S.A/Thaïlande. 1h43. Avec Pierce Brosnan, Owen Wilson, Lake Bell, Sterling Jerins, Spencer Garrett, John Goldney

Sortie salles France : 2 septembre 2015. U.S : 26 août 2015

FILMOGRAPHIE: John Erick Dowdle est un réalisateur américain né en Décmbre 1973.
1996 : Full Moon Rising. 2005 : The Dry Spell. 2007 : The Poughkeepsie Tapes. 2008 : En quarantaine (Quarantine). 2011 : Devil. 2014 : Catacombes (également coscénariste). 2015 : No Escape.

Si John Erick Dowdle a accumulé depuis le début de sa carrière les nanars opportunistes, force est de constater qu'avec No Escape le réalisateur modifie la donne pour nous imposer avec une maestria inespérée (à l'instar d'une 1ère poursuite en mode subjectif entre les ruelles Thaïlandaises !) un survival brut de décoffrage dans sa tension à couper au rasoir ! Issus de souche américaine, Jack et sa famille ont décidé de s'expatrier en Asie du Sud-est pour son cadre idyllique. Mais à la suite d'un coup d'état meurtrier, ils se retrouvent pris à parti avec une armée de rebelles assoiffés de sang à la vue de toute présence occidentale. C'est le début d'une épreuve de force que va endurer la famille Dwyer la peur au ventre. Thriller d'action à couper le souffle dans son lot de péripéties aussi délétères que bellicistes, rebondissements imprévisibles et planques de dernier ressort, No Escape nous plonge tête baissée dans le chaos d'une guérilla urbaine bâtie sur la déchéance barbare. Les séquences gratuites d'exécutions sommaires sur les victimes innocentes se multipliant devant le témoignage révulsé d'une famille en perdition. Cette vertigineuse descente aux enfers inscrite dans le désespoir de survie, le cinéaste nous la dépeint avec un réalisme documenté au point d'en oublier sa facture ludique de série B effrénée (à une accalmie près pour une retrouvaille amicale !).

Ce sentiment d'insécurité permanent régi au tour d'une ville en état de siège, cette peur de trépasser l'instant d'après pour nos survivants à court d'oxygène, sont transfigurés par le talent des interprètes insufflant une angoisse viscérale contagieuse auprès de notre témoignage. En particulier Owen Wilson utilisé ici à contre-emploi pour se tailler la carrure d'un paternel plein d'humanisme mais redoutablement vaillant dans ses prises de risques inconsidérées à daigner prémunir sa famille. Dans un second-rôle plus affirmé, Pierce Brosnan lui partage la vedette avec une spontanéité impavide dans sa fonction de mercenaire émérite à déjouer les traques criminelles de l'ennemi rebelle. Transis d'anxiété et d'empathie pour leur situation précaire, nous nous immergeons de plein fouet dans leur parcours du combattant avec une acuité émotionnelle rigoureuse. Sachant notamment que le cinéaste se délecte à leur structurer un cheminement aléatoire d'enjeux de survie où les poursuites endiablées ne cessent de les compromettre à l'issue de secours. Quand bien même les parents vont être amenés à transgresser leur morale pour abuser parfois de violence afin de sauver leur peau et celle de leurs filles (les comédiennes imposant une fragilité dépouillée). Face à cet amoncellement de situations alertes où la mort omniprésente tente à chaque fois de les agripper, nos nerfs sont sévèrement mis à rude épreuve sous l'impulsion de séquences d'action aussi épiques (voires même parfois dantesques !) que réalistes.

Spectacle haletant de survival escarpé et de guérilla urbaine d'un réalisme parfois éprouvant (notamment la dureté de certaines scènes de violence faisant écho à l'actualité du terrorisme islamiste), No escape puise d'autant plus sa puissance émotionnelle dans l'efficacité de sa réalisation et la caractérisation humaniste de ses personnages vibrant de désespoir et de vigueur de vaincre.  

Bruno Matéï 

QUI L'A VUE MOURIR ?

"Chi l'ha vista morire ?" d'Aldo Lado. 1972. Italie. 1h30. Avec George Lazenby, Anita Strindberg, Dominique Boeschero, Peter Chatel, Adolfo Celi.

FILMOGRAPHIE: Aldo Lado est un réalisateur italien, né le 5 décembre 1934 à Fiume (Croatie).
1971: Je suis Vivant (La corta notte delle bambole di vetro). 1972: Qui l'a vue mourir ? 1972: La Drôle d'affaire. 1973 : Sepolta viva. 1974 : La cugina. 1975: La Bête tue de sang Froid. 1976 : L'ultima volta. 1978 : Il prigioniero (TV). 1979 : L'humanoïde. 1979 : Il était un musicien – Monsieur Mascagni. 1981 : La désobéissance. 1982 : La pietra di Marco Polo (TV). 1983 : La città di Miriam (TV). 1986 : I figli dell'ispettore (TV). 1987 : Sahara Heat ou Scirocco. 1990 : Rito d'amore. 1991 : La stella del parco (TV). 1992 : Alibi perfetto. 1993 : Venerdì nero. 1994 : La chance.

Surtout connu chez nous grâce au sulfureux la Bête tue de sang froid, déclinaison transalpine de la Dernière Maison sur la Gauche, Aldo Lado s'était auparavant prêté au giallo avec Je suis vivant et le film qui nous intéresse ici, Qui l'a vue mourir ? Inédit en salles en France et exhumé de l'oubli grâce au Dvd édité par Ecstasy of Films, le film relate les exactions d'un assassin d'enfants au sein de la ville portuaire de Venise. Après la découverte de sa fille noyée, Franco Serpieri tente de mener lui même l'enquête quand bien même son épouse réapparaît après leur séparation afin d'assister aux funérailles. Au fil d'indices répertoriés au compte goutte, les morts commencent à se multiplier. Giallo méconnu chez nous, Qui l'a vue mourir ? anticipe avec deux ans d'avance le chef-d'oeuvre de Nicolas Roeg, Ne vous retournez pas. De par sa scénographie d'une capitale vénitienne étrangement similaire, de la mort de l'innocence et la tragédie familiale du père investigateur avide de résolution. 

Ca commence fort avec un prologue particulièrement crapuleux lorsqu'un mystérieux rôdeur décide de s'en prendre à une gamine pour lui fracasser le crane à coups de pierre. Le cadre de l'action confiné autour d'une forêt enneigée renforçant une angoisse diffuse autour des va-et-vient ludiques d'une mère et de sa fille. Une séquence explicite assez choquante même si l'aspect concis de la mise à mort en désamorce un peu sa brutalité. C'est sans doute en partie pour cette raison que le film écopa d'une interdiction aux - de 18 ans dans certains pays. Une seconde séquence, cette fois-ci établie hors-champs, va également provoquer le malaise lors de la découverte macabre d'une autre victime infantile dans la berge de Venise. C'est à partir de cette nouvelle tragédie sordide que l'intrigue va pouvoir s'affranchir sous l'impulsion du père endeuillé avide de questionnement. Ce qui l'entraîne à fréquenter quelques notables déviants pour leurs penchants pédophiles, jeux SM et party pornos organisés en soirées privées. Si l'enquête policière que mène Franco Serpieri s'avère un brin langoureuse dans son cheminement routinier, l'ambiance inquiétante régie autour de la ville vaporeuse et le portrait imparti aux seconds rôles véreux distillent une aura malsaine assez étouffante. Quant aux meurtres stylisés et parfois angoissants, ils se succèdent efficacement en intermittence en dépit du caractère prévisible de l'un d'entre eux, alors que l'assassin fait preuve de photogénie délétère par son accoutrement sépulcrale semblable à la veuve noire.  

Sans révolutionner le genre, Aldo Lado parvient à esthétiser un sympathique giallo assez vénéneux et malsain parmi l'appui musical d'Ennio Morricone (sa comptine imposant un leitmotiv aussi entêtant que fascinant). Si la direction d'acteurs perfectible (en particulier le personnage principal endossé par le moustachu George Lazenby) et la monotonie de l'intrigue auraient gagnés à faire preuve de plus d'entrain, l'audace sordide du scénario conféré autour de meurtres d'enfants distille une aura sulfureuse plutôt inédite pour le genre. A découvrir.

Remerciement à The Ecstasy of Films

Bruno Matéï

2èx 

ELEPHANT MAN. Grand Prix, Avoriaz 80.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

"The Elephant Man" de David Lynch. 1980. Angleterre/U.S.A. 2h04. Avec John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones.

Sortie salles France: 8 Avril 1981. U.S: 10 Octobre 1980 (Interdit aux - de 13 ans)

FILMOGRAPHIE: David Lynch est un réalisateur, photographe, musicien et peintre américain, né le 20 Janvier 1946 à Missoula, dans le Montana, U.S.A. 1976: Eraserhead. 1980: Elephant Man. 1984: Dune. 1986: Blue Velvet. 1990: Sailor et Lula. 1992: Twin Peaks. 1997: Lost Highway. 1999: Une Histoire Vraie. 2001: Mulholland Drive. 2006: Inland Empire. 2012: Meditation, Creativity, Peace (documentaire).

"Jamais, non, jamais... rien ne meurt jamais. Le courant coule, le vent souffle, le nuage flotte, le coeur bat. Rien ne mourra".

Grand Prix à Avoriaz en 1981, César du Meilleur Film Etranger en 1982, Elephant Man bouleversa les critiques et le public du monde entier de par la rigueur de son intensité dramatique conférée au portrait de Joseph Merrick. Un homme de 21 ans souffrant du syndrome de Protée (maladie génétique très rare) et ayant vécu une existence miséreuse avant d'être secouru par un service hospitalier Londonien. Monstre de foire atteint d'une grave difformité au point d'être comparé à un homme éléphant, John Merrick (David Lynch décida d'en modifier le prénom) est exhibé dans un cirque pour le compte d'un directeur alcoolique, vénal et brutal. Ayant tenté d'assister à l'une de ses représentations, le chirurgien Frederick Treves parvient à le libérer de sa prison après avoir allégué de l'examiner médicalement. Recueilli avec déférence dans un hôpital, John Merrick va réapprendre à vivre et découvrir le sens des mots amitié, amour, reconnaissance et noblesse par le biais de l'assistance médicale, des rencontres aristocrates et d'une comédienne de théâtre, Madge Kendal. 

Maelstrom d'émotions bouleversantes autour des vicissitudes de John Merrick, Elephant Man relate avec une acuité et une pudeur vertigineuses son destin maudit sous l'impulsion de comédiens d'une sobriété humaine sans fioriture. L'émotion prude émanant de leur expression bouleversée face à la difformité corporelle du sujet avant de canaliser leurs émotions pour lui donner la réplique le plus naturellement. Ce qui donne lieu à des séquences intimistes d'une rare vigueur dramatique à travers les rapports de confiance et d'amitié établis entre les protagonistes et Merrick. Outre la posture pleine de dignité de Anthony Hopkins dans le rôle altruiste du chirurgien attentionné, Hannah Gordon (l'épouse de Treves) et Anne Bancroft (Madge Kendal) se partagent communément la réplique avec une tendre humilité, de manière à prouver à Merrick leur confiance et leur reconnaissance afin que ce dernier apprivoise un sentiment rassurant de sécurité. Mais si Elephant Man s'avère si rigoureux dans sa palette d'émotions aussi troubles que cruelles (notamment les humiliation et sévices qu'il endurera avec son ancien tortionnaire et la cupidité d'un ouvrier), il le doit surtout au portrait fragile imparti à John Merrick que John Hurt endosse avec une sensibilité pudibonde. Notamment auprès de la douceur de sa voix et la puissance de son regard noyé de sagesse, de mélancolie, d'angoisse et d'amour. Baignant dans une atmosphère d'étrangeté au sein d'une époque victorienne en ascension industrielle, le métrage est rehaussé de son noir et blanc épuré que Freddie Francis contraste avec onirisme baroque pour ses tableaux chimériques ou réalistes d'une société en mutation. L'apparence monstrueuse de l'homme éléphant insufflant également un climat insolite à l'ensemble du fait de sa difformité tuméfiée que la population rejette au premier abord, quand bien même les marginaux les plus dépravés s'y complaisent dans une ignorance putassière. 

Soutenu de la partition de John Morris et de l'illustre thème de Samuel Barber dont l'épilogue déchirant distille une flegme mélancolie, Elephant Man transfigure avec une acuité prude le douloureux destin d'un monstre humain inscrit dans la candeur des sentiments et la noblesse de l'amour. Car à travers ce plaidoyer (symbolique) pour le droit à la différence, David Lynch en extrait une leçon d'humanité, un poème baroque sur la beauté interne des infortunés sous le pilier d'une mise en scène virtuose. De ce vortex d'émotions capiteuses y découlent un des mélodrames les plus déchirants de l'histoire du cinéma que tous cinéphiles se doivent d'avoir vu. 

Bruno Matéï

3èx

Grand Prix du Festival international du film fantastique d'Avoriaz, 1981.
César du meilleur film étranger 1982
British Academy Film Award du meilleur film
British Academy Film Award du meilleur acteur pour John Hurt
British Academy Film Award des meilleurs décors

LA SORCIERE SANGLANTE

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site subscene.com

"I Lunghi capelli della morte" de Antonio Margheriti. 1964. Italie. 1h40. Avec Barbara Steele, George Ardisson, Halina Zalewska, Umberto Raho, Laura Nucci.

Sortie salles France: 5 Août 1970. Italie: 30 Décembre 1964

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi. 1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Tourné au milieu de La Vierge de Nuremberg et Danse Macabre, La Sorcière Sanglante clôt magistralement la trilogie gothique du maître italien sous l'impulsion de la reine des ténèbres, Barbara Steele. Accusée à tort de sorcellerie après la découverte du corps du comte Franz, Adèle est condamnée à périr sur le bûcher sous les yeux de sa petite fille Elisabeth. Mais au moment de son châtiment, elle jure de se venger auprès des responsables. Au même moment, sa soeur aînée Helen tente de la sauver en convainquant le comte Humboldt de son innocence. Contraint de se laisser séduire par ce dernier afin d'épargner sa soeur, Helen assiste néanmoins impuissante à sa mort. De crainte d'être accusé d'adultère, Humbolt décide de se débarrasser d'Helen en la jetant du haut d'un pont. Quelques années plus tard, Elisabeth est forcée d'épouser le fils du comte Humboldt, Kurt. Alors que ce dernier avoue à son père qu'il est véritable responsable de la mort de son frère, le sosie d'Helen apparaît sous les traits de Mary Karnstein. 

Ce pitch ombrageux transcendé par une reconstitution médiévale du XVIè siècle, Antonio Margheriti l'illustre avec ambition formelle et science diffuse du suspense lorsque le responsable de cette tragédie familiale se retrouve confronté à une machiavélique conjuration. "Plus réussi est le méchant, plus réussi sera le film" dixit Alfred Hitchcock ! Et on peut dire que Margheriti respecte à la lettre la tagline du maître tant le personnage cupide et fallacieux de Kurt (sobrement endossé par George Ardisson) excelle de cynisme et sournoiserie à daigner éradiquer chaque témoin gênant. Amant infidèle pour le compte de la troublante Mary, Kurt va néanmoins se compromettre à des évènements irrationnels depuis son nouveau stratagème d'empoisonner son épouse. L'intérêt de l'intrigue émanant de sa paranoïa en chute libre et d'y démêler les tenants et aboutissants d'une éventuelle machination auquel les personnages d'Elisabeth et de Mary semblent tirer les ficelles. Margheriti inversant les rôles de tortionnaire/victime parmi le témoignage fébrile de notre témoin transi d'émoi. Avec ses décors de manoir lugubre, crypte décatie et cachettes souterraines, La Sorcière Sanglante insuffle une atmosphère d'étrangeté prépondérante autour des allées et venues de nos protagonistes en prise avec des entités diaboliques, quand bien même la peste y ravage les villageois apeurés de superstition.

De par la texture contrastée de sa photo monochrome, la solidité de l'intrigue, la facture stylisée des décors gothiques et l'apparence magnétique de Barbara Steele, la Sorcière Sanglante renoue avec la flamboyance de l'épouvante transalpine dans un souci esthétique morbide. Sans toutefois égaler Danse Macabre réalisé la même année, ce bijou d'angoisse et de suspense diffus fait preuve d'un pouvoir de séduction ténébreux dès l'exposition de son prologue inscrit dans la cruauté.  

Pour les intéressés, les 2 autres volets sont chroniqués ci-dessous:
La Vierge de Nuremberg: http://brunomatei.blogspot.fr/…/la-vierge-de-nuremberg-la-v…
Danse Macabre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/danse-macabre-danza-macabra…

Bruno Matéï
3èx

LA MOUCHE. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 87.

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

"The Fly" de David Cronenberg. 1986. U.S.A. 1h35. Avec Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel, Leslie Carlson, George Chuvalo.

Sortie salles France: 21 Janvier 1987. U.S: 15 Août 1986

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada). 1969: Stereo. 1970: Crimes of the Future. 1975: Frissons. 1977: Rage,1979: Fast Company. 1979: Chromosome 3. 1981: Scanners. 1982: Videodrome. 1983: Dead Zone. 1986: La Mouche. 1988: Faux-semblants. 1991: Le Festin nu. 1993: M. Butterfly. 1996: Crash. 1999: eXistenz. 2002: Spider. 2005 : A History of Violence. 2007: Les Promesses de l'ombre. 2011: A Dangerous Method. 2012: Cosmopolis. 2014:Maps to the Stars.

Déclinaison du classique de Kurt Neumann réalisé en 1958, La Mouche version 86 transcende la définition du terme "remake" dans le sens où Cronenberg réinterprète avec une rare intelligence l'histoire de l'écrivain George Langelaan à la manière d'un drame psychologique d'une intensité bouleversante. Métaphore sur le cancer illustrée de manière horrifique, La Mouche dépeint la dégénérescence irréversible d'un physicien à l'origine d'une invention révolutionnaire, la téléportation. Après avoir réussi l'expérience avec un babouin, Seth Brundle décide de se porter volontaire pour se téléporter d'une machine à une autre. Mais durant l'épreuve, une mouche s'est incidemment introduite dans la machine si bien que l'ordinateur décide de les fusionner. Pourvu d'une force surhumaine et d'une énergie pétulante, Seth Brundle finit par se dégrader physiquement pour se métamorphoser peu à peu en insecte humain. 

Ce concept original aussi débridé que cauchemardesque, David Cronenberg le traite avec un sérieux imperturbable, là ou n'importe quel tâcheron se serait facilement vautré dans la gaudriole de série Z. Une trame improbable, voire même ridicule, que le cinéaste parvient haut la main à rationaliser par le biais d'une mise en scène maîtrisée, le souci du détail de l'étude scientifique et le brio de comédiens taillés sur mesure. Entièrement alloué à la dimension humaine des personnages, l'intrigue nous plonge avec force et détails (FX renversants à l'appui !) dans le désarroi d'un scientifique émérite sur le point de révolutionner nos moyens de transport avant de voir ses travaux bafoués par la cause d'un insecte. Par le biais d'une réflexion sur les progrès inquiétants de la recherche scientifique, David Cronenberg en extrait une magnifique tragédie humaine sur la déroute d'un physicien sombrant peu à peu dans le désespoir et la folie depuis que son corps et son mental sont amenés à adopter les réflexes d'une mouche. Epaulé du score fragile de Howard Shore et des maquillages saisissants de Chris Wallas, le film cultive un réalisme scrupuleux quant à la métamorphose du héros succombant également dans une éthique dénuée de politique comme le souligne l'existence frigide des insectes. En prime de nous ébranler la vue avec les visions cauchemardesques de la victime atteinte d'une difformité toujours plus décharnée, Cronenberg nous émeut par l'entremise d'une douloureuse histoire d'amour que le héros entretient avec une journaliste philanthrope. Impuissante face à sa déchéance corporelle et psychologique, son témoignage donne lieu à des séquences toujours plus poignantes lorsque le duo s'efforce vainement de trouver une solution de dernier ressort face à une situation aberrante où la malchance aura décidé d'en châtier le responsable. 

Sommet d'émotion et d'angoisse dépressive que Jeff Goldblum et Geena Davis transcende avec un humanisme aussi fébrile que bouleversant, la Mouche exploite l'alibi de l'argument horrifique pour en extraire un drame psychologique d'une émotion viscérale. Notamment parce que le thème de la maladie incurable nous concerne tous lorsque la mutation du cancer s'efforce de nous anéantir avec une partialité intolérable. De cette nouvelle chair hybride, Cronenberg en extirpe un chef-d'oeuvre aussi fragile qu'intelligent pour sa réactualisation d'une célèbre nouvelle. Ou lorsque l'élève dépasse le maître. 

La Chronique de la Mouche 2 (la): http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/la-mouche-2-fly-2.html

Bruno Matéï

5èx

Récompenses:

Oscar du Meilleur Maquillage pour Chris Walas et Stephan Dupuis en 1987.
Prix du meilleur film d'horreur, meilleur acteur (Jeff Goldblum) et meilleurs maquillages lors des Saturn Awards, 1987.
Prix spécial du jury au Festival International du film fantastique d'Avoriaz, 1987

BATMAN LE DEFI

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

"Batman Returns" de Tim Burton. 1992. U.S.A. 2h06. Avec Michael Keaton, Michelle Pfeiffer, Danny DeVito, Christopher Walken, Michael Gough, Michael Murphy, Cristi Conaway, Andrew Bryniarski.

Sortie salles France: 15 Juillet 1992. U.S: 19 Juin 1992

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie.
1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

Véritable déclaration d'amour aux monstres, carnaval grotesque de deux infortunés gagnés par la vengeance, Batman le Défi fait office de vilain petit canard dans son ambition décalée de proposer un divertissement adulte prioritairement caustique. Alors que Tim Burton refusa dans un premier temps de réaliser une suite à Batman, les producteurs parviennent à le contredire en lui laissant la totale liberté de supprimer le personnage de Robin et d'y poursuivre à sa guise son entreprise. Ce qui donne lieu à une fantaisie flamboyante constamment inventive dans son lot de coups d'état, poursuites, règlements de compte et subterfuges que les ennemis de Batman et funambules imposteurs emploient avec une exubérance mal élevée. D'une fulgurance formelle ensorcelante, Tim Burton transcende l'univers gothique du comics par le biais de décors tantôt féeriques (climat enneigé des festivités de noël à l'appui !) tantôt baroques (sculptures grandioses parfois influencées par l'expressionnisme allemand !), quand bien même les antagonistes schizophrènes volent la vedette à l'homme chauve-souris, témoin empathique de leur condition névrosée. 

Deux monstres opprimés noyés par leur chagrin et leurs pulsions de haine depuis leur profonde solitude d'avoir été lâchement sacrifiés. Soit par la démission de parents intolérants, soit par la prétention cupide d'un patron sans vergogne. Derrière leur masque se cache donc une aigreur inconsolable que Tim Burton transfigure avec malingre émotion sous l'impulsion de comédiens en roue libre ! Outre la prestance infaillible de Christopher Walken en magnat mégalo particulièrement sournois, Batman le défi tire parti de sa fascination grâce à l'alliance des deux antagonistes au passé torturé. Quasi méconnaissable, Danny DeVito endossant le personnage du Pingouin avec l'ambition sardonique de martyriser la population de Gotham avant d'y manoeuvrer Batman. Avec son rictus grimaçant et son regard fielleux héritier de sa peine morale, l'acteur se surpasse à exprimer des sentiments de rébellion facilement influencés par l'immoralité d'une vendetta escarpée. Reflet de sa solitude, sa soif d'amour et sa douleur insurmontable d'avoir été considéré depuis son enfance comme un rebut de la société. Pleine de sensualité et de provocations lubriques, Michelle Pfeiffer lui partage la vedette avec une même rancoeur erratique depuis la condescendance criminelle de son patron, quand bien même ce dernier est impliqué dans les travaux d'une centrale électrique émanant des déchet toxiques. Avec autant de charisme dans son expressivité impérieuse, l'actrice se fond dans sa combinaison de latex avec autant d'intensité que de fragilité humaine depuis son identité introvertie de se soumettre à la peur de l'autorité. 

La Monstrueuse Parade
Plaidoyer pour le droit à la différence à travers les portraits désenchantés de freaks psychotiques, Batman le défi s'iconise en poème d'amour tragique pour l'impossible reconnaissance de ces laissés pour compte. Un chef-d'oeuvre absolu du fantastique baroque que Tim Burton parvient en toute autonomie à détourner du produit standard sous le pilier d'un esthétisme crépusculaire pétulant ! Un conte de Noël frelaté d'une tristesse sous-jacente prépondérante... 

Bruno 

3èx 

OEIL POUR OEIL. Prix de la Meilleure Actrice (Camille Keaton), Catalogne 78.

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site thefastpictureshow.com 

"I spit on your grave/Day of the Woman". de Meir Zarchi. 1978. U.S.A. 1h41. Avec Camille Keaton, Eron Tabor, Richard Pace, Anthony Nichols, Gunter Kleemann, Alexis Magnotti.

Sortie salles U.S: 22 Novembre 1978

FILMOGRAPHIE: Meir Zarchi est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né en 1937.
1978: Oeil pour Oeil. 1985: Don't Mess with My Sister ! Prochainement: I spit on your grave: déjà vu.

Surfant sur les objets de scandale la Dernière maison sur la Gauche et Crime à froid, Meir Zarchi réalise 6 ans après celui de Craven un "Rape and Revenge" typiquement ancré dans son époque. Dans le sens où ce dernier préconise l'ultra réalisme hérité du documentaire ainsi qu'une violence tranchée particulièrement crue pour rapprocher son argument horrifique au plus près de la vérité. Sur ce point, la première partie s'attardant avec minutie sur le calvaire de la victime humiliée, torturée et violentée, s'avère bluffante de réalisme poisseux parfois difficilement supportable. De par la répétition intermittente des sévices qu'elle endure de manière ardue et l'intensité de ses hurlements qu'elle supplie en guise d'épuisement et de souffrance. Baignant dans une superbe photographie contrastant avec la végétation d'un lac forestier, Oeil pour Oeil nous illustre donc le viol puis la vengeance de la victime, sans concession ni accompagnement musical. 

Epargné de fioriture et de complaisance, le réalisateur prend son temps à relater avec force et détails son calvaire sous l'impulsion de Camille Keaton. Récompensé d'un prix d'interprétation à Catalogne au moment de la sortie du film, la comédienne irradie l'écran par sa présence flegmatique, son regard détaché et sa posture ambiguë à adopter des risques inconsidérés pour piéger ses agresseurs. Ce comportement irresponsable, limite suicidaire, (jeter son revolver à proximité d'un des agresseurs pour s'entacher inopinément de le séduire, charmer en tenue d'Eve sans défense un autre assaillant affublé d'un poignard !) insuffle au film un climat étrangement trouble à la croisée de l'irrationnel. Grâce à l'autonomie de cette mise en scène documentée, Oeil pour Oeil s'extirpe miraculeusement de la redite pour offrir ses lettres de noblesse à un genre d'exploitation trop souvent réduit à la gratuité du racolage. Car même si la partie revenge s'avère moins percutante, la présence magnétique de l'actrice, son sang froid aguerri et ses motivations criminelles équivoques nous entraîne en temps réel vers un cheminement punitif déroutant. Si le rôle secondaire de l'attardé endossé par Richard Pace s'avère un peu stéréotypé, il parvient néanmoins à nous convaincre grâce à la spontanéité de ses expressions, quand bien même les autres têtes d'affiches ne manquent pas d'aplomb et de naturel (principalement le meneur du groupe incarné par Eron Tabor) pour afficher leurs bas instincts dépravés.

D'une rare sauvagerie et cruauté quant au chemin de croix de la femme violentée, Oeil pour Oeil exploite son sous-genre avec l'habileté consciencieuse de l'auteur à authentifier un cas de viol sous l'impulsion d'une mante religieuse envoûtée par Camille Keaton. Une perle du genre n'ayant rien perdu de son aura vénéneuse !  

Bruno Matéï

3èx

Récompense: Prix de la meilleure actrice pour Camille Keaton lors du Festival international du film de Catalogne en 1978.

Les Aventuriers

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site unifrance.org

de Robert Enrico. 1967. France. 1h52. Avec Lino Ventura, Alain Delon, Joanna Shimkus, Serge
Reggiani, Paul Crauchet, Odile Poisson, Thérèse Quentin.

Sortie salles France: 12 Avril 1967

FILMOGRAPHIE: Robert Enrico est un réalisateur et scénariste Français, né le 14 Avril 1931 à Liévin (Pas de Calais), décédé le 23 Février 2001 à Paris.
1956: Jehanne. 1962: Au coeur de la vie. 1962: La Belle vie. 1964: Contre point. 1965: Les Grandes Gueules. 1967: Les Aventuriers. 1967: Tante Zita. 1968: Ho ! 1971: Boulevard du Rhum. 1971: Un peu, beaucoup, passionnément... 1972: Les Caïds. 1974: Le Secret. 1975: Le Vieux Fusil. 1976: Un Neveu silencieux. 1977: Coup de Foudre. 1979: L'Empreinte des Géants. 1983: Au nom de tous les miens. 1985: Zone Rouge. 1987: De guerre lasse. 1989: La Révolution Française (1ère partie). 1991: Vent d'Est. 1999: Fait d'Hiver.

Grand classique du cinéma français qu'une génération de jeunes téléspectateurs (moi compris) ont également pu découvrir via leur tube cathodique à la fin des années 70, Les Aventuriers relate la tendre histoire d'un trio amical peu commun. 

Synopsis: Après avoir fait connaissance avec la jeune artiste Laetitia, Manu, pilote de course, et Roland, mécanicien, embarquent à bord d'un navire pour se lancer dans une chasse au trésor en Afrique. Mais dans un concours de circonstances malchanceuses, un évènement aussi inopiné que tragique va bouleverser leur destinée. 

A partir de ce pitch simpliste conjuguant l'aventure, la comédie et le drame, Robert Enrico (cinéaste notoire à qui l'on doit l'inoubliable Le Vieux Fusil) y structure une magnifique histoire d'amitié entre deux acolytes et une jeune étrangère en quête d'évasion. Agrémenté de situations aussi légères que cocasses que nos héros partagent parmi leurs visites touristiques du Congo et leur expédition en mer, les Aventuriers insuffle un vent de liberté exaltant sous l'impulsion de comédiens débordant de tendresse.  Lino Ventura et Alain Delon formant un duo indéfectible dans leur fraternité amicale fondée sur la fidélité, la loyauté, le respect d'autrui. 

Pleine de fraîcheur, de générosité et d'innocence naturelles, Joanna Shimkus leur partage la vedette avec une émotion aussi prude que fragile à travers ses tourments d'amour, de dépit professionnel et de projet utopiste. Leur relation philanthrope étant communément conçue sur le principe d'une amitié altruiste avant de se laisser influencer vers des sentiments amoureux. Si la première partie sémillante fait preuve d'optimisme perpétuel, le second acte varie brutalement la donne pour embrayer vers une tournure dramatique en chute libre. Car à partir du moment où le drame impromptu interfère dans la relation de nos trois complices, l'intrigue adopte une tournure tragique qui pèsera sur les épaules de Manu et Roland. C'est dans ce deuxième segment fondé sur l'hommage et la révérence que les Aventuriers décuple son pouvoir émotionnel entre une leçon d'apprentissage infantile et deux, trois éclairs de violence. 

Chef d'oeuvre du film d'aventure lyrique inscrit dans la simplicité des valeurs humaines, les Aventuriers alterne avec le drame passionnel pour y prôner les mérites d'amitié et de fidélité. Outre l'élégie de sa mélodie composée par François de Roubaix, ce grand moment d'émotion est transcendé de la complicité du trio de comédiens criants de vérité de par leur esprit incorrigible de cohésion, et ce jusqu'au vertige d'une dramaturgie escarpée. 

*Bruno 

2èx

DE L'AUTRE COTE DU MIROIR (Le Miroir Obscène). Version Espagnole.

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site hkmania.com

"Al Otro Lado del Espejo" de Jess Franco. 1973. France/Espagne. 1h35. Avec Emma Cohen, Philippe Lemaire, Alice Arno, Françoise Brion, Howard Vernon, Robert Woods.

Sortie salles France: 3 Septembre 1975

FILMOGRAPHIE: Jess Franco (Jesus Franco Manera) est un réalisateur espagnol, né le 12 Mai 1930 à Madrid, décédé le 2 Avril 2013.
1962: L'Horrible Dr orlof. 1962: Le Sadique Baron Von Klaus. 1964: Les Maîtresses du Dr Jekyll. 1966: Le Diabolique Dr Zimmer. 1969: L'Amour dans les prisons des femmes. 1969: Justine ou les infortunes de la vertu. 1970: Les Nuits de Dracula. 1970: Le Trône de Feu. 1971: Vampyros Lesbos. 1972: Les Expériences Erotiques de Frankenstein. 1972: Dracula prisonnier de Frankenstein. 1972: La Fille de Dracula. 1973: Quartier des Femmes. 1973: Christina chez les Morts-Vivants. 1973: Le Miroir Obscène. 1974: La Comtesse Noire. 1974: Eugénie de Sade. 1976: Jack l'Eventreur. 1980: Terreur Cannibale. 1980: Mondo Cannibale. 1981: Sadomania. 1981: Le Lac des Morts-Vivants (co-réal). 1982: L'Abîme des Morts-Vivants. 1982: La Chute de la maison Usher. 1988: Les Prédateurs de la Nuit. 2002: Killer Barbys.

Oeuvre atypique au sein de la carrière de l'éminent Jess Franco (n'en déplaise à ses détracteurs !), Le Miroir Obscène dégage un pouvoir de séduction subtilement vénéneux pour le cheminement indécis d'une jeune femme hantée par le suicide de son père. Cumulant les conquêtes masculines dans les cabarets de Jazz avant d'entamer un voyage touristique, Anna est rapidement compromise par les visions criminelles de ces amants au travers d'un miroir (métaphore sur la peur de l'engagement). 

Abordant les thèmes de l'inceste et de l'amour possessif, l'intrigue fantasmagorique distille un climat envoûtant du point de vue psychotique d'une femme en berne sombrant peu à peu dans la paranoïa. Là où le film fait preuve d'hermétisme, c'est également dans sa manière d'aborder l'irrationnel de manière spirituelle tout en développant scrupuleusement l'identité affirmée de son héroïne. De manière introspective, Jess Franco nous établissant un superbe portrait de femme tourmentée au fil de ses pérégrinations et nouvelles rencontres, quand bien même le fantôme du paternel s'efforce de façon impromptue de la persécuter, ou plutôt de la posséder. Si le Miroir Obscène s'avère linéaire et sans surprise sur le papier, Jess Franco en extrait néanmoins à l'image un magnifique conte d'amour et de mort où la mise en scène formelle ne cesse de nous chatouiller les sens dans son souci stylisé d'harmoniser les présences féminines avec la nature environnante. Notamment le fait d'accorder autant d'intérêt au design des vastes demeures d'un blanc immaculé alors qu'à l'extérieur les jardins exaltent les parfums de fleurs. Outre le soin avisé de la réalisation, l'intrigue tire-parti de son magnétisme psychologique en la présence charnelle d'Emma Cohen (la Femme aux bottes rouges, Cannibal Man). L'actrice insufflant une aura érotique subtilement suave, de par son apparence sensuelle assumée, son regard reptilien aux yeux verts et sa posture autoritaire favorisée par la déférence. 

Raffiné et étrange à la fois, onirique et élégiaque, singulier par son atmosphère diaphane insidieusement indicible, De l'autre côté du miroir structure avec une ambition toute personnelle une histoire d'amour parentale inscrite dans la tragédie d'une jalousie obsessionnelle. Transcendé par la présence fantasmatique d'Emma Cohen, Jess franco a sans doute accompli ici l'une de ses oeuvres les plus abouties en terme de fulgurance poétique et d'érotisme sépulcral. 

Dédicace à Mathias Chaput et Cid Orlandu. 

Bruno Matéï

La critique de Mathias Chaput: 

Cinéaste à la carrière extrêmement prolifique pas toujours heureuse, capable du meilleur comme du pire, Jess Franco trouve avec « Le miroir obscène » un terrain d’entente propice à appliquer son style de la meilleure manière qui soit, aux confins du film érotique, du métrage de possession et du caractère étrange qui caractérise la majorité de sa filmographie…
L’actrice Emma Cohen irradie complètement la pellicule par son charme juvénile qui fait mouche auprès de tous les hommes qu’elle rencontre, mais elle semble désabusée et comme subissant les assauts sexuels de ses partenaires, ce côté ambivalent amplifie ainsi son mal être et sa bipolarité, rongée par le souvenir omniprésent de son père, qui revient lors de flashs atroces et incessants…
C’est ce levier de la vision du géniteur pendu qui alimente les crimes d’Ana, un peu comme si son père lui « ordonnait » par son autorité fantôme d’annihiler tous les hommes susceptibles de charmer la belle…
La mise en scène est parfaite, notamment sur des plans zoomés de toute beauté sur les paysages qui apparaissent à l’extérieur des fenêtres pour s’imbriquer sur les personnages lors de dialogues (technique souvent employée à cette époque), la vision d’Howard Vernon pendu est réellement terrifiante et sert de point d’orgue à l’intrigue, autant psychédélique qu’impliquant des protagonistes obsédés et dépravés…
L’idée du théâtre avec le personnage de Médée peut rappeler un peu le concept de « L’important c’est d’aimer » de Zulawski, tourné l’année suivante, la folie ambiante qui y règne fait référence au cinéma latin dont Jess Franco fait bel et bien partie…
NB : sur les conseils d’amis cinéphiles facebookiens, j’ai visionné la version espagnole, qui diffère totalement de l’histoire de la version française avec Lina Romay, qui supprimait des parties du scénario original (ce n’est pas le père mais la sœur d’Ana qui se suicide ! et le miroir, quant à lui, est bien le vecteur des poussées meurtrières d’Ana)…
Quoiqu’il en soit, « Le miroir obscène » est une excellente œuvre, qui doit beaucoup à son atmosphère poisseuse et bien ancrée dans l’opulence et l’insouciance des années 70 (un côté « peace and love » même avec les artistes et leur musique groovy et psychédélique) tout en conservant l’aspect déviant propre aux films de Franco…
Dans l’ensemble, une grande réussite et un sans faute de la part d’Artus films pour l’édition double DVD…

Note : 8/10