The Voices. Prix du Public, Prix du Jury, Gerardmer 2015.

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Marjane Satrapi. 2014. U.S.A./Allemagne. 1h47. Avec Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver, Ella Smith, Paul Chahidi, Stanley Townsend.

Sortie salles France: 11 Mars 2015. U.S: 6 Février 2015

Récompenses: Prix du Nouveau Genre, l'Etrange Festival, 2014
Prix du Public, l'Etrange Festival, 2014
Prix du Public, Gerardmer 2015
Prix du Jury, Gérardmer 2015

FILMOGRAPHIE: Marjane Satrapi est une réalisatrice française d'origine iranienne et auteur de bande dessinée, née le 22 Novembre 1969 à Rasht, Iran.
2007: Persepolis. 2011: Poulet aux prunes. 2013: La Bande des Jotas. 2014: The Voices.

"Le fait d’être seul dans ce monde est à la source de toutes nos souffrances."

Révélée par Persepolis, Marjane Satrapi avait déçu une partie du public avec ses deux films suivants, Poulet aux Prunes et La Bande des Jotas. La voilà aujourd’hui régénérée, intensément inspirée pour mettre en scène le cas pathologique d’un serial killer dialoguant avec ses animaux familiers. The Voices surgit comme un ovni au vitriol, fusion toxique entre comédie romantique acidulée et horreur décomplexée, éclaboussée d’un gore cru dès le premier meurtre. Récompensé à l’Étrange Festival et à Gérardmer, ce film stylisé n’a pas volé ses prix : il ose une originalité insolente pour esquisser le portrait d’un être désaxé, enfermé depuis l’enfance dans la solitude et les séquelles d’une maltraitance que quelques flash-back viendront éclairer, jusqu’à l’inéluctable passage à l’acte.

En choisissant d’empoisonner la comédie par l’horreur, Satrapi expose avec une audace ludique la poésie macabre tapie dans l’introspection d’un maniaque infantile, Jerry Hickfang, incapable d’assumer sa psychose. Son isolement le pousse à dialoguer avec son chat et son chien, doubles incarnés de sa conscience fracturée : le Bien d’un côté, le Mal de l’autre. Déchiré entre ces deux voix, Jerry s’efforce de retenir l’ombre pour laisser vivre la lumière. Ryan Reynolds, fragile et habité, porte le film dans la peau d’un homme partagé entre amour impossible et désir de rédemption, hanté par les murmures contradictoires de la raison et de la démence. Satrapi enferme son intimité dans un quotidien saturé de malaise, où l’odeur des cadavres enfouis finit par envahir l’air. Oscillant entre tendresse et angoisse, le récit atteint parfois une crudité pathétique - notamment quand Jerry converse avec les têtes de ses victimes. Ce mélange trouble de douceur et de monstruosité nourrit un grand malaise d’autant plus poignant et inconfortable que le personnage, derrière son allure de garçon timide et vulnérable, continue d’attirer notre empathie même lorsque plane l’ombre de sa prochaine exaction.

Comédie horrifique étranglée par une atmosphère glauque et volontairement ubuesque, The Voices provoque une profonde gêne morale constante, lente descente aux enfers vers la psychose. Il en résulte un objet atypique, inventif et d’une étrangeté obsédante, où Ryan Reynolds impose une présence aussi déchirante qu’ambiguë. Farce corrosive et douloureusement dérangeante, le film ne laisse jamais indemne dans sa brutalité tranchée de nous extraire de notre zone de confort. Jusqu'au générique sciemment primesautier ! 

— le cinéphile du cœur noir

17.08.25. 2èx. Vostf

La Vierge de Nuremberg / La vergine di Norimberga

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

de Antonio Margheriti. 1963. Italie. 1h27. Avec Rossana Podestà, Georges Rivière, Christopher Lee, Jim Dolen, Lucile Saint-Simon.

Sortie salles France: 3 Février 1965

FILMOGRAPHIE: Antonio Margheriti (Anthony M. Dawson) est un réalisateur italien, né le 19 septembre 1930 à Rome, décédé le 4 Novembre 2002 à Monterosi. 1960: Le Vainqueur de l'espace. 1962: Les Derniers jours d'un empire. 1963: La Vierge de Nuremberg. 1964: La Sorcière Sanglante. 1964: Les Géants de Rome. 1964: Danse Macabre. 1968: Avec Django, la mort est là. 1970: Et le vent apporta le Violence. 1971: Les Fantômes de Hurlevent. 1973: Les Diablesses. 1974: La brute, le colt et le karaté. 1975: La Chevauchée terrible. 1976: l'Ombre d'un tueur. 1979: l'Invasion des Piranhas. 1980: Pulsions Cannibales. 1980: Héros d'Apocalypse. 1982: Les Aventuriers du Cobra d'Or. 1983: Yor, le chasseur du futur. 1985: L'Enfer en 4è vitesse.

Considéré comme l'un des fleurons de l'horreur transalpine au sein de la carrière inégale de Margheriti, La Vierge de Nuremberg emprunte le cinéma gothique parmi l'originalité d'un script débridé.  Chaudement photographié à travers sa lumière sépia transfigurant l'architecture gothique d'un manoir jalonné de pièces secrètes, chambre de tortures et galeries souterraines, La Vierge de Nuremberg épouse l'esthétisme pictural avant de nous embarquer dans une intrigue machiavélique au suspense charpenté. Le pitch: A la suite d'un cauchemar, Mary se réveille pour entendre des cris en interne du château auquel elle vient d'emménager avec son époux. Ces supplices l'entraînent finalement vers la salle des tortures. Attirée par l'instrument de la Vierge de Nuremberg, elle décide d'ouvrir le sarcophage orné de pointes pour découvrir le corps sans vie d'une jeune femme énuclée. Après avoir perdu connaissance, elle se réveille dans sa chambre parmi le témoignage de son mari. Il lui explique alors qu'elle sort d'un mauvais cauchemar. Mais l'attitude interlope d'une des gouvernantes et du valet finissent par la convaincre que cette nuit de cauchemar n'était point le fruit de son imagination. Baignant dans le climat envoûtant d'un manoir vétuste hanté des exactions moyenâgeuses d'un ancêtre sadique, La Vierge de Nuremberg cultive un goût pour le macabre et le malsain parmi l'originalité d'un script usant de faux suspects et estocades meurtrières pour mieux laisser planer l'ambiguïté. 

Dominé par la présence charnelle de Rossana Podestà, le cheminement narratif est entièrement alloué à l'instinct investigateur de son personnage sévèrement malmené par l'entourage familial. Une épouse démunie déambulant seule dans les salles du château entre appréhension et fascination puisque témoin malgré elle du potentiel coupable après avoir subi les visions morbides de cadavres mutilés. A ce titre, on peut mettre en exergue le caractère atroce de la torture du rat lorsqu'une femme est retrouvée la tête encagée avec le rongeur venu lui dévorer la bouche ! Une séquence viscérale assez intense et audacieuse,  toujours aussi impressionnante aujourd'hui, notamment pour l'effet de répulsion causé en caméra subjective et usant (même si discrètement) de gore graphique. Outre la flamboyance gothique de ses décors raffinés, de l'interprétation aérienne de Rossana Podesta et des seconds-rôles taillés à la serpe (Christopher Lee et Anny Delli Uberti mènent diaboliquement la danse !), La Vierge de Nuremberg sait entretenir un suspense affûté lorsque notre héroïne tente avec prudence d'ôter la soutane de l'inquisiteur. Jouant avec l'icône du spectre maudit revenu d'entre les morts pour s'y venger, Antonio Margheriti dépoussière l'épouvante séculaire par le biais d'une intrigue délirante faisant intervenir Spoil ! l'horreur du nazisme et ses expérience médicales officieuses. Le dénouement haletant s'avérant d'ailleurs assez glauque et poignant lorsque le passé traumatique du meurtrier nous est détaillé parmi l'implication d'une vendetta, et ce avant de nous révéler l'apparence sentencieuse de son visage meurtri Fin du Spoiler. 

Irrésistiblement envoûtant auprès de son ambiance insolite aussi macabre que malsaine et cultivant l'art d'y conter une intrigue à suspense plutôt fétide, La Vierge de Nuremberg créé la surprise d'une horreur hybride Spoil ! en affiliant les horreurs chirurgicales du Nazisme fin du Spoil avec l'intégrisme médiéval. Chef-d'oeuvre gothique iconoclaste au demeurant comme seuls les italiens ont le secret ! 

*Bruno

28.12.22. 4èx

LA PARTY

                                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site galleryhip.com

de Blake Edwards. 1968. U.S.A. 1h39. Avec Peter Sellers, Claudine Longet, J. Edwards McKinley, Marge Champion, Sharron Kimberly, Denny Miller.

Sortie salles France: 13 Août 1969

FILMOGRAPHIE: Blake Edwards est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 26 Juillet 1922 à Tulsa (Oklahoma), décédé le 15 Décembre 2010 à Santa Monica (Californie).
1955: Bring your smile along. 1956: Rira bien. 1957: L'Extravagant Mr Cory. 1958: Le Démon de Midi. 1958: Vacances à Paris. 1959: Opération jupons. 1960: Une seconde jeunesse. 1961: Diamants sur canapé. 1962: Allô, brigade spéciale. 1962: Le Jour du vin et des roses. 1963: La Panthère Rose. 1964: Quand l'inspecteur s'emmêle. 1965: La Grande course autour du monde. 1966: Qu'as-tu fait à la guerre, papa ? 1967: Peter Gunn, détective spéciale. 1968: La Party. 1970: Darling Lili. 1971: Deux Hommes dans l'Ouest. 1972: Opération Clandestine. 1973: Top Secret. 1975: Le Retour de la Panthère Rose. 1976: Quand la panthère rose s'emmêle. 1978: La Malédiction de la Panthère rose. 1979: Elle. 1981: S.O.B. 1982: Victor, Victoria. 1982: A la recherche de la Panthère Rose. 1983: L'Hériter de la Panthère rose. 1984: L'homme à femmes. 1984: Micki et Maude. 1986: Un sacré bordel. 1986: That's Life. 1987: Boires et Déboires. 1988: Meurtre à Hollywood. 1988: L'Amour est une grande aventure. 1991: Dans la Peau d'une blonde. 1993: Le Fils de la Panthère rose.

Grand classique de la comédie américaine, La Party réunit à nouveau le tandem payant de la Panthère Rose, Black Edwards/Peter Sellers, pour un délire impayable digne des facéties de Chaplin et Laurel et Hardy. Le moteur des séquences comiques fonctionne également sur la pantomime du personnage principal sujet à moult incidents mineurs mais qui vont rapidement en enchaîner d'autres dans un concours de circonstances désastreuses. La gestuelle et la physionomie décontractée de Peter Sellers déclenchant le rire nerveux dans sa nature inconsciente de gaffeur intarissable.

Synopsis : Incidemment invité lors d'une réception mondaine chez un riche producteur de cinéma, un acteur indien va accumuler des bévues toujours plus catastrophiques et entraîner avec lui les invités dans une hystérie collective !

Immense éclat de rire confiné autour d'une luxueuse villa, Blake Edwards utilise l'unité de lieu avec inventivité, le décor amovible servant également de pivot électronique pour déclencher des situations catastrophiques aussi débridées qu'inopinées. Si la présence irrésistible de Peter Sellers doit beaucoup à l'énergie comique de sa discrétion fantasque, certains seconds rôles (deux des majordomes opérant le service aux invités vont finir par s'affronter parce que l'un d'eux est en état d'ébriété) insufflent tout autant le rire incontrôlé dans leur conflit d'autorité. Par le biais de cette soirée mondaine de prime abord pacifique, Blake Edwards se permet un joli pied de nez au snobisme d'Hollywood avec cet Indien perturbateur venu désinhiber la vanité des invités. Ce qui culmine dans un final apocalyptique lorsque la réception dévergondée tourne à l'hystérie infantile lors d'un gigantesque bain de mousse causé par le nettoyage d'un bébé pachyderme ! Mais bien avant ce délire orgasmique où toutes les bévues sont déployées avec une frénésie communicative, Peter Sellers accomplit le tour de force comique de nous amuser dans ses vicissitudes malchanceuses avant de nous attendrir parmi la chaude complicité d'une comédienne en herbe.

Désopilant et pittoresque dans sa succession de gags jamais à court d'idées saugrenues, La Party n'oublie pas non plus de nous émouvoir par l'entremise d'une tendre romance où la candeur des sentiments effleure la féerie. Transcendée par le tempérament flegmatique du clown Peter Sellers, cette comédie cartoonesque distille un charme, une bonne humeur et une vigueur toujours aussi galvanisants.

Bruno Matéï
2èx

Le Voyeur / Peeping Tom

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site discreetcharmsandobscureobjects.blogspot.co

de Michael Powell. 1960. Angleterre. 1h41. Avec Karlheinz Böhm, Anna Massey, Maxine Audley, Moira Shearer, Esmond Knight, Michael Goodliffe, Jack Watson.

Sortie salles France: 21 Septembre 1960. Angleterre: 7 Avril 1960

FILMOGRAPHIE: Michael Powell est un réalisateur britannique, né le 30 septembre 1905 à Bekesbourne, décédé le 19 Février 1990 à Avening, Gloucestershire. 1937: A l'angle du monde. 1939: L'Espion noir. 1939: Le Lion a des ailes. 1940: Le Voleur de Bagdad. 1940: Espionne à bord. 1941: 49è parallèle. 1942: Un de nos avions n'est pas rentré. 1943: The Volunteer. 1943: Colonel Blimp. 1944: A Canterbury Tale. 1945: Je sais où je vais. 1946: Une Question de vie ou de mort. 1947: Le Narcisse Noir. 1948: Les Chaussons Rouges. 1948: The Small Back Room. 1950: La Renarde. 1950: The Elusive Pimpernel. 1951: Les Contes d'Hoffman. 1955: Oh! Rosalinda ! 1956: La Bataille du Rio de la Plata. 1956: Intelligence Service. 1959: Lune de Miel. 1960: Le Voyeur. 1961: The Queen's Guards. 1964: Le Château de Barbe-Bleue. 1966: They're a Weird Mob. 1969: Age of Consent.

"Selon l'analyse psychanalytique de Laura Mulvey, il existe deux sources principales de plaisir visuel au cinéma : la scopophilie et le narcissisme."

Traitant du thème de la scopophilie (ou scoptophilie), c'est à dire la pulsion sexuelle, le plaisir de regarder l'autre comme objet de plaisir qu'il soumet à son regard contrôlant, Le Voyeur relate la dérive obsessionnelle d'un serial-killer d'un genre particulier. Un cinéaste obsédé à l'idée de filmer l'agonie des femmes dans sa plus horrifiante expression. Car par le biais d'un procédé technique astucieux dont je me tairai de vous révéler, Mark Lewis tue ses victimes à l'aide de sa caméra meurtrière. Si bien que traumatisé dès son enfance par un paternel étudiant ses réactions de peur et de voyeurisme sexuel par l'entremise d'une caméra, Mark désire transcender ces travaux pour façonner un documentaire encore plus édifiant ! Supprimer la vie d'autrui et continuer d'inscrire sur pellicule l'expression de terreur la plus significative au moment suprême de la mort !

« La photo, c'est la chasse. C'est l'instinct de chasse sans l'envie de tuer. C'est la chasse des anges… On traque, on vise, on tire et clac ! Au lieu d'un mort, on fait un éternel. »

Discrédité par les critiques lors de sa sortie en raison de son climat malsain, ses traits d'humour noir et de son sujet déviant impopulaire auprès du public préférant se ruer sur le cas schizophrène de Norman Bates dans Psychose, Le Voyeur pratique la mise en abyme lorsqu'il dépeint l'improbable portrait d'un cinéaste (et photographe de charme à ses heures perdues !) prisonnier de ses obsessions morbides. Sans jamais céder à une quelconque outrance, Michael Powell compte sur le climat malsain d'un environnement cinégénique et sur l'interprétation magnétique de Karlheinz Böhm pour nous entraîner dans un voyage au bout de la peur du point de vue du 7è art. Notamment en nous interpellant sur notre curiosité masochiste face à l'image interdite mais aussi sur nos pulsions sexuelles tributaires de notre instinct voyeuriste. Le pouvoir de l'écran étant également mis en cause lorsque la victime ne peut s'empêcher d'observer la toile pour découvrir avec stupeur l'obscénité d'un snuf-movie ! Pis encore, par le biais de la mort en direct, Michael Powell révèle l'effet hypnotique de l'angoisse, cette terreur viscérale de succomber au trépas par le procédé d'un reflet de miroir ! Quoi de plus horrifiant que de contempler sa propre agonie ! Redoutablement pervers et troublant, le Voyeur traite également du fétichisme lorsque le tueur est incapable de se séparer de sa caméra car n'ayant comme seule attache sa passion artistique avec la volonté de surpasser l'illusion de la fiction. La quête du réalisme le plus intense, sa fascination pour la mort ("si la mort a un visage, elles l'ont toutes vues" exprimera-t'il à sa dernière victime !) le mèneront à une descente aux enfers irréversible où l'expiation sera son seul salut.

L'expression morbide au cinéma. 
Malsain et dérangeant mais redoutablement fascinant et inquiétant de par ses réflexions audacieuses sur la scoptophilie et notre rapport pervers face à l'image tapageuse, Le Voyeur redouble d'originalité pour inscrire sur pellicule le portrait d'une victime ébranlée par ses bas-instincts tout en suggérant la légende urbaine (?) du snuff-movie. Un chef-d'oeuvre iconoclaste redoutablement lucide car traduisant par les névroses du tueur notre propre image voyeuriste !

Bruno 
27.03.24. 4èx. vostfr 4K

ANGEL

                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site discreetcharmsandobscureobjects.blogspot.co

de Robert Vincent O'Neill. 1984. U.S.A. 1h34. Avec Donna Wilkes, Cliff Gorman, Susan Tyrrell, Dick Shawnn Rory Calhoun.

FILMOGRAPHIE: Robert Vincent O'Neill est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain. 1969: Like mother like daughter. 1970: The Psycho Lover. 1970: Blood Mania. 1973: Wonder Women. 1976: Paco. 1984: Angel. 1985: Angel 2 (The Avenging angel).

Gros succès à sa sortie, tant en salles US que chez nous sous support VHS, Angel surfe sur l'exploitation des Vigilante Movies en vogue au début des eighties. Par le profil ombrageux du tueur et son ambiance nocturne d'une jungle urbaine hantée de détraqués et excentriques en tous genres, cette série B peut évoquer l'excellent Vice Squad de Sherman ou encore le non moins épatant New-York, 2 heures du matin de Ferrara. D'ailleurs, le film eut une telle renommée auprès du public que deux autres volets ont été mis en chantier en 85 et en 88. Ce dernier opus étant réalisé par Tom De Simone, un spécialiste du WIP à qui l'on doit Les Anges du Mal 2, Quartiers de Femmes, Chained ou encore Hell Night dans un domaine autrement horrifique. Le pitch se résume à la descente aux enfers d'une jeune collégienne, Angel, 16 ans, contrainte de se prostituer la nuit faute de démission parentale. En prime, un dangereux psychopathe commence à sévir dans le boulevard de Los-Angeles auquel elle pratique ses activités puisque l'une de ses amies est retrouvée sauvagement assassinée. Alors que la police enquête afin de le démasquer, le lieutenant Andrews s'intéresse d'un peu plus près aux activités illégales d'Angel logeant à l'enseigne d'un immeuble miteux et fréquentant des laissés pour compte.

B movie entièrement bâti sur le concept ludique d'un thriller horrifique mené tambour battant (poursuites et fusillades sanglantes à l'appui !), Angel réussit à susciter l'enthousiasme, notamment grâce à son habile dosage de cocasserie, de tendresse et de dramaturgie. Le récit assez efficace ne cessant de télescoper comportements loufoques de marginaux épris d'amitié pour Angel, tendresse poignante impartie à sa solitude existentielle, compassion d'un flic indulgent, et déambulation nocturne du serial-killer aux pulsions meurtrières erratiques. Si le film fait preuve d'un charme envoûtant dans sa photogénie insécurisante d'un Los Angeles illuminé de néons flashy, il doit également beaucoup de son attrait à la présence extravagante des seconds-rôles (un travelo gaillard, un retraité camouflé en Buffalo Bill, une garçonne braillarde), quand bien même Angel mène la danse avec fragilité et un sang froid toujours plus inflexible. Donna Wilkes se prêtant à merveille dans la peau d'une midinette à couettes bientôt submergée par sa rancoeur expéditive. A ce stade, il faut la voir manier de ses petites mains du gros flingue et courser sur un boulevard bondé de citadins un serial-killer déguisé en hindouiste pour mieux duper la police. Sur ce dernier point, et dans un jeu entièrement mutique, John Diehl compte sur la neutralité de son regard diaphane pour nous retransmettre l'expression dérangée d'un état d'âme sexuellement refoulé.

Thriller horrifique décomplexé par ses moult circonstances pittoresques, sa violence parfois cartoonesque (le carnage dans le commissariat, la poursuite urbaine au final homérique !) et ces instants de tendresse pour la caractérisation démunie d'une prostituée au grand coeur, Angel remplit aisément son contrat de produit d'exploitation dans une facture bisseuse irrésistiblement attractive. A l'instar de son score aux percussions stridentes et des trognes de secondes zone se prêtant au jeu avec une bonhomie communicative. Pour parachever, on ne manquera pas non plus de se réjouir de la stature pugnace d'une Bronson en jupe courte et de l'esthétisme rutilant d'un Los-Angeles noctambule livré aux meurtres et au racolage. 
A découvrir d'urgence pour tous les amoureux de Vigilante Movies, en attendant (avec une certaine crainte) les opus 2 et 3 !

Toute mon affection à CONTREBANDE VHS
Bruno Matéï

FOXCATCHER. Prix de la Mise en scène, Cannes 2014.

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Bennett Mille. 2014. U.S.A. 2h15. Channing Tatum, Mark Ruffalo, Steve Carell, Sienna Miller, Anthony Michael Hall, Guy Boyd, Vanessa Redgrave.

Sortie salles France: 21 Janvier 2015. U.S: 14 Novembre 2014

FILMOGRAPHIE: Bennett Mille est un réalisateur américain, né le 30 Décembre 1966.
2005: Truman Capote. 2011: Le Stratège. 2014: Foxcatcher.

Tiré d'une histoire vraie relatant le destin peu commun de deux champions de luttes, deux frères au caractère bien distinct mais à l'esprit sportif incorrigible, Foxcatcher aborde les thématiques de la jalousie, de la rancune, de l'échec personnel et du complexe d'infériorité autour des profils introvertis d'un milliardaire et d'un jeune lutteur en soif de reconnaissance. A la suite du compromis du richissime John du Pont, le jeune lutteur Mark Schultz reçoit l'opportunité de résider dans sa luxueuse demeure afin de pouvoir s'entraîner pour concourir aux jeux olympiques de Seoul de 1988. Si de prime abord, leur relation amicale est au beau fixe, l'attitude capricieuse de John du Pont, son penchant pour la cocaïne et son complexe d'autorité finissent par nuire à l'équilibre sportif de Mark Schultz. En prime, depuis l'arrivée du frère aîné de ce dernier, mentor de lutte affirmé, la relation houleuse du trio va adopter une tournure autrement plus complexe dans leurs rapports de force. 

Film dramatique d'une intensité poignante pour le portrait imparti à trois individus unifiés par la passion mais au style de vie contradictoire, Foxcatcher transfigure leur psychologie torturée parmi la sobriété de comédiens époustouflants de charisme renfrogné. Steve Carrel, méconnaissable, endossant dans une stature aussi rigide qu'impassible l'ambivalence d'un milliardaire rongé par la frustration. Celui de n'avoir jamais pu s'imposer aux yeux des autres comme un mentor reconnu et d'avoir été discrédité par une mère intolérante de sa passion sportive ! Secondé par Channing Tatum, l'acteur lui prête la vedette avec la modestie d'un caractère introverti. Un jeune lutteur aussi fragile que susceptible mais délibérément épris de gagne malgré l'humiliation d'un milliardaire faussement paternel. Enfin, Mark Ruffalo emprunte la carrure virile d'un père de famille aimant et celui d'un coach expérimenté toujours plus soucieux à veiller sur l'équilibre de son cadet en crise identitaire. Devant la caméra virtuose de Bennett Mille, ce trio maudit se dispute le pouvoir avec l'émotion de la réserve, faute de se plier à l'orgueil d'un rupin versatile et avant que les éclairs de violence ne prennent le pas sur la révolte.

Drame humain régit autour de l'échec personnel et de la solitude, réflexion sur l'affirmation de soi et le poids de la jalousie, Foxcatcher aborde ici le problème de la reconnaissance parmi la maîtrise d'une mise en scène épurée et le numéro de comédiens criants d'humanisme contrarié ! Une oeuvre subtile dans sa manière d'ausculter les fêlures intrinsèques de nos témoins, une confrontation d'autant plus intense et douloureuse que la tournure de son final dramatique s'affranchie de manière aussi soudaine qu'inopinée ! Du grand cinéma, humble et remarquablement conté. 

Remerciement à Pascal Frezzato.
Bruno Matéï

Récompenses: Festival de Cannes 2014 : Prix de la mise en scène pour Bennett Miller
Festival du film de Hollywood 2014 : Hollywood Ensemble Cast Award
American Film Institute Awards 2014 : top 10 des meilleurs films de l'année
Gotham Awards 2014 : Special Jury Award pour Steve Carell, Mark Ruffalo et Channing Tatum
Film Independent's Spirit Awards 2015 : Special Distinction Award pour Bennett Miller
National Society of Film Critics Awards 2015 : meilleur acteur dans un second rôle pour Mark Ruffalo (2e place)

The Town that dreaded Sundown

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site traileraddict.com

d'Alfonso Gomez-Rejon. 2014. U.S.A. 1h26. Avec Addison Timlin, Gary Cole, Edward Herrmann, Veronia Cartwright, Ed Lauter, Gracie Whitton, Joshua Leonard.

Sortie salles U.S: 16 Octobre 2014

FILMOGRAPHIE: Alfonso Gomez-Rejon est un réalisateur et producteur américain, né à Laredo, Texas. 2014: The Town that dreaded sundown. 2015: Me and earl and the Dying Girl.

"Le spectre du cinéma : The Town That Dreaded Sundown"

 

Séquelle, remake ou plutôt mise en abyme d’un excellent psycho-killer de 1976 inspiré de faits réels, The Town That Dreaded Sundown relate les nouvelles exactions d’un copycat surnommé "le Fantôme", alors que la population de l’Arkansas reste hantée par une vague de crimes inexpliqués survenus soixante-cinq ans plus tôt. Après l’assassinat brutal de son petit ami, Jami échappe de justesse à son tortionnaire. Aidée de la police et d’un allié inattendu, elle décide de mener sa propre enquête, la conduisant jusqu’aux origines du mal.

Inscrit dans la mouvance des psycho-killers de commande, le film tire pourtant honorablement son épingle du jeu grâce à une réalisation stylisée à couper le souffle – on croirait du Bava contemporain – sublimée par sa photo flamboyante et inventive. On pourrait intituler l'écrin "le Fantôme sous la lune de sang". C’est sans doute sa plus grande force : un foisonnement de trouvailles visuelles, de cadrages tarabiscotés et obliques, et cette faculté du cinéaste à façonner des séquences surréalistes, imprégnées d’un onirisme crépusculaire. La poursuite nocturne dans les champs sous la lune, l’agression dans la décharge ou celle en extérieur d’hôtel restent gravées comme des visions hallucinées, poétiques.

Le scénario, s’il se contente d’une trame d’investigation rythmée par deux meurtres incisifs, convainc par l’ambiguïté de sa filiation, cet héritage durable que souhaite imprimer le mal, alors que son twist final aussi surprenant que ludique est un clin d’œil assumé aux thrillers des années 80 et 90. En pratiquant la mise en abyme, Alfonso Gomez-Rejon rend donc un hommage lucide et habité au film original : projections dans un drive-in, visionnages domestiques, visite du fils du cinéaste entouré d’affiches et de souvenirs. Le fantôme de Charles B. Pierce hante littéralement la pellicule, interrogeant notre fascination pour ces tueurs mythifiés par le cinéma, icônes morbides d’une société réfugiée dans le déni pour donner sens à sa propre peur, à sa hantise traumatique.

Le montage, d’une dextérité sidérante, épouse des mouvements de caméra amples et de longs travellings circulaires à n'en plus finir. L’impact des meurtres, brutal sans sombrer dans la surenchère, frappe par l’audace visuelle d'une sauvagerie tranchée.

D'une beauté brune plutôt naturelle, l'actrice Addison Timlin incarne une héroïne singulière : anti-potiche lucide, survivante en devenir, figure de résilience. Sa douceur brune, son flegme rassurant contrastent avec la violence du monde qui l’entoure. Elle traverse le récit comme une chrysalide, fragile puis affirmée, jusqu’à incarner la liberté conquise au cœur du cauchemar qui semble subsister dans l'ombre d'une ruelle.

Troublant et envoûtant, à la fois réaliste et spectral, The Town That Dreaded Sundown magnétise par son climat d’horreur élégante, sa photographie fulgurante et son onirisme macabre. Son fantôme masqué, charismatique et impitoyable, sa bande-son obsédante et son atmosphère mélancolique le hissent bien au-dessus des produits standardisés, vite vus, vite oubliés.

Étrange et regrettable qu’un tel film n’ait jamais reçu la reconnaissance qu’il mérite. 

— le cinéphile du cœur noir

Ven 24.10.25. Vostf

Remerciements à Cid Orlandou, Isabelle Rocton et Otto Rivers

AMERICAN SNIPER

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site indiatoday.intoday.in

de Clint Eastwood. 2014. U.S.A. 2h12. Avec Bradley Cooper, Sienna Miller, Jake McDorman, Luke Grimes, Kyle Gallner, Keir O'Donnell, Eric Close.

Sortie salles France: 18 Février 2015. U.S: 16 Janvier 2015

FILMOGRAPHIE: Clint Eastwood est un acteur, réalisateur, compositeur et producteur américain, né le 31 Mai 1930 à San Francisco, dans l'Etat de Californie.
1971: Un Frisson dans la Nuit. 1973: L'Homme des Hautes Plaines. 1973: Breezy. 1975: La Sanction. 1976: Josey Wales, Hors la Loi. 1977: L'Epreuve de Force. 1980: Bronco Billy. 1982: Firefox, l'arme absolue. 1982: Honkytonk Man. 1983: Sudden Impact. 1985: Pale Rider. 1986: Le Maître de Guerre. 1988: Bird. 1990: Chasseur Blanc, Coeur Noir. 1990: Le Relève. 1992: Impitoyable. 1993: Un Monde Parfait. 1995: Sur la route de Madison. 1997: Les Pleins Pouvoirs. 1997: Minuit dans le jardin du bien et du mal. 1999: Jugé Coupable. 2000: Space Cowboys. 2002: Créance de sang. 2003: Mystic River. 2004: Million Dollar Baby. 2006: Mémoires de nos pères. 2006: Lettres d'Iwo Jima. 2008: L'Echange. 2008: Gran Torino. 2009: Invictus. 2010: Au-delà. 2011: J. Edgar. 2014: Jersey Boys. 2015: American Sniper.

Pris dans la tourmente d'une guerre irakienne impitoyable et chargé de relever plusieurs missions afin d'annihiler un dangereux terroriste, Chris Kyle finit par accéder à une réputation légendaire, à point tel que le camp ennemi s'est juré de mettre sa tête à prix. Outre le fait pour les Navy de mettre hors d'état de nuire un franc-tireur d'Al-Qaïda, l'absurdité des conflits est notamment compromise par la rivalité d'un redoutable sniper irakien aussi méticuleux dans son sens acéré de l'assassinat. Impression trouble et persistante d'avoir vécu quelque chose d'ambigu à la sortie de la projo du nouvel Eastwood. American Sniper distillant une aura de souffre pour l'empathie ambivalente allouée au héros américain. Un soldat destitué de son identité depuis la fin de ses missions car hanté par sa morale et brimé par l'insatisfaction de la victoire. Cet endoctrinement de la violence et de la perversion, comme celui d'hésiter à assassiner un enfant martyr, est établi du point de vue d'un tireur d'élite contraint d'éradiquer homme, femme ou bambin s'ils représentaient une menace létale pour les Navy Seals. Dans sa position de sniper à l'affût du moindre danger, Chris Kyle va au fil des mois essuyer honneur et bravoures tout en se portant témoin des horreurs de la guerre et comptabiliser les victimes des ses confrères sacrifiés au champ d'honneur.

La manière subtile dont Eastwood aborde aujourd'hui le trauma de la guerre préconise le non-dit lorsqu'il s'agit d'ausculter le comportement névrosé du tueur d'élite prenant goût à la violence pour une cause d'assistance envers les démunis (une doctrine inculquée dès son plus jeune âge par son père !) et de patriotisme (aimer et servir la dignité de son pays). Observant le visage impassible de Bradley Cooper ciblant sa nouvelle proie avec une précision chirurgicale, juste avant d'exercer la détente, l'acteur réussit à imposer un jeu viscéral bâti sur le self-control mais aussi la prise de conscience redoutée de sacrifier l'innocence. Son parcours immoral, sa descente insinueuse aux enfers sont notamment désamorcées par la fatalité d'une ironie acerbe, celle d'un revirement aussi paradoxal qu'inopiné. Outre la virtuosité de sa mise en scène épurée ne sombrant jamais dans la complaisance de l'actionner bourrin, Clint Eastwood filme cette sale guerre avec la grande efficacité d'un montage rigoureux alternant guérillas cinglantes, accalmies de repos et intimité des rapports de couple. Sur ce dernier point, l'incertitude est aussi à l'appel lorsque le cinéaste s'attarde sur le retour au bercail de Chris littéralement hanté par ses démons et son accoutumance à l'exécution sommaire, quand bien même sa femme observe ses névroses avec une inquiétude prémonitoire. Ses épisodes intimistes inscrits dans l'aigreur, l'anxiété mais aussi le réconfort convergent à une conclusion lourde de sens dans sa réflexion admise sur la notion d'héroïsme ainsi que la répercussion de nos actions. 

Baignant dans une atmosphère malsaine redoutablement insidieuse, on quitte American Sniper avec le poids de l'amertume d'avoir suivi le trajet introspectif d'un héros américain hanté par le regret de ses actes barbares et avant de succomber dans une destinée aussi absurde que sa posture glorifiante d'icone américain. Réfutant la carte de l'outrance dans sa représentation animale de la guerre, le dernier Eastwood risque de faire grincer certaines dents mais il s'agit à mon sens d'un réquisitoire, d'un grand film noble sur la défaite de la guerre et le sens moral de nos principes héroïques. 

Ci-dessous, la critique de mon ami Gilles Rolland:
http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-american-sniper

Bruno Matéï

Récompenses: American Film Institute Awards 2014 : top 10 des meilleurs films de l'année
Boston Society of Film Critics Awards 2014 :
Meilleur réalisateur pour Clint Eastwood
Meilleur montage pour Joel Cox et Gary Roach
National Board of Review Awards 2014 :
Top 2014 des meilleurs films
Meilleur réalisateur pour Clint Eastwood
Critics' Choice Movie Awards 2015 : meilleur acteur dans un film d'action pour Bradley Cooper

Terreur dans la Nuit / Night Watch

                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site ninjadixon.blogspot.com

de Brian G. Hutton. 1973. U.S.A. 1h43. Avec Elisabeth Taylor, Laurence Harvey, Billie Whitelaw, Robert Lang, Tony Britton, Bill Dean, Michael Danvers-Walker, Rosario Serrano, Pauline Jameson, Linda Hayden.

Sortie salles U.S: 10 Août 1973

FILMOGRAPHIE: Brian G. Hutton est un réalisateur et acteur américain, né le 1er Janvier 1935 à New-York, décédé le 19 Août 2014 à Los Angeles.
1965: Graine sauvage. 1966: The Pad and How to use it. 1968: Les Corrupteurs. 1968: Quand les Aigles attaquent. 1970: De l'or pour les braves. 1972: Une belle tigresse. 1973: Terreur dans la Nuit. 1980: De plein Fouet. 1983: Les Aventuriers du bout du monde.

Invisible en France depuis plus de trente ans - plus précisément depuis sa diffusion sur Antenne 2 un mardi en seconde partie de soirée à la fin des années 70 ou au début des années 80 - Terreur dans la Nuit s’apparente aujourd’hui à une véritable relique oubliée, que même les fantasticophiles ont tendance à méconnaître tant sa rareté demeure extrême.

Ayant été littéralement terrorisé à l’âge de douze ans lors de ma première découverte chez ma grand-mère, quelle ne fut pas ma stupeur de pouvoir retenter l’expérience plus de trente ans après ce souvenir persistant, grâce à une aubaine aussi inattendue qu’inespérée. Car aussi (faussement) prévisible que la narration puisse le laisser croire, Terreur dans la Nuit puise sa force dans une intrigue délétère d’une redoutable sournoiserie, soutenue par l’interprétation désaxée de l’illustre Elizabeth Taylor et par l’atmosphère tantôt angoissante, tantôt oppressante d’une bâtisse gothique renfermant un terrible secret.

Rappel des faits: Ellen Wheeler, veuve aujourd’hui remariée à un financier, est en proie à la vision nocturne d’un cadavre ensanglanté aperçu à la fenêtre d’en face, dans une maison abandonnée. Dépêchée sur les lieux, la police ne constate pourtant aucune effraction ni la moindre dépouille. Quelques jours plus tard, elle distingue à nouveau une étrange silhouette derrière le volet de la demeure. Est-elle victime d’une paranoïa grandissante liée à la disparition accidentelle de son premier mari, pourtant infidèle ? Ou bien le jouet d’une odieuse machination ? Et si ce dernier était encore en vie ?

Responsable de deux classiques du film de guerre - Quand les aigles attaquent et De l'or pour les Braves - Brian G. Hutton s’essaie ici au registre horrifique dans le cadre d’un thriller à suspense. Si la trame initiale semble annoncer des situations déjà éprouvées - adultère potentiel, faux coupables et manipulations - la tournure des événements adopte progressivement une dimension bien plus vénéneuse lorsque Ellen vacille peu à peu, tout en s’efforçant de démasquer d’éventuels imposteurs.

Sans en révéler davantage sur l’ossature du récit, on peut néanmoins saluer l’intensité de son climat angoissant, largement orchestré autour de la bâtisse délabrée. Le cinéaste cultive un goût manifeste pour le macabre - notamment à travers des flashbacks décrivant des visions de cadavres blafards dans une morgue - et pour un mystère feutré sublimé par l’architecture gothique de corridors, d’escaliers et de chambres décharnées. Sur ce point, le film se révèle une franche réussite et devrait combler les amateurs d’ambiances opaques, tant la scénographie des pièces obscures distille une atmosphère magnétique sous le regard impuissant d’une femme fébrile gagnée par la paranoïa.

À l’extérieur même de ce lieu hanté, un simple volet fouetté par le vent semble vouloir compromettre la véracité de ses visions. Épaulé par une partition discrètement lancinante, le film installe un suspense latent renforcé par la sobriété de comédiens jouant habilement avec l’ambivalence de leurs postures équivoques.

Quant au point d’orgue sardonique, le cinéaste fait basculer la tension vers une explosion de violence lors d’un dénouement aussi terrifiant que sanglant. Pour l’époque, on reste encore surpris par la verdeur de certains crimes sauvagement perpétrés au couteau de cuisine.

Correctement réalisé et mené avec le savoir-faire d’un cinéaste manifestement imprégné d’une autorité hitchcockienne, Terreur dans la Nuit privilégie la photogénie d’une ambiance nocturne profondément anxiogène avant de nous ébranler lors d’un final paroxystique.

Une pépite du thriller horrifique injustement ignorée, sublimée par la prestance névralgique d’Elizabeth Taylor, toujours aussi glaciale, inquiétante et magnétique.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Gratitude au blog Les Pépites du cinéma Bis, B et Z

08.03.26. 3èx. Vostfr

I Origins

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site en.wikipedia.org

de Mike Cahill. 2014. U.S.A. 1h46. Avec Michael Pitt, Brit Marling, Astrid Bergès-Frisbey, Steven Yeun, Archie Panjabi, Cara Seymour.

Sortie salles France: 24 Septembre 2014. U.S: 18 Juillet 2014

FILMOGRAPHIE: Mike Cahill est un réalisateur, scénariste, producteur et monteur américain, né le 5 Juillet 1979 à New-Haven (Connecticut). 2011: Another Erath. 2014: I Origins

"Chaque personne sur cette planète a des yeux uniques. Chaque oeil abrite son propre univers. Je suis le Dr Ian Grey. Je suis un père, un mari, et un scientifique. Tout jeune, j'ai compris que les appareils photo fonctionnent tout comme l'être humain : ils absorbent la lumière par une lentille et créent des images avec elle. Je me suis mis à photographier le plus d'yeux possible. J'aimerai vous raconter l'histoire des yeux qui ont changé ma vie. Souvenez-vous de ces yeux, souvenez-vous de chaque détail !"

"L'oeil et l'oubli de Dieu".

Déjà remarqué avec Another Earth, primé à Sundance, Mike Cahill s’est à nouveau fait entendre dans les festivals avec son second long, I Origins, auréolé de deux récompenses à Sitges et à Sundance. En dépit d’une sortie timide dans nos salles, ce film indépendant, né de l’esprit d’un cinéaste passionné d’astronomie et d’anticipation, oppose frontalement science et spiritualité à travers le projet improbable d’un jeune savant.

Ian Grey est sur le point de parfaire une théorie capable de contredire l’existence même de Dieu. Au hasard d’une rencontre, il tombe littéralement amoureux d’une inconnue, tout entière tournée vers le spirituel. Un étrange concours de circonstances précipitera leurs destins, remettant en cause les certitudes de Ian, embarqué malgré lui dans un périple initiatique.

À travers le profil de ce scientifique farouchement athée, ne jurant que par les mathématiques pour démystifier la foi, on observe avec ironie la dérision de ses contradictions : lui qui, en manipulant des mutations sur des lombrics aveugles, incarne presque la figure d’un dieu moderne, prêt à blasphémer les lois de la nature ! Drame intimiste, romance et science-fiction se télescopent ici avec une originalité pudique, où Cahill utilise le prétexte de la vision oculaire pour nourrir une réflexion vertigineuse sur la réincarnation, consécutive à une découverte stupéfiante permettant de retracer la postérité de nos disparus.

Loin de tout prosélytisme, le cinéaste privilégie la force des émotions dans une romance lyrique, où l’identité de l’œil - ces fenêtres de l’âme, comme on dit - viendra fissurer le scepticisme du héros. Porté par de jeunes comédiens sobres et convaincants, tant dans leur fonction investigatrice que dans leurs fragilités, le film exerce un pouvoir de fascination, malgré une seconde partie plus prévisible mais tout aussi captivante. Contemplatifs d’une enquête de longue haleine en terre indienne, nous suivons la quête de vérité de Ian, soutenu par sa foi en la science - une foi qui, paradoxalement, pourrait bien bousculer nos doutes comme nos espoirs sur l’existence de l’âme.

Sans céder au pathos, Mike Cahill parvient à nous bouleverser, notamment lors d’un événement dramatique imprévu (évitez absolument le trailer avant visionnage !) et dans ces plages d’onirisme en osmose avec la nature, avant de conclure sur un épilogue d’une bouleversante acuité humaine.

"Reflets dans un oeil d'or".
Avec pudeur, originalité et une émotion contenue, I Origins nous fait voyager à travers la lentille de l’âme, interrogeant la métaphysique et les croyances sans jamais imposer de dogme. Par le prisme du progrès scientifique, Cahill épingle les méthodes froides des savants utopistes qui veulent quantifier l’insondable et défier Dieu. Il en émane une œuvre forte, passionnante, d’une sensibilité discrète mais tenace, portée par un optimisme rédempteur qui nous invite à sonder notre propre identité, à travers cette troublante théorie de la migration de l’âme.

P.S: Ne ratez pas une révélation à la toute fin du générique !

*Bruno

28.06.25.

2èx. Vost

Remerciements à Pascal frezzato et Isabelle Rocton

Récompenses: Meilleur Film au Festival du film de Catalogne, 2014.

Prix Alfred P. Sloan du Meilleur Film au Festival de Sundance, 2014.

A la recherche de Mr Goodbar / Looking for Mr. Goodbar

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Richard Brooks. 1977. U.S.A. 2h15. Avec Diane Keaton, Tuesday Weld, William Atherton, Richard Kiley, Richard Gere, Alan Feinstein, Tom Berenger.

Sortie salles France: 29 Mars 1978. U.S: 19 Octobre 1977

FILMOGRAPHIE: Richard Brooks est un réalisateur, scénariste, producteur et romancier américain, né le 18 Mai 1912 à Philadelphie, décédé le 11 Mars 1992 à Beverly Hills. 1950: Cas de conscience. 1952: Miracle à Tunis. 1952: Bas les masques. 1953: Le Cirque Infernal. 1953: Sergent la Terreur. 1954: Flame and the Flesh. 1954: La Dernière fois que j'ai vu Paris. 1955: Graine de Violence. 1956: La Dernière Chasse. 1956: Le Repas de Noces. 1957: Le Carnaval des Dieux. 1958: Les Frères Karamazov. 1958: La Chatte sur un toit brûlant. 1960: Elmer Gantry le charlatan. 1962: Doux oiseau de jeunesse. 1965: Lord Jim. 1966: Les Professionnels. 1967: De sang-froid. 1969: The Happy Ending. 1971: Dollars. 1975: La Chevauchée Sauvage. 1977: A la recherche de Mr Goodbar. 1982: Meurtres en Direct. 1985: La Fièvre du Jeu.

Drame social dressant le portrait sans concession de l’émancipation sexuelle féminine au cœur des années 70, À la recherche de Mr. Goodbar explore la dérive d’une enseignante, Theresa, célibataire inflexible au goût prononcé pour les aventures nocturnes sans lendemain. Issue d’un milieu catholique régi par un père castrateur, elle s’évade du cocon familial pour embrasser une indépendance qu’elle croit libératrice. Au fil de ses rencontres charnelles avec des hommes infidèles, phallocrates ou marginaux, elle s’abandonne à un mode de vie toujours plus instable — reflet d’une époque où frustration et domination s’entremêlent, tandis que la cocaïne s’invite dans les clubs branchés.

Comédie douce-amère glissant peu à peu vers le drame sociétal, le film embrasse les tabous de son temps : avortement, homosexualité, porno sur pellicule et révolution sexuelle. Avec humour et gravité, Richard Brooks maîtrise son sujet sans jamais juger son héroïne, révélant le malaise d’une société en mutation où les êtres les plus névrosés s’accrochent à leur liberté comme à une bouée de sauvetage. La mise en scène, vive et inventive, use d’un montage audacieux, parfois dérisoire, pour illustrer les fantasmes délirants de Theresa. Soutenue par une BO vibrante — oscillant entre Soul et Disco —, cette verve visuelle confère au film un dynamisme troublant, presque hypnotique.

Les acteurs y amplifient la tension narrative par leur intensité farouche. Richard Gere incarne un marginal impudent, impérieux jusque dans ses éclairs de violence. Détestable d’orgueil, il évoque la figure du phallocrate parfait, englué dans sa médiocrité et son vide. Face à lui, Dianne Keaton déploie une grâce longiligne, mêlant fraîcheur et sensualité inquiète. Enseignante dévouée auprès d’enfants sourds le jour, femme dissolue et effarouchée la nuit, elle incarne le paradoxe même d’une liberté douloureuse. Son refus d’enfanter, né d’un traumatisme d’enfance lié à une scoliose héréditaire, ajoute à son personnage une profondeur d’une bouleversante pudeur.

Témoignage caustique de la liberté sexuelle des années 70, où les marginaux se consument dans l’insouciance pendant que d’autres s’enlisent dans le déni de soi (comme Gary et son homosexualité refoulée), À la recherche de Mr. Goodbar intensifie notre empathie pour cette héroïne en déséquilibre, écartelée entre désir et autodestruction. Captivant, insolent, de plus en plus ombrageux à mesure qu’il avance, le film s’achève sur un épilogue effroyable — avertissement cruel aux âmes sensibles — enfonçant le clou dans son constat d’une émancipation sacrifiée.

Une œuvre puissante, inoubliable.

— le cinéphile du cœur noir

2èx

Tusk

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site imdb.com

de Kevin Smith. 2014. U.S.A. 1h42. Avec Justin Long, Michael Parks, Génesis Rodriguez, Haley Joel Osment, Johnny Depp, Matthew Shively.

Sortie France directement en Dvd: 11 Mars 2015. U.S: 19 Septembre 2014

FILMOGRAPHIE: Kevin Smith est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 2 Août 1970 à Red Bank, dans le New-Jersey (Etats-Unis). 1994: Clerks, 1995: Les Glandeurs, 1997: Méprise Multiple, 1999: Dogma, 2001: Jay et Bob contre-attaquent. 2004: Père et Fille. 2006: Clercks 2. 2008: Zack et Miri font un porno. 2010: Top Cops. 2011: Red State. 2014: Tusk.

« Je ne cherche pas à faire mon Kubrick, bordel. Je parle de faire un film avec un putain de gars dans un costume de Morse. Pour la faire courte, c’est juste dingue à quel point nous sommes malgré tout proche de faire quelque chose de vraiment bon ! »
Kevin Smith

Directement sorti en Dvd, Tusk s'inspire de l'épisode The Walrus and The Carpenter créée par Smith lors d'une série de Podcast. Car c'est suite à l'annonce improbable d'un auditeur (en guise de colocation, proposer à un étudiant d'endosser le costume d'un morse et se comporter à la manière de l'animal durant 2h journalières) que Kevin Smith décide d'emprunter ce challenge sans complexe du ridicule. Le pitch en deux mots: Un médecin misanthrope frappé du ciboulot décide de kidnapper un jeune podcasteur pour le transfigurer en véritable Morse et parfaire sa revanche sur la nature humaine (et s'y racheter une conduite !). 

Un concept sardonique sans doute influencé par la farce scabreuse The Human Centipède (délire assumé d'une redoutable efficacité et d'un sens aiguisé de suggestion dans son dosage humour noir/horreur crapoteuse). Kevin Smith tentant d'émuler provocation malsaine, cruauté perverse et sadique et satire morbide pour mieux nous brimer sans faire preuve de complexe. Or, le cauchemar parfois insoutenable en vaut largement la chandelle, qui plus est saupoudré d'humour ultra noir que Johnny Depp amorce par exemple dans sa défroque pittoresque d'investigateur à l'accent québécois saturé d'un regard bigleux. Son sens de dérision macabre étant un tantinet désamorcé d'une aura malsaine trop lourde à tolérer à travers l'alternance de séquences éprouvantes vues nulle part ailleurs. Car de par la situation inhumaine d'un étudiant opportuniste réduit à une masse difforme de Pinnipède humain, de l'intolérance impartie au savant sadique et du climat poisseux régi autour d'eux car trop dérangeant pour égayer la séquestration, Tusk invoque une terreur sournoise littéralement insupportable de tension dramatique. Sur ce point, et pour l'expérience horrifique sévèrement infligée, Tusk s'avère tout simplement une référence encore plus impressionnante et surprenante qu'Human Centipede tant il exploite (plus) adroitement avec un réalisme cru des séquences chocs bâties sur l'humiliation psychologique, la torture physique, la réflexion identitaire quant aux rapports ici communs victime/bourreau jusqu'à y inverser leur rôle. Une manière goguenarde d'ausculter le comportement humain du point de vue d'un animal hybride bientôt motivé par l'instinct de survie. La considération personnelle du serial-killer, porte-parole de la cause animale, s'avère aussi intéressante dans sa réflexion établie sur la nature humaine (l'homme n'est qu'un loup tributaire de ses instincts de survie, de supériorité et de perversité). Ce qui engendre au final l'expiation du savant afin de se pardonner à lui même son manque de dignité lors d'une situation de survie de par le sort imparti à son sauveur que fut un morse. Michael Parks demeurant inoubliable car habité par son personnage sclérosé doucement retors, tétanisant de folie incongrue dans la peau du tortionnaire hanté par son ancienne condition de souffre-douleur et du remord du sacrifice.

A renfort de provocations couillues (si bien que l'on s'étrangle parfois avec nos rires nerveux), Kevin Smith ose filmer l'immontrable, l'absurdité d'une improbabilité sur le chemin d'une dérision morbide extrêmement grinçante, l'horreur poisseuse monopolisant l'absurdité du propos jusqu'au malaise viscéral pour peu que l'on soit sensible à l'agonie exponentielle d'un animal sans défense. Un délire macabre anthologique au demeurant, infiniment déconcertant, voir même bouleversant, à l'instar de son épilogue sciemment insensé lorsque Kevin Smith continue de surfer sur l'humour grinçant auprès d'une empathie poignante difficilement soutenable. L'expérience horrifique, éprouvante, incommodante, contentera donc aisément l'amateur éclairé d'ambiance licencieuse au risque de vous provoquer un malaise viscéral pour les plus sensibles à la cause animale. Tout bien considéré, l'un des métrages les plus extrêmes des années 2000, voir même de l'histoire du genre horrifique. 
A réserver évidemment à un public averti.

*Bruno

24.08.24.
2èx. Vostfr