MISERY. Oscar de la Meilleure Actrice, Kathy Bates, 1991.

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site flickfacts.com

de Rob Reiner. 1990. U.S.A. 1h47. Avec James Caan, Kathy Bates, Lauren Bacall, Frances Sternhagen, Richard Farnsworth, Graham Jarvis.

Sortie salles France: 13 Février 1991. U.S: 30 Novembre 1990

Récompenses: Oscar de la meilleur Actrice pour Kathy Bates, 1991
Golden Globe de la meilleure Actrice pour Kathy Bates, 1991

FILMOGRAPHIE: Rob Reiner est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 6 Mars 1947 dans le Bronx à New-York.
1984: Spinal Tap. 1985: Garçon choc pour nana chic. 1986: Stand by me. 1987: Princess Bride. 1989: Quand Harry rencontre Sally. 1990: Misery. 1992: Des Hommes d'honneur. 1994: L'Irrésistible North. 1995: Le Président et Miss Wade. 1996: Les Fantômes du passé. 1999: Une vie à deux. 2003: Alex et Emma. 2005: La Rumeur court... 2007: Sans plus attendre. 2010: Flipped. 2012: Un Eté magique. 2014: And so it goes.

Démarche inopinée que celle du réalisateur de Stand by me, Princess bride et Quand Harry rencontre Sally de porter à l'écran un suspense horrifique initié par le maître Stephen King. C'est d'ailleurs la seconde fois que Rob Reiner adapte l'un de ses écrits avec le même succès commercial et critique. Régi en mode huis-clos réfrigérant, Misery nous confine à l'intérieur d'un chalet isolé pour nous scander la confrontation au sommet d'un éminent écrivain réduit à la paralysie et d'une fan hystérique avide d'évasion romantique. A travers le portrait de cette quadra solitaire férue de passion pour les histoires de Paul Sheldon, l'intrigue met en exergue le revers de médaille de la célébrité du point de vue de son auteur et surtout le rapport fanatique d'une frange de lecteurs incapables de distinguer la part de fiction et de réalité lorsqu'ils sont obnubilés par l'intensité d'un récit plus vrai que nature. Jusqu'où peut donc mener l'emprise de la passion, l'influence du bouquin, l'addiction des suites à succès chez les êtres susceptibles réduits au spleen de leur solitude ?

Si Misery se prend un finaud plaisir à élaborer un suspense psychologique aussi haletant que sardonique dans ces instants d'humour nerveux, il le doit beaucoup au tandem formé par le couple maudit, James Caan et Kathy Bates. Paralysé depuis son accident de voiture dans un ravin enneigé et toujours plus molesté par sa tortionnaire exigeante, l'acteur exprime avec retenue ses sentiments d'impuissance dans une hypocrisie affable afin d'amadouer sa dominatrice et avant une démarche progressive de stratagèmes de défense. Rob Reiner nous infligeant des moments de suspense tendu lorsqu'il essaie à plusieurs reprises de s'échapper de sa chambre, ou des instants horrifiques d'un réalisme rigoureux lorsqu'il en est sévèrement châtié (personne ne peut oublier l'épisode brutal des pieds broyés par une massue !). Quand à l'ultime confrontation paroxystique, nos nerfs sont mis à rude épreuve lorsque Paul essaie dans une posture précaire de se débattre contre la violence démentielle de sa tortionnaire  ! Pourvue d'une stature corpulente et douée d'un charme attendrissant dans son regard pétillant, Kathy Bates insuffle une présence subtilement perfide dans sa perversité goguenarde à vouloir dompter son otage pour le caprice d'un roman à suites à l'épilogue inconsolable ! Ses crises d'hystérie inattendues et ses éclairs de violence laissant également transparaître la névrose d'une dangereuse sociopathe déjà responsable d'un sordide passé ! La densité cruelle de Misery résulte donc dans ce rapport dysfonctionnel établi entre la victime et le bourreau contraints de cohabiter ensemble pour satisfaire le contentement de cette lectrice irrationnelle avide de romance et de reconnaissance !

Jouissif dans le mécanisme infaillible de son suspense charpenté et éprouvant dans le calvaire cruel imposé à l'écrivain démuni, Misery distille une angoisse sous-jacente et redouble l'efficacité des affrontements psychologiques autour d'un survival subtilement affolant.  

Bruno Matéï
3èx

Sunshine

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Danny Boyle. 2007. Angleterre. 1h47. Avec Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada.

Sortie salles France: 11 Avril 2007. Angleterre: 6 Avril 2007

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester.
1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage. 2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance.

Echec commercial lors de sa sortie, Sunshine bénéficie pourtant d'un spectacle vertigineux régi autour du système solaire lorsque huit astronautes vont tenter de ranimer le soleil à l'aide d'une bombe nucléaire. Or, leur mission va être compromise par un concours de circonstances infortunées. Qu'en sera t-il du devenir de l'humanité ? Si le pitch peut prêter à sourire de par l'aspect fantaisiste d'une telle mission comparable à celle du blockbuster (indigeste) Armageddon, Sunshine élude toute forme de racolage, aussi spectaculaire qu'il soit, pour se focaliser sur l'attitude démunie de ses astronautes en quête existentielle. Et pour une première incursion dans la science-fiction, Danny Boyle s'en sort donc avec les honneurs de nous avoir conçu cette splendide série B (de luxe) riche en rebondissements et rehaussée d'un esthétisme fulgurant au sein de sa scénographie spatiale plus vraie que nature. J'ose même avouer que le réalisme imparti aux décors industriels ou à ceux des vaisseaux spatiaux voguant à proximité de l'immense soleil anticipe le tour de force technique démontré dans le novateur Gravity ! Odyssée de l'espace à la dimension humaine rude quand une poignée de héros vont mesurer leur sens du courage, de loyauté et du sacrifice, Sunshine nous conte leur épreuve de force dans un univers stellaire d'où plane l'ombre d'une divinité malfaisante. 

Confrontés aux dilemmes moraux, aux incidents techniques, aux conflits de virilité puis à la découverte surprise d'un saboteur inconnu, leur espoir de sauver l'humanité s'avère toujours compromise par un concours d'évènements impondérables. Réalisé avec souci de réalisme (euphémsime), à l'instar de l'incroyable beauté de ces effets-spéciaux numériques, Sunshine possède l'atout de filmer l'espace comme si vous y étiez ! Qui plus est, à l'aide d'une intrigue pessimiste où l'avenir de notre humanité est à deux doigts de se volatiliser, les séquences d'action qui s'y interposent sont tributaires du cheminement aussi héroïque que suicidaire des protagonistes à bout de course. Il s'avère donc que, outre sa dramaturgie imposée durant ce cheminement périlleux où les pertes humaines affluent, le film distille une intensité haletante quant à la survie de ces astronautes confrontés à leur curiosité de percer les origines de la vie et à affronter les risques inconsidérés. Quand au final onirique scandé du thème élégiaque de John Murphy et Underworld, il laisse percer l'émotion Spoil ! parmi le témoignage de ces ultimes survivants et d'une famille contemplant de la terre la résultante de leur mission de dernier ressort Fin du Spoil. 

Hymne à l'immensité de l'espace et à ses secrets impénétrables, ode à la bravoure de ces astronautes suicidaires pourvus d'une digne humanité, Sunshine renouvelle l'expédition spatiale avec l'indéniable efficacité d'un script imprévisible épaulé d'une réalisation littéralement formelle (on en prend plein la vue sans interruption possible). Du grand space opera naturaliste qui fera date. 

* Bruno

29.07.22. 

25.03.24. 4èx. Vostfr

GHOSTS OF MARS

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de John Carpenter. 2001. U.S.A. 1h38. Avec Natasha Henstridge, Ice Cube, Jason Statham, Clea DuVall, Pam Grier, Joanna Cassidy, Richard Cetrone.

Sortie salles France: 21 Novembre 2001. U.S: 24 Août 2001

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques. 1979: Le Roman d'Elvis. 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Echec commercial d'autant plus discrédité par quelques critiques de l'époque, Ghosts of Mars symbolise l'oeuvre maudite qu'il serait temps de réhabiliter tant cet excellent western futuriste s'avère perpétuellement captivant dans son lot d'action et de rebondissements tout en soulignant en sous-texte social une diatribe contre le colonialisme ricain. En 2076, Mars est exploité par une colonie de mineurs afin de la rendre habitable. Deux femmes flics, Helena Braddock et Mélanie Ballard ont pour mission de récupérer un dangereux criminel responsable de la mort de six travailleurs au sein du Shining Canyon. Sur place, elles découvrent une cité étrangement évacuée d'habitants, à l'exception du criminel Desolation William et de quelques prisonniers erratiques confinés à l'intérieur une cellule. Mais dehors, une menace beaucoup plus vicieuse et délétère est sur le point d'élaborer une offensive !

Si dans un premier temps, on peut reprocher à Carpenter d'emprunter quelques idées et situation de siège vues dans Assaut et The Thing, on ne peut nier l'indéniable efficacité qui émane de cette guérilla homérique aussi barbare que belliqueuse. Empruntant à la dynamique de groupe et aux conflits de discorde avant l'accord d'une cohésion, nos survivants vont finir par collaborer avec des marginaux pour mieux combattre une tribu de guerriers sanguinaires ! C'est également la scénographie rutilante d'un Mars inquiétant permettant au spectateur de se dépayser pour s'immerger dans un environnement aussi hostile que palpable. A l'instar de la menace invisible (une sorte de poudre rouge) s'emparant des corps des êtres humains pour les posséder un à un et ainsi unifier une hiérarchie révolutionnaire. Affublés de peintures tribales et de piercings sur tout le visage, ces fantômes originaires d'une biologie indigène et libérés de leur caveau incarnent une métaphore sur le sort réservé au peuple indien lorsque les américains se sont emparés de leur terre. Et leur vengeance de s'accomplir ici sur Mars afin de repousser à nouveau l'envahisseur ! Outre l'aspect jouissif de certaines séquences d'action rigoureusement chorégraphiées et de certaines idées subversives (l'ingestion de drogue est ici profitable pour le consommateur s'il veut éviter l'emprise de l'entité indigène !), Ghosts of Mars est également privilégié par la prestance burnée de comédiens en roue libre affublés d'un look fétichiste. L'audace de Carpenter étant également d'avoir attribué le rôle principal à un personnage féminin, une jeune mannequin blonde préalablement révélée dans la sympathique série B, La Mutante. Et on peut avouer sans rougir que cette plantureuse beauté s'avère parfaitement crédible dans la peau d'une lieutenant inflexible toute aussi loyale lorsqu'elle décide de coopérer avec un anti-héros difficilement domptable. Secondé par Ice Cube, ce dernier livre sans réserve son meilleur rôle dans la peau d'un délinquant inébranlable fustigé depuis toujours par sa couleur de peau mais épris aujourd'hui d'un héroïsme rédempteur.  

Invaders from Mars
Rythmé par le score électro de Carpenter himself et des percussions hard-rock d'Anhrax, Ghost of Mars caractérise l'excellence d'une série B de samedi soir conduite avec efficacité, maîtrise et subversion. On apprécie d'autant mieux le caractère attachant et bien trempé de nos protagonistes symbolisant l'escorte solidaire assignée au sens de bravoure et du sacrifice, quelque soit leur différence sociale. 

Dédicace à Mathias Chaput
Bruno Matéï
3èx

Harlequin. Prix du Jury, Prix de la Critique, Prix du Meilleur Acteur (Robert Powell) au Rex de Paris.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineday.orange.fr

de Simon Wincer. 1980. Australie. 1h35. Avec Robert Powell, David Hemmings, Carmen Duncan, Broderick Crawford, Gus Mercurio, Alan Cassell, Mark Spain.

Sortie salles France: 14 Janvier 1981. Australie: 20 Mars 1980

FILMOGRAPHIE: Simon Wincer est un réalisateur, producteur et scénariste australien né en 1943 à Sydney (Australie). 1979: Snapshot. 1980: Harlequin. 1983: Phar Lap. 1985: D.A.R.Y.L. 1987: La Chevauchée de Feu. 1990: Mr Quigley l'Australien. 1991: Harley Davidson et l'Homme aux santiags. 1993: Sauvez Willy. 1994: Jack l'Eclair. 1995: Opération Dumbo. 1996: Le Fantôme du Bengale. 2001: Crocodile Dundee 3. 2003: La Légende de l'Etalon Noir. 2011: The Cup.

Sorti en plein âge d'or du Fantastique australien, Harlequin reçu un accueil enthousiaste de la part du public et du vidéophile l'ayant découvert à l'orée des années 80 dans son vidéo-club du coin. Célébré de trois prix au Festival du Rex de Paris (Prix du jury, Prix de la Critique et Prix du Meilleur acteur pour Robert Powell), cette série B impeccablement troussée puise son originalité par son concept peu commun bâti autour de l'intrusion d'un prestidigitateur chez une famille politique. Car surgi de nulle part, Grégory Wolf se résigne à sauver la vie du fils d'un sénateur atteint d'un cancer incurable. Alors que le sous-gouverneur Steele est porté disparu en mer, Rick Rast est sur le point de prendre sa place parmi l'influence de son entourage politique. Mais l'arrivée inquiétante de Wolf multipliant tours de prestige et exploits de guérison va bouleverser son ambition professionnelle ainsi que sa vie conjugale ! 

Cet étrange scénario dénonçant en sous texte social la corruption, l'influence et la mégalomanie au sein du corps politique use de supercherie et de manipulation parmi le témoignage d'un énigmatique Harlequin. Endossé par Robert Powell, l'acteur parvient à se tailler une stature quasi surnaturelle par son apparence lunaire, ses tours de passe-passe improvisés, sa spontanéité d'y dominer l'illusion. Renforcé de son regard azur littéralement perçant, sa présence magnétique doit beaucoup au caractère fascinant et ambigu de sa personnalité tant il réussit à nous faire douter de ses intentions louables ou disgracieuses. Tout l'intérêt réside alors de savoir quel est le motif de son arrivée au sein de la famille Rast, est-il réellement doué de pouvoirs surnaturels et de guérison, et d'où vient-il ? Alors que d'étranges évènements vont ébranler la tranquillité de certains membres du sénateur et rendre publique une potentielle affaire de viol, Grégory Wolf ne se prive pas de sarcasme pour railler ses adversaires avec une insolence dérangeante. Ainsi, avec intense efficacité et suspense progressif, Simon Wincer met en appui une intrigue infaillible auprès de son lot de rebondissements oscillant stratégies politiques et simulacre de magie, là où l'apparence s'avère aussi bien fallacieuse dans les deux camps. Quand au final haletant imprégné de mysticisme, il laisse planer le doute quand à la nouvelle destinée du fils du sénateur, quand bien même le générique de fin s'attarde sur son portrait imprimé sur le carrelage d'une cuisine !

Avec intelligence, malice et originalité, Harlequin idéalise le divertissement adulte à travers une fantaisie sardonique diablement ficelée fustigeant la manipulation politique. Rehaussé de la performance ensorcelante de Robert Powell, de seconds-rôles attachants et d'un climat d'inquiétude teinté d'onirisme, le film préserve toujours autant son pouvoir irréel de fascination ! 

Récompenses: Prix du jury, Prix de la Critique et Prix du Meilleur Acteur pour Robert Powell au 10è Festival du film Fantastique de Paris.

Prix du jury de la critique internationale, meilleur scénario et meilleure photographie au Festival du film de Catalogne, 1980

*Bruno
4èx

PREDESTINATION

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Michael Spierig et Peter Spierig. 2014. Australie. 1h37. Avec Ethaw Hawke, Noah Taylor, Sarah Snook, Elise Jansen, Christopher Kirby, Freya Stafford.

Sortie Dvd France: 1er Décembre 2014. Australie: 28 Août 2014

FILMOGRAPHIE: Michael Spierig et Peter Spierig sont des réalisateurs australiens, nés le 29 Avril 1976 à Buchholz (Allemagne).

2003: Undead. 2010: Daybreakers. 2014: Predestination

"Ne faites jamais hier ce qui devrait être fait demain. Si vous réussissez, ne réessayez jamais !"

Après le médiocre Undead et le sympathique Daybreakers, les frères Spierig se retrouvent pour le coup relégués à la case DTV avec Predestination, une série B d'anticipation inspirée d'un roman de Robert A. Heinlein, "Vous les zombies". Un agent secret a pour mission d'annihiler un dangereux terroriste. Avec l'aide d'un procédé temporel, il parcourt le passé afin d'éviter un prochain attentat de grande envergure. Gravement brûlé au visage lors d'une ultime altercation avec l'assassin, il se résigne une dernière fois à voyager dans le temps afin de l'éradiquer. 

Si ce bref résumé a de quoi laisser dubitatif l'amateur de récits temporels "singuliers", détrompez vous du leurre, Predestination tirant parti d'un concept follement original autour de l'affrontement psychologique de personnages en quête identitaire. Exit donc les scènes d'action pétaradantes observées dans le dernier Blockbuster ricain pour laisser place ici à un affrontement entre deux individus avides d'une résolution existentielle car compromis dans un concours de circonstances dysfonctionnelles. La première partie nous précise le passé tourmenté d'une jeune femme pugnace, Jane, réduite à la solitude depuis sa naissance dans un orphelinat. Captivant dans sa structure détaillée, son cheminement malchanceux insuffle une réelle empathie pour l'étrange destin de cette femme destituée de sa propre personnalité et en quête de vengeance. Le second acte se focalise ensuite sur la transaction temporelle impartie entre l'agent secret (barman à ses heures perdues) et Jane après que cette dernière lui eut expliqué ses raisons de supprimer son amant, le paternel responsable de sa nouvelle condition et d'un enfant préalablement kidnappé à la naissance. Je n'en dévoilerais pas plus pour la progression des enjeux dramatiques riches d'imprévus et de révélations malsaines, mais outre l'aspect captivant d'une énigme retorse embourbée dans un contexte temporel sans fin, Predestination sous-tend une réflexion sur l'échec de la personnalité, de la psychose et la schyzophrénie (qui suis-je ? d'ou je viens ?) lorsqu'une personne rongée par la solitude et la colère se condamne elle même à briser une vie commune sans issue. L'intensité du conflit émane donc de la généalogie scabreuse d'une relation humaine bâtie sur la fraude, le simulacre et le viol d'identité.  

Destination finale

Conçu à la manière d'un puzzle complexe inévitablement confus, Predestination brode un scénario perfide pour nous entraîner dans une inexorable descente aux enfers autour de personnages interlopes noyés par leur solitude et l'échec de la réussite. Il en émane une perle de déviance (encore plus couillue que l'étonnant Looper de Rian Johnson !), un récit de science-fiction lancinant dans ses thématiques abordés où le contexte temporel fait office d'offrande empoisonnée (le serpent qui se mord la queue indéfiniment!), rehaussé en prime d'un score percutant et surtout de la constance tranchée des comédiens (Ethan Hawke et Noah Taylor sont hantés par une désillusion amoureuse).

Dédicace à Jean Marc Micciche

Bruno Matéï 

L'ORPHELINAT (El Orfanato). Grand Prix, Gérardmer 2008.

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

de Juan Antonio Bayona. 2007. Espagne. 1h45. Avec Belen Rueda, Fernando Cayo, Roger Princep, Montserrat Carulla, Géraldine Chaplin, Mabel Rivera.

Récompenses: Grand Prix à Gérardmer, 2008
Prix du Jury Sci-Fi à Gérardmer, 2008
Prix Goya des Meilleurs Effets Spéciaux, 2008

Sortie salles France: 5 mars 2008. Espagne: 11 Octobre 2007

FILMOGRAPHIE: Juan Antonio Bayona est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1975 à Barcelone. 2004: Sonorama (video). 2004: 10 anos con Camela (video). 2005: Lo echamos a suertes (video). 2007: l'Orphelinat. 2012: The Impossible.

Immense succès dans son pays d'origine, à l'instar de son ovation française reçue au Festival de Gérardmer (Grand Prix, Prix du Jury Sci-fi !), l'Orphelinat incarne l'archétype du Fantastique Espagnol noble lorsqu'un scénario charpenté est entièrement alloué à l'humanisme des personnages, au sens d'un mystère palpable et à l'ambiance éthérée d'un cas de hantise. En empruntant les thématiques délicates de l'enfance meurtrie, de l'instinct maternel, de la difficulté de surmonter le deuil et du sens du sacrifice, Juan Antonio Bayona se porte en conteur avisé pour mettre en exergue l'investigation rigoureuse d'une mère de famille obsédée par la disparition de son fils. Ancienne pensionnaire d'un orphelinat durant sa jeunesse, Laura décide aujourd'hui de rouvrir l'établissement pour accueillir de jeunes enfants handicapés. Mais le comportement de son fils, Simon, s'avère toujours plus inquiétant lorsqu'il se distrait avec ses potentiels amis invisibles. Le jour de l'inauguration, ce dernier disparaît sans laisser de traces. Malgré l'impuissance de la police, Laura se lance alors à sa recherche afin de le retrouver en vie puis finit par faire appel à une éminente parapsychologue. 

Autour de cette douloureuse histoire de disparition infantile Spoil !!! mais aussi du châtiment macabre intenté à de jeunes orphelins fin du Spoil !, Juan Antonio Bayona aborde le sujet de l'injustice de la mort avec la sensibilité prude de parents déboussolés en quête de vérité. En particulier du point de vue de Laura, une mère déjà ébranlée par son ancienne adoption au sein de l'orphelinat, puisque du jour au lendemain contrainte de se séparer inopinément de ses jeunes amis pensionnaires. La manière intelligente dont le cinéaste fait intervenir le surnaturel s'avère d'autant plus crédible qu'il ne fait appel à aucune esbroufe puisque préconisant la fragilité psychologique de Laura (Belen Rueda s'avérant remarquable de sobriété dans son épreuve maternelle toujours plus significative !) embarquée dans une investigation aussi macabre que fructueuse. Outre sa force dramatique impartie aux thèmes de l'enfance meurtrie, du deuil inéquitable et de la démission parentale, l'Orphelinat joue sur la notion spirituelle de l'existence en l'au-delà avec pudeur afin de dédramatiser l'angoisse du trépas. En second plan, son onirisme candide et son atmosphère feutrée laissent planer un mystère diffus autour de cette bâtisse gothique entachée de mauvais souvenirs et de secrets inavoués. Sans déflorer l'alibi de l'intrigue riche en rebondissements, le film puise donc son acuité dans le cheminement mystique de Laura emmêlée dans une énigme aussi longue et cruelle mais aussi salvatrice. 

Avec émotion et sensibilité, Juan Antonio Bayona renouvelle le film de fantôme grâce à l'intelligence d'un script retors impeccablement structuré. Car sans volonté d'ébranler le spectateur, il occulte la terreur traditionnelle pour miser sur le suspense lattent et la caractérisation humaine de ces personnages confrontés à un destin aussi funèbre que rédempteur ! Poème d'amour et de mort, l'Orphelinat se résumant à une bouleversante leçon de décence envers ces enfants martyrs épris de grâce maternelle ! 

Bruno Matéï

2èx

Assaut (Assault on Precinct 13)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

de John Carpenter. 1976. U.S.A. 1h31. Avec Austin Stoker, Darwin Joston, Martin West, Laurie Zimmer, Nancy Kyes, Tony Burton, Charles Cyphers.

Sortie salles France: 5 Juillet 1978. U.S: 5 Novembre 1976

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques. 1979: Le Roman d'Elvis. 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Après un premier essai de science-fiction fauché (Dark Star), John Carpenter nous offre un coup de maître avec Assaut, variation moderne du western Rio Bravo d'Howard Hawks auquel il voue une admiration sans borne. Mal accueilli par la critique et le public dans son pays initial, le film accède pourtant à la notoriété en Europe pour se tailler rapidement une réputation de film culte. Inspiré également de la Nuit des Morts-vivants, John Carpenter réalise avec un petit budget une véritable prouesse technique de par sa maîtrise de narrer singulièrement l'état de siège d'un commissariat pris à parti avec une horde de meurtriers impassibles. La raison de leur blocus émane du témoignage d'un homme réfugié dans le central 13 depuis qu'il eut été témoin de l'assassinat de sa fille (une scène-choc d'un réalisme dérangeant !) et après s'être vengé de son tortionnaire, un des leaders du gang. Sévèrement choqué et en état de marasme, il ne peut exprimer aux autorités sa situation de détresse auquel une fillette et un vendeur de glace venaient d'être lâchement exécutés ! Au même moment, un groupe d'individus de diverses ethnies s'organise autour du bâtiment afin de pouvoir l'appréhender ! Avec l'aide de deux dangereux criminels en attente de transfert, le shérif Ethan Bishop, la secrétaire Leigh et la standardiste Julie vont tenter de le protéger et de se défendre contre les tirs des assaillants.

Modèle d'efficacité aussi intense que spectaculaire, Assaut s'octroie au huis-clos afin de mesurer le courage de divers protagonistes que tout oppose (trois policiers vont négocier leur survie avec le soutien de deux criminels et finalement s'accepter malgré leur divergence morale et sociale) contre la menace de gangsters méthodiques. Caractérisés comme des fantômes aussi mutiques qu'étrangement véloces, John Carpenter emprunte au fantastique quasi surnaturel dans leur posture belliqueuse parfaitement planifiée. Et ce en nous confrontant au western moderne à travers son action échevelée, l'héroïsme viril de ses personnages et à travers l'aspect rétro d'un commissariat aménagé de vieilles cellules. Scandé du score électro de John Carpenter, l'ambiance crépusculaire qui y émane autour du blocus laisse distiller une impression horrifique sous-jacente lorsque l'établissement se retrouve encerclé par des criminels suicidaires voués au martyr ! Notamment la manière aphone dont ils s'y prennent pour cibler leurs otages à l'aide de balles tirées au silencieux ! Une séquence d'anthologie aussi jouissive qu'étrangement inquiétante de par son silence imposé ! Outre l'impact spectaculaire et fun de ces foudroyants éclairs de violence, Assaut est également transcendé d'un sens du suspense infaillible et de la prestance charismatique de comédiens totalement investis dans leur fonction de survie, jusqu'aux moindres seconds rôles. Des personnages burnés redoublant de risques et bravoures afin d'éviter les balles, puis tenter en désespoir de cause de sortir de leur établissement en fouinant une issue de secours. Si tous les acteurs impeccablement dessinés s'avèrent formidablement attachants, on peut mettre en exergue la présence féminine de la troublante Laurie Zimmer endossant avec un flegme imperturbable une secrétaire audacieuse à travers ses prises de risque inconsidérées. Son regard doux et magnétique et son comportement loyal envers l'un des prisonniers nous transcendent un des plus beaux portraits de femme forte au point de voler la vedette à tous ces partenaires burinés !

Parmi sa réflexion sociale d'une montée en puissance de la violence délinquante au sein d'une Amérique gangrenée par la prolifération des armes, Assaut transfigure l'archétype du divertissement forcené à travers un western urbain incroyablement photogénique. Sa mise en scène carrée, l'impact envoûtant de sa partition au synthé, la frénésie de son action, l'ambiance étrangement funèbre et la dimension héroïque de ces héros en cohésion confinant au chef-d'oeuvre mythologique ! 

Bruno
5èx

LE MORT-VIVANT (Dead of Night)

                                                                            Photo scannée appartenant à Bruno Matéï

de Bob Clark. 1972/74. U.S.A. 1h32. Avec John Marley, Lynn Carlin, Richard Backus, Henderson Forsythe, Anya Ormsby, Jane Daly, Michael Mazes.

Sortie salles France: 20 Août 1975. U.S: 30 Août 1974  

Récompenses: Prix du Meilleur Scénario au Festival du film fantastique de Paris.
Prix du Meilleur Scénario au Festival du film de Catalogne, 1975

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Bob Clark est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 5 Août 1941 à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane (Etats-Unis), décédé le 4 Avril 2007 à Pacific Palisades, en Californie.
1966: The Emperor's New Clothes. 1967: She-Man. 1972: Children Shouldn't play with dead things. 1974: Le Mort-Vivant. 1974: Black Christmas. 1979: Meurtre par décret. 1980: Un Fils pour l'été. 1982: Porky's. 1983: Porky's 2. 1983: A Christmas Story. 1984: Rhinestone. 1985: Turk 182 ! 1987: From the Hip. 1990: Loose Cannons. 1995: Derby (télé-film). 1999: P'tits génies. 2004: SuperBabies.

Juste avant Black Christmas, fer de lance du psycho-killer, Bob Clark avait déjà marqué les esprits avec le Mort-Vivant, authentique film culte d'une surprenante originalité dans son thème emprunté au mythe du zombie et dans sa métaphore assignée au trauma vietnamien. Car sous couvert d'une intrigue horrifique au climat sévèrement mortifère, le film traite en filigrane de la difficile réinsertion des vétérans américains livrés à la folie et la solitude dans leur pays en berne. Un officier du ministère vient apprendre à la famille Brooks que leur fils Andy est mort au front vietnamien. Quelques jours plus tard, ce dernier réapparaît vivant à la stupeur des parents ! Mais déboussolé, impassible et mutique, Andy se morfond dans la solitude quand bien même un routier est retrouvé sauvagement assassiné. Une descente aux enfers commence pour la famille et leur nouveau rejeton réduit à l'état de monstre !

Portrait glaçant d'un soldat infériorisé par sa dégénérescence physique et morale, le Mort-Vivant est un cauchemar américain d'un réalisme acéré. De par la prestance magnétique de l'acteur John Marley pourvu d'une trogne aussi famélique que rigide, et le parti-pris de sa mise en scène proche du documentaire. Privilégiant l'étude de caractère des personnages, le film gagne en crédibilité lorsque le cinéaste s'attarde à souligner la situation de crise d'une cellule familiale tourmentée par le retour de leur fils, car réfugié depuis dans l'isolement. Alors que le père adopte un comportement davantage irascible et suspicieux à son égard, la mère, déjà bien perturbée de sa longue absence, préserve aujourd'hui son instinct maternel afin de le protéger contre toute culpabilité. Quand à la soeur d'Andy, elle mise pour le retrait, une manière docile de ne pas interférer dans la discorde afin d'apaiser les tensions. Emaillé de séquences horrifiques assez malsaines, le Mort-Vivant provoque une terreur sourde pour les agissements meurtriers de ce soldat revenu de l'Enfer ! Les meurtres sauvagement perpétrés s'avérant d'autant plus déconcertants qu'Andy pratique des perfusions intraveineuses pour se nourrir du sang des victimes ! Il en émane une trouble fascination face à son comportement interlope, notamment pour la variation de son look (col roulé et lunettes noires afin de panser ses plaies purulentes !) et de sa dégénérescence physique appuyée par les maquillages du débutant Tom Savini (Andy se putréfiant inexorablement en dépit de ses dernières agressions sanglantes !). Qui plus est, épaulé d'une photo granuleuse et sombre, le climat glauque qui enveloppe le récit distille une atmosphère étouffante que la musique de Carl Zittrer va accentuer dans des tonalités dissonantes. Enfin, le film s'achève de manière bien cruelle lors d'un épilogue dérangeant resté dans les mémoires, de par son caractère poignant proprement tragique Spoil ! (Andy s'inhumant lui même devant sa tombe face au témoignage impuissant de sa mère et de la police). Fin du Spoiler.

Moi, Zombie, chronique du traumatisme.
Avec audace, intelligence et originalité, Bob Clark suggère avec le Mort-Vivant un pamphlet contre la barbarie guerrière et le traumatisme des vétérans à leur retour au pays. Grâce à l'interprétation effrayante de John Marley, aux seconds-rôles dépouillés et à la verdeur de son réalisme, le film insuffle une aura putrescente dans cette descente aux enfers d'une intensité cauchemardesque. 

AVERTISSEMENT ! N'optez pas pour la Version Française, le doublage s'avérant superficiel et sa nouvelle partition musicale usurpée ! 

Bruno Matéï

4èx

Aliens, le Retour (Aliens)

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine

de James Cameron. 1986. U.S.A. 2h17 (Version Cinema)/2h34 (Director's Cut). Avec Sigourney Weaver, Michael Biehn, Carrie Henn, Lance Henriksen, Paul Reiser, Bill Paxton.

Sortie salles France: 8 Octobre 1986. U.S: 18 Juillet 1986

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada). 1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

Si Ridley Scott eut innové en matière de space-opera horrifique avec son modèle matriciel Alien, James Cameron exploite ici son concept sous une facture autrement belliqueuse, Aliens misant autant sur le film de guerre que l'horreur tentaculaire d'une hostilité organique décuplée ici en masse. Epaulé de Ripley, une escouade de marines et un humanoïde charitable ont pour mission de se rendre sur la planète LV-426 depuis qu'un groupe de colons s'est porté disparu. Enrôlés à la rescousse et armés jusqu'aux dents, ils vont devoir livrer une bataille sans merci contre des milliers de Xenomorphes toujours plus vicieux et voraces dans leurs stratégies meurtrières. Film d'action pur et dur mis en scène avec une maestria imperturbable, Aliens, le Retour prend le contre-pied de son modèle préétabli en concentré d'angoisse diffuse et de suggestion pour s'édifier aujourd'hui en blockbuster homérique d'une intensité insatiable. Avec intelligence et efficacité, James Cameron exploitant le potentiel épique de son histoire au service de la situation démunie des personnages, quand bien même un traître à bord va tout mettre en oeuvre pour compromettre la mission afin de pouvoir ramener un spécimen extra-terrestre sur Terre. 

Sur le mode opératoire du survival ardu, nos combattants brimés par une menace d'abord imperceptible vont redoubler de vigilance afin de débusquer les potentiels Aliens occultés dans les sous-terrains jusqu'aux plafonds des galeries. James Cameron exploitant à merveille l'aspect anxiogène de son refuge industriel, de ses laboratoires et navettes spatiales au coeur d'un espace crépusculaire. La première partie du film mise donc sur l'attente exponentielle d'un danger sous-jacent toujours plus palpable et donc éminemment angoissant. Pour renforcer l'intensité des enjeux humains, la découverte d'une survivante infantile va être adoptée par le commando dont Ripley se portera garante dans une protection maternelle (elle venait d'ailleurs d'apprendre la mort de sa fille après 57 ans d'hyper sommeil !). Le cinéaste va notamment profiter de leur tendre complicité pour les confronter à une série de dangers impromptus aussi alarmistes qu'éprouvants ! Enfin, dans un concours d'incidents techniques, comme cette navette de secours détruite en plein vol ou ce réacteur nucléaire prêt à exploser dans les heures prochaines, nos baroudeurs vont persévérer de stratégies de défense et d'offensive afin de déjouer l'envahisseur. Un occupant extra-terrestre décuplé ici en nombre puisque des centaines d'Aliens vont se résoudre à les exterminer dans une voracité toujours plus véloce ! Cette alternance de suspense intense, d'horreur organique et d'action spectaculaire s'avère adroitement charpentée pour mettre en alerte le spectateur (à l'instar de son point d'orgue paroxystique illustrant le combat au corps à corps de Ripley contre la reine Alien !), tandis que le caractère bien trempé de la plupart des personnages nous impressionne dans leur sens de bravoure, d'honneur et de sacrifice. 

"Ne la touche pas, sale pute !"
Modèle de mise en scène d'une maîtrise chirurgicale, Aliens, le Retour allie horreur insidieuse et action guerrière avec le réalisme d'une intensité vertigineuse. Il en émane un grand huit ultra jouissif dominé par la prestance virile d'une Sigourney Weaver aussi humble qu'intrépide dans son portrait maternel et guerrier. Formellement fascinant, de par sa scénographie spatiale humide et rubigineuse et ces effets-spéciaux novateurs encore bluffants, ce chef-d'oeuvre homérique est également transcendé par les percussions échevelées de James Horner. 

Bruno Matéï

4èx

Récompenses: Oscars du Meilleur Montage Son et des Meilleurs Effets visuels en 1986
Prix Hugo: Meilleur Film en 1987

Kinema Junpo Awards: Meilleur Film Etranger

Saturn Awards: Meilleur Film de Science-Fiction

Le p'tit mot de Laurent !
"Aliens le retour ! du lourd, du très lourd ! C'est vrai que James Cameron n'est pas du genre à filmer des grille-pain pendant une heure sous tous les angles mais plutôt des usines entières ! Après une décennie de d'hégémonie du space op' type Guerre des Etoiles, Cameron nous rappelait que les hommes n'iraient pas dans l'espace seulement comme des rêveurs idéalistes mais y transporteraient leurs arsenaux (du métal perforant, du nucléaire) leurs idéologies (libéralisme, techno-militarisme) et leurs pathologies(névroses, psychose et autres blessures). A part le film "Outland" je ne connais pas d'autres films du genre aussi politiquement explicites(2001,Solaris, Silent Running datant d'avant 1977, il me semble).
Mais l'ami James n'est pas un moraliste, ni un donneur de leçons, c'est un véritable artiste qui n'oublie jamais que le cœur reste la plus fascinante des machines.
Ici, au centre de son immense mécano en voie de détérioration, au milieu des jets de vapeurs et d'acides, au bord du gouffre et de l'autodestruction, quand le cancer gagne, quand la folie guette, il nous bouleverse en faisant de l'attachement (mère/enfant) une condition essentielle de la survie de notre humanité."

Les critiques des autres opus: 

Alien, le Huitième Passager: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/04/alien-le-huitieme-passager.html
Alien 3: http://brunomatei.blogspot.com/2011/09/alien-3.html
Alien, la Résurrection: http://brunomatei.blogspot.com/2011/08/alien-la-resurrection.html

La Dernière Vague. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 78.

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site solium.ru

"The Last Wave" de Peter Weir. 1977. Australie. 1h46. Avec Richard Chamberlain, Olivia Hamnett, David Gulpilil, Frederick Parslow, Vivean Gray, Nandjiwarra Amagula, Walter Amagula.

Sortie salles France: Novembre 1977. Australie: 15 Décembre 1977

FILMOGRAPHIE: Peter Weir est un réalisateur australien, né le 21 Août 1944, à Sydney, Australie. 1974: Les Voitures qui ont mangé Paris. 1975: Pique-nique à Hanging Rock. 1977: La Dernière Vague. 1981: Gallipoli. 1982: l'Année de tous les Dangers. 1985: Witness. 1986: Mosquito Coast. 1989: Le Cercle des Poètes Disparus. 1990: Green Card. 1993: Etat Second. 1998: The Truman Show. 2003: Master and Commander. 2011: Les Chemins de la Liberté.

                                         

Fleuron de l'âge d'or du fantastique australien, la Dernière Vague est aujourd'hui souvent réduit au mutisme auprès des fans du genre, alors que le jeune public en ignore son existence faute de son invisibilité sur nos écrans. Pourtant couronné du Prix Spécial du Jury à Avoriaz et depuis sorti en Dvd chez nous dans un superbe coffret regroupant 4 films fondateurs de Peter Weir, La Dernière Vague symbolise avec subtilité un fantastique éthéré autour de visions d'apocalypse, entre rêve prémonitoires et réalité pessimiste. Le pitch: A Sydney, à la suite du meurtre d'un aborigène, un avocat tente de défendre cinq accusés mis en cause par ce lynchage communautaire. Au fil de son investigation, David Burton va être assujetti à d'étranges rêves témoignant des rites ancestraux d'une tribu aborigène. Et pour endosser l'avocat en perte de repère et en perdition existentielle, il est étonnant de retrouver ici le bellâtre acteur des Oiseaux se cachent pour mourir au sein d'une oeuvre indépendante aussi métaphysique que déroutante ! De par son rythme apathique réfutant le spectacle d'envergure et son atmosphère irréelle  émanant d'une imagerie onirico-crépusculaire. 

Si la première partie prodigue un certain effort pour accepter la monotonie ambiante du héros en perpétuel questionnement sur l'idéologie aborigène, la suite s'avère toujours plus captivante lorsqu'il tente de démystifier le rite tribal d'un meurtre commis en réunion. Ainsi, à travers cette étrange intrigue dénonçant la colonisation de l'homme blanc sur le peuple aborigène, la Dernière Vague fait appel à la tradition de "l'âge d'or", au respect tribal et à leur éthique, là où l'importance du rêve accorde une grande place pour y surveiller le climat de notre environnement. Et s'il y a trahison d'un de leur membre, le coupable en est sévèrement châtié par le pouvoir de la sorcellerie ! Cette race d'esprits que l'on prénomme ici "Mulkurul" a comme devoir d'y prédire l'avenir à travers les songes et d'imposer leur nouvelle présence lorsque la nature cyclique est sur le point de s'y renouveler ! Traversé de séquences impressionnantes (mais concises !) d'intempéries diluviennes, de tempêtes de grêle et de pluie noire, le film emprunte la voie métaphorique de Dame Nature se rebellant contre l'irrespect de l'homme moderne réfractaire aux anciennes religions et depuis condamnées à l'oubli. Une ambiance d'apocalypse y est alors distillée de par la suggestion de prédictions cauchemardesques auquel un homme blanc tentera  d'interférer parmi la télépathie d'un aborigène pour y percer leurs secrets. Tel ce potentiel achèvement de notre monde venu purifier de nos pêchers toutes formes de civilisations ! Par la force d'images sensitives où l'eau y symbolise autant la pureté que l'élément déclencheur d'une violence climatique, la Dernière Vague fait appel à la puissance d'évocation, au sens de la suggestion afin d'anticiper une angoisse latente toujours plus pessimiste ! 

Le Nouveau Monde

Réflexion métaphysique sur une perpétuelle renaissance existentielle et sur le rapport spirituel des rêves, La Dernière Vague fait appel au déchaînement de la nature pour nous rappeler son omnipotence face à notre égocentrisme. Epaulé du score lancinant de Charles Wain, d'une photo naturelle et de l'interprétation habitée d'un Richard Chamberlain transi d'émoi (sans doute son meilleur rôle !), cette enquête mystique aussi fascinante qu'inquiétante laisse en exergue une vision plutôt crépusculaire de notre avenir. Et ce avant qu'un nouveau monde n'éclot... Chef-d'oeuvre.

*Bruno 

07.10.20. 

23.06.23. 5èx

Récompenses: Prix Spécial du Jury à Avoriaz en 1978

Meilleure Photographie, Meilleur Son lors des Australian Film Institute Awards, 1978

Meilleur Acteur, Richard Chamberlain au Festival du film de Catalogne, 1982.

                                    

LA MORTE-VIVANTE

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site t411.me

de Jean Rollin. 1982. France. 1h29. Avec Marina Pierro, Françoise Blanchard, Mike Marshall, Carina Barone, Jean-Pierre Bouyxou.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin), 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Dans la mouvance du gore transalpin qui avait éclaboussé nos écrans au début des années 80, Jean Rollin profite du filon commercial pour mettre en scène la Morte-Vivante. Une série Z franchouillarde bourrée de maladresses et d'incohérences mais néanmoins récupérée par une thématique intéressante déjà exploitée par le magnifique Moi, zombie, chronique de la douleur et le Jour des Morts-vivant, la résurgence du regain de conscience du point de vue d'un Zombie ! Après avoir déposé des fûts toxiques dans la crypte d'un château, trois hommes réveillent l'âme de la défunte Catherine Valmont. Livrée à sa nouvelle déchéance, elle tue de sang froid les intrus dans un instinct sanguinaire. Seule dans le château, Catherine se remémore ses souvenirs d'enfance avec Hélène, sa meilleure amie avec qui elle partageait une grande complicité. 

Produit commercial surfant sur la vague des Zombie Movies invoqués par Fulci, Lenzi, Bianchi et consorts, la Mort-Vivante exploite avant tout le caractère explicite des situations gores émanant du comportement erratique de notre héroïne avide de sadisme et de sang frais. A l'aide de trucages en latex très élémentaires mais néanmoins efficaces, Jean Rollin ne lésinant pas sur le racolage pour filmer en gros plan moult plaies entaillées et chairs déchiquetées. Endossé par des comédiens inexpressifs et pourvu d'une réalisation approximative, le film prête à sourire par son aspect aussi ridicule que fauché. Pourtant, avec la personnalité sensible de son auteur, on se prend néanmoins d'intérêt à suivre le cheminement indécis d'une morte-vivante victime de sa condition meurtrière et de son isolement. Autour de son errance nocturne et parmi la tendre relation qu'elle renoue avec son amie d'enfance, les thèmes de l'amour, de la réminiscence, de l'amitié, du sacrifice et des sentiments nous sont abordés parmi l'intimité fragile de deux femmes compromises à une dérive sanguinaire. Et les rôles de s'inverser lorsque Catherine, éprise de conscience et de sensibilité, va finalement se raviser de ses exactions morbides, quand bien même Hélène va au contraire persévérer dans l'avilissement afin de combler le vide existentiel de sa compagne.

Liens d'amour et de sang

En dépit de son amateurisme et de ses inévitables maladresses parfois risibles, La Morte-Vivante réussit à divertir et attendrir dans une notion de romantisme imparti à une zombie livide vêtue de blanc. Si sa dimension psychologique s'avère bien mal exploitée et que les comédiens ternes lui portent préjudice, on se prend quand même d'affection à suivre la destinée singulière de Catherine, fantôme abdiqué par Dieu et la mort. A réserver aux inconditionnels de Rollin. 

Bruno Matéï
2èx