Source Code

de Duncan Jones. 2011. U.S.A/France. 1h33. Avec Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Michael Arden, Cas Anvar, Russell Peters, Brent Skagfor.

Sortie en salles en France le 20 Avril 2011.

FILMOGRAPHIE: Duncan Zowie Jones est un réalisateur anglais né le 30 Mai 1971. Il est le fils du chanteur David Bowie. 2002: Whistle (court-métrage). 2009: Moon. 2011: Source Code. 

                                     

Après l'excellent film de science-fiction intimiste Moon,  Duncan Jones réalise deux ans plus tard un projet moins personnel mais autrement inspiré avec Source Code. Une réjouissante série B impeccablement troussée auprès de son amusante idée spatio-temporelle si bien que le héros doit revivre à l'infini 8 minutes du passé afin d'appréhender un terroriste poseur de bombes.

Synopsis: Olter Stevens est un capitaine américain parti en mission de reconnaissance en Afghanistan. Or, subitement, il se retrouve dans un train, assis juste en face d'une séduisante jeune inconnue qui semble le reconnaître. Dans huit minutes précises, le train va exploser faute d'une bombe placée à l'intérieur d'un des compartiments par un dangereux terroriste. Au moment du violent impact, le soldat se retrouve soudainement embrigadé dans un caisson autour d'une assemblée de scientifiques observant ses faits et gestes...

                                  

En prenant comme point de départ l'astuce jouissive du voyage temporel auquel un homme est contraint de retourner inlassablement dans le passé pour tenter d'alpaguer un dangereux criminel, Source Code joue la carte de la série B du samedi soir avec une redoutable efficacité ludique. Et même si le cheminement narratif tentaculaire est parfois inévitablement complexe et confus, le suspense constant est si accrocheur et le duo formé par Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Jarhead, Zodiac, Brothers) et la craquante Michelle Monaghan (la mort dans la peau, gone baby gone, l'Oeil du Mal, Somewhere) si charmant et impliqué qu'on se laisse facilement happé par leur dangereuse mission carburant à l'audace et au courage que l'acteur exprime avec une étonnante pugnacité inopinément arrogante.          

                                       

Dénué de prétention et d'une sincérité infaillible d'y façonner avec autant de savoir-faire un divertissement grand public aussi intelligent que retors et inventif, Source Code est diablement ludique sous l'impulsion du couple fusionnel Jake Gyllenhaal / Michelle Monaghan. Son concept révolutionnaire à devancer toutes attaques terroristes, l'efficacité des missions alertes et son final échevelé à rebondissements nous maintiennent en haleine en nous interrogeant en filigrane sur la violation de la dignité humaine du point de vue d'une éthique scientifique trop opportuniste pour faire preuve de fair-play.

*Bruno

15.06.11

24.04.25. 

La Main du Cauchemar / The Hand

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinedweller.com

de Oliver Stone. 1981. U.S.A. 1h48. Avec Michael Caine, Andrea Marcovicci, Bruce McGill, Annie McEnroe, Viveca Lindfors.

Sortie en salles U.S. le 24 Avril 1981.

FILMOGRAPHIE: Oliver Stone (William Oliver Stone) est un réalisateur, scénariste et producteur américain né  le 15 septembre 1946 à New-York. 1974: La Reine du Mal, 1981: La Main du Cauchemar, 1986: Salvador, Platoon, 1987: Wall Street, 1988: Talk Radio, 1989: Né un 4 Juillet, 1991: Les Doors, 1991: JFK, 1993: Entre ciel et Terre, 1994: Tueurs Nés, 1995: Nixon, 1997: U-turn, 1999: l'Enfer du Dimanche, 2003: Comandante (Doc), 2003: Persona non grata, 2004: Looking for Fidel (télé-film), 2004: Alexandre, 2006: World Trade Center, 2008: W.: l'Impossible Président, 2009: Soul of the Border, 2010: Wall Street: l'argent ne dort jamais.

                                        

"Schizophrénie au bout des doigts".

Sept ans après son curieux premier essai horrifique, Seizure, le néophyte Oliver Stone réalise et co-scénarise La Main du Cauchemar, d’après un roman de Marc Brandell — auteur influencé par Les Mains d’Orlac de Maurice Renard (1921). Cette série B méconnue, version modernisée de La Bête aux cinq doigts de Robert Florey (1946), était initialement prévue pour Jon Voight en second rôle, aux côtés de Christopher Walken, finalement remplacé par un Michael Caine habité d’une vigueur schizophrénique. À la suite d’un terrible accident de voiture, le dessinateur Jonathan Lansdale se voit amputé de la main droite, arrachée par la remorque d’un camion. Égarée dans les herbes hautes, la main reste introuvable. Depuis, Jonathan est obsédé par sa disparition inexpliquée. Une relation conjugale conflictuelle le pousse à s’exiler quelques semaines dans une demeure isolée à San Francisco. Peu à peu, il est en proie à de récurrentes amnésies — sa conscience vacille, s'effiloche, jusqu'à se pervertir vers la schizophrénie.

                                    

Sorti à l’époque des vidéoclubs des années 80, dans la catégorie « inédits vidéo » de Warner Home Vidéo, La Main du Cauchemar constitue une excellente série B, sortant du lot des productions horrifiques alors calibrées pour effrayer un public juvénile sans trop d’ambition. Le film débute frontalement avec le point d’orgue d’une séquence gore percutante, orchestrée avec un montage tendu. Ce moment clé, spectaculaire, impressionne par son réalisme et les effets saisissants du grand Carlo Rambaldi. Passé ce choc traumatique, Oliver Stone adopte la tempérance, distillant l’inquiétude sous l’impulsion d’un suspense latent. Après une demi-heure plus classique, et une fois que le héros s’est accoutré d’une prothèse métallique, l’intrigue s’épaissit : Jonathan, séparé de sa famille, s’installe à la campagne. Là, dans un établissement universitaire spécialisé dans le dessin, il décroche un poste d’enseignant et croise la route d’une élève séduisante, dévergondée, presque fatale. Rongé d’hallucinations, accablé d’amnésies, déchu de ses fonctions de dessinateur, il sombre peu à peu dans une folie schizophrène irréversible. Jaloux, consumé par l’infidélité d’une épouse lasse, hanté par l’impossibilité de retrouver sa main, il dérive vers une rage meurtrière incontrôlable.

Avec sa main spectrale et pernicieuse qui rampe dans les recoins pour frapper ses proies, La Main du Cauchemar matérialise les visions délirantes d’un esprit dévoré par sa propre psychose. Pour donner chair à ce cauchemar, Oliver Stone se concentre sur la psyché d’un dessinateur incapable de discerner rêve et réalité, fantasmagorie et vérité nue. Grâce à la prestance sardonique de Michael Caine, bouleversant dans le rôle d’un homme aux prises avec des visions macabres, le film intrigue, captive, sans jamais sombrer dans la facilité ou l’outrance gore. Tour à tour irascible, ombrageux, haineux, violent, mais aussi anémique, fragile (dans ses liens distendus avec sa fille), charmeur ou compatissant (dans sa liaison trouble avec une étudiante déboussolée), il impose une inquiétante fascination, comme irradié par une palette d’émotions diaphanes. Et même, dans une moindre mesure, une empathie étrange s’éveille pour cette victime psychotique vouée à une haine qu’elle ne maîtrise plus.                             

                                     

Commencé dans un rythme langoureux, porté par une mise en place sobre, La Main du Cauchemar parvient à tirer son épingle du jeu avec un dosage subtil d’angoisse diffuse, de tension tapie et de suspense rampant. Entièrement posé sur les épaules d’un immense acteur habité par son personnage bicéphale, cette perle sombre menée avec savoir-faire rend honneur au genre horrifique, et peut sans rougir figurer parmi les meilleures séries B (oubliées) des années 80.

*Bruno

14.06.11.   4.

 

Les Insectes de Feu / Bug. Licorne d'Or et Prix du Public au Rex à Paris 1975.

                                             

de Jeannot Szwarc. 1975. U.S.A. 1h40. Avec Bradford Dillman, Joanna Miles, Richard Gilliand, Jamie Smith Jackson, Alan Fudge, Jesse Vint, Patricia McCormack, Brendan Dillon.

Sortie salles France: 28 Janvier 1976 (Int - 13 ans). U.S: 6 Juin 1975
 
FILMOGRAPHIE: Jeannot Szwarc est un réalisateur français, né le 21 Novembre 1939 à Paris.
1973: Columbo: adorable mais dangereuse, 1975: les Insectes de Feu, 1978: Les Dents de la mer 2, 1980: Quelque part dans le temps, 1983: Enigma, 1984: Supergirl, 1985: Santa Claus, 1994: La Vengeance d'une Blonde, 1996: Hercule et Sherlock, 1997: Les Soeurs Soleil.

                                   
A l'aube d'une riche carrière éclectique, le français Jeannot Szwarc réalise en 1975 une série B horrifique matinée de science-fiction et de catastrophe surnaturelle. Produit et co-scénarisé par William Castle, en concertation avec la Paramount depuis le prodigieux succès de Rosemary's Baby, Les Insectes de Feu est également tiré d'un roman de Thomas Page: The Hephaestus Plague, publié en 1973. 

Le Pitch: Un séisme ravage une région bucolique des Etats-Unis libérant par l'occasion d'étranges insectes capables d'incendier la nature environnante au contact de leur abdomen. Peu à peu, d'étranges incidents intentent aux citadins d'une bourgade, les arthropodes agressant leurs victimes au contact du feu. Un professeur en université retranché chez lui décide de les étudier afin de tenter de les exterminer. 

Multi récompensé dans divers festivals, Les Insectes de Feu est tout à fait symptomatique d'une époque notable dans laquelle il fut conçu. En effet, son sujet traité avec le plus grand sérieux exploite des séquences horrifiques proprement terrifiantes et remarquablement efficaces de par leur impact aussi inédit que spectaculaire. En l'occurrence, les victimes pourchassées par les blattes tentent désespérément de fuir la menace du feu si bien que ces insectes sont capables d'incendier nos corps au contact de leur estomac. Les citadins se transformant en torches humaines après que l'insecte soit parvenu à produire de la chaleur combustive.

Les séquences chocs qui y émanent sont particulièrement violentes et réalistes lorsque les victimes accourent tous azimut dans l'intensité de leur affolement. La fascination répulsive exercée sur ses diaboliques invertébrés, délibérés à dominer le monde, réussissant à nous convaincre de leur dangerosité grâce à de sobres effets-spéciaux efficacement conçus. Si bien que repoussants auprès de leur aspect viscéral, ces blattes crèvent l'écran avec un réalisme inégalé sachant que l'auteur se refuse d'y désamorcer l'horreur des situations par dérision macabre. Qui plus est, Jeannot Szwarc utilise habilement son savoir-faire technique par l'entremise d'une partition musicale quasi expérimentale, une photographie solaire aux teintes ocres et de nombreux zooms auscultant l'anatomie de ces blattes dévoreuses de résidu alcalin (la cendre) La seconde partie beaucoup plus sobre et documenté cultive un huis-clos étouffant au sein des agissements scientifiques d'un biologiste obsédé à l'idée d'exterminer les cafards depuis que sa femme fut l'une des victimes. Sous le principe du reportage animalier, ce second acte réussit à inquiéter et captiver par une succession d'épreuves scientifiques qu'effectue ce dernier afin d'endiguer cette race d'asthropodes hérités de la préhistoire. Terré dans l'insalubrité de sa demeure et perdant peu à peu tous repères avec la réalité, James Parmiter joue aux apprentis sorciers au péril de sa vie. 

                                      

Efficacement mené et éminemment fascinant pour l'aspect réaliste d'une menace animale littéralement photogénique, Les Insectes de Feu constitue une oeuvre charnière de l'épouvante des Seventies. Son sujet alarmiste imparti à une peur écolo nous illustrant à nouveau que l'homme altier, obsédé à l'idée d'y dompter une mutation biologique se révèle à terme impuissant, désarmé par son égocentrisme. Sa solide distribution (Bradford Dillman très investi dans son scrupuleux rôle de savant fou), les séquences chocs qui ponctuent l'intrigue et l'inquiétant score dissonant acheminent cette oeuvre insolite au rang de classique du genre à redécouvrir d'urgence. 

*Bruno

13.06.11

Récompenses:
Prix des meilleurs effets spéciaux pour Phil Cory, lors du Festival du film de Catalogne en 1976.
Prix du Public et Licorne d'Or au Rex à Paris en 1975.

The Cold Room Prix Spécial du Jury à Avoriaz 1985.

de James Dearden. 1984. Angleterre/Allemagne. 1h35. Avec Georges Segal, Amanda Pays, Renée Soutendjik, Warren Clarke.

FILMOGRAPHIE: James Dearden est un réalisateur et scénariste britannique né le 14 septembre 1949 à Londres. 1977: The Contraception, 1978: Panic, 1980: Diversion, 1984: The Cold Room, 1987: Liaison Fatale (scénariste), 1988: l'île de Pascali, 1991: Un baiser avant de mourir, 1999: Trader.

                                                              

Par le scénariste du thriller Liaison Fatale, James Dearden signe en 1984 son meilleur film : The Cold Room, justement récompensé du Prix Spécial du Jury à Avoriaz. Hallucinations, voyage temporel, réincarnation, folie… s’entrecroisent dans une intrigue à l’atmosphère lourde et irréelle, où plane le spectre du nazisme. 

En relation conflictuelle avec son père, la jeune Carla accepte pourtant de passer quelques jours avec lui, dans la région de Berlin-Est. À leur arrivée, ils s’installent dans une chambre d’hôtel tenue par une vieille femme nommée Frau Hoffman. Peu à peu, Carla est assaillie par d’étranges visions — un boucher patibulaire armé d’un long couteau, posté devant une échoppe. Bientôt, elle découvre une pièce secrète dissimulée derrière l’armoire de sa chambre.

                                                     

Étrange curiosité, jamais diffusée à la télévision et toujours inédite en DVD, The Cold Room demeure dans l’ombre malgré son prix mérité à Avoriaz. Sa force réside dans sa troublante structure narrative, qui laisse planer le doute : sommes-nous témoins de l’imagination débordante d’une jeune fille instable, insolente, vacillant face à une réalité affective défaillante ? Derrière l’armoire, une pièce murée, hérissée de crocs de boucher. Un homme, Erich, s’y terre depuis deux semaines, fuyant la police. Chaque jour, Carla lui apporte de la nourriture ; bientôt, une relation amoureuse naît entre eux. Mais Erich, insurgé juif, la supplie de retrouver un contact capable de lui fournir de faux papiers et de l’aider à fuir clandestinement. Le monde dans lequel Carla dérive se fissure un peu plus chaque jour, jusqu’à basculer dans une faille temporelle, en pleine ère nazie.

Sous le joug d’une atmosphère inquiétante, The Cold Room entretient une tension sourde, alternant les années 40 et 80 avec une fluidité spectrale. Par son ambiance feutrée, glauque, ce drame fantastique s’enfonce dans un univers dépressif hanté par les relents d’une Histoire obscène. À travers l’idylle condamnée de deux amants cernés par la haine et la xénophobie, James Dearden transcende son suspense en cauchemar éveillé. Rêves, hallucinations, réincarnation, folie se superposent dans un entrelacs de temporalités, jusqu’à ce que l’une dévore l’autre. Comédienne méconnue à la grâce magnétique, Amanda Pays — sosie troublant de Nastassja Kinski — insuffle une sensualité fragile à cette héroïne tourmentée, investie d’un rôle d’investigatrice égarée dans les brumes de sa propre psyché. Par sa présence troublante mais résolue, le film gagne en sensibilité, notamment en abordant le thème de la métempsychose.

                                                      

"Entre deux vies, la chambre".
Série B malencontreusement condamnée à l’oubli, The Cold Room est pourtant un excellent suspense fantastique, sobre et envoûtant, dont l’histoire captivante réactive en sourdine le fantôme du nazisme. Son atmosphère moite et lugubre, renforcée par une photographie désaturée, nous enferme dans un drame schizophrène fascinant, guidé par la fragile impulsion d’Amanda Pays.

*Bruno

10.06.11

OTAGES EN SURSIS (Fight For Your Life). Video Nasties !

de Robert Endelson. 1977. U.S.A. 1h23. Avec William Sanderson, Robert Judd, Reginald Bythewood.

FILMOGRAPHIE: Robert Endelson est un réalisateur et producteur américain né en 1947.
1973: Filthiest Show in Town
1977: Fight for Your Life

Hommage subjectif d'un puriste amateur.
Otages en Sursis est également listé dans la rubrique des fameux "vidéos nasties" créé en 1984 par l'Angleterre puritaine. 74 films sont ainsi jugés trop violents, décadents ou sanglants pour être cachetés "nasty" et bannis de leurs vidéos-clubs.

4 truands en cavale... Ils sont désabusés, hargneux, sadiques et ont décidé de se venger de la société sans plus attendre. 4 bêtes sauvages en liberté... Et un long parcours de violence gratuite et brutale vers le cul-de-sac de la mort : un paisible pavillon de banlieue. La confrontation est prête ! D'un côté, la police silencieuse et à l'affût, le revolver au poing... De l'autre, une famille tranquille prise en otage mais qui va se révéler en
un atroce retournement de situation l'arme d'une justice impitoyable...

L'ETRANGLEUR DE RILLINGTON PLACE (10 Rillington Place)

de Richard Fleischer. 1971. Angleterre. 1h51. Avec John Hurt, Richard Attenborough, Judy Geeson, Pat Heywood, Isobel Black.

Sortie U.S.A: 10 février 1971.

FILMOGRAPHIE: Richard Fleischer est un réalisateur américain né le 8 décembre 1916 à Brooklyn,  et décédé le 25 Mars 2006 de causes naturelles.
1952: l'Enigme du Chicago Express, 1954: 20 000 lieux sous les mers, 1955: les Inconnus dans la ville, 1958: les Vikings, 1962: Barabbas, 1966: le Voyage Fantastique, 1967: l'Extravagant Dr Dolittle, 1968: l'Etrangleur de Boston, 1970: Tora, tora, tora, 1971: l'Etrangleur de Rillington Place, 1972: Terreur Aveugle, les Flics ne dorment pas la nuit, 1973: Soleil Vert, 1974: Mr Majestyk, Du sang dans la Poussière, 1975: Mandingo, 1979: Ashanti, 1983: Amityville 3D, 1984: Conan le destructeur, 1985: Kalidor, la légende du talisman, 1989: Call from Space.

                                  

Trois après son chef-d'oeuvre novateur (split screen à l'appui !) inspiré des méfaits du célèbre Etrangleur de Boston, Richard Fleischer récidive en 1971 avec un nouveau saisissant portrait, l'Etrangleur de Rillington Place d'après le livre de Ludovic Kennedy. Comme pour son précédant thriller, le récit est également inspiré d'une histoire vraie retraçant ici les exactions de John Reginald Halliday Christie. Un tueur en série britannique ayant sévi dans les années 1940 et 1950 puis arrêté, jugé et pendu pour meurtre en 1953. Un texte introductif nous précise d'ailleurs qu'une partie des dialogues du film s'appuie sur des documents officiels. Londres, 1944, dans l'avenue de Rillington Place. Réginald Christie, agent de police, se fait passer pour un médecin afin de soigner une femme malade. En guise de confiance, il réussit à l'inviter dans son vieil appartement pour la violer et l'étrangler. Cinq ans plus tard, un couple et leur bébé emménagent dans l'immeuble du tueur. Alors que la jeune mère attend un second enfant, une violente dispute éclate à propos de son futur accouchement. Christie leur propose alors son assistance pour pratiquer un avortement illégal.

                                    

A trois ans d'intervalle (1968-1971), Richard Fleischer réalise deux coups de maîtres avec ces portraits de serial-killers notoires. Pour celui qui nous intéresse aujourd'hui, l'Etrangleur de Rillington Place nous invite à une descente aux enfers autour d'un couple de prolétaires en situation précaire ! Dès le prologue, d'une violence psychologique cinglante dans sa crudité imposée, nous sommes avertis du profil psychologique d'un agent de police prochainement en retraite. Réginald Christie est un aimable citoyen vivant reclus dans son modeste appartement parmi la discrétion de son épouse, mais auquel sa pathologie laisse finalement s'exprimer des pulsions morbides et sexuelles lorsqu'il s'envisage d'étrangler des femmes. C'est avec l'arrivée d'un jeune couple, multipliant les prises de bec conjugales, que l'intrigue se ressert pour les embrigader dans le huis-clos asphyxiant d'un immeuble insalubre (photo désaturée à l'appui !). De prime abord, la courtoisie et la générosité de Christie inspirent une assurance immédiate envers ces nouveaux résidents aux faibles revenus. Et rapidement, ceux-ci vont se retrouver embarqués dans une machiavélique imposture perpétrée par le plus mesquin des détraqués.

                                

La suite des évènements impliquant une affaire d'homicide conjugal éprouve le spectateur dans une horreur psychologique sans aucune échappatoire. Avec intensité, Richard Fleisher dépeint le calvaire émotionnel d'un père de famille désoeuvré, totalement asservi par un tueur méthodique redoutablement finaud. Le spectateur impuissant exprimant une indéniable empathie pour la victime réduite ici à l'objet de soumission. Dans le rôle du tueur, Richard Attenborough incarne le rôle de sa vie pour mettre en exergue un psychopathe placide auquel ses instincts morbides extériorisent une perversité compulsive. C'est avec l'aide d'une cordelette convenablement rangée dans une petite armoire qu'il exerce ces horribles méfaits après avoir gazé ces pauvres victimes. Son physique quelconque de sexagénaire bedonnant au crane dégarni et aux lunettes rondes laisse néanmoins distiller un sentiment inquiétant de malaise latent. John Hurt lui partage la vedette avec une émotion poignante pour endosser celui du père de famille illettré et inculte, noyé dans le chagrin et le désespoir. Un ouvrier médiocre et une proie facilement manipulable Spoiler !!! au point de devenir auprès de la justice le coupable présumé des crimes intentés. Fin du Spoiler

                          

Avec son réalisme blafard et son climat de malaise tangible, L'Etrangleur de Rillington Place se rapproche du genre horrifique et nous place dans la position inconfortable de témoin voyeuriste dans ce jeu de manipulation compromis au fait-divers morbide. Sa mise en scène acérée, l'ambiance de claustration qui en émane et le jeu exceptionnel des comédiens nous acheminent à l'un des plus glaçants portraits de serial-killer vus au cinéma ! Pour parachever, le réalisateur en profite d'égratigner le système judiciaire afin de mettre en exergue une réflexion sur la peine capitale. 

08.06.11
Bruno Matéï

THE HOLE

Photo empruntée sur Google, appartenant au site heyuguys.co.uk

de Joe Dante. 2009. U.S.A. 1h32. Avec Chris Massoglia, Nathan Gamble, Haley Bennett, Teri Polo, Merritt Patterson, Chelsea Ricketts, Quinn Lord, Peter Shinkoda...

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984).
1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978 : Piranhas(Piranha),1981 : Hurlements (The Howling) 1983 : La Quatrième Dimension (Twiling Zone the Movie), troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich (Amazon Women on the Moon), 5 sketches 1987 : L'Aventure intérieure(Innerspace)1989 : Les Banlieusards (The 'burbs) 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération (Gremlins 2 The New Batch) 1993 : Panic sur Florida Beach (Matinee) 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action (Looney Tunes : Back in Action) 2006 : Trapped Ashes , premier segment,Wraparound. 2009 : The Hole.

Inédit en salles et toujours privé d'une sortie Dvd dans l'hexagone, The Hole est la dernière production de Joe Dante, véritable concentrée de nostalgie infantile dans l'introspection conflictuelle de jeunes ados confrontés à leurs affres les plus répréhensibles. 

Un mère et ses deux fils emménagent dans une nouvelle bourgade après avoir été asservis par un paternel violent et alcoolique. Séduits par leur charmante voisine juvénile, les deux frères l'invitent à visiter les lieux de leur demeure. Dans la cave, ils découvrent une étrange trappe scellée avant de libérer du fond du gouffre une entité surnaturelle où d'étranges évènements vont se produire. 

Baignant dans une atmosphère édénique au sein d'une banlieue ricaine où chaque citadin semble épanoui par leur vie insouciante, The Hole décrit avec candeur le portrait attachant de trois jeunes adolescents confrontés à une découverte extravagante ! Par ailleurs, l'attention accordée à cette bourgade champêtre rappelle instinctivement les climats sécurisants d'E.T, House ou encore Poltergeist lorsque les voisins affables sont toujours présents pour prêter main forte à leurs nouveaux locataires. En distillant avec parcimonie un climat d'inquiétude et d'étrangeté tangible, Joe Dante joue la carte de l'expectative et de la suggestion pour mieux nous captiver dans une trame fantastique héritée de la quatrième dimension. La première qualité inhérente du métrage est de nous présenter le profil d'adolescents dociles, de prime abord investigateurs et quelque peu naïfs dans leur démarche perplexe en âge instable. Tout le contraire donc de la clique traditionnelle de marmots têtes à claque toujours plus impudents et insolents à daigner amuser la galerie ! Tandis qu'au fil du récit davantage obscur et ombrageux, leurs peurs les plus délétères vont s'extérioriser et se matérialiser sous l'emprise d'un trou noir au mystère imperceptible. 

Par petites touches, The Hole va entretenir un climat d'angoisse persuasif avec l'entremise d'un clown de porcelaine, une fillette vacillante et un géant tortionnaire d'enfants ! Si le scénario n'apporte pas de surprises inopinées et se révèle somme toute classique, son efficacité probante ainsi que l'appréhension subtilement éprouvée - alliées à la complicité des ados empathiques - nous accordent un intérêt croissant dans leurs obscures mésaventures. D'ailleurs, Joe Dante n'hésite pas à exacerber certaines séquences horrifiques avec le juste équilibre de sobriété pour insuffler sans outrance un sentiment de malaise face aux apparitions cinglantes ou dérangeantes d'antagonistes hostiles (le clown mesquin, le fantôme errant et le géant intarissable !). Tandis que son point d'orgue cathartique, laissant libre court à une imagerie fantasmagorique, nous entraîne en interne d'une prison torturée où un fils préalablement martyrisé va devoir se confronter à sa terreur la plus ébranlante. Et nos trois héros de combattre individuellement les forces hermétiques afin de gagner la rédemption en bravant leurs terreurs les plus intrinsèques !

Récit initiatique sur les affres de nos frayeurs les plus intimidantes, métaphore horrifique au climat d'angoisse oppressant et au suspense intelligemment entretenu, The Hole renoue modestement avec le genre fantastique sans daigner transcender son thème éculé. L'humanité attachante des protagonistes juvéniles et la réalisation adroite de Joe Dante, toujours assidu à nous façonner un univers surnaturel immersif, renvoient au cinéma artisanal des eighties en combinant légèreté et horreur des situations. 

Dédicace à Gérald Giacomini et François Most
07.08.12. 2èx (25/11/10)
Bruno Matéï

PANIC SUR FLORIDA BEACH (Matinee)

de Joe Dante. 1993. U.S.A. 1h39. Avec Simon Fenton, John Goodman, Lisa Jakub, Cathy Moriarty, Omri Katz, Kellie Martin.

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984).
1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978 : Piranhas(Piranha),1981 : Hurlements (The Howling) 1983 : La Quatrième Dimension (Twiling Zone the Movie), troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich (Amazon Women on the Moon), 5 sketches 1987 : L'Aventure intérieure(Innerspace)1989 : Les Banlieusards (The 'burbs) 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération (Gremlins 2 The New Batch) 1993 : Panic sur Florida Beach (Matinee) 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action (Looney Tunes : Back in Action) 2006 : Trapped Ashes , premier segment,Wraparound 2010 : The Hole.

Trois ans après son délirant Gremlins 2, échec public encore plus destroy et anticonformiste que son prédécesseur, Joe Dante voue avec Panic sur Florida Beach une véritable déclaration d'amour à tout un pan du cinéma fantastique des années 50. Des séries B et Z bricolées dans un esprit ludique décomplexé alors que l'une des plus extravagantes personnalités du cinéma Bis s'était révélée par l'illustre William Castle dont Joe Dante porte ici en étendard. Octobre 1962, dans une petite ville de Floride. Gene Loomis est un jeune adolescent fan de cinéma d'horreur plus préoccupé par les prochaines sorties cinématographiques que les tristes évènements actuels secouant une Amérique au bord du marasme suite à la découverte de missiles nucléaires à Cuba. Quand il apprend que son réalisateur préféré va diffuser au cinéma de quartier un nouveau film à succès, Mant (l'homme fourmi), il se rend sur les lieux pour tenter d'approcher le maître, Mr Lawrence Woosley.

                                

Joe Dante, plus inspiré que jamais, réalise ici un splendide hommage aux réalisateurs excentriques débordant d'inventivité et de passion dans leur projet toujours plus insensé de foutre les pétoches à des spectateurs juvéniles davantage euphorisés à l'idée d'assister à la projection d'un métrage estampillé "épouvante". Sous couvert d'une menace nucléaire, l'idée de divertir un public ado moins concerné par le sujet de la politique engage certains réalisateurs à user d'imagination et de perspicacité afin d'exorciser en prime l'anxiété de leurs parents, largement préoccupés par la crise éventuelle d'une 3è guerre mondiale. Par l'entremise d'un génial producteur et réalisateur de renom, la projection d'un film de science-fiction horrifique devient ici un véritable jeu de peur attractif en usant et abusant de gadgets et artifices savamment confectionnés derrière la toile de l'écran. Tandis qu'un homme déguisé en combinaison de fourmi attend le moment propice pour bondir de l'écran et terrifier le spectateur complice jubilant d'émotions aussi fortes qu'inoffensives ! Une manière frénétique et fantasque de comploter un spectacle doublement attractif. En effet, la projection du film diffusé sur la toile s'extrait ici subitement de sa pellicule pour s'en aller rejoindre notre réalité et provoquer une seconde fois des spectateurs stupéfaits, blottis dans la salle de ciné !

                                    

A travers cet hommage vibrant aux productions bisseuses conçues pour amuser la galerie, Joe Dante démontre subtilement à quel point le spectateur avide de sensations a un besoin irrémédiable, pour ne pas dire instinctif, de se réfugier dans une salle de cinéma en guise d'échappatoire. Frissonner confortablement de plaisir afin de mieux tolérer et affronter une réalité sociale pessimiste. Il illustre avec dextérité que l'horreur fictive n'est en rien comparable à ce que notre réalité peut engendrer de pire dans les conflits politiques toujours sur le qui-vive pour les luttes armées entre les peuples et leurs discordes religieuses. Rien de plus exutoire alors que de pouvoir s'extraire de nos angoisses par la chimère du cinéma. Et pour interpréter ce réalisateur farfelu, utopiste dans l'art du gadget, il fallait un illustre acteur de la trempe de John Goodman afin de rendre hommage à son ascendant, William Castle. Finaud, espiègle et spontané, il endosse une de ses plus marquantes prestations en bouffon du 7 art avide d'amuser les bouilles innocentes à l'aide de gadgets aussi improbables que disproportionnés. Pour parachever, le réalisateur rappelle en outre que le cinéma d'horreur est un genre souvent vulgarisé car montré du doigt par un puritanisme réactionnaire stigmatisant le grand-guignol de films d'horreur conçus pour divertir.

                                    

Cinema Paradiso
Soigneusement reconstitué dans l'époque vétuste d'une petite ville US des années 60, Panic sur Florida Beach constitue un magnifique hommage pour l'intégrité de ces artisans délibérés à cristalliser un projet cinématographique démesuré. Rempli de clins d'oeil et de références aux classiques des années 50 (La Mouche Noire a sans doute fortement impressionné l'adolescence de Joe Dante !), cette oeuvre passionnante et échevelée déborde d'affection pour toute une époque révolue. Même si au delà de la magie fantaisiste du cinéma Bis, l'holocauste nucléaire hantait la paranoïa des parents responsables.

06.06.11.    3
Bruno Matéï

Espèce en voie de disparition / Endangered Species

 

d'Alan Rudolph. 1982. U.S.A. 1h41. Avec Robert Ulrich, JoBeth Williams, Paul Dooley, Peter Coyote, Marin Kanter, Hoyt Axton, Gailard Sartain.

Sortie salle U.S.A.: 10 Septembre 1982.

FILMOGRAPHIE: Alan Rudolph est un scénariste et réalisateur américain né le 18 Décembre 1943 à Los Angeles. 1972: Prémonition, 1974: Nightmare Circus, 1976: Bienvenue à Los Angeles, 1978: Tu ne m'oublieras pas, 1980: Roadie, 1982: Espèce en voie de disparition, 1984: Choose me, Song Writer, 1985: Wanda's Café, 1987: Made in heaven, 1988: The Moderns, 1990: l'Amour Poursuite, 1991: Pensées Mortelles, 1992: Equinox, Mrs Parker et le cercle vicieux, 1997: l'Amour... et après, 1999: Breafast of champions, 2000: Trixie, 2002: Investigating Sex, The Secret live of dentists.

                                  

                              Note: L'Histoire de ce film s'appuie sur des faits authentiques.

"Mutilations sous contrôle".

Réalisateur discret et touche-à-tout, Alan Rudolph signe en 1982 une série B tombée dans l’anonymat le plus complet : Espèce en voie de disparition. Tiré d’une histoire vraie, ce récit de science-fiction croisé au polar meurtrier anticipe de onze ans la célèbre série paranoïaque X-Files, où un duo d’agents du FBI affronte les fantômes de complots mondiaux liés à l’existence extraterrestre.

Synopsis: Ruben Castle, ancien flic renommé, sort d’un long sevrage après des années d’alcoolisme. Divorcé, père d’une adolescente rebelle, il tente tant bien que mal de l’élever, lesté par un passé indocile et éthylique. Lorsqu’on découvre des carcasses de bœufs horriblement mutilées dans les campagnes du Colorado, il reprend du service aux côtés d’une shérif néophyte, pour élucider l’origine de ces crimes énigmatiques.

                                  

Sur le mode policier d’une enquête abstraite, flirtant avec l’inexplicable, Espèce en voie de disparition amorce avec tempérance son récit inquiétant, rythmé par la découverte morbide de cadavres de bétail. La manière dont ces carcasses sont retrouvées - crânes désossés, organes disparus, chairs lacérées - imprime dès les premières images une aura viscérale, ancrée dans l’insolite. Une fois les personnages campés, figures d’autorité arpentant les paysages bucoliques du Colorado, le récit distille lentement un suspense diffus. Chaque nouvelle découverte macabre accentue l’atmosphère paranoïaque, jusqu’à faire émerger en filigrane une conspiration scientifique de grande envergure, fondée sur le trafic d’armes biologiques. Alors que, dès 1969, le Congrès américain interdit officiellement les essais d’armes chimiques et bactériologiques, une organisation secrète semble poursuivre ses expériences sur les troupeaux errant dans les grandes plaines. En fin de métrage, une note factuelle achèvera de glacer le sang : depuis l’interdiction, plus de 10 000 bêtes auraient été mutilées à travers le pays.

                                      

Ce sombre récit de conjuration, impliquant mercenaires et scientifiques chevronnés, fait croître son angoisse lors d'une ultime demi-heure tendue, nerveuse, haletante. Courses-poursuites rigoureuses, chantages, prises d’otage : la mécanique s’emballe. Une séquence choc, surgie à l’improviste, imprime durablement les rétines : un moment d’horreur explicitement sanglant, évoquant Contamination de Luigi Cozzi, où des corps humains explosent sous l’effet d’un fluide verdâtre et corrosif. Le malaise est tangible, presque poisseux.

                                        

Attachant et inquiétant, Espèce en voie de disparition parvient à convaincre et captiver grâce à une mise en scène modeste mais maîtrisée. Le film insuffle surtout une étrangeté palpable, renforcée par la partition électronique de Gary Wright, aux accents sombres et enveloppants. La présence de trognes familières du cinéma de genre - Robert Ulrich (Magnum Force), Hoyt Axton (le père de famille dans Gremlins), Peter Coyote (Wargames), JoBeth Williams (la mère de famille dans Poltergeist) - ajoute un charme discret à cette petite perle oubliée des années 80. D’autant plus fascinant qu’il est ancré dans une réalité glaçante.

— le cinéphile du cœur noir

Dédicace à "lesineditsvhs"
05.06.11
04.08.25. vf

L'OPERATION DIABOLIQUE (Seconds)

De John Frankenheimer. 1966. U.S.A. 1H50. Avec Rock Hudson, Salome Jens, John Randolph, Will Geer, Jeff Corey, Richard Anderson, Frances Reid

FILMOGRAPHIE: John Frankenheimer est un réalisateur américain né le 19 février 1930 à New-York, et mort d'une crise cardiaque le 6 juillet 2002 à Los Angeles.
1957: Mon père, cet étranger, 1961: Le Temps du chatiment, 1962: l'Ange de la violence, le Prisonnier d'Alcatraz, Un crime dans la tête, 1964: 7 jours en Mai, Le Train, 1966: Grand Prix, l'Opération Diabolique,
1968: l'Homme de Kiev, 1969: Les Parachutistes arrivent, 1970: Le Pays de la violence, les Cavaliers, 1973: l'Impossible Objet, The Iceman cometh, 1975: French Connection 2, 1977: Black Sunday, 1979: Prophecy le monstre, 1982: A armes égales, 1985: Le pacte Holcroft, 1986: Paiement Cash, 1989: Dead Bang, 1990: The Fourth War, 1992: Les Contes de la crypte saison 4, épis 10), 1992: Year of the gun, 1996: l'Ile du dr Moreau, Andresonville (tv), 1997: George Wallace, 1998: Ronin, 2000: Piège Fatal, 2002: Sur le chemin de la guerre.

                          

En 1966, sort dans l'indifférence générale, l'Opération Diabolique, tiré d'un roman de David Ely. Le film politiquement subversif est un cuisant échec et sombrera rapidement dans l'oubli.
Aujourd'hui, exhumé par quelques aficionados avides de raretés introuvables, ce tourment patibulaire peut enfin être réhabilité à sa juste valeur et se targuer d'être l'une des oeuvres les plus incongrues et cauchemardesques jamais réalisées.

Arthur Hamilton est un homme vieillissant auquel sa vie conjugale est réduite à la routine lymphatique. Un jour, il reçoit  l'appel téléphonique d'un ancien fidèle ami, décédé il y a peu. Celui-ci lui demande de se rendre le lendemain dans un lieu tenu secret. Après brève hésitation, Arthur décide de se rendre au rendez-vous fixé mais s'aperçoit qu'il est orienté d'un endroit à un autre par des individus interlopes. Il est enfin accompagné par une mystérieuse organisation qui lui propose de changer de vie et d'apparence physique pour un prix assez élevé. Contraint de se plier à leur contrat octroyé d'un chantage perfide, le quidam perplexe va devoir subir une opération chirurgicale pour s'approprier de la vie d'un artiste peintre, Tony Wilson.

                          

Dès le générique biscornu d'images oculaires diaphanes dans un noir et blanc funeste, accompagné par la musique hostile de Jerry Goldsmith, un climat d'étrangeté prégnant s'impose à l'esprit entraîné dans une spirale anxiogène.
A grand coup de cadrages alambiqués, de zooms agressifs et d'une caméra à l'épaule en vue subjective (façon maladive et avant-gardiste d'un certain Schizophrenia !), John frankenheimer s'implique en alchimiste expérimental afin de mieux manipuler son public, comme le héros désespéré d'une opération de seconde vie inespérée.
Sous le mode du thriller hybride affilié à la science fiction alarmiste et l'horreur clinique qui en résulte, l'Opération Diabolique imagine une société totalitaire, délibérée à asservir des êtres humains insatisfaits de leur terne existence, conditionnés à s'approprier d'une nouvelle vie qu'ils suggéraient plus épanouie que celle au préalable.
A travers cette trame jouissivement saugrenue et passionnante effleurant au passage les effets pervers d'une médecine putassière fondée sur le simulacre de la chirurgie esthétique, John Frankenheimer démontre avec un malaise innommable que l'accès à une nouvelle identité est un trompe l'oeil, un subterfuge licencieux. Que l'apparence n'est qu'une enveloppe corporelle subsidiaire mais que l'âme spirituelle reste la valeur suprême, le moi conscient, l'essence originelle de sa raison d'être.

                        

C'est ce que Arthur va devoir apprendre, subir et payer au prix d'une vie violée, infiniment annihilée dans les cimes de la dégénérescence morale. En s'appropriant d'une nouvelle vie de jeunesse potentiellement exaltante, d'une compagne rajeunie et d'une profession artistique notoire, le nouveau Tony Wilson, totalement en perte identitaire et de repère, va se morfondre dans une amertume et une contrition davantage meurtrie. Jusqu'à ce qu'il se désavoue après avoir rendu visite à son ancienne épouse (une séquence poignante faisant écho à l'état d'âme déchu des réminiscences de Murphy dans Robocop de Verhoeven) et entreprenne le suicide salvateur pour dissoudre cette horrible labeur imposée.
                       
Notre illustre Rock Hudson accomplit une intense performance dans son personnage empli de remords à s'être plié contre son gré à un contrat délétère avec le diable. Sa détresse aigrie sur ses questionnements existentiels et son état éthylique à noyer son esprit dans les vapeurs d'alcool d'une soirée équivoque apportent une dimension psychologique empathique pour son destin immolé. Une double vie avilie par les souvenirs d'un passé avorté et d'un nouveau mode identitaire complètement falsifié et frelatée.

                         

L'HOMME SANS VISAGE.
Parsemé de scènes hallucinées et dérangeantes (l'étrange fête païenne tournant à l'humiliation collective contre le héros, la soirée éthylique devant une assemblée d'invités transis de mesquinerie), l'Opération Diabolique est l'un des plus terrifiants pamphlets sur la violation de la dignité humaine au nom d'une société despotiste et déshumanisée. Son final insupportable de nihilisme immoral, mis en exergue sur un ton de verdeur réaliste risque de hanter pour longtemps les cinéphiles ébranlés de cette expérience atypique sans aucune échappatoire. 

04.06.11
Bruno Matéï.

JOHN CARPENTER'S THE WARD

de John Carpenter. 2010. U.S.A. 1h32. Avec Amber Heard, Lyndsy Fonseca, Mamie Gummer

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter  est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis).
1974 : Dark Star 1976 : Assaut  1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997  1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres  1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible  1995 : L'Antre de la folie  1995 : Le Village des damnés  1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward

                                 

INCIDENT DE PARCOURS. 
Une jeune fille, Kristen, se retrouve dans un asile parmi 5 donzelles stéréotypées après avoir incendié une ferme. Dans l'institut psychiatrique, un fantôme semble persécuter ces patientes folingues. Plus tard, on apprend qu'une certaine Alice est décédée dans de mystérieuses circonstances. Notre héroine pas folle pour un sou (du moins, c'est ce qu'elle croit !) va donc essayer d'en savoir plus sur le passé fustigé de la mystérieuse Alice ! 

                                             

Joliment photographié et interprété par une Amber Heard (Mandy Lane) tout à fait convaincante, la grosse première demi-heure de The Ward réussit à inquiéter et séduire un spectateur pourtant dubitatif d'une trame apparemment incohérente, voire improbable (pourquoi l'héroïne se retrouve dans un institut psychiatrique après avoir mis le feu dans une demeure ? pourquoi n'y a t-il que de charmantes filles sexy uniquement de sexe féminin à l'intérieur de l'établissement ?). Passé la mise en place latente d'un climat ombrageux, le scénario redondant ne fait que tourner en rond par ces attaques surnaturelles régulières contre chacune des patientes et d'un jeu de cache-cache en forme de "ouh fait moi peur" dans les différents locaux de l'enceinte psychiatrique parmi une présence maléfique. Et cela jusqu'au dernier quart-d'heure, fameux point d'orgue révélateur qui se souhaite plus finaud que tout ce que l'on a subi au préalable mais qui sombre royalement dans le ridicule le plus répréhensible. Ou quand Carpenter reprend le thème schizophrène de Scorsese isolé dans l'île de Shutter Island. Il y a bien quelque scènes de flippe futilement réussies (certaines apparitions du spectre sont assez impressionnantes ou 2/3 sursauts font vraiment leur effet escompté) alors que deux séquences de meurtre sont sympathiquement cruels mais passé les 40 premières minutes finalement rébarbatives, on s'ennuie ferme et son épilogue à rebondissement fortuit nous achève littéralement, faute d'un scénario inexistant et puéril. Même le score musical grandiloquent et académique déçoit beaucoup puisqu'il n'est même pas concocté par le maître en personne. 

                                           

Alors voilà, pour la première fois de ma vie, mon réalisateur fétiche m'a tellement déçu de son empreinte que cette série B inutile aurait été réalisée par un autre tâcheron, je n'aurais même pas perçu une once de distinction. 
The Ward est un produit de consommation, une mauvaise série B, une déception insurmontable pour tous ceux qui portent dans leur coeur un des derniers monstres sacrés du cinéma d'horreur et de fantastique. Cette fois-ci, ses détracteurs peuvent le dire: John Carpenter suit exactement la même voie que Dario Argento pour ce premier faux pas affligeant de vacuité... Même s'il reste correctement réalisé avec le minimum syndical.

03.06.11
Bruno Matéï.