C'est ma vie après tout / Whose Life Is It Anyway ?

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site mediafilm.ca

de John Badham. 1981. U.S.A. 1h55. Avec Richard Dreyfuss, John Cassaveres, Christine Lahti, Bob Balaban, Kenneth Mc Millan, Kaki Hunter, Thomas Carter, Alba Oms, Janet Eilbert, Kathryn Grody. 

Sortie US le 2 Décembre 1981.

FILMOGRAPHIE: John Badham est un réalisateur et producteur britannique, né le 25 Aout 1939 à Luton en Angleterre. 1976: Bingo, 1977: La Fièvre du Samedi soir, 1979: Dracula, 1981: C'est ma vie après tout, 1983: Tonnerre de feu, Wargames, 1985: Le Prix de l'exploit, 1986: Short Circuit, 1987: Etroite Surveillance, 1990: Comme un oiseau sur la branche. 1991: La Manière Forte. 1992: Nom de code: Nina. 1993: Indiscrétion Assurée. 1994: Drop Zone. 1995: Meurtre en suspens. 1997: Incognito. 1998: Road Movie.

                                    

Réalisateur éclectique notoire, John Badham livre en 1983 son œuvre la plus bouleversante autour du thème délicat de l’euthanasie, alors qu’il demeure aujourd’hui, hélas, injustement oublié des cinéphiles aguerris. Porté par l’impulsion d’un acteur aussi remarquable que Richard Dreyfuss, qui ne s’apitoie jamais sur son sort infortuné, C’est ma vie après tout éprouve le spectateur en l’entraînant dans le cheminement désespéré d’un patient tétraplégique décidé à rompre définitivement avec la solitude de sa condition infirme. Et ce, sans émotion programmée, sans manipulation lacrymale, là où tant de cinéastes sans scrupule se complaisent dans le tire-larmes.

Le pitch. Ken Harrison est un quadragénaire passionné par son métier de sculpteur, farouchement amoureux de son épouse. Un matin, sur la route, il percute de plein fouet un poids lourd engagé à un carrefour. Transporté d’urgence à l’hôpital, Ken se réveille paralysé de tous ses membres, à l’exception de sa tête et de ses facultés cognitives.

                                       

Œuvre magistrale d’une fragilité humaine empreinte d’humilité, C’est ma vie après tout raconte avec une acuité implacable le destin galvaudé de cet artiste condamné à l’immobilité. Après trente jours de coma, Ken prend conscience que sa vie autrefois fougueuse et épanouie est désormais brisée à jamais. Il avoue alors à son épouse son désir de rompre leur union et se résout à mourir de son plein gré. Soutenu - ou entravé - par le personnel médical, chacun tentera de le convaincre de renoncer à l’euthanasie.

En conjuguant émotion intense, tendresse, humour et intelligence, John Badham aborde l’euthanasie et la dépression à travers le regard lucide d’un infirme sain d’esprit, mais résolu à s’y sacrifier. Reste une question vertigineuse : est-il moralement légitime de choisir la mort pour dissoudre une souffrance morale jugée insupportable ? Le cinéaste interroge également la position du corps médical, prompt à apaiser la douleur psychique par des drogues de substitution, tandis que le système judiciaire doit trancher : faut-il autoriser ou non la volonté souveraine du malade ?

Sans l’ombre du pathos, privilégiant au contraire une verve exubérante, Richard Dreyfuss insuffle une humanité vibrante à ce paraplégique obtus, féru de blagues salaces adressées au personnel soignant. Son combat acharné pour mourir plutôt que de renouer avec la vie bouleverse durement le spectateur, témoin impuissant de sa désillusion existentielle, alors même qu’un infime espoir de rédemption persiste, presque malgré nous.

                                        

Sublimé par la prestance fragile et spontanée de Richard Dreyfuss, vibrant d’expressivité angoissée et désespérée dans une posture sciemment antinomique, et entouré d’une poignée de seconds rôles d’une empathie jamais outrée (John Cassavetes, Christine Lahti, Bob Balaban, Kenneth McMillan, Kaki Hunter), C’est ma vie après tout s’impose comme un témoignage bouleversant sur le respect du libre arbitre du patient, sommé de choisir s’il doit poursuivre - ou non - sa condition estropiée. Il en émane un grand moment de cinéma, tendre, fringant et douloureux, profondément pessimiste par la rigueur de son élégie teintée de désillusion.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Dédicace à Luke Mars.
29 Juin 2011. 3

TRUE GRIT

de Joel et Ethan Cohen. 2010. U.S.A. 1h50. Avec Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Hailee Steinfeld.

Sortie en salles en France le 23 Février 2011.

FILMOGRAPHIE: Joel Coen (né le 29 novembre 1954) et Ethan Coen (né le 21 Septembre 1957) sont deux frères réalisateurs, scénaristes, monteurs, acteurs et producteurs américains.
1984: Sang pour Sang, 1987: Arizona Junior, 1990: Miller's Crossing, 1991: Barton Fink, 1994: Le Grand Saut, 1996: Fargo, 1998: The Big Lebowski, 2000: O'Brother, 2001: The Barber, 2003: Intolérable Cruauté, 2004: Ladykillers, 2006: Paris, je t'aime (tuileries), 2007: No country for old men, Chacun son cinéma (sktech: world cinema), 2008: Burn After Reading, 2009: A Serious Man, 2010: True Grit.

                          

Hommage subjectif d'un puriste amateur.
Réalisateurs prolifiques de génie, un nouveau film concocté par les frères Cohen est toujours un évènement en soi et True Grit ne faillit pas à la règle ! Cette fois-ci, nos inséparables compères touchent-à-tout entreprennent la voie des grands espaces et des cow-boys téméraires légendaires pour imager un authentique western à l'ancienne, exalté et passionné !

En 1870, dans l'Ouest américain, une jeune fille de 14 ans est déterminée à venger la mort de son père, lâchement abattu par un malfrat du nom de Tom Chaney. Elle décide d'engager un ancien marshall, Rooster Gogburn, pour retrouver l'assassin en fuite dans l'état indien. Mais durant leur voyage, un ranger, LaBoeuf, est également de la partie pour retrouver Chaney en guise d'une forte récompense. A eux trois, ils vont entamer un voyage semé d'embûches dans les plaines adjacentes et au détour d'un canyon.

                        

Le plaisir immédiat que l'on éprouve à la vue du nouveau métrage des Cohen vient de sa nature formelle à retranscrire l'authenticité d'un far-west criant de vérité ! Avec la beauté plastique d'une photographie épurée sublimant la plénitude de paysages champêtres et de trognes de cow-boys incroyablement charismatiques, True Grit nous renvoie à une époque sauvage où la justice individuelle était encore tolérée malgré l'évolution du système judiciaire mis en place. En prenant comme personnage principal une jeune fille de 14 ans affiliée à un marshall bedonnant et alcoolique avait de quoi rebuter s'il avait été réalisé par un vulgaire tâcheron. Mais cette aventure trépidante continuellement imprévisible et éludée de grandiloquence réinvente le western dans toute sa splendeur visuelle, son lyrisme exalté et son sens épique allié à la fougue et d'ardeur brutale.
Truffé de répliques cuisantes pleines d'humour et de dérision, ce voyage inopiné entrepris par un trio atypique nous fait partager leurs chevauchées intimes entre prises de risques virulentes et traquenards préjudiciables.
De manière totalement aléatoire, l'épilogue que nous dévoile cette longue épopée pleine de vigueur nous déchire les larmes par un acte héroïque humble et salvateur. ATTENTION SPOILER !!! C'est finalement l'incroyable destin esseulé d'une femme sauvée d'une mort certaine par un héros archaïque que True Grit nous dépeint avec une émotion proprement bouleversée. FIN DU SPOILER. Avec comme conclusion ironiquement spéculative que l'acte vindicatif aura une répercussion acerbe sur celle par qui la mort aura été perpétrée et que le temps irrémédiable nous file injustement entre les doigts.

                         

L'immense Jeff Bridges réalise une fois de plus une performance naturelle criante de vérité dans sa posture robuste d'un marshal vieillissant et alcoolo quelque peu bourru. Mais un briscard chevronné toujours apte à cibler sa proie avec une précision incisive dans ces armes à feu déployées. Matt Damon réussit à faire oublier l'acteur bellâtre auquel il est habituellement coutumier pour nous imposer un personnage conquérant au préalable obtus et inflexible mais finalement humble et loyal pour la reconnaissance qu'il éprouve auprès d'une adolescente motivée par le courage d'une quête de vengeance. C'est l'étonnante révélation du film, Hailee Steinfeld, qui s'attelle à endosser le rôle majeur d'une fillette audacieuse débordante de volonté et d'hardiesse dans son état d'esprit finaud et érudit. Mais les conséquences d'une vengeance tant escomptée, perpétrée de façon expéditive va à jamais changer sa destinée d'adolescente coupable d'un crime équitable du haut de ses 14 ans. Barry Pepper (3 enterrement, la 25è heure, la ligne verte) dans un court rôle presque méconnaissable est sidérant de prestance véreuse dans son physique disgracieux et volerait presque la vedette à l'étonnant Josh Brolin dans celui du gangster immoral prêt à exécuter de sang froid une gamine téméraire mais innocente.

                          

Mis en scène avec maîtrise et magnifiquement interprété par des comédiens à la trogne burinée , True Grit réinvente les codes du western classique avec un ton réaliste et une ambition respectueuse du genre dépoussiéré. Son histoire de prime abord conventionnelle réussit habilement à en détourner les conventions dans une succession d'évènements imprévisibles et d'une poignée de héros attrayants. Et cela avant que le final bouleversant nous dévoile sa véritable nature dans l'étrange destinée d'une femme d'exception, fustigée par l'acte de vengeance et liée à jamais par la gratitude d'une ancienne légende de l'histoire de l'ouest.

27.06.11
Bruno Matéï.

Il était une fois dans l'Ouest / Once Upon a Time in the West / C'era una volta il West

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site myscreens.fr

de Sergio Leone. 1968. Italie/U.S.A. 2h43. Avec Charles Bronson, Henry Fonda, Claudia Cardniale, Jason Robards, Gabriele Ferzetti, Frank Wolff, Lionel Stander, Keenan Wynn, Paolo Stoppa, Jack Elam, Woody Stroode.

Sortie Salles Italie: 21 Décembre 1968. France: 27 Aout 1969.

FILMOGRAPHIE: Sergio Leone est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 3 Janvier 1929 à Rome, décédé le 30 Avril 1989.
1959: Les Derniers Jours de Pompéi, 1960: Sodome et Gomorrhe, 1961: Le Colosse de Rhodes, 1964: Pour une poignée de Dollars, 1965: Et pour quelques Dollars de plus, 1966: Le Bon, la Brute et le Truand, 1968: Il Etait une fois dans l'Ouest, 1971: Il était une fois la Révolution, 1973: Mon Nom est Personne (co-réalisé avec Tonino Valerii), 1975: Un Génie, deux Associés, une Cloche (co-réalisé avec Damiano Damiani), 1984: Il Etait une fois en Amérique, 1989: Les 900 jours de Leningrad (inachevé).

                                     

"Le Dernier Souffle de l’Ouest".

Pionnier du western spaghetti, Sergio Leone réalise en 1968, juste après l’achèvement de sa trilogie du dollar, la quintessence finale du genre : Il était une fois dans l’Ouest. Une clef de voûte emphatique, portée par la partition lancinante d’Ennio Morricone, gravée dans la légende. Paradoxalement, lors de sa sortie aux États-Unis, le film essuya un échec critique et commercial, certaines scènes ayant été censurées (22 minutes sacrifiées pour alléger une durée jugée excessive). D’aucuns avancent que le rôle endossé par l’éminent Henry Fonda — celui d’un tueur d’enfants — fut rejeté par un public dérouté par cet emploi à contre-courant. Quatre scénaristes furent crédités, dont le prestigieux Bernardo Bertolucci. Mais c’est au jeune Dario Argento que l’on doit, de sa signature funeste, l’anthologie glaçante d’une exaction machiavélique par pendaison…

Le pitch : dans l’Ouest américain, près de Flagstone, la construction d’une ligne de chemin de fer est en projet. Tandis qu’un trio de tueurs attend de pied ferme l’arrivée d’un mystérieux inconnu, un homme affublé d’un harmonica descend d’un train et les abat méthodiquement. Dans cette contrée en pleine mutation, ce justicier taciturne cherche Frank, un tueur à gages responsable de la mort de son frère, aujourd’hui associé à un magnat cupide du rail.

                                    

Dès le préambule aphone, Il était une fois dans l’Ouest installe une séquence semi-parodique où trois hommes louches attendent silencieusement l’arrivée du train, prêts à exécuter l’inconnu qui en descendra. Dans un mutisme presque abstrait, les dix premières minutes débordent d’inventivité, jouant des plans larges et serrés, des cadrages alambiqués, pour scruter les trognes patibulaires des bandits. Un air d’harmonica perce le silence, surgissant derrière la locomotive, tandis que se profile la silhouette d’un homme venu défier la mort. Ce motif musical, concis et métronomique, distille une tension vénéneuse, annonciatrice du trépas. Le ton lyrique est donné. Ce western crépusculaire sera opératique, nonchalant, élégiaque et flamboyant, traversé d’émotions scandées par une musique tantôt inquiète, tantôt romanesque. Leone, qui ne souhaitait pas initialement replonger dans le western (il songeait à réaliser Il était une fois en Amérique), orchestre ici un point d’orgue funèbre, annonçant la fin du mythe dans un Ouest en mutation. Il transcende une ultime fois les destinées esseulées de cow-boys marginaux, avant l’éclosion d’une civilisation nouvelle portée par le capitalisme et le progrès industriel. À travers les thèmes de la vengeance, de la lâcheté du crime et du deuil impossible, des personnages solitaires vont se croiser, s’éprouver, frôler le mal pour survivre, renoncer, ou s’oublier. Dans ce périple traversé de rancune et d’auto-justice, la mort plane en silence sur leurs épaules, condamnées à errer dans un monde en voie de disparition

                                         

Côté casting, l’inoubliable Charles Bronson n’a jamais été aussi magnétique que dans ce rôle de vengeur mutique, au regard buriné, implacable. Apatride, condamné à mûrir une punition implacable, il distille à chacune de ses apparitions une aura hermétique, amplifiée par la présence hypnotique de son harmonica. Radieuse et fragile, Claudia Cardinale incarne une ancienne prostituée décidée à tourner le dos à son passé pour l’amour de son époux, riche propriétaire. Malgré le massacre de sa famille, elle trouvera la force de se relever avec dignité pour bâtir un avenir. Henry Fonda, en tueur d’enfants impitoyable, déstabilise profondément ceux qui l’attendaient dans un registre noble. Incarnation de la lâcheté, de l’immoralité et du mépris, il fascine par son élégance venimeuse, son regard azur faussement bienveillant. En bandit vieillissant, Jason Robards insuffle une touche d’humanité à travers son attachement loyal à l’homme à l’harmonica et à la veuve qu’il semble aimer avec pudeur.

                                      

"Il Était une Fois la Fin".
Mis en scène par le maestro du western transalpin, Il était une fois dans l’Ouest est une danse baroque avec la mort, un opéra lyrique gonflé d’emphase, à l’image de sa musique élégiaque rythmant le destin de personnages désabusés, marginaux, hantés par l’injustice et le poids des années. Avec la densité d’un scénario charpenté, ce western mélancolique délivre aussi le bouleversant témoignage d’une veuve en quête de dignité, seule capable d’évoluer dans un monde nouveau. Enfin, la vengeance obsessionnelle de l’homme sans nom, qui hante tout le récit, symbolise l’extinction d’un nomade incapable de s’inscrire dans cette société naissante — préférant s’éclipser, seul, vers un horizon indéterminé. L'un des plus beaux films du monde. 

*Bruno 

27.06.11.

Note: Rattaché au lyrisme du film, la traduction littérale du titre italien, C'era une volta il West est Il était une fois l'ouest.

Anecdotes:
Le générique du début d'Il Etait une fois dans l'Ouest est le plus long de l'histoire du cinéma.
Sergio Leone, qui avait essayé d'engager Charles Bronson dans les films Pour une Poignée de Dollars et Le Bon, la Brute et le Truand, obtint enfin son accord pour interpréter Harmonica.
Pour le rôle de Frank, Leone tenait absolument à Henry Fonda, en contre-emploi des rôles de braves types honnêtes, nobles et positifs qui firent sa renommée : il joue ici un tueur ignoble n'hésitant pas à massacrer des innocents et des enfants et crachant à tout bout de champ. Eli Wallach, qui interprétait Tuco dans Le Bon, la Brute et le Truand, a persuadé Fonda d'accepter le rôle. Au tout début du tournage, Leone, voyant Fonda avec des lentilles de couleur marron et une moustache, voulut immédiatement le remplacer. Mais après avoir été maquillé et habillé, celui-ci convainquit le réalisateur sans avoir dit un seul mot. Sa performance est remarquable, car né en 1905, il avait 63 ans lors du tournage du film, dans lequel il semble beaucoup plus jeune, surtout dans le flash-back final qui révèle le motif de la vengeance d'Harmonica.

  

REPRESAILLES (The New Kids)

de Sean S. Cunnigham. 1985. U.S.A. 1h28. Avec Shannon Presby, Lori Loughlin, James Spader, John Filbin, David H. MacDonald, Vince Grant, Theron Montgomery, Eddie Jones.
FILMOGRAPHIE: Sean Sexton Cunningham est un réalisateur, producteur et scénariste américain né en 1941 à New-York.
1970: Art Of Marriage, 1971: l'amour à deux, 1973: Case of the Full Moon Murders, 1978: Manny's Orphans, Here Come the Tigers, 1980: Vendredi 13, 1982: A stranger is Watching, 1983: Spring Break, 1985: Représailles, 1989: M.A.L, 2001: XCU: Extrême Close Up, 2002: Invasion finale (télé-film), 2006: Trapped Ashes.

                                  

Modeste faiseur de séries B sans prétention et illustre créateur en 1980 du célèbre Vendredi 13, Sean S. Cunningham réalise 5 ans après son slasher surestimé un teen movie d'exploitation, violent et brutal, sans doute influencé par l'hallucinant Class 84, sorti 3 ans au préalable. Un frère et une soeur se retrouvent orphelins à la suite du brusque décès de leurs parents dans un accident de voiture. Ils sont aimablement hébergés par leur oncle, propriétaire d'un parc d'attraction de fête foraine dans la région de Glenby. Débarqués dans un nouveau lycée, Abby et Loren vont furtivement devoir faire face à une bande de délinquants cyniques et provocateurs. Mais le frère téméraire et inflexible a fermement décidé de leur tenir tête. Une lutte incessante s'engage alors entre les deux camps rivaux jusqu'à ce que la situation s'envenime et dégénère. Correctement emballé et efficacement troussé, Représailles est un pur ersatz d'exploitation lorgnant du côté du teen movie orthodoxe oscillant avec le film de vengeance arrogant légèrement putassier. Avec la banalité inepte d'un scénario ultra linéaire (un chassé croisé incessant entre les bons et les méchants est octroyé jusqu'à ce que mort s'ensuive), cette série B sans prétention joue la carte du divertissement futile en toute simplicité. Mais Sean S. Cunnigham possède suffisamment de métier et un sens du rythme probant pour rendre agréable un spectacle de samedi soir efficacement mené et jamais ennuyeux.

                                    

De prime abord, la trame superficielle nous invite sobrement à faire connaissance avec Abby et Loren, un frère et une soeur malencontreusement éprouvés par la mort de leurs parents. C'est dans une nouvelle contrée d'apparence calme et sereine qu'ils décident d'emménager auprès de la propriété ludique d'un oncle compatissant et protecteur, régisseur d'un parc d'attraction. Par petites touches successives, nos héros familiers vont être pris à parti dans leur enceinte de lycée avec une bande d'énergumènes dominés par un leader frustré de ne pouvoir devenir le petit ami de la charmante Loren. Les provocations cyniques et affrontements physiques soumis contre nos deux protagonistes vont devenir plus insolents, violents et davantage menaçants. La petite touche d'originalité contournant agréablement un cliché inhérent dans la caractérisation du personnage central viendra du fait que le frère de Loren se révèle particulièrement belliqueux quand celle-ci est violemment prise à parti par nos merdeux revanchards. Pire, après que sa voiture rouge flambant neuf aura été griffée par ses oppresseurs, Abby aura l'audace d'entrer par effraction dans la chambre du leader pour sévèrement menacer de l'égorger à l'aide d'un couteau et l'humilier en lui soutirant de l'argent.
Dans ces incessantes provocations opposées entre les victimes et les oppresseurs, la tension va tranquillement monter d'un cran quand les lascards vont envisager de violer et tuer la frangine kidnappée dans l'enceinte du parc d'attraction. Avec un goût prononcé pour la violence démonstrative, ce point d'orgue haletant et sauvage peut certainement évoquer la brutalité débridée du final orgasmique de Class 84 de Mark Lester. Ici, même combat pour la survie et goût de la complaisance abrupte dans l'inventivité des meurtres perpétrés ! Visage brûlé vif en gros plan, tête écrasée par un manège (en hors champ), abdomen ensanglanté troué à coup de chevrotine, pitbull dressé à tuer se jetant sur l'un de nos protagonistes et rival projeté du vide d'un manège détraqué.
A la manière expéditive du professeur de musique Andrew Norris dans Class 84, le frère vindicatif, habité par la haine meurtrière fera tout en son pouvoir pour sauver la vie de sa soeurette afin de la retrouver saine et sauve à l'intérieur d'un vaste lieu clos rempli d'attractions sous tension.
Dans ce final explosif, action trépidante et violence âpre se succèdent communément avec un certain bonheur pour l'enthousiasme des fans avides de plaisir coupable.

                                           

Dénué d'aucune originalité, Représailles ne restera pas dans les annales, faute d'un scénario prévisible et d'une réalisation peu ambitieuse. Mais ce succédané d'exploitation possède suffisamment de charme, d'efficacité (modérée) et d'aura transgressive dans sa violence déployée pour rendre la copie bonnard. En prime, l'honorable interprétation réussit sans peine à convaincre aimablement (James Spader en blondinet arrogant est un cabotineur détestable et nos deux héros complices Shannon Presby, Lori Loughlin sont plutôt attachants), tandis que la musique de Lalo Schifrin (Class 84, l'Inspecteur Harry, Amityville 1 et 2) réussit frugalement à exacerber un certain punch dans le déroulement des péripéties exposées. Enfin, pour l'anecdote subsidiaire, on notera que le titre français est mieux approprié que son homologue ricain (tandis que l'une des affiches US semble évoquer un "Explorers" pernicieux !).

24.06.11

Mad Dog Morgan (Morgan, le chien fou)

de Philippe Mora. 1976. Australie. 1h42. Avec Dennis Hopper, Jack Thompson, David Gulpilil, Frank Thring, Michael Pate, Wallas Eaton, Bill Hunter, John Hargreaves, Martin Harris, Robin Ramsay.

Sortie Salles US: 22 Septembre 1976.

FILMOGRAPHIE: Philippe Mora est un réalisateur, scénariste et producteur français né à Paris en 1949. 1969: Trouble in Molopolis. 1976: Mad Dog Morgan, 1982: Les Entrailles de l'Enfer, 1984: The Return of Captain Invincible, Une Race à part, 1985: Hurlements 2, 1986: Death of a soldier, 1987: Hurlements 3, 1989: Communion, 1994: Art deco detective, 1996: Precious Find, 1997: Pterodactyl Woman from Beverlly Hills, 1997: Snide and Prejudice, Back in Business, 1998: Joseph's Gift, 1999: Mercenary 2: Thick and thin (télé-film), 2001: Burnong Down the House.

                                     

Touche-à-tout indécrottable et spécialiste de séries B dégénérées, Philippe Mora réalise en 1976 un western bis hors du commun, habité par l’interprétation survoltée du grand Dennis Hopper (en pleine apogée… disons chimique).

Ce récit romancé, inspiré notamment des écrits de Margaret Carnegie, évoque la trajectoire du véritable hors-la-loi Daniel Morgan, figure trouble et insaisissable de l’Australie coloniale du XIXe siècle.

Dans les années 1860, Daniel Morgan, immigré irlandais, est condamné à douze ans de prison pour un simple vol de vêtements. Libéré après six années pour bonne conduite, il retourne à la nature avec une rage contenue et un désir trouble de justice. Entre révolte sociale et dérive personnelle, il se lie d’amitié avec un Aborigène et entreprend de défier l’ordre établi, rançonnant les puissants tout en épargnant - parfois - les plus modestes. Rapidement, les forces de Victoria et de New South Wales se lancent à sa poursuite.              

                                             

Mais quelle mouche a piqué Mora pour accoucher d’un tel objet ?

Mad Dog Morgan est moins un western qu’une crise de nerfs filmée. Le portrait halluciné d’un homme en rupture, constamment en déséquilibre, tiraillé entre idéalisme maladroit et pulsions destructrices. Morgan n’est ni héros, ni véritable rebelle : c’est une anomalie.

En filigrane, le film esquisse une critique acide d’une autorité coloniale brutale, intolérante, souvent arbitraire. Une justice expéditive, qui broie plus qu’elle ne corrige. Et dont la violence se prolonge jusque dans la mort : exécuté, Morgan sera décapité, son corps livré à la curiosité pseudo-scientifique, transformé en objet d’étude et en trophée morbide.

Le film épouse cette folie.

Montage anarchique, ruptures de ton, scènes parfois proches du délire pur : Mora refuse toute stabilité. On pense à ce prélude brutal où une milice xénophobe massacre un village d’immigrés — moment de sidération qui installe immédiatement un monde sans repères moraux. Puis viennent la prison, les humiliations, les sévices. Autant d’étapes qui fissurent irrémédiablement l’homme.

                                          

Lorsqu’il retrouve la liberté, Morgan n’est déjà plus le même.

Sa rencontre avec un Aborigène semble ouvrir une parenthèse d’apaisement — illusion fugace. Car très vite, l’alcool, la rancœur et l’humiliation accumulée le font basculer dans une errance mentale quasi schizophrène, où ses actes oscillent entre clémence imprévisible et violence aveugle.

Et au cœur de ce chaos : Dennis Hopper.

Habité, imprévisible, presque inquiétant, il livre ici une performance totalement débridée. Son Morgan est à la fois grotesque et tragique, exalté et pathétique. Capable d’abattre un homme sans ciller, puis d’épargner une famille dans un élan de pitié inattendu. Sa présence, fébrile et instable, contamine tout le film.

Il ne joue pas Morgan.
Il le devient.
Et parfois même, il le dépasse.    

                                            

Avec sa silhouette dégingandée, son regard halluciné et son énergie autodestructrice, Hopper transforme ce western en expérience borderline, quelque part entre farce macabre et descente aux enfers.

Mis en scène avec une liberté totale, presque suicidaire, Mad Dog Morgan est un objet filmique non identifié. Un western décalé, sale, imprévisible, qui oscille en permanence entre la bisserie assumée et la parabole désenchantée.

Un chaos.

Un film malade.

Un geste.

Au final, un bordel insensé où se mêlent humour nerveux, violence sèche, absurdité latente et désillusion profonde face à une époque coloniale gangrenée par ses propres contradictions.

Porté par une musique aux accents funèbres et par un acteur littéralement possédé, Mad Dog Morgan s’impose comme un film culte invisible — de ceux qui ne cherchent pas à plaire, mais à exister, coûte que coûte.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

LA VERITABLE HISTOIRE DE DANIEL MORGAN.
John Fuller, alias Daniel Morgan (1830 -  9 avril 1865) était un bushranger (hors-la-loi) australien.
Il est né à Appin en Nouvelle-Galles du Sud, en Australie, vers 1830 de George Fuller et Mary Owen. De l'âge de 2 à 17 ans, il vécut avec un père adoptif, John Roberts. Il commença à travailler comme éleveur, mais se lassa rapidement de ce travail et se dirigea vers les champs aurifères de Castlemaine au Victoria. En 1854, il était de retour en Nouvelle-Galles du Sud où il prit le pseudonyme de «John Smith» et devint probablement voleur de chevaux. Il était aussi connu pour sa forte consommation d'alcool et son tempérament violent. Il fut arrêté pour vol à main armée et condamné à 12 ans de prison, mais remis en liberté au bout de 6 ans seulement.

Après sa libération, il commença à mener une vie de bushranger, utilisant des pseudonymes tels que "John Smith", "Sydney Native", "Dan the Breaker", "Down the River Jack", "Jack Morgan", et le plus célèbre, "Dan Morgan ». Toutefois, il n'a jamais été connu comme "Mad Dog Morgan" ("Morgan, le chien fou") de son vivant. Ce surnom a été inventé par les scénaristes du film Mad Dog Morgan.
Dan Morgan sévit dans les régions de Henty, Culcairn, Morven et Tumbarumba pendant plusieurs années.
Le 8 avril 1865, Dan Morgan, séquestra la famille McPherson dans sa propriété de Peechalba au Victoria. Une servante, Alice Keenan, réussit à s'échapper et à informer M. Rutherford, le co-propriétaire de la propriété. Le lendemain matin, Dan Morgan quittait la propriété quand il se trouva encerclé par la police. Il fut abattu dans le dos par un employé de la ferme, John Wendlan. Il est enterré au cimetière de Wangaratta.

23.06.11

TWO EYES STARING (Zwart water). Grand Prix du Meilleur Film, Fantasporto 2011.

                    
de Elbert van Strien. 2010. Hollande. 1h52. Avec Barry Atsma, Hadewych Minis, Isabelle Stokkel, Bart Slegers.
Sortie en Hollande le 11 Mars 2010.  Sortie Dtv en France le 21 Juin 2011.

FILMOGRAPHIE: Elbert van Strien est un réalisateur, scénariste et producteur Hollandais né en 1964.
1999: Het Spaanse paard (télé-film), Novellen: Jan Willem Goes Bijlmer (télé-film).
2010: Two Eyes Staring.

                          

Après avoir travaillé pour la télévision et la publicité et reçu quelques récompenses avec quelques uns de ses courts-métrages, le réalisateur hollandais Elbert Van Strien s'entreprend en 2010 à élaborer un premier long-métrage avec Tow Eyes Staring. Un hommage implicite au cinéma d'épouvante intimiste des années vintage fustigeant l'enfance diabolisée.

Un couple et leur fille, Lisa, emmenagent dans une ancienne demeure en guise d'héritage. C'est suite au décès de la mère de Christine avec qui elle avait rompu les liens de parenté que la famille décide de quitter la Hollande pour venir s'installer dans cette bâtisse en Belgique. Rapidement, la petite Lisa voit apparaître le fantôme d'une fillette exsangue, Karen. Celle-ci prétend qu'elle était la soeur jumelle de Christine !

                          

Débouté de pouvoir être traditionnellement exploité dans nos salles hexagonales de cinéma, ce petit film hollandais mérite pourtant que l'on s'y attarde tant il aborde le thème fantastique sous son aspect le plus mature et judicieux.
Cette sombre histoire de fantôme joliment photographiée en nuance désaturée pour alterner les teintes pastels, verdâtres et limpides, réussit sobrement à semer le trouble et l'inquiétude. De prime abord, nous sommes rapidement convaincus que le fantôme errant venu perturber la douce existence de la petite Lisa (épatante Isabelle Stokkel dans son physique vertueux hermétique) n'est autre que le cadavre récalcitrant de la soeur jumelle de Christine, morte dans des conditions mystérieuses durant sa plus tendre enfance. Alors que le mari, Paul, va commencer à suspecter sa femme quand il souhaite aborder le sujet de l'existence de cette potentielle soeur jumelle du nom de Karen. Discrète et taciturne, cette aimable mère semble cacher un secret inavouable alors qu'un spectre infantile va peu à peu dévoiler divers indices à la fille de celle-ci.
Mais le comportement de Lisa ébranlée par ses cauchemars cinglants et morbides semble de plus en plus équivoque dans ses accès indociles à daigner offenser sa propre mère. Dès lors, le climat ombrageux laisse place à une atmosphère plus pernicieuse et le spectateur semble quelque peu rebuté du changement psychologique d'une Lisa tourmentée. Est-elle psychologiquement perturbée ou possédée par l'entité revancharde de Karen ? A moins d'être simplement influencée par la hantise insondable d'une lugubre demeure renfermant un lourd secret ?
C'est à partir d'un évènement dramatique que l'histoire auquel nous étions entrain d'assister va brusquement virer de ton pour nous orienter vers un drame centré sur le profil psychologique d'une union parentale. ATTENTION POILER !!! La jeune Lisa ne serait alors que l'incarnation d'une rancoeur refoulée, faute d'une mère complexée et que cette filiation parentale serait malencontreusement responsable de ce nouveau déclin dans une subconscience aliénée, extériorisée. FIN DU SPOILER.

                         

C'est ce final exutoire surprenant et aléatoire dans son coup de théâtre infligé qui permet de rehausser admirablement une intrigue beaucoup plus substantielle dans les rapports familiaux fustigés qu'à une simple histoire classique de fantôme revanchard auquel nous étions embarqués.

Mis en scène avec soin et une sincérité perceptible, Two Eyes Staring est un premier essai fantastique étonnant dans sa structure narrative constamment inquiétante. L'ambiance mystérieuse qui en découle et son intrigue beaucoup plus finaude qu'elle n'y parait débouche finalement sur un drame psychologique impondérable auquel un second visionnage serait profitable pour en saisir toute l'essence psychique. L'interprétation crédible des comédiens au physique inhabituel (Hadewych Minis et Isabelle Stokkel sont réellement troublantes dans leur visage diaphane) et la beauté poétique de ces images épurées favorisent fructueusement son sentiment sous-jacent de mystère pesant.
A découvrir.

22.06.11.
Bruno Matéi.
                           

Hanna

de Joe Wright. 2011. U.S.A/Royaume Uni/Allemagne. 1h51. Avec Saoirse Ronan, Eric Bana, Tom Hollander, Olivia Williams, Jason Flemyng, Jessica Barden, Cate Blanchett, Vicky Krieps…

Sortie en salles en France le 6 Juillet 2011.

FILMOGRAPHIE: Joe Wright est un réalisateur anglais né en 1972 à Londres. 2005: Orgueil et préjugés. 2007: Reviens moi. 2009: Le Soliste. 2011: Hanna. 2012: Anna Karenine

                                        

Révélé par son premier long Orgueil et préjugés, somptueuse fresque romantico-historique, Joe Wright entreprends un virage à 180 degrés avec Hanna. Un film d'action intrépide dans la mouvance d'une Nikita juvénile en concertation avec les frères Grimm. Pitch: Hanna est une jeune fille de 14 ans vivant recluse dans une forêt sauvage en Finlande parmi la présence de son père, ex-agent de la CIA. Entraînée depuis son enfance par celui-ci pour devenir une machine à tuer, elle est finalement envoyée en Europe pour accomplir une mission inhérente. Celle d'assassiner une agent du gouvernement responsable de la mort de sa mère. Une course poursuite échevelée à travers le Maroc, l'Espagne jusqu'en Allemagne s'engage entre Hanna et son père contre une bande de tueurs déterminés.

Conçu pour être avant tout un film d'action haletant, Hanna se révèle beaucoup plus qu'une simple distraction superficielle du samedi soir. Joe Wright s'attachant ici à nous décrire avec un sens du rythme percutant, scandé il est vrai de l'étonnante partition musicale du groupe The Chemical Brothers, le cheminement d'une ado convertie dès l'enfance à devenir une baroudeuse experte dans l'art de combattre l'adversaire et tuer sans sommation. En envoyant celle-ci en mission pour assassiner la femme responsable de la mort de sa mère, Hanna découvre en prime la modernité d'une civilisation fluctuante à travers le dépaysement du Maroc, de l'Espagne et de l'Allemagne. C'est dans ce pays arabe qu'elle y fera l'aimable connaissance d'une famille unie en villégiature afin d'amorcer une relation amicale avec l'une des filles aînées. Et ce avant de devoir rebrousser chemin faute d'un quatuor de tueurs lancés à ses trousses.

                                             

Ainsi, de par la simplicité d'une narration éludée de complexité, le réalisateur nous fait voyager dans un univers à la fois cosmopolite et fantasmagorique au sein de pays étrangers aux coutumes distinctes, et ce par l'entremise du conte de fée hérité des Frères Grimm. De par l'harmonie visuelle de décors irréels ancrés dans un bestiaire de monstres caricaturés (Freeway  n'est pas loin) et par la présence interlope de personnages saugrenus (le trio de tueurs efféminés, le mentor magicien de la maison fantasque) ou ensorcelants (l'agent Marissa Wiegler proche d'un personnage de sorcière malveillante), Hanna réussit à apprivoiser, envoûter, séduire le spectateur embarqué dans un univers formel superbement exploité. Or, sans jamais céder à l'artillerie de séquences d'action successivement explosives, les quelques scènes spectaculaires qui parsèment le récit, déployées avec une indéniable maîtrise (notamment auprès de l'ultra dynamisme du montage), vont au contraire servir la structure narrative. Ces intermittents moments jouissifs d'action virevoltants étant de surcroît magnifiquement agencées par la rythmique de plages musicales débridées en osmose avec les péripéties tantôt baroques, tantôt réalistes. Niveau cast, la jeune Saoirse Ronan (Lovely Bones, les Chemins de la Liberté) réussit avec équilibre à s'octroyer avec une sensibilité épurée un personnage singulier de sauvageonne belliqueuse dénuée de peur et de tolérance face à l'antagoniste plutôt pernicieux. Avec son physique immaculé d'adolescente faussement timorée (voir la séquence détonante du baiser), elle parvient à travers son charme blême d'un visage vaporeux à illustrer une héroïne juvénile instinctivement ombrageuse, en perte de repères, en quête identitaire au sein d'un monde sauvage impitoyable. Un parcours semé d'embûches lui sont donc opposés sans se douter qu'au bout de cette étrange aventure elle n'était destinée qu'à découvrir son identité tronquée. L'excellent Eric Bana s'alloue la tâche paternelle d'avoir inculqué sa progéniture surentraînée. Impressionnant dans sa posture carrée d'espion chevronné pour l'art du combat et du self défense, il parvint sobrement à convaincre de ses compétences physiques quand il se doit de vaincre à titre d'exemples 4 agents expérimentés venus l'encercler dans un sous-sol de métro germain. Enfin, la troublante Cate Blanchett endosse avec un charme austère insidieux celle d'une agent opiniâtre, drastique, sans pitié dans sa froide détermination d'y traquer méthodiquement ses proies escamotées à l'étranger. Et puis quelle froideur contenue auprès de son venimeux regard félin et reptilien dénué d'empathie.
                        
                                          

Louablement interprété par des comédiens impliqués dans l'action que domine la candide Saoirse Ronan à travers la sempiternelle thématique de la perte de l'innocence et sa soif d'affirmation, Hanna demeure un excellent film d'action techniquement inventif, maîtrisé, savamment excitant, étrangement magnétique et passionnant. Son alliage insolite d'action affiliée à l'esprit ingénu du conte de fée en font un spectacle intelligent se démarquant des produits orthodoxes redondants. Joe Wright livrant avant tout avec une sensibilité ténue l'attachant portrait d'une adolescente pugnace pour autant fragile car observant le monde des adultes, entre appréhension pour son interrogation existentielle, doute, crainte et éveil aux sentiments (sa relation amiteuse avec la touriste), en attendant de renouer avec sa vraie liberté convoitée.

*Bruno 

21.06.11

22.08.23.

Le Riche et le Pauvre / Rich Man, Poor Man

de David Greene, Bill Bixby et Boris Sagal. 1976. 12 épisodes de 46 mns. Avec Peter Strauss, Nick Nolte, Susan Blakely, Edward Asner, Dorothy McGuire, Ray Milland, Kim Darby, Talia Shire, Robert Reed, Bill Bixby, Gloria Grahame, Murray Hamilton, Van Johnson, Dorothy Malone, Kay Lenz, Norman Fell, William Smith

Diffusion TV Usa du 1 février au 15 Mars 1976.
Diffusion TV France le 10 Septembre 1977 sur TF1.

                                              

Série mythique diffusée en France à partir du 10 septembre 1977 sur la chaine TF1, le Riche et le Pauvre aura marqué toute une génération de cinéphiles proprement bouleversés du destin familial de deux rivaux. Celui d'un duo de frères téméraires tour à tour bafoués et stigmatisés par un destin damné avant de déboucher sur leur réconciliation. Deux êtres frêles au caractère distinct débordants de rage de vivre dans la suprématie professionnelle, la réussite sociale et l'union conjugale.

C'est donc l'évocation de la famille Jordache qui nous est narrée sur 20 ans d'existence, de la fin de la seconde guerre mondiale jusqu'aux prémices des années 60. Deux frère issus d'un milieu familial précaire vont tenter de survivre et réussir leur vie professionnelle. L'un, Rudy, est un étudiant studieux et érudit, l'autre, Tom, est un marginal malchanceux accumulant les larcins, faute d'un père violent et irascible, incapable de gérer leur éducation commune. Suite à un grave incident volontairement perpétré par le fils rebelle, celui-ci est expulsé du cocon familial pour être provisoirement logé chez son oncle. Mais un autre évènement fortuit ne va pas tarder à chambouler la nouvelle vie de cet adolescent déprécié.

                                        

Soigneusement reconstitué sur trois décennies d'une ascension politico-industrielle et accrédité d'une mise en scène assidue entièrement vouée à l'étude psychologique de ses personnages meurtris, Le Riche et le Pauvre est une ambitieuse saga pleine de drames, trahisons, déceptions et chantages de par l'abus de pouvoir et la réprimande d'amours contrariés éperdues. D'après le roman d'Irwin Shaw, ce célèbre feuilleton doit tout à son scénario compact dépeignant avec intelligence et refus de pathos la quête du pouvoir pour une réussite sociale avide d'ambition. Mais cette véhémente ascension avilie par l'égoïsme de la cupidité découle d'un revers de médaille irréversible, alors que les romances présagées y seront insolubles à se cristalliser. Avec la complicité de comédiens tous remarquables de sobriété et éludés d'une quelconque outrance puérile dans les extériorisations sentimentales, cette foisonnante saga nous entraîne dans un florilège d'évènements en demi-teinte, convoitant le drame familial teinté d'espoirs et de tragédie inéquitable.

                                                           

Nick Nolte crève l'écran dans sa composition si charismatique du pauvre Tom Jordache, jeune marginal reconverti dans la boxe professionnelle après avoir sombrer dans la délinquance et qu'il après qu'il fut expulsé de son domicile familial. Faute d'un père violent incapable de lui éprouver de l'amour car affirmant plutôt sa confiance et l'attention envers son premier fils studieux beaucoup mieux présentable. Peter Strauss accorde autant de crédit dans celui de Rudy, étudiant ambitieux délibéré à se vouer corps et âme pour réussir sa vie professionnelle. Un jeu en demi-teinte particulièrement empathique dans sa quête inlassable de conquérir la jeune Julie auquel il est depuis son adolescence profondément amoureux avant de renouer équitablement avec son frère tant dénigré. Mais sa persévérance dans le milieu de la politique va le contraindre à oublier sa promesse de chérir cette idylle tant escomptée tandis que Tom va peu à peu lui accorder sa pleine confiance légitime. La ravissante Susan Blackely (récompensée d'un golden globe) endosse le personnage chétif de Julie Prescott si bien qu'elle inonde l'écran de son charme docile, son élégance ténue sombrant malencontreusement dans une lamentation déchue. Une jeune femme talentueuse et douée pour la profession du journalisme et de la photographie. Mais une épouse rongée par le remord et la contrition, faute d'avoir vécu une vie conjugale anarchique, dénuée d'amour et d'attention par la cause d'un mari volage et de son jeune fils sous influence paternelle, Bill. C'est dans les bras du célèbre Rudy, en liste pour une candidature politique qu'elle va malgré tout tenter de renouer avec un espoir dubitatif dans l'union du mariage, avant de sombrer dans l'alcoolisme et la solitude dépressive. Aucun spectateur de l'époque n'eut pu omettre la performance de William Smith dans le rôle du borgne Falconetti. Antagoniste perfide sans aucune vergogne inscrit dans l'immoralité, la lâcheté, la mesquinerie et la xénophobie. L'affrontement psychologique et physique octroyé au jeune Tom Jordache donne lieu à deux intenses altercations redoutées avant son tragique point d'orgue culminant vers une ignoble haine vindicative. Tous les autres illustres interprètes Bill Bixby, Ray Milland, Talia Shire, Dorothy McGuire, Edward Asner et Kim Darby accordent une prestance frugale jamais négligeable car entièrement allouée au service de l'histoire fertile en conflits humains tant dépités.

                               j        

Près de 40 ans après sa sortie, le Riche et le Pauvre n'a rien perdu de sa puissance émotionnelle et aura su transcender les altérations du temps pour rester une série phare*. Hormis un score musical quelque peu désuet mais non dénué de charme, la richesse de son scénario à la fois dense et substantiel, qui plus est admirablement construit, et le remarquable cast des talents réunis témoignent d'une notable réussite télévisuelle à l'intensité dramatique dans toutes les mémoires. Si bien que pour conclure, il est impossible d'évoquer son audacieux final inopinément tragique qui aura durablement bouleverser des millions de télespectateurs abasourdis d'un revirement aussi nihiliste. En outre, il immortalise le portrait licencieux d'un des plus crapuleux antagonistes que la télévision nous ait été donnée de voir: Falconetti !

20.06.11
Bruno Matéï.

RECOMPENSES:

Emmy Awards 1976 : Meilleure musique, Meilleure réalisation (David Greene pour l'épisode 8), Meilleur acteur dans une série dramatique (Edward Asner), Meilleure actrice dans un second rôle (Fionnula Flanagan)

Golden Globes 1976 :

Golden Globe de la meilleure série télévisée dramatique

Golden Globe de la meilleure actrice dans une série télévisée dramatique pour Susan Blakely

Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle dans une série, une minisérie ou un téléfilm pour Edward Asner

Golden Globe de la meilleure actrice dans un second rôle dans une série, une minisérie ou un téléfilm pour Josette Banzet

Crime à Froid / Thriller a cruel picture / They call her One Eye / En Grym Film. Version Intégrale.

de Bo Arne Vibenius. 1974. Suède. 1h46. Avec Christina Lindberg, Heinz Hopf, Despina Tomazani, Soveig Anderson.

Interdit au moins de 18 ans (avec inserts X)

FILMOGRAPHIE: Bo Arne Vibenius est un réalisateur, producteur, scénariste et acteur suédois né le 29 Mars 1943 à Solna. 1969: Hur Marie träffade Fredrik. 1974: Thriller, en grym film. 1975: Breaking Point.

                                      

 

"Madeleine, l’Ange noir de la déréliction".

Bien avant les illustres L’Ange de la Vengeance et I Spit on Your Grave (Day of the Woman), un jeune Suédois de 31 ans réalise en 1974 un rape and revenge singulièrement insolite, brassant les genres dans un alliage abrasif rehaussé d’une ambiance hermétique. Action, drame, pornographie, violence : tout s’entrecroise dans une structure hybride de film d’auteur, entre cinéma expérimental et série B d’exploitation.

Le pitch : Madeleine, jeune fille solitaire, a été violée enfant par un vieillard. Plusieurs années ont passé ; elle vit désormais recluse dans la ferme familiale, loin de la frénésie urbaine. Profondément marquée par l’agression, elle est mutique, cloîtrée dans son silence comme dans sa demeure. Un jour, elle décide de partir en ville, mais rate son bus in extremis. Un inconnu, sur la même route, lui propose de la conduire. Après un déjeuner ensemble, il l’emmène chez lui... pour la droguer. Devenue toxicomane, Madeleine est contrainte à la prostitution pour une clientèle fidèle et carnassière.

                                     

Dès le prélude déstabilisant – cette tentative de viol dans un parc public –, le malaise est palpable. Le regard dérangé, zoomé jusqu’au dérèglement, d’un vieillard aliéné, les lèvres ensanglantées, plaque une fillette impuissante sur les feuillages d’un automne blafard. Le réalisme insalubre de la scène, traité à la manière d’un reportage clinique, nous entraîne dans une descente aux enfers sans retour. La mise en scène, volontairement rugueuse, prend soin de nous immerger dans cet environnement vicié, renouvelant les codes du rape and revenge par une approche atypique. L’ambiance, froide et monolithique, s’étire dans un rythme langoureux, presque anesthésié, captant l’attention par sa narration précise, studieuse. Par moments, les plans chocs – une crevaison d’œil en gros plan, des inserts pornos appuyant la dépravation sexuelle – transforment Crime à froid en objet filmique expérimental, grandiloquent, austère. La photographie limpide, les décors naturalistes sans fioriture, les comédiens emphatiques achèvent de renforcer cette impression de reportage pris sur le vif.

                                    

La partie revenge ne fait qu’amplifier cette étrange impression d’œuvre hybride, notamment avec ses ralentis lymphatiques et sa violence stylisée. Au risque de lasser les indécis, ces accès furieux de brutalité – où les gunfights explosent en gerbes d’hémoglobine – séduisent, dérangent ou désarçonnent selon la sensibilité de chacun. Le final, influencé par le western spaghetti, livre ses plus beaux plans alambiqués : contre-plongées iconiques, horizons désolés, clairs-obscurs crépusculaires. Le climax, d’une noirceur ténébreuse, vient bousculer l’imaginaire du spectateur désorienté.

On saluera l’étonnante composition de Christina Lindberg, justicière mutique et inflexible, avide de revanche après le suicide de ses parents manipulés par un proxénète. Gracile, taciturne, énigmatique dans sa défroque sombre et son œil borgne, elle parvient à iconiser son personnage marginal, nouvel archétype d’un ange exterminateur, à la fois faussement candide et subtilement sensuel.

                                       

Peut-être difficile d’accès, Crime à froid demeure une œuvre bariolée, unique en son genre. Un essai personnel, sincère dans ses intentions, mais parfois maladroit dans ses aspirations auteurisantes compromises par les codes du cinéma d’exploitation. Imparfait, baroque, versatile, interlope, ce film-ovni laisse, quoi qu’il en soit, une empreinte tenace dans la mémoire du spectateur – quelque part entre fascination et répulsion.

— le cinéphile du cœur noir

17.06.11

                                      

COMBAT SHOCK (AMERICAN NIGHTMARE)

de Buddy Giovinazzo. 1986. U.S.A. 1h39. Avec Rick Giovinazzo, Veronica Stork, Mitch Maglio, Asaph Livni, Nick Nasta, Michael Tierno, Arthur Saunders, Lori Labar.

Sortie salles US le 14 Mai 1986.

FILMOGRAPHIE: Buddy Giovinazzo est un réalisateur, scénariste et producteur indépendant américain né le 5 mai 1957 à New-York.
1986: Combat Shock (scénariste, réalisateur, éditeur, producteur, acteur)
1987: Jonathan of the Night (scénariste, réalisateur, producteur)
1989: Mr Robbie: Maniac 2 (Court. réalisateur, producteur)
1996: No way home (réalisateur, scénariste, acteur)
1999: The Unscarred (réalisateur, producteur)
2009: Life is Hot un Cracktown (scénariste, réalisateur)
2011: The Theatre Bizarre (Segment: I love you. Co-réalisateur)
1989: She's Back (scénariste).
1998: Fallen Arches (acteur)

                           

Hommage subjectif d'un puriste amateur.
En 1986, un jeune néophyte du nom de Buddy Giovinazzo réalise pour un budget de misère ($40,000) un cauchemar urbain rarement documenté de manière aussi poisseuse et sordide, en dépit du côté maladroit d'une mise en scène hésitante. 25 ans plus tard, ce film maladif et moribond, témoignage désespéré de l'impossible réinsertion d'un vétéran du Vietnam, garde intact son pouvoir de fascination/répulsion dans une ambiance funeste singulière.
Une question reste cependant en suspens ! Qu'est-il arrivé à la firme Troma d'avoir édité un film aussi extrême et nauséeux ?

Franckie est un ancien soldat ayant combattu durant la guerre du Vietnam. Resté hospitalisé durant 3 ans suite à de graves séquelles psychologiques, il peut enfin retourner dans son pays natal pour retrouver sa femme et son jeune fils difforme âgé d'à peine 1 an. Au chômage, sans ressources d'allocations financières, ils vivent tous trois lamentablement dans un appartement insalubre suintant la puanteur et la nourriture avariée. En désespoir de cause et sous l'influence de sa femme irascible, il décide d'arpenter inlassablement les rues dépravées pour trouver un quelconque boulot partiel.

                           

Avec son prélude belliqueux où l'action est supposée se dérouler en pleine jungle du vietnam, on pouvait craindre le pire dans ces décors de pacotille où quelques soldats américains jouent les baroudeurs farouches contre l'antagoniste hostile. Le réalisateur alternant stock-shots de documents d'archive de guerre et séquences simulées de combats sanglants contre l'ennemi redouté, jalonnés de corps déchiquetés et tête tranchées sur une végétation polluée.
Ce premier quart d'heure peine donc à convaincre faute d'un amateurisme un peu trop forcé mais non dénué d'une certaine ambiance cauchemardesque. C'est au retour au pays US que le métrage va pouvoir se transcender et entamer un voyage au bout de l'enfer pour ne plus lâcher l'amertume dépressive du spectateur jusqu'au générique de fin exutoire.
La narration balisée de Combat Shock n'a rien d'innovante et ne souhaite aucunement structurer une intrigue solide ou substantielle. Tout ce qui fait l'intérêt inhérent à ce cauchemar américain vient de la manière radicale dont notre héros est illustré dans un environnement ultra glauque extrêmement réaliste.
C'est dans son ambiance hallucinée d'une cité urbaine à l'agonie que le métrage s'empreint d'une ampleur visuellement viscérale et palpable, accentuée par une bande musicale planante (bien qu'en décalage de ton à de brefs moments futiles). Misère humaine, toxicomanes azimutés, sdf, prostituées de mineurs, macros, mafieux et quidams désoeuvrés tentent de survivent dans un quartier pourrissant où la grisaille atmosphérique, la déchéance humaine et la violence crapuleuse sont leur lot quotidien d'une existence terne sans but.

                           

Entre le huis-clos irrespirable d'un appartement étroit décrépi et les extérieurs néfastes d'une ville en déliquescence, Buddy Giovinazzo livre l'un des plus impitoyables constats social sur la misère humaine condamnée à survivre et destinée à s'entretuer en guise de précarité alarmiste.
Il illustre avec une détresse implacable le portrait d'une famille désunie. Franckie, père de famille revenu d'entre les morts après l'enfer du Vietnam, marié à une mégère bedonnante incapable de lui éprouver la moindre affection. Pour amplifier ce sentiment de marasme dépressif et de désolation éprouvée, leur lignée est un nouveau né difforme et monstrueux gesticulant langoureusement des râles d'agonie pour cause de famine. Faute de ne plus pouvoir nourrir sa famille famélique et sur le point d'être expulsé de leur foyer, il décide d'errer dans les quartiers malfamés, en quête d'un éventuel emploi subsidiaire dans l'agence matrimoniale familière. Sans aubaine de s'être accaparer d'un poste professionnel, il rencontre sur son chemin un trio de malfrats auquel il leur devait une grosse somme d'argent. Autant dire que la nouvelle journée de Franckie n'est qu'une accumulation de mauvaises rencontres. Même les retrouvailles impromptues avec l'un de ces anciens acolytes, devenu en l'occurrence toxicomane, ne le mènera qu'à une pathétique altercation contre un drogué psychotique.
Lentement, le destin de cet ancien vétéran seul contre tous, revenu au pays pour subir une seconde guerre de survie, va peu à peu sombrer dans la folie suicidaire en guise de rédemption. Et en matière de final nihiliste lapidaire, on peut dire que Combat Shock ira jusqu'au bout de sa labeur pour avoir dépeint le portrait abrupt d'un individu fébrile, déprécié par une société inhumaine sans vergogne, acculé à s'auto-détruire.

                           

UN CAUCHEMAR AMERICAIN.
Sous ses influences assumées de Taxi Driver et Eraserhead, Combat Shock est l'un des plus opaques cauchemars urbains que le cinéma indépendant nous ait été donné de voir. Malgré la maigreur du budget, sa mise en scène chétive et une interprétation folichonne (hormis le jeu honnête du héros  plutôt charismatique et concluant), ce portrait sans concession de la solitude humaine laisse une horrible empreinte dans notre psyché, jamais dupe d'un fait divers tristement quotidien.

Dédicace à l'Antre du Bis.
16.06.11
Bruno Matéï.