LA MOUCHE. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 87.

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

"The Fly" de David Cronenberg. 1986. U.S.A. 1h35. Avec Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel, Leslie Carlson, George Chuvalo.

Sortie salles France: 21 Janvier 1987. U.S: 15 Août 1986

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada). 1969: Stereo. 1970: Crimes of the Future. 1975: Frissons. 1977: Rage,1979: Fast Company. 1979: Chromosome 3. 1981: Scanners. 1982: Videodrome. 1983: Dead Zone. 1986: La Mouche. 1988: Faux-semblants. 1991: Le Festin nu. 1993: M. Butterfly. 1996: Crash. 1999: eXistenz. 2002: Spider. 2005 : A History of Violence. 2007: Les Promesses de l'ombre. 2011: A Dangerous Method. 2012: Cosmopolis. 2014:Maps to the Stars.

Déclinaison du classique de Kurt Neumann réalisé en 1958, La Mouche version 86 transcende la définition du terme "remake" dans le sens où Cronenberg réinterprète avec une rare intelligence l'histoire de l'écrivain George Langelaan à la manière d'un drame psychologique d'une intensité bouleversante. Métaphore sur le cancer illustrée de manière horrifique, La Mouche dépeint la dégénérescence irréversible d'un physicien à l'origine d'une invention révolutionnaire, la téléportation. Après avoir réussi l'expérience avec un babouin, Seth Brundle décide de se porter volontaire pour se téléporter d'une machine à une autre. Mais durant l'épreuve, une mouche s'est incidemment introduite dans la machine si bien que l'ordinateur décide de les fusionner. Pourvu d'une force surhumaine et d'une énergie pétulante, Seth Brundle finit par se dégrader physiquement pour se métamorphoser peu à peu en insecte humain. 

Ce concept original aussi débridé que cauchemardesque, David Cronenberg le traite avec un sérieux imperturbable, là ou n'importe quel tâcheron se serait facilement vautré dans la gaudriole de série Z. Une trame improbable, voire même ridicule, que le cinéaste parvient haut la main à rationaliser par le biais d'une mise en scène maîtrisée, le souci du détail de l'étude scientifique et le brio de comédiens taillés sur mesure. Entièrement alloué à la dimension humaine des personnages, l'intrigue nous plonge avec force et détails (FX renversants à l'appui !) dans le désarroi d'un scientifique émérite sur le point de révolutionner nos moyens de transport avant de voir ses travaux bafoués par la cause d'un insecte. Par le biais d'une réflexion sur les progrès inquiétants de la recherche scientifique, David Cronenberg en extrait une magnifique tragédie humaine sur la déroute d'un physicien sombrant peu à peu dans le désespoir et la folie depuis que son corps et son mental sont amenés à adopter les réflexes d'une mouche. Epaulé du score fragile de Howard Shore et des maquillages saisissants de Chris Wallas, le film cultive un réalisme scrupuleux quant à la métamorphose du héros succombant également dans une éthique dénuée de politique comme le souligne l'existence frigide des insectes. En prime de nous ébranler la vue avec les visions cauchemardesques de la victime atteinte d'une difformité toujours plus décharnée, Cronenberg nous émeut par l'entremise d'une douloureuse histoire d'amour que le héros entretient avec une journaliste philanthrope. Impuissante face à sa déchéance corporelle et psychologique, son témoignage donne lieu à des séquences toujours plus poignantes lorsque le duo s'efforce vainement de trouver une solution de dernier ressort face à une situation aberrante où la malchance aura décidé d'en châtier le responsable. 

Sommet d'émotion et d'angoisse dépressive que Jeff Goldblum et Geena Davis transcende avec un humanisme aussi fébrile que bouleversant, la Mouche exploite l'alibi de l'argument horrifique pour en extraire un drame psychologique d'une émotion viscérale. Notamment parce que le thème de la maladie incurable nous concerne tous lorsque la mutation du cancer s'efforce de nous anéantir avec une partialité intolérable. De cette nouvelle chair hybride, Cronenberg en extirpe un chef-d'oeuvre aussi fragile qu'intelligent pour sa réactualisation d'une célèbre nouvelle. Ou lorsque l'élève dépasse le maître. 

La Chronique de la Mouche 2 (la): http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/la-mouche-2-fly-2.html

Bruno Matéï

5èx

Récompenses:

Oscar du Meilleur Maquillage pour Chris Walas et Stephan Dupuis en 1987.
Prix du meilleur film d'horreur, meilleur acteur (Jeff Goldblum) et meilleurs maquillages lors des Saturn Awards, 1987.
Prix spécial du jury au Festival International du film fantastique d'Avoriaz, 1987

BATMAN LE DEFI

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

"Batman Returns" de Tim Burton. 1992. U.S.A. 2h06. Avec Michael Keaton, Michelle Pfeiffer, Danny DeVito, Christopher Walken, Michael Gough, Michael Murphy, Cristi Conaway, Andrew Bryniarski.

Sortie salles France: 15 Juillet 1992. U.S: 19 Juin 1992

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie.
1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children.

Véritable déclaration d'amour aux monstres, carnaval grotesque de deux infortunés gagnés par la vengeance, Batman le Défi fait office de vilain petit canard dans son ambition décalée de proposer un divertissement adulte prioritairement caustique. Alors que Tim Burton refusa dans un premier temps de réaliser une suite à Batman, les producteurs parviennent à le contredire en lui laissant la totale liberté de supprimer le personnage de Robin et d'y poursuivre à sa guise son entreprise. Ce qui donne lieu à une fantaisie flamboyante constamment inventive dans son lot de coups d'état, poursuites, règlements de compte et subterfuges que les ennemis de Batman et funambules imposteurs emploient avec une exubérance mal élevée. D'une fulgurance formelle ensorcelante, Tim Burton transcende l'univers gothique du comics par le biais de décors tantôt féeriques (climat enneigé des festivités de noël à l'appui !) tantôt baroques (sculptures grandioses parfois influencées par l'expressionnisme allemand !), quand bien même les antagonistes schizophrènes volent la vedette à l'homme chauve-souris, témoin empathique de leur condition névrosée. 

Deux monstres opprimés noyés par leur chagrin et leurs pulsions de haine depuis leur profonde solitude d'avoir été lâchement sacrifiés. Soit par la démission de parents intolérants, soit par la prétention cupide d'un patron sans vergogne. Derrière leur masque se cache donc une aigreur inconsolable que Tim Burton transfigure avec malingre émotion sous l'impulsion de comédiens en roue libre ! Outre la prestance infaillible de Christopher Walken en magnat mégalo particulièrement sournois, Batman le défi tire parti de sa fascination grâce à l'alliance des deux antagonistes au passé torturé. Quasi méconnaissable, Danny DeVito endossant le personnage du Pingouin avec l'ambition sardonique de martyriser la population de Gotham avant d'y manoeuvrer Batman. Avec son rictus grimaçant et son regard fielleux héritier de sa peine morale, l'acteur se surpasse à exprimer des sentiments de rébellion facilement influencés par l'immoralité d'une vendetta escarpée. Reflet de sa solitude, sa soif d'amour et sa douleur insurmontable d'avoir été considéré depuis son enfance comme un rebut de la société. Pleine de sensualité et de provocations lubriques, Michelle Pfeiffer lui partage la vedette avec une même rancoeur erratique depuis la condescendance criminelle de son patron, quand bien même ce dernier est impliqué dans les travaux d'une centrale électrique émanant des déchet toxiques. Avec autant de charisme dans son expressivité impérieuse, l'actrice se fond dans sa combinaison de latex avec autant d'intensité que de fragilité humaine depuis son identité introvertie de se soumettre à la peur de l'autorité. 

La Monstrueuse Parade
Plaidoyer pour le droit à la différence à travers les portraits désenchantés de freaks psychotiques, Batman le défi s'iconise en poème d'amour tragique pour l'impossible reconnaissance de ces laissés pour compte. Un chef-d'oeuvre absolu du fantastique baroque que Tim Burton parvient en toute autonomie à détourner du produit standard sous le pilier d'un esthétisme crépusculaire pétulant ! Un conte de Noël frelaté d'une tristesse sous-jacente prépondérante... 

Bruno 

3èx 

Oeil pour Oeil / I spit on your grave / Day of the Woman. Prix de la Meilleure Actrice (Camille Keaton), Catalogne 78.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site thefastpictureshow.com 

de Meir Zarchi. 1978. U.S.A. 1h41. Avec Camille Keaton, Eron Tabor, Richard Pace, Anthony Nichols, Gunter Kleemann, Alexis Magnotti.

Sortie salles U.S: 22 Novembre 1978

FILMOGRAPHIE: Meir Zarchi est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né en 1937.
1978: Oeil pour Oeil. 1985: Don't Mess with My Sister ! Prochainement: I spit on your grave: déjà vu.

 

"Plus rien d'humain, juste elle". 

Surfant dans le sillage scandaleux de La Dernière maison sur la gauche et Crime à froid, Meir Zarchi signe, six ans après le choc de Craven, un rape and revenge violemment ancré dans son époque. Son credo : un réalisme frontal hérité du documentaire, une violence nue, tranchée, sèche, collée au plus près du réel. Dans cette optique, la première partie - scrutation clinique du calvaire de la victime humiliée, torturée, violée - sidère par son réalisme poisseux, parfois insoutenable. Répétition des sévices, cris d’épuisement souffreteux, implorations brisées : tout y suinte la douleur, sans artifice, sans détour.

Porté par une superbe photographie qui contraste cruellement la quiétude végétale d’un lac forestier avec l’horreur absolue, Œil pour œil expose, sans concession ni bande-son apaisante, la chute et la résurrection vengeresse d’une femme brisée. Sans fioritures ni complaisance, Zarchi prend son temps. Il montre. Il insiste. Il laisse parler les gestes, les silences, les regards. Camille Keaton irradie alors l’écran d’une présence étrange, presque spectrale, à la lisière du surnaturel.

Récompensée à Sitges, Keaton magnétise. Par son flegme, son regard vide, sa démarche absente. Une héroïne comme en état second, adoptant des stratégies si ambiguës qu’elles confinent au dérangement : jeter un revolver à portée de main d’un agresseur, séduire nue un bourreau armé d’un poignard. Ce comportement limite suicidaire instille dans le film un trouble profond, une étrangeté diffuse, comme si le réel se disloquait.

Grâce à cette mise en scène documentaire mais habitée, Œil pour œil échappe miraculeusement à la redite, pour offrir au genre ses lettres de noblesse, trop souvent enterrées sous l’accusation de racolage. Si la vengeance paraît moins percutante de prime abord, c’est un leurre. L’alchimie discrète de Keaton, son sang-froid impassible, ses motivations équivoques, nous entraînent dans une odyssée punitive à la fois déroutante, singulière, indicible — presque fantastique.

Richard Pace, en attardé mental, malgré un stéréotype un peu pesant, convainc par la spontanéité de ses expressions. Quant aux autres tortionnaires, menés par Eron Tabor, ils incarnent une virilité crasse avec un naturel glaçant, livrés à leurs pulsions en roue libre.

D’une rare cruauté, d’une sauvagerie brute, Œil pour œil transcende son sous-genre par la rigueur de son approche, en authentifiant le viol comme expérience-limite, charriée par une mante religieuse vengeresse habitée de fureur muette. Un chef-d’œuvre du genre, aussi ravageur que La Dernière maison sur la gauche, voire supérieur au glacial Thriller. Le film n’a rien perdu de sa puissance visuelle ni de son aura vénéneuse. Unique.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx. 11.04.2025. Vost. 4K

Récompense: Prix de la meilleure actrice pour Camille Keaton lors du Festival international du film de Catalogne en 1978.

Les Aventuriers

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site unifrance.org

de Robert Enrico. 1967. France. 1h52. Avec Lino Ventura, Alain Delon, Joanna Shimkus, Serge
Reggiani, Paul Crauchet, Odile Poisson, Thérèse Quentin.

Sortie salles France: 12 Avril 1967

FILMOGRAPHIE: Robert Enrico est un réalisateur et scénariste Français, né le 14 Avril 1931 à Liévin (Pas de Calais), décédé le 23 Février 2001 à Paris.
1956: Jehanne. 1962: Au coeur de la vie. 1962: La Belle vie. 1964: Contre point. 1965: Les Grandes Gueules. 1967: Les Aventuriers. 1967: Tante Zita. 1968: Ho ! 1971: Boulevard du Rhum. 1971: Un peu, beaucoup, passionnément... 1972: Les Caïds. 1974: Le Secret. 1975: Le Vieux Fusil. 1976: Un Neveu silencieux. 1977: Coup de Foudre. 1979: L'Empreinte des Géants. 1983: Au nom de tous les miens. 1985: Zone Rouge. 1987: De guerre lasse. 1989: La Révolution Française (1ère partie). 1991: Vent d'Est. 1999: Fait d'Hiver.

Grand classique du cinéma français qu'une génération de jeunes téléspectateurs (moi compris) ont également pu découvrir via leur tube cathodique à la fin des années 70, Les Aventuriers relate la tendre histoire d'un trio amical peu commun. 

Synopsis: Après avoir fait connaissance avec la jeune artiste Laetitia, Manu, pilote de course, et Roland, mécanicien, embarquent à bord d'un navire pour se lancer dans une chasse au trésor en Afrique. Mais dans un concours de circonstances malchanceuses, un évènement aussi inopiné que tragique va bouleverser leur destinée. 

A partir de ce pitch simpliste conjuguant l'aventure, la comédie et le drame, Robert Enrico (cinéaste notoire à qui l'on doit l'inoubliable Le Vieux Fusil) y structure une magnifique histoire d'amitié entre deux acolytes et une jeune étrangère en quête d'évasion. Agrémenté de situations aussi légères que cocasses que nos héros partagent parmi leurs visites touristiques du Congo et leur expédition en mer, les Aventuriers insuffle un vent de liberté exaltant sous l'impulsion de comédiens débordant de tendresse.  Lino Ventura et Alain Delon formant un duo indéfectible dans leur fraternité amicale fondée sur la fidélité, la loyauté, le respect d'autrui. 

Pleine de fraîcheur, de générosité et d'innocence naturelles, Joanna Shimkus leur partage la vedette avec une émotion aussi prude que fragile à travers ses tourments d'amour, de dépit professionnel et de projet utopiste. Leur relation philanthrope étant communément conçue sur le principe d'une amitié altruiste avant de se laisser influencer vers des sentiments amoureux. Si la première partie sémillante fait preuve d'optimisme perpétuel, le second acte varie brutalement la donne pour embrayer vers une tournure dramatique en chute libre. Car à partir du moment où le drame impromptu interfère dans la relation de nos trois complices, l'intrigue adopte une tournure tragique qui pèsera sur les épaules de Manu et Roland. C'est dans ce deuxième segment fondé sur l'hommage et la révérence que les Aventuriers décuple son pouvoir émotionnel entre une leçon d'apprentissage infantile et deux, trois éclairs de violence. 

Chef d'oeuvre du film d'aventure lyrique inscrit dans la simplicité des valeurs humaines, les Aventuriers alterne avec le drame passionnel pour y prôner les mérites d'amitié et de fidélité. Outre l'élégie de sa mélodie composée par François de Roubaix, ce grand moment d'émotion est transcendé de la complicité du trio de comédiens criants de vérité de par leur esprit incorrigible de cohésion, et ce jusqu'au vertige d'une dramaturgie escarpée. 

*Bruno 

2èx

DE L'AUTRE COTE DU MIROIR (Le Miroir Obscène). Version Espagnole.

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site hkmania.com

"Al Otro Lado del Espejo" de Jess Franco. 1973. France/Espagne. 1h35. Avec Emma Cohen, Philippe Lemaire, Alice Arno, Françoise Brion, Howard Vernon, Robert Woods.

Sortie salles France: 3 Septembre 1975

FILMOGRAPHIE: Jess Franco (Jesus Franco Manera) est un réalisateur espagnol, né le 12 Mai 1930 à Madrid, décédé le 2 Avril 2013.
1962: L'Horrible Dr orlof. 1962: Le Sadique Baron Von Klaus. 1964: Les Maîtresses du Dr Jekyll. 1966: Le Diabolique Dr Zimmer. 1969: L'Amour dans les prisons des femmes. 1969: Justine ou les infortunes de la vertu. 1970: Les Nuits de Dracula. 1970: Le Trône de Feu. 1971: Vampyros Lesbos. 1972: Les Expériences Erotiques de Frankenstein. 1972: Dracula prisonnier de Frankenstein. 1972: La Fille de Dracula. 1973: Quartier des Femmes. 1973: Christina chez les Morts-Vivants. 1973: Le Miroir Obscène. 1974: La Comtesse Noire. 1974: Eugénie de Sade. 1976: Jack l'Eventreur. 1980: Terreur Cannibale. 1980: Mondo Cannibale. 1981: Sadomania. 1981: Le Lac des Morts-Vivants (co-réal). 1982: L'Abîme des Morts-Vivants. 1982: La Chute de la maison Usher. 1988: Les Prédateurs de la Nuit. 2002: Killer Barbys.

Oeuvre atypique au sein de la carrière de l'éminent Jess Franco (n'en déplaise à ses détracteurs !), Le Miroir Obscène dégage un pouvoir de séduction subtilement vénéneux pour le cheminement indécis d'une jeune femme hantée par le suicide de son père. Cumulant les conquêtes masculines dans les cabarets de Jazz avant d'entamer un voyage touristique, Anna est rapidement compromise par les visions criminelles de ces amants au travers d'un miroir (métaphore sur la peur de l'engagement). 

Abordant les thèmes de l'inceste et de l'amour possessif, l'intrigue fantasmagorique distille un climat envoûtant du point de vue psychotique d'une femme en berne sombrant peu à peu dans la paranoïa. Là où le film fait preuve d'hermétisme, c'est également dans sa manière d'aborder l'irrationnel de manière spirituelle tout en développant scrupuleusement l'identité affirmée de son héroïne. De manière introspective, Jess Franco nous établissant un superbe portrait de femme tourmentée au fil de ses pérégrinations et nouvelles rencontres, quand bien même le fantôme du paternel s'efforce de façon impromptue de la persécuter, ou plutôt de la posséder. Si le Miroir Obscène s'avère linéaire et sans surprise sur le papier, Jess Franco en extrait néanmoins à l'image un magnifique conte d'amour et de mort où la mise en scène formelle ne cesse de nous chatouiller les sens dans son souci stylisé d'harmoniser les présences féminines avec la nature environnante. Notamment le fait d'accorder autant d'intérêt au design des vastes demeures d'un blanc immaculé alors qu'à l'extérieur les jardins exaltent les parfums de fleurs. Outre le soin avisé de la réalisation, l'intrigue tire-parti de son magnétisme psychologique en la présence charnelle d'Emma Cohen (la Femme aux bottes rouges, Cannibal Man). L'actrice insufflant une aura érotique subtilement suave, de par son apparence sensuelle assumée, son regard reptilien aux yeux verts et sa posture autoritaire favorisée par la déférence. 

Raffiné et étrange à la fois, onirique et élégiaque, singulier par son atmosphère diaphane insidieusement indicible, De l'autre côté du miroir structure avec une ambition toute personnelle une histoire d'amour parentale inscrite dans la tragédie d'une jalousie obsessionnelle. Transcendé par la présence fantasmatique d'Emma Cohen, Jess franco a sans doute accompli ici l'une de ses oeuvres les plus abouties en terme de fulgurance poétique et d'érotisme sépulcral. 

Dédicace à Mathias Chaput et Cid Orlandu. 

Bruno Matéï

La critique de Mathias Chaput: 

Cinéaste à la carrière extrêmement prolifique pas toujours heureuse, capable du meilleur comme du pire, Jess Franco trouve avec « Le miroir obscène » un terrain d’entente propice à appliquer son style de la meilleure manière qui soit, aux confins du film érotique, du métrage de possession et du caractère étrange qui caractérise la majorité de sa filmographie…
L’actrice Emma Cohen irradie complètement la pellicule par son charme juvénile qui fait mouche auprès de tous les hommes qu’elle rencontre, mais elle semble désabusée et comme subissant les assauts sexuels de ses partenaires, ce côté ambivalent amplifie ainsi son mal être et sa bipolarité, rongée par le souvenir omniprésent de son père, qui revient lors de flashs atroces et incessants…
C’est ce levier de la vision du géniteur pendu qui alimente les crimes d’Ana, un peu comme si son père lui « ordonnait » par son autorité fantôme d’annihiler tous les hommes susceptibles de charmer la belle…
La mise en scène est parfaite, notamment sur des plans zoomés de toute beauté sur les paysages qui apparaissent à l’extérieur des fenêtres pour s’imbriquer sur les personnages lors de dialogues (technique souvent employée à cette époque), la vision d’Howard Vernon pendu est réellement terrifiante et sert de point d’orgue à l’intrigue, autant psychédélique qu’impliquant des protagonistes obsédés et dépravés…
L’idée du théâtre avec le personnage de Médée peut rappeler un peu le concept de « L’important c’est d’aimer » de Zulawski, tourné l’année suivante, la folie ambiante qui y règne fait référence au cinéma latin dont Jess Franco fait bel et bien partie…
NB : sur les conseils d’amis cinéphiles facebookiens, j’ai visionné la version espagnole, qui diffère totalement de l’histoire de la version française avec Lina Romay, qui supprimait des parties du scénario original (ce n’est pas le père mais la sœur d’Ana qui se suicide ! et le miroir, quant à lui, est bien le vecteur des poussées meurtrières d’Ana)…
Quoiqu’il en soit, « Le miroir obscène » est une excellente œuvre, qui doit beaucoup à son atmosphère poisseuse et bien ancrée dans l’opulence et l’insouciance des années 70 (un côté « peace and love » même avec les artistes et leur musique groovy et psychédélique) tout en conservant l’aspect déviant propre aux films de Franco…
Dans l’ensemble, une grande réussite et un sans faute de la part d’Artus films pour l’édition double DVD…

Note : 8/10

EVEREST

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site lemondeducine.com

de Baltasar Kormakur. 2015. U.S.A/Islande/Angleterre. 2h02. Avec Jason Clarke, Ang Phula Sherpa, Thomas M. Wright, Martin Henderson, Tom Goodman-Hill, Josh Brolin, Robin Wright, Emily Watson, Sam Worthington, Keira Knightley, Jake Gyllenhaal.

Sortie salles France: 23 Septembre 2015. U.S: 18 Septembre 2015

FILMOGRAPHIE: Baltasar Kormakur est un acteur, scénariste, réalisateur et producteur islandais, né le 27 Février 1966 à Reykjavik.
2000: 101 Reykjavik. 2002: The Sea. 2005: Crime City. 2006: Jar City. 2008: White Night Wedding. 2010: Etat de choc. 2012: Contrebande. 2012: Survivre. 2013: 2 Guns. 2015: Everest.

Enmund Hillary et Tenzing Norgay furent les premiers alpinistes à atteindre le sommet de l'Everest. Durant les 40 années suivantes, seuls des alpinistes professionnels essayèrent d'accomplir le même exploit. Un sur 4 mourut. 1992: le Néo-Zélandais Rob Hall commercialisa les expéditions guidées sur l'Everest des alpinistes amateurs. Pendant les 4 années suivantes, son équipe, "Adventure Consultants" mena avec succès 19 clients au sommet, sans une seule perte humaine. 1996: d'autres Tour Opérator suivirent l'exemple de Rob Hall, en particulier "Mountain Madness" de Scott Fischer. Organisant plus de 20 expéditions pour atteindre le sommet de l'Everest en l'espace de 2 semaines. 

D'après le récit véridique de l'alpiniste Rob Hall parti en expédition sur l'Everest en Mai 1996, Everest emprunte le genre catastrophe avec une rare intelligence dans son refus du spectaculaire sachant que l'intrigue n'accorde aucune action outrancière quant au cheminement de survie des héros sévèrement compromis par une tempête de neige. C'est donc une magnifique aventure humaine que nous retrace l'islandais Baltasar Kormakur avec un souci de réalisme décoiffant et parmi l'intensité dramatique d'un jeu d'acteurs assez dépouillé. Et bien qu'une séquence intimiste éloquente se laisse futilement influencée par le pathos, l'émotion (sentencieuse) l'emporte malgré tout grâce à la persuasion des comédiens et la teneur authentique de la situation d'affliction.

Les claustrophobes sont d'ailleurs priés de s'abstenir tant le climat réfrigérant de sa scénographie enneigée nous insuffle une sentiment de marasme viscéral lorsqu'une poignée de grimpeurs en manque d'oxygène sont d'autant plus contraints de déjouer les bourrasques de froid, de vent et de neige avec un épuisement corporel en perdition. Retraçant avec minutie et beaucoup d'humanisme solidaire leur périlleuse escalade, Everest provoque un sentiment d'évasion vertigineux perpétuellement immersif. De par l'immensité des montagnes glacées que nos férus de sport extrême arpentent avec passion, et l'exploit qu'ils s'efforcent de transcender pour accéder à l'ascension de la victoire. A savoir poser le pied sur le plus haut sommet du monde établie à 8848 mètres à la frontière du Népal et de la Chine ! Là où l'affaire se corse, c'est durant leur rigoureuse descente afin de rejoindre leur station d'accueil quand bien même une violente tempête s'empresse de les brimer pour les embrigader dans les crevasses de glace. Criant de réalisme et d'une vigueur dramatique éprouvante, Baltasar Kormakur parvient à nous retransmettre avec vibrante émotion leur angoisse morale et leur souffrance physique pour cette épreuve de force péniblement précaire ! Les conditions climatiques démesurées les contraignant à supporter une température improbable que le corps humain encaisse avec une endurance toujours plus fébrile.

Ébouriffante épreuve de survie impartie au sport extrême de l'alpinisme et bouleversant hommage à l'un de ces pionniers impliqué dans sa passion du dépassement de soi, Everest est l'un des rares films catastrophes prônant la dimension malingre de ces personnages à bout de souffle plutôt que la gratuité du spectacle ostentatoire. Ce qui n'empêche pas Everest de s'édifier en grand moment de cinéma épique où l'émotion cuisante de sa dernière partie tirera les larmes du public le plus sensible. 

Bruno Matéï

ATTENTION SPOILER ! (Info Wikipedia)
Rob Hall (né le 14 Janvier 1961 à Christchurch et mort le 11 mai 1996), est un alpiniste néo-zélandais. Il guide une expédition en 1996 sur l'Everest où il meurt avec Scott Fischer, Andy Harris, deux autres guides et Doug Hansen, Yasuko Namba, deux clients durant la descente. Il est l'un des pionnier des expéditions dites « commerciales ». Sa société, Adventure Consultants, proposait d'emmener de riches clients au sommet de l'Everest pour environ 65 000 $. Son exploit le plus impressionnant est l'escalade de trois sommets de l'Himalaya en 2 mois en 1994 : l'Everest, le K2 et le Lhotse 2. FIN DU SPOILER.

WILDERNESS

                                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Michael J. Bassett. 2006. Angleterre. 1h34. Avec Toby Kebbell, Sean Pertwee, Lenora Crichlow, Alex Reid, Brian Bache.

Sortie salles France: 14 Mars 2007.

FILMOGRAPHIE: Michael J. Bassett est un scénariste et réalisateur anglais.
2002: La Tranchée. 2006: Wilderness. 2009: Solomon Kane. 2012: Silent Hill: Revelation.

Survival acerbe d'une ultra violence à couper au rasoir, Michael J. Bassett, réalisateur inégal capable du meilleur (La Tranchée) comme du pire (Silent Hill: revelation), nous façonne une série B redoutablement efficace dans son lot de rebondissements cinglants où chacun des survivants tente de déjouer les exactions criminelles d'un expert en camouflage tout en s'opposant mutuellement les uns contre les autres. A la suite du suicide de leur camarade, un groupe de jeunes délinquants doit séjourner sur une île en guise de châtiment. Sur place, ils établissent la rencontre aléatoire d'un autre comité exclusivement constitué de filles délinquantes. Alors que la situation s'avère houleuse entre les deux sexes, le responsable du groupe masculin se fait sauvagement agresser par un quatuor de bergers allemands. Dès lors, une traque inlassable commanditée par un mystérieux soldat est lancée contre eux au coeur de l'archipel. 

A partir d'un argument un peu tiré par les cheveux (le mobile et la révélation du coupable), Michael J. Bassett en extrait une aventure horrifique redoutablement haletante dans ces situations de survie où la plupart des antagonistes adoptent indépendamment des stratégies de défense pour défier le danger. Rehaussée de la prestance vigoureuse des jeunes comédiens, ces derniers insufflent (avec sincérité naïve) des sentiments instables d'insolence, de provocations machistes, de bravoures et de coups bas pour imposer leur mainmise et déjouer la menace invisible du tueur. Autour de leur cohésion précaire desservie par la discorde inconciliable, un délinquant sociopathe et un franc tireur burné se défient le pouvoir tout en élaborant chacun de leur côté leur plan d'attaque. Outre l'aspect anti-manichéen de ses personnages marginaux autrefois bafoués par la démission parentale (le thème principal du film quand on connait les aboutissants de l'intrigue), Wilderness tire parti de son efficacité par sa violence primitive que le cinéaste exploite sans aucune concession. Les bons (ou tout du moins les moins répréhensibles) et les méchants pouvant trépasser à tous moments, soit au contact d'une flèche, d'un poignard, d'un piège à ours ou encore d'une unité de chiens soigneusement dressés. D'une cruauté parfois barbare (le combat final au couteau, certaines mises à mort sardoniques), les séquences gores illustrées en gros plan se multiplient sans complexe au fil d'une épreuve de survie à bout de course que nos rescapés tentent désespérément de surpasser. Exploitant habilement le cadre végétatif de l'île et de la rive côtière, Michael J. Bassett distille une tension souvent incisive lorsque nos délinquants divisés par duo ou trio se retrouvent confrontés au même moment, et à endroits divergents, à des situations alertes de danger.

Rabid Dogs
Avec sa violence hardcore impitoyable et le jeu assez viscéral des jeunes comédiens, Wilderness scande le survival brut de décoffrage dans son lot de péripéties et rebondissements vertigineux. Epaulé d'une mise en scène nerveuse et d'un score musical tonitruant, cette série B anglaise décuple son efficacité dans les séquences d'action nerveusement emballées. Un spectacle hargneux donc où les notions de Bien et de Mal volent en éclat pour le prix d'une liberté souvent égotiste. 

Bruno Matéï
2èx

King Kong (1933)

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cine-region.fr

de Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack. 1933. U.S.A. 1h44. Avec Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher, Sam Hardy, Noble Johnson, Steve Clemente, James Flavin.

Sortie salles France: 29 Septembre 1933. U.S: 7 mars 1933 (première mondiale)

FILMOGRAPHIE: Merian C. Cooper est un producteur, scénariste, réalisateur et dirceteur de photo, né le 214 Octobre 1893 à Jacksonville (Floride), décédé le 21 Avril 1973 à San Diego (Californie). 1925: Grass: a nation's battle for life. 1927: Chang. 1929: Les 4 plumes blanches. 1933: King Kong. 1935: Les derniers jours de Pompéï. 1952: This is cinerama.
Ernest Beaumont Schoedsack est un réalisateur, directeur de photo, producteur, monteur, acteur et scénariste américain, né le 8 Juin 1893 à Council Bluffs (Iowa), décédé le 23 Décembre 1979 dans le Comté de Los Angeles. 1925: Grass: a nation's battle for life.1927: Chang. 1929: Les 4 plumes blanches. 1931: Rango. 1932: Les Chasses du comte Zaroff. 1933: King Kong. 1933: The Monkey's Paw. 1933: Blind Adventure. 1933: Le Fils de Kong. 1934: Long Lost Father. 1935: Les Derniers jours de Pompéï. 1937: Trouble in Morocco. 1937: Outlaws of the Orient. 1940: Dr Cyclop. 1949: Monsieur Joe. 1952: The is Cinerama.

Considéré comme l’un des films les plus célèbres de l’histoire du cinéma, King Kong continue de faire rayonner son pouvoir de fascination depuis sa sortie triomphale en 1933. Outre le dynamisme de sa mise en scène - ne laissant aucun répit au spectateur dès l’instant où nos héros foulent l’île du Crâne - le film tire parti d’une vigueur exubérante grâce à des effets spéciaux novateurs : stop motion, surimpressions, compositions de plans, savamment orchestrés par une équipe de techniciens visionnaires. Notamment cette prouesse, saisissante pour l’époque, d’insérer dans le même cadre les acteurs de chair et d’os au milieu d’une créature animée image par image. Bon Dieu, quelle époque pionnière fondée sur l’artisanat, la sueur et l’audace !

Ainsi, dans le creuset d’une aventure fantastique, il émane de ce chaos tropical un réalisme frappant, incarné par l’impériosité d’un monstre au faciès tour à tour terrifié, furieux, bouleversant. Car outre les humains pourchassés sans relâche, Kong affronte une horde de créatures préhistoriques dans un ballet dantesque au cœur de la jungle, avant d’embraser la ville moderne dans une transe de destruction - jusqu’à s’agripper au sommet de l’Empire State Building, dans une dernière ascension, à la fois sublime et tragique.

 

Sur ce point d’orgue, l’intensité émotionnelle atteint son paroxysme lorsque Kong, criblé de balles, s’offre un dernier regard vers sa Belle, une caresse du regard, un adieu suspendu dans l’éther - puis chute. Homérique. Anthologique. Une séquence d’une puissance dramatique rare, où l’agonie se teinte de désespoir et d’une tendresse muette, déchirante. À travers cet acte barbare, commandité par l’homme, transparaît une dénonciation cinglante : celle de la cupidité, de la lâcheté, du mépris de la cause animale. L’humain en dompteur de l’incontrôlable, en bourreau d’un amour trop pur pour survivre.

Sous ses airs de conte fantastique influencé par La Belle et la Bête, le film révolutionne le cinéma d’aventure : à travers le prisme d’un monstre pharaonique effleuré par l’amour - comme dans cette scène empreinte d’un humour doux-amer où il effeuille la Belle pour entrevoir son corps vulnérable - Kong devient figure tragique, déchiré entre instinct, émerveillement et panique face à un monde qu’il ne comprend pas.

 

Porté par un rythme effréné, jalonné de péripéties acérées, King Kong préfigure la naissance du blockbuster tout en l’irriguant d’une poésie brute et d’un réalisme troublant. En filigrane, le film fustige la société du spectacle, son appétit vorace pour le sensationnel, et érige en son cœur une histoire d’amour impossible - celle d’un colosse foudroyé par la faiblesse d’avoir aimé.

— le cinéphile du cœur noir

3èx

Silent Hill

                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site psycho-dystopia.blogspot.com 

de Christophe Gans. 2006. France/Canada. 2h05. Avec Radha Mitchell, Sean Bean, Laurie Holden, Jodelle Ferland, Deborah Kara Unger, Alice Krige, Kim Coates.

Sortie salles France: 26 Avril 2006. U.S: 21 Avril 2006

FILMOGRAPHIE: Christophe Gans est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 11 Mars 1960 à Antibes (Sud de la France). 1994: Necronomicon. 1995: Crying Freeman. 2001: Le Pacte des Loups. 2006: Silent Hill. 2014: La Belle et la Bête.

Cinq ans après le Pacte des Loups, Christophe Gans s'emploie de transposer à l'écran l'adaptation du célèbre jeu video Silent Hill. Pourvu d'un casting américain au charisme plutôt saillant, ce film d'ambiance à l'ancienne allie avec assez de bonheur et d'efficacité, climat feutré et horreur insidieuse sous l'allégeance d'un spectre infantile. Synopsis: Souffrant de grave somnambulisme au point d'intenter à sa propre vie, Sharon, 10 ans, est hantée par de terribles cauchemars l'incitant à se réfugier dans la ville fantomatique de Silent Hill. Sa mère Rose décide de l'emmener dans cet endroit sinistré afin de tenter de démystifier l'origine de ses récurrents cauchemars. Alors qu'une motarde se lance à ses trousses, Rose et Sharon vont se retrouver embarqués dans un monde parallèle où les habitants du quartier sont entièrement soumis à la manipulation d'une fanatique religieuse. Nanti d'une splendide photo lestement saturée et de décors ombrageux plutôt glauques et malsains, Silent Hill renoue avec les ambiances diffuses des films d'horreur d'antan où la suggestion primait plutôt que l'esbroufe grand-guignolesque. C'est du moins ce que l'on peut vanter lors de sa première partie lorsque, au rythme d'une douce mélodie, Rose et l'officier partent à la recherche de Sharon dans une ville cendrée noyée de brume. Ambitieux et inspiré, Christophe Gans prend son temps à narrer son histoire en s'attardant de prime abord à soigner le cadre d'une atmosphère rubigineuse assez envoûtante pour y croire. 

De par ses pièces décrépites martyrisées par un ancien incendie et les apparitions dantesques de créatures difformes par leur morphologie fulgurante émanent un sentiment trouble d'insécurité et de malaise sous-jacent lorsque les forces des ténèbres se motivent à décourager l'investigation de nos héroïnes embarquées dans un dédale sans repère. Du moins avant de connaître les tenants et aboutissants des jumelles Sharon et Alessa étroitement liées à une affaire crapuleuse. Dénonçant dans sa seconde partie le fanatisme, l'obscurantisme et les superstitions du point de vue d'un séminaire religieux, le cinéaste implique ses thèmes autour d'une douloureuse affaire d'infanticide, quand bien même la pédophilie et la démission maternelle y seront les principaux ressorts. De par la sobriété des comédiennes inscrites dans une bravoure solidaire, l'empathie éprouvée renforce le caractère crédible de leur déambulation où cauchemar et réalité se confondent pour nous décrire un univers parallèle soumis à la malédiction d'une entité punitive. Outre le charisme prégnant des seconds-rôles inscrits dans le cynisme de l'influence meurtrière, on peut également saluer la présence malingre de Jodelle Ferland endossant dans une physionomie tantôt candide, tantôt hostile le double rôle équivoque de Sharon/Alessa avec assez d'étrangeté pour se confondre dans leur esprit torturé. 

Hormis quelques défaillances rythmiques, son caractère déroutant pour autant fascinant et la médiocrité de certains FX en CGI alors que certains effets gores auraient été beaucoup plus percutants auprès d'un réalisme charnel, Silent Hill parvient efficacement à troubler et fasciner parmi le souci formel de retranscrire à l'écran un univers proprement atypique (même si certaines références à Hellraiser sont de mise pour le côté SM de créatures et victimes suppliciées). Par son climat tantôt mélancolique, tantôt malsain, et l'intensité douloureuse de son récit compromis au martyr infantile, Silent Hill laisse en mémoire des images marquantes aussi envoûtantes (les errances de l'héroïne au sein de la ville fantôme sont sans doute les passages les plus atmosphériques) que cauchemardesques (la damnation apocalyptique dans l'antre de l'église et la cruauté des châtiments corporels qui s'ensuit). Dommage toutefois que sa structure narrative soit aussi inachevée que maladroite et parfois confuse si bien que Silent Hill aurait pu être beaucoup plus convaincant, terrifiant et réaliste pour accéder au rang de classique du genre. Mais ne boudons pas non plus notre plaisir actuel à travers ce très bon moment d'étrangeté aussi dépaysant que tourmenté tant il laisse des traces dans l'encéphale pour s'y replonger avec plaisir aux prochains visionnages. Or, quelque soit ses couacs précités, Silent Hill reste également en tout état de cause une réussite formelle éblouissante.  

*Bruno
4èx. VF.

A LA POURSUITE DE DEMAIN

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site denofgeek.com

"Tomorrowland"de Brad Bird. 2015. U.S.A. 2h10. Avec Brittany Robertson, George Clooney, Hugh Laurie, Raffey Cassidy, Tim McGraw, Judy Greer.

Sortie salles France: 20 Mai 2015. U.S: 22 Mai 2015

FILMOGRAPHIE: Brad Bird est un animateur, réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 15 Septembre 1957 à Kalispell dans le Montana. 1999: Le Géant de Fer. 2004: Les Indestructibles. 2004: Baby-Sitting Jack-Jack. 2007: Ratatouille. 2011: Mission Impossible: Protocole Fantôme. 2015: A la Poursuite de Demain.

Découvert avec son film d'animation, le Géant de Fer, et reconnu ensuite par le public et la critique avec Les Indestructibles, Brad Bird n'en finit plus de surprendre et de combler les attentes du public tant il accumule les réussites à un rythme métronomique (Ratatouille et Mission Impossible: Protocole Fantôme pour la suite de sa filmo). Avec son dernier né, A la poursuite de demain, il renoue cette fois-ci avec la science-fiction à l'ancienne, digne représentant des productions Amblin des années 80. D'une imagination aussi foisonnante qu'exubérante, Brad Bird créé un univers atypique incroyablement crédible pour son panel de décors futuristes stylisés, rehaussés d'effets spéciaux numériques ahurissants de réalisme (plutôt rare pour le souligner !). Après avoir découvert un étrange badge métallique capable de confondre la réalité dans un univers parallèle, Casey, adolescente férue de science, se laisse influencer par une humanoïde d'apparence infantile et un inventeur quinquagénaire pour se lancer dans une mission capitale. Tenter de sauver notre planète en perçant les mystères d'un endroit tenu secret: Tomorrowland !

En surfant sur les thématiques du voyage temporel et de la dimension parallèle, le cinéaste élabore un scénario complexe dans son lot de revirements, quiproquos et rebondissements périlleux que nos héros traversent entre les époques du passé et du présent. Pourchassés par intermittence par une confrérie de droïdes plus vrais que nature (j'insiste encore sur la qualité exceptionnelle des trucages en CGI !), nos héros entament avec sagacité leurs stratégies d'attaque et de défense afin de trouver une solution de dernier ressort à la survie de notre espèce. Plongés dans un Rubik's Cube mental, ils vont user de persévérance à déchiffrer le sens de leur dessein et leur responsabilité après avoir découvert une invention révolutionnaire Spoiler ! que nos grands savants du siècle dernier avaient conçu en secret du haut de la Tour Eiffel ! Fin du spoiler. Malgré le caractère confus d'une intrigue riche de thématiques quant au devenir de notre humanité, cette poursuite en pagaille vers l'optimisme d'un avenir moins cupide parvient à nous passionner sans jamais relâcher la tension. De par la fougue attachante des personnages aussi humains que retors et la mise en scène extrêmement avisée que Brad Bird transcende avec un esprit imaginatif insatiable. Notamment avec l'intensité vertigineuse de séquences d'action exubérantes ou poursuites et altercation physiques se télescopent sous l'impulsion héroïque de scientifiques jamais à court de subterfuges. Outre la fascination prégnante qu'exerce leur voyage temporel, là où la dystopie du péril atomique pointe à l'horizon, A la poursuite de demain est largement sollicité par les prestances pleines de dignité des comédiens en roule libre. George Clooney, l'étoile montante Brittany Robertson et la petite Raffey Cassidy formant un trio intrépide aussi houleux et antinomique (leurs premières rencontres) que solidaire et opiniâtre (la seconde partie impartie aux stratagèmes de solution de survie !).

Un Monde Meilleur
Grand divertissement d'anticipation imprégné de nostalgie pour son esprit chaleureux hérité des eighties et de réalisme pour sa scénographie futuriste étonnamment crédible, A la poursuite de demain arbore le spectacle familial avec une intelligence, un lyrisme et une humanité pleine de noblesse. Véritable réflexion sur l'optimisme pour la condition précaire de notre futur en crise, Brad Bird se permet aussi en second plan de prôner les valeurs de l'amour sous l'héroïsme d'un couple hétéroclite. Il en émane un enchantement permanent, de par son ambition visionnaire aussi immersive que singulière et l'inventivité d'une narration militant pour la sauvegarde d'une planète plus humaniste et responsable. Un classique en devenir d'une rare émotion expansive ! 

Bruno Matéï

L'HISTOIRE SANS FIN

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmaffinity.com

"Die unendliche Geschichte/The Neverending Story" de Wolfgang Petersen. 1984. Allemagne. 1h35. Avec Barret Oliver, Gerald McRaney, Thomas Hill, Moses Gunn, Deep Roy, Tilo Prückner, Noah Hataway.

Sortie salles France: 21 Novembre 1984. U.S: 20 Juillet 1984. Allemagne de l'Ouest: 6 Avril 1984

FILMOGRAPHIE: Wolfgang Petersen est un réalisateur allemand né le 14 Mars 1941 à Emden.
1974: Einer von uns beiden. 1977: La Conséquence. 1981: Le Bateau. 1984: L'Histoire sans Fin. 1985: Enemy. 1991: Troubles. 1993: Dans la ligne de mire. 1995: Alerte ! 1997: Air force one. 2000: En pleine tempête. 2004: Troie. 2006: Poséidon.

"La vie spirituelle commence à partir du moment où nous découvrons que toute la réalité de nos actes réside dans les pensées qui les produisent". Louis Lavelle.

Considéré à l'époque comme le film le plus cher d'Allemagne (60 millions de Deutsch Mark/27 000 000 $), l'Histoire sans fin rapporta à travers le monde plus de 100 000 000 de dollars. Et malgré son succès mitigé outre-atlantique, il est devenu auprès de plusieurs générations de spectateurs un grand classique de l'Heroic Fantasy, quand bien même la chanson interprétée par Limahl et composée par Giorgio Moroder s'est allouée d'un hit planétaire ! Mais aujourd'hui, que reste t-il de ce spectacle familial hors norme dans son onirisme baroque où le néant accorde une place prépondérante au cheminement héroïque d'Atreyu ? Hymne à l'innocence de l'enfance et au rêve, au pouvoir de l'imaginaire et à la possibilité d'exaucer nos voeux les plus excentriques, l'Histoire sans fin s'édifie en moment de cinéma enchanteur dans le parcours chimérique qu'un jeune ado entreprend au fil de la lecture d'un roman. Héros malgré lui, Bastien est sur le point de changer la destinée de Fantasia, un univers irréel sur le point d'être dévoré par le néant si le guerrier Atreyu ne parvient pas à sauver son impératrice de la maladie. Plongé dans l'illusion de son récit d'aventures, Bastien commence à perdre pied avec sa réalité mais se rétracte de ne pouvoir considérer ce rêve comme une réalité (son père rationnel en est également la responsabilité !). A moins qu'Atreyu et l'Impératrice ne parviennent à l'inciter à croire à l'impossible.

Touché par la grâce d'une poésie tantôt candide (l'intervention pleine de pudeur et de fragilité de l'impératrice lors du final majestueux, les envolées lyriques du dragon porte bonheur, Falkor) tantôt opaque (les présences iconiques de Gmork, le loup impassible, la tortue savante et le mangeur de pierre), Wolfgang Petersen n'hésite pas à cristalliser un endroit à mi chemin entre le merveilleux et l'hermétisme à travers la scénographie baroque de marécage mélancolique, de forêt obscure et d'univers stellaire. Périple d'épreuves homériques qu'un jeune garçon doit surpasser pour sauver sa planète du chaos, l'Histoire sans fin déploie une imagination singulière sans égale pour la conception de ses décors fantastiques tournés en studio (la vision du néant et ses multiples métamorphoses nous provoque une fascination vertigineuse !) et de créatures dantesques jamais vues au préalable ! Par le biais d'effets spéciaux révolutionnaires pour l'époque, le film parvient toujours à distiller féerie et inquiétude chez la conception artisanale de monstres aussi expressifs qu'attachants. Quand bien même le jeune Noah Hathaway parvient avec une innocence naturelle à se fondre dans la peau du guerrier parmi l'apprentissage de transcender ses peurs et sa tristesse. A cet égard, qui peut oublier la séquence poignante auquel son cheval Artax se laisse engloutir par la vase d'un marécage depuis sa mélancolie d'échouer la mission ! Une séquence assez cruelle d'une intensité dramatique plutôt inattendue pour le genre familial que Wolfgang Petersen illustre avec réalisme. Un parti-pris justifié lorsque l'on comprends le parcours initiatique du héros confronté au dépassement de soi parmi l'appui solidaire de Bastien contraint d'exploser les barrières de sa réalité par auto-suggestion. Croire en l'impossible pour braver ses doutes, ses peurs et son désespoir et découvrir un nouveau monde bâti sur la croyance en l'optimisme !

Enchanteur et baroque, lyrique et fantastique, l'Histoire sans Fin continue de perdurer son pouvoir d'évasion grâce à la beauté formelle de sa Fantasy photogénique et l'impulsion héroïque d'adolescents rebelles en quête d'imaginaire. Hymne à l'aventure et ce besoin viscéral de fuir notre quotidien, métaphore spirituelle sur la foi, réflexion sur la persuasion de l'esprit et sur la force de l'espoir afin de déjouer la solitude du néant, l'Histoire sans Fin possède un souffle magique enivrant pour nous faire croire à l'impossible ! 

Bruno Matéï

Anecdote (Wikipedia): La scène de la mort d'Artax est placée cinquième dans le top 11 de The Nostalgia Critic des scènes les plus tristes de notre enfance.

Le Spectre Maudit / The Black Torment

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site coverunivers.blogspot.com

"The Black Troment" de Robert Hartford-Davis. 1964. U.S.A. 1h26. Avec Heather Sears, John Turner, Ann Lynn, Peter Arne, Norman Bird, Raymond Huntley, Annette Whiteley, Robert Hartford-Davis.

Sortie Dvd France: 1er Avril 2005

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Robert Hartford-Davis est un réalisateur et producteur anglais, né le 23 Juillet 1923, décédé le 12 Juin 1977 à Beverly Hills, Los Angeles. 1962: Crosstrap. 1963: The Yellow Teddybears. 1964: Le Spectre Maudit. 1964: Saturday Night Out. 1967: Carnages. 1971: Suceurs de sang. 1972: Gunn la gachette. 1974: The Take.

Rareté des sixties exhumée de l'oubli grâce à notre regretté éditeur Neo Publishing, Le Spectre Maudit combine l'enquête policière et le surnaturel avec une efficacité en roue libre (euphémisme !). De par son intrigue charpentée au suspense imperturbable laissant parfois diluer une atmosphère d'étrangeté (les apparitions spectrales de Lana dans le jardin) et la qualité d'une interprétation spontanée jusqu'aux moindres seconds-rôles, le Spectre Maudit nous plaque au siège jusqu'à son renversant twist aussi démonial que retors. Le Pitch: Après 3 semaines d'absence, Sir Charles revient dans sa grande résidence parmi sa nouvelle épouse, Sir Elisabeth. Mais tièdement accueilli par la communauté, il finit par apprendre qu'une villageoise récemment décédée dans de troubles circonstances a dévoilé son patronyme avant de mourir. Pour amplifier le mystère, les résidents de sa demeure sont importunés chaque nuit par l'apparition d'une dame blanche ressemblant à sa première défunte épouse. 

Ce pitch prometteur dont le cadre historique se situe au 18è siècle, Robert Hartford-Davis le dépeint avec un art de conteur dans son habileté à distiller un suspense haletant autour d'une sombre conspiration. Employant quelques codes du cinéma d'épouvante, le cinéaste est aussi à l'aise pour nous plonger dans la perplexité face à l'apparition récurrente d'un fantôme puis celle, potentielle, d'un double maléfique conçu pour culpabiliser notre héros. L'intrigue gagnant notamment en intensité auprès du revirement d'un nouveau meurtre et le cheminement psychologique du protagoniste toujours plus compromis par des évènements imbitables qu'il tente vainement de démystifier afin de prouver son innocence. Ce climat de paranoïa régi autour de son autorité l'entraînant vers un comportement irascible où chacun des témoins (épouse inclue !) finiront davantage par le suspecter. Outre la résolution étonnante de l'énigme où vengeance et machination font bon ménage, le film se clôt par un duel à l'épée à la chorégraphie sauvagement épique !

Au gré d'un suspense exponentiel fort bien mené et d'une direction d'acteurs plein de vigueur (Heather Sears terriblement expressif de résignation colérique en victime démunie seule contre tous), Le Spectre Maudit parvient à captiver et à surprendre sous l'alibi irrationnel d'un spectre d'outre-tombe et du double maléfique. A redécouvrir avec vif intérêt donc, d'autant plus que les décors sépias de la résidence seigneuriale n'ont rien à envier au gothisme baroque des fleurons de la Hammer auquel il se fait dignement écho ! Un bijou. 

*Bruno Matéï
19.10.15.

04.06.22. 3èx