Les Doigts du Diable

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Affiche-cine.com

"Macabra - Demonoid: Messenger of Death!" de Alfredo Zacharias. 1980. Mexique/Etats-Unis. 1h30. Avec Samantha Eggar, Stuart Whitman, Roy Cameron Jenson, Narciso Busquets, Erika Carlsson.

Sortie salles France: ?. Mexique: 12 Novembre 1981

FILMOGRAPHIE: Alfredo Zacharias est un réalisateur, scénariste et producteur mexicain né le 21 Novembre 1941. 1967 : The Bandits. 1967 : Ven a cantar conmigo. 1968 : Operación carambola. 1968 : Un Extraño en la casa. 1969 : Mi padrino. 1970 : Capulina corazón de leon. 1970 : Capulina Speedy Gonzalez. 1970 : El Hermano Capulina. 1970 : Jóvenes de la Zona Rosa. 1970 : La Vida de Chucho el Roto. 1970 : Los Amores de Chucho el Roto. 1970 : Yo soy Chucho el Roto. 1971 : El Inolvidable Chucho el Roto. 1972 : Me he de comer esa tuna. 1972 : Ni solteros, ni casados. 1973 : 'Capulina contra las momias'. 1973 : El Caballo torero. 1976 : El Karateca azteca. 1977 : Lo veo y no lo creo. 1978 : The Bees. 1981 : El Rey de Monterrey. 1981 : Messenger of Death Demonoid. 1982 : El Naco mas naco. 1983 : El Sargento Capulina. 1989 : Crime of Crimes. 1991 : Las Nachas. 2001 : The Pearl.

Hit video des années 80 sous la bannière étoilée Hollywood Video, Les Doigts du Diables demeure  pour ma part un gros souvenir d'ado lorsque j'ai pu louer sa fameuse Vhs en compagnie de ma mère et de ma tante. Si bien qu'au préalable (mais aussi après la projo) j'ai du mater son illustre bande-annonce une bonne cinquantaine de fois, notamment grâce à l'inoubliable score emphatique de Richard Gillis particulièrement entêtant. Nanar mexicain aux têtes d'affiche improbables comme le soulignent sobrement les forces d'expression amicales de Samantha Eggar en héroïne contrariée et de Stuart Whitman en cureton sclérosé (pour ne pas évoquer la gueule de bois !), les Doigts du Diable se décline en savoureux cocktail de n'importe nawak à travers sa narration débridée dénuée de complexe (et encore moins de vraisemblance, notamment l'échappée de la 1ère victime de la main après avoir dynamiter la mine et ses occupants). Si bien qu'Alfredo Zacharias  prend son intrigue au sérieux pour nous façonner une série B horrifique "dégingandée" illustrant (en fanfare) le périple meurtrier d'une main coupée prenant possession de l'âme de ses victimes après avoir été exhumée d'un écrin argenté par un contremaître. Cette main baladeuse s'agrippant à ses proies pour les plonger dans une dérive morale délétère, à l'instar d'une contamination collective. Parfois incohérent, souvent maladroit, semé de dialogues niais et d'ellipses au fil de séquences chocs étonnamment ludiques (le flic dans l'hôpital et sa détermination à se débarrasser de sa propre main, la course poursuite finale sur bitume !), les Doigts du Diable distille un charme pétulant pour tous fans de ciné Bis adepte d'ofni.

Et ce même si le thème orthodoxe fut largement traité dans le paysage du ciné fantastique aussi séculaire que plus contemporain. Or, ici tout est dans la manière (si naïve mais attachante) de nous conter (avec sincérité) un récit horrifique redondant mais jamais ennuyeux à travers ses rebondissements racoleurs et du jeu surjoué de seconds couteaux aussi avenants. Tant et si bien que Samantha Eggar (et son fameux regard écarquillé !) et Stuart Whitman (plutôt atone dans son scepticisme d'accorder un crédit de véracité aux propos irrationnels de sa partenaire) parviennent à porter le film sur leurs épaules parmi l'efficacité modeste de défis qu'ils doivent amorcer afin de mettre hors d'état de nuire la main maudite. Qui plus est, baignant dans la chaude luminosité d'une photo flamboyante, les Doigts du Diable se pare d'une enveloppe formelle parfois envoûtante. A l'instar de son convaincant prologue lors de la visite archéologique de la mine occultant de fastueuses catacombes mexicaines. Quant aux effets-spéciaux cheap mais artisanaux, ils parviennent la plupart du temps à amuser à travers leur effet de bricolage parfois avisé si bien que l'on se surprend à s'y laisser berner avec un second degré assumé lorsque la chose rampe sur le sol ou sautille auprès de ses proies effarouchées.

Nanar mexicain Bisseux ayant bercé toute la génération "Hollywood Video", les Doigts du Diable se permet en prime de parfaire son récit grand-guignol auprès d'une conclusion nihiliste ! Un parti-pris sardonique pour nous surprendre une ultime fois, de manière à quitter l'intrigue capillotractée sur une note plaisamment cauchemardesque. Quelle époque révolue bordel ! 

P.S: la qualité du Blu-ray US est à tomber à la renverse !

*Bruno
18.12.19. 3èx
01.11.11. 165 v

Matango

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site emovieposter.com

de  Ishirō Honda. 1963. Japon. 1h29. Avec Akira Kubo, Kumi Mizuno, Kenji Sahara, Hiroshi Tachikawa, Yoshio Tsuchiya.

Sortie salles Japon: 11 Août 1963

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Hishiro Honda est un réalisateur japonais né le 7 Mai 1911, décédé le 28 Février 1993 à Tokyo. 1954: Godzilla. 1955: L'Abominable homme des neiges. 1956: Godzilla, king of the monsters ! 1956: Rodan. 1957: Prisonnière des martiens. 1961: Mothra. 1962: King Kong contre Godzilla. 1963 : Matango. 1963: Atragon. 1964: Mothra contre Godzilla. 1964: Dogora, the Space Monster. 1964: Ghidrah, le monstre à trois têtes. 1965: Frankenstein vs. Baragon. 1965: Invasion Planète X. 1966: Come Marry Me. 1966: La Guerre des monstres. 1967: La Revanche de King Kong. 1968: Les envahisseurs attaquent. 1969: Latitude Zero. 1969: Godzilla's Revenge. 1970: Les Envahisseurs de l'espace. 1975: Mechagodzilla contre-atttaque. 1980: Kagemusha, l'ombre du guerrier. 1990: Rêves (Yume) (coréalisé avec Akira Kurosawa). 1993: Madadayo.

On ne remerciera jamais assez Canal + et Jean-Pierre Dionnet de nous avoir fait découvrir dans le cadre de son émission "Cinéma de Quartier" un fleuron de l'horreur japonaise du maître Hishiro Honda. Ainsi, en s'écartant des kaiju et des tokusatsu qui lui valurent sa notoriété, Honda fignole son cadre exotique à travers une île interlope qu'un groupe de touristes vient d'accoster à la suite du naufrage tempétueux de leur bateau. Et donc, à travers cette trame gentiment éculée, il parvient à faire naître une atmosphère d'angoisse à la fois sous-jacente et tangible eu égard des évènements en crescendo qui intenteront à la vie des rescapés. Car misant intelligemment sur la suggestion lors d'une première partie en suspens de par sa manière scrupuleuse d'y radiographier nos protagonistes influencés par l'égoïsme, la trahison et l'individualité en guise de survie, Matango captive sans faillir sous l'impulsion d'un cast expressif se fondant dans le décor rubigineux. Tant et si bien que le spectateur attentif de leurs faits (couards) et gestes (criminels) explore leur refuge d'un navire décharné à travers une scénographie sépia rongée par la rouille, la putrescence, voir même la radioactivité. 

Et à ce niveau formellement capiteux, Matango demeure une incontestable réussite pour ceux sensibles aux atmosphères d'étrangeté palpable ! Ainsi, à travers ce thème alarmiste mainte fois exploré dans ces oeuvres antécédentes (la bombe H), Hishiro Honda redouble d'originalité à porter l'accusation sur de simples champignons redoutablement venimeux pour qui osera y goûter son écorce sachant que nos touristes sont davantage gagnés par l'addiction de l'appétence au sein d'une île avare en victuailles. Mais c'est à l'approche de sa seconde partie que Matango gagne en révulsion et fascination à la vue de ses champignons de taille sporadique florissants dans les endroits les plus attirants et secrets. Et si on aurait pu craindre le ridicule à travers la discrétion de ses effets-spéciaux artisanaux, on se surprend encore aujourd'hui d'y éprouver un irrésistible sentiment de fascination mêlée de crainte exponentielle, si bien que Hishiro Honda filme assidûment ses créatures radioactives sans jamais user de racolage ostentatoire. Qui plus est, de par son climat davantage glauque et malsain niant la gratuité du grand-guignol, Matango utilise à merveille une bande-son inquiétante imprégnée de dérision sardonique. Notamment lorsque les victimes contaminées sont en proie à une étrange euphorie subtilement modeste ! 

Singulier, passionnant et étrangement fascinant à travers une épouvante vintage de souche japonaise, Mantago dresse (à nouveau) un triste constat sur la nature humaine en cas de survie personnelle que des champignons hallucinogènes influencent à travers leur sournois pouvoir de séduction. Et ce sans toutefois daigner sacrifier leurs victimes pour le plaisir de tuer si je me réfère à la réflexion personnelle de l'unique survivant très amer quant à son idéologie existentielle dénuée d'amour. 

*Bruno

2èx

Le Gendarme se marie

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jean Girault. 1968. France/Italie. 1h32. Avec Louis de Funès, Michel Galabru, Jean Lefebvre, Christian Marin, Guy Grosso, Michel Modo.

Sortie salles France: 30 Octobre 1968

FILMOGRAPHIE: Jean Girault est un réalisateur et scénariste français, né le 9 mai 1924 à Villenauxe-la-Grande (Aube), décédé le 24 juillet 1982 à Paris. 1960 : Les Pique-assiette. 1961 : Les Moutons de Panurge. 1961 : Les Livreurs. 1963 : Les Veinards (film à sketchs coréalisé). 1963 : Les Bricoleurs. 1963 : Pouic-Pouic. 1963 : Faites sauter la banque ! 1964 : Les Gorilles. 1964 : Le Gendarme de Saint-Tropez. 1965 : Le Gendarme à New York. 1966 : Monsieur le président-directeur général. 1967 : Les Grandes Vacances. 1968 : Le gendarme se marie. 1968 : Un drôle de colonel. 1969 : La Maison de campagne. 1970 : Le Gendarme en balade. 1971 : Jo. 1971 : Le Juge. 1972 : Les Charlots font l'Espagne. 1973 : Le Concierge. 1973 : Le Permis de conduire. 1974 : Deux grandes filles dans un pyjama. 1975 : L'Intrépide. 1976 : Les murs ont des oreilles. 1976 : L'Année sainte. 1977 : Le Mille-pattes fait des claquettes. 1978 : L'Horoscope. 1978 : Sam et Sally , (série TV), 2 épisodes : Le Collier et Isabelita. 1978 : Le Gendarme et les Extra-terrestres. 1979 : L'Avare. 1981 : La Soupe aux choux. 1981 : Ach du lieber Harry. 1982 : Le Gendarme et les Gendarmettes.

N° 2 au box-Office avec 6 828 665 entrées, le Gendarme se marie n'a pas usurpé son succès commercial si bien qu'il s'avère même supérieur au second opus. Dans la mesure où le scénario facétieux (Cruchot tombant amoureux de Josepha, la veuve d'un colonel, tandis que sa fille épouse des signes de jalousie) laisse libre court à un florilège de gags entre deux efficaces digressions (la traque d'un dangereux criminel lors d'une incroyable course-poursuite urbaine, la concurrence entre Cruchot et Gerber lors du concours au poste d'adjudant). Frétillant et donc bourré d'énergie de par l'entrain communicatif de nos gendarmes épaulés du duo amiteux Nicole Cruchot/Josepha,  le Gendarme se marie prête peut-être plus à sourire qu'à en rire dans son dosage de tendre romance et de cocasserie friponne. Pour autant, il n'en demeure pas moins un divertissement bonnard plein de charme, de fantaisie et même d'action (le final demeurant étonnamment spectaculaire !) sous le soleil estival de Saint-Tropez que Jean Girault exploite à bon escient à travers sa disparité de décors touristiques. A revoir sans modération donc avec une pointe de plaisir nostalgique eu égard de son époque insouciante tristement révolue (bien que le film fut tourné en Mai 68 !).

*Bruno
3èx

Le Gendarme de St-Tropez: http://brunomatei.blogspot.fr/…/photo-empruntee-sur-google-…
Le Gendarme à New-York: https://brunomatei.blogspot.com/2019/12/le-gendarme-new-york.html

Freaks. Prix du Public, Utopiales 2018.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Zach Lipovsky et Adam B. Stein. 2018. U.S.A. 1h44. Avec Emile Hirsch, Bruce Dern, Lexy Kolker, Amanda Crew, Grace Park.

Sortie en France uniquement en Dvd: 10 Janvier 2020. U.S: 13 Septembre 2019

FILMOGRAPHIE: Zach Lipovsky est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste. 2019: Kim Possible (Téléfilm). 2015: Dead Rising. 2014: Leprechaun: Origins. 2013: Tasmanian Devils (TV Movie).  2012: Itsy Bitsy Spiders (Short).  2007: Time Upon a Once (TV Movie).  2007: Die Hardly Working (TV Movie).  2007: Sunshine Girl (TV Movie).  2007: Danger Zone (TV Movie).
Adam B. Stein est un réalisateur, scénariste et producteur. 2019: Kim Possible (téléfilm). 2016: Forever Boys (TV Movie). 2007: Worldly Possession (TV Movie). 2007: Dough: The Musical (TV Short).  2007: Dance Man (TV Movie).

Heureuse surprise que ce modeste divertissement d'anticipation surfant sur la vague des films de super-héros du point de vue de mutants rejetés par une société intolérante, Freaks gagne en efficacité et intensité grâce à sa structure narrative savamment planifiée. Car en laissant planer (dans un premier temps) le doute sur ces personnages équivoques s'efforçant de protéger une gamine aux potentiels pouvoirs surnaturels, Freaks inquiète et intrigue avec suffisamment d'habileté (et d'expectative) pour se laisser captiver par son récit alarmiste en crescendo. Et ce sans céder à l'esbroufe ostentatoire bien que certaines scènes d'actions impressionnent en second acte, autant par leur originalité que par leur fulgurant réalisme. Ainsi donc, en prenant pour thèmes l'unité familiale et la pédagogie parentale afin d'y préserver la moralité d'un enfant singulier en quête identitaire, le duo Zach Lipovsky / Adam B. Stein nous plonge dans l'introspection de Chloé se disputant des prises de choix draconiens dans son désir de liberté. Et ce à travers la dichotomie du Bien et du Mal que son père s'efforce de lui inculquer lors de strictes conditions de vigilance et de protection contre l'ennemi invisible. Si bien qu'au fil de son initiation à la survie, celle-ci devra user de force, résilience et constance à daigner prémunir le bien-être de sa famille rejetée par un état totalitaire.

On peut d'ailleurs saluer l'interprétation assez vigoureuse de Lexy Kolker en mutante solitaire recluse dans sa maison domestique, faute d'un père psycho-rigide et parano quant au danger permanent émanant des extérieurs de leur bâtisse bunkérisée. Outre son mélange de fragilité infantile et de force de caractère davantage déterminée; Lexy Kolker possède un charisme aussi probant que sa petite ressemblance avec Drew Barrymore dont Freaks se fait écho auprès du sympathique (bien que raté) Firestarter. Quand bien même Emile Hirsch se taille une carrure de jeune paternel avec une sobre expression autoritaire, notamment eu égard de son amour inné pour sa fille qu'il se résigne à préserver lors d'un code de conduite pacifiste. Enfin, on se surprend de retrouver dans un rôle secondaire inattendu le monstre sacré Bruce Dern en marchand de glace débonnaire à la fois protecteur et délétère dans sa capacité de nous faire douter de ses obscures actions lors de la 1ère partie. Ce n'est qu'ensuite qu'il nous dévoile son nouveau visage de papy débonnaire dans son désir de prémunir sa famille parmi l'enjeu d'une vie humaine que le duo Lipovsky / Stein est parvenu à mettre en exergue à travers des idées retorses (l'autosuggestion, le paradoxe temporel) où réalité et fiction ne cessent de nous semer le trouble quant à la vraisemblance des faits exposés.

S'évertuant à crédibiliser sans fard un monde dystopique où une poignée de mutants tentent d'y survivre au détriment de l'hostilité de l'homme, Freaks surprend agréablement en nous familiarisant auprès des états d'âme contradictoires d'une fillette avide de liberté et d'indépendance dans son libre arbitre contestataire. Car sous couvert d'un divertissement sci-fi digne d'un comic book live, Zach Lipovsky et Adam B. Stein ont su intelligemment substantialiser leur récit au gré de la caractérisation d'une unité familiale combattant mutuellement l'intolérance, la dictature et l'injustice avec un humanisme constamment vigoureux et attachant. 

*Bruno

Les Grandes Vacances

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com 

de Jean Girault. 1967. France/Italie. 1h30. Avec Louis De Funes, Ferdy Mayne, Martine Kelly, François Leccia, Olivier de Funès, Claude Gensac, Maurice Risch, Jacques Dynam, Dominique Davray.

Sortie salles France: 1er Décembre 1967

FILMOGRAPHIE: Jean Girault est un réalisateur et scénariste français, né le 9 mai 1924 à Villenauxe-la-Grande (Aube), décédé le 24 juillet 1982 à Paris. 1960 : Les Pique-assiette. 1961 : Les Moutons de Panurge. 1961 : Les Livreurs. 1963 : Les Veinards (film à sketchs coréalisé). 1963 : Les Bricoleurs. 1963 : Pouic-Pouic. 1963 : Faites sauter la banque ! 1964 : Les Gorilles. 1964 : Le Gendarme de Saint-Tropez. 1965 : Le Gendarme à New York. 1966 : Monsieur le président-directeur général. 1967 : Les Grandes Vacances. 1968 : Le gendarme se marie. 1968 : Un drôle de colonel. 1969 : La Maison de campagne. 1970 : Le Gendarme en balade. 1971 : Jo. 1971 : Le Juge. 1972 : Les Charlots font l'Espagne. 1973 : Le Concierge. 1973 : Le Permis de conduire. 1974 : Deux grandes filles dans un pyjama. 1975 : L'Intrépide. 1976 : Les murs ont des oreilles. 1976 : L'Année sainte. 1977 : Le Mille-pattes fait des claquettes. 1978 : L'Horoscope. 1978 : Sam et Sally , (série TV), 2 épisodes : Le Collier et Isabelita. 1978 : Le Gendarme et les Extra-terrestres. 1979 : L'Avare. 1981 : La Soupe aux choux. 1981 : Ach du lieber Harry. 1982 : Le Gendarme et les Gendarmettes.

Spécialiste de la comédie populaire, Jean Girault ne déroge pas à la règle de la franche réussite avec les Grandes Vacances que le public français ovationne en 1ère place du box-Office avec 6 987 127 entrées. Prenant pour cadre la saison solaire des vacances d'été (au passage, quel dépaysement naturel pour les yeux !), les Grandes Vacances nous relate à une cadence effrénée les pérégrinations de Charles Bosquier. Le directeur d'un internat s'efforçant de rattraper son fils aîné Philippe depuis qu'il prit la poudre d'escampette avec sa correspondante anglaise. Or, du fait de mauvais résultats en langue anglaise, Philippe devait être envoyé chez sa famille aristo afin d'y parfaire ses leçons. Mais alors qu'initialement il devait pratiquer du voilier avec ses condisciples, Philippe élabore au final le stratège d'y substituer à sa place un de ses camarades au sein de la famille anglaise. Divertissement populaire mené à un train d'enfer dans son lot de quiproquos, gags, cascades et pugilats (dont une séquence anthologique dans un bar réduit en ruine !), les Grandes Vacances use majoritairement de l'impertinence indéfectible de De Funès afin d'y faire progresser ses gags et son intrigue en roue libre.

Le récit tentaculaire se résumant aux tentatives désespérées de Charles à récupérer son fils Philippe par tous les moyens de transport possibles (voilier, delta plane, avion, camion, voiture), quand bien même ce dernier s'éprend toujours un peu plus d'amour pour sa correspondante étrangère au fil de ses vacances improvisées. Ainsi, à travers les thèmes du patriarcat (les épouses ne font ici qu'écouter leur mari avec discrétion !) et de l'autorité paternelle (psycho-rigide) réfutant l'émancipation de leurs progénitures aujourd'hui responsables à concrétiser une vie sentimentale, les Grandes Vacances y extrait une satire irrésistible sur les dissensions familiales. Un arc en ciel de joie, de gaieté et de bonne humeur au risque d'occulter l'hilarité. Pour autant, de par l'énergie galvanisante que distillent communément les comédiens, et le climat euphorisant de leurs trépidantes aventures, les Grandes Vacances y cultive un sourire permanent. Entre la simplicité cocasse d'un "suis moi je te fuis, fuis moi je te suis" et le charme innocent d'une romance en herbe. Et ce sans jamais forcer le trait de l'outrance en dépit de la folie ambiante des personnages se disputant le pouvoir parental à coup de verbigérations étrangères.

Pur moment de détente d'une fraîcheur inépuisable, les Grandes Vacances transcende sans peine les décennies sous l'impulsion d'un De Funès étonnamment pugnace épaulé de seconds-rôles se prêtant au jeu de l'exubérance avec un naturel aujourd'hui révolu. 

*Bruno

Récompenses:
Ticket d'or décerné par les téléspectateurs en 1967
Prix Courteline pour l'interprétation de Louis de Funès.

Un Cadavre au Dessert

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Murder by Death" de Robert Moore. 1976. U.S.A. 1h35. Avec Peter Falk, Peter Sellers, David Niven, James Coco, Maggie Smith, Eileen Brennan, Alec Guinness.

Sortie salles France: 10 Novembre 1976. U.S: 23 Juin 1976

FILMOGRAPHIE: Robert Moore est un metteur en scène de théâtre et réalisateur américain de cinéma et de télévision, né le 7 août 1927 à Détroit (Michigan), décédé le 10 mai 1984 à New York. 1979: Chapitre deux. 1978: Le chéri de ces dames. 1978: Annie Flynn (TV Movie). 1977: The Natural Look (TV Movie). 1977: The Sunshine Boys (TV Movie). 1977: There's Always Room (TV Movie). 1976: Cat on a Hot Tin Roof (TV Movie). 1976: Don't Call Us (TV Movie). 1976: Un cadavre au dessert. 1974: Thursday's Game (TV Movie).

Bien que je m'attendais à quelque chose de différent et d'un peu plus subtil quant à son cheminement narratif à suspense, Un cadavre au Déssert joue au Cluedo sur pellicule avec beaucoup de cocasserie, de décontraction et d'inventivité. Et ce même si son dénouement à rebondissements s'avère un brin capillotracté (tout du moins de prime abord). Une carence vite pardonnée eu égard de l'aspect parodique de son ambiance festive constamment déjantée interférant entre nos hôtes criminologues jouant pour de vrai les détectives émérites à la suite de l'assassinat de l'un d'eux perpétrés entre 23h et 0h00. Ainsi, l'heureux vainqueur remportera par le propriétaire des lieux gothiques (décors flamboyants délicieusement envoûtants !) la somme faramineuse d'1 million de dollars.

Complètement décalé à travers sa tonalité burlesque assez irrésistible, Un cadavre au dessert doit  beaucoup de son charme folingue en la présence d'une distribution 4 étoiles s'en donnant à coeur joie à endosser des déguisements excentriques volontairement stéréotypés. Ainsi se disputent la vedette parmi la cadence d'une bonne humeur mutuellement dévergondée Peter Falk, Peter Sellers, David Niven, James Coco, Maggie Smith, Eileen Brennan, Alec Guinness, James Cromwell, Truman Capote et même Elsa Lanchester !!! (la Fiancée de Frankenstein, c'était elle !) en veuve décatie volontiers friponne. Ce tableau de convives snobinards se tirant mutuellement les vers du nez à tenter de découvrir le véritable assassin de cette odieuse mascarade. Robert Moore compliquant en prime l'investigation de ces derniers en y incluant un second assassinat !

Farce macabre adepte du faux semblant et des attrapes nigauds au sein d'une demeure en chausse-trappe, Un Cadavre au déssert se décline en pétillante comédie policière en prime d'y injecter en background une pointe d'ironie quant aux ambitions présomptueuses d'éminents romanciers façonnant leurs récits de la manière la plus tarabiscotée afin d'y égarer la perspicacité du spectateur. Dès lors, on perçoit mieux ici à terme l'attrait volontairement saugrenu de son dénouement bicéphale, ultime pied de nez (et mise en abyme) à ces notoires artisans susnommés parfois injustement ovationnés par la popularité, faute de leur absence d'humilité. 

Dédicace à Thierry Savastano

*Bruno

Le Gendarme à New-York

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jean Girault. 1965. France/Italie. 1h41. Avec Louis de Funès, Michel Galabru, Jean Lefebvre, Christian Marin, Guy Grosso, Michel Modo.

Sortie salle France: 29 Octobre 1965

FILMOGRAPHIE: Jean Girault est un réalisateur et scénariste français, né le 9 mai 1924 à Villenauxe-la-Grande (Aube), décédé le 24 juillet 1982 à Paris. 1960 : Les Pique-assiette. 1961 : Les Moutons de Panurge. 1961 : Les Livreurs. 1963 : Les Veinards (film à sketchs coréalisé). 1963 : Les Bricoleurs. 1963 : Pouic-Pouic. 1963 : Faites sauter la banque ! 1964 : Les Gorilles. 1964 : Le Gendarme de Saint-Tropez. 1965 : Le Gendarme à New York. 1966 : Monsieur le président-directeur général. 1967 : Les Grandes Vacances. 1968 : Le gendarme se marie. 1968 : Un drôle de colonel. 1969 : La Maison de campagne. 1970 : Le Gendarme en balade. 1971 : Jo. 1971 : Le Juge. 1972 : Les Charlots font l'Espagne. 1973 : Le Concierge. 1973 : Le Permis de conduire. 1974 : Deux grandes filles dans un pyjama. 1975 : L'Intrépide. 1976 : Les murs ont des oreilles. 1976 : L'Année sainte. 1977 : Le Mille-pattes fait des claquettes. 1978 : L'Horoscope. 1978 : Sam et Sally , (série TV), 2 épisodes : Le Collier et Isabelita. 1978 : Le Gendarme et les Extra-terrestres. 1979 : L'Avare. 1981 : La Soupe aux choux. 1981 : Ach du lieber Harry. 1982 : Le Gendarme et les Gendarmettes.

Second volet réalisé un an après l'énorme succès du Gendarme de Saint-Tropez, Le Gendarme à New-york a également attiré les foules pour se hisser 4è au box-office avec 5 495 045 entrées. Bien qu'inférieur à son modèle en terme d'effet de surprise et de drôlerie, cette séquelle s'avère bougrement amusante de par la complicité expansive des comédiens toujours aussi alertes (De Funes et Galabru  en tête de peloton à travers leur force de caractère vaniteuse) et par la succession de péripéties qu'ils enchaînent avec plus ou moins d'efficacité. Pour ce faire, Jean Girault a délocalisé notre aimable compagnie à New-York suite à l'invitation d'un congrès international, quand bien même la fille de Cruchot, déçue ne pas l'accompagner, s'infiltre en cachette dans le paquebot afin de profiter du pays. Ainsi, en entrecroisant les us et coutumes de nos voisins new-yorkais auquel nos gendarmes tentent de s'y familiariser, avec la partie de cache-cache entre Nicole et Cruchot s'efforçant de l'alpaguer, le Gendarme de New-York tire-parti d'une avalanche de gags extravagants. Certaines situations un peu trop saugrenues (la dégustation des glaces, la valise disposée sur le toit du taxi sans protection) tournant à vide dans le ressort comique escompté même si on peut néanmoins y sourire grâce à la conviction des comédiens mutuellement fringants pour susciter un rire amusé. En tout état de cause, le Gendarme de New-York fleure bon le divertissement bonnard aujourd'hui révolu à travers sa tendre légèreté, sa simplicité et son intégrité de nous contenter sans prétention aucune. Tant et si bien que l'on retrouve avec ce même plaisir attractif les vicissitudes de nos gendarmes exilés pour le coup dans la métropole tentaculaire de New-York afin d'y effectuer un voyage rocambolesque semé de désordre et d'hallucinations.

*Bruno
2èx

Les Exterminateurs de l'an 3000 / Il giustiziere della strada

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Giuliano Carnimeo. 1983. Italie/Espagne. 1h30. Avec Robert Iannucci, Alicia Moro, Luciano Pigozzi, Eduardo Fajardo, Anna Orso, Beryl Cunningham, Luca Venantini.

Sortie salles France: 18 Juillet 1984

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Giuliano Carnimeo est un réalisateur et scénariste italien, né le 4 juillet 1932, décédé le 10 septembre 2016 (parfois crédité d'Anthony Ascott). 1968 - Le moment de tuer. 1968 - Trouver un endroit pour mourir. 1969 - Sartana le fossoyeur. 1970 - Bon funérailles, mon ami ... Sartana paiera. 1970 - Je suis Sartana, échangez vos armes contre un cercueil. 1970 - Nuage de poussière ... Cri de mort ... Sartana arrive. 1971 - Ils m'appellent Hallelujah. 1971 - Le cas de l'iris sanglant. 1971 - Ils l'appellent le cimetière. 1972 - Son nom était Saint-Esprit. 1972 - Retour d'Halleluja. 1973 - Dieu sacré, voici le Passatore!. 1973 - Un homme nommé Invincible. 1973 - Anna, quel particolare piacere. 1974 - Poker au lit. 1975 - Copains du convoi. 1976 - Tigre Carioca. 1976 - Les marchands de diamants. 1978 - L'insegnante balla ... avec la classe. 1981 - Pierino medico della Saub. 1981 - Mia moglie torna a scuola. 1983 - Zéro en condotta. 1983 - Les exterminateurs de l'année 3000. 1988 - Ratman.

Sorti en pleine mouvance du post-nuke initié par la sortie triomphante du mastodonte Mad-Max 2, les Exterminateurs de l'an 3000 ne déroge pas à la règle du nanar bonnard typiquement transalpin. Tant et si bien que l'on se surprend de véritablement s'attacher à ces cabotins héroïques en quête de réservoir d'eau depuis la dernière guerre atomique ayant transformé la terre en désert aride. De par ses décors naturels décharnés dénués d'urbanisation et l'attirail futuriste de nos guerriers de la route grimaçant à tout va afin de susciter une haine primitive, Giuliano Carnimeo nous livre le minimum syndical lors de ses poursuites et cascades en règle dont certaines font néanmoins leur petit effet ludique. Dépaysant cependant (avec une modeste mesure) et bourré de clichés en pillant à tous les râteliers les situations d'affronts automobiles et les postures de personnages iconiques entrevus dans Mad-Max 2 (le fameux punk s'extirpant du capot du camion est carrément repompée ici), les Exterminateurs de l'an 3000 fleure bon le divertissement bricolé à travers un rythme étonnamment soutenu.

Tant auprès des bastons à mains nues ou à l'arme blanche que des poursuites dans le désert que s'affrontent dans un amas de poussières motos et bolides customisés à travers une vertigineuse danse endiablée. Et aussi hilarant ou cocasse que cela puisse paraître dans la majorité des actions, on se surprend d'éprouver un plaisir innocent à travers leurs affrontements barbares de cour de récré. Ainsi, en décrivant à nouveau la tentative de survie d'une poignée de survivants héroïques en quête de carburant naturel (on substitue l'essence par l'eau afin d'y injecter un soupçon d'originalité), Giuliano Carnimeo s'efforce de soigner son atmosphère post-apo sous l'impulsion d'une fraternité amicale (notamment le duo formé par le jeune cyborg Tommy et le grand-père Papillon) et d'une romance discordante que se disputent Alien (oui oui, vous avez bien lu !) notre héros sans scrupule (avec sa coupe de bigoudi) jouant l'individualiste contre son ex Linda un peu plus finaude que lui. Ainsi, à eux deux ils forment un tandem couramment houleux dans leur désir d'autorité impitoyablement cruel, si bien que tous les coups les plus couards y seront permis. Leurs scènes de ménage entremêlées de réconciliation fonctionnant avec dérision de par l'aspect involontairement cocasse de leurs expressions cabotines.

Western futuriste Mad Maxien mené sans temps mort (même s'il doit beaucoup à la plaisante solidarité de nos héros de la dernière chance), les Exterminateurs de l'An 3000 n'a pas à rougir de ses meilleures copies transalpines à travers son lot d'action low-cost, de bons sentiments bon enfant, de dépaysement poussiéreux et d'humour irraisonné. Franchement sympa donc et hélas tellement révolu qu'on l'apprécie mieux aujourd'hui. 

*Bruno
17.06.24. 3èx

Les Premiers hommes dans la lune

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site picpusdan5.free.fr

"First Men in the Moon" de Nathan Juran. 1964. Angleterre. 1h43. Avec Edward Judd, Martha Hyer, Lionel Jeffries, Miles Malleson, Norman Bird.

Sortie salles France: 23 Décembre 1964. U.S: 20 Novembre 1964

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Nathan Juran est un réalisateur, scénariste et directeur artistique américain, né le 1er Septembre 1907 à Bucovine (Roumanie), décédé de mort naturelle le 23 Octobre 2002 à Paolos Verdes Estates (Etats-Unis). 1953: La Légende de l'Epée Magique. 1957: La Chose surgie des Ténèbres. A des Millions de kms de la Terre. Le Cerveau de la Planère Arous. 1958: L'Attaque de la Femme à 50 Pieds. Le 7è Voyage de Sinbad. 1961: Jack, le Tueur de Géants. 1964: Les premiers Hommes dans la lune. 1966: The Deadly Mantis. 1967: Billy the Kid. Les Trompettes de Jéricho. Les Aventuriers de l'Espace. 1969: Land Raiders. 1973: The Boy who Cried Werewolf.

Plutôt méconnu par rapport à ces antécédentes réussites, les Premiers hommes dans la lune s'avère pourtant une fabuleuse aventure menée avec fougue par des comédiens fripons s'en donnant à coeur joie à travers leurs dissensions extravagantes. Tant et si bien qu'ici il n'est nullement question de souci de vraisemblance lorsqu'un savant lunatique décide de s'aventurer sur la lune après y avoir construit une sphère volante et la cavorite. Une matière liquide permettant à un objet de s'élever de la pesanteur. Embarqué avec Bedford et Kate, la compagne de ce dernier, ils s'envolent pour un voyage sur la lune semé de rencontres singulières. Nanti de décors soignés (évitant la plupart du temps l'aspect carton pâte) et d'FX confectionnés par Ray Harryhausen (on retiendra surtout sa confection d'une chenille géante), les Premiers hommes dans la lune dépayse en diable sous l'impulsion d'une série d'épreuves et de péripéties aussi bien débridées que décomplexées. A l'instar de la rencontre avec les Sélénites, ses créatures lunaires pacifistes que Bredford s'acharne à repousser de par son appréhension intuitive. Quand bien même Cavor s'efforce de rentrer en contact pour en savoir un peu plus sur leurs us et coutumes. Ainsi, à travers la posture à la fois méfiante et hostile de Bredford, on peut y voir une métaphore sur la peur de l'étranger et l'influence que peut engendrer l'idéologie guerrière lorsque l'on apprend lors de son épilogue équivoque que le savant Cavor (qui leur avait détaillé nos conflits d'états bellicistes) a disparu à jamais parmi le peuple des Sélénites. Quand bien même du point de vue du savant, on peut également y extraire une allégorie sur le colonialisme !

Ainsi, on pourrait évoquer la possibilité que celui-ci, après leur avoir expliqué les tenants et aboutissants d'y perpétrer depuis des millénaires la guerre sur Terre, les Sélénites se soient inspirés de notre (étrange) rapport (auto)destructeur en s'entretuant pour un oui ou pour un non. Ce n'est qu'une hypothèse somme toute personnelle car sa conclusion laisse notamment sous-entendre que l'arrivée d'un nouveau groupe d'astronautes sur la lune (ayant apporté un germe de la terre) aurait pu causer la destruction des sélénites (et du savant Cavor resté pacifiquement parmi eux pour les étudier). Outre l'attrait ludique de ces péripéties improbables abordées avec autant de fantaisie que de poésie sur la scénographie lunaire, la première partie de l'intrigue s'avère aussi irrésistible (voir même plus drôle !) lors des préparatifs de leur expédition que Cavor et ses 2 comparses entreprennent avec autant de légèreté et d'humour dans la maladresse et la décontraction. Les acteurs communément expansifs formant un trio amical résolument attachant à travers leurs folles escapades d'oser poser pied sur une planète vierge de toute trace humaine. Une première donc dans l'histoire de l'alunissage, bien avant celle de la mission astronautique de l'Union Soviétique entreprise en 1966 (l'action du film se déroulant en 1964 !). Comme quoi dans toute fiction fantaisiste tout est permis, pour le meilleur et pour le rire !

Bizarrement méconnu, occulté, voir oublié, les Premiers hommes dans la lune demeure donc une folle aventure stellaire truffée de poésie, d'humour et de féerie grâce à l'autorité de 2 artisans du fantastique, Nathan Juran / Ray Harryhausen jamais avares de concept saugrenu afin d'y communier fascination et stupéfaction.

*Bruno
2èx

C.H.U.D. Prix du Meilleur Film Fantastique au Festival de Bruxelles, 1985

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site midnightonly.com

"Contamination Hazard Urban Disposal" (danger de contamination urbaine) de Douglas Cheek. 1984. U.S.A. 1h37 (version longue). Avec John Heard, Daniel Stern, Christopher Curry, Kim Greist, Laure Mattos, Brenda Currin.

Récompense: Prix du Meilleur Film Fantastique au Festival du film fantastique de Bruxelles, 1985

FILMOGRAPHIE: Douglas Cheek est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le
1984: C.H.U.D. 2003: Empires: Peter and Paul and the Christian Revolution (Documentaire pour la TV)

Unique réalisation de Douglas Cheek, C.H.U.D demeure le prototype idoine de la série B sans prétention tirant parti d'une intrigue efficiente stigmatisant une politique véreuse en compromis avec la pollution. De par son concept délirant inspiré des films de monstres des années 50 (des sdf se transforment en mutants cannibales sous les effets d'une irradiation), C.H.U.D réussit formidablement à exploiter son pitch avec conviction, sobriété, suggestion. Car sous couvert de pamphlet écolo contre les dangers du nucléaire au péril des laissés pour compte, Douglas Cheek entreprend sa série B avec un sérieux probant (non exempt de pointes d'humour macabre) à travers une réalisation alerte à la marge entre la bande dessinée et le documentaire. A l'instar de l'urbanisation crasseuse d'un New-York blafard où les SDF jonchent les trottoirs, ou plutôt lorsqu'ils se parquent sous les égouts. C'est d'ailleurs en majeure partie dans ces souterrains glauques que l'action se concentre par l'entremise d'un policier, d'un photographe et d'un révérend bénévole.

Et si lors du 1er quart d'heure, leur investigation s'amorçait de manière un brin laborieuse, leurs vicissitudes vont s'avérer plus intenses et stimulantes lorsqu'ils s'opposeront à l'autorité vénale d'un éminent fonctionnaire du gouvernement. Ainsi, délibérés à résoudre indépendamment les disparitions inexplicables que relayent les journaux, nos compères vont ensuite fréquenter la faune clandestine des clodos du coin pour tenter de comprendre qui est l'auteur de cette vague d'homicides. Réfugiés sous la ville dans les réseaux des conduits où des cadavres démembrés jonchent les sols humectés, nos enquêteurs en herbe feront face à la menace de monstres cannibales tout en démystifiant un scandale sanitaire ! Outre le caractère franchement attachant des comédiens de seconde zone et la photogénie inquiétante d'un New-York flétri, le soin alloué aux maquillages confectionnés par Ed French apportent un cachet de crédibilité par le biais de brèves images gores incroyablement réalistes. Enfin, pour parachever de manière plus acerbe et alerte, le réalisateur met en appui un climax haletant (d'une bonne demi-heure) autour de l'enjeu de survie de nos compagnons, si bien que le suspense parfaitement mené s'alloue de cruels rebondissements et d'agressions monstrueuses sous l'impulsion d'un score percutant.

Ludique, intelligent (notamment auprès d'un second rôle féminin anti potiche) et constamment efficace de par son concept débridé et ses rebondissements délétères, et parfois saturé d'une atmosphère envoûtante au sein du cadre singulier des canalisations, C.H.U.D constitue l'archétype de la série B à la fois intègre et artisanale comme il en fleurissait en pagaille lors des années 80. Un excellent divertissement donc mené avec panache par une pléiade de comédiens mutuellement couillus,  débrouillards, amiteux, le coeur sur la main. 

Anecdote subsidiaire: Selon certaines sources, il s'agit d'un des films préférés de Rob Zombie qui aurait souhaité en son temps concrétiser un éventuel remake. 

*Bruno
28.04.24. 5èx. Vostf

04.12.19. 4èx
08.07.13. 90 v

Les 7 Mercenaires

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"The Magnificent Seven" de Antoine Fuqua. 2016. U.S.A. 2h13. Avec Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, Byung-Hun Lee, Manuel Garcia-Rulfo, Martin Sensmeier

Sortie salles France: 28 Septembre 2016.

FILMOGRAPHIE: Antoine Fuqua est un réalisateur américain, né le 19 janvier 1966 à Pittsburgh. 1998 : Un tueur pour cible. 2000 : Piégé. 2001 : Training Day. 2003 : Les Larmes du Soleil. 2004 : Le Roi Arthur. 2006 : The Call (court métrage). 2007 : Shooter, tireur d'élite. 2010 : L'Élite de Brooklyn. 2013 : La Chute de la Maison Blanche. 2014 : Equalizer. 2015 : La Rage au ventre. 2016 : Les Sept Mercenaires. 2018 : Equalizer 2. 2018 : American Dream/American Knightmare (documentaire). 2020 : Infinite.

Remake inutile réalisé par l'habile artisan Antoine Fuqua capable du meilleur comme du pire, Les 7 mercenaires n'en demeure pas moins un honorable film d'action correctement emballé et interprété. Et même si on aurait préféré une émotion plus empathique (en dépit de son poignant final et du sort aussi bien cruel que pervers d'une victime à bout de souffle), un souffle épique plus acéré et une intensité dramatique plus escarpée auprès d'une narration non exempte de quelques longueurs, l'efficacité des séquences les plus homériques nous réconforte sous l'impulsion d'une unité solidaire militant pour le sens du sacrifice. Assez convaincants quant au défilé d'illustres acteurs plutôt motivés à tenter d'émuler leurs ancêtres, ils pêchent toutefois d'un manque de rigueur à travers leur force d'expression tantôt sentencieuse, tantôt hargneuse. Louablement; et fidèle à lui même; Denzel Washington porte le film sur ses robustes épaules avec une force tranquille fréquemment magnétique en justicier redresseur de tort inscrit dans la probité. De par son iconique présence ténébreuse, Les 7 mercenaires rehausse le niveau du produit standard parmi l'autorité d'Antoine Fuqua se résignant à contenter les fans avec de bonnes intentions. Dommage toutefois que la facture classique de son western manque d'âme, de personnalité et de passion à travers ses nobles valeurs humaines, si bien que l'on préférera se rapprocher auprès de son illustre modèle avec beaucoup plus de fougue,  d'attention et de nostalgie payantes.

*Bruno

Les Créatures de l'Ombre

             Photo empruntée sur Google, appartenant au site cult-trash-in-french-dvd-composite.blogspot.com

"Don't be afraid of the Dark" de John Newland. 1973. U.S.A. 1h14. Avec Kim Darby , Jim Hutton , Barbara anderson , William demarest , Pedro armendariz jr.

Sortie salles US: 10 Octobre 1973.

FILMOGRAPHIE: John Newland est un réalisateur, acteur et producteur américain, né le 23 Novembre 1917 à Cincinnati, Ohio, USA, décédé le 10 Janvier 2000 à Los Angeles, California, USA. 1979: The Suicide's Wife (TV Movie). 1978: Overboard (TV Movie). 1977: A Sensitive, Passionate Man (TV Movie). 1973: Les Créatures de l'Ombre (télé-film). 1972: The Legend of Hillbilly John. 1972: Crawlspace (TV Movie). 1971: The Deadly Hunt (TV Movie). 1970: L'Inceste. 1967: Les S.R. passent à l'attaque (TV Movie). 1965: Le Mystère de la Chambre Forte. 1957: The Violators. 1957: That Night !

Précédé d'une réputation culte auprès de la génération 70 (pour sa diffusion TV) et 80 (pour son exploitation en Vhs), Les Créatures de l'Ombre est une excellente surprise pour un télé-film aussi modeste misant autant sur le suspense latent que l'effet de surprise avec l'apparition de petites créatures résidant dans la cave d'une demeure vétuste. Ainsi, de par sa durée écourtée (1h14) et son cheminement narratif classique, John Newland compte sur la formalité de son atmosphère inquiétante (superbe photo à l'appui) et le jeu sobre de ces acteurs pour entraîner le spectateur dans un cache-cache saugrenu avec la peur. Le pitch: venant d'emménager dans l'ancienne demeure de ses parents, Sally remarque d'étranges bruits et incidents inexpliqués contre l'indifférence de son époux. Qui plus est, elle est persuadée que des petites créatures patibulaires veulent intenter à sa vie après les avoir rapidement entraperçus dans les sombres recoins. De cette trame aussi simpliste que standard, John Newland en extrait une efficace mécanique à suspense du point de vue contemplatif de Sally en proie à la psychose et à la paranoïa de se confronter à l'irrationalité de créatures venues d'ailleurs.

Ainsi, sans jamais connaître les origines de cette menace horrifique bien réelle, John Newland parvient à surprendre et à fasciner en donnant chair à ses personnages délétères plus vrais que nature. Autant dire que l'on croit dur comme fer à leurs agissements mesquins lorsqu'il s'efforcent de molester leur victime d'un point de vue aussi bien cérébral que corporel. L'intérêt de l'intrigue se focalisant sur l'incompréhension et l'appréhension de Sally en proie à une situation improbable mais qui s'efforcera difficilement de convaincre son entourage quant à la probabilité de la menace, d'autant plus que la taille des tueurs fait tâche ! Car si les Créatures de l'ombre ne manque pas de distiller une angoisse sous-jacente et une inquiétude permanente quant à la survie de ses nouveaux occupants, chaque apparition de ses sujets monstrueux nous oscille parfois la stupeur, pour ne pas dire le rire nerveux. Tant auprès du contexte débridé aussi louche qu'obscur (bien que les créatures libérées de l'isolement et de leur solitude souhaitent tout simplement voler l'esprit de Sally en guise de remerciement) que de la physionomie atypique de ces créatures incroyablement persuasives à travers leurs expressions sobrement patibulaires.

Étonnamment crédible quant au jeu dépouillé des acteurs reclus dans un huis-clos atmosphérique (les décors sont d'autant bien exploités pour révéler parfois d'étranges secrets), Les Créatures de l'Ombre fait constamment illusion dans son savoir-faire à fasciner et à envoûter sous l'impulsions de petits êtres démoniaques à la mine impassible. On s'étonne d'ailleurs qu'à travers son format télévisuel, cette oeuvre ombrageuse fasse preuve d'autant de soin à immerger le spectateur dans un cauchemar domestique non dépourvu d'intensité dramatique quant à son épilogue couillu. 

*Bruno

Dr Rictus / Dr Giggles

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Manny Coto. 1992. U.S.A. 1h35. Avec Larry Drake, Holly Marie Combs, Cliff De Young, Glenn Quinn, Keith Diamond, Richard Bradford.

Sortie salles France: 27 Janvier 1993. U.S: 23 Octobre 1992.

FILMOGRAPHIE: Manny Coto est un producteur, réalisateur et scénariste américain. 1989 : Jack in the Box. 1989 : Monsters (1 épisode). 1990 : Schizo. 1991 : Envoyé Spécial. 1991 : Les Contes de la crypte (1 épisode). 1992 : Dr. Rictus. 1997 : Star Kid. 2000 : Mon clone et moi. 2001 : Zenon: The Zequel.

Série B d'exploitation surfant sur la mode déclinante du Psycho-killer à l'orée des années 90 (et ce avant que Scream n'y reprenne à nouveau le filon 4 ans plus tard), Dr Rictus repartit avec les honneurs du Prix Spécial du Jury au Festival d'Avoriaz. Rien que ça ! Même si on peut émettre des réserves sur cette récompense aussi reconnue. Car si le schéma narratif archi convenu n'augure rien de substantiel, le réalisateur Manny Coto compte sur l'inventivité des scènes chocs parfois adroitement cadrées (FX artisanaux en sus en dépit de son générique liminaire artificiel !), son ambiance gentiment cauchemardesque et surtout sur la présence sardonique de Larry Drake (révélé dans Darkman) pour emporter l'adhésion. L'acteur au visage poupard comptant sur l'expressivité enjouée de ses yeux bleus et son ricanement à la fois concis et aigu pour incarner un praticien revanchard n'ayant plus la lumière dans le crane à la suite du décès de son père éploré.

Ainsi, nanti de situations débridées parfois hallucinées (l'accouchement incongru, il fallait oser !), Dr Rictus amuse et innove sous l'impulsion d'une action gore aussi jouissive que décomplexée. Et ce par le biais d'ustensiles chirurgicaux que le demeuré perpétue avec une diabolique perversité d'y varier les instruments pour chaque victime promue. Dès lors, nos ados crétins ont beau être inexpressifs (comme de coutume) dans leur fonction de chair à pâté, on s'impatiente finalement de leur inévitable sort avec un art consommé du sadisme badin. Quand bien même la jeune Holly Marie Combs (la série Charmed), ne manque pas de charme dans son petit corps sexy en dépit de son jeu largement perfectible d'ado souffreteuse peinant à combattre son assaillant auprès de ses expressions timorées. Pour autant, et en dépit de ses maladresses gestuelles et labiales, on s'attache gentiment à ce personnage féminin pourchassée sans relâche par le tueur obsessionnel alors que son père, son entourage amical et sentimental seront également la cible d'un chassé croisé meurtrier. 

Y'a t-il un médecin dans la salle ?

Dénué de prétention auprès de sa complicité friponne avec le spectateur (savoureux clin d'oeil lors de l'affrontement final !), Dr Rictus n'a d'autre but que de divertir comme toute bonne série B du Samedi soir que l'on privilégie de préférence entre amis. Fréquemment fun, folingue et percutant auprès de la fantaisie de ses séquences chocs quelque peu révulsives (et saugrenues !), il maintient l'attention grâce à cette ambiance sardonique (notamment dans le cadre étrangement ludique de cette fête foraine) que Larry Drake impulse par sa bedonnante présence espièglement hystérique. 

*Bruno
30.07.22. 4èx

Récompense: Prix Spécial du jury, Avoriaz 93.

Panics / Bad dreams

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Andrew Fleming. 1988. U.S.A. 1h24. Avec Jennifer Rubin, Bruce Abbott, Richard Lynch

Sortie salles France: 6 Juillet 1988

FILMOGRAPHIE: Andrew Fleming est un réalisateur et scénariste américain né (selon certaines sources le 14 mars 1963) le 30 décembre 1965. 1988 : Bad Dreams. 1994 : Deux garçons, une fille, trois possibilités. 1996 : Dangereuse Alliance. 1999 : Dick : Les Coulisses de la présidence. 2000 : Grosse Pointe (série TV). 2002 : Paranormal Girl (TV). 2003 : Espion mais pas trop ! 2005 : Head Cases (série TV). 2007 : Nancy Drew. 2008 : Hamlet 2

"Saignée Spirituelle".

Que voilà un excellent B movie horrifique, pur produit de la sacro-sainte époque des vidéoclubs, que la génération 80 pouvait louer de préférence un samedi soir, entre amis (éméchés, c’est selon). Et pour une première réalisation, Andrew Fleming s’extirpe honorablement de la routine, concoctant un divertissement pur jus, bâti sur l’efficacité brute d’une moisson de scènes chocs, particulièrement percutantes et sanguinolentes. À ce niveau, Panics ne déçoit jamais — entre maquillages gorasses soignés, montage acéré, et rythme échevelé baignant dans une ambiance délicieusement malsaine, le film déroule sa partition trouble avec une précision presque clinique. On peut notamment compter sur l’incroyable présence de Richard Lynch (et son fameux visage de rapace calciné) pour instiller une tension sourde, tapie dans les recoins moites du cadre, semant visions d’effroi et menace rampante.

Du moins… c’est ce que le réalisateur tente de nous faire gober pendant une large portion de l’intrigue. Cynthia, seule survivante d’un suicide collectif orchestré treize ans plus tôt par son gourou, sort du coma. Internée dans un centre médico-psychologique, elle tente de recoller les morceaux d’un passé brisé, tandis que le spectre de son persécuteur revient la hanter — aussi insidieux que dominateur, dans des visions hallucinées où la réalité se fissure. Autour d’elle, les autres jeunes patients, tourmentés eux aussi, tombent un à un dans un cycle de suicides inexpliqués. Fleming, visiblement influencé par la saga de Freddy Krueger, s’amuse à brouiller les pistes entre rêve et cauchemar, entre l’appel du néant et la rédemption frelatée. Un nouveau croquemitaine s’immisce, poussant ces âmes fragiles à céder au vide dans un vertige pseudo-mystique.

Et bien que son dénouement — un brin capillotracté  — puisse arracher un sourire, on reste indulgent devant l’audace d’un concept aussi baroque que singulier (une charge en filigrane contre les antidépresseurs aux effets pervers et addictifs).

"Panique sous sédatif".

Porté par l’interprétation touchante de Jennifer Rubin (déjà entrevue dans Freddy 3 : Les Griffes du Cauchemar), qui soutient le film sur ses épaules lascives avec un désarroi névrotique palpable, Panics s’impose comme un petit train fantôme perturbant, dirigé par un Richard Lynch au charisme vénéneux, subtilement manipulateur. À revoir absolument, malgré ses invraisemblances (comme cette hallucinante douche de sang ou l’épilogue révélateur), largement compensées par une dérision bien sentie (le flic obstiné, merveilleusement grotesque), et un savoir-faire technique souvent payant.

*Bruno
4èx