QUAND FAUT Y ALLER, FAUT Y ALLER

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Nati con la camicia" de E.B. Clucher. 1983. 1h48. Avec Terence Hill, Bud Spencer, Buffy Dee, David Huddleston, Riccardo Pizzuti, Faith Minton.

Sortie salles France: 14 Décembre 1983.

FILMOGRAPHIE: Enzo Barboni (E.B. Clucher) est un directeur de la photographie et réalisateur italien né le 10 juillet 1922 à Rome et mort le 23 mars 2002. 1970 : Ciak Mull. 1970 : On l'appelle Trinita. 1971 : On continue à l'appeler Trinita. 1972 : Et maintenant, on l'appelle El Magnifico. 1973 : Les Anges mangent aussi des fayots. 1974 : Même les anges tirent à droite. 1976 : Deux super flics. 1982 : Ciao nemico. 1983 : Quand faut y aller, faut y aller. 1984 : Attention les dégâts. 1987 : Renegade. 1991 : Ange ou Démon. 1995 : Trinità & Bambino... e adesso tocca a noi.

"Un pincement au coeur particulier auprès de cette comédie des années 80 que j'ai pu découvrir en salles un Dimanche après-midi. Et la bonne nouvelle ce soir émane de mon sourire de gosse constant au 3è visionnage !" 

Comédie familiale taillée sur mesure pour le duo Hill / Spencer (si bien qu'il engrange 1 702 062 entrées rien qu'en France !), Quand faut y aller, faut y aller ne déroge pas à la règle de la déconnade la plus folingue et décomplexée sous l'impulsion de nos Laurel et Hardy rarement avares de calembours, ventriloquisme et baffes dans la gueule en bonne et due forme. En l'occurrence, ces derniers (l'un auto-stoppeur, l'autre ex taulard) sont recrutés par la CIA à la suite d'un concours de quiproquos fructueux. Leur mission: infiltrer l'organisation K1 dirigé par l'utopiste "Tigre". Déguisés en texans millionnaires, nos lurons vont devoir redoubler de ruses et d'héroïsme afin d'échapper aux sbires du Tigre désireux de devenir le maître du monde.

Hommage parodique aux films d'espionnages, en particulier à la célèbre saga "James Bond" (la même année sortait d'ailleurs sur les écrans Octopussy !), Quand faut y aller, faut y aller transpire la bonne humeur et la fanfaronnade (tant auprès des méchants que des gentils héros usurpant l'identité de faux agents) sous l'autorité infaillible de Bud Spencer et Terence Hill à la complémentarité amicale sémillante. Ceux-ci pleinement investis dans une action rocambolesque insufflant une bonhomie fringante à chacune de leur apparition décontractée. Truffé de gags tantôt hilarants, tantôt cocasses (mêmes les plus lourdingues prêtent à rire !), de cascades, poursuites et pugilats autour d'une intrigue improbable aussi simpliste qu'extravagante, Quand faut y aller faut y aller affiche un second degré irrésistible autour du paysage exotique de Miami (à l'instar d'une visite touristique !). Autant dire que les fans irréductibles du duo comique vont une fois de plus se régaler à suivre leurs pérégrinations au sein d'une aventure à la fois amiteuse et débridée comme on n'ose plus en produire aujourd'hui. Comme quoi même les comédies les plus simplistes, bricolées, modestes et innocentes parviennent à traverser le temps et les modes, notamment grâce au spécialiste du genre Enzo Barboni (alias E.B. Clucher) qui initia le duo légendaire à la popularité durant plus de deux décennies (70/80).

* Bruno

LA GUERRE DES BOUTONS. Prix Jean Vigo

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site unifrance.org

d'Yves Robert. 1962. France. 1h33. avec Jacques Dufilho, Yvette Etievant, Michel Galabru, Michèle Méritz, Jean Richard, Pierre Tchernia. André Treton, Michel Isella, Martin Lartigue, François Lartigue, Marie-Catherine Michonska-Faburel.

Sortie salles France: 13 avril 1962 ou 18 avril 1962

FILMOGRAPHIE: Yves Robert est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur français né le 19 juin 1920 à Saumur, décédé le 10 mai 2002 à Paris. 1954 : Les Hommes ne pensent qu'à ça (acteur, producteur). 1958 : Ni vu... Ni connu... 1959 : Signé Arsène Lupin. 1960 : La Famille Fenouillard. 1961 : La Guerre des boutons. 1963 : Bébert et l'Omnibus. 1964 : Les Copains. 1965 : Monnaie de singe. 1967 : Alexandre le bienheureux. 1969 : Clérambard. 1972 : Le Grand Blond avec une chaussure noire. 1973 : Salut l'artiste. 1974 : Le Retour du grand blond. 1976 : Un éléphant ça trompe énormément. 1977 : Nous irons tous au paradis. 1979 : Courage, fuyons. 1984 : Le Jumeau. 1990: La Gloire de mon père. 1990 : Le Château de ma mère. 1991 : Le Bal des casse-pieds. 1993 : Montparnasse-Pondichéry.

                                   "et dire que quand on sera grand on s'ra aussi bête qu'eux !"

Hymne à la liberté, à l'amitié et au batifolage du point de vue d'une enfance insouciante, la Guerre des Boutons est une formidable comédie populaire menée tambour battant par une troupe de comédiens en roue libre dans leur tempérament aussi bien sémillant que belliqueux. Si le divertissement intelligent militant pour la communication scolaire et parentale (les rapports houleux entre Lebrac et son professeur ainsi qu'avec son père castrateur) perdure toujours son innocente fraîcheur aujourd'hui, il le doit beaucoup à sa tendre cocasserie et à la fringance des enfants surprenants de naturel en p'tits rebelles en culotte courte en voie d'affirmation.

* Bruno

Les Yeux de la forêt

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site disney-planet.fr

"The Watcher in the Woods" de John Hough. 1982. U.S.A/Angleterre. 1h24. Avec Lynn-Holly Johnson, Kyle Richards, Bette Davis, Benedict Taylor, Carroll Baker, David McCallum.

Sortie salles France: 15 Septembre 1982. U.S: 17 Avril 1980

FILMOGRAPHIE: John Hough est un réalisateur anglais, né le 21 Novembre 1941 à Londres.
1969: Wolfshead : The Legend of Robin Hood. 1970: Eyewitness. 1971: Les Sévices de Dracula. 1972: l'île au Trésor. 1973: La Maison des Damnés. 1974: Larry le dingue, Mary la garce. 1975: La Montagne Ensorcelée. 1978: Les Visiteurs d'un Autre Monde. 1978: La Cible Etoilée. 1980: Les Yeux de la Forêt. 1981: Incubus. 1982: Le Triomphe d'un Homme nommé Cheval. 1986: Biggles. 1988: Hurlements 4. 1988: American Gothic. 1989: Le Cavalier Masqué (télé-film). 1990: A Ghost in Monte Carlo (Télé-film). 1992: Duel of Hearts (télé-film). 1998: Something to Believe In. 2002: Bad Karma.

Produit par Disney, qui s’essayait enfin au fantastique pour rameuter un public adulte - paradoxe révélateur de leur virage tardif - Les Yeux de la Forêt fut un cinglant échec commercial, à l’instar du tout aussi boudé La Foire des Ténèbres sorti trois ans plus tard. Réalisé par John Hough, habile artisan de série B passionné du genre, à qui l’on doit Les Sévices de Dracula, Larry le dingue, Mary la garce, Incubus et surtout l’envoûtante Maison des Damnés (sa plus belle réussite à mes yeux), Les Yeux de la Forêt demeure pourtant une redoutable machine à suspense, portée par un scénario captivant mêlant occultisme, clairvoyance et hantise.

Hough parvient, dans son art du storytelling, à conjuguer mystère, inquiétude et angoisse sous-jacente autour des agissements d’une jeune investigatrice avide de vérité, suite à la disparition inexpliquée d’une adolescente. À peine installée dans une demeure gothique avec ses parents, Jane Curtis reçoit d’étranges messages venus de l’au-delà, l’exhortant à venir en aide à une certaine Karen. Il s’agirait de la fille de la propriétaire des lieux, disparue trente ans plus tôt lors d’un rite occulte avec trois amis. Jane et sa sœur cadette Ellie entreront, chacune à leur manière, en contact avec la disparue afin de percer le mystère de cette absence figée dans le temps.

Porté à bout de bras par la jeune Lynn-Holly Johnson, pleine de conviction et d’innocence, capable d’endosser les traits d’une enquêtrice confrontée aux forces surnaturelles, Les Yeux de la Forêt parvient, sans effet de manche, à nous faire croire à l’improbable. Le jeu spontané des comédiens, tous impliqués dans l’action occulte, et l’atmosphère d’étrangeté diffuse rendent l’ensemble étonnamment perméable. Le savoir-faire de John Hough dynamise l’intrigue à travers un concentré de suspense, d’incidents surnaturels et de rebondissements - notamment via le comportement trouble de certains témoins - autour d’une forêt et d’une chapelle, théâtres d’événements dramatiques consécutifs à un rite ayant probablement ouvert une brèche dans l’au-delà.

Si l’on fait abstraction de la présence en retrait de David McCallum (encore auréolé cinq ans plus tôt par la série TV L’Homme invisible), on se console largement avec l’éminente Bette Davis, octogénaire solitaire, aigrie par la perte de l’être aimé. Sa présence symbolique renforce la dimension ombrageuse du récit par un charisme buriné et souffreteux, celui d’une veuve meurtrie, dépositaire de secrets inavouables. Si le final spectaculaire - rafistolé par la production - ne révèle pas tous les tenants et aboutissants de cette mystérieuse disparition (pourquoi Karen fut-elle transférée par erreur, et quelle est cette entité malfaisante ?), Les Yeux de la Forêt convainc néanmoins par l’ancrage d’un événement aussi naturel que singulier - une éclipse - et par une cohésion solidaire mue par le courage de dépasser ses propres affres.

Série B habilement contée dans un écrin gothique oppressant - forêt hostile, chapelle en ruine, demeure continuellement malmenée par une force occulte - Les Yeux de la Forêt exploite avec efficacité le thème de la hantise à travers un pitch dense en suspense et interrogations. L’implication de Lynn-Holly Johnson, très convaincante en enquêtrice redresseuse de torts, emporte l’adhésion malgré un timbre de voix trop aiguë qui peut dérouter au départ. Mené sans temps mort, baigné d’un charme rétro qui nous enveloppe comme un voile de soie tiède et mélancolique, le film témoigne du savoir-faire d’un auteur aussi inspiré, malgré un point d’orgue perfectible, mais durablement trouble, intense et attachant.

Ci-joint la chronique de la Foire des Ténèbres: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/11/la-foire-des-tenebres-something-wicked.html

— le cinéphile du cœur noir 🖤

10.01.26. 2èx

Jack l'Eventreur / Jack the Ripper

                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site thecanniballecteur.wordpress.com

 

de Jess Franco. 1976. Suisse/Allemagne de l'Ouest. 1h32. Avec Klaus Kinski, Josephine Chaplin, Andreas Mannkopff, Herbert Fux, Lina Romay, Nikola Weisse, Ursula von Wiese, Hans Gaugler, Francine Custer, Olga Gebhard...

Sortie Salles France: 31 Janvier 1979. US: 12 Octobre 1979.

FILMOGRAPHIE: Jesús Franco Manera (né le 12 mai 1930 à Madrid) dit Jess Franco est un cinéaste espagnol. Son premier long métrage est achevé en 1959 premier d'une longue série de plus de 200 films. 1962: l'Horrible Dr Orlof, 1966: le Diabolique Dr Zimmer, 1970: Les Nuits de Dracula, Eugénie de Sade, 1971: Vampyros Lesbos, 1973: La Comtesse Noire, Christina, princesse de l'érotisme, 1976: Jack l'Eventreur, 1980: Mondo Cannibale, 1981: Sadomania, l'Abime des Morts-vivants, 1988: Les Prédateurs de la Nuit, 1996: Killer Barbys.

 

"La cape noire et le lac de sang".

Énième adaptation libre du célèbre éventreur de Whitechapel sous la houlette de l’inénarrable Jess Franco, Jack l’Éventreur s’avère, à mon sens, l’une de ses plus brillantes réussites — du moins l’une des plus ludiques et accessibles. Son ambiance immersive, à la fois inquiétante et fangeuse, distille un malaise trouble : un gore tantôt crapoteux (quelques visions complaisantes dignes d’un « d’Amato ketchup » qui maculent la rétine) et un portrait intimiste du serial killer que Klaus Kinski endosse ici avec un flegme timidement patibulaire. L’acteur promène sa sinistre cape noire, nonchalamment, presque banalement.

Déplaçant l’action dans un village de Zurich (le film est une production germano-suisse), Franco transcende la forme par un éventail de décors saillants : le cabaret d’un rouge rutilant, les ruelles brumeuses, le bois engourdi de vapeurs, le petit lac engorgé de cadavres, ou encore l’antre domestique de l’Éventreur, hanté par sa domestique complice. Et ce, malgré une scénographie somme toute étriquée. 

Fascinant et entêtant, bercé d’un climat de sensualité inévitablement morbide et putassière (jusqu’à une séquence quasi nécrophile, d’une crudité à fleur de chair), Jack l’Éventreur attise notre curiosité en auscultant la psychose d’un misogyne cerné par ses hallucinations d’une chair profane — stigmates d’une enfance martyrisée par une mère abusive et catin. Plus proche d’un Maniac de Lustig (version « Z » — Franco oblige !) que du traditionnel tueur en haut-de-forme, le film déroule une structure narrative sans surprise, mais subtilement nourrie du quotidien du docteur : ses soins aux plus démunis (jusqu’à leur avancer quelques pièces), ses étreintes impossibles et inavouées avec la propriétaire du logis, et ses nuits sanglantes où il éventre, sans ciller, les prostituées les plus distraites.

Et si son final, convenu, aurait gagné à mordre plus violemment, il parvient malgré tout à relancer l’intérêt : la chute du monstre s’achève, haletante et brusque. On savoure aussi quelques seconds rôles attachants, complices ou voyeurs : l’aveugle lucide, le pêcheur cupide, la domestique à l’instinct pervers tapi, l’inspecteur sur le qui-vive que André Mannkopff campe avec — trop ? — de sobriété, tous injectant un soupçon de dérision macabre à la fresque.

 

"Franco éventre Jack, Kinski murmure le couteau".

En dépit d’un canevas trivial, Jack l’Éventreur reste une heureuse surprise dans la filmographie pléthorique de Franco : une vision personnelle du mythe londonien, à la fois réaliste, étrange, envoûtante, soignée — portée par un Klaus Kinski ombrageux, taiseux, timoré presque.

P.S: « Pour la petite histoire, c’est à Trèves, pendant mon service militaire en Allemagne, que j’ai eu le choc de le découvrir sur grand écran. »

* Bruno
27/02/11 - 22/03/18 - 16.06.25. 5èx

On l'appelle Trinita

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Lo chiamavano Trinità..." de Enzo Barboni. 1970. Italie. 1h54. Avec Terence Hill, Bud Spencer, Farley Granger, Dan Sturkie, Gisela Hahn.

Sortie salles France: 21 Juillet 1971. Italie: 22 Décembre 1970. U.S: 4 Novembre 1971

FILMOGRAPHIE: Enzo Barboni (E.B. Clucher) est un directeur de la photographie et réalisateur italien né le 10 juillet 1922 à Rome et mort le 23 mars 2002. 1970 : Ciak Mull. 1970 : On l'appelle Trinita. 1971 : On continue à l'appeler Trinita. 1972 : Et maintenant, on l'appelle El Magnifico. 1973 : Les Anges mangent aussi des fayots. 1974 : Même les anges tirent à droite. 1976 : Deux super flics. 1982 : Ciao nemico. 1983 : Quand faut y aller, faut y aller. 1984 : Attention les dégâts. 1987 : Renegade. 1991 : Ange ou Démon. 1995 : Trinità & Bambino... e adesso tocca a noi.

                                "Venez mes frères ! - Qui c'est qui lui a dit qu'on était frères ?"

Gros succès international, au point qu’une suite fut rapidement mise en chantier par Enzo Barboni lui-même, On l'appelle Trinita demeure sans conteste l’une des meilleures comédies du duo impayable Bud Spencer / Terence Hill.

Si le pitch, à la fois classique et folichon, ne brille guère par son originalité - deux frères que tout oppose, se faisant passer pour des shérifs dans une petite ville, prêtent main forte à une communauté mormone malmenée par des brigands mexicains et un major cupide - le climat burlesque et rocambolesque que parviennent à instaurer ces “Laurel et Hardy” du western parodique compense largement ces quelques facilités, grâce à une décontraction irrésistible.

Car au-delà de leur complémentarité profondément attachante - Hill, le cadet espiègle, rapide comme l’éclair, et Spencer, l’aîné bourru, massif et faussement placide - le film brille par l’inventivité de ses bastons, à la fois ludiques et spectaculaires. Spencer, passé maître dans l’art de distribuer baffes et coups de poing monumentaux, transforme chaque affrontement en ballet comique jubilatoire.

Les gags s’enchaînent avec une simplicité désarmante, presque naïve, et pourtant si efficace.
On retrouve ce plaisir pur, immédiat, celui d’un enfant fasciné par la magie de l’écran, par le jeu malicieux de héros tout droit sortis d’une bande dessinée. Leur charisme flegmatique, leurs trognes mal rasées, leur décontraction absolue participent à cette alchimie unique.

Bien sûr, l’humour ne fait pas dans la subtilité. Il est frontal, pittoresque, parfois même volontairement lourdaud.
Mais c’est précisément là que réside sa force : dans une dérision assumée, dans une joie artisanale typiquement latine, qui donne au film son identité chaleureuse dénuée d'ambition.

Porté par une mise en scène simple mais efficace - avec cette belle patine de western poussiéreux en format scope - le film s’inscrit dans une tradition populaire où le plaisir régressif prime sur tout le reste.

Véritable western parodique familial, il propulsera la carrière du duo Bud Spencer / Terence Hill au rang de légende, dans une décontraction inégalée.

Plus encore aujourd'hui, On l’appelle Trinita agit comme une cure de bonheur anti-dépressive, un divertissement sincère et généreux qui traverse les générations. Et sous l’impulsion de la chanson entêtante de Franco Micalizzi, il parvient même à insuffler un vent de fraîcheur au western spaghetti.

Un plaisir simple.
Mais un plaisir profondément authentique où pointe une larme mélancolique.

Box Office France: 2 624 948 Entrées ! 

— le cinéphile du cœur noir 🖤
06.04.26. 4èx

THE ROAD WITHIN

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site thepsychword.com

de Gren Wells. 2014. U.S.A. 1h40. Avec Robert Sheehan, Dev Patel, Zoë Kravitz, Robert Patrick, Kyra Sedgwick.

Sortie Dvd France: 13 Décembre 2017. U.S: 17 Avril 2015 (limité)

FILMOGRAPHIE: Gren Wells est une réalisatrice et scénariste  américaine, née le 28 Juin 1974.
2014: The Road Within.

Passé à la trappe d'une exploitation salles sur notre territoire et en sortie limitée Outre-atlantique, The Road Within fait à mon sens office de bijou maudit, de par sa faible réputation beaucoup trop discrète, et ce en dépit de critiques et d'un accueil public favorables. Illustrant sans pathos ni misérabilisme le road trip d'un trio de jeunes patients échappés de leur clinique en lieu et place d'ennui, The Road Within nous touche droit au coeur sous l'impulsion alerte de comédiens sidérants de naturel. A point tel que sitôt le générique clôt, nous éprouvions une mélancolie douce amère de devoir s'en séparer si précipitamment. C'est dire si Vincent (atteint du syndrome de la Tourette), Alex (souffrant de TOC) et Marie (anorexique endurcie) parviennent communément à nous amuser et émouvoir avec une spontanéité, une fringance et une innocence tantôt cocasses, tantôt bouleversantes. Et ce en dépit de leurs actions marginales peu recommandables (vol d'essence et de voitures, larcin dans une épicerie) mais pour autant contrebalancées d'un goût du risque, de l'aventure et du désir de vivre bâtis sur une irrésistible impertinence.

A travers leurs pérégrinations à tenter de rejoindre un bout d'océan afin d'exaucer le voeux de Vincent (déposer les cendres de sa mère récemment décédée), Gren Wells (dont il s'agit ici de son 1er essai) trouve la juste mesure à conjuguer humour, tendresse et émotion sans sombrer dans le mélo, la caricature et encore moins la raillerie à travers les expressions exubérantes de trois paumés apprenant à coexister avec leur maladie mentale. Récit initiatique à accepter leur fardeau grâce aux valeurs de l'amitié et de l'amour, The Road Within milite pour le droit à la différence et le dépassement de soi à condition que le sujet parvienne à travailler une forme de paix intérieure. Au-delà de la grande complicité terriblement attachante des comédiens épatants de verve et d'innocence (de par la beauté de leur âme et la pureté de leurs sentiments), on peut également applaudir les prestances contrairement matures de Kyra Sedwick en médecin conciliante et Robert Patrick en paternel égoïste gagné par la culpabilité et le remords, faute d'une carrière politique en ascension. Et ce au détriment de l'amour de son fils. A travers leur filature routière à tenter de localiser les 3 rebelles, la réalisatrice parvient là aussi à toucher et à amuser lors de leur confidence intime et crises de colère, notamment en abordant le thème de la démission parentale avec une modestie dénuée de prétention. 

Invitation à l'évasion à travers les panoramas californiens, vent de fraîcheur baignant dans l'insouciance d'une liberté expansive, The Road Within fait constamment appel à l'émotion la plus tendre et sémillante à travers les vicissitudes de trois jeunes adultes furieux de leur condition d'exclusion. Dévoilant avec une étonnante pudeur et un refus de voyeurisme une magnifique leçon de tolérance, de compréhension (envers autrui) et d'amour durant leur quête de convalescence, The Road Within s'enrichit d'un cheminement narratif aléatoire ponctué de rebondissements pittoresques (l'échange des voitures volées) et de péripéties folingues. A découvrir fissa si bien que nos trois lurons marquent de leur empreinte frondeuse une épopée rocambolesque avec une liberté d'esprit aussi humaine qu'ordinaire ! 

* Bruno

Ci-joint l'avis d'une inconnue: gvuxmvr parce que j'ai été très sensible par ses impressions (si humaines), tant et si bien qu'elle est parvenue à me convaincre de céder à la tentation du désir.

Evidemment, les performances de Robert Sheehan et de Dev Patel (hyper talentueux) sont au coeur de la beauté et de la réussite du film. Ils sont littéralement à couper le souffle. Une fois que nous rentrons dans leur monde, leur jeu d'acteur nous retient jusqu'au bout. Ce film très touchant de réalisme, c'est un road trip qui forme des équipes inattendues. Les dialogues sont terribles, pleins de vérité et des fois empreints d'un humour contagieux. Ce genre de films mériterait d'être bien plus reconnu car il vaut vraiment le coup, c'est une bouffée d'air frais, et pourtant le sujet est très sérieux. L'histoire est jolie, elle prouve que ceux que l'on enferme pour troubles mentaux ont probablement plus d'humanité et de maturité en eux que ceux qui les côtoient mais qui sont à l'extérieur des quatre murs et se prétendent "normaux". Cette petite équipe de bras cassés est très attachante, ils connaissent la valeur des petites choses qui rendent heureux. On peut dire que la tension est quasiment toujours à son maximum, et on se demande si les plombs des personnages ne vont pas péter en même temps que ceux des spectateurs ! Qu'est-ce qu'on rit ! Mais qu'est-ce qu'on pleure aussi... Comme c'est humain ! La photographie est aussi très jolie, car elle est toujours en accord avec l'état intérieur des personnages. Autant dire que je recommande vraiment ce film !

* Gvuxmvr (27.03.17)

Gren Wells

BAD MOON

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Eric Red. 1996. U.S.A. 1h20. Avec Mariel Hemingway, Michael Paré, Mason Gamble, Ken Pogue, Hrothgar Mathews.

Sortie salles France: Inédit (à vérifier). U.S: 1er Novembre 1996.

FILMOGRAPHIE: Eric Red (Eric Joseph Durdaller), est un réalisateur scénariste et auteur américain, né le 16 février 1961 à Pittsburgh (Pennsylvanie). 2015: Night of the Wild (téléfilm). 2008: 100 Feet. 1996: Bad Moon. 1996: Undertow (TV Movie). 1991: Body Parts. 1988: Cohen and Tate.

Une série B tout juste bonnard, car naïve et simpliste. De par son cheminement narratif que l'on connaît par coeur, ses personnages souvent caricaturaux (la mère, le fils et surtout le démarcheur commercial), ses séquences ridicules (la posture orgueilleuse à 2 reprises de Michael Paré face au berger allemand) et ses fx perfectibles (tant auprès de la créature mécanique trop guindée que vulgairement numérisée). On retient surtout son final spectaculaire assez original et au montage maîtrisé lorsque s'affrontent belliqueusement le chien et le loup. Efficace et inoffensif, le spectacle gentiment ludique s'oublie vite sitôt le rideau tombé.

* Bruno

GHOSTLAND. Grand prix / Prix du public / Prix du jury Syfy, Gérardmer 2018.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Pascal Laugier. 2018. France/Canada. 1h29. Avec Crystal Reed, Emilia Jones, Anastasia Phillips, Taylor Hickson, Mylène Farmer, Adam Hurtig.

Sortie salles France: 14 Mars 2018 (Int - 16 ans)

FILMOGRAPHIE: Pascal Laugier est un réalisateur Français né le 16 Octobre 1971.
Courts-Métrages: 1993: Tête de Citrouille. 2001: 4è sous-sol. Longs-métrages: 2004: Saint Ange. 2008: Martyrs. 2012: The Secret. 2017: Ghostland.

"Et plus le corps est entravé, plus l’esprit est libre" MF
Fourbu, assommé, bouleversé tandis que l'obscurité de la salle laisse place à la lumière pour nous rappeler à l'ordre de notre (morne) quotidienneté. Spectateurs éclectiques (ados / adultes) et moi même sommes sortis de la projo à l'instar de zombies mutiques et bourrus ! Faute d'avoir perçu le cri du coeur d'un réalisateur engagé à honorer le genre autant qu'à déclarer sa flamme à la fragilité de l'innocence du point de vue féministe à nouveau molesté tous azimuts, pour ne pas dire martyrisée par un Mal (ici) psychotique ! Métaphore sur la cruauté d'un monde sans pitié (comme l'exprime si bien Mylène à sa fille dans un rôle maternel équivoque plutôt convaincant à défaut d'être renversant !), Ghostland singe le conte de fée avec un réalisme contemporain pour mettre en appui une réflexion existentielle sur le mal-être adolescent, la jalousie, la quête identitaire, la peur de l'engagement, et donc de grandir. Notamment à travers le courage de vaincre ses démons, de surpasser nos frayeurs les plus préjudiciables afin d'accéder à une forme nouvelle de confiance en soi, de maturité. Et ce au détriment de se complaire dans le rêve, refuge mélancolique de nos souvenirs d'enfance pour fuir les adultes autant que nos responsabilités. D'une splendeur gothique axée sur l'onirisme macabre où le moindre détail domestique nous fascine autant qu'il assigne au malaise (imaginez un croisement vitriolé de Dolls, Massacre à la tronçonneuse et La Maison des 1000 morts), Ghostland est une invitation à la farce macabre, à la terreur escarpée et étouffante sous l'impulsion d'une bande-son stridente aussi percutante que celle d'Evil-Dead de Raimi.

"Souffrir pour accéder au bonheur"
Nanti d'un scénario à couper au couteau, de par ses thèmes susnommés et d'une construction narrative difficilement prévisible (le pitch adopte un revirement fortuit au bout d'une demi-heure de manière terriblement poignante !), Pascal Laugier s'amuse avec les codes (et faux semblants), les détournent (le 1er quart d'heure inverse efficacement les rôles victime/bourreau lors de règlements de compte cacophoniques), les malaxent et les retournent comme une crêpe au sein d'une pochette surprise "hurlante". Pour ce faire, fort d'un montage dynamique roublard à mon sens, il manipule nos nerfs avec une intensité dramatique constamment éprouvante de par son enchaînement d'exactions punitives dénuées de raison et d'un réalisme perturbant (larmes et sueurs où s'allient folie et détresse, visages tuméfiés en plan large afin d'accentuer la résultante de la douleur "morale"). Chemin de croix de survie pour Hansel et Cretel subitement projetées dans notre société moderne (où la sauvagerie irréfléchie est reine) pour être constamment mises à l'épreuve afin de tester leur résilience, Ghostland inquiète (surtout auprès de sa première partie misant sur l'expectative autant que l'interrogation), oppresse et fascine à la fois de par son esthétisme cauchemardesque semé de monstres et figurines frigides (les poupées de porcelaine dans une posture étrangement guindée). Mais pas que ! Il déstabilise en outre notre sens de l'orientation (la maison de tous les cauchemars s'édifie en dédale vertigineux lorsque l'ouverture d'une porte peut-être l'objet d'une menace incontrôlée) au coeur d'une attraction de folie furieuse parfois bouleversante. Eu égard du parti-pris auteurisant de Laugier à sublimer les portraits névralgiques de deux soeurs aux points de vue contradictoires mais mises à l'épreuve pour s'acheminer vers la solidarité, voir peut-être la délivrance.

La Fureur de (sur)vivre.
Pavé dans la marre pour le genre horrifique trop souvent conformiste, consensuel et donc impersonnel, Ghostland honore autant la série B de samedi soir puissamment erratique et effrénée que le film d'auteur pour scander la noblesse de l'amour et celle de la bravoure à travers une fratrie en voie (désespérée) de communication et de réconciliation, faute d'une épreuve insolente de survie. Pour parachever, coup de coeur au jeu si viscéral d'Anastasia Phillips en victime éplorée au confins de la démence, et surtout à la présence aussi fragile que fébrile de Crystal Reed en écrivaine ambitieuse néanmoins ballottée par le doute de l'affirmation et l'appréhension de la célébrité. 

* Bruno

24.02.24. 2èx. Vostfr

LE MARGINAL

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Jacques Deray. 1983. France. 1h39. Avec Jean-Paul Belmondo, Henry Silva, Carlos Sotto Mayor, Pierre Vernier, Maurice Barrier, Claude Brosset, Tchéky Karyo.

Sortie salles France: 26 Octobre 1983

FILMOGRAPHIE: Jacques Deray, né Jacques Desrayaud le 19 février 1929 à Lyon, et mort le 9 août 2003 à Boulogne-Billancourt, est un réalisateur de cinéma français. 1960 : Le Gigolo. 1963 : Rififi à Tokyo. 1963 : Symphonie pour un massacre. 1965 : Par un beau matin d'été. 1966 : Avec la peau des autres. 1966 : L'Homme de Marrakech. 1969 : La Piscine. 1970 : Borsalino. 1971: Doucement les basses. 1971 : Un peu de soleil dans l'eau froide. 1972 : Un homme est mort. 1974 : Borsalino & Co. 1975 : Flic Story. 1977 : Le Gang. 1978 : Un papillon sur l'épaule. 1980 : Trois hommes à abattre. 1982 : Les Secrets de la princesse de Cadignan. 1983 : Le Marginal. 1983 : Credo (TV). 1985 : On ne meurt que deux fois. 1987 : Le Solitaire. 1987 : Maladie d'amour. 1989 : Les Bois noirs. 1991 : Contre l'oubli. 1991 : Netchaïev est de retour. 1993 : Un crime. 1994 : 3000 Scénarios contre un virus (segment « Arnaud et ses copains »). 1994 : L'Ours en peluche. 1998 : Clarissa (TV). 2000 : On n'a qu'une vie (TV). 2001 : Lettre d'une inconnue (TV).

               Un divertissement sans prétention taillé sur mesure pour Bébel et la génération 80.

En pleine notoriété depuis Le Professionnel et l'As des as, Bebel récidive avec Le Marginal si bien que le public se rue à nouveau en masse (4 956 822 entrées) pour assister à ces nouveaux exploits clairement influencés par les récents succès d'Un justicier dans la ville, de l'Inspecteur Harry (et de l'Anti-gang me chuchote Jean François Dupuy). Belmondo endossant le rôle burné d'un commissaire aux méthodes expéditives afin de démanteler une filière de drogue commanditée par le trafiquant Meccaci (campé par le vétéran Henry Silva au charisme patibulaire saillant). Si l'intrigue éculée n'apporte rien de neuf pour le genre, Jacques Deray  (Borsalino 1 et 2, La Piscine, Flic Story, 3 Hommes à abattre, On ne meurt que 2 fois) possède suffisamment de métier et de savoir-faire pour nous emballer un divertissement d'action mené tambour battant dans son lot de poursuites en voitures et hélico, règlements de comptes sanglants et bastons épiques (celle du bistrot s'avère la plus jouissive dans ses accents semi-parodiques que n'aurait renié Bud Spencer) au coeur d'une faune parisienne peu fréquentable.

D'ailleurs, Deray en profite pour nous dresser une visite nocturne dans ses bas-fonds malfamés (trafic sexuel chez des antillais, corruption dans une boite gay, tapin sur les trottoirs de Pigalle) que Bébel arpente quotidiennement sourire aux lèvres pour interroger anciennes connaissances, complices influents et témoins dévoués. Sur ce dernier point, on peut notamment apprécier la présence divinement lascive de la brésilienne Carlos Sotto Mayor assez crédible en prostituée au grand coeur si bien qu'elle forma un couple à la ville avec Bébel dès la sortie du film. Outre son rythme nerveux fertile en humour et action, Le Marginal ne serait après tout qu'un banal divertissement policier s'il ne bénéficiait de l'icone fringante Jean-Paul Belmondo portant le film de ses larges épaules avec autant de force tranquille que de cool attitude. Ce dernier parvenant à dynamiser l'intrigue dans sa bonne humeur sans fard, sa démarche distinguée et son sens adroit de l'offensive outrepassant sans gêne la légalité.

C'est donc avec un pincement au coeur que la génération 80 pourra à nouveau accueillir Le Marginal sous l'impulsion entêtante de la mélodie de Morricone ! De par son charme rétro héritier d'une époque obsolète (la défroque des acteurs et son urbanisation estampillée "80" parmi ses bistrots à flipper et ses marchés publics) où la symbiose des acteurs virils emportaient tout sur leur passage.  

* Bruno

Lady Frankenstein / La figlia di Frankenstein

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecranlarge.com

de Mel Welles et Aureliano Luppi (co-réalisateur non crédité). 1971. Italie. 1h39. Avec Joseph Cotten, Rosalba Neri, Paul Muller, Peter Whiteman, Herbert Fux,

Sortie salles France: 16 Août 1973 (Paris). Italie: 22 Octobre 1971

FILMOGRAPHIE: Mel Welles est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur américain, né le 17 Février 1924 in New York City, New York, USA, décédé le 19 Août 2005 en Virginie, USA. 1977: Joyride to Nowhere. 1971 Lady Frankenstein. 1968 Les mercenaires de la violence. 1968 Llaman de Jamaica, Mr. Ward (uncredited). 1967 Le baron vampire. 1964 Un commerce tranquille. 1960 La petite boutique des horreurs (exterior sequences, uncredited). 1960 Code of Silence.

Perle rare du ciné Bis transalpin, Lady Frankenstein préfigure avec 2 ans d'avance le chef-d'oeuvre décadent de Paul Morrissey, Andy Warhol et Antonio Margheriti, Chair pour Frankenstein. Tant pour ses (petits) éclats de violence gore typiquement latins, pour son climat malsain plutôt décomplexé que de son soupçon de polissonnerie mâtiné de nécrophilie (voir la séquence couillue auquel Tania éprouve un orgasme sexuel lors d'un ébat meurtrier). Bordélique en diable (le montage elliptique vaut son pesant de cacahuètes), truffé d'incohérences, de dialogues intelligibles et de personnages sommaires pour autant (très) attachants dans leur complicité romantico-meurtrière (le trio diabolique Tania / Marshall / Thomas), Lady Frankenstein baigne dans un climat de délire horrifique résolument "autre" pour qui idolâtre les bisseries infiniment intègres et soignées. Reprenant dans sa 1ère partie le schéma éculé du chef-d'oeuvre de James Whale (l'exhumation de cadavres par des fossoyeurs, les expérimentations organiques et la résurrection du monstre perpétrée par le créateur et son assistant sous une nuit orageuse), l'intrigue bifurque ensuite aimablement dans le n'importe nawak lorsque Tania, fille du défunt Dr Frankenstein, s'efforce de convaincre l'adjoint de ce dernier de lui offrir son propre coeur et son cerveau afin de lui créer l'être parfait pour ses appétits sexuels, et ce par l'entremise du jeune corps de Thomas.

Dès lors que celle-ci se glisse dans la peau d'une doctoresse criminelle (difficilement convaincante de par son inexpérience médico-scientifique, mais autrement glamoureuse à travers sa présence magnifiquement charnelle épaulée de son bagout séducteur), Lady Frankenstein aligne les situations aussi improbables que génialement grotesques avec un sérieux inébranlable (à l'instar des récurrentes intrusions du commissaire présomptueux en investigateur infructueux). Pendant ce temps, autour des nouveaux travaux de Tania et du Dr Marshall, le 1er monstre préalablement créé par Frankenstein déambule dans la nature et à proximité du village en s'empressant, tel un dément attardé, d'assassiner les villageois les plus imprudents. Avec sa trogne vérolée de pizza mal garnie aussi fraîche qu'un zombie de l'Avion de l'Apocalypse ou qu'un Bossu de la Morgue, notre monstre spaghetti affiche par ailleurs une mine de vengeur "toxic" infiniment irrésistible à chacune de ses extravagances meurtrières. Ce dernier beuglant et gesticulant à tout va pour mieux se faire remarquer et provoquer l'(inutile) effroi. Au-delà du jeu fantaisiste de cette icône pas si éloignée du cartoon, Lady Frankenstein affiche un esthétisme étonnamment soigné de la part de sa photo sépia et de ses décors domestiques d'un gothisme fiévreux. Véritable régal pour les yeux. Une facture formelle capiteuse donc que renchérit en permanence l'actrice Rosalba Neri lors de ses apparitions insidieuses d'aguicheuse lubrique.

A la marge entre la série B et Z pour autant esthétiquement irréprochable, Lady Frankenstein  dépoussière l'épouvante séculaire à renfort d'érotisme soft et de gore rubigineux dans une démarche maladroite infiniment charmante. De par l'intégrité des 2 cinéastes et de seconds-couteaux au charisme saillant, ce délire typiquement latin distille une immersion vénéneuse sous l'effigie d'un pitch  capillotracté (et ce jusqu'à son épilogue sardonique). Parangon d'une horreur spaghetti low cost "artisanale" et inopinément singulière, les inconditionnels de Bisserie typiquement latine ont largement de quoi trouver leur compte.  

P.S: Superbe copie HD du Chat qui fume !

* Bruno

13.06.24. 2èx. Vostfr.

UTU Redux

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Geof Murphy. 1983. Nouvelle Zélande. 1h48. Avec Anzac Wallace, Bruno Lawrence, Tim Elliott, Kelly Johnson, Wi Kuki Kaa

Sortie salles France: 27 Juin 1984.

FILMOGRAPHIE: Geoff Murphy est un acteur, producteur, réalisateur et scénariste néo-zélandais, né le 13 juin 1938 en Nouvelle-Zélande. 1977 : Wild Man. 1977 : Dagg Day Afternoon. 1981 : Goodbye Pork Pie. 1983 : Utu. 1985 : Le Dernier survivant. 1988 : Never Say Die. 1989 : Red King, White Knight (TV). 1990 : Young Guns 2. 1992 : Freejack. 1993 : Angle mort (TV). 1993 : The Last Outlaw (en) (TV). 1995 : Piège à grande vitesse. 1996 : Don't Look Back (TV). 1999 : Fortress 2 : Réincarcération. 2000 : L'Homme traqué (Race Against Time) (TV). 2001 : Blerta Revisited. 2004 : Spooked.

                Avertissement: Une chronique exclusive rédigée par Boobakar et reprise sur le site                                                        SENSCRITIQUE.COM, dont je partage la même opinion.

Utu est un survival sorti en Nouvelle-Zélande en 1983, où il a eu un gros succès, mais dont les ventes à l'étranger furent décevantes. De ce fait, le film fut rangé dans un placard durant près de trente ans jusqu'à une nouvelle restauration, et un montage un peu plus court, qui fait qu'il sera redécouvert par une nouvelle génération, lui apportant cette fois le succès.
J'avoue que je ne m'attendais pas à ça de Geoff Murphy, qui a fait des tas de films de commande (de Young guns II à Fortress 2 en passant par Piège à grande vitesse, un Steven Seagal !), mais il faut dire que son œuvre néo-zélandaise nous est quasiment inconnue.

Ce film est l'histoire d'une vengeance, celle d'un capitaine Maori, travaillant pour les Anglais lors de la guerre de Nouvelle-Zélande, vers la fin du XIXe siècle, qui voit que l'armée supprime les siens. Fou de rage, il va se battre contre les Anglais et fomenter une armée.
Il faut dire que le film est très beau, toujours comme si le ciel fut toujours couvert, et ça donne un aspect survival pas inintéressant, et ça reste étonnamment violent, à l'image de cette scène très connue où, pour officialiser en quelque sorte sa vengeance, le soldat Maori va aller dans une église, tuer le prête alors qu'il faisait son office, et lui couper la tête pour en quelque sorte déclarer la guerre !

Mais là où Utu pêche un peu, c'est dans sa construction que je trouve particulièrement confuse. Est-ce à cause de de nouveau montage dit Redux (dix minutes en moins), mais le récit est orné de plusieurs flash-backs, et si on n'est pas attentif, il est difficile se perdre dans la narration, car tout s'enchaîne tel quel. Est-ce pour représenter l'aspect mental du personnage, très bien joué par Anzac Wallace, ou la confusion qui régna alors, mais c'est pas facile de s'y retrouver.
C'est un mélange de plusieurs genres, aussi bien l'horreur que le Western, en passant par des scènes d'actions très fortes, comme celle où cet homme va brûler, et tuer, des occupants d'une maison, car pour lui, les blancs sont désormais des ennemis, alors que peu de temps avant, il était leur éclaireur.

Quentin Tarantino qualifie ce film comme le plus important du cinéma Néo-Zélandais, il aura fortement influencé Lee Tamahori, par ailleurs réalisateur de 2eme équipe, pour L'âme des guerriers, mais je ne trouve pas Utu aussi fort que je ne le pensais. Car c'est au fond assez confus pour me satisfaire totalement ; mais attention, je ne remets pas en cause ses qualités picturales qui sont évidentes.  6/10.

* Boubakar (10.03.18)

MOI, TONYA. Oscar de la Meilleure actrice de second rôle, Allison Janney.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Craig Gillespie. 2017. U.S.A. 2h00. Avec Margot Robbie, Mckenna Grace, Sebastian Stan, Allison Janney, Julianne Nicholson, Caitlin Carver, Bojana Novakovic.

Sortie salles France: 21 Février 2018. U.S: 8 Décembre 2017

FILMOGRAPHIE: Craig Gillespie (né le 1er septembre 1967 à Sydney) est un réalisateur australien. 2007 : Mr. Woodcock. 2007 : Une fiancée pas comme les autres. 2011 : Fright Night. 2014: Million Dollar Arm. 2015 : The Finest Hours. 2017 : Moi, Tonya.

Comédie dramatique pleine de frénésie technique et formelle sous le pilier d'un jeu d'acteurs criants de vérité et d'autodérision (Margot Robbie, Mckenna Grace se disputent la vedette lors d'un cruel affrontement parental), Moi Tonya aborde brillamment le "biopic" pour retracer ascension et déclin de cette patineuse ayant défrayé la chronique à l'orée des années 90 à la suite d'une agression envers sa rivale Nancy Kerrigan. Impeccablement rythmé de par l'ironie pittoresque des situations improbables que Tonya Harding enchaîne au fil de ses fréquentations peu recommandables, Moi, Tonya conjugue rires et larmes avec une efficacité peu commune si bien qu'elle confine au vertige dans ses émotions littéralement contradictoires (on peut clairement diviser le film en 2 parties dans son renversement des situations dramatiques). Et ce tout en restant fidèle à la reconstitution des évènements scrupuleusement décrits du point de vue introspectif d'une patineuse fragile mais pugnace, méprisée par un jury élitiste car accordant trop d'importance aux valeurs morales que Tonya n'a jamais pu relever faute de son esprit rebelle (c'est une redneck politiquement incorrecte de par son éducation maternelle réactionnaire).

Outre le caractère ludique des faits cocasses relatés avec causticité (notamment les stratégies grotesques de pieds nikelés que l'on croirait échappés d'un polar des Cohen), on reste autant stupéfait par l'inventivité de la mise en scène (parfois clippesque et semée de tubes pop-rock) résolument inspirée pour y dresser le bouleversant portrait d'une patineuse aussi bien fragile qu'infortunée mais pour autant battante et stoïque afin de se tailler un nom dans l'histoire du patinage artistique. C'est tout du moins ce qu'elle accomplira en tant que première patineuse américaine d'avoir exécuté un triple axel lors d'une compétition. Alors que les médias de l'époque s'étaient ensuite empressés de relayer l'affaire scandaleuse avec un gout racoleur du sensationnalisme, Craig Gillespie souhaite rétablir la vérité d'après son parcours d'endurance (aussi bien moral que physique) sévèrement compromis par une mère abusive dès son enfance puis par un époux borderline incessamment violent auprès d'elle. Grâce au jeu profondément expressif de Margot Robbie dessinant le magnifique portrait d'une patineuse caractérielle à la fois solitaire (notamment faute de tolérer l'amitié auprès de ses rivales), insolente (sa rébellion et ses joutes verbales auprès de l'orgueil d'un jury inéquitable) et désespérément en mal d'amour (tant auprès de sa mère tyrannique que de son compagnon sadomaso), le personnage si malmené (et prochainement haï du public) se dévoile sous nos yeux avec fébrile sensibilité.

"La vérité on l'a au fond de soi même"
Leçon de courage, de détermination et de bravoure auprès des losers infortunés, hommage plein de tendresse et de dignité envers une tricarde condamnée au pilori par la justice et la foule avide d'esclandre, Moi, Tonya confine au sublime dans son sens du spectacle épique où le tragi-cocasse se télescope avec une dimension humaine inopinément prude. Un moment de cinéma frétillant transfiguré par le duo explosif Margot Robbie/Allison Janney crevant l'écran à chacune de leurs apparitions si bien que leur aparté (dans le sens où elles s'adressent parfois directement à nous spectateurs !) nous immerge d'autant mieux dans leur rivalité triviale à se disputer leur responsabilité sous couvert d'injustice et d'inégalité sociale.

* Bruno

Récompenses: Oscars 2018 : Meilleure actrice dans un second rôle pour Allison Janney
Golden Globes 2018 : Meilleure actrice dans un second rôle pour Allison Janney
British Academy Film Awards 2018 : Meilleure actrice dans un second rôle pour Allison Janney
Screen  Actors Guild Awards 2018 : Meilleure actrice dans un second rôle pour Allison Janney
Australian Academy of Cinema and Television Arts Awards 2018 :
Meilleure actrice internationale pour Margot Robbie
Meilleure actrice internationale dans un second rôle pour Allison Janney
Critics' Choice Movie Awards 2018 :
Meilleure actrice dans un second rôle pour Allison Janney

MR73

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Olivier Marchal. 2008. France. 2h05. Avec Daniel Auteuil, Olivia Bonamy, Catherine Marchal, Francis Renaud, Gérald Laroche, Guy Lecluyse, Philippe Nahon, Clément Michu, Moussa Maaskri.

Sortie salles France: 12 Mars 2008 (Int - 12 ans).

FILMOGRAPHIE: Olivier Marchal est un acteur et réalisateur français, né le 14 novembre 1958 à Talence. 2002 : Gangsters. 2004 : 36 quai des Orfèvres. 2008 : MR 73. 2011 : Les Lyonnais. 2017 : Carbone.

                                           "Dieu est un fils de pute et un jour je le tuerai."

Quatre ans après la révélation 36 Quai des Orfèvres, Olivier Marchal met les bouchées doubles avec le tétanisant et bouleversant MR73. Un uppercut émotionnel implacable sous le schéma d'une trajectoire mortuaire en roue libre. Chemin de croix vertigineux d'un flic aviné condamné à l'infortune puis à la damnation, MR73 laisse en état de collapse sitôt le rideau (de larmes) tombé. D'une noirceur et cruauté inouïes, Olivier Marchal accomplit avec ce polar aussi bien poisseux que sinistrosé la pièce maîtresse de sa florissante carrière, à l'instar de ses aînés les plus notables (Corneau, Chabrol, Tavernier et consorts). De par la densité de son scénario binaire impeccablement charpenté (course contre la montre à déjouer 2 serial-killers en même temps de nous livrer une étude de caractères désabusés), de l'attention de sa mise en scène posée et d'un jeu d'acteurs putassiers (Philippe Nahon, proprement terrifiant de cynisme en monstre irrécupérable !) ou virils que Daniel Auteuil domine avec une vérité viscérale mise à nu face écran.

Strié par la tristesse du deuil et l'épuisement de l'existence, enlaidi, vieilli et lambiné par l'alcool, Auteuil balade sa dégaine tel un fantôme errant lors d'une quête désespérée de rédemption et d'exutoire au sein d'un monde anxiogène gangrené par l'injustice, la corruption (ici policière) et le Mal à visage humain. D'une intensité dramatique suffocante au travers de visions morbides (la résultante des crimes les plus sordides nous rappelle Seven ou Le Silence des Agneaux), de péripéties et règlements de compte abrupts, MR73 provoque un désarroi moral difficilement gérable face à l'introspection d'un homme accablé par le deuil et seul contre tous à tenter de dévoiler la merde auprès de sa hiérarchie. Sous couvert du poids inextinguible de la culpabilité, du remord et de l'amertume que notre anti-héros traverse sans illusion, Marchal en profite pour nous envoyer en pleine face son cri d'indignation face à une société laxiste où les plus nantis parviennent toujours à taire leurs agissements les plus préjudiciables. Notamment faute d'un instinct pervers indécrottable chez les sujets les plus dérangés. Abordant enfin le thème de la vengeance en dernière ligne droite, MR73 fait ensuite appel au suicide le plus immoral par le truchement d'un ange exterminateur fourbu par le préjudice et la partialité.

Le "Martyrs" du polar français. 
Tragédie sépulcrale d'une noirceur et d'un pessimisme constants de par son regard plein d'acrimonie sur une société aussi fourbe que nécrosée, MR73 triture nos émotions avec une acuité dramatique cafardeuse. Hanté par la présence tricéphale d'Auteuil en coupable / victime / bourreau, ce polar vicié habité par sa déchéance morale est notamment l'occasion pour Marchal de nous livrer une bouleversante oraison auprès des martyrs innocents, puis de nous achever avec la genèse d'un nourrisson clamant sa souffrance dès 1er souffle. Du grand cinéma à la fois dur et crépusculaire, sensible et élégiaque, aussi nihiliste soit son propos rageur (pas de rédemption possible pour les monstres et les vindicateurs), à ne pas mettre pour autant entre toutes les mains. 

Dédicace à Mathias Chaput

* Bruno

La chronique de Mathias Chaput:
Il est des œuvres qui réconcilient avec le cinéma…
« MR 73 » fait partie de ces rares films français qui vous assène un coup de poing en plein visage, un uppercut en plein cœur, Olivier Marchal a réussi à nous projeter dans un univers foisonnant et crépusculaire où gravitent des personnages désespérés et habités par le malheur, mais il transgresse ces situations et ces sentiments par une intrigue policière tout à fait pénétrante et d’une noirceur totale…
Marchal flirte avec les cimes du polar de haut niveau et atteint la perfection dans de nombreuses séquences dont la plus marquante, la finale, il éclabousse les normes, s’approprie son style de façon abrupte par des symbolisations, des métaphores uniques qui vont extrêmement loin dans l’hyper sensibilité (la religion est éclaboussée par le sang, la mort passe par la vie, par la naissance… on suppose même une réincarnation, c’est dire si le transfert et le parallèle sont osés !)…
Au niveau de la direction d’acteurs, Daniel Auteuil prouve une nouvelle fois son authenticité, Philippe Nahon fait encore plus peur que dans « Seul contre tous » et Olivia Bonamy est cinglante de fragilité, enveloppant  un rôle frêle et vulnérable, elle donne la vie comme pour se sauver elle-même…
Les contrastes avec les polars traditionnels sont saisissants, que ce soit la pluie, la nuit, l’atmosphère qui règne dans « MR 73 » tout se démarque de ce que l’on avait pu voir auparavant, Olivier Marchal s’imprègne d’une histoire assez basique pour la renouveler et la transcender à sa façon, de la lumière aux ténèbres, il n’y a qu’un pas…
Froid, glaçant même, « MR 73 » est un polar qui ne ressemble à aucun autre, il pulvérise les codes et amène le spectateur sur une réflexion sur la justice et la vie de ces policiers, loin des clichés que l’on a pu voir et entendre, il donne une dimension mystique à cette profession et le réalisme totalement assumé par Marchal ne peut qu’appuyer et entériner son propos…
Très dur, « MR 73 » fait sortir de l’ombre les pires affres que peuvent vivre des humains et dépassent ces derniers par un espoir, un faible espoir d’arriver à la plénitude et au repos de l’âme…
Fantastiquement mis en scène, « MR 73 » est une œuvre qui laisse des séquelles et qui grave instantanément l’histoire du cinéma français au sommet…

Note : 10/10