Vendredi 13 / Friday the 13th

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Mauvais-genres.com

de Sean S. Cunningham. 1980. U.S.A. 1h35. Avec Betsy Palmer, Adrienne King, Jeannine Taylor, Robbi Morgan, Kevin Bacon, Harry Crosby, Laurie Bartram.

Sortie salles France: 11 Février 1981 (int - 18 ans). U.S: 9 Mai 1980

FILMOGRAPHIE: Sean Sexton Cunningham est un réalisateur, producteur et scénariste américain. Né en 1941 à New York. 1970 : Art of Marriage. 1971 : L'Amour à deux. 1973 : Case of the Full Moon Murders. 1978 : Manny's Orphans. 1978 : Here Come the Tigers. 1980 : Vendredi 13. 1982 : A Stranger Is Watching. 1983 : La fièvre du printemps. 1985 : Représailles. 1989 : MAL : Mutant aquatique en liberté. 2001 : XCU: Extreme Close Up. 2002 : Invasion finale (TV). 2006 : Trapped Ashes.

 

"Lac, sang et terreur estivale : revisiter Vendredi 13".

Rudoyé par la critique mais plébiscité par un public qui s’y rua en masse lors de sa sortie internationale (au point de devenir l’un des produits les plus rentables du cinéma, même si l’Hexagone resta plus frileux), Vendredi 13 exploite avec une efficacité retorse le concept des Dix Petits Nègres, recyclé dans le cadre du psycho-killer en vogue depuis Black Christmas et surtout Halloween. Relativement bien mené — agréable à suivre, étonnamment atmosphérique à la revoyure —, ce scénario rachitique distille ses effets-chocs à intervalles réguliers sous la supervision du maître Tom Savini, tout en tissant un suspense moite, juste avant chaque mise à mort. Les comédiens, pour la plupart inconnus (hormis un jeune Kevin Bacon que l’on débusque), insufflent parfois une intensité dramatique touchante, perdue d’avance dans leur destin sacrifié. À contrario, un mot sur l’illustre Betsy Palmer : impassible et carnassière derrière un rictus faussement affable, elle incarne une présence tranquille dans son aplomb, non sans un sadisme inventif. 

Un rôle taillé sur mesure que l’actrice accepta par pur intérêt pécuniaire (s’offrir une nouvelle voiture), elle qui méprisait le genre horrifique — avant de se raviser, conquise par l’enthousiasme des conventions. Ainsi, à travers cette interprétation lunaire et épeurante, Cunningham cède parfois aux subterfuges morbides, enchaînant rebondissements épiques voire cartoonesques. Grâce à son cadre forestier caressé par un lac estival d’une photogénie rassurante, Sean S. Cunningham orchestre, passée la première demi-heure, un climat angoissant que j’avais presque occulté : jeux de lumières nocturnes, refuges précaires, mise en attente de la mort, à la façon de Carpenter. Jusqu’à ce que les effets gores — toujours aussi saisissants — surgissent pour nous terrifier, impulsés par des jump scares souvent efficaces, stridents, soulignés du superbe score d’Harry Manfredini et son célèbre leitmotiv chuchoté : tchi, tchi, tchi, ah, ah, ah...

Ludique par son rythme soutenu, immersif grâce à son décor forestier solaire et nocturne, Vendredi 13 distille surtout une ambiance horrifique aujourd’hui disparue, révélant un savoir-faire aussi indéniable qu’inespéré. L’efficacité des poursuites de la dernière partie culmine dans des effets-chocs spectaculaires et iconiques — la décapitation au ralenti, puis enfin l’apparition de Jason, portée par une mélodie faussement apaisante pour mieux nous foudroyer. À mon sens, de loin l’opus le plus humble et angoissant de la saga, à revoir attentivement, armé d’une pincée de nostalgie génération 80.

P.S. : À (re)voir de préférence en 4K et en Vostfr — le jour et la nuit !

*Bruno
7èx

02.07.23

Double Détente

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com 

"Red Heat" de Walter Hill. 1988. U.S.A. 1h44. Avec Arnold Schwarzenegger, James Belushi, Peter Boyle, Ed O'Ross, Laurence Fishburne, Gina Gershon, Richard Bright.

Sortie salles France: 6 Juillet 1988. U.S: 17 Juin 1988

FILMOGRAPHIE: Walter Hill est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 10 janvier 1942 à Long Beach, en Californie (États-Unis). 1975 : Le Bagarreur (Hard Times),1978 : Driver,1979 : Les Guerriers de la nuit, 1980 : Le Gang des frères James,1981 : Sans retour, 1982 : 48 heures, 1984 : Les Rues de feu,1985 : Comment claquer un million de dollars par jour,1986 : Crossroads, 1987 : Extrême préjudice, 1988 : Double Détente, 1989 : Les Contes de la crypte (1 épisode),1989 : Johnny belle gueule,1990 : 48 heures de plus,1992 : Les Pilleurs,1993 : Geronimo,1995 : Wild Bill, 1996 : Dernier Recours,1997 : Perversions of science (série TV),2000 : Supernova, 2002 : Un seul deviendra invincible, 2002 : The Prophecy, 2004 : Deadwood (série TV). 2006 : Broken Trail. 2012 : Du plomb dans la tête. 2016 : Revenger.

Pure série B d'action bâtie sur la notoriété d'Arnold Schwarzenegger que Walter Hill souhaitait un jour concrétiser pour lui attribuer un rôle musclé en bonne et due forme, Double Détente joue la carte du divertissement en toute simplicité. Car faute d'une intrigue classique dénuée d'originalité, Double Détente exploite le contexte musclé du "gendarme et du voleur" par le biais du Buddy Movie en vogue en ces années 80. Et cela fonctionne à point nommé grâce à la complémentarité du duo impayable Schwarzenegger / Belushi endossant les rôles de flics décomplexés à travers une nationalité distincte. Schwarzy endossant un milicien russe implanté sur le sol américain afin de retrouver Viktor, un dangereux trafiquant de drogue (qu'Ed O'Ross incarne avec un charisme patibulaire idoine), quand bien même Belushi sert de faire-valoir en sergent ricain féru de  calembours afin de détendre l'atmosphère funèbre (les cadavres pleuvent parmi l'autorité expéditive de son compère).

Outre l'attraction du duo susnommé véritablement impliqué dans leur fonction aussi bien pugnace que décontractée, Double Détente s'appuie sur le savoir-faire infaillible de Walter Hill résolument inspiré par son divertissement sans prétention. Tant et si bien que son récit habilement structuré parvient très efficacement à relancer l'action des enjeux criminels à travers la filature de deux témoins éloquents (un malfrat grièvement blessé / l'épouse de Viktor) et d'une énigmatique clef que Schwarzy s'efforce de préserver lors de sa traque inlassable contre son propriétaire. Comme de coutume, ce récit haletant est entrecoupé d'une chorégraphie d'actions aussi bien violentes qu'homériques (giclées de sang sous les impacts de balles), notamment à travers sa dernière demi-heure à tombeau ouvert laissant libre court aux cascades urbaines entre deux bus erratiques.

Western urbain impeccablement ficelé; Double Détente remplit honorablement le cahier des charges pour y distraire le spectateur embarqué dans un Buddy Movie généreusement teigneux et drôle. Les répliques caustiques fusant fréquemment auprès du bagout de Belushi et (un peu moins de) Schwarzy accompagnés de 2,3 seconds-rôles aussi cocasses ! Un excellent moment de détente n'ayant rien perdu de son charme (eightie !) et de son intensité épique, et ce sans se complaire dans une vaine surenchère (aussi homérique soit sa traque finale volontiers insidieuse et sanglante). 

*Bruno
2èx

Box Office France: 1 292 988 entrées

Black Death

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Christopher Smith. 2010. Angleterre/Allemagne. 1h41. Avec Warner David, Van Houten Carice, Bean Sean, McInnerny Tim, Redmayne Eddie, Nixon Kimberley, Lynch John, Elliott Emu.

Sortie salles France: 8 Octobre 2010 (Festival du cinéma britannique de Dinard). UK: 11 Juin 2010

FILMOGRAPHIE: Christopher Smith est un réalisateur et scénariste britannique né à Bristol le 16 août 1970. 2004 : Creep. 2006 : Severance. 2009 : Triangle. 2010 : Black Death. 2012 : Labyrinthe (série télévisée - 2 épisodes de la saison 1). 2014 : Get Santa. 2016 : Detour.

Film choc s'il en est, de par la crudité de ses scènes barbares et de son climat fétide perméable que Christopher Smith retranscrit avec souci de vérisme (aussi low-cost soit le budget), Black Death demeure une impitoyable descente aux enfers au coeur d'une époque médiévale asservie par le fanatisme, la superstition et le puritanisme. Le Pitch: Angleterre, 1348. Un groupe de mercenaires a pour mission de retrouver un Nécromancier susceptible d'avoir propagé la peste bubonique dans la région. Paradoxalement, un village ne semble nullement touché par la maladie mortelle particulièrement  contagieuse. Avec l'aide d'Edmund, jeune moine amoureux de la paysanne Averill, le chevalier Ulric et ses acolytes partent à la recherche du village situé à proximité d'un marais. Eprouvante épreuve de force (morale et physique) qu'un groupe de mercenaires endosse à l'instar d'un chemin de croix si je me réfère à leur rencontre finale auprès de la confrérie occulte, Black Death s'avère plus intelligent et retors qu'il n'y parait à travers ses faux semblants surréalistes et surtout sa réflexion sur la foi religieuse et l'athéisme que Christopher Smith oppose sans jamais juger ses personnages. Car baignant dans une mise en scène macabre teintée de surnaturel, l'intrigue joue efficacement du simulacre afin de contredire la réception du spectateur pris à parti entre l'inexpliqué et les valeurs antinomiques du Bien et du Mal au sein d'une époque primale en quête de repères moraux.

La confrérie occulte s'efforçant de renier une existence divine sous couvert de leur hiérarchie sectaire bienfaitrice (leur populace aime à croire aux miracles pour se préserver de la peur de la peste - et donc de la mort -) quand bien même Ulric et ses sbires sont entièrement voués à la cause de Dieu afin de se donner un code d'honneur à leur existence vaillante. D'une cruauté inouïe, tant psychologique que corporelle, Black Death s'avère à l'image poisseuse de son époque moyenâgeuse. C'est à dire jusqu'au-boutiste, putrescente (ses cadavres décharnés à l'odeur pestilentielle que l'on entrevoit par intermittence), lâche et sans concession (l'épuration de sa dernière partie). Tant auprès de la pandémie à grande échelle, de la chasse aux sorcières pratiquée tous azimuts en guise de superstition que des sévices corporels perpétrés sur l'ennemi chrétien rendu impuissant dans sa condition de détention. Mais outre son intensité dramatique à couper au rasoir quant à son mode survival vécu de plein fouet lors de l'ultime demi-heure, Black Death tend notamment à souligner la faiblesse morale de l'homme vertueux du point de vue du moine néophyte sombrant dans une vendetta criminelle en lieu et place de traumatisme endeuillé. Ainsi, c'est sur cette note d'amertume que Black Death nous quitte précipitamment à travers sa réflexion sur la vengeance et la foi chrétienne du point de vue d'une perte de valeur morale en perdition spirituelle. Black Death sous-entendant en guise d'épilogue opaque que le mal est en chacun de nous et que la valeur d'un homme se juge à la manière dont il défie ce Mal.

Film choc furieusement noir, malsain et désespéré (notamment auprès du sentiment d'épuisement des victimes molestées), Black Death ne nous laisse aucun répit quant à la précarité de ses pieux personnages martyrisés par une idéologie délétère, si bien que l'on ne sort pas indemne de ce constat d'échec humaniste.  

*Bruno
2èx
03.03.11
03.07.19

Terreur / Dread

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Anthony DiBlasi. 2009. U.S.A. 1h40. Avec Jackson Rathbone, Shaun Evans, Hanne Steen, Laura Donnelly, Jonathan Readwin, Paloma Faith, Siobhan Hewlett.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: Anthony DiBlasi est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2018 Extremity.  2016 Her Last Will. 2015 Most Likely to Die. 2015 Attirance interdite (TV Movie). 2014/I Last Shift. 2013 The Profane Exhibit (segment "Mother May I"). 2013 Missionary. 2011 Cassadaga. 2009 Terreur. 

 

Une expérience de terreur underground, profondément malsaine et perverse.
Adapté d’une nouvelle de Clive Barker publiée dans le second volume des Livres de sang, Dread signe le premier long-métrage choc d’Anthony Diblasi. Malgré un cheminement narratif prévisible, le film parvient à bâtir un climat anxiogène, distillé par les dissensions de jeunes protagonistes livrés peu à peu à leur pire cauchemar. 

Synopsis: Marqué par un traumatisme d’enfance terrifiant, Quaid, étudiant en philosophie, entraîne deux camarades dans une étude sur la peur en recrutant divers témoins. Derrière cet alibi scientifique se cache sa tentative maladroite de museler des cauchemars nocturnes qu’il ne maîtrise plus. Mais au fil des entretiens tendus avec marginaux et âmes brisées, Quaid bascule dans une vendetta intime, perverse et irrémédiable.

Interdit aux moins de 16 ans, Dread a de quoi retourner les estomacs les plus fragiles dans sa dernière demi-heure, explicite mais jamais gratuite, d’un réalisme cru et suffocant. Un dispositif qui exacerbe le voyeurisme maladif de Quaid, apprenti criminel dont les complices assistent, impuissants, à la dégénérescence morale et à l’irascibilité. Sobriété et efficacité dominent la première partie, certes classique dans sa narration, mais solidement inquiétante. Grâce à un casting jeune qui refuse l’outrance, le film accroche et inquiète. Surtout par la présence dérangée de Quaid, incarné avec un charisme trouble et glaçant par Shaun Evans. Si glaçant qu’on préférerait ne jamais croiser son regard dans la réalité sans qu'il ne paraisse patibulaire.

Porté par une mise en scène parfois étonnamment inventive (les plans obsédants de la hache montant les marches, les crimes exécutés avec une froideur clinique, la précision du montage acerbe) et par un travail sonore affûté (BO rock alternative en première partie, bruitages diégétiques perçus à travers l’angoisse des victimes), Dread dérange jusqu’au malaise ad nauseam. L’expérience carnivore dans la geôle reste franchement insoutenable. Le film refuse toute concession : pas de happy end, mais un sentiment d’amertume et de dégoût, né de l’obsession d’un oppresseur anciennement martyrisé, désormais décidé à affronter la bête en lui en scrutant, égoïstement, les postures apeurées de ses proies torturées jusqu’à l’épuisement. Dans le registre underground le plus intègre, et malgré un manque d’ambition par moments, Dread demeure une cruelle et solide surprise horrifique, à découvrir le cœur accroché, au gré de ses séquences les plus crues et cruelles. On n'en sort pas indemne... Pour public averti...

— le cinéphile du cœur noir

*Bruno
21.09.25. 3èx. Vostf

Les Sorcières d'Eastwick

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"The Witches of Eastwick" de George Miller. 1987. U.S.A. 1h58. Avec Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon, Michelle Pfeiffer, Veronica Cartwright, Richard Jenkins

Sortie salles France: 10 Septembre 1987. U.S: 12 Juin 1987

FILMOGRAPHIE: George Miller est un réalisateur, scénariste et producteur australien, né le 3 Mars 1945 à Chinchilla (Queensland). 1979: Mad-Max. 1981: Mad-Max 2. 1983: La 4è Dimension (dernier segment). 1985: Mad-Max : Au-delà du dôme du Tonnerre. 1987: Les Sorcières d'Eastwick. 1992: Lorenzo. 1997: 40 000 ans de rêve (documentaire). 1998: Babe 2. 2006: Happy Feet. 2011: Happy Feet 2. 2014: Mad Max: Fury Road.

Comédie fantastique frétillante menée sur un rythme endiablé par le réalisateur de la quadrilogie Mad-Max, Les Sorcières d'Eastwick possède plus d'une corde à son arc pour nous séduire. Car outre l'inventivité des situations débridées ou cocasses que George Miller maîtrise de main de maître avec imagination, et la cadence de son score idoine composé par l'orchestre de John Williams, les Sorcières d'Eastwick est transcendé de son cast 4 étoiles littéralement en roue libre. Tant auprès du séduisant trio Cher, Susan Sarandon, Michelle Pfeiffer en proie à la désinhibition puis la rébellion féministe en sorcières contestataires, que du monstre sacré Jack Nicholson nous livrant un nouveau numéro d'acteur anthologique dans celui du diable lubrique. Un maître-chanteur phallocrate et oisif se complaisant à duper la gente féminine par le biais de son charme, de son bagout et de ses pouvoirs surnaturels.

George Miller parvenant donc avec originalité à renouveler le thème de la sorcellerie dans une forme ludique aussi légère que subtile (notamment auprès de l'utilisation de ses formidables effets-spéciaux au service narratif). A la fois drôle, sexy et badin, parfois inquiétant (notamment auprès d'une puritaine erratique que Veronica Cartwright incarne à la perfection dans une force d'expression psychotique), voir même féerique (l'étonnante et fortuite partie de tennis, le trio en lévitation en amont de la piscine), les Sorcières d'Eastwick est un savoureux cocktail d'humour, de charme et séduction sous l'impulsion d'une guerre des sexes soigneusement planifiée. Car autant satire sur le rigorisme parmi le témoignage rabat-joie d'une populace rurale pratiquante, que sur le machisme à travers la polygamie, George Miller égratigne de manière caustique les conflits sempiternels entre l'homme et la femme par le biais d'un jeu de pouvoirs fondé sur la dichotomie de la domination et de la soumission.

Dangereuse alliance
Étonnamment à l'aise dans le registre de la comédie fantastico-romantique avec un équivalent brio technique, George Miller transfigure au gré de sa flamboyante distribution un délicieux divertissement aussi frais et extravagant que lors de sa sortie populaire (1 158 563 entrées rien qu'en France). Si bien que les Sorcières d'Eastwick parvient à se détacher de l'ombre du spectacle commercial standard grâce à la personnalité de son auteur féru d'attention pour l'évolution de ces personnages et d'invention pour nous amener à la suivre avec un sens onirique insolite. 

*Bruno
4èx

Récompenses: British Academy Film Awards 1988 : Meilleurs effets visuels
Los Angeles Film Critics Association Awards 1988 : Meilleur acteur pour Jack Nicholson
New York Film Critics Circle Awards 1988 : Meilleur acteur pour Jack Nicholson
Saturn Awards 1988 : Meilleur acteur pour Jack Nicholson

Ghoulies

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site sensacine.com

de Luca Bercovici. 1984. U.S.A. 1h21. Avec Peter Liapis, Lisa Pelikan, Michael Des Barres, Jack Nance, Peter Risch.

(probablement) Inédit en salles en France. Sortie U.S: 2 Mars 1985 (ou 18 Janvier 1985)

FILMOGRAPHIE: Luca Bercovici est un réalisateur, acteur et scénariste américain né le 22 Fevrier 1957 à New York. 2006: The Making of 'Kill Your Darlings' (documentaire). 2000 Luck of the Draw. 1999 BitterSweet (Video). 1997 Convict 762. 1996/I The Chain. 1995 The Granny (Video). 1994 Profondeur. 1990 Rockula. 1984 Ghoulies.

Nanar des années 80 ayant créé son petit effet de fascination auprès des rats des videos (il fut inédit en salles chez nous), Ghoulies est une sympathique production Charles Band surfant sur le succès de Gremlins réalisé la même année. Petite bande fauchée nantie d'une intrigue à la fois redondante et capillotractée (un jeune homme invoque les forces des ténèbres lors de fréquentes messes noires afin de connaître ses origines familiales, quand bien même un démon exhumé d'outre-tombe tente de lui substituer sa place), Ghoulies amuse gentiment la galerie. Principalement grâce aux superbes créatures confectionnées par une équipe de techniciens parmi lequel y figure John Carl Buechler. Ainsi, ces gnomes d'une laideur velue à la fois délirante et fascinante vont semer la zizanie dans un manoir gothique (soigneusement éclairé et ornementé) qu'un jeune couple et ses convives abriteront le temps de rituels sataniques.

Jouant les adulescents assez benêts, les comédiens méconnus s'efforcent de rendre attachant leur fonction de trublions avec autant de charme (notamment auprès des conflits sentimentaux entre notre anti-héros - en quête identitaire - et sa compagne) que d'irritation. Car à force d'outrances verbales et de gestuelles emphatiques, ceux-ci peuvent prêter à la lassitude, notamment faute d'un cheminement superflu dénué de surprises (franchement dommageable que l'intrigue soit si exsangue !). Pour autant, Luca Bercovici ponctue à bâton rompu son récit de scènes chocs parfois surprenantes (la langue géante agrippant la bouche d'une victime) afin de maintenir le spectateur en éveil. Egalement en ne cessant d'exhiber fréquemment à l'écran ces Ghoulies trouble-fête plutôt attachants à travers leur fantaisie grotesque naïvement expressive. Qui plus est, accompagnés d'un couple de nains d'allure médiévale et d'un mort-vivant vaniteux, Ghoulies divertit aimablement aussi vite oublié soit ce produit d'exploitation perfectible.

A redécouvrir d'un oeil distrait avec une pointe de nostalgie.
*Bruno

Héros d'Apocalypse

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site aVoir-aLire.com

"L'ultimo cacciatore" d'Anthony M. Dawson. 1980. U.S.A. 1h37. David Warbeck, Tisa Farrow, Tony King, Bobby Rhodes, Margit Evelyn Newton, John Steiner.

Sortie salles Italie: 9 Août 1980.

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi. 1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Pur produit d'exploitation surfant sur la vague du film de guerre vietnamien, Héros d'Apocalypse est symptomatique de ce que le cinéma italien pouvait produire de plus attractif à l'orée des années 80. Car bien avant Rambo 1 et 2, Anthony M. Dawson nous offrait un film d'action belliqueux à l'ultra violence décomplexée, tant et si bien que ses scènes gores, à la fois percutantes et spectaculaires, irriguent l'écran dans un déluge d'explosions et canardages à tout va, à feu et à sang ! Le tout façonné avec un talent technique artisanal si bien que l'on reste encore aujourd'hui ébahi par le réalisme de ses scènes chocs furieusement complaisantes (gros plans sur les chairs éclatées dans des gerbes de sang Fulciennes !). Ainsi, si l'intrigue étique fait preuve de oisiveté (le capitaine Morris a pour mission de détruire un émetteur dans un camp vietcong après avoir rejoint une équipe de rangers ainsi qu'une journaliste retranchés dans une grotte customisée !), Anthony M. Dawson compte sur l'intensité des explosions et carnages en roue libre afin de plonger le spectateur dans un divertissement bourrin aussi bordélique qu'épique.

Servi par une pléiade de seconds couteaux familiers des fans de Bis (on y croise David Warbeck, Tisa Farrow, Tony King, Bobby Rhodes et John Steiner), ces derniers se prêtent au jeu belliciste avec un sérieux désinhibé. Car à travers une combinaison de Voyage au bout de l'Enfer et surtout d'Apocalypse Now, nos acteurs transalpins surjouent leur fonction burné avec un irrésistible orgueil auto-parodique. C'est simple, on les croirait réunis au club Med de festoyer et s'extasier à buter du viet dans une posture héroïque résolument suicidaire ! C'est dire si Dawson s'adonne aux clichés tous azimuts, entre premier et second degré. Car n'hésitant pas lors de brèves occasions à détendre l'atmosphère par le biais de moments de cocasserie aussi grotesques qu'hallucinées (la fameuse compétition contre la montre du ranger pour récupérer un fruit du haut d'un arbre en arpentant un sentier truffé de vietcongs !), celui-ci se raille d'une bravoure surhumaine dans un esprit antimilitariste troupier. On sourit également (voir on pouffe de rire) lorsque Héros d'Apocalypse se la joue Apocalypse Now à travers des séquences cultes contournées ici dans un esprit bisseux. A l'instar du major Cash caricaturant dans son fanatisme guerrier le lieutenant-colonel Bill Kilgore (entrevu en surfeur dans Apocalypse Now), du message préventif que les rangers écoutent fréquemment à la radio afin de démissionner de leur poste offensif, ou encore de l'ultime chevauchée des Walkyries reprise ici en épilogue à travers un thème orchestral contrefait.

Réussissant par ailleurs l'exploit de nous immerger dans une véritable jungle végétative (on se croirait même par instant dans Cannibal Holocaust, notamment à travers ses pièges meurtriers !), Héros d'Apocalypse demeure un fleuron du film de guerre transalpin de par son immense générosité de nous en foutre plein la vue à renfort de tripes, de sulfateuses et d'explosions furibardes ! A revoir sans modération, tel l'antidépresseur de choix ! 

*Bruno
3èx

Le Professeur / La prima notte di quiete / La première nuit de la Tranquillité

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb

de Valerio Zurlini. Italie/France. 2h12 (version intégrale). Avec Alain Delon, Lea Massari, Monica Dominici, Sonia Petrovna, Giancarlo Giannini, Renato Salvatori, Alida Valli, Adalberto Maria Merli, Salvo Randone, Liana Del Balzo.

Sortie salles France: 18 Octobre 1972 (1er Novembre 1972 selon d'autres sources). Italie: 27 Octobre 1972

FILMOGRAPHIE: Valerio Zurlini est un réalisateur et scénariste italien, né le 19 mars 1926 à Bologne, décédé le 27 octobre 1982 à Vérone. 1955 : Les Jeunes Filles de San Frediano. 1959 : Été violent. 1961 : La Fille à la valise. 1962 : Journal intime. 1965 : Des filles pour l'armée. 1968 : Assis à sa droite. 1969 : Quand, comment et avec qui ? 1972 : Le Professeur. 1976 : Le Désert des Tartares.

"L’amour, cet impossible lointain."

Romance écorchée vive entre un professeur trentenaire et une étudiante de dix-neuf ans foudroyés par une passion dévorante, Le Professeur désarçonne par son atmosphère sinistrée, traversée d’une mélancolie perméable aux cicatrices morales de deux êtres hantés par le poids de l’échec et de l’insatisfaction sentimentale. Succès retentissant en Italie mais échec en France (allez comprendre), le film transfigure le genre mal-aimé du mélodrame grâce au talent singulier de Valerio Zurlini, qui y imprime sa personnalité transalpine.

Son ambiance glauque, baignée d’une photographie blafarde, et les postures vulgaires de protagonistes peu recommandables - qu’il s’agisse de l’entourage aviné de Daniel ou de celui de Vanina - nous enferment dans un drame conjugal aux faibles lueurs d’espoir.

La grande force de cette œuvre fragile réside dans sa réinterprétation du genre à travers les thèmes éculés mais ravivés de la trahison, de l’infidélité, de la possessivité (notamment les rapports masochistes entre Daniel et son épouse, coexistant dans leur demeure opaque comme dans un tombeau en guise de routine désespérée), de la jalousie et de l’amour insoluble.

Dans un rôle d’amant torturé et taciturne, Alain Delon électrise tranquillement en promenant sa dégaine de chien battu, tel un fantôme infortuné, quasi suicidaire - jusqu’à ce final expéditif où il s’élance dans sa quête désespérée de la muse perdue qu'il doit rejoindre pour toujours.
Face à lui, l’électrisante Sonia Petrovna magnétise l’écran à chacune de ses apparitions sensuelles. Comme Daniel, le spectateur succombe à son charme noir, redoutant pourtant l’aigreur insurmontable d’une relation précaire, noyée d’amertume, de malaise, de remords et de désillusion.
Le Professeur aborde, tantôt par la suggestion des regards et des silences (l'incroyable séquence du night club alternant les échanges de regards en plan serré), tantôt par la brutalité des corps et des étreintes sauvages, la cruauté de l’émoi amoureux à travers des esprits rebelles, victimes de leur propre marginalité et de leur isolement moral. 
Vanina, marquée par l’ombre d’une mère catin et des conquêtes phallocrates qui l’ont façonnée, croise Daniel, lui-même hanté par la disparition du père et surtout par le suicide de sa sœur : deux âmes en ruine, cherchant dans l’autre une impossible réparation.

 

Œuvre atypique, irriguée de spleen et de pessimisme sous la lumière vacillante d’un climat vaporeux, Le Professeur explore la passion amoureuse comme l’ultime sursaut de losers névrotiques, tentant de s’accrocher au fil ténu de la rédemption sentimentale.

Un drame d’une noirceur somptueuse, audacieuse, lucide - où chaque geste, chaque regard, semble s’éteindre dans le désespoir des cœurs trop usés pour aimer encore au coeur d'un no man's land feutré.

Un film personnel et intime qui s’infiltre sous la peau et hante longtemps après la dernière image pudique.

— le cinéphile du cœur noir

3èx. VOSTF

Mausoleum. Prix du Jury au Rex de Paris, 1983.

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Michael Dugan. 1983. U.S.A. 1h37. Avec Bobbie Bresee, Marjoe Gortner, Norman Burton, LaWanda Page.

Sortie salles U.S: 13 Mai 1983

FILMOGRAPHIE: Michael Dugan est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2015: The Adventures of Turkey Dude (TV Mini-Series). 1999: Raging Hormones. 1983: Mausoleum. 1976: Super Seal.

Hit Vhs des années 80 si j'ose dire sous le fameux étendard Super Video Productions, Mausoleum demeure l'archétype de la série Z horrifique réalisée sans aucun génie mais avec une tendresse évidente pour le genre. D'ailleurs, le jury du Festival du Rex de Paris ne s'y est pas trompé lorsqu'il lui décerna le Prix du Jury et le Prix d'interprétation Féminine pour Bobbie Bresee en victime démoniale à la fois sexy (son plus simple appareil nous est dévoilé à plusieurs reprises en sus d'une opulente poitrine) et monstrueuse (créature caoutchouteuse à l'appui d'un final mémorablement cartoonesque !). Le pitch: traumatisée par la mort de sa mère, Susan est attiré par l'entité démoniaque sommeillant dans un mausolée. Depuis, après l'avoir réveillée, elle sombre dans une déchéance criminelle, quand bien même son psychiatre tente de la ramener à la raison. Nanar grand-guignolesque étalant toutes les 10 minutes des séquences gorasses du meilleur cru artisanal, qui plus est renforcé de dérision involontaire à force de surenchère, Mausoleum baigne dans le divertissement du samedi soir au gré d'une ambiance horrifique étonnamment attachante, pour ne pas dire atmosphérique.

On peut d'ailleurs parler de miracle tant le réalisateur en herbe décuple les maladresses sans complexe tant et si bien qu'il croit fermement à ce qu'il filme, et ce jusqu'à se permettre d'y parodier le genre lors d'une séquence burlesque insensée (score subitement jovial à l'appui !) lorsque la domestique afro prend à 2 reprises l'escampe après avoir observé de l'étage une étrange fumée d'un vert sensiblement fluorescent ! Mais outre l'aspect débridé de ses scènes-chocs agréablement épiques, inventives et décomplexées, Mausoleum est renforcé du surjeu des comédiens de seconde zone d'un sérieux inextinguible. Tant auprès de la domestique avinée susnommée, de l'époux de Susan inexpressif d'y décrypter son comportement anormal, du médecin débonnaire étonnamment preux lorsqu'il témoigne de la déliquescence corporelle de Susan, que du jardinier égrillard osant faire la cour à Susan par le biais du clin d'oeil fripon ! Un séquence olé olé pittoresque de par le mimétisme outrancier de ce dernier que l'on retrouvera d'autre part lors de l'ultime twist nonsensique résolument hilarant ! Ainsi, à travers ses postures machistes particulièrement triviales (notamment auprès de l'apparition plus furtive du livreur), Michael Dugan se permet d'y injecter des répliques aussi putanesques dignes d'un "Jacquie et Michel" que s'échangent les mâles en rut avant de forniquer Susan !

Pochette surprise horrifique surfant sur la tendance cartoonesque d'Evil-dead à l'aide d'un budget low-cost, Mausoleum s'extirpe de la nullité grâce à son étonnante générosité et l'évidente sincérité de Michael Dugan féru d'amour pour les bobines horrifiques fluos faisant office de train fantôme. Un témoignage surréaliste de ce que pouvait nous offrir de mieux les années 80 en terme de délire Z expansif, à redécouvrir absolument dans la condition optimale du format HD ! 

*Bruno
2èx

Récompenses: Prix du Jury, Prix de la Meilleure Actrice (Bobbie Bresee) au Festival du film Fantastique de Paris, 1983.

L'Etrange vice de Mme Wardh

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site google.com

"Lo strano vizio della Signora Wardh" de Sergio Martino. 1971. Italie/Espagne. 1h38. Avec George Hilton, Edwige Fenech, Conchita Airoldi, Manuel Gill, Carlo Alighiero, Ivan Rassimov.

Sortie salles France: 14 Juin 1972. Italie: 15 Août 1971

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sergio Martino est un réalisateur, producteur et scénariste italien né le 19 Juillet 1938 à Rome (Italie). 1970: l'Amérique à nu. Arizona se déchaîne. 1971: l'Etrange vice de Mme Wardh. La Queue du Scorpion. l'Alliance Invisible. 1972: Toutes les couleurs du vice. 1973: Mademoiselle Cuisses longues. 1973: Torso. 1975: Le Parfum du Diable. 1977: Mannaja, l'homme à la hache. 1978: La Montagne du Dieu Cannibale. 1979: Le Continent des Hommes poissons. Le Grand Alligator. 1982: Crimes au cimetière étrusque. 1983:2019, Après la Chute de New-York. 1986: Atomic Cyborg. 1989: Casablanca Express. 1990: Mal d'Africa. Sulle tracce del condor.

"C'est précisément l'accent mis sur le commandement: tu ne tueras point, qui nous donne la certitude que nous descendons d'une lignée infiniment longue d'assassins qui avaient le goût du meurtre dans le sang, comme nous l'avons peut-être encore". Sigmund Freud.

Remarquable giallo réalisé par un des maître du genre si bien qu'on lui doit notamment La Queue du Scorpion, l'Alliance Invisible, Toutes les couleurs du Vice, Torso et Ton Vice est une chambre close dont moi seul ait la clef; l'Etrange vice de Mme Wardh bénéficie d'une intrigue solide pour tenir en haleine le spectateur jusqu'au mot Fin. De par la substantialité de son suspense plutôt ciselé et son casting 4 étoiles parmi lesquels George Hilton en amant attentionné, Alberto de Mendoza en époux cocu, Ivan Rassimov en amant vicié (qui plus est renforcé de son physique satanique aux yeux reptiliens !) et surtout l'icone Edwige Fenech en maîtresse plantureuse adepte du SM. Ainsi, si l'Etrange vice... met un peu de temps à se mettre en place durant sa première demi-heure, et ce à travers l'intrusion de 2 meurtres sadiques modestement réalisés (la couleur limpide du sang fait d'ailleurs un peu tâche pour pleinement convaincre), la suite s'avère davantage passionnante lorsque l'héroïne constamment tourmentée par le tueur (puis brimée par son entourage féminin) tente de lui échapper à travers des rebondissements imprévisibles soigneusement charpentés.

Sergio Martino jouant lestement sur le simulacre parmi la diabolique dérision d'une intrigue criminelle ou s'y oppose un triangle d'amants suspects (on peut d'ailleurs désamorcer un certain rebondissement à un moment propice de l'action censée nous interroger sur les véritables motivations d'un d'entre eux). Erotiquement sensuel et osé (pour l'époque) à travers les poitrines dénudées fréquemment mises en valeur, sanglant et brutal au gré de meurtres toujours plus stylisés et impressionnants (dont un superbe jumpscare hyper efficace lorsqu'une main gantée tente de retenir une porte entrebâillée), l'Etrange vice de Mme Wardh demeure un cruel jeu de massacre et de soumission lascive. Notamment à travers le personnage équivoque de Jean livrant depuis toujours une relation masochiste avec sa compagne soumise en proie à une attraction/répulsion à la vue du sang. On peut d'ailleurs relever une superbe séquence onirique lors de sa première partie lorsque les amants s'adonnent à un coït masochiste à travers le fracas d'éclats de verre.

Plutôt convaincant quant à son intrigue machiavélique d'autant plus limpide, et toujours plus surprenant au fil de son suspense expectatif relançant l'action vers des virages diablotins, l'Etrange vice de Mme Wardh se joue de nos pulsions voyeuristes parmi la sensualité torride d'une victime volage qu'Edwige Fenech endosse fébrilement. Entre fragilité démunie et trouble ambiguïté du désir SM. Sublimé par l'élégie musicale de Nora Orlandi, l'Etrange vice... peut sans rougir se targuer d'être un des meilleurs ambassadeurs du Giallo en plein âge d'or des Seventies. 

*Bruno
2èx 

American Gothic

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de John Hough. 1987. U.S.A. 1h30. Avec Rod Steiger, Michael J. Pollard, Yvonne De Carlo, Sarah Torgov, Stephen Shellen, Mark Lindsay Chapman

Sortie salles France: 13 Mai 1988. U.S: Mai 1988

FILMOGRAPHIE: John Hough est un réalisateur anglais, né le 21 Novembre 1941 à Londres.
1969: Wolfshead : The Legend of Robin Hood. 1970: Eyewitness. 1971: Les Sévices de Dracula. 1972: l'île au Trésor. 1973: La Maison des Damnés. 1974: Larry le dingue, Mary la garce. 1975: La Montagne Ensorcelée. 1978: Les Visiteurs d'un Autre Monde. 1978: La Cible Etoilée. 1980: Les Yeux de la Forêt. 1981: Incubus. 1982: Le Triomphe d'un Homme nommé Cheval. 1986: Biggles. 1988: Hurlements 4. 1988: American Gothic. 1989: Le Cavalier Masqué (télé-film). 1990: A Ghost in Monte Carlo (Télé-film). 1992: Duel of Hearts (télé-film). 1998: Something to Believe In. 2002: Bad Karma.

Si on a connu John Hough beaucoup plus inspiré avec ses oeuvres les plus notoires (Larry le dingue, Mary la garce, les Sévices de Dracula, Les Yeux de la Forêt, Incubus et surtout son chef-d'oeuvre la Maison des Damnés), American Gothic est suffisamment ludique et sarcastique pour passer un agréable moment. Satire sur l'intégrisme à mi-chemin entre Massacre à la Tronçonneuse et Mother's day, l'intrigue empile les clichés usuels du psycho-killer (une bande de jeunes échoue sur une île abritée par une famille rétrograde aux us et coutumes psychorigides) avec une sensible efficacité. Notamment en y exploitant quelques trouvailles retorses afin de relancer l'action du survival sous l'impulsion de situations saugrenues (les jeux de la mort que s'encanaillent les adulescents attardés) et d'une victime borderline (car traumatisée par la mort de son nouveau-né) en proie à une vengeance schizophrène lors de son dernier acte. Niveau casting, les jeunes acteurs dénués de charisme font autant preuve de timide retenue que de maladresse à tenter de s'extirper de la mort, quand bien même Rod Steiger et sa compagne Yvonne De Carlo font preuve d'une modeste force de caractère dans leur fonction criminelle bâtie sur le fanatisme religieux. Et pour parachever, on peut s'enjailler des pitreries sardoniques que complotent communément Janet Wright, Michael J. Pollard, William Hootkins en adulescents dangereusement fripons dans leur mode opératoire du zigouillage.
Oubliable certes, mais divertissant.

*Bruno
2èx

Le Peuple des Abîmes

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"The Lost Continent" de Michael Carreras. 1968. Angleterre. 1h33. Avec Eric Porter, Hildegard Knef, Suzanna Leigh, Tony Beckley, Nigel Stock, Ben Carruthers, Dana Gillespie.

Sortie salles France: Inconnu. U.S: 12 Juin 1968

FILMOGRAPHIE: Michael Carreras est un producteur et réalisateur britannique né le 21 décembre 1927 à Londres et mort dans la même ville le 19 avril 1994. 1955 : Eric Winstone's Stagecoach. 1957: The Steel Bayonet. 1961 : Visa to Canton (en). 1961 : La Chevauchée des outlaws. 1963 : Maniac.
1963 : What a Crazy World. 1964 : Les Maléfices de la momie. 1967 : Les Femmes préhistoriques. 1968 : Le Peuple des abîmes. 1971 : La Momie sanglante. 1974 : Un dénommé Mister S.

Aberration filmique portant la signature de la célèbre firme Hammer, Le Peuple des Abîmes laisse le spectateur ébaubi par tant d'idioties aussi bien formelles que narratives. Car il faut bien avouer que le scénario saugrenu écrit par le réalisateur himself patauge à n'en plus finir dans le n'importe nawak en s'inspirant du roman de Dennis Wheatley. De par son amoncellement de séquences surréalistes mises en scène avec un sérieux inébranlable et ses FX caoutchouteux tout droits sortis d'un Kaïju. Et ce en dépit de quelques traits d'humour, probablement pour détendre l'atmosphère hostile, qu'un bout entrain sclérosé extériorise lors de moments inopinément héroïques. Le pitch: transportant sur son cargo de dangereux explosifs inflammables au contact de l'eau, le capitaine Lansen est pris à parti avec une partie de son équipage effrayée à l'idée de trépasser au moment de l'annonce d'une tempête. Echoués sur une étrange île semée de carcasses de bateau, ils font l'horrible découverte d'un peuple de conquistadors gouvernés par un ado monarque fanatique, quand bien même les algues et divers crustacés géants restent aux aguets de chair fraîche.

Passé une première demi-heure d'exposition où ça pérore pas mal, entre sous-intrigues amoureuses et action belliqueuse (la fameuse mutinerie), le Peuple des Abîmes adopte une tournure radicalement épique lorsque les rescapés et leur learder Lansen se posent sur l'île des sargasses. Tant et si bien qu'en pleine cacophonie, ces derniers (d'autant plus marginaux, insolents, véreux ou couards !) n'auront de cesse de combattre des créatures mutantes et les conquistadors plus hostiles que jamais afin d'honorer leur roi féru de sacrifices. De par son intrigue déstructurée, ses digressions peu passionnantes et la sobriété du casting croyant dur comme fer à ce qu'ils endurent (il faut d'ailleurs les voir s'affubler de harnais supportant 2 ballons de baudruche en amont de leurs épaules afin de traverser le sable, et ce, avec sous leur pied des sortes de raquettes pneumatiques pour éviter les algues carnivores !); le Peuple des Abîmes renchérit notre émoi face à un spectacle surréaliste dénuée de dérision (ou alors si peu pour le second-rôle évoqué plus haut). Parfois même violent lors de séquences horrifiques un chouilla complaisantes et timidement érotique (l'amazone dissidente à la poitrine opulente, la blonde nymphette férue de mâles avinés), Le Peuple des Abîmes a de quoi distraire autant que surprendre l'amateur de nanar improbable connaissant la réputation d'une firme aussi notoire que la Hammer.

Ainsi, l'intrigue vrillée à beau sombrer dans le ridicule à force d'outrance, d'incohérences, d'approximations et de situations débridées tous azimuts (le moine jouant en dernier ressort de l'orgue en pleine guérilla incendiaire !), Le Peuple des Abîmes demeure un cocktail explosif d'aventures exotiques lors de son ultime heure belliciste. Quand bien même nous ne connaîtrons jamais la véritable destinée de nos héros passé leur moment de bravoure, à l'instar de cette maraudeuse finalement empathique quant à sa requête désespérée de retrouver son fils en vie. Bref, démentiel, foutraque et fichtrement cocasse. 

*Bruno
2èx

Le Silence qui tue

                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site cult-trash-in-french-dvd-composite.blogspot.com

"The Silent Scream" de Denny Harris. 1979. U.S.A. 1h27. Avec Rebecca Balding, Cameron Mitchell, Steve Doubet, Avery Schreiber, Brad Rearden, Juli Andelman, John Widelock, Yvonne De Carlo, Barbara Steele.

Sortie salles France: 12 Novembre 1980. U.S: 18 Janvier 1980

FILMOGRAPHIE: Dennis Harris est un réalisateur et producteur américain, né le 10 Juillet 1930, décédé le 5 Mars 2007. 1979: Le Silence qui Tue.

Peu connu du public et toujours inédit sous support numérique chez nous, Le Silence qui Tue s'inspire du psycho-killer en vogue initié par Black Christmas et Halloween. Mais c'est plutôt du côté de Psychose qu'il puise sa plus grande influence à travers une trame linéaire beaucoup trop chétive il faut avouer. En gros: une jeune fille trouve refuge dans une grande bâtisse en location parmi l'hospitalité de 3 pèlerins. Accueillie par un étrange tenancier timoré, celui-ci les averti de ne pas déranger sa mère logeant dans une chambre à proximité du grenier. Rapidement, un meurtre brutal ébranle leur tranquillité en marge de la plage. Série B d'exploitation modestement campée par d'attachants comédiens de seconde zone, quand bien même Cameron Mitchell (en flic investigateur) et Barbara Steele (dans un rôle mutique uniquement bâti sur la gestuelle) viennent s'incruster avec discrétion, le Silence qui tue nous offre le minimum syndical à travers ses séquences horrifiques hors-champs épaulées d'un suspense beaucoup trop timoré pour captiver.

Pour autant, avec une évidente indulgence, l'inconditionnel du genre peut y trouver son compte grâce au charme de son ambiance horrifique symptomatique des années 80 (même s'il fut tourné en 79). Tant auprès du jeu amiteux des acteurs, de son cadre côtier estival, de son décorum gothique légèrement magnétique que de ses clichés plaisamment bonnards que l'amateur connait sur le bout des ongles. Qui plus est, sa dernière-heure à la fois révélatrice en diable et fertile en agressions divertit dans un second degré involontairement cocasse, puisque à la lisière de la semi-parodie, de par ces postures outrancières sensées provoquer appréhension ou effroi. Néanmoins, on se laisse dériver jusqu'au bout de cette intrigue machiavélique faisant intervenir la thématique de la famille dysfonctionnelle avec autant de maladresse que de bonnes intentions pour provoquer l'émoi. Bougrement dommageable donc que l'intrigue étique n'eut pu faire preuve de plus de densité, de vigueur et d'angoisse palpable lorsque les potentielles victimes sont sur le point de trépasser. Ce sera d'ailleurs l'unique essai derrière la caméra de Denny Harris disparu en 2007 pour une raison qui m'échappe.

A découvrir avec curiosité, uniquement chez les inconditionnels du genre.

*Bruno
3èx