DALLAS BUYERS CLUB

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de Jean-Marc Vallée. 2013. U.S.A. 1h57. Avec Matthew McConaughey, Jared Leto, Jennifer Garner, Denis O'Hare, Steve Zahn, Michael O'Neill, Kevin Rankin.

Sortie salles France: 29 Janvier 2014. U.S: 1er Novembre 2013

FILMOGRAPHIE: Jean-Marc Vallée est un réalisateur et scénariste américain, né le 9 Mars 1963 au Québec.
1992: Stéréotypes. 1995: Les Fleurs Magiques. 1995: Liste Noire. 1997: Los Locos. 1998: Les Mots Magiques. 1999: Loser Love. 2005: C.R.A.Z.Y. 2009: Victoria: les jeunes années d'une reine. 2011: Café de Flore. 2013: The Dallas Buyers Club.

Témoignage de survie contre le Sida, Dallas Buyers Club puise sa densité dans l'intérêt de sa narration fustigeant les compagnies pharmaceutiques ricaines. L'action se situe à Dallas en 1986. Ron Woodroof est un joueur de rodéo homophobe très porté sur le sexe et la drogue. Un jour, il apprend qu'il est déclaré séropositif, quand bien même le médecin lui avoue qu'il lui reste 30 jours à vivre. Refusant de se faire soigner à l'AZT, il décide de se lancer dans la contrebande médicamenteuse afin de prolonger son existence face à des produits beaucoup plus fiables.

De manière dépouillée et sans effet de pathos, Jean-Marc Vallée nous livre un drame poignant sur la condition du malade tout en sublimant le portrait d'un homophobe en rédemption. Servi par deux acteurs hors-pair, le film doit beaucoup de son intensité par la complicité qu'ils entretiennent à l'écran. Jared Leto incarnant un jeune homosexuel fragile et extravagant dans sa posture efféminée, alors que Matthew McConaughey endosse celui d'un cow-boy incontinent mais fugace dans son désir de bafouer les réglementations de son pays. Presque méconnaissables dans une posture famélique, les comédiens se livrent à coeur ouvert dans leur combat acharné de daigner repousser la fatalité de la mort en retardant le plus loin possible sa probation. Ce qui donne parfois lieu à des moments d'émotion bouleversante quand l'un d'eux doit se préparer à accepter sa défaite. Cet instant de vérité où l'on se refuse à admettre l'inéluctable, le réalisateur le retransmet avec la dimension du jeu d'acteur où la notion d'injustice est exprimée par l'affliction du désespoir.
Le réalisateur nous fait donc partager leur amitié à travers la cohésion professionnelle dans leur projet émis au "Dallas buyers club". Un centre officieux permettant d'accueillir les malades porteurs du VIH et de les soigner avec une médicamentation illégale mais beaucoup plus fructueuse que celle instaurée dans les hôpitaux. Avec empathie humaine, le réalisateur met en évidence le parcours évolutif de Ron Woodroof, personnage gueulard plutôt rustre mais contraint de cohabiter avec un gay lui permettant ainsi d'éprouver regain de tolérance. Grâce aux produits de substitution, leur parcours drastique à souhaiter prolonger leur vie et celle des malades permet de pointer du doigts l'inefficacité des administrations américaines à négliger sur leur sol des médicaments étrangers beaucoup plus compétents pour le traitement du patient.

Dominé par l'interprétation viscérale de deux acteurs méconnaissables, Dallas Buyers Club tire parti de leur présence humaine avec une vérité aussi poignante que bouleversante. Leur sombre destin s'érige en témoignage humble pour la survie de millions de malades et stigmatise avec lucidité l'hypocrisie de la déontologie médicale. C'était au milieu des années 80, en pleine ascension de l'homophobie et du SIDA, et Ronald Woodroof y laissera son empreinte le 12 Septembre 1992 !

Bruno Matéï

Récompenses: Prix du Public et Prix du meilleur acteur pour Matthew McConaughey au Festival international de Rome 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Loto, Alliance of women film journalists awards 2013.

Meilleur acteur pour Jared Leto, African-American Film Critics Association Awards 2013
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Alliance of Women film journalists Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Austin Film Critics Association Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Black Film Critics Circle Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Boston Online Film Critics Association Awards 2103. 

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Chicago Film Critics Association Awards 2013.
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Dallas-Fort Woth Film Critics Association Awards 2013.
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Detroit Film Critics Society Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Florida Film Critics Circle Awards 2013

Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, Gotham Awards 2013
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto: Houston Film Critics Society Awards 2013.

Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Las Vegas Film Critics Society Awards 2013.
Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Nevada Film Critics Society Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, New-York Film Critics Circle Awards 2013. 

Meilleur acteur pour Matthew McConaughey, meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Phoenix Film Critics Society Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, San Diego Film Critics Society Awards 2013.
Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Southeastern Film Critics Association Awards 2013. 

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, St-Louis Film Critics Association Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Toronto Film Critics Association Awards 2013.

Meilleur acteur dans un second rôle pour Jared Leto, Washington D.C Area Film Critics Association Awards 2013

Desert Palm Achievement Award pour Matthew McConaughey (ex-æquo avec Sandra Bullock), Festival international du film de Palm Springs 2014.

Meilleur Acteur pour Matthew McConaughey, Meilleur acteur de second rôle pour Jared Leto au Critics'Choice Movie Awards 2014.
Meilleur Acteur pour Matthew McConaughey, Meilleur acteur de second rôle pour Jared Leto au Golden Globes 2014.
Meilleur Acteur pour Matthew McConaughey, Meilleur Acteur de second rôle pour Jared Leto au Screen Actors Guild Awards 2014

Le Guerrier de l'Espace / Spacehunter adventures in a forbidden zone.

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de Lamont Johnson. 1983. U.S.A. 1h30. Avec Peter Strauss, Molly Ringwald, Ernie Hudson, Michael Ironside, Andrea Marcovici, Beeson Carroll, Grant Hallianak, Deborah Pratt.

Sortie salles France: 7 Septembre 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lamont Johnson est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 30 Septembre 1922 à Stockton (Californie), décédé le 25 Octobre 2010 à Monterey (Californie). 1967: A Covenant with Death. 1969: Haute tension dans la ville. 1970: L'Evasion du capitaine Schlütter. 1971: Dialogue de feu. 1972: Requiem pour un espion. 1976: Viol et Châtiment. 1978: Qui a tué mon cher mari ? 1983: Le Guerrier de l'espace. 1993: La Chaîne brisée. 1996: The man next door (télé-film). 1997: Le loup et le raven (télé-film) .

"Pour sauver trois jeunes femmes prisonnières dans une zone interdite de la galaxie... Un aventurier et une rebelle de l'espace affrontent une planète dont personne n'est jamais revenu !"

 

"Sous le ciel rougi de Terra 11 : errance et tendresse dans Le Guerrier de l’Espace".

Sorti en pleine vague post-nuke inaugurée par Mad Max, Le Guerrier de l’Espace mêle space opera et western futuriste avec une fougue bonnard. Car si le postulat reste minimaliste — un guerrier solitaire tente de sauver trois jeunes femmes des griffes du dictateur Overdog — l’intérêt réside surtout dans les personnages que croise notre héros au fil du périple. Embarrassé par une adolescente impertinente, Wolff se voit contraint de s’allier à cette inconnue avant que son vieil ami Washington ne vienne les rejoindre. Le sel du film tient alors à leur rapport conflictuel, où les chamailleries abondent, toujours teintées d’une tendresse qui s’affirme.

Molly Ringwald, au-delà d’un physique gentiment agréable, transmet avec spontanéité et fragilité cette bohémienne entêtée, brute de décoffrage, dénuée d’éducation. Dans le rôle du chasseur solitaire, Peter Strauss détonne : héros faussement bourru, il se révèle humble, prêt à tendre la main à ses compagnons. Parfois un peu en retrait dans ses élans héroïques, l’acteur fait oublier son statut de star de série TV (Le Riche et le Pauvre) par une décontraction assumée.

Défavorisé par un budget modeste, Lamont Johnson réussit pourtant à dépeindre un univers post-apo photogénique, confiné à ce désert rocailleux de Terra 11. Pour renforcer son étrangeté, le réalisateur charge l’atmosphère d’un filtre rouge et ocre, solaire et dépourvu d’urbanisation. Par ses péripéties gentiment trépidantes et ses dialogues cocasses, il s’appuie à nouveau sur ses personnages — cette fois antagonistes — pour relancer l’intrigue et amuser : nécrophages, monstres gloutons, tribu d’enfants-mutants, amazones, vautours du Suprême planant dans le ciel…

Côté mécanique, la gamme d’engins motorisés — dont un navire scellé sur rail — et le repaire interdit évoquent inévitablement la scénographie barbare de Georges Miller et ses ersatz transalpins, tous fidèles au filon post-apo. Si cet univers bricolé prête aujourd’hui à sourire, il conserve une crédibilité bariolée et rouillée, même si certains maquillages délirants (Overdog et ses pinces métalliques robotisées en tête) semblent tout droit sortis d’une BD de science-fiction.

"L’écho dessiné du désert futuriste : poésie brute d’un post-nuke oublié".

Porté par un score orchestral épique et la bonhomie de ses héros, Le Guerrier de l’Espace s’appuie sur la simplicité d’une aventure éculée et l’aridité futuriste pour divertir sans prétention. Il dégage un charme innocent délectable, une formidable série B rétro que la génération 80 retrouvera avec une douce pointe de nostalgie.

*Bruno

15.11.11
31.01.14. 

19.11.20. 5èx

Le Projet Blair Witch / The Blair Witch Project. Prix de la Meilleure 1ère oeuvre.

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de Daniel Myrick et Eduardo Sanchez. 1999. U.S.A. 1h21. Avec Heather Donahue, Joshua Leonard, Michael C. Williams, Bob Griffith, Ed Swanson.

Sortie salles France: 28 Juillet 1999. U.S: 30 Juillet 1999

FILMOGRAPHIE: Daniel Myrick, né le 30 Novembre 1962 à Sarasota, Floride (Etats-Unis), est un réalisateur, scénariste, monteur, directeur de la photographie et producteur américain.
1999: Le Projet Blair Witch. 1999: Curse of the Blair Witch (Doc). 2004: The Strand. 2007: Believers. 2009: Ultimate Patrol.
Eduardo Sanchez est un réalisateur, scénariste et producteur américain d'origine cubaine, né le 20 Décembre 1968. 1999: Le Projet Blair Witch. 1999: Sticks and Stones: Investigating the Blair Witch (vidéo). 1999: Curse of the Blair Witch (Doc). 2006: Altered. 2008: Seventh Moon. 2009: ParaAbnormal. 2011: Lovely Molly. 2013: V/H/S 2 (segment: A ride in the Park). 2013: Four Corners of Fear. 2014: Exists.

Succès planétaire vanté plus tôt par internet si bien que les réalisateurs ont eu l'habileté de répandre une fausse rumeur afin de nous faire croire qu'il s'agissait d'un vrai documentaire auquel les comédiens disparurent réellement (idée juteuse inspirée par la combine de Deodato avec Cannibal Holocaust !), Le Projet Blair Witch reprend le concept du documenteur (prénommé depuis Found Footage) avec une efficacité littéralement éprouvante. Car à partir d'un pitch simpliste bâti sur la légende urbaine d'une sorcière, les réalisateurs Daniel Myrick et Eduardo Sanchez renouvellent la flippe sur pellicule grâce au procédé réaliste de la caméra portée à l'épaule. Et si d'autres cinéastes empruntèrent déjà avec succès cette méthode d'immersion au plus près du reportage (Punishment Park, C'est arrivé près de chez vous et l'inévitable Cannibal Holocaust), nos deux compères se sont ici surpassés pour provoquer une authentique frousse avec leur budget dérisoire avoisinant 75 000 dollars. Outre la véracité du jeu (improvisé) des comédiens toujours plus en état de marasme, l'impact du Projet Blair Witch émane de sa scénographie forestière, environnement opaque de tous les dangers les plus insinueux. 

La manière suggérée dont les réalisateurs s'y entreprennent pour insuffler un climat anxiogène découle notamment de l'attitude désemparée des protagonistes transpirant sur notre conscience aussi contrariée que démunie. Trois jeunes campeurs sans ressource, épuisés par la fatigue,  la faim, la survie, se retrouvent peu à peu désorientés car piégés au coeur d'une forêt tentaculaire lourde de secrets. Essentiel antagoniste du récit à l'aura inhospitalière hyper malaisante. Filmé en mode Vhs, la texture granuleuse, tantôt monochrome tantôt sépia de l'image doivent beaucoup à l'effet d'immersion procuré que le spectateur redoute avec une inquiétude toujours plus lourde. Car en jouant sur le mythe, la peur du noir et les bruits à la fois insécures et suspicieux, à l'instar de chuchotements d'enfants ou d'un hurlement lointain, mais en jonglant aussi sur les symboles du vaudou, Le Projet Blair Witch table sur l'autosuggestion afin d'exacerber un sentiment de paranoïa oh combien destabilisant sur nos protagonistes en perte totale de repères. Au malaise diffus subtilement répandu, le spectateur semble donc, comme ces protagonistes dépressifs, aussi impliqué dans l'incompréhension en redoutant la prochaine vision nocturne avec fascination apeurée ! Quand bien même le fameux point de rencontre établi dans les pièces d'une maison insalubre, méandre délabré de l'inconnu, atteindra son apogée d'une terreur aussi sourde (ou presque) que sournoise ! Moment de pure terreur aussi anthgologique que n'importe quelle séquence démoralisante de l'Exorciste de Friedkin. 

Avec une incroyable efficacité de suggestion et la persuasion viscérale des comédiens expressifs, Le Projet Blair Witch fascine, captive, éprouve, dérange au possible avec une anxiété dépressive toujours plus redoutée. Si bien que rarement au cinéma une forêt feutrée n'aura été rendue aussi photogénique, délétère, licencieuse, redoutablement mesquine. Pour preuve, si vous en avez le courage, tentez d'aller faire un tour dans le fourré de votre région sitôt le générique écoulé.

BM
19.03.25. 5èx

Récompenses: Prix de la Jeunesse en 1999
Prix de la meilleure première œuvre ayant un budget inférieur à 500 000 dollars, lors des Film Independent's Spirit Awards 2000.

I KNOW WHO KILLED ME

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de Chris Sivertson. 2007. U.S.A. 1h47. Avec Lindsay Lohan, Julia Ormond, Neal McDonough, Brian Geraghty, Garcelle Beauvais, Spencer Garrett, Gregory Itzin.

Sortie salles U.S: 27 Juillet 2007

FILMOGRAPHIE: Chris Sivertson est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
2001: All Cheerleaders Die (co-réalisateur). 2006: The Lost. 2006: The Best of Robbers. 2007: I know who killed me. 2011: Brawler. 2013: All Cheerleaders Die.

Conspué aux Razzie Awards au point de repartir avec 8 (pires) récompenses, I Know who killed me est loin d'être la daube que tout le monde s'est empressé de décrier. Le problème majeur avec cette série B attachante provient de son scénario aussi déstructuré qu'inabouti où nombres d'incohérences et questions sans réponses fusent. Après avoir été horriblement mutilée, Aubrey réussit in extremis à réchapper à son ravisseur. Recueillie dans un hôpital, elle se réveille avec la certitude de se prénommer Dakota. Persuadée d'avoir une soeur jumelle, elle décide de mener sa propre enquête afin de la retrouver et appréhender le tueur.

Si le début du film présage un slasher moderne façon tortur'porn, la suite s'oriente plutôt du côté du giallo avec son tueur fétichiste particulièrement inquiétant, d'autant plus pourvu d'une arme blanche singulière. Quand bien même l'élément le plus qualitatif concerne sa mise en scène stylisée particulièrement raffinée, renforcée d'une photographie flamboyante. Et à ce niveau, on sent que le réalisateur s'est appliqué à fignoler un esthétisme baroque où la fantasmagorie occupe une place de choix. En brassant les thèmes du double et de la gémellité, Chris Sivertson sème doute et confusion à travers les dérives hallucinogènes d'une héroïne en perte identitaire ! Egarée dans les eaux troubles de la schizophrénie, ou lucide d'avoir été piégée par une machination, sa quête de vérité est un cheminement tortueux où rêve et réalité se confondent afin de mieux nous confiner dans son dédale mental. Sans user de violence complaisante (même si 2/3 séquences graphiques s'avèrent corsées), Chris Sivertson privilégie plutôt le suspense latent auquel la dernière demi-heure va accroître son degré d'intensité. En prime, son climat irréel baignant parfois dans une poésie morbide héritée de Bava (le cercueil de verre et les pétales de rose bleue) séduit autant qu'il trouble par son aspect hermétique ! Si l'interprétation reste modestement appréciable, Lindsay Lohan réussit à s'y détacher en faisant preuve de plus d'implication pour incarner un double rôle en demi-teinte (l'étudiante docile vs la prostituée torturée).

Trop confus et inachevé pour emporter l'adhésion, I know who killed me ne manque toutefois pas de charme dans ses qualités formelles, dans l'entretien de son climat mystérieux et baroque afin de se différencier de la série B canonique. Quand à l'issue de l'intrigue, chacun pourra l'interpréter à sa propre manière, soit en se triturant les méninges, ou, à contrario, en acceptant sa trivialité. 

Bruno Matéï

AMERICAN BLUFF (American Hustle). Meilleur Film, Golden Globes 2014

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de David O' Russel. 2013. U.S.A. 2h18. Avec Christian Bale, Bradley Cooper, Amy Adams, Jeremy Renner, Jennifer Lauwrence, Robert De Niro, Louis C. K., Alessandro Nivola.

Sortie salles France: 5 Février 2014. U.S: 18 Décembre 2013

FILMOGRAPHIE: David Owen Russel est un scénariste, producteur, acteur et réalisateur américain, né le 20 Août 1958 à New-York.
1994: Spanking the Monkey. 1996: Flirter avec les embrouilles. 1999: Les Rois du Désert. 2004: J'adore Huckabees. 2010: Fighter. 2012: Hapiness Therapy. 2013: American Bluff

Dans la lignée de l'Arnaque de Georges Roy Hill et de Casino de Scorcese, American Bluff s'institue en fresque flamboyante pour disséquer les rouages d'une entreprise bâtie sur le mensonge et la manipulation. En 1978, un couple d'escrocs est contraint de négocier avec le FBI afin de faire tomber des politiciens véreux en relation avec la mafia. A partir de ce postulat basé sur des faits réels, David O' Russel réalise un film ambitieux traversé de fulgurances dans sa peinture caustique du rêve américain. Avec la participation exceptionnelle d'illustres stars issues de nouvelle génération et de l'apparition surprise de De Niro (sa confrontation laconique avec le Sheikh fondée sur le jeu de regard s'avère époustouflante d'intimidation !), American Bluff nous donne le vertige dans leur vaudeville improvisé au rythme d'une BO disco !

Avec une sidérante maîtrise technique et refus de la convention (notamment celui d'écarter toute forme de sexe et de violence !), David O' Russel transcende la forme d'une reconstitution des années 70, à l'instar de la tenue vestimentaire de chacun des protagonistes presque méconnaissables (mention spéciale pour notre caméléon Christian Bale, rendu ici bedonnant et apathique !). En ce qui concerne le fond, il dessine scrupuleusement l'étude psychologique de nos protagonistes avec un sens de loufoquerie inopiné, à tel point qu'à certaines situations, on se demande s'il faut en rire ou s'en inquiéter ! Jusqu'au point d'éprouver une certaine compassion dans certains revirements tragi-comiques (l'altercation dans les toilettes entre Sydney et Rosalyn SPOILER !!! et la trahison d'Irving avoué au maire devant le désarroi de sa famille ! FIN DU SPOILER). Alternant continuellement suspense et tension autour de l'implication des protagonistes mêlée aux enjeux de conspiration, American Bluff titille nos nerfs dans un surprenant panel d'émotions contradictoires où l'étude comportementale est assujettie à la manipulation et la trahison. Afin de corser l'intrigue, le réalisateur structure notamment une romance équivoque que nos compères vont se disputer sans jamais verser dans l'affrontement physique. Alors que Irving est épris d'un amour sincère pour Sydney, cette dernière va tenter de compromettre l'agent du FBI afin de prémunir ses propres intérêts. Une manière ostensible de tester aussi la fiabilité amoureuse de son amant ! Mais éprouve t'elle réellement des sentiments pour l'un et/ou pour l'autre, et qui emportera la mise ? Au même moment, Irving, déjà père d'un jeune garçon, est contraint de supporter la jalousie volcanique de sa jeune épouse Rosalyn. Avec l'intervention de cette femme désinvolte qui ne sait tenir sa langue dans sa poche et qui ose braver les interdits, les stratégies antécédemment négociées vont voler en éclat ! SPOILER !!! Même le spectateur, témoin attentif de tant de subterfuges et supercheries, finit lui même par se laisser berner par l'un des témoins clef ! FIN DU SPOILER

Sublimant la caricature d'escrocs redoutablement perspicaces et entretenant l'ambivalence dans les rapports conjugaux avec deux femmes pugnaces, American Bluff invoque la satire policière en bousculant nos habitudes de spectateur ! Sur ce point, David O'Russel ébranle nos émotions dans un climat fluctuant (voir parfois détraqué !) et par l'astuce d'un scénario toujours plus aléatoire ! Outre sa virtuosité technique scrupuleusement déployée, sa sensualité érotisée (les femmes ont un magnétisme ensorcelant !) et son sens oppressant de la répartie verbale, American Bluff est également un numéro d'acteurs au diapason, transcendant au passage la cause féministe ! Une confrontation impitoyable où ruse et intelligence restent les moteurs essentiels pour s'approprier le pouvoir ! 

Bruno Matéï

La critique de Gilles Rolland : http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-american-bluff

Récompenses attribuées: 
Golden Globes 2014: Meilleur film, Meilleure Actrice: Amy Adams, Meilleure Actrice de Second Rôle pour Jennifer Lawrence.
Alliance of women film journalists Awards 2013: Meilleure Distribution

American Film Institute Awards 2013: Top 10 des meilleurs films de l'année. 

Black Film Critics Circle Awards 2013: Meilleur Scénario pour Eric Warren Singer et David O. Russell. 

Detroit Film Critics Society Awards 2013: Meilleure Distribution

Indiana Film Journalists Association Awards 2013: Meilleure Actrice de second rôle, Jennifer Lawence. 

Nevada Film Critics Society Awards 2013: Meilleure Actrice de second rôle pour Jennifer Lawrence. 

New-York Film Critics Circle Awards 2013: Meilleur Film, Meilleure Actrice de second rôle, Jennifer Lawrence, Meilleur Scénario pour Eric Singer et David O'Russell.
New-York Film Critics Online Awards 2013: Meilleure Distribution

Phoenix Film Critics Society Awards 2013: Meilleure Distribution, Meilleurs Costumes.
San Diego Film Critics Society Awards 2013: Meilleure Distribution

San francisco Film Critics Circle Awards 2013: meilleur scénario original pour Eric Warren Singer et David O. Russell, meilleure actrice dans un second rôle pour Jennifer Lawrence
Southeastern Film Critics Association Awards 2013: meilleur scénario original pour Eric Warren Singer et David O. Russell, meilleure distribution

Toronto Film Critics Association Awards 2013: meilleure actrice dans un second rôle pour Jennifer Lawrence

Festival International du film de Palm Springs 2014: Ensemble Cast Award
AACTA International Awards 2014: Meilleure actrice dans un second rôle pour Jennifer Lawrence
Meilleur scénario original pour Eric Warren Singer et David O. Russell

Central Ohio Film Critics Association Awards 2014: meilleure actrice dans un second rôle pour Jennifer Lawrence et Meilleure distribution
Critics Choice Movie Awards 2014: Meilleure Distribution, Meilleur Maquillage, Meilleure Comédie, Meilleure Actrice pour Amy Adams
National Society of Film Critics Awards 2014: Meilleure Actrice de second rôle pour Jennifer Lawrence. 

Screen, Actors Guild Awards 2014: Meilleure Distribution

MATCH RETOUR (Grudge Match)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

de Peter Segal. 2013. U.S.A. Avec Sylvester Stallone, Robert De Niro, Kevin Hart, Alan Arkin, Kiml Basinger, Jon Bernthal, Paul Ben-Victor.

Sortie salles France: 22 Janvier 2014. U.S: 25 Décembre 2013

FILMOGRAPHIE: Peter Segal est un réalisateur, scénariste et producteur américain né en 1962

1994: Y'a t-il un flic pour sauver Hollywood ? 1995: Le courage d'un con. 1996: Président, vous avez dit président ? 2000: La Famille Foldingue. 2003: Self control. 2004: Amour et amnésie. 2005: Mi-temps au mitard. 2008: Max la menace. 2013: Match retour. 

Match Retour, ou le retour improbable de Stallone dans l'un de ses rôles qu'il affectionne tant au point de lui avoir valu sa renommée. Comment renouer avec le film de boxe en épargnant le ridicule quand deux champions sclérosés décident de s'affronter une ultime fois pour le dernier round de la revanche ? En réunissant à l'écran Sylvester Stallone et Robert De Niro, Peter Segal compte sur la confrontation de ces monstres sacrés afin de relancer l'intérêt d'une histoire que l'on connait par coeur. En prime, contempler sur l'écran deux boxeurs en déclin se combattre une dernière fois pour l'honneur a finalement quelque chose d'émouvant que le réalisateur ne va pas manquer de mettre en exergue vers l'issue de leur duel. A travers courage et constance mais aussi un dernier acte solidaire d'empathie et de considération jamais entrevu dans l'univers de la boxe, Match Retour laisse exprimer une émotion proprement bouleversante afin d'afficher le caractère noble de la vieillesse. Si le film comporte nombre de clichés et de bons sentiments (les retrouvailles en demi-teinte de Billy avec un fils qu'il n'a pas connu, l'ex compagne en rémission prête à reconquérir l'amour de sa vie), Match Retour réussit à faire passer la pilule grâce à la légèreté d'un humour trépidant ! Sans jamais se prendre au sérieux, Match Retour n'a donc comme unique optique de concevoir un simple divertissement bâti sur la drôlerie des situations et des joutes verbales. Qui plus est, avec un respect pour ses personnages attachants et sa scénographie rétro d'une époque révolue, le film entretient l'inévitable sympathie. 

En boxeur solitaire rattrapé par son ancien allié et son idylle de jeunesse, Sylvester Stallone invoque sa traditionnelle simplicité humaine hérité de Rocky sans vouloir dupliquer son personnage légendaire. Pas d'hommage au rêve américain ni de sens des valeurs donc si ce n'est celui d'estimer le cap de la vieillesse avec humilité. Ayant déjà oeuvré dans Raging Bull, Robert De Niro reprend les gants avec une fougue éloquente (limite parodique parfois, à l'instar de sa représentation d'humoriste lors d'un spectacle de cabaret) afin d'endosser un boxeur bourru habité par la revanche. Incroyablement séduisante du haut de ses 60 printemps, Kim Basinger interprète l'ex fiancée de Razor avec une émotion attendrie afin de renouer les retrouvailles. Si l'actrice ne semble pas toujours pleinement investie dans l'intensité de ses sentiments, elle réussit tout de même à dégager un charme vibrant dont les nostalgiques ne manqueront pas de s'émouvoir (elle fut l'une des grandes stars des années 80 !). En vieil entraîneur plein de sarcasme, Alan Arkin s'avère l'un des personnages les plus irrésistibles dans ses espiègleries impayables ! Il est secondé par Kavin Hart, assurant une verve presque aussi hilarante dans celui du mentor volubile obnubilé par l'argent. 

On s'attendait sans doute au match de trop avec cet ersatz de Rocky mais grâce au duo improbable constitué par Stallone/De Niro, à la bonhomie charismatique des seconds-rôles et surtout à l'humour qui enveloppe tout le récit, Match Retour sort miraculeusement de la redite et laisse en mémoire une récréation attractive pleine d'entrain et d'émotion ! 

Bruno Matéï

LA CASA DEL FIN DE LOS TIEMPOS

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site eventosvenezuela.com

de Alejandro Hidalgo. 2013. Venezuela. 1h36. Avec Rosmel Bustamante, Adriana Calzadilla, Gonzalo Cubero, Alexander Da Silva, Guillermo Garcia.

Sortie salles Venezuela: 21 Juin 2013

FILMOGRAPHIE: Alejandro Hidalgo est un réalisateur, scénariste et producteur vénézuélien.
2013: La Casa del fin de Los Tiempos

Accusée de l'assassinat de son mari et de la disparition de son fils, Dulce est condamnée à la prison. Libérée trente ans plus tard, elle décide de retourner dans son ancienne demeure afin de percer le mystère autour de l'enlèvement de son fils. 

Première réalisation du vénézuélien Alejandro Hidalgo, La Casa del fin de Los Tiempos est une obscure curiosité reprenant le concept de la maison hantée avec une originalité peu commune. En dépit de sa facture télévisuelle, le film réussit à accroître son intérêt grâce au soin accordé à son ambiance diaphane et surtout à la densité d'une narration redoutablement affûtée. A condition de ne pas perdre le fil de l'intrigue en cours de route et de rester concentré sur la complexité torturée des personnages, La Casa del fin de Los Tiempos aborde le thème spatio-temporel et celui de la spiritualité dans un postulat d'épouvante où des spectres farceurs n'auront de cesse de persécuter la famille Rodriguez. Mais il s'agit surtout d'un prétexte pour dépeindre l'histoire d'amour maternelle entre une mère et son fils, séparés du jour au lendemain par une obscure machination n'appartenant qu'à l'entité de la maison. La force du récit émane donc de cette psychologie meurtrie que cette veuve doit endurer depuis plus de 30 ans et sa seconde chance de renouer avec son passé tragique en bouleversant la destinée de ses proches. Alternant évènements du passé et du présent, Alejandro Hidalgo nous perd parfois dans un dédale cérébral mais démystifie la situation dans une dernière demi-heure vertigineuse en révélations. Si le film n'est jamais terrifiant dans ses tentatives escomptées, il réussit tout de même à distiller une certaine angoisse latente au sein d'une demeure décatie magnifiquement éclairée. Les décors baroques se prêtant harmonieusement à l'aspect gothique des pièces et divers objets de la maison, quand bien même certains endroits glauques rappelleront aux amateurs les galeries souterraines de l'Au-dela de Fulci. Enfin, le jeu de l'interprétation est notamment renforcé par l'humanisme prude de chacun des protagonistes, jusqu'aux rôles attribués aux enfants malmenés.

Inquiétant, original et hermétique, La Casa del fin de los tiempos pourra séduire les amateurs de curiosité atypique, tandis que d'autres reprocheront peut-être la complexité d'une intrigue tarabiscotée (trop) riche en rebondissements. Il s'agit en tous cas d'un cinéma noble dédié à l'atmosphère chère au fantastique où la sincérité du réalisateur ne peut être remise en cause. 

Bruno Matéï

BAD MILO !

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Jacob Vaughan. 2013. U.S.A. 1h25. Avec Peter Stormare, Ken Marino, Gillian Jacobs, Stephen Root, Patrick Warburton, Mary Kay Place.

FILMOGRAPHIE: Jacob Vaughan est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain.
2006: The Cassidy Kids. 2009: Krentz Presentz: Tyrannosaurus Rex ! 2013: Bad Milo

Dans la veine du cinéma underground de Frank Henenlotter, Bad Milo succède dignement au maître du mauvais goût dans son esprit décalé où humour sardonique et gore festif s'allient dans la bonne humeur. Le postulat de départ est à lui seul une énorme farce de potache lorsqu'un bureaucrate trop stressé finit par procréer une créature irascible par le trou de son anus ! Dès lors, si face à l'adversité Duncan est épris d'une contrariété ou d'une colère trop lourde à gérer, Milo sort de son rectum pour leur régler des comptes en les dévorant vivants ! Comédie horrifique menée sur un rythme sans faille car fertile en rebondissements et jeux de mots impayables (en épargnant son 1er quart d'heure inoffensif !), Bad Milo ne s'isole pas dans la catégorie Z tant l'habileté de sa mise en scène et le jeu des acteurs renforcent le caractère crédible d'un contexte si improbable.

En prime, l'utilisation judicieuse de sa partition orchestrale (on pense à Gremlins, Critters, voir aussi Elmer) permet d'accentuer sa tonalité mesquine où les gags fusent pour provoquer l'amusement. Qui plus est, sous ses dehors de bad-trip bête et méchant, Bad Milo bénéficie d'un scénario beaucoup plus substantiel qu'il n'y parait. Le film adoptant clairement une analyse psychanalytique (la répercussion de l'absence parentale) afin de disserter sur les effets néfastes du stress quotidien depuis que Duncan a coupé toute relation avec son père. En prime, une satire sociale est notamment allouée au monde de l'entreprise face à l'attitude égocentrique des bureaucrates misant sur leur autorité pour accéder au profit. Le dommage collatéral que subi donc Duncan par la faute de Milo (son moi intérieur) est donc une métaphore sur les effets pervers de la colère. Car cette créature engendrée par son système nerveux va finalement lui permettre de gérer ses angoisses afin d'élucider la fraternité amicale et familiale. En clair, pour vivre en harmonie et trouver l'équilibre de l'épanouissement, usons de notre honnêteté, de notre courage et surtout de notre esprit d'équipe afin de mieux déjouer nos démons.

Sarcastique, débridé et inventif, voir même épris d'une touche de tendresse, Bad Milo est l'étendard du Dtv aussi généreux que sincère dans sa démarche ludique débouchant sur une belle leçon d'éducation, de tolérance et de fraternité. Une belle surprise et un hommage affectueux aux séries B des années 80.

   

Clin d'oeil à Jérome Didierjean
Bruno Matéï

Charlie Countryman / The Necessary Death of Charlie Countryman

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Fredrik Bond. 2013. U.S.A. 1h48. Avec Shia LaBeouf, Mads Mikkelsen, Evan Rachel Wood, Rupert Grint, Til Schweiger, Vincent D'Onofrio, Vanessa Kirby, Melissa Leo

Sortie salles France: 7 Mai 2014. U.S: 21 Janvier 2013 (Festival de Sundance)

FILMOGRAPHIE: Fredrik Bond est un réalisateur américain.
2013: Charlie Countryman

Ovni indépendant sélectionné à Sundance, Charlie Countryman brosse le portrait d’un trentenaire esseulé, embarqué dans une aventure houleuse. Lourdement éprouvé par la mort de sa mère, Charlie décide de tout plaquer pour s’enfuir à Bucarest. À bord de l’avion, une rencontre fortuite avec un passager va bouleverser son destin - celui de tisser un lien amoureux avec Gaby, la fille du voyageur… quand bien même des tueurs implacables sont déjà lancés à leurs trousses.

Love story menée tambour battant, entre action brute, poésie surréaliste et humour caustique, Charlie Countryman a de quoi désarçonner le spectateur peu enclin à se laisser happer par une intrigue sommaire, où situations délirantes et rencontres absurdes sabotent les conventions. Mais derrière cette apparente légèreté, c’est une aventure humaine que Fredrik Bond nous livre avec un lyrisme viscéral : une réflexion spirituelle sur les déroutes du hasard, que Charlie tente de démystifier dans sa quête amoureuse.

Outre ses têtes d’affiche confirmées (Mads Mikkelsen, Evan Rachel Wood), le film doit énormément à la présence diaphane de Shia LaBeouf - sans doute son rôle le plus vibrant. L’acteur incarne, avec une sincérité désarmante, la peur de l’abandon et le vertige de l’échec. Car Charlie, endeuillé, vacille entre apathie et exaltation, déterminé à transcender ses failles pour toucher la lumière, fût-ce au prix de sa vie. Car ici, mourir par amour semble parfois plus logique que vivre sans.

Baignant dans un climat baroque, entre visions spirituelles et absurdité flottante, Charlie Countryman s’offre comme un rêve éveillé, où les comportements décalés renforcent la tonalité d’un monde au bord du réel. Des instants d’exaltation surgissent, poignants, lorsque les deux amants se laissent happer par le vertige du désir… jusqu’à ce que le spectre de Nigel, criminel dominateur, relance une cavale haletante au cœur d’une Bucarest fantasmatique.

Une vie moins ordinaire.
Conte métaphysique sur les souvenirs toxiques et la fragile étincelle de l’instant présent - là où le hasard n’a peut-être jamais eu sa place - Charlie Countryman déconcerte autant qu’il émeut, en célébrant la fougue de deux âmes perdues, ivres de rédemption. Au rythme d’une bande rock-électro et sous l’emprise de drogues synthétiques, le film enivre, bouscule, bouleverse… sans jamais chercher l’exceptionnel. Seulement l’humilité de l’amour.

Dédicace à Pascal Frezzato
Bruno Matéï 

THE TRUTH ABOUT EMMANUEL

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmzvf.com

de Francesca Gregorini. U.S.A. 2013. 1h36. Avec Kaya Scodelario, Jessica Biel, Alfred Molina, Frances O'Connor, Aneurin Barnard, Jimmi Simpson.

Sortie salles France: Prochainement. U.S: 10 Janvier 2014

FILMOGRAPHIE:  Francesca Gregorini est une réalisatrice, productrice et scénariste américaine, née le 7 Août 1968 à Rome. 

2009: Tanner Hall. 2013: The Truth about Emanuel

Drame psychologique alloué à l'affliction maternelle, The Truth about Emanuel joue la carte de l'intimité avec une pudeur trouble. Sa mise en scène autonome préférant se focaliser sur l'ambiance feutrée d'états d'âme en quête de rédemption. Emmanuel, jeune fille introvertie, ne parvient pas à accepter la mort de sa maman au moment de son accouchement. Un jour, elle fait la rencontre de Linda, une voisine solitaire vivant recluse parmi son nourrisson. Sauf qu'en l'occurrence, le bébé est un jouet de substitution afin de pallier la disparition brutale du vrai rejeton. Pour ne pas la perturber, Emmanuel accepte le jeu d'exercer des séances de baby sitting à son domicile. Au fil du temps et de leur confiance, les deux jeunes femmes finissent par entamer une liaison amicale, jusqu'au jour où la vérité est dévoilée au grand jour !

En cinéaste indépendante privilégiée par le Festival de Sundance, Francesca Gregorini élabore une oeuvre fragile toute en psychologie pour ausculter l'alliance amicale de deux femmes égarées dans les eaux troubles de leur névrose. Reposant sur les frêles épaules de Jessica Biel et surtout Kaya Scodelario, The truth about Emmanuel trouve la sobre mesure pour nous émouvoir avec une discrétion presque timorée et parmi l'entremise de plages de poésie en relation avec la nature (l'eau et les étoiles ont une signification spirituelle dans les songes oniriques d'Emmanuel !). En jouant sur l'exubérance finaude d'une jeune fille difficilement apprivoisable, Kaya Scodelario étoffe un joli portrait féminin où ses sentiment de désarroi et de culpabilité ne nous sont pas affichés en spectacle. Sa sensualité naturelle littéralement magnétique permettant en outre d'extérioriser un climat d'étrangeté lattent qui va planer durant tout son cheminement. En second plan, Jessica Biel insuffle la même tempérance de composition mais en insistant sur le trouble affectif (plus préjudiciable) d'une femme ruinée par la perte de son bambin.   

Avec l'alibi d'un étrange script privilégiant l'émotion sobre et avec la cohésion de deux actrices issues de nouvelle génération (j'insiste à dire que Kaya Scodelario doit beaucoup de sa présence insolite pour prédominer inquiétude et empathie), The Truth about Emanuel détourne les conventions du drame par une réalisation sans fioriture, jusqu'au final mystique assez bouleversant. 

Dédicace à Pascal Frezzato
Bruno Matéï

Alabama Monroe / The Broken Circle Breakdown

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Felix van Groeningen. 2012. Belgique. 1h52. Avec Veerle Baetens, Johan Heldenbergh, Nell Cattrysse, Geert Van Rampelberg, Nils De Caster, Robby Cleiren, Bert Huysentruyt, Jan Armoise, Blanka Heirman.

Sortie salles France: 28 Août 2013. Belgique: 9 Octobre 2012

FILMOGRAPHIE: Felix van Groeningen est un réalisateur belge flamand, né à Gand en 1977.
2000: 50CC. 2004: Steve + Sky. 2007: Dagen zonder lief (des jours sans amour). 2009: La Merditude des Choses. 2012: The Broken Circle Breakdown

Électrochoc d’une intensité émotionnelle traumatisante — à tel point que des larmes s’épanchent sur mon clavier au moment même où j’essaie d’extérioriser mes impressions — Alabama Monroe est un drame sur le deuil infantile, vu à travers le prisme déchiré du couple parental. Le réalisateur se concentre sur la lente et douloureuse tentative de reconstruction après que leur fille, Maybelle, a été emportée par un cancer.

En alternant les éclats du passé et la désolation du présent, Felix van Groeningen dresse un contraste saisissant entre l’épanouissement amoureux et l’infortune tragique. Lui est chanteur, féru de country, athée et fougueux ; elle, tatoueuse, croyante et spontanée. Ensemble, ils forment un couple harmonieux, que le mariage scelle pour le meilleur... et surtout pour le pire. Au rythme lancinant de la country, chantée dans des cabarets usés aux guichets fermés, le film nous emporte dans un tourbillon musical, où la peau encrée et la foi céleste se rejoignent pour cristalliser une réflexion intime sur les croyances. Avec une émotion à fleur de nerf, au plus près de l’affliction, le réalisateur ausculte la fracture entre deux visions du monde : l’idéalisme spirituel d’Élise et le nihilisme rageur de Didier. Jusqu’à ce que les disputes, d’abord anodines, deviennent l’écho amer d’un drame que chacun reproche à l’autre.

 

Dans ce choc des convictions, où la joie originelle se heurte à l’effondrement, Van Groeningen érige un hymne existentiel, planté dans une nature candide, opposant la lumière douce de la réincarnation au gouffre sans fond de l’anéantissement. Didier, enragé, vomit sa colère contre l’obscurantisme religieux — notamment ce fondamentalisme américain qu’il tient pour responsable du retard scientifique. Élise, elle, tente d’embrasser la fatalité. Mais l’épreuve les écartèle. Le point de rupture se rapproche, jusqu’à ce qu’une ultime ouverture vienne bousculer, peut-être, les certitudes du père brisé.

Vivre. Mourir. Mais sans jamais tricher.

Sans pathos ni mièvrerie, grâce à un montage d’une grande justesse, Van Groeningen livre un portrait sensoriel, brut et tendre, de deux êtres incapables de survivre à leur propre peine, asphyxiés par un chagrin insurmontable et des philosophies inconciliables. Mais grâce à la puissance incantatoire de la country, et à la trajectoire mystique d’un oiseau en partance, Alabama Monroe s’élève en élégie incandescente, sculptée dans la croyance. Un film qui bouleverse jusqu’au malaise, traité avec une pudeur inébranlable, déchirant jusqu’à l’os, que les comédiens transforment en offrande viscérale, à vif, au cœur de leur chair meurtrie.

Public averti.

*Bruno

La critique de La Merditude des Choses (la): http://brunomatei.blogspot.fr/…/la-merditude-des-choses-de-…

Récompenses: César du Meilleur Film Etranger, 2014
Label Europa Cinemas du Meilleur Film européen, Prix du Public Panorama, 2013
Prix du Meilleur Scénario au Festival du film de Tribeca, 2013.
Prix du Public au Festival CPH PIX à Copenhague.
Prix Ensor du Meilleur Film, Meilleur Réalisateur, Meilleur Montage, Meilleurs Costumes, Meilleure musique, Meilleure Photographie, Meilleure Actrice, Veerle Baetens, Meilleure Direction Artistique, Prix de l'Industrie pour Van Lauwereys au Festival du film d'Ostende.
Meilleure Actrice, Veerle Baetens au European Films Awards à Berlin.
Nomination aux Oscars pour le film en langue étrangère, 2014

Dédicace à Jenny Winter

A.C.A.B.: All Cops Are Bastards. Prix sang neuf, Beaune 2012.

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site movpins.com

de Stefano Sollima. 2012. Italie. 1h30. Avec Pierfrancesco Favino, Filippo Nigro, Marco Giallini, Andrea Sartoretti, Domenico Diele, Roberta Spagnuolo.

Sortie salles France: 18 Juillet 2012. Italie: 27 Janvier 2012

Récompense: Prix sang neuf au Festival International du film policier de Beaune, 2012

FILMOGRAPHIE: Stefano Sollima est un réalisateur italien, né le 4 Mai 1966 à Rome.
2012: A.C.A.B.

Pour rappel, A.C.A.B. (All Cops are Bastards / "Tous les flics sont des batards") est un sigle d'intimidation exploité par les skinheads anglais durant les années 70. Avec souci de réalisme au coeur des affrontements, le film relate la quotidienneté d'un trio de CRS contraints d'exercer leur métier dans un climat de haine omniprésent. A la suite de l'agression sanglante d'un de leur comparse et de la mort d'un policier, ils décident de retrouver les responsables afin d'appliquer la loi du talion.

Témoignage choc d'une Italie en pleine dérive fasciste, Stefano Sollima dresse un constat alarmant d'une société de crise où chômage, racisme et insécurité font bon ménage. A travers la dérive réactionnaire d'une section policière, le réalisateur met en exergue la contagion de la violence quand des CRS sont couramment provoqués par des fouteurs de troubles à la sortie des stades. Contraints de canaliser leur peur et leur colère face à une situation houleuse qui pourrait à tous moments dégénérer, ils doivent éviter l'usage de la matraque pour riposter aux agressions. Défavorisés par leur manque d'effectif, déconsidérés par leur supérieur et réputés comme des "bâtards" par la jeunesse marginale, nos trois comparses doivent également gérer une vie conjugale déstructurée. Cette insécurité régie à l'intérieur des villes découle notamment du traitement de faveur infligé à l'affluence des roms et des sans-papiers. Quand bien même les habitants italiens les plus défavorisés se retrouvent le plus souvent occultés par leur gouvernement afin de récupérer un logement décent. Avec l'entremise de skinhead toujours mieux organisés pour perpétrer leur dictature, Stefano Sollima dresse un état des lieux d'une montée de la xénophobie, que ce soit du camp des délinquants que celui même des forces de l'ordre. Car nos ripoux déboussolés, sévèrement bafoués par le sentiment d'injustice, vont finalement se résoudre à répercuter la même violence gratuite dans leurs pulsions vindicatives. L'intensité du film réside donc dans la pression psychologique de cette milice policière, délibérée à exploiter leur symbole d'autorité pour se venger des humiliations et agressions quotidiennes pratiquées en interne de leur profession.

Baignant dans un climat d'insécurité inquiétant où la tension s'avère toujours aussi progressive (à l'instar de sa BO rock endiablée !), A.C.A.B rend hommage au métier ardu des CRS pour leur flegme imparti au maintien de l'ordre en cas d'évènements populaires. Plus inquiétante est la dérive réactionnaire infligée ici à l'insigne policier et le constat d'échec de la violence urbaine que nos politicards ont finalement engendré par leur laxisme et leur incompétence. Un cri d'alarme édifiant !

Dédicace à Stéphane Passoni
Bruno Matéï