Capitaine Kronos, tueur de Vampires / Captain Kronos - Vampire Hunter

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorseek.com

de Brians Clemens. 1974. Angleterre. 1h31. Avec Horst Janson, John Carson, Shane Briant, Caroline Munro, John Cater, Lois Daine, William Hobbs.

Inédit en salles en France. Sortie Angleterre: 7 Avril 1974

FILMOGRAPHIE: Brian Clemens est un réalisateur, producteur et scénariste, né le 30 Juillet 1931 à Croydon, décédé le 10 Janvier 2015.
1974: Capitaine Kronos, Tueur de Vampires.

Inédit en salles en France et précédé d'un échec commercial à travers le monde, Capitaine Kronos, tueur de vampires est l'une des dernières tentatives pour la Hammer de redorer un second souffle au mythe du suceur de sang. Cette tentative moderne étant conçue à l'origine comme un prototype où devait se succéder en guise de succès une série de films mettant en valeur les bravoures du Capitaine Kronos. Pour la réalisation et son unique incursion derrière la caméra, la production fait appel au scénariste Brian Clemens, réputé pour avoir écrit certains épisodes de la série TV, Chapeau Melon et bottes de Cuir, et préalablement responsable du script du Dr Jekyll et Sister Hyde. Le pitch: Dans un village, la découverte de cadavres de femmes prématurément sclérosées inquiète la population. Dépêché par le docteur Marcus, Capitaine Kronos et son acolyte, le professeur Grost, se lancent dans une longue traque afin d'appréhender le mystérieux assassin, quand bien même sur leur chemin ils sauvent de la mort une charmante vagabonde. Série B mineure au sein de la filmographie de la Hammer, Capitaine Kronos, tueur de vampires est un mélange désordonné de situations horrifico-épiques alternant les séquences chocs avec d'autres accalmies (in)volontairement cocasses. Délibéré à détourner les codes du genre, Brian Clemens emprunte quelques idées saugrenues dans les stratégies de défense imposées aux héros et dans leur manière hétérodoxe de tuer le vampire, sans craindre de sombrer dans le ridicule.

A l'instar de cette victime increvable que Kronos tente de détruire à l'aide du traditionnel pieu et par pendaison. Une séquence improbable où le grotesque se dispute à la cocasserie dans les efforts réguliers de Kronos et de son comparse Grost. Peu favorisé d'un scénario des plus élémentaires (toute l'intrigue se résumant à une traque échevelée au vampire entre deux trêves romanesques !), le film accumule les agressions sanglantes du vampire sans visage (il reste encapuchonné durant la majorité du récit) se nourrissant de l'énergie vitale de ses victimes. Ce concept novateur exploitant le thème de l'éternelle jeunesse influencera d'ailleurs la décennie suivante Tobe Hooper pour son ambitieux projet de science-fiction horrifique, Lifeforce ! Epaulé de décors plus sophistiqués que de coutume (l'antre du château est constitué d'une architecture baroque parmi la fulgurance d'une photo criarde), le film est également traversé de plages d'onirisme stylisé, à l'instar du duel à l'épée que Kronos accomplit contre ses adversaires au sommet d'une nécropole. Peu à l'aise derrière la caméra, Brian Clemens tente de pallier ses carences techniques et narratives avec une succession de séquences hybrides où l'aventure, la romance et l'horreur se condensant dans un esprit semi-parodique. En prime, la stature inexpressive du héros principal endossé par Horst Janson renforce le côté bisseux de l'entreprise en dépit de sa modeste sympathie à relever le défi de ces actes pugnaces. Quand bien même sa charmante compagne incarnée par Caroline Munro se prête au jeu de la séduction dans une posture timorée.

Maladroit et fauché, sporadique et interlope, mais traversé de séquences oniriques quelque peu marquantes, de scènes gores inventives et baignant dans un climat insolite un tantinet séduisant, Capitaine Kronos, tueur de Vampires fait figure d'avorton hybride au sein de l'industrie Hammer. Les inconditionnels aguerris devraient toutefois trouver l'expérience probablement ludique par sa facture iconoclaste si on sait faire fi de certaines longueurs. 

*Bruno
21.01.23. 4èx

LE POLICEMAN (Fort Apache, The Bronx)

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site cine-loisirs.fr

de Daniel Petrie. 1981. U.S.A. 2h05. Avec Paul Newman, Edward Asner, Ken Whal, Danny Aiello, Rachel Ticotin, Pam Grier, Kathleen Beller.

Sortie salles U.S: 6 Février 1981

FILMOGRAPHIE: Daniel Petrie est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 26 Novembre 1920 à Glace Bay, Nouvelle-Ecosse, Canada, décédé le 22 Août 2004 à Los Angeles, Californie.
1960: Le Buisson ardent. 1961: Un Raison au soleil. 1962: The Main Attraction. 1963: Les Heures Brèves. 1966: The Idol. 1966: The Spy with a Cold Nose. 1973: Odyssée sous la mer. 1974: Buster and Billie. 1976: Lifeguard. 1978: The Betsy. 1980: Resurrection. 1981: Le Policeman. 1982: Six-Pack. 1984: Un Printemps sous la neige. 1987: Square Dance. 1988: Rocket Gibraltar. 1988: Coccon, le retour. 1997: The Assistant.

Dans la lignée des Flics ne dorment pas la nuit et de Serpico, Le Policeman relate les virées urbaines de deux flics acolytes dans un quartier chaud du Bronx, au moment même où les meurtres gratuits de deux officiers viennent d'être perpétrés. Essayant de découvrir l'identité de l'assassin au fil de leur infructueuse enquête, ils vont se heurter à l'incident aléatoire d'une corruption policière. Polar urbain décrivant l'état des lieux d'un métropole new-yorkaise avilie par la drogue, la prostitution et la criminalité, le Policeman fait référence à la grimpée de la violence, de l'immigration et du racisme au début des années 80. D'ailleurs, lors de sa sortie, le film se heurta à une certaine polémique auprès de certains frondeurs pointant du doigt son contenu xénophobe envers les communautés noires et Porto-ricaines.

Si l'intrigue débute à l'instar d'un sympathique buddy movie dans ces situations pittoresques que se heurtent Murphy et Connaly pour appréhender des dégénérés excentriques, sa scène d'ouverture brutale nous avait ébranlé quand une prostituée flegmatique venait d'abattre lâchement deux policiers en patrouille. Ce qui nous amène à la difficile enquête que doit se confronter le corps policier du poste de "Fort Apache" situé dans un Bronx en ébullition. C'est là que Murphy et Connaly vont tâcher de relever leur mission quand bien même le second arc narratif débouche sur leurs romances entamées avec une infirmière et une jeune étudiante. Ces séquences intimistes au propos léger et détendu préparent le terrain de la dramaturgie en évoquant le problème de la drogue du point de vue de l'auxiliaire médicale d'origine latino. Une manière alarmiste d'insister sur la perversité addictive du produit concernant toutes les couches sociales. C'est ensuite le thème de la corruption policière et la prise de conscience de témoins oculaires qui y sont longuement traités lorsque deux agents racistes se sont débarrassés d'un étudiant d'origine porto-ricaine. Ces évènements inopinés exploitent les ressorts dramatiques du troisième arc narratif, avec toujours en parallèle le caractère inquiétant des exactions meurtrières d'une prostituée dont nous ne connaîtrons jamais le motif de son mobile (même s'il s'agit d'une misandre !). La gravité des conséquences et l'aspect tragique qui s'ensuit entraînera un de nos héros à reconsidérer sa responsabilité morale pour oser dénoncer sa déontologie professionnelle, quand bien même le dénouement de l'enquête criminelle restera irrésolue ! (seul, le spectateur connaît l'identité du véritable assassin !).

Très attachant dans la relation amicale du couple en roue libre, Paul Newman et Ken Whal, et puisant son inspiration dans l'ironie satirique, la violence poisseuse et le réalisme documenté, Le Policeman débouche sur un polar désenchanté lorsque la corruption policière et le fléau de la drogue vont finalement bouleverser l'éthique d'un homme pour braver l'omerta. Un grand polar urbain d'une intensité émotionnelle aussi bouleversante qu'impondérable dans son constat pessimiste agréé à l'inefficacité de l'institution policière. 

Bruno Matéï
3èx

                                          

DR JEKYLL ET SISTER HYDE (Dr. Jekyll and Sister Hyde)

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site popcornpictures.co.uk

de Roy Ward Barker. 1971. Angleterre. 1h37. Avec Ralph Bates, Martine Beswick, Gerald Sim, Lewis Fiander, Susan Broderick, Dorothy Alison.

Sortie salles Angleterre: 17 Octobre 1971

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Roy Ward Baker est un réalisateur, producteur, scénariste anglais, né le 19 Décembre 1916 à Londres (Royaume-Uni), décédé le 5 Octobre 2010.

1947: L'Homme d'Octobre. 1952: Troublez moi ce soir. 1968: Les Champions. 1969: Mon ami le fantôme. 1970: The Vampire Lovers. 1970: Les Cicatrices de Dracula. 1971: Dr Jekyll et Sr Hyde. 1972: Asylum. 1973: Le Caveau de la Terreur. 1973: And now the Screamin starts. 1974: Les 7 vampires d'or. 1980: Le Club des Monstres. 1984: Les Masques de la mort (télé-film). 

Pour la dernière décennie de la Hammer, Dr Jekyll et Sr Hyde continue de surfer sur l'érotisme et une violence plus outrée afin de redorer un second souffle à la société. Epaulé d'un brillant scénario de Brian Clemens alternant la satire et les clins d'oeil amusés aux classiques de l'horreur (on y croise dans le même film Jack l'éventreur et les déterreurs de cadavres Burke et Hare au coin des rues malfamées de Whitechapel !), cette variation du Dr Jekyll et Mr Hyde redouble d'audaces pour détourner le mythe. En télescopant les exactions sordides de l'éventreur parmi l'ambition scientifique du savant fou et d'y établir ici une métaphore (gay) sur la part de féminité enfouie en chaque homme. 

Si au premier coup d'oeil, le scénario aurait pu facilement sombrer dans la parodie, Roy Ward Barker maîtrise son sujet avec autant de sérieux que d'ironie débridée parmi la présence d'Alan Bates et de la vamp Martin Beswick. Par leur talent obstiné et leur ressemblance binaire, les comédiens font preuve d'un surprenant charisme bicéphale afin de transfigurer deux antagonistes livrés au duel sexiste en interne du corps du savant. Car, par le biais d'une expérience scientifique allouée à l'élixir de jouvence et parmi l'appui de l'hormone femelle, c'est une véritable guerre des sexes que doit déjouer Jekyll lorsque son double, Sister Hyde, souhaite prendre le pouvoir pour asservir l'homme qui est en elle. A la satire féministe s'attribue également une réflexion sur l'homosexualité (Jekyll ne serait-il finalement qu'un gay refoulé ?), la jalousie et le besoin de séduction inhérent à notre instinct sexuel ! Sr Hyde éprouvant un rapide désir pour son voisin de palier tandis que Jekyll s'éprendra d'amour pour la soeur de ce dernier. De cette rivalité toujours plus hostile, la jalousie finira par causer leur perte et donc la désillusion scientifique de Hyde lors d'un mea culpa inévitablement tragique ! Outre le rythme vigoureux de l'intrigue fertile en suspense et homicides sauvages, ainsi que l'étude passionnante allouée au personnage véreux de Hyde, le film cultive un humour réjouissant lorsque par exemple la police distingue difficilement l'identité du meurtrier dissimulé en travesti pour mieux les duper !  

Chef-d'oeuvre de la Hammer en cette décennie des années 70, Dr Jekyll et Sr Hyde cultive un iconoclasme incisif afin de dépoussiérer les mythes de l'horreur séculaire dans un esprit débridé aussi fascinant qu'haletant. Outre l'intelligence de ces thèmes abordés et l'inventivité de sa mise en scène, le film est également transcendé par l'élégance ténébreuse de la troublante Martine Beswick. Et si le docteur Jekyll a essuyé une déroute pour sa quête de l'éternelle jeunesse, Roy Ward Barker a réussi à la matérialiser à travers sa macabre satire féministe ! 

   

Bruno Matéï

3èx

La Fille de Jack l'Eventreur / Hands of the Ripper

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

de Peter Sasdy. 1971. Angleterre. 1h25. Avec Eric Porter, Angharad Rees, Keith Bell, Jane Merrow, Derek Godfrey, Dora Bryan.

Sortie salles Angleterre: 17 Octobre 1971

FILMOGRAPHIE: Peter Sasdy est un réalisateur anglais, né le 27 Mai 1935 à Budapest. 1970: Une Messe pour Dracula. 1971: La Fille de Jack l'Eventreur. 1971: Comtesse Dracula. 1972: Doomwatch. 1972: The Stone Tape (télé-film). 1973: Nothing but the Night. 1975: Evil Baby. 1975: King Arthur, the young Warlord. 1977: Welcome to blood City. 1983: The Lonely Lady. 1989: Ending up (télé-film). 1991: Sherlock Holmes and the leading lady (télé-film).

Fidèle artisan de la Hammer Film, puisque déjà responsable d'Une Messe pour Dracula puis un peu plus tard de Comtesse Dracula, Peter Sasdy entreprend avec La fille de Jack l'éventreur de revisiter notre criminel notoire de manière plutôt originale si bien que la psychanalyse et le surnaturel se télescopent durant tout le cheminement narratif. Le Pitch: Traumatisée par la mort de sa mère assassinée sous ses yeux par son père Jack l'Eventreur, Anna est recueillie par une médium pour être exploitée à la prostitution. Mais à la suite d'un élément déclencheur ravivant son souvenir morbide, Anna l'assassine froidement. Témoin de la scène, le médecin John Prichard décide de la prendre sous son aile afin d'étudier sa pathologie schizophrène. Cette intrigue astucieuse opposant également la foi spirituelle et l'athéisme cultive une progression du suspense parmi la relation épineuse d'une meurtrière accompagnée de son théoricien. Dépeinte comme une véritable victime, faute de son témoignage de l'assassinat de sa mère par son propre père et de ces tourments invoqués par l'esprit diabolique de ce dernier, Anna nous suscite l'empathie dans sa fragilité et son émoi ingérable. 

Au fil de ses exactions meurtrières aussi imprévisibles que sauvages (gore graphique à l'appui !), l'intensité dramatique de ces estocades émane également de l'attitude complice du médecin féru de compassion pour elle tout en l'exploitant à des fins scientifiques. Celle d'y démystifier la nature criminelle d'un assassin puis tenter de le guérir de ses pulsions psychotiques. Bravant l'interdit parmi l'appui d'un membre du parlement plutôt sournois, John Prichard s'adonne donc à l'illégalité afin de protéger sa patiente et apporter son concours au progrès de la psychothérapie. Ces rapports troubles entamés entre ces deux personnages font tout le sel de l'intrigue fertile en meurtres cinglants en accordant une belle attention à leur étude de caractères ternies par le désespoir et l'angoisse. Outre l'interprétation pleine d'aplomb du vétéran Eric Porter, La Fille de Jack l'Eventreur est sublimé de la prestance angélique de Angharad Rees. Une jeune actrice affublée d'un teint de porcelaine mais dont la préoccupation du regard en atténue sa fraîcheur pour nous laisser transparaître la confusion. L'intensité de son jeu névrosé doit donc beaucoup au caractère crédible de son cheminement psychotique jusqu'à ce que la dernière partie vienne nous ébranler de plein fouet par son émotion tragique. Un final majestueux d'une beauté morbide singulière, notamment par son ampleur grandiloquente édifiée dans une galerie des échos.

Réalisé durant la dernière décennie de la Hammer Film, La Fille de Jack l'Eventreur fait preuve d'une belle audace dans la violence sanguine de ces actes meurtriers et dans l'originalité de son script détournant intelligemment l'archétype du célèbre éventreur. Un fleuron du psycho-killer surnaturel dont la dimension dramatique des deux complices culmine vers un splendide point d'orgue taillé dans le lyrisme mélancolique. 

*Bruno 
12.12.22. 

3èx. VF

3

Les Maîtresses de Dracula / The Brides of Dracula

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site galleryhip.com

de Terence Fisher. 1960. Angleterre. 1h25. Avec Peter Cushing, Yvonne Monlaur, David Peel, Martita Hunt, Freda Jackson, Fred Johnson.

Sortie salles France: 21 Décembre 1960. U.S: 5 Septembre 1960. Angleterre: 7 Juillet 1960

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Terence Fisher est un réalisateur britannique né le 23 février 1904 à Londres (Maida Vale), et décédé le 18 juin 1980 dans la même ville.
1957 : Frankenstein s'est échappé, 1958 : Le Cauchemar de Dracula , 1958 : La Revanche de Frankenstein , 1959 : Le Chien des Baskerville , 1959 : L'Homme qui trompait la mort , 1959 : La Malédiction des pharaons, 1960 : Le Serment de Robin des Bois , 1960 : Les Étrangleurs de Bombay, 1960 : Les Maîtresses de Dracula, 1960 : Les Deux Visages de Docteur Jekyll , 1961 : La Nuit du loup-garou, 1962 : Le Fantôme de l'Opéra , 1962 : Sherlock Holmes et le collier de la mort, 1963 : The Horror of It All, 1964 : La Gorgone , 1965 : The Earth Dies Screaming, 1966 : L'Île de la terreur , 1966 : Dracula, prince des ténèbres , 1967 : La Nuit de la grande chaleur , 1967 : Frankenstein créa la femme, 1968 : Les Vierges de Satan, 1969: Le Retour de Frankenstein, 1974 : Frankenstein et le monstre de l'enfer.

Les Maîtresses de dracula fascine parce qu'il nous renvoit à notre propre dualité. Le Mal nous observe plein cadre pour mieux nous ensorceler !

Tourné entre le Cauchemar de Dracula et Dracula, Prince des ténèbres au sein de la carrière de l'éminent Terence Fisher, Les Maîtresses de Dracula s'alloue d'un cachet particulier en l'absence du gentleman de l'horreur, Christopher Lee. Un parti-pris volontaire de la part de l'auteur privilégiant ici la stature plus rassurante d'un acteur aussi bellâtre qu'efféminé afin de redorer le blason du vampire archaïque. A ce titre, le préambule envoûtant, absolument anthologique, ne manque pas d'y distiller une atmosphère de mystère latent lorsqu'une jeune institutrice accueillie au château de la baronne Meinster découvre la condition d'esclave du fils de cette dernière. Eprise de compassion pour son sort et sa beauté innocente, elle s'efforcera de lui porter secours pour lui ôter sa chaîne sans mesurer la gravité de cet acte de délivrance. Le baron Meinster symbolisant bien entendu la menace du vampire aristocrate particulièrement fourbe dans son art d'y séduire cette proie innocente trop influençable. Emprisonné dès son plus jeune age au sous-sol du château par sa mère et sa gouvernante, celui-ci peut enfin profiter de sa liberté pour aller répandre le mal dans un village déjà contrarié par les superstitions. Ainsi, pour sa conquête du Mal et du pouvoir, quoi de plus manipulable que d'y séduire de naïves étudiantes en priorisant toutefois sa relation naissante avec l'institutrice.

Et donc, à partir de cette intrigue simpliste réunissant la plupart des clichés du genre, Terence Fisher en tire un modèle d'efficacité et de formalité dans la dextérité de sa structure narrative alternant l'investigation circonspecte et la traque amorcée par le Dr Val Helsing (que Peter Cushing endosse avec son traditionnel aplomb !) avec la relation naissante de Marianne, femme-objet éprise d'amour pour le Baron. A cet égard, ce dernier semble d'ailleurs plus obnubilé à l'idée d'infecter sa victime pour procréer le Mal plutôt que de choisir sa muse en guise d'amour éternel. Comme de coutume chez les studios Hammer, on retrouve le soin formel imparti aux sublimes décors gothiques du château et d'un moulin à vent (dont un final fulgurant pour son atmosphère crépusculaire de pleine lune bientôt ravivée par la lumière d'un incendie !), épaulé d'une photographie suave tirant magnifiquement sur le mauve. Sans compter le charisme indétrônable de tous les comédiens (la française Yvonne Monlaur demeurant par ailleurs délicieuse de candeur et de volupté charnelle !) et le brio d'une mise en scène épurée transcendant par exemple les apparitions spectrales des maîtresses du Mal, fantômes nocturnes affublés de nuisettes de soie blanche ! Des séquences iconiques parfois même d'une poésie morbide inusitée (la résurrection de l'une d'elles s'extirpant de la terre). 

Une expérience de notre propre dualité. 

Visuellement à damner un saint, Terence Fisher accomplit un nouveau tour de force dans l'efficience de sa construction narrative habilement contée parfois traversé d'épisodes démoniaques, à l'instar de l'exhumation d'une vampire incantée par la gouvernante rendue désaxée. Qui plus est, parmi certaines trouvailles audacieuses (le traitement infligé à Van Helsing, la relation ambiguë du Baron avec sa famille puis celle de la gente féminine) et l'iconisation de ce vampire dandy, Les Maîtresses de Dracula s'alloue d'un traitement vénéneux dans la caractérisation sournoise de celui-ci uniquement motivé par le pouvoir et l'émancipation de par sa condition souveraine. Une splendeur horrifique de chaque instant à redécouvrir d'urgence en Blu-ray (chez Elephant Films), tout autre écrin.  

*Bruno

3èx. Vostf

What we do in the Shadows

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site bloody-disgusting.com

de Jemaine Clement, Taika Waititi. 2014. Nouvelle-Zélande. 1h25. Avec Jemaine Clement, Taika Waititi, Jonathan Brugh, Cori Gonzales-Macuer, Stuart Rutherford.

Sortie salles France: Prochainement. Sortie salles Nouvelle-Zélande: 19 Juin 2014

FILMOGRAPHIE: Jemaine Clement est un acteur, musicien, humoriste et réalisateur néo-zélandais, né le 10 Janvier 1974 à Masterton. 2014: What we do in the Shadows.

Taika Waititi est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur néo-zélandais, né le 16 Août 1975. 

2002: John and Pogo. 2004: Two Cars, One Night. 2004: Heinous Crime. 2005: Tama Tu. 2007: A chacun sa chacune. 2008: Cinema 16: World Short Films. 2010: Boy. 2014: What we do in the Shadows. 

 

"Rires, crocs et confidences : l’immortelle farce néo-zélandaise".

Sélectionné à Gérardmer 2015 mais relégué « hors compétition », What We Do in the Shadows est une petite production indépendante venue de Nouvelle-Zélande, cousine du bricolé et réjouissant Housebound. Ici, le duo Jemaine Clement / Taika Waititi emprunte la même voie de la comédie horrifique, avec un hommage appuyé à la parodie vampirique. Pour simuler un documentaire, une équipe de cameramen — que l’on ne verra jamais — s’immisce dans le quotidien morne de vampires cohabitant dans leur demeure moisie. Mais l’arrivée d’un cinquième membre, tout juste mordu, ébranle leur tranquillité et menace de les exposer.

Comédie pittoresque surfant sur le principe du found footage, What We Do in the Shadows croque avec un réalisme cocasse les déboires de vampires anachroniques, forcés de se fondre dans notre monde moderne. Interrogés face caméra, suivis au plus près lors de leurs virées nocturnes, ces aristos décatis se prêtent au jeu de la confession : entre liberté ricanante et mélancolie poisseuse — la douleur récurrente de voir mourir les mortels aimés, l’impossibilité de croiser l’amour, même si l’un d’eux arrachera sa revanche !

Émaillé de déboires, de beuveries et de rencontres improbables (les altercations avec les loups-garous valent leur pesant de crocs !), What We Do in the Shadows foisonne de gags et de trouvailles (une nouvelle idée toutes les dix secondes !). À l’instar de la bonhomie bancale de deux nouveaux venus, propulsés malgré eux vers une métamorphose inévitable. Si le film pulse d’une vigueur revigorante, c’est grâce à la spontanéité d’acteurs qui jonglent entre sobriété et dérision mordante. Cette parodie tient par leur cohésion, leur indulgence aussi : épargner la vie d’un humain trop pur pour finir en casse-croûte. Ce dosage d’humour noir et de tendresse révèle l’indéniable respect des réalisateurs pour un genre qu’ils moquent sans jamais l’avilir, glissant des clins d’œil complices aux classiques d’antan (Nosferatu, Le Bal des Vampires) comme aux bluettes modernes (Twilight, Blade). En prime, sans tapage, les effets spéciaux numériques retrouvent un charme d’antan : réalisme mordant et stupeurs surgies de l’ombre.

Débordant de bonne humeur sans sombrer dans l’outrance ni la vulgarité, What We Do in the Shadows réussit ce fragile équilibre rire/frisson dans un esprit libre et débordant d’invention. Tout en accordant une humanité désarmante à ces immortels cabossés, le film devient presque enviable, tant leur invulnérabilité se teinte d’un pathos touchant. À l’image du Bal des Vampires ou de Vampires, vous avez dit Vampires ?, What We Do in the Shadows s’érige en perle rare, vouée au culte chez les amateurs de parodie révérencieuse. À mes yeux — et sans céder à l’euphorie — la plus brillante comédie horrifique depuis ces deux classiques. Et pour parachever ses nobles intentions, une leçon de tolérance romantique qu’Harold et Maude n’auraient pas reniée !

Bruno Matéï

LA PROCHAINE FOIS JE VISERAI LE COEUR

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site estelleelkaim.wordpress.com

de Cédric Anger. 2014. France. 1h51. Avec Guillaume Canet, Ana Girardot, Jean-Yves Bertellot, Patrick Azam, Arnaud Henriet, Douglas Attal, Piérick Tournier.

Sortie salles France: 12 Novembre 2014

FILMOGRAPHIE: Cédric Anger est un réalisateur et scénariste français, né 1975
2011: L'Avocat. 2014: La prochaine fois je viserai le coeur.

Inspiré de l'affaire du "Tueur de l'Oise" au cours duquel les exactions d'Alain Lamare eurent lieu à la fin des années 70, Cédric Anger nous propose avec la Prochaine fois je viserai ton coeur un drame criminel glaçant sous la houlette d'un gendarme perpétrant une vague de meurtres auprès de jeunes étudiantes dans la région de Picardie. Timide et introverti, vivant reclus dans un appartement, la solitude de Franck finit par l'orienter vers une devise criminelle, celle de la folie meurtrière, sachant que lors de son arrestation il fut reconnu irresponsable de ses actes pour être interné en Psychiatrie. Les experts évoqueront d'ailleurs chez lui le syndrome de l'héboïdophrénie, une psychopathologie de l'ordre des schizophrénies.

Outre le climat maussade d'une région bucolique ternie par l'intempérie, ce parti-pris esthétique reflète avec la sinistrose du criminel dans sa conscience aussi torturée qu'impassible. Un misanthrope incapable d'éprouver une quelconque compassion lorsqu'il s'efforce d'entamer une liaison avec une amie puis de fréquenter en parallèle la communauté gay, mais aussi inapte à ressentir un éventuel remord de dernier ressort pour ses actes crapuleux. Et dans un rôle à contre-emploi, Guillaume Canet réussit à faire oublier son illustre stature pour incarner à l'écran ce tueur pisse-froid se raillant du corps policier (il ne cesse de manipuler ses confrères afin de mieux brouiller les pistes) et de sa petite amie car suscitant une véritable aversion pour les rapports de tendresse. Son seul dérivatif afin de se libérer de ses actes criminels et oublier l'indifférence de ses parents, s'expier de ses pêchers par le masochisme en se flagellant le corps ou en se baignant par l'eau glacée ! C'est donc l'introspection d'un serial-killer peu commun que nous illustre Cédric Anger parmi le souci documentaire de ces pérégrinations solitaires et le réalisme sordide de ces assassinat en série. A l'instar du premier homicide perpétré froidement sur une auto-stoppeuse dans le cadre étriqué de son véhicule. Une séquence choc assez pénible par l'estocade improvisée et l'affolement désaxée du meurtrier ! Enfin, la partition musicale cafardeuse accompagne toute l'intrigue à la manière d'une lancinante marche funèbre que le tueur frigide déambule jusqu'au point de chute de son arrestation.

Austère et rigide, de par son atmosphère dépressive imposée et les pulsions névrotiques du sociopathe, La Prochaine fois je viserai le coeur privilégie densité psychologique et intensité des moments crapuleux parmi l'aplomb inflexible de Guillaume Canet. 

Bruno Matéï

GODZILLA (Gojira)

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site galleryhip.com

de Hishiro Honda. 1954. Japon. 1h36. Avec Akira Takarada, Momoko Kôchi, Akihiko Hirata, Takashi Shimura, Fuyuki Murakami.

Sortie salles Japon: 3 Novembre 1954. Sortie Française: 1957

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Hishiro Honda est un réalisateur japonais né le 7 Mai 1911, décédé le 28 Février 1993 à Tokyo.
1954: Godzilla. 1955: L'Abominable homme des neiges. 1956: Godzilla, king of the monsters ! 1956: Rodan. 1957: Prisonnière des martiens. 1961: Mothra. 1962: King Kong contre Godzilla. 1963 : Matango. 1963: Atragon. 1964: Mothra contre Godzilla. 1964: Dogora, the Space Monster. 1964: Ghidrah, le monstre à trois têtes. 1965: Frankenstein vs. Baragon. 1965: Invasion Planète X. 1966: Come Marry Me. 1966: La Guerre des monstres. 1967: La Revanche de King Kong. 1968: Les envahisseurs attaquent. 1969: Latitude Zero. 1969: Godzilla's Revenge. 1970: Les Envahisseurs de l'espace. 1975: Mechagodzilla contre-atttaque. 1980: Kagemusha, l'ombre du guerrier. 1990: Rêves (Yume) (coréalisé avec Akira Kurosawa). 1993: Madadayo.

Métaphore sur le péril atomique et les conséquences psychologiques de la guerre après les bombardements, Godzilla est ce que l'on peut nommer un film hybride. Dans le sens où Hishiro Honda alterne le caractère spectaculaire de destructions massives et de foule en panique avec l'aspect docu-drama du génocide de la guerre lorsqu'un monstre préhistorique vient d'anéantir toute une ville. Célébré ensuite comme une icone populaire auprès des jeunes spectateurs par le biais d'une série de divertissements dévoilant notre monstre d'écaille sous un aspect autrement héroïque, Godzilla version 54 n'emprunte pas le ton de la légèreté, en dépit de ses redondances à mettre en exergue l'appétit destructeur de ce dernier saccageant moult infrastructures urbaines. On est d'ailleurs frappé par l'ambiance crépusculaire qui émane de ses apparitions dantesques lorsqu'une ville incendiée est bientôt réduite en décharnement ! La texture monochrome de sa photographie amplifiant l'aspect sinistre de ces visions d'apocalypse ternies par la nuit ! Quant à la démarche nonchalante de Godzilla filmée au ralenti, sa lourde présence, son rugissement strident, son souffle atomique et son regard spectral nous évoque l'aliénation d'un animal déchu par les rayonnements chimiques ! On est aussi frappé par le réalisme de sa morphologie d'écaille alors que derrière le masque s'y cache un cascadeur en combinaison !

Si la première heure adopte une démarche laborieuse par son rythme poussif à insister sur l'inquiétude et l'affolement de la population japonaise prise à partie avec les récurrentes provocations du monstre, les 35 dernières minutes affichent une intensité dramatique franchement évocatrice quant au contexte chaotique d'une population en berne. Témoignage aussi puissant que bouleversant faisant écho aux traumatismes d'Hiroshima et de Nagasaki, le film insuffle dès lors une affliction mélancolique (score élégiaque à l'appui !) lorsque Hishiro Honda s'attarde à décrire l'apitoiement des femmes et des enfants démunis après le désastre causé par l'animal. Fruit des conséquences de la radioactivité provoquée par les essais nucléaires de l'homme, ce dernier n'est donc qu'une victime mutante rendue erratique par notre faute. Le scientifique étant capable de transfigurer de nouvelles armes nucléaires pour mieux intimider son rival et anticiper la guerre. On est aussi ébranlé par l'empathie que l'on s'accorde finalement pour Godzilla lorsque celui-ci se retrouve exploité au fond de la mer par la cause de "l'oxygen destroyer". L'invention novatrice d'un chimiste chargé de remords mais prêt à se sacrifier pour pardonner la folie de ses expérimentations !

Chant d'amour désespéré pour la paix, cri d'alarme contre les essais nucléaires, témoignage bouleversant sur le génocide des guerres et la condition des enfants martyrs, Godzilla fait preuve d'une rigueur dramatique inattendue lors de sa bouleversante dernière partie. On pardonne alors l'aspect cheap des FX en carton-pâte et la lenteur de son rythme abusant de redondances dans son premier acte pour garder en mémoire un douloureux réquisitoire contre le péril atomique. 

Bruno Matéï
3èx

L'Invasion des morts-vivants / The Plague of the Zombies

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site projectdeadpost.com

de John Gilling. 1966. Angleterre. 1h30. Avec André Morell, Diane Clare, John Carson, Brooks Williams, Jacqueline Pearce, Michael Ripper.

Sortie salles Angleterre: 9 Janvier 1966

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Gilling est un réalisateur et scénariste anglais, né le 29 Mai 2012 à Londres, décédé le 22 Novembre 1984 à Madrid (Espagne).
1957: Pilotes de haut-vol. 1958: Signes particuliers: néant. 1959: L'Impasse aux Violences. 1961: Les Pirates de la Nuit. 1962: L'Attaque de San Cristobal. 1966: L'Invasion des Morts-Vivants. 1966: La Femme Reptile. 1967: Dans les Griffes de la Momie. 1975: La Cruz del diablo.

Tourné simultanément avec La Femme-Reptile en 1966 afin de réutiliser les mêmes décors - le village de Cornouailles et le château - John Gilling renoue ici avec une horreur insolite, à travers une variation aussi originale qu’intelligente du mythe du zombie. Une invasion de morts-vivants, ressuscités par le culte vaudou, réduits à l’état d’esclaves et condamnés à œuvrer au fond d’une mine désaffectée.

Synopsis: À la suite d’une vague de morts inexpliquées, le docteur Peter Tompson sollicite l’aide de son confrère, le professeur Forbes, dans l’espoir d’élucider ces découvertes macabres. Leur enquête les conduit à côtoyer un châtelain énigmatique, flanqué de sbires rompus à la chasse à courre, figures d’une aristocratie trouble et prédatrice.

Bâti sur un schéma proche de La Femme-Reptile - une enquête policière prolongée par deux protagonistes cherchant à faire émerger la vérité et désigner les coupables - L’Invasion des morts-vivants exploite avec brio un pitch singulier où s’entrelacent séances de vaudou, hypnotisme, exhumations, résurrections de cadavres, disparitions, enlèvements, trafalgars et péripéties haletantes, jusqu’à un point d’orgue explosif où le feu devient instrument d’expiation. Sa dernière partie, presque homérique, multiplie les incidents, les alertes et les rixes violentes, engageant nos héros dans une lutte désespérée pour leur survie. La séquence où le professeur Forbes se retrouve piégé dans le château en flammes se révèle d’ailleurs particulièrement oppressante, portée par la vigueur du montage et un suspense d’une âpreté remarquable.

Pour une première et unique incursion de la Hammer dans l’archétype du zombie, le studio s’en sort avec les honneurs, sous l’égide de l’artisan inspiré John Gilling, déjà responsable du chef-d’œuvre L’Impasse aux violences. Remarquablement interprété - avec plusieurs seconds rôles déjà entrevus dans La Femme-Reptile - le film bénéficie d’une photographie sépia qui sublime l’architecture gothique du manoir et l’atmosphère irréelle d’une nature feutrée. Il parvient surtout à iconiser tout un sérail de " zombies mineurs", réduits au rang de domestiques au service d’une exploitation de fer. Visages argileux, défroques de moines, yeux blêmes exorbités : ces cadavres parcheminés dégagent un charisme ensorcelant, figés dans leur posture rigide d’ouvriers sous-exploités. Sans compter la poésie macabre qui émane de certaines séquences d’effroi, comme la première apparition de l’un d’entre eux ou leur résurrection au cœur du cimetière.

D’une redoutable intelligence dans sa logique sociale et économique, étonnamment terre-à-terre - le vaudou y devient un outil de domination économique - L’Invasion des morts-vivants, portrait d’une aristocratie prédatrice, s’impose comme un film maîtrisé, original, puissamment interprété et efficacement haletant, digne de figurer parmi les classiques Hammer, dans une envergure exotique et macabre.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

28.12.25. 3è. vostf

LE HOBBIT: LA BATAILLE DES 5 ARMEES (The Hobbit: The Battle of the Five Armies)

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site lestoilesheroiques.fr

de Peter Jackson. 2014. U.S.A. 2h24. Avec Martin Freeman, Ian Holm, Ian McKellen, Benedict Cumberbatch, Richard Armitage, ken Stott, Graham McTavish.

Sortie salles France: 10 Décembre 2014. U.S: 17 Décembre 2014

FILMOGRAPHIE: Sir Peter Robert Jackson est un réalisateur, producteur et scénarise néo-zélandais, né le 31 Octobre 1961 à Pukerua Bay, North Island (Nouvelle-Zélande).
1987: Bad Taste. 1989: Les Feebles. 1992: Braindead. 1994: Créatures Célestes. 1995: Forgotten Silver. 1996: Fantômes contre fantômes. 2001: Le Seigneur des Anneaux. 2002: Les Deux Tours. 2003: Le Retour du Roi. 2005: King-Kong. 2009: Lovely Bones. 2012: Le Hobbit: un voyage inattendu. 2013: Le Hobbit: la Désolation de Smaug. 2014: Le Hobbit: Histoire d'un aller et retour.

Dernier chapitre de la trilogie du Hobbit, La Bataille des 5 armées renoue avec l'esprit belliqueux des Deux Tours préalablement illustré dans l'autre saga de la Communauté de l'Anneau. Puisque, en l'occurrence, la compagnie des nains, des elfes, des humains, des Wrags et des Orques vont devoir s'opposer pour la propriété de la montagne sacrée. Inévitablement, cet opus s'avère l'épisode le plus adulte dans le compromis des enjeux stratégiques, à savoir privilégier l'accord de paix ou de la guerre du point de vue moral de Bilbon Sacquet et des nains sur la corde raide. Après que les nains eurent malencontreusement déchaîné la colère du dragon Smaug sur le hameau de Lac-ville, le prisonnier Bard réussit à s'échapper de sa geôle pour s'efforcer de le combattre parmi le soutien de son fils. Alors que l'annonce de la victoire est rapidement répandue chez les survivants, ces derniers glorifiant Bard au statut de héros, Thorin ordonne à son équipe des nains de retrouver le fameux Arkenston occulté sous les décombres du trésor. Littéralement aveuglé par sa cupidité et le sacre du throne, Thorin va déclencher un conflit d'une ampleur insoupçonnée: l'offensive des 5 armées ! Mais afin d'apaiser les tensions et trouver une issue pacifiste, Bilbon Sacquet finit par proposer une transaction avec l'appui de Bard, car ayant réussi à s'emparer du fameux Arkenston que Thorin convoite ardemment.

Epique et grandiose, La Bataille des 5 armées continue de déployer sa maestria technique parmi le talent perfectionniste de Peter Jackson. Les séquences de batailles homériques s'avérant aussi fluides et redoutablement inventives dans leur sens chorégraphique que vertigineuses dans l'ampleur imposée aux milliers de figurants. Renouvelant avec habileté moult confrontations belliqueuses entre batailles rangées et monstres gargantuesques, les altercations de masse qui s'ensuivent finissent également par se confiner vers des confrontations individuelles entre héros stoïques et orques sanguinaires. A cet égard, la Bataille des 5 armées fait preuve d'une intensité dramatique dans le châtiment invoqué à certaines victimes, particulièrement celles abusant de bravoure pour tenir lieu du sens de l'héroïsme et du sacrifice. Brassant les thème de la dignité et de la loyauté (la fonction médiatrice de Bilbon), de la rédemption (la soudaine prise de conscience de Thorin !), de l'amour et de la perte de l'être aimé (la situation précaire de l'elfe Tauriel et sa remise en cause des sentiments), Peter Jackson privilégie la caractérisation humaine de ces héros redresseurs de torts impliqués dans une lutte pour la justice et le pouvoir. Les forces du Bien et du Mal se déchaînant avec fureur et passion afin d'asseoir leur réputation sur l'autel de la montagne sacrée.  

Ultra spectaculaire dans ses affrontements de masse et la scénographie aérienne de décors dantesques, mais aussi poignant dans sa dernière partie tragique, La Bataille des 5 armées clôt le chapitre du Hobbit avec humilité de la raison, force des sentiments, sens du devoir et de l'honneur. Si une fois encore, il n'atteint pas l'acuité épique de la trilogie de l'anneau, ses réflexions sur l'influence du pouvoir et la préservation de l'écologie ne manquent pas d'intensité autour de l'implication des rivalités humaines et belliqueuses. Une excellente conclusion conçue dans la générosité du spectacle (à l'instar de son prologue flamboyant !) parmi l'autorité intègre d'un auteur féru d'égard pour Tolkien. 

Le Hobbit: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/12/photo-empruntee-sur-google-appartenant.html
Le Hobbit 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/le-hobbit-la-desolation-de-smaug-hobbit.html

Bruno Matéï

La Femme-Reptile / The Reptile

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de John Gilling. 1966. Angleterre. 1h31. Avec Noel Willman, Jacqueline Pearce, Ray Barrett, Jennifer Daniel, Marne Maitland, Michael Ripper.

Sortie salles France: 2 Août 1967

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Gilling est un réalisateur et scénariste anglais, né le 29 Mai 2012 à Londres, décédé le 22 Novembre 1984 à Madrid (Espagne). 1957: Pilotes de haut-vol. 1958: Signes particuliers: néant. 1959: L'Impasse aux Violences. 1961: Les Pirates de la Nuit. 1962: L'Attaque de San Cristobal. 1966: L'Invasion des Morts-Vivants. 1966: La Femme Reptile. 1967: Dans les Griffes de la Momie. 1975: La Cruz del diablo.

Seconde et avant-dernière incursion de John Gilling chez la Hammer Films, la Femme-Reptile adopte une facture quelque peu orientale autour de l'apparition singulière d'un monstre reptilien victime d'une malédiction. 

Le Pitch: A la suite de la mort de son frère, Harry Spalding et son épouse décident de s'installer dans sa demeure au sein du village de Cornwall. Autour d'eux, d'étranges incidents meurtriers vont les contraindre à faire équipe avec un aubergiste afin d'enquêter sur les activités obscures d'un médecin et de son entourage familial. 

A partir d'un concept original, et pour redorer un sang neuf aux monstres classiques dérivés de la  Universal, le réalisateur fait preuve d'une belle maîtrise dans l'art de nous conter une histoire d'épouvante jamais poussive, de par son suspense latent savamment entretenu et l'intensité des situations horrifiques qui y émanent. 

Ce qui importe surtout avec la Femme Reptile est de se laisser entraîner dans le cheminement studieux d'un couple et d'un tenancier, témoins malgré eux de disparitions aussi soudaines que mystérieuses mais déterminés à aller jusqu'au bout de leur enquête. Outre le caractère envoûtant de sa scénographie gothique ou de sa campagne nocturne éclairée d'une photo sépia, le film réussit à distiller une atmosphère diaphane au sein de la demeure d'un théologiste originaire d'un secret. Accompagné de sa fille anxieuse, ce paternel austère et castrateur s'avère le pivot dramatique de l'intrigue car ne cessant de nous interroger sur sa potentielle culpabilité ou complicité. A l'instar de son domestique ombrageux faisant preuve d'une certaine autorité sur lui avec une dérision sarcastique. On est d'ailleurs frappé par le charisme glaçant de ces personnages offrant un pied de nez à la bonhomie attachante du couple et de l'aubergiste, communément prémunis par l'héroïsme de dernier ressort. En ce qui concerne les apparitions du monstre, si aujourd'hui l'aspect cheap du maquillage peut (peut-être) prêter à sourire, il n'en demeure pas moins crédible dans sa manière viscérale de provoquer l'effroi face à ces morsures redoutablement mortelles. Des séquences étonnamment impressionnantes qui sont parvenues à me procurer de cinglants frissons notamment de par les effets de surprise savamment procurés. En prime, John Gilling sait utiliser avec dextérité l'effet de suggestion lors de ces rares apparitions afin de mieux cultiver l'angoisse du suspense quand à ses prochaines altercations ! Sur ce point, les séquences chocs s'avèrent aussi redoutablement efficaces à travers leur réalisme incisif et pour l'intensité de l'agonie lorsque les victimes tuméfiés succombent à l'asphyxie. 

Envoûtant et captivant, notamment par son aura de fascination prégnante, la Femme-Reptile privilégie la progression du suspense en utilisant les ressorts dramatiques d'une famille désunie par une conspiration orientale. Epaulé d'un récit remarquablement structuré et du charisme inflexible des comédiens absolument irréprochables, John Gilling exploite un nouvel archétype du monstre humain avec brio indiscutable. Un énième chef-d'oeuvre de la Hammer Films gardant intact son pouvoir d'étrangeté et de séduction. 

Bruno 

06.04.24. 4èx. Vo

ROAD TO PALOMA

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Jason Momoa. 2014. U.S.A. 1h31. Avec Jason Momoa, Sarah Shahi, Lisa Bonet, Michael Raymond-James, Wes Studi, Jill Wagner, Timothy V. Murphy, Chris Browning.

Sortie salles U.S: 11 Juillet 2014

FILMOGRAPHIE: Jason Momoa est un acteur et réalisateur américain, né le 1er Août 1979 à Honolulu (Hawaii).
2014: Road to Paloma

Révélé par la série Game of Thrones, l'acteur Jason Momoa s'autorise aujourd'hui de passer derrière la caméra avec Road to Paloma. Un road movie contemplatif illustrant la virée à moto d'un Amérindien après que ce dernier eut vengé la mort de sa mère en assassinant son meurtrier. Recherché par un agent du FBI, Robert Wolf parcourt les contrées de l'ouest américain afin de regagner un lac pour y déposer les cendres de la défunte. Spoiler ! Sur son chemin, il va se lier d'amitié avec un jeune marginal sans le sou, aborder une romance avec une indienne, secourir une femme sauvagement agressée et s'inviter en dernier ressort chez sa soeur pour tenir lieu d'un au revoir, ou d'un adieu... Fin du Spoil.

Pour une première réalisation à faible budget, Jason Momoa privilégie le drame intimiste sur fond de road movie existentiel, l'intrigue relatant les pérégrinations d'un justicier en évasion profondément meurtri depuis le viol de sa mère, faute de crime impuni. Hymne à la liberté et à la beauté de la nature, qu'elle soit esthétiquement sauvage ou épanouie, Jason Momoa voue une sensibilité pour le lyrisme crépusculaire au travers de séquences intimistes en apesanteur où l'émotion vient gentiment nous aborder. La pudeur et la tendresse qui en découlent provoquant chez nous une implication empathique chez la condition mélancolique du protagoniste que Jason Momoa endosse avec virilité et noblesse. Bien que la réalisation ne s'avère pas des plus maîtrisée et que le jeu des acteurs pèche par moments par manque d'aplomb, on peut compter sur l'intégrité de l'auteur à mettre en relief le parcours existentiel d'un Amérindien profondément blessé par les partialités d'une Amérique fourbe n'ayant que peu de déférence auprès de sa communauté. Si le scénario ne réserve guère de surprise quand à l'issue fatale du dénouement et ne fait que souligner le périple indécis du meurtrier en perdition, la beauté formelle d'une nature spirituelle, les touches poétiques fondées sur les notions d'amour et d'amitié, et la revendication d'une justice individuelle, nous touchent par la sincérité du propos.

Avec une volonté d'immerger le spectateur dans une odyssée routière émaillée de lyrisme et de poésie éthérée, Jason Momoa compte sur le témoignage humble de la communauté indienne pour nous laisser dériver vers un no man's land aussi poignant que désenchanté. Un essai prometteur donc, par son charme requis et ses bonnes intentions si on accepte la lenteur de l'intrigue au profit d'une ambiance naturaliste souvent lancinante.

Dédicace à Isabelle Rocton.
Bruno Matéï

Danse Macabre / Danza macabra

                Photo empruntée sur Google, appartenant au site onashoestringbudgetwithnoshoes.blogspot.com

de Antonio Margheriti et Sergio Corbucci. 1964. Italie. 1h30. Avec Barbara Steele, Georges Rivière, Margarete Robsahm, Henry Kruger, Montgomery Glenn, Sylvia Sorrent.

Sortie salles France: 14 Avril 1965. U.S: 29 Juillet 1964.

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi.
1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Un an après la Vierge de Nuremberg, Antonio Margheriti poursuit l'épouvante gothique avec Danse Macabre considérée à juste titre comme sa pièce maîtresse. A l'instar de son homologue La Sorcière Sanglante sorti la même année, il requiert l'emploi du noir et blanc pour transcender son conte macabre. Une histoire d'amour impossible (ou presque !) entre un noble cartésien et une revenante d'outre-tombe. Si bien qu'à la suite d'un pari avec le propriétaire d'un château, un journaliste doit passer une nuit entière dans sa demeure parmi la potentielle présence de fantômes. A partir de cette trame linéaire digne d'une série Z, Antonio Margheriti exploite son potentiel anxiogène parmi l'originalité d'un script combinant les thématiques de hantise et du vampirisme. Terriblement envoûtant et fascinant de par son atmosphère éthérée d'un manoir régi par des amants diaboliques et pendant laquelle un journaliste est venu observer leur potentielle résurrection, Danse Macabre s'applique à nous convaincre de l'intrusion du surnaturel parmi son témoignage en prise avec d'étranges hallucinations. Car au sein de ce décor gothique décati, unique refuge des morts, deux univers parallèles coexistent lorsque le visiteur se porte témoin impuissant de la présence des fantômes venus lui remémorer leur passé meurtrier. 

Incapables d'assumer leur fardeau criminel (ils se sont entretuer pour la rancune d'une adultère) et avides d'amour et de source de vie, il se refusent à emprunter le seuil de l'au-delà mais réussissent à subsister en se nourrissant du sang des vivants. Pour ce faire, ils n'ont qu'à patienter l'arrivée du nouvel hôte venu s'introduire dans leur propriété le temps d'une nuit en guise de challenge. Abordant les tabous de l'infidélité conjugale et du saphisme en cette époque puritaine, Danse Macabre  cultive un certain goût pour l'audace (parfois lubrique), notamment lors de ses instants de poésie morbide sans doute influencé par Le Masque du Démon de Mario Bava. Je songe particulièrement à la séquence de la crypte auquel un cadavre émacié se met à respirer lentement du fond de son cercueil. Outre l'inquiétude feutrée s'exaltant des parois du manoir, Danse Macabre transfigure la thématique universelle de l'amour passionnel en la présence iconique de Barbara Steele. Cette dernière endossant avec son traditionnel magnétisme sensuel la femme de tous les désirs que notre journaliste s'alloue inévitablement d'y courtiser. Par le biais de ce couple en quête d'étreinte éternelle, le film fait preuve d'un romantisme éperdu dans leur condition maudite et leur soutien mutuel à se prémunir de la mort. C'est d'ailleurs par l'amour qu'Elisabeth se sent en vie avant de se contenter du sang des vivants. 

Le château des amants maudits

Infiniment fascinant et envoûtant dans le parcours chaotique d'un athée gagné par une paranoïa progressive car témoin malgré lui de l'existence après la mort, Danse Macabre encense le poème macabre. Ou l'art de narrer la romance improbable entre deux amants scindés par leur condition existentielle. Celle des inconséquences de la vie et de la mort. 

Bruno 

08.12.24. 4èx. 4K VOST