Terminator / The Terminator. Grand Prix Avoriaz, 1985.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecran large

de James Cameron. 1984. U.S.A. 1h47. Avec Arnold Schwarzenegger, Franco Columbu, Michael Biehn, Linda Hamilton, Paul Winfield, Lance Henriksen, Bess Motta, Earl Boen.

Sortie salles France: 24 Avril 1985. U.S: 26 Octobre 1984

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada). 1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar

Schwarzenegger, littéralement indestructible, explose l'écran sans jamais sombrer dans le ridicule. 

Grand Prix à Avoriaz un an après sa sortie internationale triomphante, Terminator est rapidement devenu un classique du film d'action futuriste alors que son antagoniste principal, nouvel archétype du Mal technologique, facilita la notoriété du néophyte Arnold Schwarzenegger ! (il fut découvert par le public deux ans plus tôt avec Conan). Récit d'anticipation crépusculaire préfigurant les dangers inquiétants de nos technologies modernes, film d'action dantesque mené à un rythme trépidant dans le cadre d'une atmosphère franchement horrifique, le second film de James Cameron traverse sans complexe les décennies de par son efficience implacable, la virtuosité de sa mise en scène, son action fulgurante ultra lisible et l'impact de ses saisissantes images funéraires mais aussi romantiques. Attention, pur film d'ambiance funeste à couper au rasoir au sein d'une cité urbaine de tous les dangers, qui plus est magnifiquement photographié à travers ses teintes nocturnes d'un bleu clair argenté. Une ambiance ensorcelante qu'on ne retrouvera jamais plus dans les opus suivants. Le pitch: 2029. Le monde est à l'agonie après une apocalypse nucléaire amorcée par les machines. Mais un belligérant du nom de John Connor réussit peu à peu à contrecarrer leur stratégie destructrice. Deux soldats du futur sont alors envoyés dans le passé en 1984 pour tenter de retrouver une serveuse de bar, Sarah Connor. Le Terminator, cyborg ultra perfectionné, est destiné à la supprimer. Kyle, soldat rebelle, sera donc chargé de la protéger pour préserver la destinée de John Connor (son futur fils !). Pour la survie de l'humanité, une guerre sans merci est donc livrée entre eux en plein coeur de Los Angeles. Avec un budget modeste mais beaucoup d'astuces artisanales et un savoir-faire infaillible, James Cameron et son équipe de techniciens Stan Winston, Roger George et Frank DeMarco réussissent à créer un univers anxiogène par l'entremise destructrice de machines terrifiantes conçues pour anéantir notre race.

Son impact visuel à l'aura délétère (les pupilles rouges des Terminator perçants l'obscurité, les charniers de cranes humains écrasés sous le poids des chars high-tech, ou encore les exécutions sommaires des ménagères ayant comme patronyme commun "Sarah Connor") renchérissant notre fascination au gré d'images cauchemardesques héritées de génocides nazis. Afin de retranscrire avec souci de vérité le futur de 2029, l'ambiance nocturne en clair-obscur (sous éclairs de néons azur) met en exergue un cataclysme nucléaire où quelques rares survivants faméliques sont parqués dans des sous-sols afin de se prémunir des éclats de bombes et des faisceaux de lasers. Des séquences terriblement marquantes car réalistes à travers leur tonalité désespérée afin de souligner la détresse des rescapés confinés dans la pénombre, derniers résistants d'une fin de civilisation asservie par des robots imputrescibles. Mais en dépit de la grande efficacité de ces séquences d'anthologie en roue libre, Terminator doit notamment son acuité par la dimension humaine des nos protagonistes en fuite, Kyle et Sarah. Un couple en étreinte voué à se rencontrer pour la sauvegarde d'un rejeton prédestiné à sauver l'avenir de l'humanité. Ainsi, en juxtaposant le thème spatio-temporel et l'anticipation pessimiste d'un holocauste imminent, James Cameron exploite un scénario taillé sur mesure où l'efficacité se renouvelle incessamment lors d'un savant dosage d'action, d'ultra violence, d'intensité dramatique et de suspense en crescendo. Les séquences explosives étant réalisées avec une vigueur estomaquante, quand bien même un contraste s'y établit à d'autres instant plus flegmes et intimes quant aux relations empathiques de Kyle et Sarah en incertitude sur notre postérité. Des apartés romantiques magnifiquement dépeintes auprès de leur confidence à la fois ténue, mélancolique et démunie que le score fragile de Brad Fiedel scande avec une discrétion langoureuse.  

Le seul, l'unique Terminator. 

Epique et fascinant, sombre et angoissant, cafardeux et effrayant, poignant et émouvant, Terminator oscille style bourrin et  densité humaine d'un enjeu planétaire en exposant en filigrane une sombre réflexion sur l'avenir de notre technologie perfectible. Sa violence incisive issue d'offensives et de compétitions de survie (à l'amertume désespérée), sa romance contrariée à la fois fébrile et chétive et enfin l'icone Arnold Chwarzenegger en démon de métal font de ce modèle de série B un pur chef-d'oeuvre mortifère dont les images dures, glaçantes, opaques, foudroyantes, ensorcelantes, resteront à jamais gravées dans notre mémoire collective.

Bruno Matéï

20.05.22. 6èx

11.10.12. 

Apport Technique du Blu-ray: 9/10

LE COUVENT DE LA BETE SACREE (School of the Holly Beast / Sei Ju Gakuen)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site eiga.wikia.com

de Norifumi Suzuki. 1974. Japon. 1h32. Avec Yumi Takigawa, Fumio Watanabe, Emiko Yamauchi, Maya Takikawa.

FILMOGRAPHIE: Norifumi Suzuki est un réalisateur et scénariste japonais, né le 26 Novembre 1933 à Shizuoka, décédé le 15 Mai 2014. 1971: Girl Boss Blues: Queen Bee's Counterattack. 1972: Girl Boss Blues: Queen Bee's Challenge. 1972: Girl Boss Guerilla. 1973: Girl Boss Revenge: Sukeban. 1973: Sex and Fury. 1973: Le Pensionnat des jeunes filles perverses. 1974: Le Couvent de la Bête Sacrée. 1975: Shaolin Karaté. 1979: Vices et Sévices. 1980: Les Tueurs Noirs de l'Empereur fou. 1982: Le Feu de la Vengeance.

Fleuron de la Nunsploitation, sous-genre inauguré en 1971 avec les Diables de Ken Russel, Le Couvent de la Bête Sacrée brave les interdits de la piété avec un cynisme sarcastique assez extravagant. D'un esthétisme baroque dans sa poésie macabre, cette série B d'exploitation nous emmène au sein d'un séminaire, lieu de débauche véreux auquel une assemblée de religieuses sont incapables de réfréner leurs pulsions sexuelles sous l'effigie de Dieu. Mayumi, jeune fille de 18 ans, pénètre au sein de l'institution dans le but de découvrir qui aurait pu être l'auteur du meurtre de sa mère. Mais derrière cette doctrine religieuse se cache les vices les plus répréhensibles auprès de soeurs endoctrinées sous la hiérarchie de chasteté. Cette abstinence les amenant indubitablement à pratiquer moult relations intimes dans leurs expériences saphiques ou hétéros. En prime, le prêtre particulièrement discret lors de ses visites impromptues est un hérétique délibéré à railler l'impuissance de Dieu. Au milieu de cette débauche où les tortures sont quotidiennement infligées aux nonnes les plus indociles par Mère supérieure, Mayumi se contente d'observer en attendant le moment propice pour accomplir sa vengeance.

Mis en scène avec un brio inspiré et surtout transcendé par la beauté formelle de ces images stylisées, le Couvent de la Bête Sacrée déploie sans modération nombre de séquences érotiques d'une audace blasphématoire. Relations sulfureuses entre lesbiennes douées de pulsions incontrôlées, intrusion illicite de deux marginaux en interne du couvent pour violer l'une d'entre elles, ou encore acte incestueux auprès d'un paternel infidèle. Mais ce libertinage perpétré à l'abri des regards indiscrets est régulièrement épié par des nonnes trop curieuses. En guise de sanction exemplaire d'avoir osé offenser la vertu de chasteté, divers sévices corporels leur sont infligés afin d'exorciser et libérer le démon enfanté ! Ces séquences de tortures épurées sont réalisées avec une élégance singulière pour transcender la beauté macabre d'un érotisme fétichiste. En outre, une séquence de mise à mort pourra rappeler aux amateurs la démesure baroque d'un Argento plutôt inspiré d'avoir sublimé quelques années plus tard un opéra de danse cabalistique. En l'occurrence, le réalisateur préfigure son style novateur avec ce tableau pictural d'un corps suspendu dans le vide par une corde, les jambes ruisselantes de sang aux abords d'une mosaïque décorative !

Etrange film compromis à la tendance fétichiste du Nunsploitation, le Couvent de la Bête Sacrée est un blasphème anti religieux d'une élégance éhontée. Une provocation impudente, un témoignage ironique de l'accoutumance sexuelle innée en chacun de nous et un pied de nez à l'enseignement sectaire du christianisme. D'une sensualité torride et d'une poésie immaculée, cette vendetta en demi-teinte s'obscurcie au fil d'une lourde révélation liée à la filiation parentale. Et l'ange de la vengeance de perpétrer sa douce rancoeur avec une grâce méthodique. 

Dédicace à Nicole Leopoldine Staudigl

09.10.12. 2èx
Bruno Matéï

Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia / Bring Me the Head of Alfredo Garcia

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site hollywood70.com

de Sam Peckinpah. 1974. U.S.A. 1h52. Avec Warren Oates, Isela Vega, Robert Webber, Gig Young, Kris Kristofferson, Emilio Fernandez, Helmut Dantine.

Sortie salles France: 2 Janvier 1975. U.S: 14 Août 1974

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984. 1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

Western moderne consacré à une traque sans rémission, Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia est une marche funèbre vers la désolation. L'odyssée aride la plus nihiliste et désenchantée de la carrière du cinéaste. Jugez en : Un couple se retrouve imbriqué dans une suite de vicissitudes sordides afin de pouvoir s'approprier la tête humaine d'Alfredo Garcia. La raison de ce décret émane de l'idylle sans lendemain entretenue avec ce séducteur et la fille d'un patriarche véreux. C'est en échange d'une somme d'argent considérable offerte par ce dernier que Bennie décide d'entamer cette sale besogne avec l'entremise de sa concubine. Mais l'individu recherché est déjà mort ! Jusqu'au boutiste et d'un désespoir particulièrement éprouvant, Sam Peckinpah nous illustre ici l'interminable chemin de croix d'un voyou en perte de vitesse, partagé entre l'appât d'un gain faramineux et l'idylle sereine avec sa partenaire amoureuse. Le portrait dérisoire d'un individu corrompu par sa condition marginale mais rattrapé par son empathie amoureuse. 

Par son instinct cupide lié à sa condition sociale miséreuse, il devra faire face à sa responsabilité morale, sa culpabilité après avoir braver ses adversaires dans une dérive meurtrière indigne. Car c'est au sein d'une contrée mexicaine précaire où les laissés pour compte, bandits et mercenaires mesquins tentent d'y survivre que Bennie décide de retrouver une tombe pour exhumer la tête putréfiée d'un cadavre. Baignant dans une atmosphère solaire irrespirable, l'ambiance malsaine qui s'y dégage résulte notamment de l'insolite présence de cette tête en putréfaction maladroitement enfouie dans un sac rempli de glace. Par une succession d'altercations malchanceuses et le sacrilège d'avoir osé profaner la sépulture d'une ancienne connaissance, la destinée morbide de bennie est inévitablement impartie aux conséquences de l'indécence et du sang de certains innocents. Dans le rôle crépusculaire de Bennie, Warren Oates promène sa dégaine de cow-boy solitaire à l'instar d'un fantôme errant. Il traîne sa silhouette sagouine avec une nonchalance amère suivie d'une rancune vindicative aux accents suicidaires. Secondé par sa compagne soumise éprise d'amour pour ce machiste bourru, Isela Vega apporte la touche romanesque avec autant d'aspiration pour son mariage auguré que de regret pour l'obstination intraitable de son amant. 

Traversé d'éclairs de violence crue et d'un nihilisme radical mais inévitable, Apportez moi la tête d'Alfreda Garcia est le western putride dédié au déclin miséreux d'un marginal galvaudé par son entêtement. Le cri de haine désespéré d'un paumé stoïque en quête de rédemption car rongé de culpabilité mais finalement exposé à une vendetta aveugle. Sévère constat d'un marginal discrédité  compromis à une hécatombe impitoyable où aucun des participants ne pourra y sortir vainqueur. Un chef-d'oeuvre absolu de nihilisme emportant l'empathie du spectateur vers les méandres d'une aigreur aussi fétide qu'empoisonnée.

Apport technique du Blu-ray: 6,5/10
29.11.24. 4èx. Vostfr

08.12.12. 3èx

Ci-joint le p'tit mot d'amour de Jérôme André Tranchant:

Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia est le film testamentaire de Sam Peckinpah.  Ce n'est pas le dernier film du grand réalisateur de la horde sauvage.  Mais la mort rode dans tous les coins dans ce long métrage. 

Alfredo Garcia est une odyssée funèbre, un road movie mortifere.  

La vision du Mexique du grand Sam est un avant goût de l'enfer.  Le pays est d'un grand délabrement,  la pauvreté est de partout mais le peuple reste digne. 

Bennie le pianiste est une sorte d'alter ego de Sam Peckinpah.  Le grand Warren Oates a même pris les lunettes noires du réalisateur pour créer son personnage.  Warren Oates est un acteur de génie avec un jeu d'acteur d'une grande subtilité. 

Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia est un polar sombre,  extrêmement dur,  sec et aride comme il serait impossible de faire aujourd'hui.  Mais ce long métrage est aussi une sorte de western kamikaze. 

Le film est aussi un très beau film sur le couple,  d'un grand romantisme. 

Mais surtout Alfredo Garcia est un chef d'œuvre du septième art.

Le Masque de la Mort Rouge / The Masque of the Red Death

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinelounge.org

de Roger Corman. 1964. U.S.A/Angleterre. 1h30. Avec Vincent Price, Hazel Court, Jane Asher, David Weston, Nigel Green, Patrick Magee, Paul Whitsun-Jones, Robert Brown.

Sortie salles France: 8 Octobre 1969. U.S: 24 Juin 1964

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: Le Masque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: Le Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

Les ténèbres, le déclin et la mort rouge étendirent leur empire illimité sur tout. 
Edgar Allan Poe

D'après une histoire d'Edgar Allan Poe, Roger Corman réalise en 1964 l'une de ses plus belles réussites sous la bannière du plus célèbre des romanciers gothiques. Le Masque de la Mort Rouge fait parti de sa septième adaptation, juste avant qu'il ne clôture son cycle Poe avec une dernière pièce maîtresse: la Tombe de Ligeia. Le Pitch: Dans l'Italie du 12è siècle, le prince Prospero sème la terreur auprès des paysans vivants dans des conditions miséreuses. Par la désobéissance de certains d'eux, il décide d'emprisonner le père et l'amant de Francesca dans son château afin de courtiser cette dernière. Pendant ce temps, sous l'apparence d'une silhouette rouge, une étrange épidémie se répand sur la région et contamine un à un les défavorisés. Chef-d'oeuvre du fantastique dans toute sa flamboyance gothique, le Masque de la Mort Rouge est un étrange conte sur la fatalité de la mort. Baignant dans une atmosphère onirique, crépusculaire, pour ne pas dire baroque et atypique, cette cérémonie cynique est avant tout une réussite formelle vouée à l'allégeance macabre d'adorateurs de Satan. 

Ainsi, nous sommes frappés de stupeur face à la scénographie insolite des chambres secrètes du château ayant communément une nuance monochrome bien distincte. Il y a notamment l'extravagance d'un vaste réfectoire prêt à recevoir les nobles invités de Prospéro alors qu'un bal costumé est sur le point d'en célébrer l'agonie. Tandis qu'au sous-sol, des prisonniers parqués dans des cachots rubigineux attendent leur inévitable sort. D'un point de vue graphique, la violence audacieuse (pour l'époque !) de deux séquences surprend encore aujourd'hui par son réalisme cuisant (l'attaque du corbeau sur Juliana et Alfredo embrasé par les flammes). En talent de conteur attentionné et sous couvert d'un récit fantastique imprégné de mystère et de séquences imprévisibles d'une aura à la fois lunaire et sépulcrale (notamment au niveau des réactions hilares des figurants aristos imbibés d'impertinence), Roger Corman confronte la dualité du Bien et du Mal à travers la religion du christianisme et le culte du satanisme. Francesca, jeune paysanne pieuse n'aura de cesse durant son cheminement d'implorer à Prospero son éthique inscrite dans la sagesse car fondée sur les notions de tolérance et respect d'autrui. Mais le prince dénué de vergogne puisque corrompu par le vice, la cupidité et la mégalomanie n'éprouvera qu'indifférence aux regards des plus faibles. Alors que sa vénale assemblée aura droit à un traitement de faveur pour rester au sein du château et ainsi se prémunir de l'épidémie mortelle qui jalonne la campagne. 

Avec une cruelle dérision, le cinéaste met en exergue les effets pervers de l'omnipotence d'une monarchie, de cette autonomie immorale à asservir les plus démunis par cupidité. Il n'hésite pas à ridiculiser ses hôtes voués à accomplir des jeux risibles en communauté par guise d'ennui mais aussi pour divertir la galerie (se comporter tel un animal de compagnie en marchant à quatre pattes ou se déguiser en gorille et gesticuler face à un public hilare dénué de morale !). Et pour iconiser le profil mesquin d'un roi entièrement voué à servir Satan, Vincent Price donne chair à son personnage avec une spontanéité renversante. Car de façon sardonique, en se vautrant dans une triviale désinvolture, il perpétue ses sévices sadiques envers n'importe quel quidam (nobles comme prolétaires) avec une posture impassible particulièrement rogue. Quand à son partenaire Alfredo, tout aussi insidieux et déloyal, c'est Patrick MacGee qui s'y investi avec autant d'égotisme mais aussi d'opportunisme à double tranchant.

Chaque homme se créé son propre dieu, son propre paradis, son propre enfer
D'une beauté picturale rappelant l'esthétisme baroque d'Argento à ses heures de gloire de Suspiria, Le Masque de la Mort Rouge s'agence autour d'un carnaval de damnés fustigés par la maladie, là où la mort rouge reprend naturellement ses droits afin d'y dénoncer la supercherie du Mal. L'interprétation magistrale de Vincent Price d'une cruauté inégalée et la sobriété des seconds rôles renforçant sa vraisemblance occulte sous l'hégémonie d'un cinéaste littéralement au sommet de son art. Tant et si bien que par son parti-pris ambitieux Le Masque de la mort Rouge demeure d'une modernité déconcertante à chaque révision. Tant auprès de sa pléthore de séquences lunaires habilement structurées, de sa violence âpre décomplexée que de sa profondeur psychologique imparties à la théorie du Bien et du Mal. 

*Bruno

31.12.22. 5èx

04.10.12. 

La chronique de la Chute de la maison Usher: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/la-chute-de-la-maison-usher-house-of.html

La chronique de La Tombe de Liegia: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/la-tombe-de-liegia-tomb-of-ligeia.html

                                     

THE THEATRE BIZARRE

de Buddy Giovinazzo, Karim Hussain, David Gregory, Jeremy Kasten, Tom Savini, Douglas Buck, Richard Stanley. 2011. U.S.A. 1h54. Avec Udo Kier, Catriona McColl, Virginia Newcomb, Shane Woodward.

Sortie salles France uniquement en Dvd et Blu-ray: 3 Octobre 2012

Introduction: (Info Allo Ciné)
Attention, ce film peut provoquer des évanouissements… Telle pourrait être la tagline du film The Theâtre Bizarre, compilation de sept courts métrages horrifiques. Présenté dans divers festivals dont celui de Gérardmer, le film provoque de drôles de réactions puisque 4 personnes se sont évanouies et une autre a dû sortir précipitamment de la salle pour vomir. Le court métrage responsable serait Vision Stains du canadien Karim Hussain, qui suit une tueuse accro aux souvenirs visuels d’autres personnes. Pour satisfaire sa dépendance celle-ci insère l’aiguille d’une seringue (filmé en gros plan) dans l’œil de ses victimes puis dans son œil…

Précédé d'une réputation sulfureuse (voir intro ci-dessus !) et toujours inédit en salles en France, The Theâtre Bizarre reprend le concept du film à sketch pour nous illustrer 6 histoires horrifiques particulièrement dérangeantes et hard-gore. Esthétiquement soigné et pourvu d'une ambiance singulière véhiculant un malaise tangible, cette nouvelle anthologie nous propose des récits inégaux sans toutefois laisser le public indifférent grâce à son efficience régulière et l'audace subversive. En l'occurrence, on sent bien que chacun des réalisateurs à souhaité proposer à l'amateur du genre un spectacle déviant où la poésie macabre ou morbide émane de situations fantasmatiques, entre onirisme extravagant et horreur chirurgicale.

Une jeune femme est irrésistiblement attirée par un cinéma abdiqué. A l'intérieur, un automate humain lui énonce 6 histoires à venir. Pour chaque récit narré, un nouveau pantin se dévoile sur la scène de théâtre tandis que la spectatrice semble perdre pied avec la réalité. 

Le 1er récit, The Mother of Toads de Richard Stanley, débouche sur un univers païen vis à vis d'une sorcière réfugiée au fond d'une cabane afin d'appâter un jeune vacancier fasciné par le Necronomicon. Sans surprise mais pourvu d'une certaine efficacité dans la conduite narrative, ce préambule réussit tout de même à nous séduire par son ambiance diaphane et pastel. Sa poésie macabre émanant d'une nature hostile où d'inquiétants crapauds scrutent la forêt afin d'appréhender le quidam égaré. 

I love You de Buddy Giovinazzo nous conte une histoire d'adultère entre un mari jaloux et une amante dissolue. Le thème conjugal traité avec sarcasme puis sans ambages tire sa force par l'ambiguïté psychologique des deux amants antinomiques et débouche sur une conclusion licencieuse où la jalousie confine vers la schizophrénie.   

Wet Dreams de Tom Savini traite notamment d'un conflit matrimonial entre un époux infidèle et sa femme vindicative. Souffrant de terreurs nocturnes liés à la récurrence de songes cauchemardesques,  l'homme décide de consulter un psychanalyste pour tenter de comprendre ses visions horrifiantes de pénis sectionné, cuisiné ensuite par sa propre épouse ! On tient ici l'un des sketchs les plus débridés et erratiques dans cette confusion altérée du personnage asservi, entre sa part de songe et réalité !

The Accident de Douglas Buck se révèle à mes yeux LE sketch le plus stylisé et maîtrisé mais aussi le plus mature vis à vis du ton mélancolique de sa pudeur humaine. Une mère et sa petite fille sont témoins d'un accident mortel de moto. Choquée par l'apparition du cadavre sans vie, la fillette va tenter de comprendre par l'entremise de sa maman pour quelle raison la mort s'accapare sans prévenir de notre existence. Elégie de la mort dans toute sa cruauté et son iniquité, The Accident aborde le tabou avec une émotion sensitive sous le regard candide de l'enfant. Avec une ambition esthétique morbide proche de l'expérimental Aftermath de Nacho Cerda, Douglas Buck établit une réflexion existentielle sur le sens de la mort, sa cruelle lamentation et l'intérêt d'accorder une faveur à l'aubaine de la vie. Sublime et désenchanté mais d'une tendresse infinie pour l'aspiration prochaine du bonheur !

Vision Stains de Karim Hussain est sans doute l'un des segments les plus glauques et extrêmes, mais aussi le plus original pour tenter de percer les mystères de la vie au-delà de la mort. Une tueuse en série s'accapare des souvenirs des miséreux avec l'aide d'une seringue injectée dans la rétine oculaire. Déroutant, poétique et désespéré, l'intrigue dédiée à la réminiscence des souffres-douleurs se clôt sur une ambivalence occulte, aussi nihiliste que salvatrice pour le destin de sa criminelle !

Enfin, Sweets de David Gregory parachève l'anthologie sur la soumission conjugale en traitant du cannibalisme. Forme allégorique de l'amour vampirique voué à la consommation lorsqu'un couple boulimique s'entredévore par dépit amoureux. Visuellement insolite et raffiné pour mettre en exergue une débauche culinaire, Sweets est une impudente farce macabre à l'insolence sardonique. Méfiance tout de même car la nausée risque de provoquer les "haut le coeur" chez les plus sensibles !

Indubitablement inégal mais souvent intrigant et déconcertant, The Theâtre Bizarre est une oeuvre scabreuse baignant dans la corruption avec une autonomie couillue. Formellement gracile, mis en scène avec rigueur et émaillé de séquences gores d'une verdeur viscérale, ce théâtre morbide renouvelle le genre hétéroclite avec une certaine originalité. D'autant plus que l'ambiance hors norme et sa galerie de personnages marginaux risquent d'en dérouter plus d'un ! Ce qu'il convient de le réserver à un public averti pour son réalisme acéré.

03.10.12
Bruno Matéï

EXPENDABLES 2: Unité Spéciale (The Expendables 2)

Photo empruntée sur Google, appartenant au site nicetomeetu.fr

de Simon West. 2012. U.S.A. 1h42. Avec Sylvester Stallone, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Jean-Claude Vandamme, Chuck Norris, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Novak Djokovic.

Sortie salles France: 22 Août 2012. U.S: 17 Août 2012

FILMOGRAPHIE: Simon West est un réalisateur, producteur et scénariste britannique, né en 1961 à Letchworth (Royaume-Uni).
1997: Les Ailes de l'Enfer
1999: Le Déshonneur d'Elisabeth Campbell
2001: Lara Croft: Tomb Raider
2006: Terreur sur la Ligne (remake)
2011: Le Flingueur
2012: Expendables 2: Unité Spéciale

Deux ans après leurs premiers exploits, les Expendables sont de retour sous la houlette d'un réalisateur lucratif plutôt conventionnel, Simon West (même si l'impayable les Ailes de l'Enfer était sacrément attractif dans son délire revendiqué). Exit donc Stallone derrière la caméra et place aussi à une nouvelle ribambelle de vétérans notoires du cinéma des années 80 ! Chuck Norris et Jean Claude Vandamme mais aussi Arnold Schwarzenegger ainsi que Bruce Willis (dans des apparitions plus éloquentes que leur caméo du 1er volet).

Cette fois-ci, sous l'injonction de Mr Chapelle, les Expendables ont pour mission de parcourir l'Albanie afin de récupérer un coffre dans la carcasse d'un avion. Mais pour ouvrir la boite codée,  Maggie Chang, une experte, participe notamment à la tâche. Sur place, après avoir retrouvé le mystérieux objet, Barney et son équipe sont sur le point de quitter le territoire. Mais un leader terroriste, Jean Vilain, accompagné d'une escouade de militaires (les "sangs"), les en empêchent afin de s'emparer du coffre. S'ensuit une altercation qui tourne mal puisque la nouvelle recrue des Expendables, Billy Timmons, est sauvagement exécuté ! Fou de colère, Barney et son équipe jurent de se venger de leur tortionnaire. En outre, après avoir découvert ce que renfermait le contenu de la boite (une topographie d'un lieu !) par l'entremise de Maggie, ils vont également tenter de retrouver 5 tonnes de plutonium planqués dans une mine albanaise où des paysans molestés sont exploités comme de véritables esclaves.

Le scénario convenu et éculé est évidemment un prétexte afin d'exploiter la bravoure de quelques scènes belliqueuses pétaradantes. Avec son préambule monstrueusement explosif et son final dantesque tout aussi anthologique, The Expendables 2 ne déroge pas à la règle et propose même de mon point de vue une version améliorée du 1er volet ! Néanmoins, nous sommes toujours bien en présence d'un simple plaisir coupable du samedi soir conçu pour ranimer la flamme des actionner d'exploitation qui ont envahi nos écrans durant les années 80. La bonhomie naïve et la complicité de nos héros (plus attachants !) renforcent le caractère sympathique de ce blockbuster jamais avare en loufoquerie. D'autant plus que la verve ironique de certains dialogues font souvent illusion pour amuser le spectateur. En prime, le dépaysement alloué à son décor soviétique d'un village abdiqué ou la scénographie occulte d'une grotte exploitée à des fins délétères ajoutent un certain charme vintage à l'ensemble. On sera aussi étonné de la petite touche gothico-hybride lors d'une altercation en interne d'une chapelle lorsque des moines encapuchonnés vont utiliser l'arme blanche et pratiquer les arts martiaux pour désarmer l'antagoniste ! Mais Simon West n'oublie pas non plus d'accorder une certaine empathie dramatique au début de l'intrigue à propos de l'exécution sommaire pratiquée à l'un des sbires des Expendables par l'ignoble Jean Vilain (Van Damme en lunettes noires jubile dans un rôle tyrannique et cabotine sans modération !). Alors que son épilogue poignant laisse évacuer une certaine mélancolie pour décrire un Stallone émotionné afin de saluer ses deux derniers briscards de la vieille époque (Willis et Schwarzenegger). De les contempler tous les trois réunis dans le même cadre pour tenir lieu d'un "au-revoir" (ou d'un adieu ?) a quelque chose d'émouvant chez le fan trentenaire issu des eighties.

Nanar ludique dédié à la personnalité virile de ces anciennes gloires du cinéma d'action vétuste, The Expendables 2 est difficile à désapprouver chez l'amateur du genre tant nos illustres comédiens (les vétérans comme les nouveaux sex-symbol, Jason Statham en tête !) sont à la fête. Cette seconde mouture aussi puérile qu'attractive sait donc utiliser avec un peu plus d'efficience que son précédent volet action et humour au gré d'une sincérité attendrissante. On est même en droit d'escompter un 3è volet encore plus prometteur...

02.10.12
Bruno Matéï
                                    

Hard Candy

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineclap.free.fr

de David Slade. 2006. U.S.A. 1h44. Avec Ellen Page, Patrick Wilson, Sandra Oh, Jennifer Olmes, Gilbert John.

Sortie salles France: 27 Septembre 2006. U.S: 14 Avril 2006

FILMOGRAPHIE: David Slade est un réalisateur britannique, né le 26 Septembre 1969 au Royaume Uni. 2005: Hard Candy. 2007: 30 Jours de Nuit. 2010: Twilight - Chapitre 3: Hésitation. 2011: R.E.M (TV). 2012: The Last Voyager of Demeter. Daredevil reboot. 

Pour sa première réalisation étonnamment ambitieuse, le british David Slade nous confronte à un huis-clos cauchemardesque à la fois suffocant et tendu pour une variation contemporaine du Petit Chaperon Rouge. Hard Candy nous illustrant de manière franchement éprouvante la confrontation psychologique entre un potentiel pédophile et une gamine vindicative de 14 ans, délibéré à punir un meurtrier d'enfant. 

Si bien qu'au sein de sa demeure familiale, Jeff Kohlver, photographe notoire, est kidnappé par une adolescente préalablement rencontrée sur le net. Du haut de ses quatorze ans, Hayley Stark va tenter par tous les moyens de faire avouer à ce potentiel tortionnaire le meurtre de la petite Donna Mauer. S'ensuit une sempiternelle confrontation entre les deux où victime et bourreau vont fusionner pour nous interpeller sur leur véritable motivation. 

Atmosphère lourde et feutrée en interne d'un pavillon classieux auquel deux individus vont devoir s'affronter dans une lutte à mort, Hard Candy n'est pas le genre de divertissement docile conçu pour épater le spectateur afin d'alterner rebondissements et suspense oppressant. En effet, même si la notion de suspense est probante, ce thriller psychologique particulièrement malsain et dérangeant privilégie l'ambiguïté, l'interrogation afin de laisser planer le doute au spectateur sur la véritable identité des protagonistes. 

L'idée judicieuse ici invoquée est d'avoir inverser les rôles puisque la victime traditionnelle se révèle en l'occurrence une tortionnaire à la vergogne douteuse alors que le monstre a cette fois-ci endossé la place du souffre-douleur. La force brutale de Hard Candy, outre son caractère psychologique trouble et terriblement déstabilisant renforcé d'une réalisation rigoureuse, puise dans le réalisme cru d'un calvaire interminable où la castration tient une place de choix. Un jeu perfide et masochiste où une ado de 14 ans a décidé d'humilier et punir un éventuel assassin d'enfant. A bout de course, le point d'orgue révélateur ira jusqu'au bout de son ambition vindicative pour démasquer enfin le véritable profil imparti aux protagonistes. Un épilogue glaçant de par sa moralité subversive si bien que les exactions illicites allouées à une mineur intransigeante (véritable ange de la vengeance des martyrs infantiles) provoquent le désarroi face à tant de barbarie imposée.

Dans le rôle ambivalent d'une justicière expéditive, la comédienne juvénile Ellen Page éclate l'écran en tyran inflexible alors que son habileté cérébrale nous désarçonne pour un si jeune âge. Son jeu subtilement outrancier et sadique face aux tortures infligées à son otage impose néanmoins auprès du spectateur une interrogation extrêmement malaisante sur sa potentielle pathologie mentale. 

Pour la victime molestée, Patrick Wilson inspire de prime abord une impression vertueuse par sa bonhomie, son élégance rassurante, son érudition. Il insuffle ensuite une empathie inévitable face à son calvaire imposé mais ne cesse de nous questionner sur sa conviction persuasive à supplier son innocence.

Aux confins du marasme de par sa claustration imposée et l'intensité qui émane des enjeux, Hard Candy est un thriller psychologique d'une verdeur jusqu'au-boutiste pour ne pas en sortir indemne. Violent et perturbant mais aucunement complaisant (toutes les exactions y sont suggérées), sa densité psychologique rehaussée du jeu épidermique des comédiens ne cesse de nous interpeller auprès des notions du Bien et du Mal volant ici en éclats. Y résulte un vrai film choc "monolithique" dérogeant les lois de la bienséance avec dextérité et refus d'esbroufe. A réserver néanmoins à un public responsable pour son aura aussi trouble qu'hautement malsaine (d'où son interdiction imposée au moins de 16 ans).

*Bruno

01.10.12. 
09.02.25. 3èx. Vost

 

ROBOCOP

Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinecri.artblog.fr

de Paul Verhoeven. 1987. U.S.A. 1h43. Avec Peter Weller, Nancy Allen, Miguel Ferrer, Ray Wise, Paul McCrane, Kurtwood Smith, Dan O'Herlihy, Michael Gregory, Ronny Cox, Lee de Broux.

Sortie salles France: 20 Janvier 1988. U.S: 17 Juillet 1987

FILMOGRAPHIE: Paul Verhoeven est un réalisateur néerlandais, né le 18 Juillet 1938 à Amsterdam.
1971: Business is business. 1973: Turkish Delices. 1975: Keetje Tippel. 1977: Le Choix du Destin. 1980: Spetters. 1983: Le Quatrième Homme. 1985: La Chair et le Sang. 1987: Robocop. 1990: Total Recall. 1992: Basic Instinct. 1995: Showgirls. 1997: Starship Troopers. 2000: l'Homme sans Ombre. 2006: Black Book.

Deux ans après son chef-d'oeuvre médiéval, La Chair et le Sang, Paul Verhoeven change de registre avec Robocop pour s'ériger vers l'actionner destroy sous couvert d'anticipation alarmiste. Gros succès public et critique à sa sortie, ce monument d'ultra violence et de satire politique reste en l'occurrence incroyablement jouissif, spectaculaire et d'un cynisme ébouriffant ! A travers la vengeance d'un flic préalablement massacré par une milice extrémiste et destitué de son identité par sa propre hiérarchie pour se substituer en machine à tuer, Paul Verhoeven s'autorise tous les excès afin de décrire un monde futuriste régi par une criminalité en effervescence. Cette société déclinante est ici représentée par l'OCP, un conglomérat militaro-industriel et commercial ayant une certaine influence pour gérer la police de détroit. Dehors, c'est l'anarchie la plus complète ! La délinquance et la criminalité ont envahi les quartiers et les flics souvent pris pour cible envisagent de faire grève. C'est au cours d'une mission de routine qu'Alex Murphy et sa collègue Anne Lewis vont se retrouver pris à parti avec les terroristes du leader Clarence Boddicker dans un entrepôt industriel. Murphy est lâchement exécuté, pour ne pas dire massacré sous les balles des tireurs alors qu'Anne survit de ses blessures. Après le rapatriement du corps, un des membres de l'OCP se charge de transplanter le corps du policier en cyborg mi-homme, mi-machine. Mais de manière confuse, la mémoire de Murphy va peu à peu se réveiller pour lui rappeler l'être humain qu'il était au préalable.

Sous couvert de divertissement ultra efficient et furieusement barbare, Robocop caricature une charge contre les médias ainsi que les travers d'une multinationale corrompue par le vice et la cupidité. Alors que dehors, les criminels et prolétaires incultes (car abreuvés de séries TV, pubs débilitantes et pages d'infos éhontées) évoluent dans la déshumanisation d'un univers factice. Comme ce financier licencié qui aura décidé de braquer sa succursale en exigeant le dernier modèle d'une voiture flambant neuf. En pourfendeur sarcastique, Verhoeven décrit notamment une société de consommation démagogique, tributaire de sa technologie moderne, de son armement sophistiqué, tentant par tous les moyens de se transcender avec dommage collatéral. Dans cet avenir pessimiste où l'éthique n'a plus aucune morale, nos capitalistes tentent de s'accaparer du pouvoir par esprit de mégalomanie. C'est donc sans vergogne qu'ils décident de profaner l'identité d'un cadavre de flic pour mieux contrecarrer la criminalité. D'une façon nouvelle, Paul Verhoeven traite aussi du mythe de Frankenstein ou plus précisément de Metropolis avec sa créature asservie par son maître chanteur. De l'être humain ici réduit à l'état de machine à tuer dans une société dépravée où sexe, drogue et alcool sont devenus les seuls hobby. Avec une certaine émotion empathique, la dernière partie nous dévoile justement l'aspect humaniste de cet homme déchu en quête identitaire, à la recherche de son passé, mais finalement engagé dans la justice expéditive pour se venger de ses tortionnaires.

Novateur pour son inventivité technique et d'une ultra violence ébouriffante, Robocop est un sommet de nihilisme où l'homme objet est aujourd'hui destiné à devenir un modèle technologique belliqueux sous la mainmise de sa démocratie. Bourré d'humour sardonique et baignant dans un cynisme au vitriol, ses thèmes de l'insécurité criminelle et d'une hiérarchie policière impuissante préfigurent l'état régressif de notre société actuelle.

La critique de Robocop 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/robocop-2.html

28.09.12. 5èx

B-M

Breakfast Club

                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdclassik.com

"The Breakfast Club" de John Hughes. 1985. U.S.A. 1h37. Avec Judd Nelson, Perry Crawford, Anthony Michael Hall, Emilio Estevez, John Kapelos, Paul Gleason, Molly Ringwald, Ally Sheedy, Ron Dean, Tim Gamble.

Sortie salles France: 11 Septembre 1985. U.S: 15 Février 1985

FILMOGRAPHIE: John Hughes est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 18 Février 1950 à Lansing (Michigan, Etats-Unis), mort le 6 Août 2009 d'une crise cardiaque à New-York. 1984: Seize bougies pour Sam. 1985: The Breakfast Club. 1985: Une Créature de rêve. 1986: La Folle Journée de Ferris Bueller. 1987: Un Ticket pour deux. 1988: La Vie en plus. 1989: Uncle Buck. 1991: Le P'tite Arnaqueuse.

"...Ces enfants sur lesquels tu craches alors qu'ils essaient de refaire le monde n'ont que faire de tes conseils. Ils savent très bien ce qu'ils font..." David Bowie

Don't you
Film culte de toute une génération, chef-d'oeuvre du Teen movie à son avènement, Breakfast Club traverse sans réserve les décennies de par son thème existentiel sur le malaise d'une jeunesse en quête de repères. Car à travers la journée de retenue de cinq adolescents rebelles mais au caractère bien distinct, John Hughes nous décrit de prime abord leur relation conflictuelle pour culminer vers une thérapie de groupe. Ainsi, sous la surveillance d'un prof castrateur; trois lycéens: un intello, un sportif et un délinquant se partagent une journée de "colle" parmi la présence d'une introvertie excentrique et d'une allumeuse notoire. Au fil de leur raillerie, brimades et provocations, les 5 étudiants vont peu à peu apprendre à se connaître, extérioriser leurs blessures les plus préjudiciables et ainsi changer à jamais leur destin.

Quand tu deviens adulte, ton coeur meurt
De par l'attachante complicité de cinq comédiens juvéniles se livrant à nu face caméra, la dimension humaine qui émane de chacun d'eux émeut, bouleverse, ébranle le spectateur. L'identification émanant naturellement de notre propre vécu. Jalonné de dialogues ciselés et de blagues potaches impayables, le cheminement narratif de Freakfast Club illustre surtout le malaise universel de cette époque pubère sur le fil du rasoir. Les relations parentales conflictuelles, l'influence insolente des camarades de classe et le comportement orgueilleux des adultes plongeant nos adolescents dans l'interpellation. Et pour occulter ce mal-être intrinsèque flirtant avec le désarroi, quoi de plus profitable que de feindre sa véritable identité pour se forger une carapace afin de mieux se mesurer à la suprématie des autres (les parents inculquant à leurs enfants la doctrine élitiste du dépassement de soi !). Mais  lorsque cinq adolescents épris de liberté se retrouvent cloîtrés dans une salle de lycée afin de rédiger une dissertation sur leur identité; les prises de becs dérisoires, les préjugés et leurs prises de conscience solidaires auront décidé de lever le voile sur leur véritable profil. A la question inhérente soulevée dans le film : Qui pensez vous être ? Je vous laisse la réponse de l'"intello" du club ! Cher Mr Vernon, nous avons entièrement mérités d'être collés tout un samedi. Mais à quoi bon écrire une dissert sur la façon dont nous nous voyons ? Vous nous avez déjà catalogués selon les termes et les définitions qui vous arrangent le plus. Le fait est que nous avons tous en nous un intello, un athlète, une folle, une princesse et un criminel. Cela répond-il à votre question ? Bien à vous, le club des lève-tôt.

Une seule rencontre suffit pour changer la vie

Scandé d'une sensibilité prude émouvante, Breakfast Club transcende le portrait fragile de cinq adolescents inhibés d'une société arriviste. L'incommunicabilité, la démission parentale et cette morale élitiste repliant un peu plus ceux-ci dans le confinement. Car ce qui nous bouleverse ici émane du sentiment inéquitable d'une jeunesse déboussolée livrée à sa propre conscience lors d'une période immature de puberté. Avec modestie, John Hughes livre donc l'un des plus lucides constats sur la névrose adolescente. Transcender la peur de l'autre par l'amitié et la cohésion fraternelle afin de pouvoir s'émanciper. Car sous pivot psychanalytique de cinq gamins avides d'amour et de considération émane un portrait intimiste d'une bouleversante tendresse à travers leur initiation à la sagesse, à la connaissance et à l'estime de soi dans leur complexité identitaire. 

Folle journée de Ferris Bueller (la): http://brunomatei.blogspot.fr/…/la-folle-journee-de-ferris-…

26.09.12. 4èx
B.M

Le Ciel peut attendre (Heaven Can Wait). Golden Globe du Meilleur Film, 1978.

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site hollywood70.com

de Warren Beatty. 1978. U.S.A. 1h41. Avec Warren Beatty, James Mason, Julie Christie, Jack Warden, Charles Grodin, Dyan Cannon, Buck Henry, Vincent Gardenia, Joseph Maher, Hamilton Camp.

Sortie salles France: 13 Décembre 1978. U.S.A: 28 Juin 1978

FILMOGRAPHIE: Warren Beatty (Henry Warren Beatty) est un acteur, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 30 Mars 1937 à Richmond, Virginie. 1978: Le Ciel peut attendre. 1981: Reds. 1990: Dick Tracy. 1998: Bullworth. 

Remake du Défunt Récalcitrant réalisé en 1941 et adapté d'une pièce de Harry Segall, le Ciel peut attendre est la première réalisation de l'acteur bellâtre Warren Beatty. Une comédie surprenante de par son ton sarcastique et l'aisance à laquelle l'acteur/réalisateur s'y emploie pour nous esbaudir à l'aide d'un pitch désopilant. Ainsi, en dépit d'un montage un peu désordonné, l'histoire ludique du Ciel peut attendre traite de la vie après la mort lorsque Joe Pendleton, joueur de football américain, est contraint de rejoindre par erreur le paradis à la suite d'un accident de circulation. Avec l'approbation d'un guide spirituel, Joe peut rester sur terre quelques temps pour prendre l'apparence d'un milliardaire fraîchement décédé mais pas encore découvert, Mr Farnsworth. Incompétent dans la nouvelle peau d'un nanti pour diriger ses finances, Joe/Mr Farnsworth commence à troubler son entourage auprès de son comportement erratique. Mais sa passion immodérée pour le football et l'arrivée de la charmante Betty Logan vont notamment chambouler les anciennes habitudes du milliardaire. Ce canevas particulièrement cocasse est un prétexte à déployer une multitude de quiproquos et situations improbables souvent irrésistibles. En guise d'exemple farfelu, Mme Farnsworth, épouse orgueilleuse et infidèle, entreprend depuis longtemps une liaison avec Tony Abbott. Ensemble, ils complotent une série de tentatives de meurtres maquillés en accident pour se débarrasser du mari gênant. Mais par malchance, leurs exactions meurtrières se soldent lamentablement par une déroute !

Alors que Mme farsworth est au bord de la crise de nerf, son amant essaie de relativiser la défaite pour pouvoir élaborer une prochaine manigance. Autre exemple échevelé, Joe Pendleton (Mr Farnsworth donc !) dirige en l'occurrence sa hiérarchie d'une manière si puérile et antinomique que son discours est énoncé à l'instar d'une véritable partie de football face à son assemblée décontenancée ! Même topo pour les majordomes de sa nouvelle demeure familiale, écoutant par le trou de la serrure les bavardages récurrents de Joe adressés à une personne invisible (le guide spirituel est uniquement perceptible aux yeux du réincarné !). Ces situations rocambolesques donnent souvent lieux à des fou-rires incontrôlés, d'autant plus que la complicité fringante des comédiens s'en donnent à coeur joie ! Tant auprès de Dyan Cannon absolument irrésistible dans la peau d'une épouse irascible que de l'impayable Charles Grodin en amant flegme aussi sournois dans ses démarches machiavéliques. En prime d'autres seconds rôles aussi attractifs et attachants, Warren Beatty détonne à endosser le rôle désinhibé d'un défunt récalcitrant dont la verve et l'abattage font toujours illusion. Enfin, la charmante Julie Christie s'alloue d'un rôle romantique pour s'acheminer vers l'idylle après avoir découvert le nouveau visage du milliardaire subitement altruiste ! Pour ce faire, l'épilogue attendrissant ne manque pas de poésie en nous affectant sans mièvrerie pour ces nouvelles retrouvailles escomptées.

Hormis sa facture obsolète et sa mise en scène parfois elliptique, le Ciel peut attendre demeure une vraie comédie débridée plutôt espiègle si bien que la plupart des gags restent en l'occurrence bougrement hilarants. Sa ferveur décapante émanant des comédiens décomplexés renforçant la fantaisie expansive de cette comédie fantastique occasionnant notamment un regard fructueux sur le thème de la réincarnation, une réflexion existentielle sur notre identité (intimement liée à notre enveloppe corporelle) et notre instinct à sillonner la voie du bien ou du mal.  

Récompenses: Golden Globe du Meilleur Film, 1978

Oscar de la Meilleure Direction Artistique, 1978
Saturn Award du Meilleur Film Fantastique, 1979

Remerciement à l'Univers Fantastique de la Science-Fiction
25.09.12

Bruno Matéï

Le Cimetière des Morts-Vivants / 5 tombe per un medium

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Horreur.net

de Massimo Pupillo. 1965. 1h26. Italie. Avec Walter Brandi, Mirella Maravidi, Barbara Steele, Alfredo Rizzo, Riccardo Garrone, Luciano Pigozzi, Tilde Till, Ennio Balbo, Steve Robinson, René Wolf.

FILMOGRAPHIE: Massimo Pupillo est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 7 Janvier 1929 à San Severo. 1961: Teddy, l'orsacchiotto vagabondo (doc). 1965: 5 Tombes pour un médium (le cimetière des morts-vivants). 1965: Vierges pour le bourreau. 1965: La Vendetta di Lady Morgan. 1968: Django le taciturne. 1970: Giovane Italia, Giovane Europa - Marternick (télé-film). 1970: L'Amore, questo Sconosciuto. 1980: Sajana, l'audace impresa

1965 est l'année charnière où Massimo Pupillo a enchaîné coup sur coup Vierges pour le Bourreau et l'œuvre qui nous intéresse aujourd'hui : Le Cimetière des morts-vivants. En version originale : 5 Tombes pour un médium, un titre beaucoup plus cohérent et original. Relativement peu connue du public et occultée depuis des décennies, cette série B fleure bon le gothisme transalpin de par son décor de château hanté et son atmosphère mystérieuse entretenue avec une régularité métronomique. Ainsi, parmi ses atouts figurent son esthétisme monochrome et l'icône magnétique Barbara Steele ; Le Cimetière des morts-vivants ressemble à s'y méprendre à un vieil ouvrage que l'on aime feuilleter au gré d'un récit suspicieux.

Le pitch : Après avoir reçu une lettre de Jeronimus Hauff, Albert Kovac, adjoint d'un notaire, se rend dans son château pour une affaire de succession. Sur place, il rencontre la fille et la femme de ce riche propriétaire adepte d'expériences occultes. Or, Jeronimus Hauff est décédé de manière accidentelle il y a déjà un an. L'atmosphère particulièrement tendue qui règne dans la demeure inquiète Albert Kovac, notamment lorsqu'il apprend que le domaine familial fut autrefois un lazaret destiné à accueillir les lépreux lors de la peste de 1400.

Mystère diffus et suspense sous-jacent sont les ingrédients majeurs de cette modeste production afin de mettre en valeur une horreur sobre au sein d'un noir et blanc délectable. Et ce, en dépit du point d'orgue haletant illustrant de manière explicite les états pestiférés des victimes de la peste (zoom sur les plaies vitriolées) par l'entremise de maquillages rudimentaires mais étonnamment réussis. Par conséquent, cette intrigue criminelle efficacement conjuguée au fantastique occulte demeure suffisamment adroite et structurée pour laisser planer le doute et les manigances autour des principaux témoins. De par le caractère sournois des protagonistes équivoques, la quête de vérité d'Albert Kovac se décline en une énigme délétère émaillée de morts terrifiantes et d'indices intrigants (l'eau se raréfiant sans raison, par exemple), et ce sous l'emprise diabolique d'esprits frappeurs. À titre d'originalité, un élément naturel purificateur y jouera un rôle primordial afin de contrecarrer les forces du mal.

Parmi la présence mystique de l'obscur Jeronimus, certains spectateurs établiront peut-être la comparaison avec le personnage de Robert Miles (Patrick Magee), vu dans le fort sympathique Chat noir de Lucio Fulci, pour ses pratiques occultes perpétrées dans un cimetière diaphane. On peut aussi évoquer le personnage d'Ash (Bruce Campbell), rendu célèbre dans Evil Dead, lorsque Albert découvre les travaux ésotériques de Jeronimus par le truchement d'un phonographe. On retrouve d'ailleurs un peu ce même sentiment d'insécurité et cette atmosphère macabre savamment distillée au sein d'un manoir où certaines armoires regorgent de crânes humains ainsi que d'une rangée de mains vérolées.

Porté par sa réalisation soignée, ses acteurs convaincants communément attachants et un scénario plutôt captivant, Le Cimetière des morts-vivants demeure une excellente surprise suffisamment efficace pour entretenir l'attention grâce à son suspense larvé. Son atmosphère palpable, la présence secondaire de la dark queen Barbara Steele, tout comme sa comptine mélancolique innocemment fredonnée, renforcent notre fascination pour ce gothisme à l'onirisme macabre symptomatique du cinéma italien.

— Celui du cœur noir des images 🖤

Remerciement à Artus Films ^^
10.06.26. VF

24.09.12