Cours, Lola, cours / Lola rennt

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site traileraddict.com

de Tom Tykwer. 1998. Allemagne. 1h21. Avec Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Armin Rohde, Joachim Król

Sortie salles France: 7 avril 1999. U.S: 18 juin 1999. Allemagne: 20 Août 1998.

FILMOGRAPHIE: Tom Tykwerest un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur allemand, né le 23 mai 1965 à Wuppertal. 1994 : Maria la maléfique. 1997 : Les Rêveurs. 1998 : Cours, Lola, cours. 2000 : La Princesse et le Guerrier. 2002 : Heaven. 2006 : Le Parfum. 2009: L'Enquête. 2010 : Drei. 2012 : Cloud Atlas: coréalisateur, scénariste, producteur et compositeur. 2015 : A Hologram for the King.

"Nous ne cesserons pas notre exploration, et au terme de notre quête nous arriverons là d'où nous étions partis et nous connaîtrons ce lieu pour la première fois. Après le match, c'est avant le match !"

Film culte au sens premier du terme, Cours, Lola, cours est une production allemande lancée à l’adrénaline d’une course désespérée contre la montre. Alors que Manni devait remettre 100 000 marks à un trafiquant, un clochard lui dérobe la somme dans un compartiment ferroviaire. Appelée à la rescousse, Lola tente d’obtenir la même cagnotte auprès de son père banquier en vingt minutes, faute de quoi Manni serait liquidé. Mais une cascade d’incidents imprévisibles pousse Lola à repenser sa situation avec une persistance farouche.

Scindé en trois actes, le film offre à l’héroïne la possibilité de rejouer son destin maudit par diverses stratégies. Tom Tykwer déploie une inventivité furieuse, transformant cette traque homérique en épopée cadencée, comme une joggeuse échappée d’une bande dessinée. Sa stature effervescente, son cri perçant, sa tenue criarde, sa chevelure rouge - que Alias imitera plus tard - en font une figure explosive. Débridé et jouissif, le film multiplie les trouvailles visuelles : séquences animées, flashforwards foudroyants qui bouleversent le destin de simples figurants. Cours, Lola, cours renouvelle sans cesse son énergie par un enchaînement de hasards et de personnages extravagants, inscrits dans une obstination fébrile.

Éloge de la constance, de la foi en son étoile, le récit ouvre des pistes philosophiques et spirituelles (la réincarnation en filigrane), tout en creusant les failles intimes d’un couple en quête d’avenir. Romance passionnelle où l’amour peut, peut-être, sauver deux destins marginaux, le film explore surtout les répercussions - heureuses ou fatales - de nos choix les plus anodins. Entre lyrisme, humour décalé et tension oppressante, la course éperdue se nourrit d’une musique techno métronomique qui galvanise chaque pas, et qui n'a toujours pas pris une ride. 

Ovni clipesque en trois mouvements, Cours, Lola, cours déborde de fougue et d’insolence, ironisant sur l’absurdité existentielle. Au-delà de la virtuosité formelle, l’œuvre est transcendée par Franka Potente, révélation viscérale : cri strident, fragilité brûlante, énergie d’anti-héroïne mue par l’amour et la rage de vaincre. Un méga-trip fulgurant, à dévorer sans modération.

— le cinéphile du cœur noir

22.01.16 (4èx)
26.08.01

Récompenses: Prix du film allemand 1999 : meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur second rôle féminin pour Nina Petri, meilleur second rôle masculin pour Herbert Knaup, prix du public pour le film de l'année et pour Franka Potente en tant que meilleure actrice.

Prison

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Renny Harlin. 1987. U.S.A. 1h42. Avec Viggo Mortensen, Chelsea Field, Lane Smith, Lincoln Kilpatrick, Tom Everett, Tom Lister, Jr. , Kane Hodder.

Sortie salles France, uniquement à Avoriaz: Janvier 1988. U.S: 8 Décembre 1987

FILMOGRAPHIE: Renny Harlin (Renny Lauri Mauritz Harjola), est un réalisateur et producteur américain d'origine finlandaise, né le 15 mars 1959 à Riihimäki (Finlande).
1986 : Born American. 1987 : Prison. 1988 : Le Cauchemar de Freddy). 1990 : 58 Minutes pour vivre (Die Hard 2). 1990 : The Adventures of Ford Fairlane. 1993 : Cliffhanger. 1995 : L'Île aux pirates. 1996 : Au revoir à jamais. 1999 : Peur Bleue. 2001 : Driven. 2004 : Profession profiler. 2004 : L'Exorciste, au commencement. 2006 : Le Pacte du sang. 2008 : Cleaner. 2009 : 12 Rounds. 2011 : Etat de guerre. 2013 : Dyatlov Pass Incident. 2014 : La Légende d'Hercule. 2015 : Skiptrace.

Classique des années 80, Prison est l'initiateur d'un concept original que d'autres réalisateurs s'empresseront d'exploiter (à l'instar de Wes Craven pour Shocker, James Isaac avec House 3): celui des exactions revanchardes d'un détenu d'outre-tombe, faute d'avoir été autrefois injustement condamné à la chaise électrique. En l'occurence, alors que des prisonniers sont transférés dans une ancienne prison en témoignant des consignes totalitaires de leur directeur, d'étranges phénomènes meurtriers vont intenter à leur détention. Si bien que tapi derrière les cloisons des cellules, le fantôme d'un ancien détenu serait à l'origine de ses massacres en règle. Série B photogénique par sa facture formellement gothique exploitant efficacement un scénario linéaire autour d'un huis-clos rubigineux, Prison génère un plaisir ludique au rythme percutant de séquences chocs aussi inventives que spectaculaires. On peut d'ailleurs louablement saluer le travail artisanal des maquilleurs tant le réalisme imparti aux mises à mort fascine encore aujourd'hui le spectateur ébranlé par des visions de cauchemar inscrits dans la cruauté corporelle (pour ne pas dire SM !). Servi d'une attachante distribution de seconds-couteaux issus du ciné de genre, l'intrigue exploite quelques clichés du drame carcéral (la posture outrée du directeur abusif, les châtiments punitifs conférés à ses prisonniers quand bien même ces derniers finissent par nous traduire une certaine sympathie depuis leur fonction soumise) sans que le spectateur n'éprouve toutefois le sentiment de déjà vu. 

Une gageure engendrée par l'aura diffuse du climat oppressant en interne d'une prison décatie (en rappellant aussi que pour les besoins du tournage l'utilisation d'un authentique pénitencier laissé à l'abandon fut aimablement autorisé pour tenir lieu de réalisme 4 mois durant !) et par l'attachante stature de certains marginaux comme le souligne le détenu Crésus lié à un passé hélas galvaudé. Principalement le porte parole de la troupe, Burke (que le néophyte Viggo Mortensen endosse avec un charme preux), redoublant d'audace et bravoure à tenter d'extirper de la mort quelques codétenus. Secondé d'un antagoniste sournois avide de mégalomanie, l'excellent Lane Smith se prête au cabotinage avec une rigoureuse autorité derrière son regard impassible quasi métallique. Quant à la présence de l'entité spectrale, Renny Harlin cultive à tous prix la suggestion par le biais d'une lumière azuré aveuglante (à l'instar de La Forteresse Noire !) tout en parvenant à distiller un suspense anxiogène au fil de ses exactions macabres. Enfin, on peut aussi rappeler qu'au niveau des figurants, une dizaine de véritables détenus furent recrutés pour l'occasion cinématographique alors que certains géoliers en faction étaient réellement armés durant tout le tournage afin d'éviter le moindre incident ! Qui plus est, un autre détenu (jugé pour meurtre à la suite d'une bagarre dans un bar) tient d'ailleurs un véritable rôle narratif dans celui du mastard autoritaire proposant un compromis avec Bruke (Vigo Mortensen) à la suite de son héroïsme de dernier ressort.

Psycho-killer surnaturel façonné à l'instar d'un train-fantôme pénitentiaire dénué de surenchère (en dépit du final explosif efficacement géré), Prison cultive une irrépressible fascination pour son climat feutré de claustration et sa variante de séquences-chocs aussi sanguines qu'homériques. Nanti d'un rythme sans faille culminant vers une ultime demi-heure haletante, Prison transfigure la série B à l'ancienne parmi l'originalité de son concept horrifique, et ce, en dépit d'une structure narrative convenue. Un régal d'efficacité au demeurant pour un amour de série B rétro. 

*Bruno
5èx. 28.02.24. Vostfr

TRULY MADLY DEEPLY. Prix de la Critique, Avoriaz 92.

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Anthony Minghella. 1991. Angleterre. 1h47. Avec Juliet Stevenson, Alan Rickman, Bill Paterson, Michael Maloney, Jenny Howe, Carolyn Choa, Christopher Rozycki.

Sortie salles France: 8 Avril 1992

FILMOGRAPHIE: Anthony Minghella est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur britannique, né le 6 janvier 1954 sur l’île de Wight, décédé le 18 mars 2008.
1991: Truly, Madly, Deeply. 1993 : Mr. Wonderful. 1996 : Le Patient anglais. 1999 : Le Talentueux M. Ripley. 2003 : Retour à Cold Mountain. 2005 : Par effraction.

Célébré à Avoriaz par 2 récompenses (Prix de la Critique, Prix d'Interprétation Féminine), Truly, Madly, Deeply aura marqué une génération de spectateurs et vidéophiles en prime de son succès critique. Comédie romantique impartie à une ghost story naturaliste, cette première oeuvre d'un réalisateur néophyte distille un humanisme prude pour l'idylle amoureuse compromise entre une veuve et son mari défunt. Depuis la mort subite de son époux, Nina ne parvient pas à faire le deuil dans son inconsolable chagrin. Mais un soir, son amant réapparaît sous les traits d'un revenant afin d'apaiser sa souffrance morale. Au fil des jours, et depuis l'arrivée d'autres compagnons fantômes, une lassitude s'interpose entre eux.

Film d'auteur inscrit dans la pureté des sentiments, Truly, Madly, Deeply emprunte le conte moderne pour aborder le thème de la perte de l'être cher du point de vue d'une tragédie inéquitable. Sobrement réalisé parmi le parti-pris de ne jamais se soustraire au pathos, l'intrigue se focalise sur les rapports intimistes du couple en étreinte parmi l'intrusion cocasse de fantômes amicaux venus s'installer dans leur appartement afin de flâner devant la TV à dévorer des classiques en VHS. De par ses moments intenses de tendresse et ses situations pittoresques conçues sur la fantaisie de spectres impertinents émane un climat fantasmagorique inscrit dans un réalisme prégnant. A l'instar de la luminosité de sa photographie limpide et surtout du jeu spontané des comédiens exprimant leur tendresse commune avec une sensibilité tantôt bouleversante. Outre la présence à contre-emploi du regretté Alan Rickman en fantôme flegmatique délibéré à soutenir sa bien aimée pour l'inciter à renouer avec le bonheur, le film est transcendé par la prestance viscérale de Juliet Stevenson exprimant de manière éperdue des sentiments de fragilité, de crainte mais aussi de persévérance à s'efforcer de transgresser son insurmontable fardeau.

Hymne à la vie dans sa faculté à refonder un bonheur perdu, réflexion spirituelle sur l'au-delà, témoignage émouvant et plein de poésie sur le souvenir et la condition altruiste de nos défunts, Truly, Madly, Deeply délivre un message plein d'optimisme quant à la reconstruction sociale de l'héroïne convaincue que l'amour reste inaltérable avec l'appui d'un ange philanthrope inscrit dans la tolérance. Une oeuvre fastueuse particulièrement subtile dans son refus de fioriture, à redécouvrir avec beaucoup d'émotion sachant qu'Alan Rickman s'est aujourd'hui véritablement fondu dans la peau de son personnage mystique ! 

Dédicace à Nadine Izquierdo

Récompenses: Prix de la Critique, Prix d'Interprétation Féminine (Juliet Stevenson) à Avoriaz, 1992

DHEEPAN

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de Jacques Audiard. 2015. France. 1h58. Avec Antonythasan Jesuthasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby, Vincent Rottiers, Marc Zinga, Tarik Lamli

Sortie salles France: 26 Août 2015

FILMOGRAPHIE: Jacques Audiard est un réalisateur, scénariste et monteur français, né le 30 Avril 1952 à Paris. 1994: Regarde les Hommes tomber. 1996: Un héros très discret. 2001: Sur mes lèvres. 2005: De battre mon coeur s'est arrêté. 2009: Un Prophète. 2012: De Rouille et d'Os. 2015: Dheepan.

Auréolé de la Palme d'Or en 2015, le nouveau film évènement de Jacques Audiard aborde le choc culturel et la violence urbaine sous le témoignage d'un trio de migrants issus du Sri Lanka. Fuyant la guerre civile de leur pays, Dheepan parvient à rejoindre la France avec l'appui d'une fille et d'une jeune femme dont il ignore leur identité (stratagème planifié à l'aide de faux papiers afin de franchir la douane). Logés à l'enseigne d'un quartier défavorisé où la violence urbaine est quotidienne, ils vont tenter de survivre pour s'y faire une place. Fort d'une mise en scène extrêmement appliquée et d'une habile construction narrative suggérant l'approche d'un danger, Dheepan parvient à nous immerger dans le désarroi de cette famille indienne au sein de leur intimité. Débarqués à l'improviste dans cette nouvelle terre d'accueil que symbolise la France, nos trois migrants vont tenter de s'adapter à leur situation précaire depuis les trafics de drogue perpétrés sous leur nez par des délinquants sans vergogne.

Pourvu d'un réalisme scrupuleux, que ce soit pour les séquences d'action percutantes prises sur le vif que de la caractérisation humaine des comédiens méconnus (le couple Antonythasan Jesuthasan / Kalieaswari Srinivasan entremêle pudeur et colère avec une intensité viscérale), Dheepan nous fait donc partager leur quotidienneté sous l'amertume contrariée d'un avenir aussi incertain. Sans effet de misérabilisme et de sinistrose, Jacques Audiard parvient à magnifier leur portrait moral avec souci de vérité d'ausculter leurs sentiments internes fondés sur le dépit, l'angoisse et la révolte. Dressant un tableau terrifiant sur la violence urbaine des ghettos défavorisés au sein de l'hexagone, l'intrigue établit un parallèle sur la situation autrefois vécue par le peuple Tamoul depuis leur traumatisme de la guerre. Constat amère d'une France gangrenée par le chômage et la violence, Jacques Audiard dénonce le laxisme de nos politiques à faire fi des quartiers défavorisés transformés ici en zone de non-droit. Récit initiatique pour une délicate insertion sociale et les rapports amicaux en ascension du couple de migrants, Dheepan nous alerte sur les conséquences de la violence urbaine lorsqu'un ancien belligérant se retrouve confronté à reprendre les armes afin de prémunir son foyer.

Mis en scène avec une virtuosité sans fard et superbement incarné par des comédiens d'une bouleversante humilité, Dheepan aborde l'apprentissage de l'amour, le machisme, l'émancipation féminine et la rébellion sous l'impulsion désoeuvrée d'une guerre urbaine juvénile. Un grand film plein de dignité pour la condition humaine des migrants autant qu'un cri d'alarme sur la situation inquiétante d'une France gangrenée par la violence des cités. 

B.M. 

Hostel

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

d'Eli Roth. 2006. U.S.A. 1h33. Jay Hernández, Derek Richardson, Eythor Gudjonsson, Barbara Nedeljakova, Jana Kaderabkova, Jan Vlasák, Jennifer Lim.

Sortie salles France: 1er Mars 2006 (mention: Interdit aux moins de 16 ans avec avertissement : "De nombreuses images, d'une grande violence, peuvent impressionner les spectateurs".
Sortie U.S: 6 Janvier 2006.

FILMOGRAPHIE: Eli Roth est un réalisateur américain, né le 18 Avril 1972 à Boston.
2002: Cabin Fever. 2006: Hostel. 2007: Thanksgiving (faux trailer). 2007: Hostel 2. 2009: Nation's Pride - Stolz der Nation (trailer). 2013: The Green Inferno. 2015: Knock Knock.

Deux ans après le phénomène Saw, le débutant Eli Roth exploite à son tour le filon du Torture Porn, remis au goût du jour pour un public ado en quête de sensations hardcores. Devenu, comme son homologue, un petit film culte auprès de la génération 2000, Hostel s’inscrit dans la lignée du cinéma d’exploitation, celui qui sévissait autrefois sur les écrans crasseux des grindhouses, en particulier durant l’âge d’or des Seventies. À travers le thème du trafic d’humains orchestré dans les pays les plus défavorisés, Eli Roth s’épanche sur les bas instincts de rupins étrangers réunis en Slovaquie pour combler leur appétence morbide. 

Le Pitch: Trois jeunes étudiants américains font escale à Prague, attirés par l’adresse confidentielle d’un bordel clandestin. Après avoir fraternisé avec des call-girls à l’auberge, deux d’entre eux disparaissent mystérieusement. Paxton, le survivant, part à leur recherche...

Série B horrifique baignée dans une violence graphique parfois éprouvante, Hostel ne fait pas dans la dentelle pour dépeindre, avec un réalisme rugueux, les supplices infligés à des victimes capturées pour le bon plaisir de bourreaux pathologiques. Et on ne va pas s'en plaindre, du moins chez les initiés. 

Si la première partie, convenue, n’échappe pas aux figures imposées du teen movie, l’efficacité de la mise en scène et le soin accordé à la caractérisation des personnages (qu’il s’agisse de nos fêtards juvéniles ou des nymphettes aguicheuses) nous permettent de nous attacher à leur virée hédoniste entre sexe, suspicion et défonce. Outre l’érotisme stylisé des étreintes torrides, Roth instille par touches insidieuses un climat d’angoisse, une tension rampante au fil des disparitions. L’anxiété grimpe d’un cran lorsque Paxton, seul rescapé, commence à percer les rouages de cette machination ténébreuse, où les catins s’avèrent compromises dans un trafic aussi abject qu’organisé.

Par le prisme haletant du survival, la seconde partie bascule dans l’horreur pure lorsque Paxton se retrouve piégé dans une usine désaffectée, reconvertie en chambre des supplices. Roth fignole le cadre insalubre de cet antre rubigineux avec un certain stylisme — notamment les tenues fétichistes des tortionnaires, au charisme inquiétant. Hostel nous entraîne droit en enfer : chaînes, scies, pinces, scalpels, tout y est. La brutalité crue de certaines séquences (dont une fameuse énucléation) plonge le spectateur dans le dégoût, le malaise, une sensation d’inconfort physique. La victime, entravée, pantelante, nauséeuse, est contrainte d’endurer des sévices corporels sous l’œil concupiscent de bourreaux satisfaits. Le huis clos nous enferme, nous aussi, dans un univers olfactif suintant la rouille, le sang, le vomi, la sueur.

Pour culminer la tension, la dernière partie, centrée sur la condition esseulée de deux rescapés, embraye vers une traque homérique, avec l’appui d’enfants délinquants livrés à eux-mêmes. Roth en profite pour pointer du doigt la sauvagerie de cette marginalité infantile, tout en dénonçant la corruption policière et la prostitution mêlées à ce trafic d’êtres humains, nées de la décrépitude d’un monde laissé à l’abandon.

"Slovaquie Rouge Sang".

Efficace et tendu, éprouvant et parfois choquant par la crudité de ses effets gores, Hostel illustre à sa manière l’essence du divertissement horrifique : une série B d’exploitation nourrie à la transgression. Il en émane un bon moment de frousse à la fascination malsaine, dérangeante, où la bourgeoisie pervertie piétine toute morale pour assouvir ses fantasmes les plus déviants.

*Bruno

4èx. 31.05.25

La Chronique de Hostel 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/09/hostel-chapitre-2-hostel-part-2.html

La Place Sanglante / Blood Beach (Uncut Version)

     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jeffrey Bloom. 1980. U.S.A. 1h31. Avec David huffman, Marianna Hill, Burt Young, John Saxon, Darrell Fetty.

Sortie salles France: 29 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: Jeffrey Bloom est un scénariste, réalisateur et producteur américain, né le 4 Avril 1945. 1975: Dogpound Shuffle. 1977: The Stick Up. 1980: La plage sanglante. 1984 Jalousies (télé-film). 1985: L'étoile inconnue (TV). 1986: Le droit au meurtre (TV). 1987: Juarez (TV). 1987: Flowers in the Attic

 

"La Plage était presque tranquille…"

Série B horrifique symptomatique des années 80, surfant sur la vague du "monstre aquatique" initiée par Les Dents de la Mer, La Plage Sanglante fait figure d’ersatz amusé, avec sa réalisation apathique et ses personnages gogos, dénués de toute psychologie. Les comédiens s’efforcent tant bien que mal d’exprimer leur effroi ou leur désarroi face à la menace indicible avec une naïveté bon enfant, irrésistiblement candide.

Le pitch : dans une station balnéaire californienne, de jeunes vacanciers disparaissent mystérieusement, sans laisser de traces. Le spectateur, lui, assiste, hilare et incrédule, à leur ensevelissement progressif par une menace invisible, tapie sous le sable. Dépêchée sur les lieux, la police — épaulée par le chef de la brigade portuaire — enquête sans parvenir à élucider cette vague morbide. Tandis que les morts s’accumulent en sourdine et que les fouilles piétinent, le spectateur, complice, contemple ce suspense de pacotille au second degré.

Produit d’exploitation un brin fallacieux — car aguicheur dès le premier regard, avec la fulgurance formelle de son affiche — La Plage Sanglante se déguste pourtant comme un plaisir bonnard, à mesure qu'une intrigue atone, incapable de progresser, se voit rehaussée par un casting étonnamment attachant (mention spéciale au garde-côte, qui roucoule avec sa compagne 1h30 durant tout en tentant, mollement, d’éclaircir l’enquête).

La narration se résume aux investigations policières rébarbatives et à l’éveil romanesque du couple d’amants susnommé, tandis que les victimes, l’une après l’autre, sont happées par le sable. Si l’idée horrifique s’avère originale et titille d’abord une certaine curiosité — quant à sa mise en scène spectaculaire ou à l’identité du meurtrier et son mobile éventuel —, la manière puérile dont Jeffrey Bloom étire jusqu’à l’absurde ces situations anxiogènes fait rapidement chavirer le navire vers une gaudriole gentiment bis, fort sympatoche pour qui raffole de cette belle époque aujourd’hui révolue.

Et pour accentuer la détente, on peut également compter sur nos vénérables seconds rôles : John Saxon et Burt Young, qui s’opposent gentiment avec bonhomie, contraints par des dialogues involontairement comiques à frôler la caricature pittoresque. Incapable d’insuffler un réel suspense à travers une intrigue à bout de souffle, La Plage Sanglante demeure pourtant miraculeusement plaisant, pour qui chérit le ciné bis « pour rire », jusqu’à son dénouement grotesque où l’apparition protéiforme du monstre nous replonge dans une stupeur mi-amusée, mi-interloquée.

Cerise sur le gâteau : une partition métronomique, au score ombrageux, limite auto-parodique, qui daigne provoquer une angoisse sous-jacente lorsque la présence hostile s’apprête à alpaguer sa nouvelle proie.

"L’Étrange Silence des Dunes Cannibales".

Entre situations involontairement cocasses (grâce notamment à la présence bourrue de Burt Young, en flic génialement gouailleur) et quelques effets sanglants vaguement glauques (dans cette version uncut, inédite en France), La Plage Sanglante parvient à façonner une intrigue scolaire, plaisamment ubuesque. En mode bisseux, le divertissement modeste séduit l’afficionado du genre, par le charme désuet de ses interprètes et son atmosphère horrifique — photo sépia/ocre à l’appui — délicieusement datée, et donc précieuse.

*Bruno
05.10.20.
03.06.25. 5èx. vf

Electric Dreams. Prix du Public, Antenne d'Or A2, Avoriaz 85.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site scifi-movies.com

de Steve Baron. 1984. U.S.A/Angleterre. 1h32. Avec Lenny Von Dohlen, Virginia Madsen, Bud Cort, Maxwell Caulfield, Wendy Miller, Don Fellows, Alan Polonski.

Sortie salles France: 17 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: Steve Barron est un réalisateur et producteur irlandais, né le 4 mai 1956 (59 ans) à Dublin (Irlande). 1984 : Electric Dreams. 1990 : Les Tortues ninja. 1992: ZZ Top : Greatest Hits (vidéo). 1993: Bowie : The Video Collection (vidéo). 1993 : Coneheads. 1996 : Pinocchio. 1998 : Merlin (TV). 2000 : Les Mille et Une Nuits (Arabian Nights) (TV). 2000 : L'Étrange histoire d'Hubert (Rat). 2001 : Mike Bassett: England Manager. 2003 : DreamKeeper (feuilleton TV). 2006 : Chocking Man. 2011 : Apocalypse 2.0 (Delete) (TV). 2012 : L'Île au trésor (Treasure Island) (TV).

Électricité sentimentale.

Film culte de la génération 80, Electric Dreams emprunte les codes de la comédie romantique sous couvert d’un argument d’anticipation débridé : un ordinateur domestique, soudain doué de vie et de sentiments après avoir été accidentellement irrigué de champagne. Ce pitch d’une naïveté fantaisiste, pour ne pas dire absurde, est transcendé par le perfectionnisme d’un surdoué du clip, Steve Barron. Sa mise en scène hyper inventive insuffle une fraîcheur galvanisante à la relation insolite d’un triangle amoureux au cœur de péripéties délicieusement pittoresques.
Car au moment d’installer son équipement informatique, Miles Harding tombe sous le charme de sa voisine de palier, Madeline, violoncelliste de renom. Fasciné par ses mélodies qu’il écoute à travers les murs, l’ordinateur, lui aussi, s’initie à la musique. Et bientôt, à l’amour. Régissant tous les appareils domestiques, il s’immisce dans leur intimité avec une jalousie de plus en plus vorace.

 

Nanti d’une bande-son envoûtante signée Giorgio Moroder, portée par les tubes effervescents de Culture Club, P.P. Arnold, Jeff Lynne, Helen Terry et Heaven 17, Electric Dreams distille une euphorie romantique au rythme enivrant. Steve Barron y combine, avec inspiration et malice, des séquences de mini-clips pop pour raconter l’éveil sentimental d’un ordinateur en quête d’amitié, de tendresse et de chaleur humaine.
Conte de fée moderne gorgé de bons sentiments, le film renouvelle avec panache les archétypes du genre grâce à cette machine avide d’émoi charnel, espiègle et roublarde, qui rivalise de malice pour s’imposer face à son rival.
Mais au-delà de l’absurdité de ce postulat où l’amour chavire tous les cœurs, le film s’illumine surtout par la complicité naissante entre ses amants. Dans le rôle du candide architecte, Lenny Von Dohlen — sosie troublant de Thierry Lhermitte — distille une bonhomie attendrissante à travers ses maladresses. Face à lui, Virginia Madsen incarne une muse solaire, sensuelle et vive, dont l’innocence charme autant qu’elle désarme.

   

Le cœur a ses bugs.

Electric Dreams est un conte de fée électronique, alimenté par la flamme de l’émoi amoureux, et habité d’une fraîcheur intacte, portée par une BO aussi galante que pétulante.
En dépit de son cachet désuet — surtout pour l’allure académique de son ordinateur anthropomorphe — cette série B décomplexée parvient à faire jaillir une émotion inattendue, poignante, pour la destinée tragique d’Edgar, machine éprise d’amour interdit.
Techniquement inventif, notamment dans l’ultra-dynamisme de son montage hérité du clip, le film se révèle être un bijou de charme et de tendresse.
Une fantaisie lumineuse, empreinte d’humour et de poésie candide… à se demander, une fois de plus, si les ordinateurs rêvent, eux aussi, de moutons électriques.

* Bruno

12.06.23. 5èx. Vostfr

Récompenses: Prix du Public, Antenne d'Or A2 au Festival du film fantastique d'Avoriaz, 1985.

FRISSONS D'OUTRE-TOMBE

                                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Arte.tv

"From beyond the grave" de Kevin Connor. 1973. 1h37. Angleterre. Avec Ian Bannen, Ian Carmichael, Peter Cushing, Ian Ogilvy, Angela Pleasance, Diana Dors, Donald Pleasence, Nyree Dawn Porter, David Warner.

Sortie salles France: Mars 1974. Angleterre: 23 février 1974

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Kevin Connor est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né en 1937 à Londres (Royaume-Uni). 1973: Frissons d'outre-tombe. 1975: Le 6è Continent. 1976: Trial by combat. 1976: Centre Terre, septième continent. 1977: Le Continent Oublié. 1978: Les 7 cités d'Atlantis. 1979: Le Trésor de la Montagne Sacrée. 1980: Nuits de Cauchemar. 1982: La Maison des Spectres.

En plein essor du film à sketchs inauguré par la célèbre firme Amicus depuis le Train des Epouvantes, Frissons d'outre-tombe renoue avec la qualité d'Histoires d'Outre-tombe réalisé 2 ans au préalable. Kevin Konnor, habile faiseur de séries B à qui l'on doit le bijou d'humour macabre, Nuits de Cauchemar, ainsi qu'une pléthore de fantaisies mythologiques (Le 6è Continent, Centre Terre, septième continent, Le Continent Oublié, Les 7 cités d'Atlantis, Le Trésor de la Montagne Sacrée), nous concocte avec soin quatre sketchs relativement surprenants ou tout du moins ludiques dans son lot de circonstances débridées auquel des protagonistes chapardeurs vont s'y retrouver mêlés. Un miroir, une médaille, une tabatière et une porte vont servir d'éléments perturbateurs avec l'au-delà depuis que des clients se sont empressés de les négocier auprès d'un vieil antiquaire (Peter Cushing se prêtant au jeu du vendeur sénile avec une ironie insidieuse). Servi par une pléiade d'acteurs notoires et de seconds couteaux bien connus des amateurs du genre (Donald Pleasance, David Warner, Ian Carmichael, Peter Cushing, Ian Ogilvy, Angela Pleasance, Diana Dors, Nyree Dawn Porter), Frissons d'outre-tombe tire parti de son capital sympathie grâce à la modeste élaboration de sa réalisation où rien n'a été laissée au hasard.

Que ce soit au niveau de l'efficacité des intrigues aussi amusantes qu'intrigantes dans leur invention machiavélique, de la caractérisation mesquine des personnages n'hésitant pas à frauder la mise de l'objet convoité, que de l'ambiance tout à fait envoûtante que Kevin Konnor fignole parfois par le biais d'éclairages saturés (la dernière anthologie renouant avec l'aspect gothique d'un Bava). Outre les composantes traditionnelles du film à sketchs (dérision, épouvante et suspense), la chute sardonique reste à nouveau tributaire d'ultime estocade pour la victime sévèrement châtiée, quand bien même l'une d'elle bénéficiera d'une faveur d'indulgence. Grâce à la volonté intègre de son auteur à tenter d'émuler son homologue notoire (Histoire d'outre-tombe), Frissons d'outre-tombe attise un pouvoir de séduction émanant d'une ambiance mortuaire délicieusement archaïque. Principalement le premier et le dernier sketch où des revenants tentent de s'extraire d'outre-tombe par le biais d'un miroir ou d'une porte en tourmentant l'esprit de leurs propriétaires. L'humour noir ne cessant de ricocher au fil du comportement versatile des ces derniers attirés dans un univers fantasmagorique sensiblement démoniaque. Prenant pour thème le vaudou par le biais d'une médaille militaire, le second segment ne manque pas non plus de fantaisies et de rebondissements quant à la destinée infortunée du mari préalablement molesté par une épouse abusive. Si le troisième sketch (la tabatière) manque un peu de densité et de surprises par son cheminement prévisible, l'humour cocasse acheminé autour d'un exorcisme et de l'entité indicible permet de transcender ses carences avec un soupçon de méchanceté sarcastique (sa chute espiègle).

Nanti de sketchs (futilement) inégaux mais toujours amusants, insolents et irrésistiblement ensorcelants (j'insiste sur l'ambiance spectrale qui irrigue de son empreinte chaque récit !), Frissons d'Outre-tombe honore le genre d'épouvante sans esprit de prétention et avec l'aimable autorité de comédiens en posture indélicate (mention spéciale au sourire livide de l'étonnamment trouble Angela Pleasance dans le 3è segment). Un petit fleuron d'épouvante archaïque à redécouvrir car d'une fraîcheur insoupçonnée !  

B.M.
2èx

THE BEAST (Le Traitement)

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Franceinter.fr

"De Behandeling" de Hans Herbots. 2014. Belgique. 2h07. Avec Geert Van Rampelberg, Ina Geerts, Johan Van Assche, Laura Verlinden, Roel Swanenberg

Sortie salles France: 30 Décembre 2015. Belgique: 29 Janvier 2014

FILMOGRAPHIE: Hans Herbots est un réalisateur et scénariste néerlandais, né le 13 Mai 1970 à Antwerp. 2001: Vallen. 2004: 10 jaar leuven kort. 2005 Verlengd weekend. 2006: Tempête en haute mer. 2010: Bo. 2014: The Beast

D'après le roman The Treatment de Mo Hayder, The Beast relate l'enquête ardue d'un inspecteur de police délibéré à retrouver un assassin pédophile au coeur d'une bourgade rurale de la Belgique. Déjà traumatisé par la disparition de son frère alors qu'il était âgé de 8 ans, Nick Cafmeyer poursuit cette investigation avec acharnement dans sa soif de justice et le désir inespéré de retrouver le kidnappeur de son frangin. Véritable descente aux enfers dans les tréfonds de la bassesse humaine, The Beast constitue un électrochoc émotionnel, de par son réalisme glauque à la limite du soutenable et la caractérisation insalubre de marginaux particulièrement cyniques.

Prenant pour thème la pédophilie dans sa figuration la plus licencieuse, Hans Herbots n'y va pas avec le dos de la cuillère pour nous plonger dans un univers mortifère aussi asphyxiant que déprimant. Alternant l'enquête policière émaillée d'indices au compte goutte puis la quête pour la survie d'une famille en instance de claustration, The Beast éprouve et dérange de manière hypnotique. De par sa structure narrative vénéneuse, ses l'éclairages blafards d'une photo opaque, la maîtrise personnelle de sa mise en scène et l'interprétation névralgique de Geert Van Rampelberg, littéralement habité par ses pulsions de haine et de révolte. Le spectateur se retrouvant, comme le héros, immerger dans un dédale cafardeux depuis sa fréquentation avec des suspects équivoques et ses effractions commises dans des bâtiments décrépits. En dépit d'une intrigue parfois confuse où certains évènements majeurs s'enchaînent (à mon sens) un peu trop rapidement, le suspense exponentiel qui irrigue les pores du scénario nous agrippe la gorge, quand bien même le héros est à deux doigts de démasquer l'identité meurtrière. La dernière partie, crapuleuse et effleurant parfois la complaisance putanesque, s'avérant d'une intensité terriblement dérangeante pour la fonction démunie des victimes et la posture erratique d'un(e) criminel(le) au mobile bien spécifique. Une manière couillue d'invoquer une certaine singularité à ces exactions où la pédophilie est une fois de plus compromise au réseau.

Véritable chemin de croix à perdre haleine que le héros parcourt avec une rage désespérée, The Beast transcende le thriller poisseux avec vigueur et âpre réalisme dans son souci scrupuleux de cristalliser une atmosphère anxiogène épouvantablement immersive. Par sa puissance de suggestion épargnant l'intolérable, le réalisateur parvient toutefois à provoquer un malaise nauséeux par l'appui de bouts de photographie et d'images VHS, tandis que son point d'orgue traumatique fait preuve de violence graphique dans les corps à corps de survie. Pour parachever, on peut également prôner la sobriété des comédiens méconnus (du moins dans l'hexagone) éludant toute forme de misérabilisme ou de pathos, particulièrement le jeu viscéralement tempétueux de Geert Van Rampelberg. A réserver néanmoins à un public averti en raison de la facture douloureuse de son thème scabreux et la verdeur de son climat malsain en roue libre où nos nerfs sont à deux doigts de chavirer !

Dédicace à Jen Winter
B.M.

Jeepers Creepers

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb

de Victor Salva. 2001. U.S.A. 1h30. Avec Gina Philips, Justin Long, Patricia Belcher, Eileen Brennan, Brandon Smith, Jeffrey William Evans.

Sortie salles France: 3 juillet 2002. U.S: 31 Août 2001

FILMOGRAPHIE: Victor Salva est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 29 Mars 1958 à Martinez. 1989: Clownhouse. 1995: Powder. 1999: Rites of Passage. 2001: Jeepers Creepers. 2003: Jeepers Creepers 2. 2006: Peaceful Warrior. 2012: Rosewood Lane.

Prototype de la série B horrifique du samedi soir, Jeepers Creepers s’impose comme un pur hommage aux Boogeymen des années 80. Un hymne au ciné d’antan : celui des bandes récréatives, jouissives, conçues pour divertir et faire frissonner avec un amour viscéral du genre - et non comme un vulgaire épigone opportuniste surfant sur l’exploitation redoutée.

Le pitch.
En villégiature, un frère et une sœur empruntent la nationale pour rejoindre leurs parents à bord d’une Plymouth. Sur la route, ils sont pris en chasse par un mystérieux camionneur au comportement erratique. Après avoir réussi à le semer, ils retrouvent ses traces à proximité d’une chapelle abandonnée. C’est alors que le frère surprend l’agresseur en train d’enfourner un corps à l’embouchure d’une grotte. Ensemble, ils décident de s’y aventurer, mus par l’espoir insensé de sauver un éventuel rescapé.

Entre Duel et Les Griffes de la nuit - et, à moindre échelle, Le Loup-garou de Londres ou Terreur extra-terrestre (la séquence du couple débarquant à l’improviste dans le diner, au milieu d’une clientèle peu amène) - Victor Salva se réapproprie les codes du genre avec une dérision factuelle, presque désinvolte. Fignolant le cadre bucolique d’une Amérique périphérique, les décors minimalistes et la photographie ocre s’accordent à merveille pour parfaire une atmosphère horrifique irrésistiblement envoûtante.

Film d’ambiance à part entière, Jeepers Creepers se voue corps et âme à l’amour du cinéma d’épouvante, transposé dans un contexte contemporain et porté par la cohésion attachante de deux ados en crise. Jonglant sans relâche avec les clichés et une auto-parodie assumée - notamment à travers des réparties sarcastiques - le cinéaste en tire une efficacité maximale, au fil des vicissitudes que nos héros traversent pour fuir une créature humaine en perpétuelle mutabilité.

La grande réussite réside dans la confection iconique de ce monstre hybride, affublé d’un costume de cow-boy (chapeau inclus), féru de chair humaine pour se régénérer. Créatif et délibérément désireux d'y sacraliser un nouvel archétype à l’aura mortifère, Victor Salva façonne une légende urbaine d’un charisme ultra macabre. Par le biais d’un rituel savamment chorégraphié - scandé par un tube des années 60 - le Jeepers Creepers doit émerger de sa tanière tous les 23 printemps afin de se nourrir pendant 23 jours. En sus, et pour accentuer l’étrangeté de son mutisme, la créature renifle ses victimes afin de hiérarchiser la plus odorante des frayeurs, ciblant prioritairement les jeunes mâles.

Parsemé d’action, de revirements et d’idées délicieusement délirantes - notamment via une galerie de personnages interlopes (la médium, la rombière et ses chats) - Salva renouvelle le concept de la traque nocturne avec un brio technique à couper au rasoir. À l’image de cette caméra glissant d’une voiture à l’autre, captant au vol les conversations de conducteurs anonymes, comme autant de fragments de peur disséminés sur l’asphalte.

Hommage révérencieux aux B-movies des années 80, Jeepers Creepers honore le genre horrifique par sa puissance visuelle et le rythme effréné d’une traque rocambolesque, jamais à court de carburant. Angoissant (les poursuites automobiles, la découverte macabre dans la grotte, l’assaut du commissariat), malsain et couillu (le prologue confiné au sous-sol, le final nihiliste), fascinant (la configuration bigarrée de la créature), délirant mais aussi sardonique - comme en témoigne la cruauté sidérante de l’épilogue -Jeepers Creepers peut aujourd’hui revendiquer le statut d’authentique classique, dans une facture vintage littéralement jubilatoire.

— le cinéphile du cœur noir 🖤
4èx. VF Videoprojo

La Chronique de Jeepers Creepers 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/08/jeepers-creepers-2-jeepers-creepers-2.html

Shrew's Nest / Musaranas / Sangre de mi sangre

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site trendsetter.blogs.elle.es

de Juanfer Andrés et Esteban Roel. 2014. Espagne. 1h32. Avec Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva, Luis Tosar , Gracia Olayo , Lucía González, Carolina Bang, Tomás del Estal

Sortie salles Espagne: 25 Décembre 2014

FILMOGRAPHIE: Juanfer Andrés est un réalisateur espagnol. Esteban Roel est un cinéaste et acteur espagnol. 2014: Musaranas/Sangre de mi sangre 

Thriller psychologique aux confins de l’horreur, Musaranas porte la signature du duo ibérique Juanfer Andrés et Esteban Roel. Et pour un premier essai, ces néophytes signent haut la main un suspense machiavélique, taillé sur mesure autour des rapports toxiques et étouffants de deux sœurs recluses dans le même appartement.

Synopsis :
Lorsqu’un homme grièvement blessé implore secours au seuil de leur porte, Montse, l’aînée, cède in extremis à l’élan de charité. Rapidement, sa cadette Nina s’éprend de l’inconnu, mais doit lui rendre visite en cachette sous le joug d’une autorité castratrice. Leur romance clandestine s’épanouit dans le secret, tandis que le sort du blessé demeure précaire : aucun médecin n’est appelé, et ses proches s’inquiètent déjà de sa disparition.

Abordant les thèmes de la psychose, du conservatisme et de l’agoraphobie, les cinéastes dressent avec efficacité le portrait névralgique d’une catholique aigrie, recluse dans sa foi et terrorisée par l’idée d’un contact masculin. Profondément vouée à l’amour divin, Montse impose à sa sœur une éducation de fer où toute romance terrestre est proscrite. Livrées à elles-mêmes depuis la disparition de leurs parents, les deux femmes nourrissent une rancune et une jalousie névrotiques, croissant jusqu’à la déflagration.

La seconde partie, débridée et éprouvante, nous entraîne dans un crescendo de folie et de violence, où le passé galvaudé de Montse refait surface dans une explosion de douleur et de sang. Si l’intrigue, parfois prévisible, flirte avec les situations éculées - on songe à Misery ou encore au sublime Les Proies pour leurs rapports de soumission entre victime alitée et geôlière fanatique -, la mise en scène compense par une narration nerveuse et une exploration poignante de la mémoire et du trauma.

Le soin formel accordé à la photographie et aux somptueux décors rétro du huis clos renforce cette immersion dans une intimité familiale étouffante, portée par un jeu d’acteurs d’une rare intensité. Macarena Gómez (Dagon, Les Sorcières de Zugarramurdi) incarne avec une férocité viscérale une mégère abusive, accablée par le deuil et par un secret qu’il serait criminel de dévoiler.

Efficace, captivant, haletant, Musaranas fascine autant par son portrait schizo que par la tournure délirante et violente de son second acte. Sous son vernis de série B, il abrite une psychologie fouillée et une interprétation enragée de Macarena Gómez, dont le regard désaxé hante bien au-delà du générique final.

— le cinéphile du cœur noir

Dédicace à Karine.

L'INCOMPRIS

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"Incompreso" de Luigi Comencini. 1966. Italie. 1h42. Avec Anthony Quayle, Stefano Colagrande,
Simone Giannozzi, John Sharp, Adriana Facchetti, Silla Bettini.

Sortie salles France: 1er août 1968. Italie: 19 décembre 1966

FILMOGRAPHIE: Luigi Comencini est un réalisateur italien, né le 8 juin 1916 à Salò, province de Brescia en Lombardie (Italie), mort le 6 avril 2007 à Rome.
1948 : De nouveaux hommes sont nés. 1949 : L'Empereur de Capri. 1951 : Les Volets clos. 1952 : La Traite des blanches. 1952 : Heidi. 1953 : La valigia dei sogni. 1953 : Pain, Amour et Fantaisie. 1954 : Pain, Amour et Jalousie. 1955 : La Belle de Rome. 1956 : Tu es mon fils. 1957 : Mariti in città. 1958 : Mogli pericolose. 1959 : Und das am Montagmorgen. 1959 : Le sorprese dell'amore. 1960 : La Grande Pagaille. 1961 : À cheval sur le tigre. 1962 : Le Commissaire. 1963 : La Ragazza. 1964 : Tre notti d'amore. 1964 : La mia signora. 1965 : Les Poupées (Le bambole), segment Il trattato di eugenetica. 1965 : Le Partage de Catherine. 1965 : Don Camillo en Russie. 1967 : L'Incompris. 1968 : Les Russes ne boiront pas de Coca Cola ! 1969 : Casanova, un adolescent à Venise. 1969 : Senza sapere niente di lei. 1972 : L'Argent de la vieille. 1974 : Un vrai crime d'amour. 1974 : Mon Dieu, comment suis-je tombée si bas ? 1975 : Les Aventures de Pinocchio. 1975 : La Femme du dimanche. 1976 : Mesdames et messieurs bonsoir. 1976 : Basta che non si sappia in giro!…1976 : La Fiancée de l'évêque. 1977 : Qui a tué le chat ? 1979 : Le Grand Embouteillage. 1980 : Eugenio. 1982 : L'Imposteur. 1984 : Cuore. 1987 : La storia. 1987 : Un enfant de Calabre. 1988 : La Bohème, adaptation de l'opéra de Puccini. 1989 : Joyeux Noël, bonne annnée. 1991 : Marcellino.

"les enfants plus jeunes ont une espèce de dureté naturelle qui leur permet de résister, alors qu'en grandissant ils deviennent plus vulnérables...(...)" Luigi Comencini

Vilipendé par la critique lors de sa sortie en France et au festival de Cannes, l'Incompris aborde toutefois le mélodrame avec une certaine sobriété dans son émotion contenue et son refus du racolage. Le film puisant sa force dans la confrontation psychologique du père (un consul d'Angleterre expatrié à Florence) et de ses deux fils depuis la disparition soudaine de la mère. Alors que Milo, le cadet, attire toute l'attention du paternel du fait de son très jeune âge, Andrea se retrouve livré à une solitude pesante à cause de son tempérament taciturne. Témoin de ce favoritisme et donc quotidiennement délaissé, il multiplie les audaces et bévues afin d'attirer la considération du père et celle de son entourage. Hanté et accablé par la perte maternelle, Andrea s'efforce néanmoins de protéger son jeune frangin tout en prouvant à son père sa détermination courageuse d'affronter le deuil. Mais un évènement inopportun va bouleverser la donne et inverser les rôles, de façon à lever le voile sur la responsabilité du père.

                                       

Prenant pour cadre le huis-clos d'une riche demeure et de son vaste jardin auquel les enfants batifolent sous l'oeil négligeant d'une gouvernante, l'Incompris approche le drame intimiste avec une délicate pudeur. Les enfants endossant leur fonction innocente avec fraîcheur et spontanéité malgré la contrainte du deuil. Particulièrement l'aîné introverti conscient de sa responsabilité à canaliser la turbulence du cadet, et lucide que la fragilité de l'existence dépend de l'opacité de la mort. Dans celui du père en berne, Anthony Quayle adopte une mine sentencieuse prégnante tout en préservant une marque autoritaire afin de mettre en exergue son rôle pédagogique. Par la posture insolente des enfants multipliant les indocilités face aux absences quotidiennes du père, la première partie privilégie leurs rapports de divergence tout en se focalisant sur l'état d'amertume d'Andrea livré à la jalousie et la solitude. La seconde partie, plus cruelle, se livre ensuite à la confrontation douloureuse du père et d'Andrea, communément livrés malgré eux à des confidences sur l'amour, le remord, le pardon et la mort en guise d'échappatoire. Chacun des témoins se retrouvant subitement à endosser un rôle contradictoire de victime injustement méprisée.

Sans faire preuve de misérabilisme et malgré l'académisme de sa mise en scène, l'incompris aborde avec tact et pudeur parfois poignante les thèmes de la perte de l'être aimé, l'acceptation du deuil, la jalousie et la rancune sous pivot d'une incommunicabilité parentale. Distillant un parfum aigre de nostalgie par la contrariété fragile d'un enfant livré à son inconsolable chagrin, l'intrigue gagne en émotion au fil de son cheminement en perdition. Un très beau mélo auscultant avec autant d'attention que de dextérité les états d'âme endeuillés d'une enfance introvertie. 

Dédicace à Dimitri Derock et Nelly Tess
B.M.

LES CHARLOTS CONTRE DRACULA

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de Jean-Pierre Desagnat et Jean-Pierre Vergne. 1980. France. 1h25. Avec Gérard Filipelli, Gérard Rinaldi, Jean Sarrus, Andréas Voutsinas, Gérard Jugnot, Amélie Prévost, Vincent Martin.

Sortie salles France: 17 Décembre 1980

FILMOGRAPHIE: Jean-Pierre Desagnat, né le 18 octobre 1934 à Paris 12e, est un réalisateur et scénariste de films. 1983 : Flics de choc.
Jean-Pierre Vergne est un réalisateur français, né le 1er avril 1946 à Saint-Brice-sous-Forêt (Seine-et-Oise1) et mort le 25 août 2014 à Terrasson-Lavilledieu (Dordogne).
1980 : Les Charlots contre Dracula (non crédité) coréalisé par Jean-Pierre Desagnat
1985 : Le téléphone sonne toujours deux fois. 1994 : Priez pour nous. 1996 : Golden Boy.

Comédie franchouillarde devenue culte auprès d'une poignée d'amateurs de nanars alors que son petit succès en salles totalisa pas moins de 555 878 entrées, Les Charlot contre Dracula est une aberration filmique conçue par deux réalisateurs aussi discrets qu'insignifiants. D'après un scénario et des dialogues pensés par les Charlots, les Charlots contre Dracula relate la sempiternelle conquête du comte auprès d'une jeune provinciale afin de parfaire le pouvoir d'une fiole, quand bien même Phil et ses compagnons Gérard et Jean vont se lancer à sa poursuite jusqu'au repère du château pour récupérer sa fiancée. Ce pitch d'une ineptie exaspérante est toutefois compensé par le ressort d'un florilège de gags à l'inventivité saugrenue ! Enchaînant les péripéties, quiproquos et bévues à rythme sans faille, les Charlots contre Dracula parvient in extremis à attiser charme et sympathie.

Non pas pour la drôlerie quasi inexistante des blagues de potache grossièrement étalées mais pour l'extravagance des charlots s'en donnant à coeur joie dans leurs bravoures malhabiles à déjouer les subterfuges du comte et de son valet. Ce duo contribuant à tenter de ranimer le pouvoir diabolique d'une fiole grâce au sosie de la mère de Dracula. Comme de coutume à l'aise dans leur fonction pittoresque, nos trois charlots insufflent une spontanéité naturelle pleine d'entrain pour amuser la galerie à renfort de dialogues dérisoires et de grimaces bas de plafond. Cette bonhomie attachante qui émane de leur cohésion est également contrebalancée par la présence secondaire de Gérard Gugnot endossant celui d'un émissaire condescendant chargé de kidnapper la fiancée de Phil avant de se retrouver réduit à l'état de nigaud déficient. Au niveau de la prestance du comte, Andréas Voutsinas adopte une carrure inévitablement hautaine pour incarner un vampire en herbe en voie de couronnement, quand bien même Vincent Martin lui prête la réplique dans la peau du majordome avec un naturel risible. En dépit d'une réalisation et d'une photo ternes tout à fait négligeables, nos deux réalisateurs parviennent futilement en seconde partie à soigner le cadre gentiment gothique du château, notamment par le biais d'éclairages saturés (le salon, la salle à manger, les couloirs) ou, au contraire, opaques (la cave décrépite renfermant tous les cercueils et le final nocturne imposé sur le toit du château).

"Dieu est belge !"
D'une nullité indiscutable pour l'originalité triviale des gags cartoonesques, Les Charlots contre Dracula réussit tout de même à consolider une comédie franchouillarde débridée sous l'impulsion de comédiens aussi plaisantins que farceurs et par la vigueur de rebondissements trépidants. Aujourd'hui condamné à l'oubli sans doute à raison, les fans nostalgiques de nanars pourront néanmoins renouer avec leur plaisir coupable pour subir les vicissitudes de nos charlots embarqués une unique fois dans un train-fantôme horrifico-comique. A savourer entre amis complices...

B.M.

Anecdote (Wikipedia): Le réalisateur, Jean-Pierre Desagnat n'est autre que le père de Vincent Desagnat, l'un des complices de Michaël Youn dans l'émission Le Morning Live.