Piranhas

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site lavisqteam.fr

de Joe Dante. 1978. U.S.A. 1h34. Avec Bradford Dillman, Heather Menzies, Kevin McCarthy, Keenan Wynn, Barbara Steele, Shannon Collins.

Sortie salles France: 15 Novembre 1978. U.S: 3 Août 1978

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984). 1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978: Piranhas. 1981 : Hurlements. 1983 : La Quatrième Dimension, troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich, 5 sketchs .1987 : L'Aventure Intérieure. 1989 : Les Banlieusards. 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération . 1993 : Panic sur Florida Beach . 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action . 2006 : Trapped Ashes , premier segment, Wraparound. 2009 : The Hole.

Piranha. Définition (source Wikipedia): Le terme Piranha est un nom ambigu qui désigne plusieurs espèces de poissons d'eau douce vivant dans les rivières d'Amérique du Sud. Les piranhas se regroupent en bancs pour attaquer une proie plus grosse qu'eux. Ils n'en restent pas moins souvent solitaires, quelle que soit leur taille. Leur longueur moyenne est d'environ 15 à 25 cm ; ils peuvent cependant être plus grands. La plupart sont des prédateurs avec des dents aiguës et un appétit pour la viande. Contrairement à ce que dit la légende, ils ne s'attaquent pas systématiquement aux êtres vivants, mais seulement en présence de sang dans l'eau. Ils peuvent détecter la présence d'une goutte de sang dans l'eau à plusieurs dizaines de mètres.

Démarquage sardonique des Dents de la Mer, Piranhas prône l'amour de la série B sous la houlette du réalisateur néophyte Joe Dante (il s'agit de son second long-métrage) et du célèbre producteur Roger Corman. Le Pitch: Faute d'expériences génétiques de l'armée et de l'inadvertance d'une journaliste, des piranhas d'eau douce parviennent à s'échapper de leur bassin d'expérimentation pour rejoindre la rivière du coin. Un jeune couple vaillant tente d'alerter la population locale au moment même ou le corps militaire s'efforce d'étouffer l'affaire. L'insouciance des bambins d'une colonie de vacances et les touristes d'une station balnéaire vont prochainement servir d'appât aux poissons carnassiers. Avec les moyens du bord mais beaucoup de perspicacité dans la confection d'effets spéciaux adroits et dans l'utilisation judicieuse d'une bande-son grésillante, Joe Dante en extrait un petit modèle d'efficacité. La manière sagace à laquelle il s'emploie à suggérer les exactions des piranhas relevant du prodige par la vigueur du montage et l'impact graphique de certains cadavres lacérés ! 

Pourvu d'une photo soignée afin de souligner l'ambiance estivale de son environnement champêtre, Piranhas insuffle une belle atmosphère solaire autour de l'épanouissement de vacanciers quand bien même la couleur du sang va venir ternir le paysage édénique ! Emaillé de séquences chocs aussi intenses qu'épiques, l'intrigue s'avère d'autant plus haletante parmi l'autorité solidaire d'un couple de héros détournant l'hypocrisie de l'armée et des forces de l'ordre (stratégie d'évasion, vol de véhicule de police, course automobile) au profit de la survie des baigneurs. Fustigeant au passage les manipulations génétiques expérimentées pour la guerre bactériologique et chimique, Joe Dante cultive un goût pour la provocation en pointant du doigt l'hypocrisie américaine jamais remise de la guerre du Vietnam. Outre le caractère jouissif de deux séquences de panique assez intenses en terme de dramaturgie (au passage, les enfants trinquent), Piranhas doit autant son attrait ludique parmi  les attachantes trognes de seconde zone pleins de charisme. Outre la bonhomie badine que forme le duo héroïque Bradford Dillman / Heather Menzies, on y croise également Kevin McCarty en savant-fou névrosé, Belinda Balaski en monitrice vertueuse et Paul Bartel en directeur bourru de colonie de vacances. Quand bien même du côté des antagonistes véreux on y côtoie l'acteur fétiche Dick Miller en magistrat couard, la reine de l'horreur gothique Barbara Steele en médecin affabulatrice et Bruce Gordon en colonel indigne.  

Scandée de la partition lancinante de Pino Donaggio aux accents fragiles, Piranhas exploite le filon horrifico-catastrophique initié par Spielberg avec un goût prononcé pour la dérision ainsi qu'une pointe de tendresse au travers de séquences intimistes innocentes. Bougrement ludique, ce petit classique du B movie allie d'autant mieux les séquences-chocs percutantes et le suspense exponentiel avec un sens infaillible de l'efficacité !

Bruno

06.05.23. 6èx

La Chronique de Piranha 3D: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/02/piranha.html

L'Antre de la Folie / In the mouth of madness. Prix de la Critique, Fantasporto 96.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site arkhamdrive-in.com

de John Carpenter. 1994. U.S.A. 1h35. Avec Sam Neil, Jürgen Prochnow, David Warner, Charlton Heston, Julie Carmen, John Glover, Frances Bay.

Sortie salles France: 8 Février 1995. U.S: 3 Février 1995

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 :The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible, 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Ultime volet de sa trilogie de l'apocalypse initiée par The Thing et Prince des Ténèbres, l'Antre de la Folie est l'un des rares films d'avoir su traiter du thème de la folie avec autant de puissance d'évocation, de par son imagerie paranoïde héritée de l'univers de Lovecraft. Si le scénario n'est en rien le prototype d'un des romans de l'écrivain, John Carpenter lui rend dignement hommage à travers un récit tortueux suggérant plus qu'il ne montre l'ascension du Mal, entre fiction et réalité jusqu'à la conjonction. D'une étonnante subtilité pour le cheminement schizophrène d'un assureur rationnel peu à peu gagné par la perplexité, l'Antre de la folie transcende son investigation parano à travers l'influence d'un écrivain porté disparu. Ce dernier s'avérant le maître de cérémonie de la folie progressive après s'être laissé inspiré par des créatures tapies dans l'ombre des enfers.

Truffé de séquences anxiogènes irrésistiblement effrayantes ou déstabilisantes à travers leur facture baroque particulièrement sardonique, l'Antre de la Folie est entièrement dédié à la singularité d'un scénario retors littéralement ensorcelant. Le Mal étant le pilier d'une malédiction conçue pour annihiler l'espèce humaine. Rien que ça ! Car par l'entremise des écrits diaboliques d'un roman d'horreur prenant forme dans la réalité de notre quotidien et possédant un à un les esprits du lectorat (avec en filigrane une réflexion sur les dangers du fanatisme éprouvant plus d'intérêt à se tailler une raison existentielle au sein de la fiction), les forces du Mal ont décidé de parachever leur dessein afin de matérialiser l'apocalypse sur terre. Leur suprématie, leur arme infaillible pour duper l'ennemi: l'extension de la folie du point de vue d'un public fanatique addicte aux romans d'horreur ! Cette mise en abyme, l'enchâssement insinueux de la fiction au sein de notre quotidennieté, John Carpenter la maîtrise à la perfection par le biais d'une réalisation vertigineuse renouvelant sans cesse l'angoisse des situations inédites. A l'instar de son final espiègle désireux de railler cette fois-ci l'esprit du spectateur pour le contaminer à son tour dans une folie contagieuse. Cette ironie mordante cultivé par un venin reptilien est également une des forces du métrage afin de mettre en exergue l'esprit sarcastique de son thème principal: la paranoïa collective engendrant l'hystérie meurtrière tout en nous interrogeant sur notre réalité potentiellement créée/manipulée par un alchimiste, un créateur, un apprenti sorcier apatride, 

Une expérience schizo douée d'organisme.
Réflexion sur l'identité, la paranoïa et le fanatisme, méditation sur le pouvoir de persuasion à travers l'autorité d'un auteur mais aussi du point de vue visionnaire d'un cinéaste, l'Antre de la Folie semble avoir été écrit par un diable ricaneur tant la puissance de ses images dérangeantes nous transfigure l'avènement de l'apocalypse. Chef-d'oeuvre schizo s'il en est, (dans) l'Antre de la Folie (titre on ne peut mieux approprié) est également un jubilatoire exorcisme à nos pire frayeurs pour sa parabole impartie à l'influence du Mal et à notre attrait irrésistible pour la fiction conçue pour nous ensorceler.

*Bruno
28.08.24. 4èx. Vostfr

L'Incroyable Alligator

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site imgsoup.com

"Alligator" de Lewis Teague. 1980. U.S.A. 1h31. Avec Robert Forster, Robin Riker, Michael V. Gazzo, Dean Jagger, Sydney Lassick, Jack Carter, Perry Lang, Henry Silva.

Sortie salles France: 16 Juin 1982. U.S: 2 Juillet 1980

FILMOGRAPHIE: Lewis Teague (né le 8 mars 1938 à Brooklyn, New-York, Etats-Unis) est un réalisateur, monteur, acteur et directeur de la photographie américain. 1974: Dirty O'Neil. 1979: The Lady in red. 1980: L'Incroyable Alligator. 1982: Fighting Back. 1983:Cujo. 1985: Cat's Eye. 1985: Le Diamant du Nil. 1989: Collision Course. 1990: Navy Seals: les meilleurs. 1991: Wedlock.

Un formidable B movie parvenant avec des moyens modestes à nous faire croire à l'improbable en la présence incongrue d'un alligator géant ! 

Dans la lignée de C.H.U.D et d'Epouvante sur New-York réalisés quelques années plus tard et d'une poignée de séries Z (Killer Crocodile, Alligator, Crocodile), L'incroyable Alligator exploite le filon du gigantisme animalier lorsqu'un croco devient la victime d'une mutation génétique à la suite d'un produit toxique déversé dans les égouts par des scientifiques peu scrupuleux. Confiné dans les canalisations, il hante les lieux à la quête de proies humaines. Après la découverte de cadavres déchiquetés, les médias s'emparent de l'affaire et créent un vent de panique alors que l'inspecteur David Madison est chargé de l'enquête. Inspiré des Dents de la mer pour reprendre son concept horrifico-catastrophiste, l'Incroyable Alligator se porte également héritier des classiques alarmistes des années 50 parmi lesquels Des monstres attaquent la ville ou la Chose surgie des ténèbres. Dénonçant en filigrane les dérives illégales de la vivisection lorsque des scientifiques sans vergogne ont décidé d'expérimenter un produit chimique (un dérivé de la testostérone) sur des animaux de labo, Lewis Teague aborde les dangers de la pollution en guise d'agroalimentaire. Outre sa volonté militante de fustiger les dérives de la science sans toutefois en châtier ses responsables, l'intrigue met surtout en pratique l'investigation ardue d'un détective et d'une charmante scientifique afin de débusquer l'alligator.

Arpentant sans succès les égouts parmi une escorte de spécialistes, David Madison est également compromis par l'accueil impromptu d'un chasseur mégalo avant de se réconforter dans les bras de sa collègue. Si sa structure narrative conventionnelle (massacres, enquête, idylle amoureuse, traque en règle) fait preuve de paresse pour renouveler son concept horrifique, la bonhomie attachante du couple de héros formé par Robert Foster et Robin Riker, et l'aspect fascinant de la créature disproportionnée cultivent une constante efficacité à l'ensemble purement divertissant. Notamment par le biais de deux séquences aussi spectaculaires qu'audacieuses dans leur schéma catastrophique, témoignage de masse d'une population en panique à l'appui ! L'alligator ayant parvenu à rejoindre les ruelles de la ville, particulièrement celle où une réception bat son plein parmi l'élite d'invités mondains. Avec modestie, et afin de renforcer son degré de réalisme, le cinéaste combine astucieusement la qualité d'effets mécaniques avec l'authenticité d'un saurien déambulant autour de maquettes très réussies. Ainsi, en dépit de son aspect bricolé pour autant pétri de charme, ses séquences jouissives parviennent autant à amuser qu'à provoquer frisson et fascination, effets gores soignés en sus.

Si l'Incroyable Alligator pâti d'un manque de densité à travers sa structure narrative et d'une absence de psychologie du point de vue de nos héros bonnards, la décontraction amusée de l'excellent Robert Foster, ses seconds rôles tous aussi charismatiques (Henry Silva en tête !), ses touches d'humour fantaisistes (l'intrusion grotesque du poseur de bombe dans le commissariat, le merchandising autour de la célébrité de l'alligator), son savoir-faire technique, comme le souligne la présence surdimensionnée du caïman, parviennent à élever cette attrayante série B au rang de classique du Monster movie.

*Bruno Matéï
11/03/22.

4èx.

Les Monstres de la Mer / Humanoids from the deep/Monster

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site boblarkin.blogspot.com

de Barbara Peeters. 1980. U.S.A. 1h20. Avec Doug McClure, Ann Turkel, Vic Morrow, Cindy Weintraub, Anthony Penya, Denise Galik-Furey, Lynn Theel.

Sortie salles : 28 Août 1980

FILMOGRAPHIE: Barbara Peeters est une réalisatrice, scénariste, actrice et productrice américaine. 1970: Je suis une hard-girl. 1972: Bury me an Angel. 1974: Summer School Teachers. 1978: Starhops. 1980: Les Monstres de la Mer.

Produit par Roger Corman, juste avant qu’il ne se consacre à d’autres projets tout aussi débridés (La Galaxie de la Terreur, Mutants), Les Monstres de la mer peut sans conteste rejoindre ce duo gagnant tant il est conçu avec autant d’intention sincère que de maladresse. Cette contradiction engendre un divertissement d’une dérision irrésistible, porté par des ressorts dramatiques que la réalisatrice aborde gravement, à l’aide d’un montage sporadique mais efficace. Bourré de clichés et de personnages stéréotypés, Barbara Peeters en abuse sans complexe pour divertir un public complice, venu frissonner le sourire aux lèvres. Dominé par d’aimables trognes de seconde zone bien connues des amateurs (Doug McClure et le regretté Vic Morrow !), Les Monstres de la mer s’édifie en concentré d’horreur bisseuse, uniquement voué au plaisir innocent du samedi soir.

Ciblant pour thème la pollution via le DNA 5, substance conçue pour stimuler l’hormone de croissance des saumons génétiquement modifiés à des fins agroalimentaires, l’intrigue n’est qu’un prétexte à émailler, à intervalles réguliers, agressions sanglantes d’amphibiens humanoïdes, étreintes sexuelles de jeunes touristes en rut et stratégies d’attaque menées par les résidents d’un port ! Car après avoir dévoré ces saumons mutants, les cœlacanthes (poissons crossoptérygiens) ont fini par adopter une mutation génétique semblable à celle de l’homme-poisson.

Si l’on songe naturellement au Continent des hommes-poissons de Martino, leur anatomie visqueuse évoque tout autant la créature du lac noir de Jack Arnold. Et si ces créatures quasi omniprésentes prêtent à sourire par leur apparence grand-guignolesque et leur posture tantôt meurtrière, tantôt lubrique (elles n’hésitent pas à violer des filles en bikini, étendues sur la plage, pour parachever leur évolution !), la qualité des maquillages fascine néanmoins par leur aspect étonnamment réaliste. On est en tout cas loin de la défroque caoutchouteuse des Kaijus japonais issus de la Toho.

Délibérée à façonner un pur produit d’exploitation dédié à la vigueur trépidante, Barbara Peeters ne perd pas de temps et embraye dès les premières minutes : deux rebondissements tragiques précèdent une hilarante baston de rue, où les coups pleuvent sous l’œil hilare de la foule d’un bal populaire. L’intrigue se recentre ensuite sur les tensions entre un pêcheur raciste (Vic Morrow), très remonté contre la défiance d’un Indien placide, et un pêcheur pacifiste (Doug McClure), venu prêter main-forte au second avant de découvrir l’origine des humanoïdes, épaulé d’une scientifique.

Pour parachever ce traditionnel concept catastrophiste hérité des Dents de la mer, Les Monstres de la mer surenchérit avec la fête annuelle de la station balnéaire, où les créatures, réunies en masse, vont ébranler la tranquillité des invités. Une scène de panique anthologique, fertile en rebondissements sanglants et en explosions, quand bien même la drôlerie involontaire de la plupart des affrontements naît autant de la frénésie risible des monstres que de celle des protagonistes, surjouant leur condition épeurée.

Débordant de générosité entre action homérique, sexe polisson et effusions de gore parfois spectaculaires, Les Monstres de la mer alterne cocasserie et fascination. Par le biais de ses créatures avides de rancœur meurtrière et de la prestance cabotine de comédiens de seconde zone, sobrement impliqués dans leur héroïsme en herbe, il émane de cette savoureuse série B un charme bonnard, aussi grotesque que jouissif, fréquemment rehaussé par le grand-guignol d’effets spéciaux adroits et de gore cracra.

*Eric Binford.

Clin d'oeil à Jean-Pierre Putters.
01.06.26. 4èx

23/09/21.

La Chronique de Mutant: http://brunomatei.blogspot.com/2012/01/mutant-forbidden-world-grand-prix-du.html
La chronique de la Galaxie de la Terreur (la): http://brunomatei.blogspot.fr/…/la-galaxie-de-la-terreur.ht…

La critique de Mathias Chaput:
Produit par Roger Corman en pleine apogée des films fantastiques et d'horreur qui fleurissaient outre Atlantique et qui remplissaient les drive-in et les salles obscures, il faut être honnête et reconnaitre que ce "MONSTRES DE LA MER" est un véritable régal, un petit bijou du genre...

Le film s'apparente sans difficultés aux « pop corn movies » qui firent le bonheur des aficionados puis bien après des vidéastes, friands de films gore de monstres, pimentés par un soupçon d'érotisme et un sens de l'action inné, qui fit l'apanage et la marque de fabrique du père Corman, qui rencontra un gros succès grâce à cette recette parfaitement huilée et à l'efficacité inaltérable et inaltérée...
Doug Mac Clure (l'inoubliable acteur des films de Kevin Connorsur les continents oubliés, "LE SIXIEME CONTINENT", "LE CONTINENT OUBLIE" et consorts) tient une composition honnête dans son rôle de redresseur de torts bourru et forçant la sympathie et les autres comédiens sont parfaitement impliqués, amplifiant la crédibilité du métrage qui pousse même le détail sur une origine de l'apparition des monstres parfaitement concevable et identifiable pour le spectateur...

Il y a une logique à tout cela, les « monstres » issus de mutations génétiques ne tombent pas là comme un cheveu dans la soupe, leur présence est la résultante de faits bien précis !
La réalisation est soignée, les effets gore font mouche (notamment dans la scène de l'attaque lors de la foire, qui vire à la pantalonnade !) jusqu'à un dénouement particulièrement graveleux et cradingue, à réserver aux plus aguerris d'entre nous...

Une bonne histoire, un bon scénario, des moyens conséquents, tout cela fait prendre la mayonnaise correctement et l'ensemble s'avère convaincant et particulièrement réussi !
Un petit bijou, témoignage d'une époque révolue, où naïveté se conjuguait avec imagination via un postulat délirant certes, mais qui tient parfaitement la route !
Excellent ! 8,5/10

2000 Maniacs / Two Thousand Maniacs

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorsociety.com

d'Herschell Gordon Lewis. 1964. U.S.A. 1h27. Avec William Kerwin, Connie Mason, Jeffrey Allen, Ben Moore, Gary Bakeman, Jerome Eden.

Sorti uniquement en video en France. Sortie salles U.S: 20 Mars 1964

FILMOGRAPHIE: Herschell Gordon Lewis est un réalisateur, scénariste, producteur, directeur de photographie, acteur et compositeur américain, né le 15 Juin 1926 à Pittsburgh, Pennsylvanie (Etats-Unis). 1963: Blood Feast. 1964: 2000 Maniacs. 1965: Monster a go-go. 1965: Color me blood red. 1967: A taste of blood. 1970: The Wizard of Gore. 1972: The gore gore girls. 2002: Blood Feast 2.

 

"2000 Maniacs : rires et viscères". 

Un an après avoir révolutionné le cinéma d’horreur avec Blood Feast, premier film sanglant de l’histoire, le néophyte Herschell Gordon Lewis exploite à nouveau son filon sanguinolent avec 2000 Maniacs, considéré à juste titre comme son film le plus ludique. Partant d’un concept aussi original qu’ubuesque, 2000 Maniacs relate les épreuves de loisir endurées par trois couples de touristes égarés à Pleasant Valley, après un détour fatal. Accueillis en grande pompe par le maire et sa populace sudiste, ces derniers n’ont qu’un dessein : sacrifier ces jeunes yankees pour fêter, dans la viande fraîche, le centenaire de la guerre de Sécession.

Dépourvu de toute ambition psychologique, porté par des comédiens amateurs et bricolé avec trois bouts de ficelle, 2000 Maniacs mise tout sur l’inventivité de ses meurtres et l’euphorie d’une population ivre de festivités. À ce titre, et avec plusieurs décennies d’avance, Lewis peut se vanter d’avoir semé la graine du "torture porn", tant ses crimes absurdes redoublent de cruauté sous l’œil hilare d’une foule hystérique ! Du supplice équin au massacre à la hache, de l’épreuve du tonneau clouté à celle du rocher, chaque mise à mort, planifiée au cœur d’une kermesse champêtre, distille une cocasserie morbide malgré le ridicule des maquillages. Lewis s’attarde sur les gros plans de chairs fendues, de membres tranchés, de plaies béantes, baignant dans un sang criard et visqueux. Et cela fonctionne, mine de rien : l’hémoglobine dégoulinante a toujours son petit effet de répulsion. Dépourvu de suspense et de véritables enjeux dramatiques, le film concède malgré tout un mince frisson du côté du dernier couple en cavale. Qu'importe, il s'y dégage un tel charme (révolu) de la pellicule vintage que l'on se laisse aguicher jusqu'au générique de fin. 

"Guerre de Sécession et kermesse de l’horreur".

Perle vintage, où l’intrigue génialement improbable s’effrite au profit du grand-guignol de défouloir, 2000 Maniacs reste aussi plaisant que délirant, et imprime à jamais sa marque sur l’autel du ciné-gore. Grâce à l’audace de ses exécutions crapuleuses, la verve pittoresque de ses rednecks incultes et l’atmosphère estivale de sa kermesse banjo en bandoulière, 2000 Maniacs mérite d’être vu et revu, avec un plaisir sardonique inchangé.

*Bruno

26.08.19. 5èx

Les Prédateurs / The Hunger

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site pixshark.com

de Tony Scott. 1983. U.S.A./Angleterre. 1h36. Avec Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Cliff De Young, Beth Ehlers, Dan Hedaya, Rufus Collins, Suzanne Bertish, James Aubrey, Ann Magnuson... 

Sortie salles France: 13 juillet 1983   U.S.A: 29 avril 1983

FILMOGRAPHIE: Tony Scott (né le 21 juillet 1944 à Stockton-on-Tees, Royaume-Uni - ) est un réalisateur, producteur, producteur délégué, directeur de la photographie, monteur et acteur britannique. 1983 : Les Prédateurs, 1986 : Top Gun, 1987 : Le Flic de Beverly Hills 2, 1990 : Vengeance,1990 : Jours de tonnerre, 1991 : Le Dernier Samaritain,1993 : True Romance, 1995 : USS Alabama,1996 : Le Fan,1998 : Ennemi d'État, 2001 : Spy Game, 2004 : Man on Fire,   2005 : Domino, 2006 : Déjà Vu, 2009 : L'Attaque du métro 123, 2010 : Unstoppable.

"La Soif et le Silence".

Premier essai derrière la caméra de Tony Scott, Les Prédateurs marqua toute une génération de spectateurs, principalement grâce à son épure formelle scandant un requiem d’amour et de mort autour de l’avarice vampirique pour une jeunesse éternelle. Novateur dans son refus hétérodoxe du thème éculé, Tony Scott ose également confronter à l’écran deux icônes singulières que le duo David Bowie / Catherine Deneuve transfigure avec une grâce élégiaque.
 

Le Pitch: À New York, John et Myriam sont des vampires, unis dans un amour passionnel depuis des millénaires. Jusqu’au jour où John, frappé par une étrange maladie – peut-être la progéria –, commence à vieillir à vitesse accélérée. Condamné, Myriam accepte difficilement le fardeau avant de reporter son affection sur Sarah, une doctoresse spécialisée dans la longévité, contactée par John en ultime recours.

"Les Derniers Soupirs de l’Immortel".
Échec public à sa sortie, peut-être en raison de son rythme languide, entièrement dévoué à la beauté des images et à la fragilité de ses personnages en perdition, Les Prédateurs s’impose comme une œuvre atypique dans le paysage vampirique. En témoigne son prologue musical : clip new wave dans une boîte punk, où John et Myriam, lunettes noires et cuir noir, attirent leurs proies dans leur appartement pour une étreinte macabre. Le tube Bela Lugosi’s Dead de Bauhaus intensifie cette séquence hypnotique, entre exactions sanglantes et romantisme mortuaire.
En montage parallèle, Scott juxtapose deux séquences : la fureur d’un singe dévorant son compagnon et l’union charnelle de John et Myriam avant leur rituel sacrificiel. Leur Ankh, bijou égyptien renfermant une lame, scelle le destin de leurs victimes.
Passé cet interlude expérimental, l’ambiance bascule dans la douceur d’une mélodie classique, nous immergeant dans le cocon victorien du couple. La première partie, anxiogène et poignante, relate la dégénérescence inexorable de John. Les maquillages hyperréalistes de Dick Smith impressionnent dans leur précision à décatir Bowie étape par étape, jusqu’aux macchabées du final, saisis dans une putrescence glaciale. Ces instants de poésie charnelle éveillent une empathie profonde pour ce vampire en bout de course. Ue émotion élégiaque émerge, magnifiée par l’esthétisme épuré de Tony Scott. 

 

"Sous les draps de soir, le néant".
Les Prédateurs explore la fatalité de la mort sous le prisme de l’injustice du temps, qui érode inexorablement jusqu’à ce que nos restes rejoignent la poussière. Mais pour le vampire, point de repos ni de salut : seulement l’errance dans l’opacité, accompagné des soupirs d’ancêtres parcheminés pleurant leur immortalité.
La seconde partie s’oriente vers l’attraction de Sarah pour Myriam. Une union saphique consumée dans la douceur d’un appartement soyeux, drapé de linceuls, sculptures et soieries, où l’érotisme langoureux se mêle au poison. Sarah, séduite, devient l’héritière conjugale, remplaçant John, mais rattrapée bientôt par le doute et la culpabilité.
Que dire de ce casting ? Qui aurait imaginé Catherine Deneuve, icône française, aux côtés de David Bowie dans un film fantastique ?
Deneuve, tout en distance, froideur et majesté, incarne une vampire aristocratique, briseuse de cœurs, lasse de voir ses amants faner. Bowie, bouleversant dans sa posture de mourant, s’accroche désespérément à un reste de vie, jusqu’au dernier sacrifice. Susan Sarandon, quant à elle, s’impose par sa sensibilité confuse, tiraillée entre désir et rédemption.

"Éternité en cendres"

Réflexion sur la vieillesse comme lente agonie, sur le temps qui efface les visages et sur l’illusion de l’amour éternel, Les Prédateurs s’érige en poème funèbre, où l’obscurité s’impose comme ultime refuge.
Entre la fulgurance d’une photographie picturale aux accents classiques et le score électro-baroque de Rubini et Jaeger, ce chef-d’œuvre sensuel et glaçant irradie une beauté morbide. Le film distille une aura trouble, incandescente, suspendue entre deux baisers : Deneuve / Bowie, Deneuve / Sarandon. Deux crépuscules, deux tragédies. Une seule éternité.

Bruno Matéï
09.01.11. 4èX. (137 vues)
10.06.14. 5èx

                                     

PSYCHOSE

                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site emkafilms7.over-blog.com

Psycho d'Alfred Hitchcock. 1960. U.S.A. 1h49. Avec Anthony Perkins, Vera Miles, Janet Leigh, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Patricia Hitchcock.

Sortie salles France: 2 Novembre 1960. U.S: 16 Juin 1960

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980. 1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

Précurseur du psycho-killer, chef-d'oeuvre du 7è art classé 18è sur les 100 meilleurs films américains et 1er sur les 100 meilleurs thrillers par l'American Film Institute, Psychose révolutionna le cinéma d'horreur au moment même où il révéla au public le jeune acteur Anthony Perkins. Littéralement habité par son rôle démoniaque, ce dernier parvenant à magnétiser l'esprit du spectateur dans ses échanges de regard mêlés de fourberie et de perversité. L'intensité ensorcelante qui émane de sa prestance s'avère si subtile qu'on jurerait avoir affaire à un authentique serial-killer, quand bien même le spectateur s'ébranlera de stupeur sur l'origine de sa pathologie impartie au dédoublement de personnalité. Solitaire vivant reclus dans un motel et hanté par la mort de sa mère au point de se travestir en elle, Norman Bates caractérise le tueur désaxé dans sa plus terrifiante définition ! Dans le sens du repli sur soi et d'une perte de contact avec la réalité, Norman étant obsédé par l'amour maternel, la jalousie, l'infidélité. Modèle de suspense à la tension exponentielle où l'horreur gothique vient s'infiltrer autour d'une étrange bâtisse résidée par une rombière, Psychose allie crime passionnel et investigation policière sous l'autorité d'un détective privé et d'un couple à la recherche d'une disparue. Marion Crane ayant osé dérober 40 000 dollars à son patron afin de fuir son état pour s'exiler avec son amant. Sur sa route, une pluie battante la contraint de séjourner vers un motel le temps d'une nuit de sommeil. La suite, les millions de fans continuent d'applaudir le tour de force technique alloué à sa mise à mort ! 

Un homicide gratuit aussi brutal que suggéré quand bien même les spectateurs de l'époque ne se remirent jamais d'un rebondissement aussi couillu ! A savoir supprimer l'héroïne au bout de 47 minutes de métrage alors que le public lui vouait une indéniable empathie malgré son indignité. Du jamais vu pour l'époque ! Ce meurtre anthologique perpétré sous la douche valut d'ailleurs à son auteur 7 jours de tournage pour 45 secondes de plans ! Outre la virtuosité de cette séquence choc dont un prochain meurtre aussi percutant viendra confirmer l'agissement méthodique du coupable, Psychose cultive une puissance de fascination par l'élaboration d'un suspense implacable et par la direction hors-pair de comédiens suscitant la tourmente. Par le biais des rapports de force entretenus entre nos protagonistes et Bates, Alfred Hitchcock joue avec leur esprit de suspicion qu'ils éprouvent dans l'inimitié afin d'éclaircir ou de taire la disparition inexpliquée. Bates cumulant au fil de ses interrogatoires les contradictions malgré son flegme faussement avenant, une maladresse qui éveillera la curiosité des investigateurs avides de preuves. Côté horreur oppressante, le cinéaste transfigure l'esthétisme gothique d'une demeure imposante, véritable personnage du film, alors que Madame Bates suggère de temps à autre sa silhouette derrière la fenêtre de sa chambre ! Le sentiment d'insécurité perçu chez nos inquisiteurs sillonnant la demeure, leur inquiétude grandissante d'y découvrir l'identité d'une mégère (potentiellement décédée) et la posture instable de Norman Bates insufflant au fil de leur vaillance une angoisse tangible qui s'acheminera vers un climax littéralement cauchemardesque.

Hypnotique et glaçant dans sa science affûtée d'un suspense à couper au rasoir, Psychose s'édifie en leçon de mise en scène par le brio machiavélique de son auteur, la percussion stridente de Bernard Hermann et l'impulsion diabolique d'Anthony Perkins. Jouant subtilement avec l'inquiétude et l'angoisse de situations indécises, l'oppression et la terreur d'oser y percer un secret mortifère, Psychose cumule les morceaux d'anthologie avec une régularité jubilatoire.

La Chronique de Psychose 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/05/psychose-2-psycho-2.html

                            Psychose 3: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/08/psychose-3.html
Bruno 
5èx

THE SMELL OF US

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site aufeminin.com

de Larry Clark. 2015. France. 1h28. Avec Lukas Ionesco, Diane Rouxel, Théo Cholbi, Hugo Behar-Rhinières, Rayan Ben Yaiche, Maxime Terin, Adrien Binh Doan.

Sortie salles France: 14 Janvier 2015. Interdit au - de 16 ans.

FILMOGRAPHIE: Larry Clark est un réalisateur, photographe, directeur de la photographie, né le 19 Janvier 1943 à Tulsa dans l'Oklahoma.
1995: Kids. 1998: Another Day in Paradise. 2001: Bully. 2002: Teenage Caveman (télé-film). 2002: Ken Park. 2004: Wassup Rockers. 2006: Destricted (segment Impaled). 2012: Marfa Girl (uniquement dispo sur le net). 2015: The Smell of us.

« Larry a perdu le contrôle, il est devenu barge ! Je suis sorti de cette expérience lessivé et abattu. » Lukas Ionesco.

Pour son nouveau long-métrage, Larry Clark continue de s'épancher sur le malaise adolescent, principalement du point de vue de l'homosexualité d'un couple en perdition dont l'un est contraint de se livrer à la prostitution pour subvenir à ses besoins. Nouvelle descente aux enfers de la déshumanisation sociétale à renfort de séquences scabreuses alternant le fétichisme, l'hébéphilie et l'inceste, The Smell of Us provoque un malaise viscéral par notre fonction voyeuriste à observer ces ados avides de défonce et de sexe, ultime échappatoire d'une morne existence destituée de tendresse parentale. C'est donc leur quotidienneté blafarde que nous subissons inlassablement avec souci de réalisme extrêmement dérangeant, certains ébats sexuels ou situations obscènes n'hésitant pas flirter avec la pornographie, quand bien même la posture décomplexée de certains adultes s'avère aussi compromise à la déchéance. Mis en scène avec maîtrise et personnalité, Larry Clark possède un talent singulier à filmer la pudeur des corps en quête extatique, ce parti-pris sensitif de nous confondre dans leur peau en mal de sensations et d'expériences de tous bords. A l'instar de leur pratiques sexuelles échangées avec des sexagénaires tout aussi démunis d'affection, faute de leur âge décati. Ces derniers n'hésitant pas à s'autoriser de consommer une jeunesse impassible afin d'effleurer un semblant de compensation à leur solitude. Par le biais de ces protagonistes en perdition, on peut saluer la prestance pleine d'aplomb des jeunes comédiens en roue libre n'hésitant pas à se mettre à nu devant la caméra dans des situations parfois glauques (les attouchements pervers du sexagénaire dans la boite de nuit) ou immorales (l'inceste forcé d'une mère en ébriété auprès de son fils).

Les enfants du chaos
Constat alarmiste d'une génération abdiquée de ligue parentale et assujetti aux outils de communication modernes (internet et les smartphones incitant la jeunesse à fréquenter la pornographie mainstream), The Smell of Us arbore le documentaire scrupuleux dans son parti-pris de ne nous faire échanger la déchéance morale d'adolescents frigides déconnectés d'humanité. Il en émane une oeuvre aussi austère et désespérée qu'antipathique, d'autant plus difficilement accessible dans sa manière clinique de cumuler les séquences-chocs jusqu'à la gêne viscérale. Que l'on adhère ou que l'on rejette en bloc, l'épreuve laisse des traces pour rester difficilement digérable. 

Pour public averti.

Bruno Matéï 

Communion Sanglante / Alice sweet Alice / Holly Terror / Communion / Alice douce Alice

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Horreur.net.

d'Alfred Sole. 1976. 1h50. Avec Linda Miller, Paula Sheppard, Brooke Shields, Louisa Horton Hill, Antonio Rocca, Lillian Roth.

Sortie salles U.S: 13 Novembre 1976

FILMOGRAPHIE: Alfred Sole est un réalisateur, scénariste et chef décorateur américain, né le 2 Juillet 1943 à Paterson, New-Jersey. 1972: Deep Sleep. 1976: Alice, sweet Alice. 1980: Tanya's Island. 1982: Pandemonium.

Inédit en salles en France, discrédité d'audience commerciale et relativement passé inaperçu lors de sa sortie Vhs retitrée Communion Sanglante, Alice sweet Alice ne trouva les faveurs des cinéphiles et des critiques qu'après revisionnage(s). Prenant pour thèmes la religion, l'adultère, le trouble psychologique, l'engagement parental et la vengeance, ce psycho-killer malsain par son ambiance diaphane, son climat étouffant et sa violence rugueuse (le premier homicide dans l'église est d'une audace effroyable) déconcerte par le biais d'exactions meurtrières d'une silhouette enfantine. 

Synopsis: Après le meurtre de la petite Karen au sein d'un presbytère, sa soeur aînée Alice est suspectée par l'entourage familial et la police d'en être la potentielle responsable. Quelques jours plus tard, c'est au tour de sa tante d'être sauvagement agressée par un individu affublé d'un imperméable jaune et d'un masque sur le visage (le même accoutrement que portait Karen quelques heures avant son décès). Témoin de l'agression, Alice persuade la police qu'il s'agit de sa soeur préalablement décédée. Déclarée perturbée pour ses penchants cruels et coupable après s'être soumise au détecteur de mensonge, elle est envoyée dans un institut spécialisé. 

Combinant les codes du psycho-killer et ceux du giallo pour la caractérisation fétichiste du tueur masqué accoutré d'une combinaison criarde, Alice sweet Alice façonne un suspense latent au fil du cheminement psychologique d'Alice et de son entourage tout en alternant les séquences-chocs particulièrement âpres. De par son souci de cruauté auprès des meurtres sévèrement perpétrés où l'environnement glauque d'une banlieue blafarde y intensifie le malaise éprouvé (le supplice intenté dans une industrie désaffectée). Sans accorder une grande importance à démasquer l'identité de l'assassin indécelable, Alfred Sole prend avant tout parti de dénoncer l'obscurantisme au coeur d'une bourgade profondément catholique tout en remettant en cause la responsabilité parentale lorsque les enfants du divorce pâtissent d'une détresse affectueuse. La grande force du film résidant dans le développement de ces personnages torturés, déchus ou peu fréquentables (le voisin ventripotent aux tendances pédophiles vivant reclus dans un appartement insalubre) évoluant autour de la fragilité d'une fillette à tendances perverses. Par la tragédie des exactions criminelles où l'innocence paye le lourd tribut de la responsabilité des adultes, la religion se retrouve destituée d'angélisme au sein même du refuge de Dieu. Outre la sobre prestance des comédiens jusqu'aux seconds-rôles charismatiques, on peut s'attarder sur le visage mi-angélique, mi-démoniaque de Paula Sheppard symbolisant avec ambivalence la dégénérescence psychologique d'une ado réfugiée dans la perversion et la jalousie depuis sa privation d'attention, de gratitude.

Glauque et malsain, trouble et cruel, Communion Sanglante (pour reprendre l'alternative du titre français plus évocateur à mon sens) renoue avec la tradition du psycho-killer en privilégiant l'étude des caractères de ses personnages partagés entre leur foi catholique, leur culpabilité et le dysfonctionnement d'un fanatisme religieux. Sombre requiem sur l'innocence galvaudée, ce grand film schizophrène d'une froideur antipathique est à réhabiliter d'urgence tant son atmosphère licencieuse (score lancinant à l'appui) nous hante la mémoire.

*Bruno
18.04.25. 5èx. Vost

Ré-Animator. Prix Spécial Section Peur, Avoriaz 86.

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site misantropey.com

de Stuart Gordon. 1985. U.S.A. 1h26/1h46. Avec Jeffrey Combs, Bruce Abbott, Barbara Crampton, David Gale, Robert Sampson, Gerry Black.

Sortie salles France: 12 Mars 1986. U.S: 18 Octobre 1985

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago (Illinois). 1979: Bleacher Bums (télé-film). 1985: Ré-Animator. 1986: Aux portes de l'au-delà. 1987: Dolls. 1988: Kid Safe (télé-film). 1990: Le Puits et le Pendule. 1990: La Fille des Ténèbres. 1990: Robojox. 1993: Fortress. 1995: Castle Freak. 1996: Space Truckers. 1998: The Wonderful ice cream suit. 2001: Dagon. 2003: King of the Ants. 2005: Edmond. 2005: Masters of Horro (le cauchemar de la sorcière - Le Chat Noir). 2007: Stuck. 2008: Fear Itself.

Film-culte de la génération 80, succès public inespéré dans l’Hexagone (635 284 entrées), Re-Animator marque la révélation du néophyte Stuart Gordon, avant que Brian Yuzna — ici à la production — ne s’impose à son tour quatre ans plus tard avec Society. En pleine mouvance du gore burlesque, Gordon rivalise d’audace et d’inventivité dans cette variation démente de Frankenstein. Inspirée d’une nouvelle de Howard Phillips Lovecraft, l’intrigue s’articule autour des expérimentations d’Herbert West, étudiant en médecine ayant mis au point un sérum capable de réanimer les morts. Hébergé en colocation chez Dan Cain, il débute ses essais sur le cadavre du chat fraîchement décédé de ce dernier. Mais, déterminé à passer au niveau supérieur, il s’attaque bientôt à un sujet humain. Accompagné de son acolyte, ils s’introduisent dans la morgue de l’hôpital pour tester leur élixir sur un corps sans vie. Pendant ce temps, le professeur Hill, rival acharné de West, fomente de s’approprier ses recherches interdites pour accéder à la renommée.

À partir de ce pitch prometteur, fertile en effets chocs et gags outranciers (les interventions du gardien de sécurité, d’une indolence lunaire, sont d’une drôlerie irrésistible), Stuart Gordon orchestre un bijou d’humour noir aux allures de cartoon macabre. Porté par les maquillages d’Anthony Doublin et John Naulin, Re-Animator s’en donne à cœur joie dans les démembrements, déchiquetages et décapitations, que West et Cain surmontent avec un flegme morbide pour faire triompher leur projet impossible : rendre vie à des morts… furieux ! Ressuscités dans une frénésie incontrôlable, les corps se meuvent en pantins erratiques, mutilés mais hargneux.

Au-delà de la mécanique burlesque des quiproquos et des désastres en chaîne, le film est transcendé par l’énergie débridée de ses comédiens. Jeffrey Combs incarne un Herbert West frénétique, obsessionnel, avatar contemporain de Frankenstein, possédé par l’orgueil dément de réécrire les lois de la création (« Il se prend pour Dieu… Mais Dieu a horreur de la concurrence ! », clamait l'accroche publicitaire). À ses côtés, Bruce Abbott partage l’affiche en médecin candide, aspiré malgré lui dans cette spirale de folie scientifique. Barbara Crampton, lumineuse, sexy et vulnérable, campe la fiancée endeuillée, jetée dans l’horreur lorsqu’elle assiste à la résurrection calamiteuse de son père — condamné à l’asile après avoir goûté au sérum. Elle n’hésite pas à s’exposer dans une scène de nudité restée légendaire, au sein d’un climax nécrophile d’une audace inouïe. Enfin, David Gale compose un antagoniste mesquin et perfide, sa tête décapitée suintant le sarcasme et l’ambition délirante — prêt à violer Megan par l’entremise de son propre chef, et à déclencher une apocalypse cadavérique avant le retour de West.

"Réanimer l’impensable, violer la mort".

Jouissif et trépidant, hilarant et déjanté dans ses gags aussi absurdes que sanglants, Re-Animator mérite amplement son statut de chef-d’œuvre du gore folingue, transcendé par des comédiens en roue libre galvanisés par une hystérie collective assumée. Un pur régal à la jouvence éternelle. 

*Bruno
31.05.25. 7èx

Récompenses: Prix Spécial Section Peur, Avoriaz 1986.
Prix du Meilleur Film, Catalogne 1985.
Prix du Meilleur Film et Meilleurs Effets Spéciaux, Fantafestival 1986

VENIN (Venom)

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site arte.tv

                                                

de Piers Haggard. 1981. UK. 1h32. Avec Klaus Kinski, Oliver Reed, Nicol Williamson, Sarah Miles, Sterling Hayden, Cornelia Sharpe, Lance Holcomb, Susan George.
Date de sortie : 11 Juin 1981.

Sortie salles France: 20 Janvier 1982

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Piers Haggard est un réalisateur anglais né le 18 Mars 1939.

1970: La Nuit des maléfices, 1979: The Quatermass conclusion, 1980: Le Complot diabolique du Dr. Fu Manchu, 1981: Venin, 1994: La Brèche, 2006: Les pêcheurs de coquillage (Télé-film).

Pour rappel, Venin est l'adaptation du roman "Des serpents sur vos têtes" d'Alan Scholefield, publié en France dans la collection "Série Noire". Les américains s'approprient les droits quand bien même l'illustre Tobe Hooper s'attelle à la réalisation. Mais préférant s'attaquer à son nouveau projet du fameux Massacre dans le Train Fantôme, il quitte précipitamment le tournage au bout de quelques jours. Le producteur Martin Bregman invoque alors au réalisateur britannique Piers Haggard de le remplacer après seulement une dizaine de jours de préparation. A Londres, trois gangsters prennent en otage un garçon et son grand-père contre une demande de rançon. Mais ce qui devait débuter comme un banal kidnapping va vite se transformer en huis-clos cauchemardesque lorsque un Mamba noir, le serpent le plus vénimeux au monde, s'est infiltré par erreur dans la maison. La police, dépêchée sur les lieux, tente de collaborer avec les ravisseurs. 

Série B d'exploitation efficacement gérée sous l'égide de Piers Haggard, petit artisan de série B à qui l'on doit notamment l'étonnant La Nuit des Maléfices, Venin empreinte le chemin balisé du suspense policier avec ce kidnapping d'un bambin que des malfaiteurs tentent de négocier parmi l'hostilité d'un intrus infiltré parmi eux dans l'enceinte de leur refuge. C'est là où l'intrigue, aussi modeste et sans surprises soit-elle dans ces attaques cinglantes, tentative d'effraction et concertation, tire parti de son originalité avec l'icone du Mamba Noir ! Le serpent le plus vénimeux au monde qu'un enfant venait de récupérer à son domicile après l'erreur de livraison d'un zoo. A cette occasion, et pour crédibiliser sa présence, on est d'ailleurs surpris d'apprendre au générique de fin qu'un réel Mamba eut été sélectionné pour le tournage après avoir été rigoureusement dressé ! Alternant suspense latent et tension horrifique, Venin parvient à divertir et retenir l'intérêt grâce à la présence sournoise du reptile parfois établie en caméra subjective (ses errances dans les conduits d'aération), quand bien même ses altercations s'avèrent parfois impressionnantes de réalisme par leur intensité incisive. A l'instar du premier meurtre invoqué chez la domestique, l'actrice Susan George parvenant à retranscrire avec beaucoup de vérité l'impuissance de son désemparement, son marasme contre l'asphyxie, faute du poison foudroyant injecté dans son sang. Grâce à sa vigueur dramatique, on reste encore impressionné par la violence de cette cruelle mise à mort au moment scrupuleux où la victime succombe à ses blessures. Outre la sympathique distribution des seconds-rôles (Sarah Miles en doctoresse altruiste, Nicol Williamson en détective flegme, Sterling Hayden en papy débonnaire et Lance Holcomb en garçonnet fragile), Venin s'affirme un peu plus avec la prestance notable de deux monstres sacrés. Oliver Reed et Klaus Kinski se disputant violemment le pouvoir avec inimitié d'ego et insolence de la discorde.  

Sans surprise et modeste pour l'enjeu dramatique de sa prise d'otage mais constamment efficace et indéniablement attachant grâce à son suspense anxiogène, la bonhomie de sa distribution et la présence fascinante du reptile tapi dans l'ombre, Venin reste un fort sympathique huis-clos cauchemardesque que les nostalgiques des années 80 auront principalement plaisir à déguster. 

Bruno Matéï

01.06.15. 6èx 

01.01.11 5è (415 vues)

Photos ci-dessous, Lance Holcomb