Aliens, le Retour (Aliens)

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine

de James Cameron. 1986. U.S.A. 2h17 (Version Cinema) / 2h34 (Director's Cut). Avec Sigourney Weaver, Michael Biehn, Carrie Henn, Lance Henriksen, Paul Reiser, Bill Paxton.

Sortie salles France: 8 Octobre 1986. U.S: 18 Juillet 1986

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada). 1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

Si Ridley Scott innova en matière de space-opera horrifique avec son modèle matriciel Alien, James Cameron en exploite ici le concept sous une facture autrement belliqueuse : Aliens mise autant sur le film de guerre que sur l’horreur tentaculaire d’une hostilité organique démultipliée en masse. Épaulée de Ripley, une escouade de marines et un androïde charitable ont pour mission de gagner la planète LV-426 depuis qu’un groupe de colons s’est volatilisé. Enrôlés à la rescousse, armés jusqu’aux dents, ils livreront une bataille sans merci contre des Xénomorphes innombrables, toujours plus vicieux, voraces dans leurs stratégies meurtrières. Film d’action pur et dur, mis en scène avec une maestria implacable, Aliens, le Retour prend le contre-pied de son modèle, concentré d’angoisse diffuse et de suggestion, pour s’ériger aujourd’hui en blockbuster homérique d’une intensité insatiable. Avec intelligence et efficacité, Cameron mobilise le potentiel épique de son histoire au service de la vulnérabilité de ses personnages - quand bien même un traître à bord s’acharne à compromettre la mission pour ramener un spécimen sur Terre.

Sur le mode opératoire du survival, nos combattants, d’abord aveuglés par une menace insidieuse, redoublent de vigilance pour débusquer les Aliens tapissant souterrains et plafonds de galeries. Cameron tire à merveille parti de l’aspect anxiogène de ce refuge industriel, de ses laboratoires et navettes spatiales plongés dans un crépuscule permanent. La première partie mise sur l’attente exponentielle d’un danger sous-jacent, de plus en plus tangible, donc éminemment oppressant. Pour densifier l’enjeu humain, la découverte d’une survivante enfantine, adoptée par le commando, éveille chez Ripley un instinct maternel - elle qui venait d’apprendre la mort de sa propre fille après cinquante-sept ans d’hypersommeil ! Le cinéaste exploite cette complicité tendre pour les éprouver à une suite de périls soudains, alarmistes, éreintants. Enfin, dans un chaos d’incidents techniques — navette de secours pulvérisée, réacteur nucléaire prêt à imploser -, nos baroudeurs persistent, déployant stratégies défensives et offensives pour contrer l’envahisseur. Un occupant décuplé : des centaines d’Aliens se ruent pour les exterminer dans une voracité toujours plus véloce ! Cette alternance de suspense suffocant, d’horreur organique et d’action spectaculaire est charpentée avec une précision d’orfèvre, tenant le spectateur en état d’alerte - jusqu’à l’apothéose : le corps à corps titanesque de Ripley contre la reine Alien ! Le caractère bien trempé de chacun imprime le récit d’une bravoure, d’un honneur et d’un sens du sacrifice admirables.

"Ne la touche pas, sale pute !"
Modèle de mise en scène au scalpel, Aliens, le Retour conjugue horreur insidieuse et action guerrière avec un réalisme d’une intensité vertigineuse. Il en surgit un grand huit jouissif, dominé par la prestance virile d’une Sigourney Weaver humble et hardie, mère et guerrière à la fois. Formellement fascinant — scénographie spatiale humide, rubigineuse, effets spéciaux encore bluffants - ce chef-d’œuvre homérique est enfin transcendé par les percussions échevelées de James Horner.

*Bruno

4èx

Récompenses: Oscars du Meilleur Montage Son et des Meilleurs Effets visuels en 1986
Prix Hugo: Meilleur Film en 1987

Kinema Junpo Awards: Meilleur Film Etranger

Saturn Awards: Meilleur Film de Science-Fiction

Le p'tit mot de Laurent !
"Aliens le retour ! du lourd, du très lourd ! C'est vrai que James Cameron n'est pas du genre à filmer des grille-pain pendant une heure sous tous les angles mais plutôt des usines entières ! Après une décennie de d'hégémonie du space op' type Guerre des Etoiles, Cameron nous rappelait que les hommes n'iraient pas dans l'espace seulement comme des rêveurs idéalistes mais y transporteraient leurs arsenaux (du métal perforant, du nucléaire) leurs idéologies (libéralisme, techno-militarisme) et leurs pathologies(névroses, psychose et autres blessures). A part le film "Outland" je ne connais pas d'autres films du genre aussi politiquement explicites(2001,Solaris, Silent Running datant d'avant 1977, il me semble).
Mais l'ami James n'est pas un moraliste, ni un donneur de leçons, c'est un véritable artiste qui n'oublie jamais que le cœur reste la plus fascinante des machines.
Ici, au centre de son immense mécano en voie de détérioration, au milieu des jets de vapeurs et d'acides, au bord du gouffre et de l'autodestruction, quand le cancer gagne, quand la folie guette, il nous bouleverse en faisant de l'attachement (mère/enfant) une condition essentielle de la survie de notre humanité."

Les critiques des autres opus: 

Alien, le Huitième Passager: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/04/alien-le-huitieme-passager.html
Alien 3: http://brunomatei.blogspot.com/2011/09/alien-3.html
Alien, la Résurrection: http://brunomatei.blogspot.com/2011/08/alien-la-resurrection.html

La Dernière Vague. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 78.

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site solium.ru

"The Last Wave" de Peter Weir. 1977. Australie. 1h46. Avec Richard Chamberlain, Olivia Hamnett, David Gulpilil, Frederick Parslow, Vivean Gray, Nandjiwarra Amagula, Walter Amagula.

Sortie salles France: Novembre 1977. Australie: 15 Décembre 1977

FILMOGRAPHIE: Peter Weir est un réalisateur australien, né le 21 Août 1944, à Sydney, Australie. 1974: Les Voitures qui ont mangé Paris. 1975: Pique-nique à Hanging Rock. 1977: La Dernière Vague. 1981: Gallipoli. 1982: l'Année de tous les Dangers. 1985: Witness. 1986: Mosquito Coast. 1989: Le Cercle des Poètes Disparus. 1990: Green Card. 1993: Etat Second. 1998: The Truman Show. 2003: Master and Commander. 2011: Les Chemins de la Liberté.

                                         

Fleuron de l'âge d'or du fantastique australien, la Dernière Vague est aujourd'hui souvent réduit au mutisme auprès des fans du genre, alors que le jeune public en ignore son existence faute de son invisibilité sur nos écrans. Pourtant couronné du Prix Spécial du Jury à Avoriaz et depuis sorti en Dvd chez nous dans un superbe coffret regroupant 4 films fondateurs de Peter Weir, La Dernière Vague symbolise avec subtilité un fantastique éthéré autour de visions d'apocalypse, entre rêve prémonitoires et réalité pessimiste. Le pitch: A Sydney, à la suite du meurtre d'un aborigène, un avocat tente de défendre cinq accusés mis en cause par ce lynchage communautaire. Au fil de son investigation, David Burton va être assujetti à d'étranges rêves témoignant des rites ancestraux d'une tribu aborigène. Et pour endosser l'avocat en perte de repère et en perdition existentielle, il est étonnant de retrouver ici le bellâtre acteur des Oiseaux se cachent pour mourir au sein d'une oeuvre indépendante aussi métaphysique que déroutante ! De par son rythme apathique réfutant le spectacle d'envergure et son atmosphère irréelle  émanant d'une imagerie onirico-crépusculaire. 

Si la première partie prodigue un certain effort pour accepter la monotonie ambiante du héros en perpétuel questionnement sur l'idéologie aborigène, la suite s'avère toujours plus captivante lorsqu'il tente de démystifier le rite tribal d'un meurtre commis en réunion. Ainsi, à travers cette étrange intrigue dénonçant la colonisation de l'homme blanc sur le peuple aborigène, la Dernière Vague fait appel à la tradition de "l'âge d'or", au respect tribal et à leur éthique, là où l'importance du rêve accorde une grande place pour y surveiller le climat de notre environnement. Et s'il y a trahison d'un de leur membre, le coupable en est sévèrement châtié par le pouvoir de la sorcellerie ! Cette race d'esprits que l'on prénomme ici "Mulkurul" a comme devoir d'y prédire l'avenir à travers les songes et d'imposer leur nouvelle présence lorsque la nature cyclique est sur le point de s'y renouveler ! Traversé de séquences impressionnantes (mais concises !) d'intempéries diluviennes, de tempêtes de grêle et de pluie noire, le film emprunte la voie métaphorique de Dame Nature se rebellant contre l'irrespect de l'homme moderne réfractaire aux anciennes religions et depuis condamnées à l'oubli. Une ambiance d'apocalypse y est alors distillée de par la suggestion de prédictions cauchemardesques auquel un homme blanc tentera  d'interférer parmi la télépathie d'un aborigène pour y percer leurs secrets. Tel ce potentiel achèvement de notre monde venu purifier de nos pêchers toutes formes de civilisations ! Par la force d'images sensitives où l'eau y symbolise autant la pureté que l'élément déclencheur d'une violence climatique, la Dernière Vague fait appel à la puissance d'évocation, au sens de la suggestion afin d'anticiper une angoisse latente toujours plus pessimiste ! 

Le Nouveau Monde

Réflexion métaphysique sur une perpétuelle renaissance existentielle et sur le rapport spirituel des rêves, La Dernière Vague fait appel au déchaînement de la nature pour nous rappeler son omnipotence face à notre égocentrisme. Epaulé du score lancinant de Charles Wain, d'une photo naturelle et de l'interprétation habitée d'un Richard Chamberlain transi d'émoi (sans doute son meilleur rôle !), cette enquête mystique aussi fascinante qu'inquiétante laisse en exergue une vision plutôt crépusculaire de notre avenir. Et ce avant qu'un nouveau monde n'éclot... Chef-d'oeuvre.

*Bruno 

07.10.20. 

23.06.23. 5èx

Récompenses: Prix Spécial du Jury à Avoriaz en 1978

Meilleure Photographie, Meilleur Son lors des Australian Film Institute Awards, 1978

Meilleur Acteur, Richard Chamberlain au Festival du film de Catalogne, 1982.

                                    

La Morte-Vivante

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site t411.me

de Jean Rollin. 1982. France. 1h29. Avec Marina Pierro, Françoise Blanchard, Mike Marshall, Carina Barone, Jean-Pierre Bouyxou.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin), 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Dans la mouvance du gore transalpin qui éclaboussa les écrans à l’orée des années 80, Jean Rollin profite du filon commercial pour mettre en scène La Morte-Vivante. Une série Z franchouillarde, truffée de maladresses et d’incohérences, mais néanmoins rattrapée par une thématique déjà explorée avec force par le magnifique Moi, zombie, chronique de la douleur et Le Jour des morts-vivants : la résurgence d’une conscience à travers le regard d’un zombie.

Synopsis: Après avoir déposé des fûts toxiques dans la crypte d’un château, trois hommes réveillent l’âme de la défunte Catherine Valmont. Livrée à sa nouvelle déchéance, elle tue de sang-froid les intrus, mue par un instinct sanguinaire. Seule dans le château, Catherine se replie sur ses souvenirs d’enfance, se remémorant Hélène, son amie la plus chère, avec qui elle partageait une complicité fusionnelle.

Produit commercial surfant sur la vague des zombie movies impulsée par Fulci, Lenzi, Bianchi et consorts, La Morte-Vivante exploite avant tout l’explicite de ses situations gores, émanant du comportement erratique d’une héroïne avide de sadisme et de sang frais. À l’aide de trucages en latex rudimentaires mais efficaces, Rollin ne lésine pas sur le racolage, filmant en gros plan plaies béantes et chairs déchiquetées. Porté par des comédiens inexpressifs et une réalisation approximative, le film prête souvent à sourire par son aspect aussi ridicule que fauché. Or, la sensibilité singulière de son auteur finit par capter l’attention, nous entraînant dans le cheminement indécis d’une morte-vivante victime de sa condition meurtrière et de son isolement.

Autour de son errance nocturne et de la relation tendre qu’elle renoue avec son amie d’enfance, émergent les thèmes de l’amour, de la réminiscence, de l’amitié, du sacrifice et du sentiment, lovés dans l’intimité fragile de deux femmes compromises par une dérive sanguinaire. Les rôles s’inversent alors : Catherine, gagnée par une forme de conscience et de sensibilité, se détourne de ses exactions morbides, tandis qu’Hélène persévère dans l’avilissement, prête à sombrer pour combler le vide existentiel de sa compagne.

Liens d’amour et de sang

En dépit de son amateurisme et de ses inévitables maladresses parfois risibles, La Morte-Vivante parvient à divertir et attendrir, nimbée d’un romantisme funèbre porté par une zombie livide, vêtue de blanc. Si sa dimension psychologique reste maladroitement exploitée et que la fadeur des comédiens lui nuit, on s’attache néanmoins à la destinée singulière de Catherine, fantôme abandonné de Dieu comme de la mort. Un film intimiste à réserver aux inconditionnels du cinéma personnel et imparfait de Jean Rollin.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

26.12.25. 3èx

Spectre / The Boogeyman

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Ulli Lommel. 1980. U.S.A. 1h22. Avec Suzana Love, Ron James, John Carradine, Nicholas Love, Raymond Boyden, Felicite Morgan.

Sortie salles France: 15 Juillet 1981. U.S: 11 Juillet 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Ulli Lommel est un réalisateur, acteur et scénariste allemand, né le 21 Décembre 1944 à Sulecin (Pologne). 1973: La Tendresse des Loups. 1979: Cocaïne Cowboys. 1980: Spectre. 1980: Blank Generation. 1983: The Devonsville Terror. 1983: Mad Night. 1983: Boogeyman 2. 1985: A la poursuite de la pierre sacrée. 1986: Overkill. 1989: Top Gun Sacrifice. 1994: Marilyn my love. 1997: Alien X Factor. 1998: Bloodsuckers. 2005: Zodiac Killer. 2005: B.T.K Killer. 2006: The Raven. 2007: Borderline Cult. 2007: Curse of the Zodiac. 2007: The Tomb. 2008: Son of Sam. 2008: Dungeon Girl.

"Une graine (maudite) de film culte que ce psycho-killer surnaturel." 

Série B bisseuse des années 80 totalement oubliée de nos jours, Spectre rencontra le succès lors de sa sortie en salles US et durant son exploitation vidéo dans l'hexagone. Réalisé par Uli Lommel, cinéaste prolifique comptabilisant une cinquantaine de films à son curriculum, le film surfe sur le succès en vogue du psycho-killer initié par Halloween ainsi que le film sataniste inspiré de l'Exorciste et d'Amityville (la demeure familiale de nos héros ressemble d'ailleurs étrangement à celle des Lutz). 

Ainsi, ce curieux mélange des genres aurait pu sombrer dans la gaudriole s'il n'eut bénéficié d'une idée aussi originale que retorse, alors que son ambiance inquiétante nous plonge avec délice dans un univers susceptible. Car par l'entremise d'un miroir brisé, le fantôme d'un tortionnaire d'enfants revient ici d'entre les morts pour se venger d'eux et de leurs proches. 

L'intrigue débutant avec un prologue particulièrement sordide lorsqu'un frère et une soeur, Lacey et Willy, sont à nouveau les souffres douleurs d'un beau-père pervers parmi le témoignage complice de leur mère. En particulier Willy retrouvé enchaîné sur son lit pendant que les bourreaux copulent dans la pièce d'à côté. Finalement libéré par sa soeur cadet, il se précipite dans leur chambre pour poignarder sauvagement son beau-père à plusieurs reprises. 

20 ans plus tard, nous retrouvons Lacey et Willy hébergés chez leurs grands-parents mais profondément déstabilisés par cette sanglante tragédie. Alors que Lacey trouve le soutien auprès de son mari Kevin, Willy se terre dans le mutisme depuis son exaction criminelle. Mais afin d'exorciser leurs démons, Lacey décide tout de même de retourner dans la maison de leur enfance en se confrontant au fantôme du beau-père dans le reflet d'un miroir. 

Ce pitch à la limite du grotesque réussit miraculeusement à éviter le ridicule de par la persuasion du sentiment de danger et l'efficacité de sa réalisation oscillant entre l'expectative du suspense et les altercations morbides. Tant auprès de l'accomplissement des meurtres aussi inventifs que sanglants, de l'ambiance glauque agréablement diffuse que de la conduite soutenue du récit, Spectre parvient donc à captiver par le biais d'une hostilité invisible particulièrement sournoise. Et pour renforcer et avertir la sensation de danger, un soupir lourd nous est imposé durant ses déplacements en caméra subjective, quand bien même le score envoûtant de Tim Krog amplifie ce trouble sentiment de présence irréelle. 

Et si le manque de cohérence de certains personnages s'y fait parfois sentir dans leur apathie de stupeur et que l'approximation des dialogues avait gagné à être mieux argumenté (bien qu'on a largement vu pire ailleurs), la bonne volonté des comédiens réussit tout de même à insuffler une réelle sympathie à travers leur fonction de victimes éprouvées et leur bravoure de dernier ressort (le final délirant s'avérant explosif pour leur combat opposé aux forces du Mal).

Grâce à son ambiance ombrageuse plutôt palpable, sa photo soignée, son score lancinant et l'originalité d'un pitch détonnant, Spectre réussit à provoquer charme et sympathie à travers un esprit naïf de bisserie délicieusement rétro. A préconiser aux nostalgiques de l'époque, le film étant aujourd'hui encore plus attachant dans sa sincérité maladroite mais assez efficace et semé de trouvailles si bien que l'on s'amuse à se surprendre de ses effets chocs escomptés. Enfin, notons également l'apparition clin d'oeil de David Carradine dans un rôle avenant de psychiatre sclérosé.

Dédicace à Adrien Pennequin et remerciement à Uncut Movies et Lupanars visions
Bruno Matéï
04/02/22/ 4èx

L'ETRANGE COULEUR DES LARMES DE TON CORPS

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Bruno Forzani et Hélène Cattet. 2014. France/belgique/Luxembourg. 1h41. Avec Klaus Tange, Jean-Michel Vovk, Sylvia Camarda, Sam Louwyck, Anna D'Annunzio.

Sortie salles France: 12 Mars 2014

FILMOGRAPHIE: Bruno Forzani et Hélène Cattet sont un couple de cinéastes français résidant à Bruxelles.
2010: Amer. 2013: L'Etrange couleur des Larmes de ton corps.

Après leur premier coup d'essai Amer qui avait tant divisé son public, le duo Forzani/Cattet réexplore l'univers du giallo auteurisant à coup de stylisme alambiqué et d'expérimentation sensorielle. Un téléphoniste rentre dans son appartement et découvre que sa femme a disparu. Perdu dans sa solitude, il tente de la retrouver dans son immeuble parmi la compagnie de voisins interlopes et parmi l'étrangeté de sons stridents. 

Autant prévenir de suite, tous les spectateurs qui avaient été frustrés par l'hermétisme de l'intrigue en triptyque d'Amer risquent à nouveau de faire grise mine avec l'Etrange couleur des larmes de ton corps ! Notre couple de cinéastes continuant de verser dans l'expérimental et de pousser au paroxysme une imagerie sensuello-morbide imbriquée dans une trame aussi vertigineuse que nonsensique. C'est du moins mon ressenti personnel en tant que témoin d'un premier visionnage auquel il sera ici impossible de disserter de manière objective ! Le film se révélant à nouveau une expérience sensitive encore plus aboutie d'un point de vue stylisé et plus organique dans la manière vénéneuse dont les auteurs exploitent un dédale d'obsessions du corps féminin et du regard oculaire avant les coups de lames acérées. Formellement sublime dans sa maîtrise picturale (les cadrages tarabiscotés accumulent avec frénésie les prouesses techniques !) magnifiant la présence suspicieuse des protagonistes comme celle de sa scénographie art-déco, l'Etrange couleur des larmes de ton corps fait appel au sens olfactif, au tactile et à l'ouïe (la BO vintage honore des tubes transalpins quand bien même les bruitages stridents ne cessent de nous agresser !). De cette fantasmagorie baroque et sexuelle émane une confusion (volontaire) d'écriture pour mieux nous égarer dans un labyrinthe de paranoïa où inceste, sadomasochisme et fétichisme sont étroitement liés.

Fascinant et agaçant à la fois, de par l'incompréhension de l'intrigue, la multiplicité des plans rapides et l'attitude équivoque des protagonistes surgis parfois de nulle part, l'Etrange couleur des larmes de ton corps s'avère une expérience fulgurante dans son maelstrom de séquences hallucinées faisant office d'anthologie atypique. Inévitablement, cette expérience avec l'art du cinéma déchaînera une fois de plus les passions comme celle des déceptions. Mais aussi abstrait et nébuleux, ce giallo néo-surréaliste pourrait à nouveau séduire et éclaircir l'interrogation du spectateur au fil d'autres visionnages. Et quitte à insister, l'hypnose impartie au florilège de séquences oniriques n'a jamais été contemplé de manière aussi symétrique sur la toile !

Bruno Matéï

LES GARDIENS DE LA GALAXIE (Guardians of the Galaxy)

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site dailymars.net

de James Gunn. 2014. U.S.A. 2h01. Avec Chris Pratt, Zoe Saldana, David Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Lee Pace, Michael Rooker, Karen Gillan, Djimon Hounson, John C. Reilly, Glenn Close, Benicio Del Toro.

Sortie salles France: 13 Août 2014. U.S: 1er Août 2014

FILMOGRAPHIE: James Gunn est un réalisateur, scénariste, acteur, producteur et directeur de photo, né le 5 Août 1970 à Saint Louis, dans le Missouri (Etats-Unis). 2006: Horribilis. 2010: Super. 2013: My Movie Project (Segment: Beezel). 2014. Les Gardiens de la Galaxie.

Dixième film consacré à Marvel, les Gardiens de la Galaxie est l'adaptation du Comic éponyme créé en 1969. James Gunn nous narrant ici les exploits du terrien Peter Jason, enlevé par des extra-terrestres dès son plus jeune âge, et devenu depuis un marginal parmi une équipe de mercenaires. Après avoir découvert l'Orbe sur la planète Morag, un objet convoité par le dictateur Ronan et Thanos le Titan, Peter va devoir faire équipe avec quatre chasseurs de prime et se livrer à une guerre sans merci pour sauver de l'apocalypse la planète Xandar. Car depuis un concours de circonstances périlleuses, telle leur détention houleuse en interne d'un pénitencier, l'Orbe va revenir entre les mains de Ronan et déclencher l'inévitable offensive. Blockbuster estival estampillé tous publics, les Gardiens de la Galaxie joue la carte du divertissement homérique à travers ses batailles spatiales héritées de Star Wars et ses combats martiaux furtifs influencés par le jeu-vidéo. Bourré de séquences spectaculaires et de gadgets inventifs dans un univers flamboyant des plus dépaysants, l'intrigue cousue de fil blanc se condense à une lutte entre le Bien et le Mal, un enjeu belliqueux pour la sauvegarde de l'humanité. En dépit de cette histoire éculée à la forte impression de déjà vu, le film réussit à provoquer l'amusement par son esprit décomplexé d'humour décalé émanant de situations farfelues et par l'extravagance de personnages indécis. 

Prioritairement le raton laveur génétiquement modifié, Rocket, au caractère entêté, et son adjoint, Groot, un arbre humanoïde toujours à l'affût du moindre danger pour le protéger. Outre la solidarité de ses compères unis par la confiance, il y a également Gamora, ancienne partisane de Ronan, reconvertie aujourd'hui en gardienne afin de détruire l'Orbe, puis enfin, Drax, un colosse avide de vengeance depuis la mort de sa femme et de sa fille. Ses quatre mercenaires vont finalement prêter main forte au terrien Peter après avoir essuyé plusieurs conflits d'autorité et de divergence vis à vis de l'Orbe, objet sphérique pourvu d'un pouvoir destructeur. Grâce à la loyauté de leur leader, ils vont apprendre à transgresser leur peur et leur faiblesse dans une cohésion fraternelle. Emaillés de séquences poétiques (la situation précaire de Gamora éjectée dans l'espace, le final fulgurant !) ou de moments d'émotion prude (la séquence d'ouverture dévoilant la condition cancéreuse de la mère de Peter, le cadeau d'adieu de ce dernier dévoilé en épilogue), Les Gardiens de la Galaxie n'oublie pas la dimension humaine de ces justiciers prônant les valeurs familiales, de camaraderie, du courage, du pardon, d'amour et du sens du sacrifice.

Malgré l'aspect rebattu de son scénario prémâché, Les Gardiens de la Galaxie réussit à émouvoir et divertir par l'entremise d'un récit initiatique moins anodin qu'il n'y parait. A l'instar de sa plaidoirie contre la dictature des guerres et de l'injustice. Haut en couleurs, rafraîchissant, plein d'humour et de vitalité, il s'en détache un capital sympathie infaillible pour son ode musicale à l'évasion. 

Dédicace à Stéphane Passoni
Bruno Matéï

Patrick

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Richard Franklin. 1978. Australie. 1h52. Avec Robert Thompson, Susan Penhaligon, Robert Helpmann, Rod Mullinar, Bruce Barry, Julia Blake, Helen Hemingway

Sortie salles France: 9 Mai 1979. Australie: 1er Octobre 1978

FILMOGRAPHIE: Richard Franklin est réalisateur et producteur australien, né le 15 Juillet 1948 à Melbourne (Australie), décédé le 11 Juillet 2007. 1972: Belinda. 1973: Loveland. 1975: The True Story of Eskimi Nell. 1976: Fantasm. 1978: Patrick. 1981: Déviation Mortelle. 1983: Psychose 2. 1984: Cloak and dagger. 1986: Link. 1991: FX 2, effets très spéciaux. 1994: Un Agent très spécial (télé-film). 1995: Hotel Sorrento. 1996: Brillliant Lies. 1997: One way Ticket (Télé-film). 1999: Le monde perdu de Sir Arthur Conan Doyle: la découverte (télé-film). 2003: Visitors.

Quel étrange ovni que ce Patrick, production australienne récompensée du Grand Prix à Avoriaz en 1979, alors que ses compères Halloween et Phantasm écopent successivement du Prix de la Critique et du Prix Spécial du Jury. Un préjudice porté au classique onirique de David Schmoeller, Tourist Trap, puisque passée dans l'indifférence des membres du Jury présidés par Roger Corman. Prochainement responsable du sympathique Déviation Mortelle et des excellents Psychose 2 et Link (son meilleur film !), Richard Franklin aborde le thème de la psychokinésie à travers le châtiment d'un patient de 24 ans plongé dans un coma à la suite du meurtre de sa mère et de son amant. Synopsis: Soigné dans l'institut privé du Dr Roget, praticien cruel délibéré à le maintenir en vie afin de démystifier les secrets de la mort, Patrick est chaudement accueilli par l'infirmière néophyte, Katy Jacquart. Epris d'affection à travers leur complicité de confiance, ils vont entretenir une curieuse relation amicale en communicant avec une machine à écrire. Mais des phénomènes paranormaux toujours plus violents vont ébranler la sérénité de l'infirmière et de son entourage, Patrick étant maladivement jaloux de ses relations extraconjugales. 

Alliant le surnaturel et la romance entre l'infirmière empathique et le tueur nanti de pouvoirs télékinésiques, Patrick est une étrange curiosité pourvue d'une intrigue intéressante (l'impuissance d'un criminel alité transcendée par ses pouvoirs paranormaux et provoquant le malheur des autres à distance !) et d'une certaine efficacité auprès de son évolution narrative davantage opaque. On peut toutefois préciser que la même année Jack Gold exploitera avec plus d'habileté, de rythme et de maîtrise le même concept avec le spectaculaire la Grande Menace. Et si l'intrigue insolite se laisse ici efficacement suivre de par la sincérité d'une mise en scène s'efforçant de bien faire et du jeu attachant des acteurs au physique standard, la langueur de son rythme pourrait peut-être démotiver une partie des spectateurs de par son absence d'action si on élude 2/3 scènes chocs assez réussies vers l'ultime demi-heure. Outre l'aimable bonhomie de la jeune actrice Susan Pehhaligon en infirmière avenante et affirmée s'efforçant de comprendre son patient solitaire, la présence équivoque de Robert Thompson en tueur mutique habité d'un regard aussi figé qu'impassible parvient constamment à instaurer un climat d'inquiétude, notamment à travers leurs sentiments ambigus d'amour et de rancoeur. 

Petit film fantastique adulte réfutant le gore et le grand-guignol si bien que la suggestion est de rigueur, Patrick parvient à éveiller l'intérêt par son propos original et l'étrangeté de son ambiance surnaturelle  ne ressemblant à nulle autre. Il y émane une sympathique curiosité redoutablement étrange que les nostalgiques de la sacro-sainte VHS (merci VIP) auront encore plaisir à suivre. 

Bruno Matéï

11/11/14

21/04/02

28.02.23. 4èx. Vf

Récompense: Grand Prix à Avoriaz en 1979

Dolls / Les Poupées

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site thelightningbugslair.com

de Stuart Gordon. 1987. U.S.A. 1h17. Avec Carolyn Purdy-Gordon, Patrick Williams Ian, Carrie Lorraine, Guy Rolfe, Hilary Mason, Bunty Bailey, Cassie Stuart, Stephen Lee.

Sortie salles U.S: Mars 1987

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago (Illinois). 1979: Bleacher Bums (télé-film). 1985: Ré-Animator. 1986: Aux portes de l'au-delà. 1987: Dolls. 1988: Kid Safe (télé-film). 1990: Le Puits et le Pendule. 1990: La Fille des Ténèbres. 1990: Robojox. 1993: Fortress. 1995: Castle Freak. 1996: Space Truckers. 1998: The Wonderful ice cream suit. 2001: Dagon. 2003: King of the Ants. 2005: Edmond. 2005: Masters of Horro (le cauchemar de la sorcière - Le Chat Noir). 2007: Stuck. 2008: Fear Itself. 

Le pitch : Sur une route de campagne isolée, une fillette, son père et la maîtresse de celui-ci trouvent refuge dans un manoir pour s’abriter de l’orage. Chaleureusement accueillis par le couple de propriétaires, ils sont bientôt rejoints par un routier flanqué de deux punkettes. Mais dans la nuit, d’étranges événements viennent troubler la quiétude des hôtes…

Après la révélation Re-Animator et le non moins excellent From Beyond, Stuart Gordon s’attelle au conte de fées pour adultes avec Dolls. Une petite production soigneusement fignolée, portée par la limpidité inspirée du récit, le charisme des comédiens en roue libre, et surtout par l’apparence enfantine des poupées douées de vie. Réalisées pour la plupart en stop-motion, ces jouets minimalistes dégagent une aura à la fois machiavélique et onirique : derrière leur fausse candeur, leurs déplacements engendrent une violence sardonique sur des victimes démunies.

Mieux encore, avec l’autorité d’un maître artisan, Gordon les caractérise dans un apparat manuel, témoin d’un patrimoine séculaire. À travers cette fable en forme de plaidoyer pour le droit au rêve et à l’enfance enfouie, il rend hommage à la magie des jouets, mêlée ici à l’occultisme de vieillards tapissés dans un manoir gothique. Si le scénario linéaire s’articule autour des exactions de poupées vengeresses, punissant la cruauté des adultes abusifs, la mise en scène, elle, nous saisit par l’efficacité d’un conte détourné, gorgé de dérision macabre. En prime, le charme des personnages (la bouille candide de Judy, épaulée par son nouvel allié Ralph ; l’ambivalence bienveillante du vieux couple) suscite une réelle empathie — et même une bonhomie naïve — à se laisser attendrir par l’alchimie de ces jouets après en avoir frissonné.

La Plus longue nuit du Monde ! 

Éloge de l’amour des jouets et de la magie de l’enfance imprimée en chacun de nous (du moins, pour ceux qui ont su la préserver !), Dolls renoue avec une épouvante archaïque, transposée dans un écrin moderne où sang, angoisse et humour noir font bon ménage. Il s’en dégage un pouvoir de fascination tenace, au fil du cheminement inquiétant de nos héros confrontés à la vendetta des poupées — d’autant que la qualité des trucages renforce la dimension démoniaque de leur autonomie. Conte gothico-surnaturel, Dolls transcende l’amour de la série B avec charme, frissons et tendresse, en une plaidoirie sincère pour l’éducation des enfants… et l’apprentissage nécessaire de leurs peurs. 

*Bruno 

19.05.25. Vost. 5èx

10.11.14
24.06.10

La Rose de fer

                                                             Photo emprunté sur Google 

de Jean Rollin. 1973. France. 1h20. Avec Françoise Pascal, Hugues Quester, Natalie Perrey, Michel Delesalle, Mireille Dargent (sous le nom de "Dily D'Argent"), Jean Rollin.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin, 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Franc-tireur du fantastique français des seventies, Jean Rollin n’a jamais réellement gagné les faveurs du public ni de la critique dans notre cher pays, frileux envers le genre, malgré une poignée d’aficionados reconnaissant en lui la patte d’un auteur singulier, adepte d’atmosphères onirico-sensuelles. À l’inverse, des cohortes de fans d’Outre-Manche continuent de lui vouer un véritable culte autour de sa filmographie fantastique ; rappelons d’ailleurs que le cinéaste œuvra aussi dans la pornographie afin de renflouer ses échecs commerciaux récurrents. Réalisé en 1973, La Rose de Fer ne déroge pas à la règle du fiasco critique et public, alors même qu’il s’agit pourtant de l’une de ses œuvres les plus personnelles et envoûtantes, loin s’en faut. Le récit, volontairement linéaire, suit l’errance nocturne d’un couple d’amoureux dans un cimetière de Picardie - à Amiens plus précisément, non loin de chez moi.

Durant toute une nuit, les amants arpentent les allées, cherchant en vain l’issue. Peu à peu, l’angoisse de ce lieu morbide gangrène leur relation, jusqu’à ce que la jeune femme se laisse envahir par l’ivresse d’une douce démence, en résonance intime avec les morts. Séduite par l’aura spirituelle émanant des pierres tombales et par le silence paisible qui règne dans l’air, elle finit par communier avec les âmes des défunts, improvisant quelques pas de danse, allant jusqu’à enlacer un crâne pour leur témoigner son amour. Éloge de la mort et de l’éternité nocturne, La Rose de Fer se love dans un climat onirique de huis clos gothique, parmi sculptures de pierre et caveaux funéraires. C’est une véritable promenade avec l’au-delà que nous propose Jean Rollin, portée par son rythme languissant - sans jamais ennuyer - et par la complicité naturelle de comédiens semi-amateurs, étonnamment convaincants, à commencer par Françoise Pascal, d’une innocence discrètement fougueuse. La réalisation bricolée, parfois traversée d’images fantasmagoriques en clair-obscur saisissant, conjuguée à un jeu d’acteurs presque improvisé, distille un charme trouble, embarquant le spectateur dans un requiem de la solitude. Bien sûr, pour se laisser happer par cette expérience mystique, il faut accepter la monotonie et la maladresse - si attachantes - de l’ensemble, et surtout épouser le style très particulier de Jean Rollin, cédant volontiers au non-sens pour mieux nous perdre dans son univers de fantasmes et d’érotisme délectable.

"Songe d’une pierre tombale."
Beau, envoûtant, parfois bercé par une musique lancinante ou soudain dissonante, La Rose de Fer est un étrange voyage au royaume des morts, une promenade spirituelle en leur compagnie, où la douceur de la nuit finit par nous convaincre de la paix de leur repos éternel. Un superbe poème sépulcral, aussi fascinant que singulier - surtout au sein du paysage hexagonal. Probablement mon film préféré de la carrière de Jean Rollin.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Dédicace à Daniel Aprin et Mathias Chaput

13/12/25. 3èx

BONNIE AND CLYDE

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site notapaxamericana.wordpress.com

d'Arthur Penn. 1967. U.S.A. 1h51. Avec Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hackman, Estelles Parsons, Michael J. Pollard, Denver Pyle, Dub Taylor, Evans Evans, Gene Wilder.

Sortie salles France: 8 Novembre 1967. U.S: 13 Août 1967

Récompenses: Oscars 1968. Meilleure Actrice de second rôle, Estelle Parsons.
Meilleure Photographie: Burnett Guffey

FILMOGRAPHIE: Arthur Penn est un réalisateur américain, né le 27 Septembre 1922 à Philadelphie, décédé le 28 Septembre 2010 à Manhattan, New-York.
1958: Le Gaucher. 1962: Miracle en Alabama. 1965: Mickey One. 1966: La Poursuite Impitoyable. 1967: Bonnie and Clyde. 1969: Alice's Restaurant. 1970: Litlle Big Man. 1975: La Fugue. 1976: Missouri Breaks. 1981: Georgia. 1985: Target. 1987: Froid comme la Mort. 1989: Penn and Teller get killed. 1995: Lumière et Compagnie (segment).

Deux ans avant La Horde Sauvage, une oeuvre polémique avait également rivalisé d'audace dans son traitement de la violence exacerbée par des éclaboussures de sang parfois filmées au ralenti. A l'instar de la fusillade finale perpétrée sur le couple de gangsters après avoir été pris au dépourvu lors d'un guet-apens policier. Beaucoup ont reproché la complaisance de cette séquence restée dans les annales pour sa sauvagerie radicale et considérée à raison comme l'une des morts les plus sanglantes du cinéma. Pourtant, dans la réalité des faits, 150 impacts de balles ont été dénombrés sur la carrosserie des braqueurs. On ne peut donc reprocher à Arthur Penn d'avoir voulu surenchérir dans le racolage facile, ce dernier ne faisant que retracer fidèlement la mort de Bonnie and Clyde dans la folie cruelle du règlement de compte.

Enorme succès à sa sortie, le film doit beaucoup de sa notoriété au couple glamour imposé par Warren Beatty / Faye Dunaway, alors qu'à la base c'est à Jane Fonda qu'était imparti le rôle de la serveuse férue de passion et d'évasion auprès d'un indéfectible braqueur de banque. Un duo devenu aussi légendaire que nos vrais criminels qui exécutèrent durant leur périple pas moins de 12 personnes dans le sud-ouest américain de la grande dépression. Sublime de sensualité et fiévreuse d'ardeur, Faye Dunaway crève l'écran dans sa prestance de criminelle endurcie pour sa nouvelle condition délinquante mais néanmoins désarçonnée par l'absence de sa mère et l'impuissance de son amant. Charismatique en diable et un brin trop élégant, Warren Beatty se fond pourtant dans la peau de Clyde Barrow avec stoïcité malgré ses brefs instants de culpabilité lorsqu'il ose commettre son premier meurtre de sang froid auprès d'un citadin innocent. Souffle romanesque et épique se télescopent incessamment sous la caméra virtuose d'Arthur Penn, l'auteur s'étant véritablement inspiré à retracer cette équipée sauvage parmi la complicité de seconds rôles aussi irresponsables (Moss, le jeune pompiste, Buck, le frère aînée de Clyde, et sa femme Blanche) venus prêter main forte au couple de braqueurs toujours plus épuisés à déjouer les embuscades policières. Cette traque homérique traversée d'âpres éclairs de violence met bien en exergue l'inconscience de ce gang, particulièrement Bonnie et Clyde, deux gamins avides de liberté et d'épanouissement, alors que ce dernier se compromet à son impuissance pour contenter sexuellement sa compagne. C'est donc dans l'adrénaline des braquages de banques et d'épicerie qu'il trouve refuge afin de pallier sa frustration. Dans leur caractérisation aussi réaliste que romanesque, nous ne pouvons qu'éprouver une forte empathie pour ces anti-héros épris de fureur de vivre et de désespoir car à bout de souffle d'endurer une chasse à l'homme toujours plus irréductible.

Mené sur un rythme infernal et mis en scène parmi la virtuosité de séquences d'action percutantes, Bonnie and Clyde relève plus du drame romanesque (non exempt d'humour corrosif) que du film noir pour le portrait imparti à l'insouciance de ces tueurs férus de liberté. Il en émane un grand moment de cinéma d'une rare puissance émotionnelle dans la complicité idéaliste formé au couple iconique, Warren Beatty / Faye Dunaway.

Bruno Matéï
4èx

                                  

LA HORDE SAUVAGE (The Wild Bunch)

                                           

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site levafilmworks.com

de Sam Peckinpah. 1969. U.S.A. 2h25. Avec William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sanchez, Ben Johnson, Emilio Fernandez.

Sortie salles France: 17 Octobre 1969. U.S: 18 Juin 1969

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984. 1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

« L'enfant est Dieu et le Diable à la fois, et en lui se trouvent mêlées la cruauté et une extrême bonté. Il suffit que les enfants soient témoins de certaines choses pour qu'ils deviennent très vite des adultes, des êtres aussi vicieux, aussi méchants que nous. Tout un système de morale, d'éducation nous empêche de regarder en face un certain nombre de vérités, par exemple qu'il existe déjà chez l'enfant tout ce côté sombre de l'homme. »

— Sam Peckinpah

Western mythique vilipendé par la critique dès sa sortie pour l'intolérance de sa violence tranchée, La Horde Sauvage gagna pourtant au fil des décennies un statut de chef-d'oeuvre proverbial. C'est dire si le film de Peckinpah était à contre courant des conventions classiques établies par le western lyrique de John Ford et celui plus "héroïque" de John Wayne afin de mettre ici en exergue une forme de violence baroque appuyée d'effets de ralentis chorégraphiques. C'est également la réponse ricaine pour tenter d'émuler l'âpreté du western italien, Sam Peckinpah optant de surenchérir dans la bestialité avec un carnage final d'une intensité rigoureuse toujours aussi acérée aujourd'hui. Magnifiquement mis en scène pour la modernité de son montage véloce, la Horde Sauvage est le témoignage de la traîtrise, de l'avilissement, du chaos, du désordre, faute d'un monde miné par la pauvreté des exclus (les villageois mexicains), gangrené par la dictature de conflits guerriers. La plupart des personnages dépeints comme  des chasseurs de primes vindicatifs, des bandits autonomes ou des terroristes belliqueux assoiffés d'alcool, de cruauté et de pouvoir. 

Dans cette peinture nihiliste de la nature humaine, le prélude l'anticipe déjà avec ce groupe de bambins mesquins batifolant autour de scorpions pour les regarder se faire dévorer par des milliers de fourmis. Métaphore sur notre instinct pervers et meurtrier dont l'enfant influant se réapproprie naturellement du comportement destructeur des adultes, le film nous achemine lentement vers le baroud d'honneur d'une bande de malfrats délibérés à se sacrifier car épuisés de survivre dans un monde qu'ils ne comprennent plus. A travers leur équipée homérique redoublant d'audaces, de bravoure et de dangerosité, telle cette attaque coordonnée autour d'un convoi ferroviaire, Sam Peckinpah évoque leur anachronisme, leur sentiment intime d'être dépassé par leur univers qu'ils ne reconnaissent plus depuis la révolution industriel. A l'instar de la première apparition d'un véhicule sur roue que des mexicains exposent fièrement aux badauds pour dévoiler le progrès. Au fil du cheminement marginal de ces anti-héros sclérosés, le désespoir et l'amertume les rattrapent un peu plus, quand bien même l'humanisme les rappellent à la raison de la tolérance lorsqu'ils se résignent d'épargner de ses souffrances un de leur camarade torturé par la troupe du général Mapache ! S'ensuit alors leur dernière offensive suicidaire d'aller provoquer par les armes ces centaines de belligérants et de mettre un terme à leur funèbre existence (tels des fantômes errants) en commun accord. Le spectateur éprouvant une inattendue empathie pour leurs ultimes sursauts de bravoure et de loyauté.

D'une brutalité toujours inégalée pour le genre il me semble, La Horde Sauvage illustre de manière poisseuse une diatribe sur l'instinct foncièrement mauvais de l'être humain tout en énonçant une réflexion édifiante sur le venin de la violence. Magnifié de la prestance burinée des comédiens inscrits dans une camaraderie marginale, ce chemin de croix reste une épreuve de force d'une intensité éprouvante pour l'expédition pessimiste de ses hors-la-loi livrés à la solitude et la désillusion.  

Bruno 

3èx

« J'ai fait ce film parce que j'étais très en colère contre toute une mythologie hollywoodienne, contre une certaine manière de présenter les hors-la-loi, les criminels, contre un romantisme de la violence [...]. C'est un film sur la mauvaise conscience de l'Amérique.(...) La Horde sauvage est simplement ce qui arrive lorsque des tueurs vont au Mexique. L'étonnant est que vous ressentez une perte immense quand ces tueurs atteignent la dernière ligne droite. »
— Sam Peckinpah

Trick or Treat

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Michael Dougherty. 2007. U.S.A. 1h22. Avec Brian Cox, Anna Paquin, Dylan Baker, Leslie Bibb, Quinn Lord, Rochelle Aytes, Moneca Delain, Tahmon Penikett.

Sortie salles U.S: 9 Décembre 2007

FILMOGRAPHIE: Michael Dougherty est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur et producteur américain, né en Octobre 1974 à Columbus. 1998: Refrigerator Art. 1998: Deadtime Stories. 2008: Trick'r Treat. 2010: Calling all Robots.

Honteusement inédit en salles et donc directement passé par la case Dtv, Trick'r Treat renoue avec le film à sketchs typiquement sardonique dans son esprit BD hérité des EC-comics. Indubitablement, à la lecture du film, on songe au classique du genre Creepshow, de par la créativité des histoires en trompe-l'oeil détournant parfois avec malice l'archétype du conte, du soin imparti à son esthétisme flamboyant et des twists à répétition faisant mouche à chaque démarche. Composé de quatre histoires reprenant les mythes de l'horreur séculaire (morts-vivants, vampires, loups-garous, mais aussi, dans une mesure plus contemporaine, un monstre énigmatique et un tueur en série !), Trick'r Treat ne cesse d'entrecroiser le cheminement des intrigues avec celui des personnages en alternant évènements actuels et antérieurs. 

Ancré dans un solide humour macabre aussi irrésistible qu'audacieux (nos chères têtes blondes y trépassent avec une ironie franchement caustique !), la réussite du métrage découle de la structure des intrigues adroitement narrées où chaque personnage clef peut autant endosser la fonction de victime que celui du potentiel coupable ! Outre l'aspect festif de ces histoires espiègles où l'hypocrisie prime souvent avec l'instinct vengeur d'esprits rebelles, Trick'r Treat transfigure la fête d'Halloween avec un respect immodéré pour l'amour des citrouilles et des sorcières. Car à travers l'intrusion suspecte d'un étrange garçonnet affublé d'un sac à patate sur la tête et de deux boutons de manchette à la place des yeux, une nouvelle icône monstrueuse se dévoile sous nos yeux pour la première fois. Une manière fort originale de boucler cette anthologie afin de porter en témoignage l'aspect sardonique du folklore d'Halloween où farce et bonbons se sont gentiment mêlés au chantage affectif ! Et le réalisateur de s'en railler avec autant de brimade pour l'aspect morbide des situations que de respect pour sa coutume ancestrale que les enfants d'aujourd'hui ont monopolisé dans leur stature capricieuse !

La fête des Masques
Hymne à Halloween et à l'horreur ludique au sein du film choral, véritable trésor d'inventivité dans l'alchimie des intrigues redoublant de sarcasme et le rôle insidieux impartis aux divers protagonistes, Trick'r Treat est également un régal pour les yeux pour son onirisme macabre où aucun détail n'est laissé au hasard. Le plaisir s'avère si jouissif et addictif qu'on aurait tant aimé que le film se prolonge un peu plus (il ne dure qu'1h22, générique compris !), le temps de nous raconter une ultime fois un nouveau conte diaboliquement fripon ! 

*Bruno

3èx. vostfr