The Fall

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Tarsem Singh. 2006. U.S.A/Angleterre/Inde. 1h57. Avec Lee Pace, Catinca Untaru, Justine Waddell, Kim Uylenbroek, Aiden Lithgow, Sean Gilder, Ronald France.

Inédit en salles en France mais commercialisé en Dvd et Blu-ray le 10 Juillet 2013

FILMOGRAPHIE: Tarsem Singh, ou simplement Tarsem, est un réalisateur, producteur et scénariste indien, né le 26 mai 1961 à Jalandhar (Pendjab). 2000 : The Cell. 2006 : The Fall (également scénariste et producteur). 2011 : Les Immortels. 2012 : Blanche-Neige. 2015 : Renaissances.  

Un spectacle halluciné aussi déroutant que fascinant à travers sa matière baroque davantage émotive.

Inédit en salles chez nous, et on peut le comprendre tant l'oeuvre à la fois personnelle et déroutante s'écarte à tous prix des convenances si bien qu'il s'adresse à un public préparé, The Fall est ce que l'on prénomme un authentique film culte doublé d'un chef-d'oeuvre maudit d'une beauté formelle à damner un saint. Et Dieu sait s'il m'a fallut un petit temps d'adaptation (qui plus est après avoir attendu 15 ans pour le revoir) pour me familiariser auprès de ses personnages et de son intrigue hermétiques oscillant rêve et réalité lorsqu'un cascadeur hospitalisé narre à une fillette blessée un périple aventureux truffé d'actions et de péripéties aux 4 coins du monde. Dans la mesure où 5 héros de nationalité distincte devront redoubler de bravoure et de vaillance afin de retrouver le gouverneur Odious pour le tuer. Tourné sur une période de 4 ans dans plus de 28 pays (!!!!), Tarsem Singh (The Cell) redouble d'ambition couillue à traiter son histoire à travers une scénographie écolo bigarrée que nos héros arpentent au sein de décors historiques démesurés. Autant dire qu'esthétiquement, The Fall nous en fout plein la vue auprès du dépaysement de ses vastes contrées étrangères imprégnées de symboles, de mysticisme, de féérie, d'actions et de romance insidieuse. Sans compter la tenue vestimentaire de nos protagonistes fictifs ne ressemblant à rien de connu ! Par ailleurs, il pourrait sans doute heurter un jeune public de moins de 12 ans, tant pour la violence de certaines scènes incroyablement oniriques que de la cruauté morale du héros manipulant à sa guise la fillette afin d'y parfaire son suicide. 

Roy Walker affabulant en direct un récit chevaleresque que se disputent bons et méchants auprès d'une Alexandria littéralement ensorcelée par son récit fertile en rebondissements épiques. D'ailleurs, sur un point expressif oh combien candide, la jeune Catinca Untaru transperce l'écran de par sa douceur de miel orale rehaussée d'un regard azur inscrit dans l'émerveillement. C'est simple, plus naturelle que ce bout'chou tu meurs et fera fondre tous les spectateurs ébahis par sa performance spontanée dénue de complexe ! Sans compter que cette actrice infantile parvient même à nous arracher quelques larmes lors d'un monologue final infiniment bouleversant se permettant de rendre humblement hommage au prémices du cinéma d'action à travers des extraits vertigineux de classiques en noir et blanc. Rien que pour cette ultime séquence déclarant sa flamme à la chimère du 7è art (et à ce goût essentiel du rêve que le réal milite de la 1ère à la dernière minute), The Fall est à ne rater sous aucun prétexte. Et si le récit de prime abord classique ne passionne pas vraiment au départ (d'où ce petit temps d'adaptation susnommé - comptez 30 bonnes minutes sur 2h de métrage -), sa progression dramatique subtilement instillée à travers les apartés du cascadeur et de la fillette nous saisit à la gorge si bien que l'on ne voit rien arriver. Or, c'est à ce moment crucial d'errance et de solitude existentielle, entre doute et pessimisme, que The Fall délivre tout son potentiel qualitatif à travers une histoire dramatique beaucoup plus substantielle qu'elle n'y parait. De par la fine étude psychologique de ces héros à la fois fébriles et fragiles que Tarsem Singh radiographie dans la stricte intimité d'une chambre d'hôpital. Ces deux personnages réapprenant à vivre et à aimer à travers les composants de la fable et du conte de fée que tous deux s'imaginent finalement mutuellement auprès de leur cohésion amiteuse. 

Hymne à l'écologie à travers le voyage, à la simplicité de l'existence, aux contes de notre enfance et à la chimère du 7è art en dépit des cruautés inéquitables que nous traversons durant notre évolution personnelle, The Fall resplendit de 1000 feux pour déclarer sa flamme à l'amour paternel, à l'amitié et à la renaissance avec une tendresse d'esprit résolument bouleversante. 

*Bruno

2èx

 

Infos subsidiaires: 

Quelques lieux de tournage:

Hôpital Valkenberg au Cap, Afrique du Sud

Dead Vlei dans le Désert du Namib en Namibie

Yantra Mandir à Jaipur

Lake Palace Hotel à Udaipur, Inde

Pont Charles à Prague, République tchèque

Butterfly reef, Fidji

Sumatra

Îles Andaman en Inde

Lac Pangong au Ladakh, Inde

Buland Darwaza ou Sublime Porte à Fatehpur Sikri, Uttar Pradesh, Inde

Magnetic Hill au Ladakh, Inde

Moonscape près de Lamayuru au Ladakh, Inde

Bali

Bâoli Chand à Abhaneri dans l'état du Rajasthan en Inde

Jodhpur, au Rajasthan en Inde

Taj Mahal, Inde

Place du Capitole, Colisée, Rome, Italie

Villa d'Hadrien, à Tivoli en Italie

Sainte-Sophie, Istanbul, Turquie

Je crois en la magie, je suis née et j'ai grandi à un moment magique, dans une ville magique, parmi des magiciens. La plupart des gens ne se rendaient pas compte de la magie qui nous entoure. Nous sommes reliés par les filaments argentés du hasard et des situations. Mais moi je le savais. C'est mon opinion... Au début nous connaissions tous la magie. Nous sommes nés avec des tornades, des feux de forêts, et des comètes en nous. Tout en sachant chanter aux oiseaux, voir dans les nuages, et voir notre futur dans des grains de sable. Mais ensuite, l'éducation retire la magie de nos âmes. Les fessées, les bains et les coups de brosse font ça. On nous met sur le droit chemin et on nous dit d'être responsable, d'être mature. Et vous savez pourquoi on nous dit ça ? Parc'que ceux qui nous le disent ont peur de la folie de la jeunesse. Et parce que la magie qu'on connaissait, les rendait tristes et honteux d'avoir laissé ça disparaître en eux. Après s'en être éloigné, on ne peut pas vraiment y revenir... juste quelques secondes, quelques secondes pour en prendre conscience et s'en souvenir. Quand les gens sont tristes au cinéma, c'est parce que dans la salle sombre, on touche du doigt la magie... brièvement. Puis ils ressortent à la lumière de la raison et de la logique et la magie s'évanouit. Et ils ressortent un peu tristes, sans même savoir pourquoi. Quand une chanson nous rappelle quelque chose, quand la poussière miroitant dans un rayon de lumière détourne votre attention du monde autour. La nuit quand vous écoutez au loin, un train sur les rails, en vous demandant où il va... Vous dépassez votre personne et votre monde. Pendant un instant bref, vous entrez dans un royaume magique. C'est ce en quoi je crois.

Promising young Woman

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Emerald Fennell. 2020. U.S.A. 1h54. Avec Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Chris Lowell, Clancy Brown, Jennifer Coolidge

Sortie salles France: 5 Mai 2021. U.S: 25 Décembre 2020 (Int - 17 ans)

FILMOGRAPHIE: Emerald Fennell, née le 1er octobre 1985 à Hammersmith, est une actrice et réalisatrice britannique. 2021: Promising Young Woman. 

En abordant avec une rare intelligence et une subtilité de ruptures de ton le sous-genre du "Rape and Revenge", la réalisatrice britannique Emerald Fennell fait voler en éclat les codes sous l'impulsion de la divine Carey Mulligan plutôt abonnée aux rôles chétifs à travers sa douce candeur et son apparence filiforme (remember l'inoubliable Drive en voisine de palier sentimentale). Ainsi donc, 1h54 durant, en compagnie de ce personnage placide, la réalisatrice nous ballade à travers la structure géométrique d'un cheminement narratif constamment surprenant. Notamment dans sa manière de nous livrer au compte goutte des infos sur les rapports familiaux, les motivations et le passé de Cassie en étroite relation avec Nina. Cette dernière ayant succombé à la mort à la suite d'un viol en réunion lorsqu'elle était lycéenne. Mais 7 ans plus tard, sa meilleure amie Cassie est bien déterminée à prendre sa revanche sur les témoins de la scène et complicités annexes en élaborant une vengeance retorse fondée sur la feinte, la dérision et le simulacre. Et c'est bien là l'attrait jouissif de cette vendetta féministe confectionnée par une célibataire endurcie pour autant prête à faire preuve d'indulgence, de remise en question, voir de pardon face à la fréquentation de ses rapports masculins. Notamment lorsqu'elle y rencontre le jeune médecin Ryan Cooper, connaissance amiteuse de lycée d'autrefois. 

Ainsi donc, en conjuguant de manière lestement décalée la comédie de légèreté, la romance, le thriller et la violence (aucunement explicite ni complaisante en mode raréfaction) à travers le thème du viol perpétré par une gente machiste, Emerald Fennell bouscule les règles en faisant preuve d'audace quant au final autrement dramatique, pour ne pas dire traumatique auprès du public le plus sensible. Si bien qu'il est difficile de sortir indemne des conséquences tragiques de cette vendetta murement réfléchie que la réalisatrice réfute avec lucidité à promouvoir. Pour autant, avec pas mal d'ironie, de malice et toujours cette forme acidulée d'insolente créativité, Promising young Woman détonne jusqu'au générique de fin avec un sentiment de tristesse mêlé de satisfaction, aussi bouleversante soit sa terrible conclusion. Pour ce faire, et avant cette tournure sarcastique finalement fructueuse, Emerald Fennell aura pris soin de nous ébranler à travers une séquence choc quasi anthologique dans sa manière raffinée de filmer l'abject avec un réalisme aussi éprouvant qu'insoutenable quant au sort indécis de la victime sur le fil du rasoir. Si bien que la réalisatrice s'est probablement remémorée la fameuse tagline d'Hitchcock ! "Tuer quelqu'un est très dur, très douloureux et très... très long". Spoil ! Et quand on aime cette personne avec autant d'empathie, la voir succomber peu à peu sous nos yeux avec cette lueur d'espoir au fond de nos yeux demeure proprement incommode Fin du Spoil.  

La revanche d'une Blonde. 

Abordant le "rape and Revenge" avec une intelligence à la fois ambitieuse et sémillante (notamment auprès de sa mise en image pastel), Promising young Woman lui offre ses lettres de noblesse au sein d'un genre bigarré (photo rose bonbon à l'appui) ne cessant de voguer d'un sentiment à l'autre avec une ironie aigre douce. Et Carey Mulligan de nous transpercer le coeur à travers sa fonction d'ange rebelle terriblement accablée à tenir compte du machisme primaire d'une gente masculine impassible. Une veuve noire en devenir en somme tissant sa toile au moment même d'y rencontrer un prince charmant. Portrait acide à marquer d'une pierre blanche. 

*Bruno

Exterminator 2

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Mark Buntzman. 1984. U.S.A. 1h29. Avec Robert Ginty, Mario Van Peebles, Deborah Geffner, Frankie Faison, Scott Randolf.

Sortie salles France: 20 Novembre 1985

Filmographie: Mark Buntzman est un réalisateur et producteur américain né en 1949, en Californie.
L'Exterminator 2 est son unique réalisation.

Après l'énorme succès du Droit de tuer de James Glickenhaus (un des meilleurs et des plus violents vigilante-movie des années 80), son producteur Mark Buntzman envisage 4 ans plus tard d'y tourner une suite avec le même acteur Robert Ginty (aussi naïf, inexpressif, attachant et sympathique soit-il). Mais en 1982, sortait sur les écrans Mad-max 2, et au vu du succès foudroyant de la poule aux oeufs d'or de Miller,  Mark Buntzman n'hésite pas à mixer le justicier dans la ville avec l'armada futuriste du guerrier de la route. Et le réal de nous pondre un B Movie de défouloir en mode bande dessinée génialement fauchée. 

La délinquance bat son plein dans les rues de New-York ! Braquages en série chez des commerçants sexagénaires, rackets, meurtres sordides sur fonds de drogue et de gang mafieux. Or ! l'Exterminateur est LA !Toujours affublé d'un casque à souder et armé d'un lance-flamme, il est aujourd'hui encore plus déterminé à nettoyer la racaille des bas-fonds new-yorkais. Leur leader renfrogné n'étant autre que l'inénarrable Mario Van Peebles arborant ici une coupe hirsute et entouré de lurons belliqueux de 12 ans d'âge mental (pas plus j'vous dit). Si bien que l'acteur en fait des tonnes (comme de coutume) à travers sa posture de guerrier d'apocalypse, son accoutrement vestimentaire fétichiste, sa peinture de guerre marquée d'un grand X au milieu du torse ainsi que son regard de demeuré déterminé à éradiquer tous les citadins de la terre. Bref, il en est persuadé, c'est définitivement LUI le futur alors que nous spectateurs, observions ses exactions avec une mine jouasse fréquemment hilare.  

Ainsi, les vicissitudes de nos réacs héroïques sont accentuées de la bonhomie des comédiens et des clichés tous azimuts que le réalisateur exploite sans complexe aucun à travers son lot de séquences d'actions ultra violentes pour autant lunaires et d'étreinte mielleuse. A l'instar de la frétille romance amorcée entre l'exterminateur et sa danseuse de pub tout droit sortie de Flashdance (finalement les séquences les plus distrayantes auprès de sa naïve candeur ultra cabotine). Une aimable potiche constamment fringante à travers son sourire forcé, sa joie de vivre (tellement trop) expansive. Quand bien même un nouveau black accort lui servira de faire-valoir à travers leur cheminement criminel d'alpaguer toute la bande de X dans une démarche autojusticière en bonne et due forme. Mais la palme du risible revient indubitablement à ces méchants gugusses ultra caricaturaux dans leurs postures à la fois torves et gouailleuses afin de bien souligner que ce sont eux les crapules les plus primitives de ce nouveau siècle en roue libre. Ainsi, l'exterminateur et son comparse continueront d'arpenter les rues nocturnes à l'aide d'une benne à ordure customisée afin d'y pourchasser ses punks de pacotille assoiffés de haine regressive. 

Divertissement débridé transpirant l'ambiance décomplexée des années 80, Exterminator 2 se décline en série B cartoonesque à l'instar d'une bande-dessinée futuriste saturée d'un score entêtant semi-parodique à travers ses sonorités plaisamment primesautières. Dommage que son ultra violence  démonstrative soit parfois désamorcée d'une absence de réalisme (on est très très loin du poisseux Droit de tuer) au point de virer à la pantalonnade pour autant ludique. On suit donc d'un oeil bougrement amusé cette BD punk réactionnaire sous l'impulsion (enjouée !) de l'attachante présence de Robert Ginty 

qu'on a toujours plaisir à revoir en justicier psychotique à la psychologie somme toute sommaire. Et c'est ce qui fait aussi le charme (bisseux) de cet anti-héros putassier au charisme à la fois poupon, amiteux, impassible en exterminator redresseur de tort dénué de moralité. 

*Bruno

19.03.25. Vo.

08.02.23. 

15.03.21.
03.05.12. 713 v

The Cell

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Tarsem Singh. 2000. U.S.A/Allemagne. 1h49. Avec Jennifer Lopez, Vince Vaughn, Vincent D'Onofrio, Jake Weber, Dylan Baker, Marianne Jean-Baptiste, Patrick Bauchau. 

Sortie salles France: 18 Octobre 2000 (Int - 12 ans). U.S: 18 Août 2000 (Int - 17 ans)

FILMOGRAPHIE: Tarsem Singh, ou simplement Tarsem, est un réalisateur, producteur et scénariste indien, né le 26 mai 1961 à Jalandhar (Pendjab). 2000 : The Cell. 2006 : The Fall (également scénariste et producteur). 2011 : Les Immortels. 2012 : Blanche-Neige. 2015 : Renaissances. 

Un bad trip expérimental plus convaincant et fascinant qu'il y a 21 ans, charme rétro aidant de nos jours. 

Thriller oublié des années 2000 portant la marque de l'ambitieux cinéaste indien Tarsem Singh (The Fall), The Cell fait office d'ovni singulier pour le genre criminel issue de l'écurie hollywoodienne. Si bien qu'à la revoyure 21 ans après sa sortie il est surprenant de constater à quel point cette première oeuvre fascine irrémédiablement de par l'amoncellement de séquences baroques surgies d'un esprit torturé atteint de schizophrénie. Le pitch, fort original, relatant l'expérimentation d'une technologie révolutionnaire qu'une psychologue mettra en pratique afin d'entrer dans l'esprit d'un serial-killer. Sa mission étant de soutirer des infos au tueur afin de dénicher la planque de sa dernière victime confinée dans un caisson d'eau pour un temps restreint. Ainsi, en pénétrant à l'intérieur de son cerveau, Catherine se retrouve embarquée dans un univers hermétique offrant libre court à des situations cauchemardesques plus vraies que nature et dénuées de repères au point d'y confondre rêve et réalité (et au point d'y rester prisonnière comme on le présage). Sorte de grosse série B dégingandée n'hésitant pas à irriguer son récit de séquences gores étonnamment glauques et crapoteuses au coeur d'une intrigue (hélas) prévisible mais assez captivante, The Cell nous fait participer à un bad trip mal élevé à travers ses fulgurances formelles relevant d'un art pictural démonial. 

Ainsi, croisement vitriolé entre Seven et Les Griffes de la Nuit, The Cell nous emporte dans un vortex d'émotions déroutantes à travers la rigueur de sa facture visuelle fréquemment ensorcelante (couleurs extrêmement criardes à l'appui). Mais là où le bas blesse émane de l'interprétation effacée de notre héroïne principale que la chanteuse Jennifer Lopez endosse avec une expressivité timorée en psychologue à la rescousse jouant notamment en seconde partie la "Mère Theresa" à tenter de sauver l'âme du serial-killer. C'est d'ailleurs une judicieuse idée pour y relancer l'odyssée que d'insister sur la part d'enfant (d'innocence donc) enfouie en chaque psychopathe souvent sujet à un trauma infantile de par leur maltraitance parentale d'autrefois. Le récit nous familiarisant auprès de la fragilité morale du serial-killer lorsque Catherine tentera toujours plus de comprendre ses tenants et aboutissants criminels en creusant dans le passé de son enfance galvaudée. Quand bien même pour ne pas omettre l'intérêt de son suspense sous-jacent, le récit alternera avec la tentative de survie de l'ultime victime enfermée dans un caisson et tentant désespérément de s'y débattre à travers une montée latente des eaux. Outre le jeu quelque peu superficiel de l'actrice (bien qu'attachante à travers son physique rassurant et ses épreuves héroïques plutôt fructueuses), on peut aussi déplorer quelques dialogues ridicules à travers des seconds-rôles policiers loin d'être habiles dans leur comportement téléphoné. 

Personne ne saura jamais si les enfants sont des monstres ou les monstres des enfants.

Henry James.

Hormis ces défauts, anicroches et maladresses précitées (n'oublions pas qu'il s'agit d'une première oeuvre d'autant plus couillue à travers son réalisme oscillant sans complexe le sordide et l'insolite), The cell demeure un spectacle expérimental assez réjouissant pour tous amateurs de bizarrerie macabre adepte d'une horreur licencieuse surgie d'un esprit malade. A revoir donc car quoiqu'on en dise, certaines séquences rigoureusement transcendantes laissent des traces dans l'encéphale à travers nos sentiments antinomiques aussi malaisants qu'empathiques quant au sort purificateur du serial-killer.

*Bruno

3èx

Penguin Bloom

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Glendyn Ivin. 2020. U.S.A. 1h35. Avec Naomi Watts, Andrew Lincoln, Griffin Murray-Johnston, Felix Cameron, Abe Clifford-Barr, Jacki Weaver 

Diffusé sur Netflix le 27 Janvier 2021

FILMOGRAPHIE: Glendyn Ivin est un acteur et réalisateur américain. 2009: Last Ride. 2012: Beaconsfield (téléfilm). 2020: Penguin Bloom.

Produit par Netflix, Penguin Bloom est un superbe conte existentiel sur la reconstruction morale par le truchement d'une pie qui chante. Inspiré d'une histoire vraie plutôt singulière, comme le démontre en mode documenté son bouleversant générique de fin de par l'authenticité des photos monochromes, Penguin Bloom relate avec pudeur l'épreuve de force d'une mère de famille devenue paraplégique à la suite d'un accident en villégiature. Ainsi, à travers sa permanence d'un climat de douceur naturaliste au sein de paysages idylliques, Penguin Bloom nous familiarise au creux de ce cocon familial parmi l'ingénuité d'une pie incidemment apprivoisée par les enfants. Et ce en dépit d'épisodes irascibles que traverse fatalement Sam Bloom dans sa fortuite condition infirme réapprenant peu à peu goût à la vie grâce à sa cohésion amicale et familiale, puis au soutien du passereau (incroyablement dompté par nos techniciens pour tenir lieu de sa présence à la fois badine et amiteuse). 

Jamais complaisant à travers sa fragile émotion que subit communément le couple Bloom et ses 3 enfants dont l'un se culpabilise lourdement, le mélo soigneusement conté est soutenu des prestances des comédiens d'une force tranquille et docile de par l'équilibre harmonieux émanant de leur maturité commune. Tant auprès des parents s'efforçant toutefois de renouer leurs liens conjugaux d'autrefois que des enfants dégourdis assez inquiets de l'état démuni de leur maman en proie à une résilience de fer. Naomi Watts endossant la victime infortunée avec un humanisme subtilement contracté à travers ses rides de la cinquantaine. Dans celui de l'époux lestement prévenant, on se surprend de retrouver ici le héros notoire de Walking Dead, Andrew Lincoln, si bien qu'il parvient étonnamment à faire omettre son illustre rôle de leader névrosé à travers sa carrure posée de mari conciliant. 

Généreux d'émotions et de poésie, tant auprès du langage de sa nature à la fois immaculée et voluptueuse que des rapports gratifiants entre l'homme et l'animal, Penguin Bloom s'érige en leçon de vie salvatrice à travers son optimisme existentiel. Un fort joli récit d'amour et d'apprentissage au dépassement moral à prioriser en famille.  

*Bruno

La Planète des Singes

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Planet of The Apes" de Tim Burton. 2001. U.S.A. 1h59. Avec Mark Wahlberg, Tim Roth, Helena Bonham Carter, Michael Clarke Duncan, Paul Giamatti, Estella Warren.

Sortie salles France: 22 Août 2001. U.S: 27 Juillet 2001

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine et les Enfants particuliers. 2019 : Dumbo.

Succès commercial oblige, de par la notoriété du maître du Fantastique Tim Burton délibéré à dépoussiérer le roman de Pierre Boule sous la moulinette du Blockbuster "Hollywood chewing-gum", la Planète des Singes, version 2001, accoucha d'une souris. Car si d'un aspect purement esthétique le métrage demeure aussi fascinant qu'envoûtant (tant auprès de sa flamboyante photo, de ses décors naturels et architectures domestique, ses accessoires, costumes, objets et maquillages artisanaux irréprochables - merci Rick Barker -), il en est autrement du point de vue narratif. La faute incombant à un récit aussi plat que sans surprise (la traque puis l'échappée de nos héros avant de bifurquer vers sa seconde partie à un affrontement épique entre esclaves et primates, point final.), si bien que l'on a l'impression de suivre une grosse série B de luxe pour autant efficacement contée. Ainsi, grâce à une certaine maîtrise au niveau de la réal de par le savoir-faire de Burton (s'efforçant prioritairement d'y parfaire sa fulgurance visuelle), La Planète des Singes s'avère un gros joujou filmique loin d'être déplaisant mais terriblement frustrant.

Car auprès d'un univers irréel aussi convaincant qu'angoissant et de quelques persos loin de laisser indifférents (si on élude la présence subsidiaire d'une bimbo à forte poitrine faisant tristement acte de faire-valoir), il y avait matière à cristalliser un métrage autrement mature, dense, intense et intelligent. Agrémentée parfois de situations couillues, voires sulfureuses si je me fie aux rapports équivoques (pour ne pas dire zoophiles !) entre l'astronaute Léo Davidson et la primate Ari, ou encore à son épilogue étonnamment nihiliste présageant une séquelle (qui n'aboutira jamais faute d'échec critique), on se console de leur caractérisation anticonformiste. Et ce sans compter le rôle d'un méchant hyper charismatique qu'endosse brillamment derrière son maquillage simiesque Tim Roth en leader aussi insidieux que despotique n'hésitant pas à sacrifier ses pairs pour parvenir à ses fins.  

Gorilles dans la brume. 

Spectacle de samedi soir efficacement ludique car loin d'être désagréable en dépit d'une absence flagrante de profondeur narrative, La Planète des Singes demeure donc aussi fascinant que décevant pour toutes ses raisons évoquées plus haut. 

*Bruno

3èx

Box Office France: 3 970 000 entrées

Greenland

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ric Roman Waugh. 2020. U.S.A. 1h59. Avec Gerard Butler, Morena Baccarin Scott Glenn, King Bach, David Denman, Hope Davis.

Sortie salles France: 5 Août 2020 

FILMOGRAPHIE: Ric Roman Waugh est un réalisateur et scénariste américain, né le 20 Février 1968 à Los Angeles, Californie, USA. 2020: Greenland. 2019 La chute du président. 2017 L'exécuteur. 2015 That Which I Love Destroys Me (Documentary). 2013/ IInfiltré. 2008 Félon. 2001 L'ultime cascade. 1996 Exit (Video) (as Alan Smithee). 

Formidable divertissement conjuguant avec une efficacité métronome drame conjugal, suspense, romance et catastrophe, Greenland rend dignement hommage au Blockbuster hollywoodien sous l'impulsion d'un cast d'une solide carrure humaine. Tant et si bien que l'on s'attache promptement aux personnages précaires emportés dans un vortex de situations alertes d'une tension perpétuelle. A l'instar de sa première demi-heure distillant d'entrée de jeu un sentiment d'affolement permanent au coeur d'une foule en marasme eu égard de l'avertissement des médias présageant une apocalypse à échelle planétaire. Pour ce faire, et pour sauver l'humanité d'une fin du monde escomptée, le gouvernement aura décidé de choisir au hasard des familles lambdas qui auront pour mission de rejoindre par avion un bunker tenu secret.  Ainsi, à travers son contexte anxiogène résolument palpable, de par l'adresse de sa réalisation au plus près de l'expressivité appréhensive des protagonistes, Roc Roman Waugh prend soin de dramatiser son intrigue pessimiste à travers le sentiment d'urgence d'y survivre qu'un couple et leur enfant tentent de relever après avoir été séparés lors d'un concours de circonstances infortunées. 

La première heure, d'une fertile intensité dramatique, nous collant au siège à savoir si John Garrity parviendra à retrouver en vie son épouse et son fils sévèrement malmenés par des péripéties à la fois convaincantes et insidieuses afin renforcer l'attrait réaliste de son ambiance cauchemardesque. Greenland adoptant une démarche bougrement anxiogène en insistant constamment sur l'aspect informatif des médias et de la radio révélant en direct que les fragments sont sur le point de frapper la terre à divers endroits. D'ailleurs, par le truchement de ses situations alertes parfois jalonnés d'incidents mortels, Greenland nous rappelle l'esprit d'individualisme que peut générer les êtres les plus couards lors d'une situation de survie que certains ne parviennent à canaliser dans leur terreur interne. On reste donc rivé à son siège durant toute l'intrigue, si bien que Roc Roman Waugh parvient notamment à mi-parcours à relancer l'intrigue dans une direction plus homérique Spoil ! lorsque nos héros parviennent enfin à se retrouver pour faire face à une menace beaucoup plus rapide et pessimiste Fin du Spoil. 

Divertissement aussi solide qu'intelligent à travers la maîtrise de son sujet dénué de surenchère si bien qu'il fait la part belle à la valeur humaine de ses personnages tentent notamment de se réconcilier par le courage et l'esprit de cohésion (les rapports de John avec son épouse ainsi qu'avec son beau-père), Greenland suscite une intensité dramatique à la fois mélancolique, éprouvante et désespérée eu égard de son climat d'apocalypse davantage tangible au fil de péripéties malaisantes que l'homme peu scrupuleux sème dans son amour-propre. 

*Bruno

I care a lot. Golden Globes: Meilleure Actrice, Rosamund Pike

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de J Blakeson. 2020. Angleterre. 1h58. Avec Rosamund Pike, Peter Dinklage, Eiza González, Dianne Wiest, Chris Messina, Isiah Whitlock Jr.

Diffusion Netflix: 19 Février 2021

FILMOGRAPHIE: J Blakeson, né à Harrogate, dans le Yorkshire, est un réalisateur et scénariste britannique. 2009 : La Disparition d'Alice Creed. 2016 : La 5ème Vague. 2020 : I Care a Lot. 

Que voici une énième prod Netflix qualitative sous couvert de thriller acide, satire jubilatoire sur la cupidité de prédateurs sans vergogne. I care a lot illustrant avec beaucoup de sarcasme les stratagèmes 

d'une tutrice et d'un mafieux se disputant l'enjeu de diamants qu'une mère sclérosée s'est vue dérobée à la suite de son internement dans une maison de retraite. Il faut dire que la tutrice Marla Grayson possède le don inné d'y dépouiller ses victimes parmi la complicité de Fran, sa compagne doctoresse, voir même parfois avec l'appui d'un juge délivrant les ordonnances. Des personnes âgées contraintes de finir le restant de leur jour dans des hospices surveillés jour et nuit par des vigiles faussement accorts. Mais alors qu'elle pense avoir amassé le pactole auprès de son ultime victime, pour autant sévèrement entêtée à lui tenir tête; Marla devra affronter des mafieux russes pour pouvoir rester en vie et préserver son magot. 

Saturé d'une photo rutilante à damner un saint et d'un score électro génialement entêtant, I care a lot est un plaisir de cinéma ludique redoutablement méchant et vicié à travers sa galerie de personnages vénaux s'affrontant mutuellement lors d'un jubilatoire jeu de pouvoir et d'autorité. J. Blakeson illustrant leur rivalité avec une redoutable efficacité technique, formelle et narrative, et ce en dépit de quelques clichés pour autant exploités avec savoir-faire dans la montée d'une tension alarmiste. Mais au-delà de ses rebondissements assez percutants et de son final à tiroirs génialement sardonique, fortuit et vitriolé, I care a lot est illuminé du jeu clinquant des comédiens s'en donnant à coeur joie dans les postures outrecuidantes à se provoquer entre une guerre de sexes. Tant auprès de l'acteur nain Peter Dinklage en mafieux impassible à la mine renfrognée, de Eiza González en amante saphique à la fidélité indéfectible, de l'éminente Rosamund Pike en arnaqueuse forcenée que personne ne parvient à désamorcer (Golden Globe de la meilleure actrice svp !) ou encore de l'illustre Dianne Wiest (l'actrice fétiche de Woody Allen entre autre) en septuagénaire résignée à retrouver sa liberté en tentant d'intimider sa prédatrice, de  par son regard félin et son charisme subtilement expressif. 

Mené sans temps mort 2h00 durant à travers son suspense intrépide agrémenté d'actions épiques et de dramaturgie concise, I care a lot demeure un divertissement parfaitement huilé sous couvert de satire subversive égratignant l'élitisme d'une réussite financière reptilienne. 

*Bruno  

Apport du format 4K: 10/10

Récompense: Golden Globes 2021 : Meilleure actrice dans un film musical ou une comédie pour Rosamund Pike

Electra glide in blue

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de James William Guercio. 1973. U.S.A. 1h53. Avec Robert Blake, Billy Green Bush, Mitchell Ryan, Jeannine Riley, Elisha Cook Jr.

Sortie salles France: 4 octobre 1973. U.S: 13 Août 1973

FILMOGRAPHIE: James William Guercio est un réalisateur américain. Electra Glide in blue est son unique réalisation. 

Culte dans sa matière étymologique, une oeuvre choc d'un glaçant pessimisme existentiel. 

Portrait terrifiant d'une police répressive plongée dans la névrose faute de leur absence de discernement et de tolérance, alors que d'autres, plus fragiles, accusent un soupçon de démence à se complaire dans l'orgueil et la corruption, Electra glide in Blue est une oeuvre choc dont il est difficile d'en sortir indemne. Sorte de farce ultra vitriolée de la contre-culture des années 70, ce road movie imbibé de désespoir existentiel nous relate l'équipée risible d'un duo de motards tentant de résoudre la mort d'un vieillard (alors que le prologue nous eut illustré son suicide). Tant et si bien que persuadé d'avoir à faire à une affaire criminelle, John Wintergreen tente de résoudre sa houleuse enquête parmi l'appui de son leader, le shérif Harve Poole à l'ego surdimensionné. Un tantinet difficile d'accès au 1er visionnage, de par son climat insidieux et nonchalant illustrant les postures risibles de flicards zélés aussi décervelés qu'irresponsables, Electra glide in blue gagne en dimension dramatique au fil d'un cheminement dépressif où chacun tente maladroitement de faire ses preuves en supputant des théories ubuesques ou en jouant les redresseurs de tort intolérants. 

Ainsi, à travers le profil de ses représentants de l'ordre abusant de leur insigne autoritaire, Electra glide in blue instille un malaise davantage tangible de par sa violence toujours plus râpeuse. Conséquences désastreuses de comportements inconséquents quant à leur jeu du gendarme et du voleur bâti sur la suspicion, l'auto-justice, la révolte et la vendetta. C'est donc une sorte chaos sociétal que nous dépeint James William Guercio à travers ses contrées désertiques de Monument Valley que des hippies, fermiers, tenanciers et motards arpentent dans une solitude davantage pesante. Tant et si bien que l'on reste à la fois attristé et estomaqué par l'évolution morale de John Wintergreen aussi abruti par sa mégalomanie qu'assagi par la tournure funèbre de son enquête. Notamment lorsqu'il tentera finalement d'accorder un soupçon d'indulgence à des nomades marginaux. 

Plus les choses changent et plus elles restent les mêmes

Eprouvant cri d'alarme contre l'ignorance de la contre-culture des Seventies, principalement du point de vue réactionnaire du corps policier, Electra glide in blue laisse un gout terriblement aigre dans la bouche. Si bien qu'aujourd'hui aucune leçon (de déontologie) n'eut pu être tirée à travers le comportement aussi répressif des violences policières plongé dans l'impasse de l'incommunicabilité avec autrui, faute de leur absence de bon sens et de clairvoyance. 

10/10

*Bruno 

La Dernière vie de Simon. Prix du Public, Festival de Brides-les-Bains 2019

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Léo Karmann. 2019. France/Belgique. 1h43. Avec Benjamin Voisin, Martin Karmann, Camille Claris, Nicolas Wanczycki, Julie-Anne Roth. 

Sortie salles France: 5 Février 2020

FILMOGRAPHIE: Léro karman est un réalisateur français. 2019: La Denière vie de Simon. 

Merveille de fantastique romantique d'une sensibilité à fleur de peau, de par la maîtrise du réalisateur à narrer son histoire au plus près des tourments des personnages et du jeu dépouillé des comédiens méconnus auquel on s'identifie promptement, La Dernière vie de Simon est un miracle d'émotions vertigineuses. Tant et si bien que pour une première réalisation (qui plus est ovationné de 3 récompenses !), Léo Karmann cultive une incroyable maîtrise à narrer son récit sous couvert d'argument fantastique redoutablement efficace. Notre héros Simon ayant la faculté de changer d'apparence en touchant une personne. Or lors de l'accident mortel de son meilleur ami Thomas, il décide d'usurper son identité afin de ne pas faire souffrir les parents. Mais jusqu'à quand pourra t'il préserver ce secret éhonté ? Spoil ! Si bien que la soeur défunte de Thomas commence à suspecter son identité. Fin du Spoil. 

Dans la ligné du cinéma de Spielberg pour sa féérie retrouvée auprès d'attachants ados d'une profonde humanité (dès le 1er quart d'heure nous sommes en terrain connu) et pour l'art de narrer son récit impeccablement charpenté, La Dernière vie de Simon nous emporte dans un vortex d'émotions où les larmes coulent sans pouvoir les retenir. Les personnages, amicaux et familiaux, étant les moteurs d'un douloureux récit à travers ses thématiques du deuil et de l'apparence que Léo Karmann aborde avec une surprenante affectation pour le genre "Fantastique". Celui humble, épuré, noble, dénué de fioriture pour appâter vainement la galerie, si bien que le don de Simon est uniquement utilisé en fonction de ses choix moraux à couvrir son secret pour un enjeu d'amour parental (lui qui était orphelin avant de rencontrer Thomas) et sentimental (sa relation interdite avec Madeleine, soeur de Thomas auquel il s'est confondu depuis sa mort). Sorte de poème mélancolique sur le sens du sacrifice à travers une romance chétive compromise par le simulacre et le mensonge, La dernière vie de Simon traite de rédemption et de pureté du coeur lorsque l'apparence n'a plus lieu d'être. Le couple fragile formé à l'écran dégageant une profonde intensité émotionnelle à l'écran au fil de leur évolution morale en perdition. 

Sublime conte romanesque touché par la grâce de ses interprètes méconnus infiniment attachants, La Dernière vie de Simon aborde le genre Fantastique avec souci de perfection. Car lorsqu'un auteur croit éperdument en ce qu'il filme, les attentes du spectateur demeurent payantes de par sa constante appétence à contempler la progression du récit avec une fascinante expectative. 

10/10

*Bruno

Récompenses: 

Festival d'automne de Gardanne 2019 : Prix du public

Mon premier festival 2019 : Prix du public

Festival de Brides-les-Bains 2019 : Prix du public

Hannibal

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ridley Scott. 2001. U.S.A. 2h11. Avec Anthony Hopkins, Julianne Moore, Gary Oldman, Ray Liotta, Frankie R. Faison, Giancarlo Giannini, Francesca Neri. 

Sortie salles France: 28 Février 2001

FILMOGRAPHIE: Ridley Scott est un réalisateur et producteur britannique né le 30 Novembre 1937 à South Shields. 1977: Duellistes. 1979: Alien. 1982: Blade Runner. 1985: Legend. 1987: Traquée. 1989: Black Rain. 1991: Thelma et Louise. 1992: 1492: Christophe Colomb. 1995: Lame de fond. 1997: A Armes Egales. 2000: Gladiator. 2001: Hannibal. 2002: La Chute du faucon noir. 2003: Les Associés. 2005: Kingdom of heaven. 2006: Une Grande Année. 2007: American Gangster. 2008: Mensonges d'Etat. 2010: Robin des Bois. 2012: Prometheus. 2013: Cartel. 2014: Exodus: Gods and Kings. 2015: Seul sur Mars. 2017: Alien: Covenant. 2017: Tout l'argent du monde. 2021: The Last Duel. 

10 ans après le chef-d'oeuvre de Jonathan Demme, c'est à Ridley Scott qu'incombe la gageure d'offrir une séquelle au Silence des Agneaux au prémices des années 2000. Et à la vue du résultat "maladif", on se demande ce qui a bien pu passer par la tête du cinéaste tant Hannibal fleure bon l'horreur émétique avec un goût raffiné pour le baroque transalpin. A l'instar de sa première partie confinée dans la ville de Florence au cours duquel l'inspecteur  Rinaldo Pazzi tentera d'appréhender Lecter en guise de rançon de 3 millions de dollars. Superbement photographié et éclairé à travers les vastes bâtiments domestiques, bibliothèques, jardins de pierre et places touristiques, Ridley Scott ne perd rien de son sens visuel à travers ses détails architecturaux où les sculptures ornementales se fondent dans le cadre de l'action avec une fascination trouble. Tant et si bien que cette filature de longue haleine que Rinaldo s'efforce de parfaire nous distille une irrépressible tension latente à travers le vice infaillible de Lecter piégeant ses futures victimes dans l'art de l'exécution picturale. Et à ce niveau à la fois graphique et raffiné, Ridley Scott se sent terriblement inspirer à confectionner des séquences horrifiques anthologiques en réfutant le hors-champs de par ses zooms complaisants d'un réalisme vomitif. On peut donc prétendre que les meurtres d'une barbarie stylisée provoquent autant le dégoût viscéral qu'un sentiment anxiogène, notamment de par l'appréhension que nous ressentions face aux agissements tranquilles de Lecter d'un flegme impassible à étudier ses prochains stratèges criminels. 

Anthony Hopkins demeurant à nouveau littéralement magnétique (pour ne pas dire ensorcelant) dans le corps sclérosé du serial-killer cannibale aussi féru d'affection pour l'agent Clarence Starling que Julianne Moore endosse en lieu et place de l'inoubliable Jodie Foster. Hélas, la grande actrice que représente Moore n'arrive jamais à la cheville de son aînée en agent stoïque délibérée à retrouver la trace de son ennemi juré bien que démise de ses fonctions par ses supérieurs à la suite d'une bavure policière (c'est ce que le prologue pétaradant nous détailla lors d'un règlement de compte sanglant entre flics et dealers de came). Pour autant, Julianne Moore parvient toutefois avec une certaine assurance (à défaut de charisme saillant et d'expression intense) à tailler une certaine force de caractère à son personnage féminin, entre pugnacité et vaillance. Si bien que l'on suit sans réserve ces faits et gestes avisés à retrouver la trace de Lecter lors d'un final grand-guignolesque faisant office d'anthologie dégueulbif, ad nauseum. Là encore, on s'étonne du parti-pris sarcastique de Ridley Scott à fignoler son poème baroque en farce macabre d'un mauvais goût assumé ! Cette seconde partie autrement vertigineuse demeure aussi haletante, magnétique, malsaine et dérangeante lorsque le chef Paul Krendler (endossé par un Ray Liotta  gouailleur et présomptueux) tente de duper Clarice Starling afin d'empocher une rançon sous la mainmise du milliardaire paraplégique Mason Verger. Celui-ci autrefois victime de Lecter s'étant juré d'accomplir sa vengeance en kidnappant son tortionnaire lui ayant bouffé la moitié du visage quelques années plus tôt. 

Séquelle marginale d'un chef-d'oeuvre du thriller imputrescible, Hannibal demeure également à mes yeux un grand film maladif d'une élégance horrifique aux p'tits oignons. Tant auprès de l'esthétisme de sa réalisation studieuse, de ses séquences chocs d'une barbarie couillue, de son humour noir vitriolé, que du talent de ses acteurs s'affrontant mutuellement pour l'enjeu d'un cannibale érudit passé maître dans l'art du subterfuge criminel. Et entre manigance d'autorité et jeu du chat et de la souris, Anthony Hopkins demeure une fois encore proprement électrisant (et quelque peu fantaisiste) à travers sa lucidité criminelle dénuée de complexe et de morale, puis à travers son discernement amoureux d'y respecter sa partenaire au point d'y intenter un sacrifice en guise de reconnaissance.  

*Bruno

3èx

Box Office France: 2 579 878 entrées

Récompenses:

Bogey Awards 2001 : Prix Bogey en argent

Goldene Leinwand (Golden Screen) 2001

GoldSpirit Awards 2001 : GoldSpirit Awards de la meilleure bande-son d'horreur pour Hans Zimmer

Italian National Syndicate of Film Journalists : Silver Ribbon du meilleur acteur dans un second rôle pour Giancarlo Giannini

Jupiter Awards 2001 : Jupiter Award du meilleur réalisateur international pour Ridley Scott

Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films - Saturn Awards 2002 :

Saturn Award des meilleurs maquillages pour Greg Cannom et Wesley Wofford

ASCAP / American Society of Composers, Authors, and Publishers 2002 : ASCAP Award des meilleurs films au box-office pour Hans Zimmer

Fangoria Chainsaw Awards 2002 :

Chainsaw Award du meilleur acteur pour Anthony Hopkins

Chainsaw Award du meilleur score pour Hans Zimmer

La Femme Flic

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site ekladata.com

de Yves Boisset. 1980. France. 1h41. Avec  Miou-Miou, Jean-Marc Thibault, Roland Blanche, Jean-Pierre Kalfon, Leny Escudero, Alex Lacast, Philippe Caubère 

Sortie salles France: 9 Janvier 1980

FILMOGRAPHIE: Yves Boisset est un réalisateur français, né le 14 Mars 1939 à Paris. 1968: Coplan sauve sa peau. 1970: Cran d'arrêt. 1970: Un Condé. 1971: Le Saut de l'ange. 1972: l'Attentat. 1973: R.A.S. 1975: Folle à tuer. 1975: Dupont Lajoie. 1977: Un Taxi Mauve. 1977: Le Juge Fayard dit Le Shériff. 1978: La Clé sur la porte. 1980: Le Femme flic. 1981: Allons z'enfants. 1982: Espion, lève-toi. 1983: Le Prix du Danger. 1984: Canicule. 1986: Bleu comme l'Enfer. 1988: La Travestie. 1989: Radio Corbeau. 1991: La Tribu.

Une oeuvre choc sur l'omerta pédo-criminelle impossible à endiguer lorsqu'on y cible l'oligarchie.  

Cinéaste engagé à qui l'on doit une pléthore de métrages percutants (R.A.S, Folle à Tuer, Dupon Lajoie, Le juge Fayard dit le Shériff, Allons z'enfants, le Prix du Danger, Canicule; rien que ça !), Yves Boisset ne perd rien de sa radicalité tranchée avec le drame policier La Femme Flic. Le récit traitant sans ambages de la pédopornographie avec un réalisme à la fois glauque et dérangeant, notamment eu égard de certaines séquences démonstratives quasi insoutenables (la découverte macabre d'une fillette à proximité du terril, l'enfant décharné confiné dans le placard, les revues et photos de pornographie infantile que Miou Miou et son adjoint feuillètent sous notre témoignage). Tiré d'un fait-divers au cours duquel une fonctionnaire de police se donna la mort après avoir remonter la filière d'un important réseau pédophile, La Femme Flic adopte un parti-pris documenté pour nous immerger dans son enquête houleuse à travers la scénographie grisonnante du Nord de la France (ces cités minières entourées de corons à l'orée des années 80). Il s'agit donc ici de nous retracer méticuleusement l'investigation d'une jeune recrue raillée par sa hiérarchie machiste, quand bien même les citadins de la région observent d'un oeil médisant l'insigne policier souvent réduit à l'impuissance d'y résoudre leur enquête criminelle. 

Dénonçant ouvertement la corruption et la lâcheté de la police et de ces juges lorsqu'il s'agit de lever le voile sur un réseau pédophile constitué de notables intouchables, La Femme Flic dégage un aigre sentiment d'injustice tant et si bien que l'histoire, éculée, se répète inlassablement à daigner mettre sous les verrous une élite embourgeoisée capable d'y soudoyer le système judiciaire et juridique afin d'inhumer leur scandale pédophile imparti à la prostitution juvénile. Ainsi, de par son scrupuleux réalisme sociétal particulièrement acrimonieux et la faculté maîtrisée de Boisset à nous familiariser auprès de personnages profondément humains, la Femme Flic est scandé de la prestance timorée de Miou-Miou inscrite dans la réserve, la fragilité et la pudeur en petit bout de femme taiseuse s'efforçant de se faire une place au sein de sa hiérarchie phallocrate. Pour autant délibérée à appréhender les criminels les plus notoires derrière le vernis précaire d'une cité minière appauvrie par le chômage, Miou Miou délivre un portrait de femme obtuse et prévenante au fil de son initiation à la constance de par sa soif de vérité. Outre des seconds-rôles communément irréprochables dans leur force tranquille et naturelle, on reste admiratif du jeu inhospitalier de Jean-Marc Thibault en commissaire castrateur forcé de duper sa partenaire afin de se plier à l'omerta et au chantage d'une élite politique.  

Film coup de poing osant aborder dans un style docu-vérité la thématique si brulante de la pédophilie à l'orée des années 80, La Femme Flic demeure un implacable réquisitoire contre les manoeuvres policières, juridictionnelles et politiques étroitement liés à la connivence afin de préserver leur propre intérêt. Pleine de fragilité humaine à travers le témoignage de cette femme-flic en voie de rébellion, on reste d'autant plus captivé par le jeu réservé de Miou-Miou s'efforçant de parfaire son enquête avec une dignité maternelle. 

*Bruno

Box Office France: 1 807 761 entrées 

Meteor

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Ronald Neame. 1979. U.S.A. 1h47. Avec Sean Connery,  Natalie Wood, Karl Malden, Brian Keith, Martin Landau, Richard Dysart, Trevor Howard, Henry Fonda.

Sortie salles France: 9 Janvier 1980. U.S: 19 Octobre 1979

FILMOGRAPHIE: Ronald Neame est un réalisateur, producteur et scénariste britannique, né le 23 avril 1911 à Londres (Angleterre) et mort le 16 juin 20101 à Los Angeles (Californie). 1947 : Je cherche le criminel. 1950 : La Salamandre d'or. 1952 : Trois dames et un as. 1954 : L'Homme au million. 1956 : L'Homme qui n'a jamais existé. 1956 : De la bouche du cheval. 1957 : Alerte en Extrême-Orient. 1957 : La Passe dangereuse. 1960 : Les Fanfares de la gloire. 1962 : Les Fuyards du Zahrain. 1963 : L'Ombre du passé. 1963 : Mystère sur la falaise. 1965 : Mister Moses. 1966 : Un hold-up extraordinaire. 1966 : D pour danger. 1968 : Prudence et La Pilule. 1969 : Les Belles Années de miss Brodie. 1970 : Scrooge. 1972 : L'Aventure du Poséidon. 1974 : Le Dossier ODESSA. 1979 : Meteor. 1980 : Jeux d'espions. 1981 : First Monday in October. 1986 : Le Sorcier de ces dames. 1990 : The Magic Balloon. 

On ne va pas se mentir, Meteor a beau avoir été réalisé par Ronald Neame à qui l'on doit le grand classique L'Aventure du Poséidon, il ne lui arrive jamais à la cheville de par la maîtrise de son suspense  ici plus timoré (en dépit d'une première partie assez passionnante quant à la mise en place "documentée" des concertations puis de l'accord unifié entre l'URSS et les Etats-Unis pour dévier de sa trajectoire la menace stellaire) et de 2/3 séquences spectaculaires hélas souvent désamorcées d'absence de réalisme d'FX cheap. Pour autant, avec indulgence, une pointe de nostalgie, et grâce à la sobriété de sa prestigieuse distribution (Sean Connery,  Natalie Wood, Karl Malden, Brian Keith, Martin Landau, Richard Dysart, Trevor Howard, Henry Fonda font preuve d'un charisme irréprochable), Meteor se laisse revoir sans déplaisir (surtout la 1ère heure plutôt captivante, j'insiste) sous l'impulsion de son pitch singulier toutefois issu d'un fait-divers. Si bien qu'en 1968, à l'institut technologique du Massachusetts, un plan de protection contre un météore géant en trajectoire de collision avec la terre fut mis en chantier. Ce plan porta le nom de projet ICARE nous précisera le générique final. Franchement dommage donc qu'à travers un sujet aussi opaque que fascinant, sa progression du suspense demeure finalement de faible intensité faute d'une dimension dramatique infructueuse au gré de péripéties davantage alertes et spectaculaires que l'on contemple d'un oeil aussi indulgent que gentiment fureteur.  

*Bruno

01.03.23. 3èx