Hellraiser: le pacte. Prix de la peur, Avoriaz 88.

de Clive Barker. 1987. Angleterre. 1h30. Avec Andrew Robinson, Clare Higgins, Ashley Laurence, Sean Chapman, Oliver Smith, Robert Hines, Anthony Allen, Leon Davis, Michael Cassidy, Frank Baker.

Sortie en salles en France le 24 Février 1988. U.S: 18 Septembre 1987

FILMOGRAPHIE: Clive Barker est un réalisateur, écrivain, peintre, producteur et scénariste anglais, né le 5 Octobre 1952. 1973: Salome (court). 1978: The Forbidden (court). 1987: Hellraiser. 1990: Cabal. 1995: Le Maître des Illusions.

"Résurrection d’un Amant Décomposé".

Pour son premier long-métrage, tiré de son propre roman The Hellbound Heart, l’écrivain anglais Clive Barker transpose à l’écran un univers SM peuplé d’icônes maléfiques, arrachées aux entrailles d’un enfer où se confondent douleur et plaisir. Justement récompensé à Avoriaz, Hellraiser n’a rien perdu de sa saveur putride, conjuguant avec une audace anti-religieuse sexe et hardgore. Frank, pèlerin fasciné par les plaisirs de la chair, achète un étrange écrin chez un brocanteur. De retour chez lui, en manipulant le cube, il libère des forces démoniaques tout droit issues de l’au-delà. Déchiqueté par les Cénobites — créatures vouées à l’accueillir dans cet ailleurs de supplice —, Frank parvient pourtant à s’en extraire lorsqu’une blessure accidentelle de son frère, emménagé dans l’ancienne demeure, laisse couler quelques gouttes de sang… Le premier pas vers une résurrection interdite. Mais Frank a besoin de sang humain pour se régénérer.

Premier volet d’une saga culte incarnée par le désormais mythique Pinhead, Hellraiser repousse les limites du conformisme dans un alliage savamment orchestré d’horreur morbide et de lascivité malsaine. La perversité de ses thèmes s’affirme dans une posture masochiste, habitée par des hédonistes en quête de luxure et de souffrance. Par l’entremise du cube hermétique, Frank — personnage lubrique et dépendant à ses plaisirs disparates — se retrouve projeté dans l’univers occulte des Cénobites. Répugnantes créatures en combinaisons de latex noir, lacérées de plaies béantes et parsemées de crochets, vis, broches : tout un artisanat du corps scarifié. Pour retrouver son existence terrestre, le mécréant, tapi dans le grenier de la maison familiale, a besoin d’un flux régulier de sang. Il comptera sur la complicité vénéneuse de son ancienne maîtresse, Julia, pour lui ramener d’aimables prétendants, que leurs ardeurs condamneront.

Frank — cadavre décrépi, fugitif de l’enfer — et Julia — muse assassine — forment le couple maudit d’une quête sanglante vers la régénération charnelle. Clive Barker, créateur d’une mythologie inédite, ne lésine pas sur l’imagerie gore, exaltant la transformation d’un corps décharné retrouvant peu à peu sa forme originelle (jusqu’à dupliquer la physionomie du frère). Il filme, avec une retenue cruelle, des visions macabres d’une beauté sensuelle, sublimées par la procession lancinante du thème de Christopher Young. La poésie funèbre de ces séquences nous hypnotise autant qu’elle nous révulse, car elle convoque nos pulsions les plus inavouables. Chez Barker, Hellraiser pulvérise les tabous, blasphème le Christ lui-même et érige le plaisir de la douleur en système cosmique, sous l’égide des Cénobites : figures fétichistes, fascinantes dans leur étrangeté organique.

Dans ce théâtre infernal, Kirsty, la fille de Larry, devra pactiser en ultime recours pour renvoyer l’enfer à ses geôles. On reste aussi frappé par Julia, matrone meurtrière, épouvantablement sournoise, qui revendique sans honte sa libido insatiable pour nourrir la renaissance de son amant spectrale.

 

"Les Épousailles de la Chair et du Fer". 

Mis en scène avec un lyrisme envoûtant, Hellraiser dégage un parfum de soufre et de scandale, porté par un environnement malsain aux vertiges fascinants. L’onirisme noir de ses images gores, la puissance de ses effets spéciaux, l’immoralité de ses personnages, l’atmosphère putride et la pureté désolée de sa musique conduisent cette œuvre vers les cimes du culte. Un sommet d’horreur SM, troublant et inoubliable.

* Bruno
05.01.19. (4èx)

La chronique d'Hellraiser 2: http://brunomatei.blogspot.com/2011/10/hellraiser-2-les-ecorches-hellbound.html

Note: Avant d'opter pour Hellraiser, la production avait songé au titre Sadomasochistes from Beyond the Grave, qu'on pourrait traduire par Les Masochistes d'outre-tombe.
La maison du film se situe au 55 Ludovico Place, qui se trouve être l'adresse de l'institut Ludovico du film Orange Mécanique où Alex avait été envoyé pour devenir non-violent.

Récompenses: Prix spécial de la peur à Avoriaz en 1988.
Prix de la Critique à Fantasporto en 1988.

19.10.11.   4
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SPOOKIES

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Genie Joseph (Eugénie Joseph). 1986. U.S.A. 1h25. Avec Felix Ward, Dan Scott, Alec Nemser, Maria Pechukas, A.J. Lowenthal.

Sortie salles France: Mars 1986 (uniquement au Rex de Paris). 14 Mai 1986 (uniquement au Festival de Cannes). U.S: Janvier 1988.

FILMOGRAPHIE: Genie Joseph est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 31 Janvier 1956 à Long Island, New York, USA. 2010: Pheromone (Video short). 1987: Mind Benders. 1986: Spookies.

Naveton des années 80, Spookies vaut essentiellement pour l'atmosphère horrifique de son préambule timidement séduisant, pour le soin de sa photo et des décors (aussi limités soient-ils !) et surtout pour la qualité de ses effets-spéciaux artisanaux plutôt créatifs (et ce même si on sent clairement l'influence de Ghoulies et d'Evil-dead). Car hélas son histoire, son casting et sa mise en scène résolument insipides ne sont guère à la hauteur.

* Bruno

LES HORREURS DE FRANKENSTEIN

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

"The Horror of Frankenstein" de Jimmy Sangster. 1970. Angleterre. 1h35. Avec Ralph Bates, Kate O'Mara, Veronica Carlson, Dennis Price, Jon Finch, Bernard Archard.

Sortie salles Angleterre: 8 Novembre 1970.

FILMOGRAPHIE: Jimmy Sangster est un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma britannique né le 2 décembre 1927 dans le North Wales (Pays de Galles), décédé le 19 août 2011 à Londres. 1970 : Les Horreurs de Frankenstein. 1971 : Lust for a Vampire. 1972 : Sueur froide dans la nuit.

Sixième et avant dernier volet de la saga Frankenstein, les Horreurs de Frankenstein est considéré par beaucoup de critiques comme le plus faible (pour ne pas dire le plus mauvais chez les langues les plus lapidaires). Faute d'un script remanié par Sangster himself sous le ton de la semi-parodie (il préfigure d'ailleurs d'une certaine manière Chair pour Frankenstein réalisé 4 ans plus tard !) que les fans ont sans doute mal perçu à l'époque. Déclinaison orthodoxe mais pour autant insolente des chefs-d'oeuvre de James Wales et de Terence Fisher, Les Horreurs de Frankenstein baigne dans un climat bisseux décomplexé comme le rehausse sa seconde partie quant à la résurrection du monstre ingérable. Une créature à la fois pataude et inexpressive que l'on croirait sortie d'une série Z si bien que ses débandades criminelles prêtent presque à rire sous la mainmise de son créateur jeanfoutiste, sans vergogne et machiste (sa dissension légèrement pittoresque entre ses deux maîtresses superbement campées par Kate O'Mara et Veronica Carlson).

Ce dernier multipliant, tel un renard matois, les stratégies véreuses avec une insouciance outre-mesure afin de se débarrasser de chaque témoin gênant. Tant et si bien que son ambition première (créer la vie de ses mains en guise de mégalomanie) s'avère ici détournée au profit d'une décadence meurtrière à la fois vaniteuse et insidieuse. Et donc, si la première partie, éculée et négligeable, laisse présager le pire, en dépit de touches d'humour noir proéminentes (à l'instar du sort réservé à l'adjoint atone de Frankenstein), la suite bifurque vers des raccourcis inopinément plaisants, pour ne pas dire délirants selon votre goût pour la farce macabre estampillée "second degré". A savoir que les va-et- vient (contradictoires) de la créature sillonnant le château et la campagne font preuve d'une cocasserie tacite dans sa posture versatile de se plier ou non aux exigences de son maître. 

Comme de coutume flamboyant sous l'étendard de la Hammer, de par sa photo contrastée, ses décors gothiques épurés et ses actrices plantureuses à la beauté lascive, les Horreurs de Frankenstein empreinte la démarche du sarcasme pour tenter de redorer un sang neuf à sa noble saga, sous l'impulsion inopinément impudente de Ralph Bates assez plaisant en baron décadent (précurseur d'Udo Kier si j'ose dire !). A apprécier au second degré, faute de quoi certains puristes risqueraient de faire grise mine ! 

* Bruno
3èx

COLD SKIN

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Xavier Gens. 2017. France/Espagne. 1h47. Avec David Oakes, Aura Garrido, Ray Stevenson, John Benfield.

Sortie salles France: 10 Septembre 2017 (l'Etrange Festival). Espagne: 20 Octobre 2017

FILMOGRAPHIE: Xavier Gens est un réalisateur, scénariste, producteur exécutif et acteur français, né le 27 Avril 1975 à Dunkerque. 2007: Hitman. 2008: Frontières. 2012: The Divide. 2012: The ABCs of death (un segment). 2017: The Crucifixion. 2017: Cold Skin.

Un message désespéré d'amour et de paix dans un monde de violence avili par la peur de l'autre. 

Après la déception The Crucifixion, Xavier gens nous revient revigoré avec Cold Skin. Une oeuvre fantastique modeste jouant la carte de l'intimité sous le pivot de deux protagonistes aussi pugnaces que fragiles dans leur condition esseulée. Entamant intelligemment au cours du récit des réflexions sur l'origine des conflits, l'incommunicabilité entre les ethnies, la crainte de la différence et la misanthropie du point de vue d'un Robinson bourru traumatisé par la disparition de son épouse, Cold Skin provoque une émotion quasi désespérée si je me réfère à sa conclusion irrésolue en quête d'exutoire. En 1914, un météorologue s'exile sur une île durant un an en compagnie du gardien d'un phare. Chaque nuit, ils doivent livrer un combat sans merci contre des créatures hostiles prenant d'assaut leur foyer. 

Ce pitch linéaire et inquiétant, soigneusement conté et imagé (tant auprès de sa photo limpide que de la beauté des décors sauvages), est un prétexte afin de brosser les caractères bien trempés de deux protagonistes contraints d'utiliser les armes pour survivre à une résilience de rude épreuve. Cold Skin puisant sa force dans la description évolutive de ses derniers, notamment auprès du météorologue beaucoup plus curieux et empathique à tenter de comprendre la race des amphibiens n'attaquant que de nuit pour mieux les ébranler. Prenant soin de développer les fêlures et faiblesses humaines du duo divergent, si bien que les scènes d'actions intenses et percutantes les font évoluer d'un point de vue dramatique, Xavier Gens distille une émotion prude parfois poignante qui percera lors de l'épilogue bouleversant. Ce dernier très affecté par la cause animale et le spécisme parvenant louablement à attendrir et à donner chair à une créature domestique à l'aide de maquillages très convaincants. Son récit efficacement exacerbé de pugilats sanglants instaurant scrupuleusement un climat mélancolique quant au poids de la solitude que se résignent à résister deux belligérants du haut de leur phare.

"On perd son humanité dans un océan de chagrin"
En humaniste porteur d'espoir, de désir d'amour et de discernement auprès de l'étranger (ici d'origine animale !), Xavier Xens joue la carte de la modestie et de la pudeur avec cette oeuvre fantastique adulte, délicatement poignante (voir même bouleversante auprès de son interrogation finale) quant à l'instinct belliqueux de l'homme rattrapé par sa conscience morale d'une solitude irrespirable. Beau et sensible, à l'instar du score lyrique de Víctor Reyes. 

* Bruno

MOM AND DAD

 

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Brian Taylor. 2017. U.S.A. 1h23. Avec Nicolas Cage, Selma Blair, Anne Winters, Zachary Arthur, Olivia Crocicchia.

Sortie salles U.S: 19 Janvier 2018

FILMOGRAPHIE: Brian Taylor est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 12 Juin 1970. 2006: Haute Tension. 2009: Haute Tension 2. 2009: Ultimate Game. 2012: Ghost Rider 2. 2017: Mom and Dad.

Signataire des déjà bien allumés Haute Tension 1 et 2, Brian Taylor enfonce le clou avec le frappadingue Mom and Dad. Une farce horrifique à la fois très noire et vitriolée de par l'unicité de son pitch aussi fou et grotesque qu'improbable. Et pour cause, pour une raison inconnue (même si le réalisateur sous-entend que la contamination émane de la neige parasitaire des écrans TV), tous les parents d'une paisible bourgade sombrent dans une folie meurtrière incontrôlée en dépit des forces de police infructueuses. Férus de haine et de violence, ils s'en prennent uniquement à leur chérubin en guise de rancoeur punitive. Concentré de délire déjanté et de violence cartoonesque se raillant d'une génération impertinente sevrée au consumérisme depuis l'émergence du net, des smartphones et écrans plats, Mom and Dad fait office de montagne russe dans son enchaînement de poursuites domestiques et exactions meurtrières saturées d'une bande-son électro stridente remarquablement percutante.

Ces sonorités parfois dissonantes ou autrement symphoniques instaurant avec originalité et modernité un climat trouble/saugrenu d'insécurité haletante autour d'une situation chaotique échappant à la raison des enfants. Couramment intense après nous avoir habilement illustré le comportement sournois d'une ligue parentale subitement primitive; Mom and Dad cumule les situations de panique et les confrontations musclées au gré d'un rythme stressant fertile en rebondissements débridés (le final bordélique valant son pesant de cacahuètes lors d'un conflit trinaire rendue ingérable !). Franchement inquiétant et parfois même terrifiant (la patiente de l'hôpital s'efforçant d'étrangler son bébé après avoir accouché est à la limite du soutenable de crainte que le cinéaste n'aille jusqu'au bout de l'intolérable !), on peut notamment compter sur les vociférations des comédiens "adultes" prenant malin plaisir à jouer les psychotiques si bien qu'ils nous rappellent parfois les postures outrées de Jack Torrance de Shining. Et à ce jeu pervers de la maltraitance en roue libre, Nicolas Cage et sa partenaire Selma Blair font quasi part égale dans les postures démentielles à courser leurs bambins au sein de leur foyer retranché. Quant aux ados en initiation de survie et stratégies offensives,  Anne Winters et Zachary Arthur se partagent solidairement la vedette avec un désarroi assez perméable si bien que nous craignons réellement pour leur sort avec une appréhension inconfortable.

Farce sardonique efficacement ficelée et diaboliquement folingue, Mom and Dad créé surprise et stupeur avec une vigueur pulsatile. Le jeu du chat et de la souris s'avérant suffisamment inventif, méchamment violent et drôlement saugrenu pour se laisser embarquer dans cette improbable vendetta parentale que Cage et Blair s'amusent communément à singer avec un sérieux dérangé. Electrisant et désarçonnant ! 

* Bruno

Valérie au pays des Merveilles / Valerie a týden divů. Grand Prix Festival de Bergame, 1970.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site pinterest.fr

de Jaromil Jireš. 1970. Tchécoslovaquie. 1h17. Avec Jaroslava Schallerová, Helena Anýzová, Petr Kopriva, Jirí Prýmek, Jan Klusák, Libuse Komancová.

Sortie salles France: 23 Février 1972. Tchécoslovaquie: 16 Octobre 1970

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Jaromil Jireš est un réalisateur et scénariste tchécoslovaque né le 10 décembre 1935 à Bratislava, décédé le 26 octobre 2001 à Prague (République tchèque).1958 : Horecka. 1959 : Strejda. 1960 : Stopy. 1960 : Sál ztracených kroku. 1962 : Don Spagát. 1963 : Le Premier Cri (Krik). 1965 : Srub. 1966 : Obcan Karel Havlícek. 1965 : Les Petites Perles au fond de l'eau. 1967 : Hra na krále. 1968 : Don Juan 68. 1969 : Tribunál. 1969 : Dedácek. 1969 : La Plaisanterie (Zert). 1970 : Valérie au pays des merveilles. 1972 : ...a pozdravuji vlastovky. 1973 : Leoš Janáček (TV). 1973 : Kasar. 1974 : Il Divino Boemo. 1977 : Talíre nad Velkým Malíkovem. 1978 : Mladý muz a bílá velryba. 1979 : Causa králík. 1980 : Úteky domu. 1980 : Svet Alfonse muchy. 1984 : Prodlouzený cas. 1984 : Katapult. 1985 : Milos Forman - Das Kuckucksei (TV). 1987 : Sidney Lumet: I Love New York (TV). 1987 : Po zarostlem chodnícku. 1987 : F. Murray Abraham (TV). 1991 : Beschreibung eines Kampfes. 1991 : Labyrinth. 1992 : Rekviem za ty, kteri prezili. 1992 : Hudba a víra (TV). 1992 : Hudba a bolest (TV). 1994 : Helimadoe. 1995 : Ucitel tance. 1999 : Dvojrole.

"La grâce, plus belle encore que la beauté !"

Diamant culte natif de la Tchécoslovaquie, Valérie au pays des Merveilles transfigure les composants de la féerie et du fantastique macabre par le biais d'une allégorie sur la perte de l'innocence. Dénué de compréhension, faute d'une intrigue hermétique sans fil conducteur (ou alors si peu); Valérie... se vit et se contemple à l'instar d'un rêve éveillé que l'héroïne chrysalide fantasme lors d'un enchaînement de situations érotiques tantôt capiteuses, tantôt scabreuses. Car abordant non sans audace et provocation (sans complaisance ni vulgarité) les thèmes du saphisme et les tabous de l'échangisme (vaguement allusif), de l'hébéphilie et de l'inceste (l'héroïne semble perturbée, pour ne pas dire traumatisée par des parents sexuellement abusifs, en prime de son frère épris de sentiments pour elle), Jaromil Jireš privilégie une fulgurance formelle pour nous envoûter la vue et l'ouïe au rythme des mélodies classiques (oh combien entêtantes !) de Luboš Fišer. 

Chaque plan résolument pictural oscillant sensualité candide et symbolisme mortifère si bien que Lubos Fiser ne laisse rien au hasard auprès de l'architecture des décors domestiques ou de sa nature épure semblable au jardin d'Eden. A ce titre, Valérie au pays des merveilles demeure l'une des oeuvres les plus génialement décorées de l'histoire du cinéma doublée d'une expérience sensorielle à la fois fascinante, déroutante, inoubliable auprès d'une religion véreuse nantie de pulsions sexuelles déviantes ! De par la puissance évocatrice de ses images fantasmatiques et la beauté opaline de la troublante comédienne Jaroslava Schallerová (sobrement hantée par son rôle), Valérie au pays des Merveilles nous illumine les yeux dans maelstrom d'émotions aussi diaphanes qu'allègrement lascives.

"Où le péché abonde, la grâce surabonde."

Fort de sa fulgurance fantasmagorique que le cinéaste (méconnu chez nous) est parvenu à matérialiser sous l'oeil de sa caméra charnelle, Valérie au pays des merveilles constitue une expérience cinégénique à la fois concupiscente, déconcertante, ensorcelante, irréelle. Tant pour son climat d'étrangeté indicible dépassant notre raison que le florilège d'images érotiques qu'une adolescente en éveil sexuel tente sensiblement d'apprivoiser dans sa psyché névrosée. En tout état de cause, ce poème auteurisant ne peut laisser indifférent comme l'a justement prôné son Grand Prix au Festival de Bergame l'année même de sa sortie historique. C'est d'ailleurs peut-être l'un des plus beaux films du monde, visuellement parlant. 

* Bruno

20.04.25. 3èx

FASTER, PUSSYCAT ! KILL ! KILL !

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site commons.wikimedia.org

de Russ Meyer. 1965. U.S.A. 1h23. Avec Tura Satana, Haji, Lori Williams, Susan Bernard, Stuart Lancaster

Sortie salles France: 24 Avril 1985. U.S: 6 Août 1965

FILMOGRAPHIE: Russell Albion Meyer (né le 21 mars 1922 à Oakland en Californie et mort le 18 septembre 2004 à Hollywood Hills en Californie) est un réalisateur, scénariste et photographe américain. 1950: The French Peep Show. 1959: L'Immoral Mr. Teas. 1959: This Is My Body. 1960: Naked Camera. 1961: Ève et son homme à tout faire. 1961: Erotica. 1962: Wild Gals of the Naked West ou The Immoral West and How It was Lost. 1963: Europe in the Raw. 1963: Heavenly Bodies! 1963: Skyscrapers and Brassieres. 1964: Lorna, l'incarnation du désir. 1964: Fanny Hill. 1965: Le Désir dans les tripes. 1965: Motorpsycho. 1965: Faster, Pussycat! Kill! Kill! 1966: Mondo Topless. 1967: L'Ile des Désirs. 1967: Bonjour les Filles. 1968: À corps perdu. 1968: Vixen. 1969: Cherry, Harry and Raquel. 1970: La Vallée des Plaisirs. 1971: The Seven Minutes. 1972: Serpent noir. 1975: Supervixens.1976: Mega Vixens. 1978: Who Killed Bambi? 1979: Ultra Vixens. 2001: Pandora Peaks.

B movie culte au sens étymologique, Faster pussycat ! Kill ! Kill ! est un immense défouloir de mauvais goût assumé, de violence gratuite et d'immoralité putassière ! J'imagine donc le choc que la génération 60 eut pu éprouver face au contenu si transgressif, ultra provocateur du spectacle de samedi soir qu'elle fréquentait comme de coutume dans les drive-in. Magnifiquement filmé dans un noir et blanc stylisé et baignant dans un climat à la lisière de l'irréel, Russ Meyer nous compile des cadrages iconiques que d'autres cinéastes s'inspireront par la suite (Tarantino évidemment auquel ce dernier voue un véritable culte et compte depuis toujours en réaliser une déclinaison polychrome !). Quand à l'intrigue excentrique, bête et foncièrement méchante, elle ne s'avère qu'un prétexte pour mettre en exergue les affrontements impérieux d'un trio de femmes criminelles que l'on croiraient sorties d'une bande-dessinée pour adultes. 

Russ Meyer vouant en prime un fétichisme pour ses bimbos plantureuses (poitrine opulente à l'appui !) avides de liberté, de vitesse et de vindicte sur les machistes égrillards. Et pour cause, après avoir froidement assassiné un jeune pilote de course et kidnappé sa compagne, nos donzelles (elles se prennent franchement pour le centre du monde !) poursuivent leur périple dans le désert pour tenter de soutirer le magot d'un trio de mâles aussi marginaux. A une exception près tant et si bien que l'un d'eux parviendra tout de même à s'improviser redresseur de torts lors de confrontations aussi musclées que sauvages. Laissant libre court à un déchaînement de violence triviale rehaussé de réparties aux allusions souvent salaces, Faster Pussycat... se condense en jeu de massacre entre mâles et femelles avec une dérision résolument sardonique. Si bien que le spectateur, à la fois déconcerté, dépaysé, amusé, choqué, s'étonne parfois de la frénésie un peu crue de certaines exactions d'une inventivité incongrue. Je songe par exemple à la tentative de meurtre du mastard psychotique tentant de repousser par la simple force de ses poignées un bolide enragé patinant sur le sable pour s'efforcer de l'écraser ! Une séquence improbable parvenant à rendre crédible et terriblement intense une situation dégénérée de guérilla des sexes !

Femmes Criminelles !
Follement déjanté, décomplexé, vulgaire, fun, débridé, pervers, sexy, Faster, Pussycat! Kill ! Kill ! redéfinit le terme "culte" avec une personnalité infiniment insolente. Si bien qu'en l'occurrence on reste surpris par son incroyable modernité, tant auprès de son esthétisme fétichiste que de sa liberté de ton militant avec une ironie provocatrice pour le féminisme le plus totalitaire. Bref, ni plus ni moins un chef-d'oeuvre de subversion, vrillé et cartoonesque, à la facture rétro hyper distinguée ! 

* Bruno
2èx

L'INCROYABLE HOMME PUMA

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmtv.it

"L'uomo puma" d'Alberto De Martino. 1980. Italie. 1h35. Avec Walter George Alton, Donald Pleasence, Miguel Angel Fuentes, Sydne Rome, Silvano Tranquilli.

Sortie salles France: 10 Décembre 1980. Italie: 14 Février 1980

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Alberto De Martino (né le 12 juin 1929 à Rome) est un réalisateur italien. Il utilise parfois le pseudonyme de Martin Herbert. 1963: Persée l'invincible. 1964: La Maison de la terreur.1964 : Le Triomphe d'Hercule. 1964 : Les Sept invincibles. 1966 : Django tire le premier. 1967 : Opération frère Cadet. 1968 : Rome comme Chicago. 1969 : Perversion. 1972 : Le Nouveau boss de la mafia. 1974 : L'Antéchrist. 1977 : Holocauste 2000. 1980: L'Homme Puma.

Le premier (et dernier) film de super-héros aztèque de l'histoire du ciné (spaghetti) !

Nanar transalpin résigné à nous offrir sans aucune prétention sa version de Superman de par ses moyens désargentés, L'Homme Puma est une aberration filmique comme seuls les italiens savaient en produire à l'orée des eighties. L'intrigue risible est à elle seule une grosse blague de comptoir ! Jugez en ! Après avoir dérobé un masque aztèque capable de contrôler les esprits, le docteur Kobras compte dominer la terre s'il parvient à démasquer l'homme puma issu de nationalité ricaine. Grâce à l'aide d'un indien pacifiste l'incitant à découvrir sa véritable identité, Tony Farms parvient à extérioriser ses pouvoirs surnaturels en tombant du haut d'un immeuble. C'est alors que ce dernier dénué de blessures corporelles parvient ensuite à voler dans les airs par sa simple faculté psychique ! Transformé en super-héros (de carnaval), il part à la recherche du masque d'or que détient donc l'insidieux Kobras délibéré à ne surtout pas se laisser intimider !

Série Z impayable au scénario à la fois grotesque et nonsensique (pirouettes narratives en sus pour pallier son cheminement trivial !), comme le relèvent ses têtes d'affiche hilarantes (outre les attachantes présences de Walter George Alton en super-héros apprenti et du mexicain mastard Miguel Angel Fuentes en faire-valoir altruiste, on se demande ce qu'est venu faire ici notre éminent Donald Pleasance en méchant nanti d'une combinaison latex SM !), l'Homme Puma parvient à divertir avec une simplicité souvent irrésistible. Chacune des envolées homériques de notre super-héros en herbe nous insufflant des sentiments contradictoires, entre consternation et fascination. Et ce de par l'aspect dérisoire de ces FX influencés par Méliès (alors que l'on finit réellement par croire à sa faculté volatile !) et par la posture ballot de celui-ci en quête de surpassement héroïque. Ce dernier s'agrippant et se débattant dans les airs en lieu et place d'un cours de natation, quand bien même en intermittence il parvient à voltiger, bondir (à l'aide d'un trampoline invisible) et disparaître à travers les murs comme pouvait l'opérer Bourvil dans Garou, Garou le passe-muraille ! Ces séquences d'un autre temps, rehaussées d'une mélodie entêtante que n'aurait renié le club Dorothée s'avérant la principale attraction du divertissement singulier. Et comme convenu dans ce genre de bisserie où le ridicule des situations (celle de résister au pouvoir télépathique du masque que les gentils endurent fébrilement) laisse transparaître la vibrante sincérité de nous amuser, on peut aussi compter sur la verve fréquemment hilarante des comédiens exprimant leurs répliques avec un sérieux attendrissant.

Sidérant de naïveté, de maladresse et d'incohérence autour d'un script résolument extravagant, mais épatant au niveau du spectacle décérébré alignant à rythme fertile action, anticipation et cocasserie (involontaire) afin de divertir la famille (si j'ose dire car on se demande quelle cible les auteurs ont bien pu préconiser), l'Homme Puma imprime de sa personnalité typiquement transalpine un film de super-héros anthologique de par sa poésie déjantée difficilement gérable. Car croyez moi, il faut le voir pour le croire si bien que tout cinéphile averti se doit de le découvrir au moins une fois dans sa vie ! 

* Bruno
2èx 

THE RITUAL

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de David Bruckner. 2017. U.S.A. 1h35. Avec Rafe Spall, Rob James-Collier, Arsher Ali, Sam Troughton, Paul Reid, Matthew Needham.

Inédit en salles en France. Sortie U.K: 13 Octobre 2017

FILMOGRAPHIE: David Bruckner est un réalisateur et scénariste américain. 2017: Le Rituel. 2015: Southbound. 2012: V/H/S (segment "Amateur Night").  2011: Talk Show (Short). 2007: The Signal.

Empruntant la démarche éculée du Survival forestier initié par Délivrance, Rituals, Survivance et Sans Retour pour citer les plus notoires, The Ritual parvient efficacement à renouveler son concept connu grâce à l'intrusion du surnaturel. A ce titre, la dernière demi-heure haletante et terrifiante parvient à télescoper appréhension et malaise (celle de la peur de mourir de la manière la plus primitive !) avec une fascination morbide. Car sans dévoiler les tenants et aboutissants de l'intrigue obscure, David Bruckner (réalisateur des sympathiques The Signal et Southbound), soigne ses effets spéciaux pour nous convaincre d'une apparition dantesque avec un réalisme tantôt onirique. D'une simplicité extrême, le pitch suit l'itinéraire de 4 amis partis en forêt le temps d'un week-end. Au préalable, et par le biais d'un flash-back, nous apprenons que l'un d'eux fut témoin de la mort d'un de ses camarades lors du braquage d'une épicerie, et ce sans pouvoir lui porter assistance. Egarés en pleine forêt, ils se sentent rapidement épiés par une menace invisible, quand bien même le lendemain d'une nuit agité, ils restent traumatisés par leur cauchemar commun plus vrai que nature.

Epreuve de force à la fois physique et morale du point de vue d'un touriste hanté par sa culpabilité d'une éventuelle lâcheté, The Ritual sera son défi à transcender ses peurs et ainsi pouvoir se racheter une conduite. Efficacement mené grâce à l'autorité de comédiens dépouillés nantis d'un charisme ordinaire, et de l'intelligence du metteur en scène à crédibiliser des situations 1000 fois vues ailleurs (on reste d'autre part surpris du sort des protagonistes lorsque la prochaine victime n'est pas celle que l'on croyait), The Ritual dilue une angoisse sous-jacente assez captivante. De par l'exploitation de sa végétation crépusculaire retranscrite avec un réalisme naturel que les protagonistes arpentent avec une inquiétude contagieuse. Le spectateur observant leurs pérégrinations avec cette même sensation d'isolement et d'appréhension, tant et si bien que la menace quasi invisible s'avère difficilement explicable. Grâce à l'intensité des situations dramatiques faisant évoluer nos héros vers une paranoïa progressive, The Ritual éveille notre attention à connaître le fin mot de l'énigme. Ce qui nous amène à fréquenter sa dernière partie insidieuse et sardonique avec une certaine originalité. Et ce sans vous dévoiler de quels films le cinéaste s'est ouvertement inspiré sans pour autant plagier bêtement ses confrères. Un final assez renversant qui parvient à nouveau à convaincre dans son approche ésotérique, notamment grâce au charisme patibulaire de seconds-rôles plus vrais que nature.

Production modeste d'une sincérité indiscutable pour l'amateur aguerri; The Ritual renoue efficacement avec la série B adulte (point de teenagers décervelés à l'horizon !) pour relancer avec savoir-faire la machine de l'angoisse et de l'effroi. L'oeuvre esthétiquement soignée parvenant surtout à implanter un climat d'insécurité assez malsain, notamment par le biais d'une bande-son limpide, quand bien même l'émotion parfois poignante perce chez les visages meurtris au détour d'une mélodie discrètement fragile. Une bonne surprise à découvrir.  

Ci-joint la chronique de l'excellent et oublié Rituals: http://brunomatei.blogspot.com/2011/03/rituals-creeper_1287.html

* Bruno

FANTOMAS CONTRE SCOTLAND-YARD

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site unifrance.org

de André Hunebelle. 1967. France/Italie. 1h41. Avec Jean Marais, Raymond Pellegrin, Louis de Funès, Mylène Demongeot, Jacques Dynam, Henri Serre, Jean-Roger Caussimon.

Sortie salles France: 16 Mars 1967

FILMOGRAPHIE: André Hunebelle est un maître verrier et réalisateur français, né le 1er Septembre 1896 à Meudon (Hauts-de-Seine), décédé le 27 Novembre 1985 à Nice. 1948: Métier de fous. 1949: Millionnaires d'un Jour. 1949: Mission à Tanger. 1950: Méfiez vous des Blondes. 1951: Ma Femme est formidable. 1952: Massacre en dentelles. 1952: Monsieur Taxi. 1953: Les Trois Mousquetaires. 1953: Mon Mari est merveilleux. 1954: Cadet Rousselle. 1955: Treize à table. 1955: l'Impossible Monsieur Pipelet. 1956: Casino de Paris. 1956: Mannequins de Paris. 1956: Les Collégiennes. 1957: Les Femmes sont marrantes. 1958: Taxi, roulotte et Corrida. 1959: Le Bossu. 1959: Arrêtez le massacre. 1960: Le Capitan. 1961: Le Miracle des Loups. 1962: Les Mystères de Paris. 1963: Oss 117 se déchaîne. 1963: Méfiez vous Mesdames. 1964: Banco à Bangkok pour Oss 117. 1964: Fantômas. 1965: Furia à Bahia pour Oss 117. 1965: Fantômas se déchaîne. 1967:   Fantômas contre Scotland Yard. 1968: Pas de roses pour Oss 117. 1968: Sous le signe de Monte-Cristo. 1971: Joseph Balsamo. 1974: Les Quatre Charlots Mousquetaires. 1974: Les Charlots en Folie: A nous quatre Cardinal ! 1978: Ca va faire tilt.

Troisième et dernier opus toujours réalisé par André Hunebelle en dépit de l'avortement de son  Fantômas à Moscou, 4è volet n'ayant jamais percé faute des dissensions entre Marais et De Funès, Fantômas contre Scotland Yard s'avère aussi réussi que ses prédécesseurs. Quand bien même certains fans n'hésitent pas à le considérer comme le meilleur opus, ou tout du moins le plus fun et hilarant. Infiltré en Ecosse, Fantômas a pour nouvelle ambition d'extorquer les plus grands milliardaires de la planète par le biais d'un impôt sur le droit de vivre. Dépêchés sur les lieux au sein du château du richissime Mac Rashley, le commissaire Juve, son adjoint Michel, le journaliste Fandor et sa fiancée Mylène élaborent un nouveau plan afin d'alpaguer Fantômas. Mais ce dernier expert en l'art du camouflage finit par emprunter l'identité du Lord Rashley afin de dérober les fortunes et ridiculiser (comme de coutume) ses ennemis.

Enchaînant à rythme alerte action, aventures et comédie au gré d'une intrigue fertile en rebondissements, quiproquos et péripéties chevaleresques; Fantômas contre Scotland Yard fait aujourd'hui appel à certains codes du cinéma d'épouvante autour d'un manoir (potentiellement) hanté. Juve constamment brimé par son rival finissant par se convaincre de l'existence des fantômes depuis que ce dernier renchérit les disparitions de cadavres. Certaines séquences déjantées faisant office d'anthologie lorsque De Funès est envahi de visions macabres (les fameux pendus plafonnant à deux reprises sa chambre) et ce jusqu'à ne plus pouvoir distinguer le rêve de la réalité (il faut le voir brasser l'air de sa chambre avec ses mains afin de se convaincre qu'un ectoplasme ne s'y trouve pas). Faisant notamment intervenir une bande de gangsters aussi cupides que Fantômas afin de relancer l'intensité des enjeux, le récit cumule les situations débridées sous l'impulsion d'un humour noir beaucoup plus prononcé qu'auparavant, quand bien même en intermittence, Hunebelle a l'habile idée de délocaliser l'action (exiguë) dans la nature d'une chasse à courre riche en zizanie. 

Toujours aussi drôle et ludique (De Funès et les seconds-rôles continuant d'assurer le show avec fringance), inventif et spectaculaire (Jean Marais élaborant à nouveau ses cascades en dépit de ces 50 printemps !), Fantômas contre Scotland Yard clôt en beauté sa saga populaire sous le pilier d'une structure narrative extravagante et d'un climat gothique inopinément inquiétant (le décorateur sera d'ailleurs recruté quelques années plus tard sur le plateau d'un James Bond, Moonraker). 

Fantomas: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/10/fantomas.html
Fantômas se déchaîne: http://brunomatei.blogspot.fr/…/01/fantomas-se-dechaine.html

* Bruno
2èx

LE SANG DES HEROS

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site seriebox.com

"The Blood of Heroes" de David Webb Peoples. 1989. 1h30. Avec Rutger Hauer, Joan Chen, Vincent D'Onofrio, Delroy Lindo, Gandhi MacIntyre.

Sortie salles France: 20 Février 1991. U.S: 23 février 1990 

FILMOGRAPHIE: David Webb Peoples est un scénariste, monteur, réalisateur et producteur américain né le 9 février 1940 à Middletown dans le Connecticut. 1969 : How We Stopped the War (Doc court). 1989 : Le Sang des héros.

Personne ne se souvient plus de l'âge d'or du 20è siècle, ni de sa technologie, ni de la guerre qui a suivi. Personne ne sait plus quand le Jeu a commencé, ni pourquoi les joueurs se servent d'un crane de chien. 

Film maudit s'il en est, de par son invisibilité depuis sa discrète sortie salles (mais aussi Vhs !) et sa réputation timorée auprès de quelques fans, Le Sang des Héros empreinte la sobre démarche de la série B ludique avec une vibrante sincérité. Car surfant sur le filon du genre post-apo initié par la saga Mad-Max, Le Sang des Héros relate avec une grande simplicité le périple d'une poignée de combattants participant à un jeu sportif ultra violent, pour ne pas dire résolument barbare ! A savoir, l'affrontement physique entre deux équipes se disputant le crâne d'un chien pour l'empaler sur un piquet. Tous les coups les plus couards et brutaux étant permis si bien qu'aucune règle n'est exigée afin de renverser l'adversaire ! Autant dire que la brutalité des corps à corps nous impressionne couramment avec un réalisme assez cinglant. Le récit linéaire s'articulant autour des agissements héroïques de Sallow (Rutger Hauer, toujours aussi inquiétant et laconique dans celui d'un guerrier individualiste) et de ses acolytes (dont la nouvelle recrue Kidda en quête d'affirmation combative !) délibérés à multiplier les défis afin d'accéder aux marches d'un plus haut podium.

Celui formé par une ligue tenue secrète qui plus est confinée au fond d'une immense crevasse. D'une grande modestie au niveau des décors (sa scénographie désertique puis enfin romano-victorienne dans le repère caverneux rappelant étroitement le Dôme de Mad-Max 3 !) et de la participation d'attachants seconds-couteaux (Rutger Hauer, Vincent D'Onofrio en guerriers impassibles), le Sang des Héros tire-parti de son intensité formelle grâce au talent du réalisateur s'efforçant de crédibiliser un univers aride de fin du monde évoluant autour d'un enjeu sportif. Ces nouveaux combats de gladiateurs s'avérant la principale distraction du peuple et la préoccupation de ses participants afin de se prouver une nouvelle raison d'exister. Autrement dit, c'est dans la sueur et le sang que chaque joueur tentent de redorer un sens à leur vie désoeuvrée au gré d'un code d'honneur bâti sur une performance héroïque. Outre l'aspect spectaculaire de ses nombreux combats homériques perpétrés à mains nues et à l'arme blanche, on apprécie autant en background son climat d'isolement et de désespoir que les protagonistes extériorisent de façon sous-jacente lors de leur moment d'intimité (notamment les relations assez ternes entre couples en herbe) et de leur cheminement de survie.

Captivant et immersif de par sa scénographie décharnée prédominante (aussi limités soient les décors habilement suggérés) et empathique auprès de la caractérisation à la fois fragile et pugnace de ces héros de l'apocalypse, le Sang des Héros constitue un excellent spectacle épique et barbare que l'inconnu David Webb Peoples (il s'agit de son unique réalisation) retranscrit avec une franche sollicitude en dépit de l'aspect bricolé de sa réalisation. A découvrir impérativement auprès des fans de raretés post-nuke ! 

* Bruno

BIGFOOT ET LES HENDERSON.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site pinterest.fr

"Harry and the Hendersons" de William Dear. 1987. U.S.A. 1h51. Avec John Lithgow, Melinda Dillon, Don Ameche, David Suchet, Margaret Langrick.

Sortie salles France: 23 Décembre 1987. U.S: 5 Juin 1987

FILMOGRAPHIE: William Dear est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur canadien né le 30 novembre 1943 à Toronto (Canada).1975 : Nymph. 1976 : Northville Cemetery Massacre. 1981 : Elephant Parts (vidéo). 1981 : An Evening with Sir William Martin (vidéo). 1982 : Timerider. 1983 : Nick Danger in The Case of the Missing Yolk (vidéo). 1984 : Garry Shandling: Alone in Vegas (TV). 1985 : Doctor Duck's Super Secret All-Purpose Sauce. 1985 : Michael Nesmith in Television Parts (série TV). 1985 : Histoires fantastiques (série TV, épisode Papa, momie). 1987 : Bigfoot et les Henderson. 1991 : Espion junior. 1992 : Covington Cross (série TV). 1993 : The Hollywood Dog (série TV). 1993 : Journey to the Center of the Earth (TV). 1994 : Une équipe aux anges. 1997 : Beautés sauvages. 1999 : La Ferme aux ballons (TV). 2000 : Le Père Noël a disparu (TV). 2005 : School of Life (TV). 2006 : Evil Twins. 2008 : The Perfect Game. 2013 : "Angel et moi"

Sur leur chemin du retour d'une chasse aux lapins, la famille Henderson renverse avec leur véhicule le légendaire Bigfoot. Après réflexion, ils décident de le ramener dans leur bercail avant de se raviser et de le laisser en liberté. Mais bientôt, la rumeur d'une créature en fuite se propage dans leur bourgade. 

Comédie fantastique conçue pour les enfants auquel la génération 80 fut agréablement bercée, Bigfoot et les Henderson est un sympathique divertissement, aussi naïf et simpliste soit-il. Militant pour la cause animale et stigmatisant la chasse sous l'impulsion de citadins avides de la traque (d'autant plus qu'il s'agit d'une proie légendaire), l'intrigue prévisible festoie autour de l'amour et la solidarité familiales en y enseignant le respect de la faune et de la flore. Pour le point le plus qualitatif, on peut prôner l'incroyable qualité des trucages artisanaux confectionnés par Rick Barker afin de rendre le plus humain et réaliste possible une créature extravagante aux expressions (exagérément) attendrissantes. Ce dernier ayant été récompensé un an plus tard de l'Oscar du meilleur maquillage. Quant à la présence fortuite de John Lithgow dans un rôle à contre-emploi, il parvient aimablement à se prêter au jeu de la bonhomie dans celui d'un chasseur paternel (il l'enseigne à son fils dès le préambule) en voie de rédemption.

Pétri de bons sentiments et de gags gentiment loufoques, Bigfoot et les Henderson devrait ravir les enfants assurément fascinés par une attachante créature terriblement expressive ! Et ce en dépit d'une moisson de situations aussi bien mièvres que convenues que le spectateur adulte risquerait aujourd'hui de bouder faute du manque de personnalité de son auteur (un habitué des prods familiales consensuelles).    

* Bruno

Récompenses:
1987 : Genesis Award du meilleur film de comédie
1988 : Oscar du meilleur maquillage pour Rick Baker

LES CHEVALIERS DU DEMON

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviecovers.com

"The Hellfire Club" de Monty Berman et Robert S. Baker. 1961. Angleterre. 1h35. Avec Keith Michell, Adrienne Corri, Peter Cushing, Peter Arne.

Sortie salles France: Janvier 1962. Angleterre: Février 1961

FILMOGRAPHIE:  Robert S. Baker est un producteur, réalisateur et directeur photo britannique né le 17 octobre 1916 et mort le 30 septembre 2009. 1949 : Melody Club co-réalisé avec Monty Berman. 1950 : Blackout. 1952 : 13 East Street. 1953 : The Steel Key. 1956 : L'ennemi invisible. 1959 : Jack l'Éventeur co-réalisé avec Monty Berman. 1960 : The Siege of Sidney Street co-réalisé avec Monty Berman. 1961 : Les Chevaliers du démon co-réalisé avec Monty Berman. 1961 : Le Secret de Monte Cristo co-réalisé avec Monty Berman. Monty Berman est un producteur, réalisateur et directeur photo britannique né le 26 mars 1905 et mort le 14 juin 2006. 1959 : Jack l'Éventeur coréalisé avec Robert S. Baker. 1961 : Les Chevaliers du démon (The Hellfire Club) coréalisé avec Robert S. Baker. 1961: Le Secret de Monte Cristo.

18è siècle. Lassée des incartades lubriques de son mari abusif, propriétaire d'un bordel où se pratiquent entre autre de faux rites sataniques, Lady Netherden et son fils prennent la fuite un soir à la suite d'une violente rixe avec lui. Le lendemain, accompagné de ses sbires, Lord Netherden parvient à rattraper ces derniers lors d'une course-poursuite meurtrière. 15 ans plus tard, rescapé et éduqué par une troupe de funambules, Jason Caldwell compte se venger auprès de son père mais aussi de son cousin délateur, l'odieux Thomas de Netherden lui ayant dérobé l'héritage. 

Longtemps resté invisible chez nous depuis sa sortie ciné (je doute également d'une éventuelle édition Vhs !) et vanté dans la revue l'Ecran Fantastique à l'orée des années 80 lors d'une rétrospective des réalisateurs Monty Berman / Robert S. Baker (signataires des chefs-d'oeuvre Jack l'Eventreur et l'Impasse aux Violences, excusez du peu !), les Chevaliers du Démon rend dignement hommage au film de cape et d'épée avec une ferveur galvanisante. Les auteurs parvenant à instaurer un rythme affolant au gré de péripéties et rebondissements jamais redondants; et ce grâce à l'efficacité d'une intrigue charpentée (la vengeance de longue haleine de Jason Caldwell auprès de son cousin) et à la fougue des comédiens se prêtant au jeu des confrontations épiques (tant à cheval ou à l'épée qu'à mains nues) avec une spontanéité décomplexée. Berman et Baker saupoudrant leur cheminement narratif d'humour, de fantaisie et de douce romance (notamment auprès de cette paysanne candide timidement amoureuse de Jason) afin de combler le spectateur participant aux stratagèmes d'un héros véloce résigné à redorer son honneur. A ce titre, les scènes d'action toujours inventives se renouvellent sans cesse sans jamais subir de fâcheuse impression de déjà vu. Et si on peut admettre le caractère prévisible de sa seconde partie (le jugement, l'emprisonnement, l'évasion et les règlements de compte en pagaille), les Chevaliers du Démon ne cède pour autant jamais à la lassitude. Notamment de par l'intensité de son montage consciencieux à chorégraphier les corps à corps tributaires d'une intrigue bien ficelée (le héros alternant poursuites et ripostes face à un traître sans vergogne usant de sa souveraineté). Outre l'extrême sympathie que dégage les acteurs de seconde zone dans leur posture noble, altruiste ou héroïque (en dépit de notre héros trépidant, je songe autant à la troupe solidaire des funambules), on peut également souligner la participation subsidiaire de Peter Cushing dans celui de l'avocat matois intervenant habilement lors de 3 points du récit.

Extrêmement rare et oublié de tous en dépit de sa noble réputation, Les Chevaliers du Démon  
constitue à mon sens l'un des fleurons du film d'aventures des sixties si bien qu'il suscite un charme irrésistible grâce à la générosité d'artisans du Bis résolument amoureux de leurs cinémas de quartier. A découvrir fissa si vous souhaitez opérer un bon dans le temps afin de retrouver intact votre âme d'enfant ! 

* Bruno