Dolls / Les Poupées

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site thelightningbugslair.com

de Stuart Gordon. 1987. U.S.A. 1h17. Avec Carolyn Purdy-Gordon, Patrick Williams Ian, Carrie Lorraine, Guy Rolfe, Hilary Mason, Bunty Bailey, Cassie Stuart, Stephen Lee.

Sortie salles U.S: Mars 1987

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago (Illinois). 1979: Bleacher Bums (télé-film). 1985: Ré-Animator. 1986: Aux portes de l'au-delà. 1987: Dolls. 1988: Kid Safe (télé-film). 1990: Le Puits et le Pendule. 1990: La Fille des Ténèbres. 1990: Robojox. 1993: Fortress. 1995: Castle Freak. 1996: Space Truckers. 1998: The Wonderful ice cream suit. 2001: Dagon. 2003: King of the Ants. 2005: Edmond. 2005: Masters of Horro (le cauchemar de la sorcière - Le Chat Noir). 2007: Stuck. 2008: Fear Itself. 

Le pitch : Sur une route de campagne isolée, une fillette, son père et la maîtresse de celui-ci trouvent refuge dans un manoir pour s’abriter de l’orage. Chaleureusement accueillis par le couple de propriétaires, ils sont bientôt rejoints par un routier flanqué de deux punkettes. Mais dans la nuit, d’étranges événements viennent troubler la quiétude des hôtes…

Après la révélation Re-Animator et le non moins excellent From Beyond, Stuart Gordon s’attelle au conte de fées pour adultes avec Dolls. Une petite production soigneusement fignolée, portée par la limpidité inspirée du récit, le charisme des comédiens en roue libre, et surtout par l’apparence enfantine des poupées douées de vie. Réalisées pour la plupart en stop-motion, ces jouets minimalistes dégagent une aura à la fois machiavélique et onirique : derrière leur fausse candeur, leurs déplacements engendrent une violence sardonique sur des victimes démunies.

Mieux encore, avec l’autorité d’un maître artisan, Gordon les caractérise dans un apparat manuel, témoin d’un patrimoine séculaire. À travers cette fable en forme de plaidoyer pour le droit au rêve et à l’enfance enfouie, il rend hommage à la magie des jouets, mêlée ici à l’occultisme de vieillards tapissés dans un manoir gothique. Si le scénario linéaire s’articule autour des exactions de poupées vengeresses, punissant la cruauté des adultes abusifs, la mise en scène, elle, nous saisit par l’efficacité d’un conte détourné, gorgé de dérision macabre. En prime, le charme des personnages (la bouille candide de Judy, épaulée par son nouvel allié Ralph ; l’ambivalence bienveillante du vieux couple) suscite une réelle empathie — et même une bonhomie naïve — à se laisser attendrir par l’alchimie de ces jouets après en avoir frissonné.

La Plus longue nuit du Monde ! 

Éloge de l’amour des jouets et de la magie de l’enfance imprimée en chacun de nous (du moins, pour ceux qui ont su la préserver !), Dolls renoue avec une épouvante archaïque, transposée dans un écrin moderne où sang, angoisse et humour noir font bon ménage. Il s’en dégage un pouvoir de fascination tenace, au fil du cheminement inquiétant de nos héros confrontés à la vendetta des poupées — d’autant que la qualité des trucages renforce la dimension démoniaque de leur autonomie. Conte gothico-surnaturel, Dolls transcende l’amour de la série B avec charme, frissons et tendresse, en une plaidoirie sincère pour l’éducation des enfants… et l’apprentissage nécessaire de leurs peurs. 

*Bruno 

19.05.25. Vost. 5èx

10.11.14
24.06.10

La Rose de fer

                                                             Photo emprunté sur Google 

de Jean Rollin. 1973. France. 1h20. Avec Françoise Pascal, Hugues Quester, Natalie Perrey, Michel Delesalle, Mireille Dargent (sous le nom de "Dily D'Argent"), Jean Rollin.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin, 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Franc-tireur du fantastique français des seventies, Jean Rollin n’a jamais réellement gagné les faveurs du public ni de la critique dans notre cher pays, frileux envers le genre, malgré une poignée d’aficionados reconnaissant en lui la patte d’un auteur singulier, adepte d’atmosphères onirico-sensuelles. À l’inverse, des cohortes de fans d’Outre-Manche continuent de lui vouer un véritable culte autour de sa filmographie fantastique ; rappelons d’ailleurs que le cinéaste œuvra aussi dans la pornographie afin de renflouer ses échecs commerciaux récurrents. Réalisé en 1973, La Rose de Fer ne déroge pas à la règle du fiasco critique et public, alors même qu’il s’agit pourtant de l’une de ses œuvres les plus personnelles et envoûtantes, loin s’en faut. Le récit, volontairement linéaire, suit l’errance nocturne d’un couple d’amoureux dans un cimetière de Picardie - à Amiens plus précisément, non loin de chez moi.

Durant toute une nuit, les amants arpentent les allées, cherchant en vain l’issue. Peu à peu, l’angoisse de ce lieu morbide gangrène leur relation, jusqu’à ce que la jeune femme se laisse envahir par l’ivresse d’une douce démence, en résonance intime avec les morts. Séduite par l’aura spirituelle émanant des pierres tombales et par le silence paisible qui règne dans l’air, elle finit par communier avec les âmes des défunts, improvisant quelques pas de danse, allant jusqu’à enlacer un crâne pour leur témoigner son amour. Éloge de la mort et de l’éternité nocturne, La Rose de Fer se love dans un climat onirique de huis clos gothique, parmi sculptures de pierre et caveaux funéraires. C’est une véritable promenade avec l’au-delà que nous propose Jean Rollin, portée par son rythme languissant - sans jamais ennuyer - et par la complicité naturelle de comédiens semi-amateurs, étonnamment convaincants, à commencer par Françoise Pascal, d’une innocence discrètement fougueuse. La réalisation bricolée, parfois traversée d’images fantasmagoriques en clair-obscur saisissant, conjuguée à un jeu d’acteurs presque improvisé, distille un charme trouble, embarquant le spectateur dans un requiem de la solitude. Bien sûr, pour se laisser happer par cette expérience mystique, il faut accepter la monotonie et la maladresse - si attachantes - de l’ensemble, et surtout épouser le style très particulier de Jean Rollin, cédant volontiers au non-sens pour mieux nous perdre dans son univers de fantasmes et d’érotisme délectable.

"Songe d’une pierre tombale."
Beau, envoûtant, parfois bercé par une musique lancinante ou soudain dissonante, La Rose de Fer est un étrange voyage au royaume des morts, une promenade spirituelle en leur compagnie, où la douceur de la nuit finit par nous convaincre de la paix de leur repos éternel. Un superbe poème sépulcral, aussi fascinant que singulier - surtout au sein du paysage hexagonal. Probablement mon film préféré de la carrière de Jean Rollin.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Dédicace à Daniel Aprin et Mathias Chaput

13/12/25. 3èx

BONNIE AND CLYDE

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site notapaxamericana.wordpress.com

d'Arthur Penn. 1967. U.S.A. 1h51. Avec Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hackman, Estelles Parsons, Michael J. Pollard, Denver Pyle, Dub Taylor, Evans Evans, Gene Wilder.

Sortie salles France: 8 Novembre 1967. U.S: 13 Août 1967

Récompenses: Oscars 1968. Meilleure Actrice de second rôle, Estelle Parsons.
Meilleure Photographie: Burnett Guffey

FILMOGRAPHIE: Arthur Penn est un réalisateur américain, né le 27 Septembre 1922 à Philadelphie, décédé le 28 Septembre 2010 à Manhattan, New-York.
1958: Le Gaucher. 1962: Miracle en Alabama. 1965: Mickey One. 1966: La Poursuite Impitoyable. 1967: Bonnie and Clyde. 1969: Alice's Restaurant. 1970: Litlle Big Man. 1975: La Fugue. 1976: Missouri Breaks. 1981: Georgia. 1985: Target. 1987: Froid comme la Mort. 1989: Penn and Teller get killed. 1995: Lumière et Compagnie (segment).

Deux ans avant La Horde Sauvage, une oeuvre polémique avait également rivalisé d'audace dans son traitement de la violence exacerbée par des éclaboussures de sang parfois filmées au ralenti. A l'instar de la fusillade finale perpétrée sur le couple de gangsters après avoir été pris au dépourvu lors d'un guet-apens policier. Beaucoup ont reproché la complaisance de cette séquence restée dans les annales pour sa sauvagerie radicale et considérée à raison comme l'une des morts les plus sanglantes du cinéma. Pourtant, dans la réalité des faits, 150 impacts de balles ont été dénombrés sur la carrosserie des braqueurs. On ne peut donc reprocher à Arthur Penn d'avoir voulu surenchérir dans le racolage facile, ce dernier ne faisant que retracer fidèlement la mort de Bonnie and Clyde dans la folie cruelle du règlement de compte.

Enorme succès à sa sortie, le film doit beaucoup de sa notoriété au couple glamour imposé par Warren Beatty / Faye Dunaway, alors qu'à la base c'est à Jane Fonda qu'était imparti le rôle de la serveuse férue de passion et d'évasion auprès d'un indéfectible braqueur de banque. Un duo devenu aussi légendaire que nos vrais criminels qui exécutèrent durant leur périple pas moins de 12 personnes dans le sud-ouest américain de la grande dépression. Sublime de sensualité et fiévreuse d'ardeur, Faye Dunaway crève l'écran dans sa prestance de criminelle endurcie pour sa nouvelle condition délinquante mais néanmoins désarçonnée par l'absence de sa mère et l'impuissance de son amant. Charismatique en diable et un brin trop élégant, Warren Beatty se fond pourtant dans la peau de Clyde Barrow avec stoïcité malgré ses brefs instants de culpabilité lorsqu'il ose commettre son premier meurtre de sang froid auprès d'un citadin innocent. Souffle romanesque et épique se télescopent incessamment sous la caméra virtuose d'Arthur Penn, l'auteur s'étant véritablement inspiré à retracer cette équipée sauvage parmi la complicité de seconds rôles aussi irresponsables (Moss, le jeune pompiste, Buck, le frère aînée de Clyde, et sa femme Blanche) venus prêter main forte au couple de braqueurs toujours plus épuisés à déjouer les embuscades policières. Cette traque homérique traversée d'âpres éclairs de violence met bien en exergue l'inconscience de ce gang, particulièrement Bonnie et Clyde, deux gamins avides de liberté et d'épanouissement, alors que ce dernier se compromet à son impuissance pour contenter sexuellement sa compagne. C'est donc dans l'adrénaline des braquages de banques et d'épicerie qu'il trouve refuge afin de pallier sa frustration. Dans leur caractérisation aussi réaliste que romanesque, nous ne pouvons qu'éprouver une forte empathie pour ces anti-héros épris de fureur de vivre et de désespoir car à bout de souffle d'endurer une chasse à l'homme toujours plus irréductible.

Mené sur un rythme infernal et mis en scène parmi la virtuosité de séquences d'action percutantes, Bonnie and Clyde relève plus du drame romanesque (non exempt d'humour corrosif) que du film noir pour le portrait imparti à l'insouciance de ces tueurs férus de liberté. Il en émane un grand moment de cinéma d'une rare puissance émotionnelle dans la complicité idéaliste formé au couple iconique, Warren Beatty / Faye Dunaway.

Bruno Matéï
4èx

                                  

LA HORDE SAUVAGE (The Wild Bunch)

                                           

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site levafilmworks.com

de Sam Peckinpah. 1969. U.S.A. 2h25. Avec William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sanchez, Ben Johnson, Emilio Fernandez.

Sortie salles France: 17 Octobre 1969. U.S: 18 Juin 1969

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984. 1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

« L'enfant est Dieu et le Diable à la fois, et en lui se trouvent mêlées la cruauté et une extrême bonté. Il suffit que les enfants soient témoins de certaines choses pour qu'ils deviennent très vite des adultes, des êtres aussi vicieux, aussi méchants que nous. Tout un système de morale, d'éducation nous empêche de regarder en face un certain nombre de vérités, par exemple qu'il existe déjà chez l'enfant tout ce côté sombre de l'homme. »

— Sam Peckinpah

Western mythique vilipendé par la critique dès sa sortie pour l'intolérance de sa violence tranchée, La Horde Sauvage gagna pourtant au fil des décennies un statut de chef-d'oeuvre proverbial. C'est dire si le film de Peckinpah était à contre courant des conventions classiques établies par le western lyrique de John Ford et celui plus "héroïque" de John Wayne afin de mettre ici en exergue une forme de violence baroque appuyée d'effets de ralentis chorégraphiques. C'est également la réponse ricaine pour tenter d'émuler l'âpreté du western italien, Sam Peckinpah optant de surenchérir dans la bestialité avec un carnage final d'une intensité rigoureuse toujours aussi acérée aujourd'hui. Magnifiquement mis en scène pour la modernité de son montage véloce, la Horde Sauvage est le témoignage de la traîtrise, de l'avilissement, du chaos, du désordre, faute d'un monde miné par la pauvreté des exclus (les villageois mexicains), gangrené par la dictature de conflits guerriers. La plupart des personnages dépeints comme  des chasseurs de primes vindicatifs, des bandits autonomes ou des terroristes belliqueux assoiffés d'alcool, de cruauté et de pouvoir. 

Dans cette peinture nihiliste de la nature humaine, le prélude l'anticipe déjà avec ce groupe de bambins mesquins batifolant autour de scorpions pour les regarder se faire dévorer par des milliers de fourmis. Métaphore sur notre instinct pervers et meurtrier dont l'enfant influant se réapproprie naturellement du comportement destructeur des adultes, le film nous achemine lentement vers le baroud d'honneur d'une bande de malfrats délibérés à se sacrifier car épuisés de survivre dans un monde qu'ils ne comprennent plus. A travers leur équipée homérique redoublant d'audaces, de bravoure et de dangerosité, telle cette attaque coordonnée autour d'un convoi ferroviaire, Sam Peckinpah évoque leur anachronisme, leur sentiment intime d'être dépassé par leur univers qu'ils ne reconnaissent plus depuis la révolution industriel. A l'instar de la première apparition d'un véhicule sur roue que des mexicains exposent fièrement aux badauds pour dévoiler le progrès. Au fil du cheminement marginal de ces anti-héros sclérosés, le désespoir et l'amertume les rattrapent un peu plus, quand bien même l'humanisme les rappellent à la raison de la tolérance lorsqu'ils se résignent d'épargner de ses souffrances un de leur camarade torturé par la troupe du général Mapache ! S'ensuit alors leur dernière offensive suicidaire d'aller provoquer par les armes ces centaines de belligérants et de mettre un terme à leur funèbre existence (tels des fantômes errants) en commun accord. Le spectateur éprouvant une inattendue empathie pour leurs ultimes sursauts de bravoure et de loyauté.

D'une brutalité toujours inégalée pour le genre il me semble, La Horde Sauvage illustre de manière poisseuse une diatribe sur l'instinct foncièrement mauvais de l'être humain tout en énonçant une réflexion édifiante sur le venin de la violence. Magnifié de la prestance burinée des comédiens inscrits dans une camaraderie marginale, ce chemin de croix reste une épreuve de force d'une intensité éprouvante pour l'expédition pessimiste de ses hors-la-loi livrés à la solitude et la désillusion.  

Bruno 

3èx

« J'ai fait ce film parce que j'étais très en colère contre toute une mythologie hollywoodienne, contre une certaine manière de présenter les hors-la-loi, les criminels, contre un romantisme de la violence [...]. C'est un film sur la mauvaise conscience de l'Amérique.(...) La Horde sauvage est simplement ce qui arrive lorsque des tueurs vont au Mexique. L'étonnant est que vous ressentez une perte immense quand ces tueurs atteignent la dernière ligne droite. »
— Sam Peckinpah

Trick or Treat

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Michael Dougherty. 2007. U.S.A. 1h22. Avec Brian Cox, Anna Paquin, Dylan Baker, Leslie Bibb, Quinn Lord, Rochelle Aytes, Moneca Delain, Tahmon Penikett.

Sortie salles U.S: 9 Décembre 2007

FILMOGRAPHIE: Michael Dougherty est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur et producteur américain, né en Octobre 1974 à Columbus. 1998: Refrigerator Art. 1998: Deadtime Stories. 2008: Trick'r Treat. 2010: Calling all Robots.

Honteusement inédit en salles et donc directement passé par la case Dtv, Trick'r Treat renoue avec le film à sketchs typiquement sardonique dans son esprit BD hérité des EC-comics. Indubitablement, à la lecture du film, on songe au classique du genre Creepshow, de par la créativité des histoires en trompe-l'oeil détournant parfois avec malice l'archétype du conte, du soin imparti à son esthétisme flamboyant et des twists à répétition faisant mouche à chaque démarche. Composé de quatre histoires reprenant les mythes de l'horreur séculaire (morts-vivants, vampires, loups-garous, mais aussi, dans une mesure plus contemporaine, un monstre énigmatique et un tueur en série !), Trick'r Treat ne cesse d'entrecroiser le cheminement des intrigues avec celui des personnages en alternant évènements actuels et antérieurs. 

Ancré dans un solide humour macabre aussi irrésistible qu'audacieux (nos chères têtes blondes y trépassent avec une ironie franchement caustique !), la réussite du métrage découle de la structure des intrigues adroitement narrées où chaque personnage clef peut autant endosser la fonction de victime que celui du potentiel coupable ! Outre l'aspect festif de ces histoires espiègles où l'hypocrisie prime souvent avec l'instinct vengeur d'esprits rebelles, Trick'r Treat transfigure la fête d'Halloween avec un respect immodéré pour l'amour des citrouilles et des sorcières. Car à travers l'intrusion suspecte d'un étrange garçonnet affublé d'un sac à patate sur la tête et de deux boutons de manchette à la place des yeux, une nouvelle icône monstrueuse se dévoile sous nos yeux pour la première fois. Une manière fort originale de boucler cette anthologie afin de porter en témoignage l'aspect sardonique du folklore d'Halloween où farce et bonbons se sont gentiment mêlés au chantage affectif ! Et le réalisateur de s'en railler avec autant de brimade pour l'aspect morbide des situations que de respect pour sa coutume ancestrale que les enfants d'aujourd'hui ont monopolisé dans leur stature capricieuse !

La fête des Masques
Hymne à Halloween et à l'horreur ludique au sein du film choral, véritable trésor d'inventivité dans l'alchimie des intrigues redoublant de sarcasme et le rôle insidieux impartis aux divers protagonistes, Trick'r Treat est également un régal pour les yeux pour son onirisme macabre où aucun détail n'est laissé au hasard. Le plaisir s'avère si jouissif et addictif qu'on aurait tant aimé que le film se prolonge un peu plus (il ne dure qu'1h22, générique compris !), le temps de nous raconter une ultime fois un nouveau conte diaboliquement fripon ! 

*Bruno

3èx. vostfr

                                     

Morsures / Nightwing

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

d'Arthur Hiller. 1979. U.S.A. 1h44. Avec Nick Mancuso, David Warner, Kathryn Harrold, Stephen Macht, Strother Martin.

Sortie salles France: 4 Juin 1980. U.S: 22 Juin 1979

FILMOGRAPHIE: Arthur Hiller est un réalisateur et acteur canadien, né le 22 Novembre 1923 à Edmonton, Alberta (Canada). 1956: Massacre à Sand-Creek. 1964: Les Jeux de l'amour et de la guerre. 1965: Promise her Anything. 1966: Tobrouk, commando pour l'enfer. 1966: Les Plaisirs de Pénélope. 1967: The Tiger Makes Out. 1970: Escapade à New-York. 1970: Love Story. 1971: Plaza suite. 1971: L'Hôpital. 1972: L'Homme de la Manche. 1975: The Man in the Glass Booth. 1976: Transamerica Express. 1979: Ne tirez pas sur le dentiste. 1979: Morsures. 1982: Making Love. 1982: Avec les Compliments de l'Auteur. 1987: Une chance pas croyable. 1989: Pas nous, pas nous. 1990: Filofax. 1992: The Babe. 1997: An Alan Smithee Film.

"Quand le sacré mord la terre profanée."

Pitch :

Un shérif adjoint, sa compagne et un savant anglais unissent leurs forces pour déjouer une invasion de chauves-souris dans une contrée reculée de l’Arizona, ancien territoire indien.

Série B aujourd’hui quasi ignorée, Morsures s’est surtout fait connaître dans les vidéoclubs des années 80 auprès d’une poignée de cinéphiles amateurs de curiosités. Il faut d’emblée oublier le caractère fallacieux de sa jaquette française et sa superbe affiche US racoleuse : Morsures choisit la retenue plutôt que l’esbroufe, préférant travailler la caractérisation de ses personnages et mettre en valeur l’originalité d’un script retors. Tout au long d’une intrigue soigneusement contée, le film ne nous donne à voir que trois attaques coordonnées de chauves-souris, la première demeurant la plus sanglante et incisive, tant la panique s’y propage de victime en victime, mordues tous azimuts. On saluera également la réussite artisanale des effets spéciaux mécaniques conçus par Carlo Rambaldi, mêlant avec habileté vraies et fausses chauves-souris, virevoltant dans les airs avant de s’agripper à l’échine des corps pour mordre.

Mais au-delà de l’impact démonstratif de ces séquences impressionnantes, le film gagne surtout en force et en crédibilité lorsqu’il met en exergue les rapports de domination opposant un jeune shérif intègre à un industriel mégalomane, maître d’un empire pétrolier vorace. La seconde partie s’attarde alors sur les enjeux stratégiques et sur l’expédition presque touristique d’un trio de héros décidés à endiguer la menace, après la découverte de nouveaux cadavres porteurs de la peste bubonique. Militant pour la cause indienne et la condition infortunée de ses peuples spoliés, Morsures développe aussi un discours écologique, appelant au respect de l’environnement par l’irruption du surnaturel, nourri de croyances spirituelles liées à des terres sacrées profanées par l’homme blanc. Cette mise en garde prend corps à travers un sorcier indien, résolu à se venger de l’étranger vénal, aidé par la complicité animale des chauves-souris. Par la sobriété de son propos et la manière subtile, posée, tranquille dont Arthur Hiller introduit le fantastique, le film évoque parfois le magnifique Wolfen de Michael Wadleigh, notamment dans son souffle poétique et lyrique. En prime, le réalisateur ancre son récit dans un réalisme inquiétant en rappelant le mode de vie grégaire des chiroptères, leur comportement autonome et les maladies mortelles qu’ils peuvent transmettre à l’homme.

Série B injustement méconnue, trop vite cataloguée comme un produit horrifique risible à cause de son emballage tapageur, Morsures conjugue pourtant avec intelligence aventure, drame social et horreur, porté par des interprètes d’une belle densité humaine ou cérébrale - à l’image d’un David Warner, avisé et couillu en chercheur infaillible. Du fantastique au sens noble en somme. Car Morsure n’est pas un film de réconciliation : c’est un retrait du sacré, une fermeture définitive pour éviter la mutation. L’histoire spirituelle d’un shérif frondeur, gardien tragique contraint de détruire ce qu’il protège afin de tenir tête à la technologie vorace du monde moderne.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

31/01/25. 3èx. VF

Halloween 2. Director's Cut.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site nitehawkcinema.com

de Rob Zolmbie. 2009. U.S.A. 1h59 (Director's Cut). Avec Scout Taylor-Compton, Malcolm McDowell, Tyler Mane, Brad Dourif, Danielle Harris, Sheri Moon Zombie, Brea Grant.

Sortie en Dvd et Blu-ray le 31 Mars 2010. Sortie salles U.S: 28 Août 2009

FILMOGRAPHIE: Rob Zombie est un chanteur, musicien et réalisateur américain, né le 12 Janvier 1965 à Haverhill, dans le Massachusetts. 2003: House of 1000 Corpses. 2005: The Devil's Rejects. 2007: Werewolf Women of the S.S. (trailer). 2007: Halloween. 2009: Halloween 2. 2012: The Lords of Salem.

Suite du remake amorcé trois ans plus tôt, Halloween 2 rejoue la carte de l’anticonformisme, que Rob Zombie pousse jusqu’à la démystification totale de l’icône fantomatique Michael Myers. Échec public et critique outre-Atlantique — au point que la France le bannit des écrans pour l’enterrer directement en DVD et Blu-ray — ce second opus continue de déconcerter les puristes de la franchise. Zombie réinvente le psycho-killer avec audace, inspiration, un réalisme funeste, et surtout une brutalité à vif, inédite dans le genre.

Le pitch : deux ans après les tragiques événements, Laurie Strode tente de se reconstruire auprès d’une thérapeute. Le Dr Loomis, lui, s’est recyclé en écrivain, promouvant son récit de traque comme on vend une relique souillée. Mais à l’approche d’Halloween, le tueur masqué refait surface à Haddonfield, bien décidé à solder ses comptes avec sa sœur, logée chez le shérif Brackett.

D’une violence hardcore acérée, Halloween 2 prend à rebours la suggestion de Carpenter. Ici, les meurtres s’enchaînent avec une sauvagerie littéralement inouïe. Le film baigne dans une ambiance onirico-macabre : fête d’Halloween transformée en concert rock masqué, visions spectrales de Deborah vêtue de blanc, accompagnée du petit Michael, rêves hallucinés de Laurie comme échappés d’un cauchemar burtonien. Ce second chapitre remplace le réalisme cru par une transe hallucinatoire, où les actes meurtriers — barbares — s’enracinent dans une logique symbolique et psychique.

Michael Myers, incarnation brute du Mal, revient sous les traits d’un clodo barbu, tantôt à visage nu, tantôt dissimulé derrière un masque éclaté. Il erre dans les campagnes nocturnes pour regagner Haddonfield, abandonnant derrière lui des cadavres parfois déchiquetés à mains nues. Si l’intrigue en elle-même n’a rien de transcendant (la quête familiale du tueur reste filigrane), la mise en scène précise de Zombie en renouvelle l’intérêt : par l’hostilité viscérale de Michael, sa cruauté éreintante, sa présence oppressante. À cela s’ajoute une Laurie Strode méconnaissable, marginale, dépressive, rongée par les mêmes visions que son frère. Fragile, névrosée, hantée — elle irradie une empathie tragique dans sa lutte désespérée contre ses démons et le retour du monstre. Quant au Dr Loomis, il devient ici caricature cynique : écrivain cupide en quête de notoriété, avant une rédemption tardive dans un dernier acte révélateur — du moins, dans la version Director’s Cut, qui dévoile les vraies intentions de Zombie.

Angoissant, sombre, franchement terrifiant par son climat insécure et la stature bestiale du tueur, éprouvant par ses éclats de violence pure (le prologue de 25 minutes relève de l’anthologie ; le massacre chez les Brackett glace par sa sécheresse et son hors-champ glaçant), Halloween 2 ose déconstruire le mythe. Zombie transfigure l’univers en cauchemar organique, onirique, délétère, traversé de fulgurances malsaines et pourtant ancrées dans le réel. Le résultat : une œuvre formelle, puissamment maîtrisée, portée par un montage vigoureux et le jeu brut de comédiens habités — mention aux apparitions de Margot Kidder et de Danielle Harris, rescapée des opus 4 et 5. Une descente aux enfers sans accalmie, à travers le profil souffreteux d’une survivante jamais remise, que Zombie filme avec une intensité implacable. Une (seconde) référence à redécouvrir d’urgence.

*Bruno

06.04.25. 3èx. Vost

La critique d'Halloween, 2007: http://brunomatei.blogspot.fr/…/halloween-de-rob-zombie.html

Frankenstein

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site luxedb.com

de James Whale. 1931. U.S.A. 1h11. Avec Boris Karloff, Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Edward Van Sloan, Dwight Frye.

Sortie salles France: 17 Mars 1932. U.S: 21 Novembre 1931

FILMOGRAPHIE: James Whale est un réalisateur américain, né le 22 Juillet 1889 à Dudley en Angleterre, décédé le 29 Mai 1957 à Hollywood, Los Angeles.
1930 : La Fin du voyage (Journey's End). 1930 : Les Anges de l'enfer. 1931 : Waterloo Bridge.
1931 : Frankenstein. 1932 : Impatient Maiden. 1932 : Une soirée étrange (The Old Dark House)
1933 : The Kiss Before the Mirror. 1933 : The Invisible Man. 1933 : By Candlelight. 1934 : One More River. 1935 : La Fiancée de Frankenstein (Bride of Frankenstein). 1935 : Remember Last Night. 1936 : Show Boat. 1937 : The Road Back. 1937 : Le Grand Garrick (The Great Garrick)
1938 : Port of Seven Seas. 1938 : Sinners in Paradise. 1938 : Wives Under Suspicion. 1939 : L'Homme au masque de fer (The Man in the Iron Mask). 1940 : L'Enfer vert (Green Hell). 1941 : They Dare Not Love. 1942 : Personnel Placement in the Army. 1950 : Hello Out There.

Avant-propos: 

"On dit souvent que la Fiancée de Frankenstein est un meilleur film, mais il y a quelque chose de pur par rapport à l'original. C'est comme explorer un territoire où l'homme n'est jamais allé. L'austérité de la mise en scène et l'absence de musique en font une expérience très onirique. Bien sûr, l'artificialité du film est très prononcée, avec ces studios visibles et une direction artistique évidente, mais je vois une pureté romantique dans son approche de l'horreur. Et bien sûr, la performance de Karloff est phénoménale. Je pense qu'il s'agit de la meilleure version de Frankenstein, même s'il en existe des plus opulentes et des plus complexes. C'est amusant, pendant longtemps, La Fiancée de Frankenstein a été mon épisode favori. Les goûts évoluent, et j'ai fini par embrasser la simplicité de l'original." Joe Dante.

Film mythique s'il en est, inaugurant l'âge d'or de la Universal et tous ces monstres qui prendront le relais, Frankenstein reste le chef-d'oeuvre incontournable du genre sachant qu'aucun cinéaste ni comédien notoire n'ont réussi à le surpasser 80 ans après sa sortie ! Exception faite peut-être avec la série Penny Dreadful transcendant avec souci de réalisme l'intense dramaturgie de la créature réduite au désarroi de la solitude ! Outre l'idée singulière empruntée au roman de Mary Shelley, c'est à dire créer un être vivant à partir de morceaux de corps humains récupérés sur les cadavres de sépulture, Frankenstein puise sa force d'évocation dans l'interprétation de Boris Karloff épaulée des maquillages de Jack Pierce. Pourvu d'une taille imposante, d'une démarche hésitante, d'un front carré et d'un regard abattu, l'acteur se fond dans la carrure du monstre avec une intensité troublante par ses expressions de terreur ou de compassion.

Sur ce dernier point, personne ne peut oublier la séquence intime qui voit le monstre batifoler avec une fillette avant qu'un drame inéluctable ne vienne ternir leur relation amicale. La force dramatique du récit émane justement de sa caractérisation en quête identitaire et de paternité car ne sachant différencier le Bien du Mal depuis sa brutale résurrection. Qui plus est, avec le cerveau d'un ancien criminel, la créature extériorise des pulsions de haine face à l'autorité de l'homme incapable de comprendre son désarroi dans sa position martyrisée. A travers sa condition d'estropié par la mégalomanie du savant (Colin Clive semble littéralement habité par la folie dans son regard monolithique), James Whale aborde le sens de la responsabilité parentale et celui de l'éducation lorsque l'innocence se retrouve destituée de soutien et de personnalité. 

Oeuvre charnière pour le genre horrifique, Frankenstein puise sa densité dans l'originalité d'un pitch mettant en exergue la dimension humaine d'une créature livrée à l'intolérance et l'instinct violent de l'homme. Baignant dans un noir et blanc aux éclairages crépusculaires et entièrement dénué de musique, la forme adopte une ambiance baroque que la prestance exceptionnelle de Karloff renforce à point nommé avec symbolisme. 

Bruno Matéï
3èx

CABAL. Director's Cut. (Nightbreed). Prix Spécial du Jury, Avoriaz 91.

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site geekchunks.com

de Clive Barker. 1990. Angleterre. 2h01 (Director's Cut). Avec Craig Sheffer, Anne Bobby, David Cronenberg, Hugh Quarshie, Charles Haid, Doug Bradley, Oliver Parker, Hugh Ross, Catherine Chevalier.

FILMOGRAPHIE: Clive Barker (né le 5octobre 1952, est un romancier britannique, peintre et cinéaste (réalisateur, scénariste et producteur).
1973: Salome. 1978: The Forbidden. 1987: Hellraiser. 1990: Cabal. 1995: Maître des Illusions (le)

Récompenses:
. Silver Scream Award au Festival du film fantastique d'Amsterdam 1990.
. Prix spécial du jury au Festival international du film fantastique d'Avoriaz 1991.

Trois ans après la révélation Hellraiser, Clive Barker transpose à nouveau l'un de ses romans pour transcender la monstrueuse parade d'un bestiaire flamboyant. Echec public et commercial lors de sa sortie, d'autant plus discrédité d'une version tronquée de plus de 20 minutes par les producteurs, Cabal renait aujourd'hui de ses cendres dans une version Director's cut beaucoup plus épique et cohérente. De par l'action encourue lors de son ultime point d'orgue, par le traitement réservé au tueur en série et le cheminement divin de son héros partagé entre l'amour d'une compagne et le devoir de préserver un peuple opprimé. Sur ce dernier point, la caractérisation humaine du couple s'avère d'ailleurs plus romanesque dans leurs sentiments contradictoires à prévaloir l'union conjugale. Perturbé par de récurrents cauchemars auquel il se transpose dans la cité de Midian, refuge de monstres de tous horizons, Boon consulte le psychiatre Decker afin de comprendre les aboutissants de son obsession. Alors qu'un serial-killer sème la mort au sein de la ville, ce jeune patient est rapidement accusé d'en être le coupable, faute du stratagème perfide de son médecin. Abattu par la police lors d'une confrontation musclée, il finit par rejoindre les habitants de la cité de Midian dans sa condition de martyr ! 

Véritable déclaration d'amour aux Monstres où le droit à la différence s'avère le pivot de l'intrigue, Cabal allie conte mythologique et horreur sanglante sous couvert d'action homérique. C'est tout du moins ce qu'impose sa dernière partie beaucoup échevelée dans ce Director's Cut faisant honneur au lyrisme, quand bien même la visite de Lori dans les catacombes s'avère plus imposante afin de mieux contempler la cohabitation du bestiaire humain. Esthétiquement fulgurant et pourvu de remarquables maquillages afin de parfaire la physionomie des monstres hybrides, Cabal envoûte dans l'authenticité de son univers séculaire exploitant avec originalité mythes et légendes dans un contexte moderne. Quand bien même l'icône du fameux serial-killer renoue avec le slasher dans son accoutrement masqué et la vague de meurtres qu'il commet sans vergogne. Outre son instinct sadique à commettre les exactions sur d'innocentes victimes, il s'avère ici contrarié par l'existence des Freaks confinés dans les sous-sols de Midian. Alors que Lori tente de retrouver les traces de son compagnon, Decker va tenter par orgueil démesuré de tout mettre en oeuvre afin d'éradiquer les monstres parmi le soutien de la police. Avec dérision, Clive Barker ironise dans la caricature allouée au tueur, sachant que derrière le masque se planque un éminent psychiatre atteint de maladie mentale ! (Cronenberg s'auto-parodiant avec cynisme non simulé !). Quand aux forces de l'ordre, elles sont ici réduites à la brutalité et l'intolérance de leurs actes totalitaires, quand bien même un prêtre incrédule préfère se rapprocher auprès de la foi éternelle du Cabal. Sous un déluge de feu et d'action, les rapports antinomiques du Bien (les monstres) et du Mal (les humains) vont amener à se confronter afin d'emporter la mainmise ! 

Freakshow

Oeuvre infortunée depuis sa sortie, et ce malgré son Prix Spécial du Jury décerné à Avoriaz, Cabal brille aujourd'hui de 1000 feux dans sa version finale beaucoup plus cohérente et fastueuse. Illustrant avec ambition un univers mythologique où le morbide côtoie la féerie sous alibi du divertissement, Clive Barker réussit à transposer son roman avec souffle épique et dimension humaine des rebuts d'une société animale.  

Bruno Matéï

28.10.14. 4èx

18.07.11. 

L'Impasse aux Violences / The Flesh and the Fiends

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site tvclassik.com

de John Gilling. 1960. Angleterre. 1h37. Avec Peter Cushing, June Laverick, Donald Pleasance, George Rose, Renee Houston, Dermot Walsh, Billie Whitelaw.

Sortie salles Angleterre: 2 Février 1960

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Gilling est un réalisateur et scénariste anglais, né le 29 Mai 2012 à Londres, décédé le 22 Novembre 1984 à Madrid (Espagne).
1957: Pilotes de haut-vol. 1958: Signes particuliers: néant. 1959: L'Impasse aux Violences. 1961: Les Pirates de la Nuit. 1962: L'Attaque de San Cristobal. 1966: L'Invasion des Morts-Vivants. 1966: La Femme Reptile. 1967: Dans les Griffes de la Momie. 1975: La Cruz del diablo.

"Ceci est l'histoire d'hommes et d'âmes damnés. C'est une histoire de vice et de meurtre. Nous n'avons pas d'excuses à faire aux morts. Tout est vrai." 

 

L’impasse aux violences — Anatomie d’une conscience déchue

Seconde adaptation de l’histoire vraie des tueurs en série Burke et Hare, ayant sévi dans l’Angleterre du XIXe siècle, L’Impasse aux violences retrace leurs exactions criminelles au profit d’un éminent médecin, le Dr Knox. Dans sa soif de progrès scientifique, ce dernier s’obstine à disséquer des cadavres que les deux acolytes vont d’abord exhumer des cimetières, contre une poignée de guinées. Mais plus les corps sont frais, plus la récompense est généreuse. Alors, sans scrupule, les deux malfrats passent au meurtre, pour satisfaire les exigences du savant. De cette histoire sordide et méticuleusement documentée, John Gilling livre une mise en scène réaliste et tendue, où transparaît le pathétique d’une convoitise déshumanisante. À travers l’orgueil aveugle d’un médecin qui nie la gravité de ses compromis, et la bassesse crapuleuse de deux criminels englués dans leur propre médiocrité, le film trace les contours d’une déchéance morale sans appel.

Les interprétations glaçantes de June Laverick et Donald Pleasence, tortionnaires cupides et lubriques, nous ébranlent dans leur nihilisme poisseux. En les suivant dans leurs dérives putassières, dans les pubs saturés de poivrots et de prostituées, Gilling peint en creux la misère sociale du vieux Édimbourg, gangrené par la faim, le vice et la survie. Loin de se contenter du seul choc des meurtres froidement exécutés, le film suscite l’émotion par le biais d’une histoire d’amour impossible entre un jeune apprenti médecin et une prostituée — fragile esquisse d’espoir vite broyée par le désespoir social. Entre les corps vendus à la science, les menaces des confrères jaloux et les cris silencieux des damnés, le Dr Knox s’enfonce dans une logique amorale, tout en ignorant qu’une fillette croisera bientôt son regard pour lui ouvrir enfin les yeux — sur l’humanité, la dignité, le respect des morts et la fragilité des vivants.

Conspué par une foule enragée malgré son acquittement — car la justice aussi a ses hiérarchies — le médecin, rongé de l’intérieur, finit par affronter sa propre culpabilité. Et dans ce rôle crépusculaire, Peter Cushing incarne avec une intensité bouleversante ce savant en guerre avec lui-même, écartelé entre la dévotion professionnelle et l’éveil tardif d’une conscience trop longtemps anesthésiée.

 "Le Médecin et les Damnés".

D’une puissance émotionnelle aussi rigoureuse que dérangeante, à l’image de sa violence parfois insupportable (interdit aux moins de 18 ans à sa sortie !), L’Impasse aux violences transcende son vernis de film d’horreur pour s’imposer comme un drame humain d’une rare densité. Mis en scène avec brio, transcendé par des dialogues ciselés, ce chef-d’œuvre lucide doit autant à la gravité de son histoire vraie qu’à l’excellence habitée de ses interprètes : June Laverick, Donald Pleasence, et un Peter Cushing au sommet de sa vérité.

*Bruno
3èx
24/10/14
09/04/02

La Maison aux fenêtres qui rient / La Casa dalle finestre che ridono

                                                           Photo scannée appartenant à Bruno Matéï

de Pupi Avati. 1976. Italie. 1h51. Avec Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina, Giulio Pizzirani, Bob Tonelli, Vanna Busoni.

Sortie salles Italie: 16 Août 1976

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Pupi Avati est un réalisateur italien, né le 3 Novembre 1938 à Bologne. 1970: Thomas e gli indemoniati. 1970: Balsamus, l'homme de Satan. 1975: La mazurka del barone, della santa e del fico fiorone. 1976: La Cage aux minets. 1976: La Maison aux Fenêtres qui rient. 1977: Tutti defunti... tranne i morti. 1983: Zeder. 1984: Une saison italienne. 1991: Bix. 1992: Fratelli e sorelle. 1993: Magnificat. 1994: L'amico d'infanzia. 1994: Dichiarazioni d'amore. 1996: L'arcano incantatore. 1996: Festival. 1997: Le Témoin du marié. 1999: La via degli angeli. 2001: I cavalieri che fecero l'impresa. 2003: Un coeur ailleurs. 2004: La rivincita di Natale. 2005: Ma quando arrivano le ragazze ? 2005: La Seconda notte di nozze. 2007: La cena per farlu conoscere. 2007: Il Nascondiglio. 2008: Il papa di Giovanna. 2009: Gli amici del bar Margherita. 2010: Il figlio più piccolo. 2010: Una sconfinata giovinezza. 2011: Le Grand coeur des femmes.

"Les couleurs, mes couleurs, elles coulent de mes veines. Elles sont si douces mes couleurs... aussi douces que l'automne, aussi chaudes que le sang. Elles sont lisses comme la pureté. Elles s'introduisent dans le corps des gens. Elles se propagent comme une infection. Mes couleurs..."

Prix de la critique au Festival du film Fantastique de Paris, La Maison aux Fenêtres qui rient n'a point usurpé sa réputation de classique horrifique du cinéma transalpin tant Pupi Avati s'est avant tout avisé à nous parfaire un scénario vrillé des plus machiavéliques. Mais si la plupart des spécialistes emploie le terme Giallo afin de l'estampiller, j'opterais personnellement pour le thriller Hitchcockien mâtiné d'une aura de souffre davantage malsaine auprès de l'amoralité du peintre entièrement voué à l'art de l'agonie. 

Le pitch: Un artiste, Stefano, est convié à rénover une fresque dans l'église d'un petit village où la plupart des citadins semble occulter un lourd secret. 20 ans au préalable, un peintre concocta cette esquisse représentant le martyr de San Sébastien. Mystérieusement disparu avec ses deux soeurs, il laisse derrière lui cette oeuvre morbide en déliquescence. Logé dans une étrange maison auquel une vieille dame y est alitée, Stefano va être témoin d'évènements étranges et meurtriers. 

Baignant dans une atmosphère d'inquiétude latente, Pupi Avati privilégie ici le suspense latent parmi l'investigation de notre héros confronté à une série d'épisodes nébuleux. Qui plus est, avec la participation de témoins aussi sournois qu'équivoques, Stefano est contraint de ne compter que sur lui afin de résoudre ces disparitions inexpliquées (celle du peintre, des soeurs et de certains de ces amis) et surtout tenter de découvrir quel secret pourrait dévoiler la fameuse fresque. Ainsi, en empruntant les codes de la demeure hantée (cadavres inhumés sous terre, maison poussiéreuse tapis dans la pénombre, porte grinçante, volets qui claquent) et ceux du thriller (présence invisible épiant le héros, meurtres en série, témoins suspicieux, disparition de preuves), le cinéaste brouille les pistes pour mieux nous perdre dans le dédale d'une intrigue aussi sarcastique que macabre. Emaillé d'indices au compte-goutte et de trouvailles originales (la maison aux "fenêtres qui rient" et son fameux point d'orgue cumulant les twists cinglants), le film prend son temps d'y distiller une atmosphère anxiogène au fil du cheminement de notre héros déconcerté. Un artiste indécis sévèrement malmené par son entourage où le satanisme semble asservir toute la région, mais trouvant néanmoins soutien avec la romance d'une jeune enseignante. Pourvu d'une photographie soignée oscillant les clair-obscurs d'un environnement nocturne et le cadre solaire d'une campagne abritant des foyers archaïques, Pupi Avati prend également soin de peaufiner une ambiance tantôt attrayante tantôt ombrageuse (voire même parfois onirique pour ces superbes éclairages verts ou azur). Et si le rythme laborieux avait gagné à être un peu plus vigoureux, la force de l'intrigue et son mystère savamment distillé au compte goutte s'avèrent si bien ciselés, inquiétants et troubles à la fois qu'on passe outre ce couac.  

Atmosphérique de par son ambiance typiquement latine et brillamment charpenté pour l'investigation de notre héros opposé à une révélation traumatique, La Maison aux Fenêtres qui rient confronte thriller et épouvante à l'aide d'un onirisme morbide proprement singulier (les couleurs de l'art se mêlant à l'odeur de la mort !). A l'instar de son inoubliable générique liminaire en mode sépia illustrant un martyr à l'agonie lardé de coups de couteaux. Filmé au ralenti afin de schématiser la souffrance de l'homme nu ligoté en hauteur, ce prologue perturbant fait finalement écho au châtiment sardonique de sa mémorable conclusion au point de nous hanter à jamais.

*Bruno
4èx. Version Italienne

Récompense: Prix de la Critique au Festival du film fantastique de Paris, 1977.

Kissed. Meilleur Film, Meilleure Actrice, Meilleur Réalisateur, Malaga 98.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site rogerebert.com

de Lynne Stopkewich. 1996. Canada. 1h18. Avec Molly Parker, Peter Outerbridge, Jay Brazeau, James Timmons, Jessie Winter Mudie, Annabel Kershaw.

Sortie salles France: 15 Avril 1998. Canada: 7 Septembre 1996

FILMOGRAPHIE: Lynne Stopkewich est une réalisatrice, scénariste et productrice canadienne, née en 1964 à Montréal (Quebec). 1996: Kissed. 2000: Suspicious River. 2004: The Life (télé-film).

 

"Amour froid".

Auteur de deux longs-métrages, de quelques séries TV et d’un téléfilm, Lynne Stopkewich reste une réalisatrice aussi discrète que méconnue du grand public. Sorti dans l’indifférence générale, son premier film, Kissed, s’est pourtant vu attribuer plusieurs récompenses dans son pays d’origine, tandis qu’une poignée de cinéphiles aguerris le hissa au rang de film culte. Production indépendante audacieuse, Kissed s’aventure en terrain miné avec un anticonformisme désarmant, abordant la nécrophilie avec une pudeur presque sensorielle. À cent lieues des débordements trash du scandaleux Nekromantik, le film emprunte la voie de la subtilité pour évoquer l’obsession grandissante d’une jeune femme éprise d’amour pour l’au-delà.

Le pitch : Depuis l’enfance, Sandra nourrit une fascination pour les cadavres d’animaux fraîchement décédés. À l’aube de sa maturité, elle se fait embaucher dans un funérarium pour apprendre l’art de l’embaumement. Toujours plus attirée par la sensualité de la mort, elle finit par passer à l’acte sexuel avec un corps masculin. Un jour, elle rencontre Matt, un étudiant en médecine intrigué par sa beauté distante et son étrange métier. Vierge de tout contact charnel avec un vivant, Sandra tente l’expérience d’un premier coït avec lui. Mais alors que Matt s’éprend d’elle corps et âme, Sandra se détache, fidèle à son inclination pour la chair morte.

À la lecture du synopsis, on pouvait craindre la redite ou la complaisance autour d’un sujet aussi socialement inacceptable. Pourtant, Lynne Stopkewich transcende la provocation pour livrer un véritable poème sur la sensualité de la mort et la spiritualité de l’au-delà. Porté par une atmosphère aussi trouble que charnelle, le film parvient à captiver, à troubler même, par la beauté de ses images oniriques et par la posture hypnotique de son héroïne : une enseignante timorée, discrète, entièrement habitée par son amour des cadavres. Littéralement transie d’érotisme lorsqu’elle s’unit à un corps, Sandra atteint une extase si pure qu’elle perçoit la lumière de l’âme défunte dans un halo de souvenirs intimes.

Dans la pâleur magnétique de Molly Parker, l’actrice insuffle une acuité bouleversante, où la perversion n’a plus sa place. Car dans son désir d’enlacer la mort, Sandra témoigne d’une affection si douce, si viscérale, qu’on en oublie la déviance pour ne voir que la sincérité. Et si Kissed fascine autant, c’est aussi par la romance impossible entre Sandra et Matt, ce dernier littéralement asservi à ses sentiments. Malgré un cheminement narratif prévisible, l’ambiguïté croissante de leur relation atteint un sommet d’intensité émotionnelle, à la lisière de la lumière et de la décomposition.

 

"Chair de ciel."

D’une beauté sensuelle, diaphane et ensorcelante, Kissed se décline en poème lyrique sur la plénitude de la mort vécue comme abandon amoureux. Un état de grâce absolue, lorsqu’une nécrophile puise les derniers souffles vitaux d’un cadavre pour s’unir à l’au-delà. Intimiste, fragile et incandescent, le film nous emporte loin, bien au-delà du scabreux, dans une expérience érotique envoûtante. À découvrir d’urgence : il s’agit, à mes yeux, du plus beau film jamais tourné sur la nécrophilie. Rien que ça. (D’ailleurs, il fut un temps diffusé sur Canal+ dans les années 90…)

*Bruno
2èx

Récompenses: Meilleur long-métrage au Festival de Toronto, 1996
Meilleur nouveau réalisateur de l'Ouest canadien pour Lynne Stopkewich.
Prix Génie: Meilleure Actrice pour Molly Parker
Meilleure Actrice pour Molly Maker, Meilleur Réalisateur pour Lynne Stopkewich, Meilleur Film au Festival de Malaga, 1998.