Il était une fois en Amérique / Once Upon a Time in America

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sergio Leone. 1984. U.S.A/Italie. 4h11 (version Extended Director's Cut de 2012). Avec Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, James Woods, Joe Pesci, Burt Young, Tuesday Weld, Treat Williams, Danny Aiello, William Forsythe, James Hayden, James Russo.  

Sortie salles France: 23 Mai 1984 (Int - 13 ans)

FILMOGRAPHIE: Sergio Leone est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 3 Janvier 1929 à Rome, décédé le 30 Avril 1989. 1959: Les Derniers Jours de Pompéi, 1960: Sodome et Gomorrhe, 1961: Le Colosse de Rhodes, 1964: Pour une poignée de Dollars, 1965: Et pour quelques Dollars de plus, 1966: Le Bon, la Brute et le Truand, 1968: Il Etait une fois dans l'Ouest, 1971: Il était une fois la Révolution, 1973: Mon Nom est Personne (co-réalisé avec Tonino Valerii), 1975: Un Génie, deux Associés, une Cloche (co-réalisé avec Damiano Damiani), 1984: Il Etait une fois en Amérique, 1989: Les 900 jours de Leningrad (inachevé).

Les fantômes du passé et du présent.

Mastodonte de la fresque historique décortiquée en long et en large par les critiques internationales, Il était une fois en Amérique repose énormément sur la puissance de son histoire écorchée vive, l'incroyable brio de sa mise en scène léonienne (les 40 premières minutes contemplatives libèrent une émotion vertigineuse où la féerie y côtoie une cruelle amertume dans ses reflets nostalgiques) et la présence iconique de ses acteurs communément inoubliables dans leur posture nécrosée du Mal et de l'infortune. Sergio Leone traitant sans fard (et donc avec parfois même une certaine crudité) des thèmes de la violence, du sexe, de l'amour, de l'amitié, des souvenirs et de la vieillesse sous l'impulsion d'une mélancolie terriblement cafardeuse eu égard de la mine déconfite du spectateur quittant le générique de fin la gorge nouée, les yeux embués de larmes face à un De Niro (faussement) béat. Le récit retraçant l'odyssée meurtrière sur plusieurs décennies d'un quatuor de Gangsters, principalement du point de vue de leur leader Noodles, féru d'amour depuis son adolescence de l'ambitieuse Deborah désireuse de devenir actrice à Hollywood, mais aussi attaché à l'amitié de son mentor, Max. Ainsi donc, sous le regard plein de nostalgie, de honte et de remords du monstre sacré Robert De Niro, Sergio Leone nous impulse un déluge d'émotions aussi brutales que cruelles eu égard de sa prise de conscience de son anti-héros d'avoir brisé sa vie ainsi que celle des autres faute de sa condition corruptrice et de son ego. 

Son profil véreux à la fois vicié et paumé mais retors et débrouillard (notamment auprès de la contrebande d'alcool et de son ingénieux système de sel de mer) extériorisant chez lui des actes de pillage, duperie, viol et lâches assassinats parmi le témoignage de son meilleur ami Max (incarné par James Woods dans une humeur borderline) et surtout de celle qu'il adule, la douceur fragile de Deborah  Spoil ! qu'il n'hésitera pas à violer en guise d'égoïsme punitif Fin du Spoil. Il s'agit donc autant d'un grand mélo à la dramaturgie infiniment escarpée qu'une histoire d'amitié impossible que se livrent Loodness, Max et Deborah, mutuellement compromis par les conséquences de la félonie et d'une influence criminelle inévitablement préjudiciable auprès de leurs âmes galvaudées. Magnifié du score élégiaque d'Ennio Morricone, Il était une fois en Amérique émaille par intermittence son récit lyique de séquences d'anthologie confinant au chef-d'oeuvre sensoriel. A l'instar de la 1ère apparition de Deborah lors de son adolescence puis de sa danse de ballet improvisée face à Noodles en ado médusé par sa suave beauté. Ou encore d'un des garçonnets de la bande savourant goulûment derrière une porte de palier une charlotte russe après avoir fréquemment hésité l'ingérer au grand dam d'une relation sexuelle promise (la séquence musicalement intense en devient même bouleversante). Une pléthore d'autres séquences mémorables sont évidemment à l'avenant durant ces 4h11 de romance criminelle (on peut toutefois déplorer certaines scènes inédites dispensables selon moi) sous l'impulsion d'une mélancolie viscérale donnant le tournis au spectateur, car observant avec autant d'amertume que d'empathie (un tantinet gênée) le déclin de cette famille de fortune littéralement brisée, absorbée par les stigmates de leurs souvenirs qu'ils subissent, tels des fantômes sans âme comme le rappelle le temps présent de leur commun isolement existentiel. 

4 de l'apocalypse

Conte humaniste (audacieusement) bâti sur l'équipée sauvage d'un quatuor de gangsters victimes de leur souillure morale, Il était une fois en Amérique épouse le cheminement désespéré d'une tragédie existentielle où l'amour, la confiance et l'amitié demeurent réfractaires à toute forme de rédemption. Et ce de la manière la plus cruelle qui soit quant aux retrouvailles séculaires en berne. Il y émane un grand moment de cinéma d'une acuité émotionnelle rarement égalée parmi ses regards meurtris, striés et tourmentés, laminés par les rouages du temps et cette vieillesse acrimonieuse irréfragable. Ames sensibles et dépressifs, armez-vous d'attention et de courage (notamment pour son exceptionnelle durée) car le voyage initiatique (celle de la sagesse d'une remise en question) est à marquer d'une pierre blanche sinistrosée. 

*Bruno Matéï

Et le ciel s'assombrit / Skyggen i mit øje (L'ombre dans mes yeux)

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ole Bornedal. 2021. Danemark. 1h41. Avec Bertram Bisgaard, Ester Birch, Ella Nilsson, Fanny Bornedal, Alex Høgh Andersen, Danica Curcic

Sortie salles Danemark: 28 Octobre 2021. Diffusé sur Netflix le 9 Mars 2022

FILMOGRAPHIE: Ole Bornedal est un réalisateur danois né le 26 mai 1959. 1994 : Le Veilleur de nuit (Nattevagten). 1997 : Le Veilleur de nuit (Nightwatch). 2003 : Dina (I Am Dina). 2007 : The Substitute (Vikaren). 2009 : Deliver us from the evil (Fri os fra det onde). 2010 : Just Another Love Story. 2012 : Possédée (The Possession). 20173 : Small Town Killers (Dræberne fra Nibe). 2022 : Et le ciel s'assombrit. 

Oeuvre coup de poing relatant l'histoire vraie d'une école catholique bombardée par inadvertance par la Royal air force à la fin de la seconde guerre mondiale, ce qui causa la perte de 86 enfants et 16 adultes sacrifiés au nom d'une bavure guerrière, Et le ciel s'assombrit est une production danoise d'une intensité dramatique en crescendo. Le réalisateur nous attachant dans un premier temps à nous décrire la relation sentimentalement improbable entre une jeune carmélite doutant de sa foi et un jeune milicien peu à peu envoûté par l'audace de cette dernière lui renvoyant un miroir déformant de par ses états d'âme gagnés de honte et de remords à perpétrer une violence aussi aveugle qu'animale. Tous deux étant hantés par leurs démons à travers leurs pensées subjectives compromises par la dichotomie du Bien et du Mal. Quand bien même on nous présente également en parallèle l'unité amicale d'un trio d'enfants, 2 fillettes et un ado traumatisé par la mort (là encore accidentelle) de jeunes mariées bombardées dans un taxi. Et ce au point de souffrir d'aphasie. 

Ainsi, après nous avoir attaché à ses personnages superbement campés par des acteurs d'une sobre expressivité, la trajectoire narrative opte pour le fameux bombardement de l'école catholique qui causa la perte de tant d'innocents. La dernière partie s'intéressant enfin au sort des survivants lors d'une tentative houleuse de sauvetage parmi l'aide des pompiers, de bénévoles (dont l'enfant ne sachant plus s'exprimer) et du fameux milicien très inquiet pour le sort de son amie. Magnifiquement mis en scène auprès d'un montage fluide et narré avec un sens du rythme sans faille, Et le ciel s'assombrit nous laisse en état de choc émotionnel sitôt le générique défilé. Et ce tant auprès de son vérisme (parfois baroque, surtout la 1ère partie où plane l'ombre spirituelle) criant de vérité historique que de la présence de ses personnages susnommés, communément torturés par les valeurs du Bien et du Mal en plein contexte belliqueux. L'intérêt de l'intrigue terriblement dure et dramatique résidant dans la quête de rédemption que ces protagonistes se partagent mutuellement lors de cette période trouble de l'histoire à observer dans l'impuissance des exactions morbides dénuées d'éthique. D'où leur grande souffrance morale à accepter ou à renier le soutien de Dieu dans leur quête initiatique d'y cueillir une main secourable. 

Bouleversant requiem contre la guerre à travers une erreur humaine aux conséquences infiniment tragiques, Et le ciel s'assombrit évacue intelligemment tous pathos ou complaisance pour mettre en exergue un cauchemar baroque d'une intensité émotionnelle dignement traduite sans fards. Son casting, très solide (le jeune Bertram Bisgaard est absolument époustouflant de naturel dans ses expressions désarmées, son impuissance morale de ne pouvoir s'exprimer face une autorité adulte castratrice) parvenant à nous immerger dans leur descente aux enfers au gré d'une déchirante solidarité fraternelle ou sentimentale. Assurément l'un des meilleurs films de 2022 où le degré d'immersion est à son apogée (notamment grâce à des effets numériques plus vrais que nature). 

*Bruno Matéï

Récompenses: 

Robert prisen 2022:

Meilleurs maquillages pour Elisabeth Bukkehave

Meilleurs effets visuels pour Mikael Windelin, Nikolas d'Andrade et Seb Caudron

Meilleur film

Meilleur scénario original pour Ole Bornedal

Meilleurs décors pour Sabine Hviid

The Slayer. Uncut version (10' en sus)

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Lupanarsvisions

de Joseph S. Cardone. 1982. U.S.A. 1h30. Avec Sarah Kendall, Frederick Flynn, Carol Kottenbrook, Alan McRae, Michael Holmes, Paul Gandolfo, Newell Alexander, Ivy Jones 

Sortie salles U.S: 1er Octobre 1982

FILMOGRAPHIE: Joseph S. Cardone est un réalisateur, producteur et écrivain américain, né le 19 octobre 1946 à Pasadena, Californie. 2006: Zombies . 2005: 8MM 2: Perversions fatales (Video). 2004: Mummy an' the Armadillo. 2001 True Blue. 2001 Les vampires du désert. 1998 Outside Ozona. 1995 Black Day Blue Night. 1993 Shadowhunter. 1991 Extrême poursuite.  1990: Shadowzone. 1985 Thunder Alley. 1982 The Slayer. 

Inédit en France si je ne m'abuse, probablement faute de son inexistante renommée, The Slayer est une sympathique curiosité aussi étique soit son contenu il faut avouer. La faute incombant surtout à un scénario linéaire aussi capillotracté qu'incohérent quant aux rêves prémonitoires que l'héroïne subit durant son cheminement moral au point d'y confondre réalité et fiction. L'intrigue misant surtout sur la gestion fructueuse d'une atmosphère à la fois inquiétante, malsaine et envoûtante que le spectateur participe aimablement avec une certaine fascination assez soutenue. Et ce en dépit d'une conclusion à nouveau improbable quant à l'identité nébuleuse du meurtrier apparenté à un monstre (???) et d'un nouveau songe à double interprétation selon la théorie personnelle du spectateur. 

Ainsi, hormis un rythme laborieux laissant peu de place à l'action, The Slayer mérite tout de même le coup d'oeil auprès des amateurs d'ambiance horrifique palpable, d'autant plus que les décors insulaires demeurent ici superbement photographiés. Avec, en intermittence, quelques meurtres gores plutôt réussis, voirs même impressionnants (notamment une décapitation originale), sans compter la morphologie épeurante de la superbe créature si je me réfère uniquement à son faciès décharné. Mais une séquence m'a surtout interpellée par son aspect à la fois dérangeant, trouble et flippant, lorsque l'amant de l'héroïne Spoil !!! se met soudainement à verser des larmes de sang au moment de l'embrasser, alors que ses lèvres ensanglantées lui suscitera finalement un effet de surprise peu ragoutant Fin du Spoil.

Probablement ennuyeux auprès d'une frange de spectateurs peu sensibles aux atmosphères tangibles d'une ambiance horrifique savamment entretenue, The Slayer ne contentera que l'amateur éclairé à la fois curieux et attentionné aux moindres qualités d'une série B indépendante aussi modeste que soignée. Tout du moins auprès de sa facture formelle et de ses trucages artisanaux étonnamment réalistes même si assez concis. Quand bien même son casting méconnu fait ce qu'il peut pour nous attacher modestement à leur sort précaire. 

*Bruno Matéï

Le Crime était presque parfait / Dial M for Murder

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

d'Alfred Hithcock. 1954. U.S.A. 1h45. Avec Ray Milland, Grace Kelly, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson. 

Sortie salles France: 2 Février 1955. U.S: 29 Mai 1954

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980. 1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

(Enième) Grand classique du maître du suspense adapté d'une pièce de théâtre de Frederick Knott, Le crime était presque parfait est un jubilatoire jeu de dupe entre l'époux commanditaire du meurtre, l'amant revanchard et l'inspecteur chargé de l'enquête. Ainsi, en élaborant un crime potentiellement parfait avec moult détails infaillibles entre le commanditaire et son meurtrier en herbe victime de chantage, le Crime était presque parfait vaut quasi essentiellement pour ses affrontements psychologiques entre victimes, complices et force de l'ordre. Tant et si bien qu'à la suite d'un crime raté, l'époux responsable tentera in fine d'y faire accuser son épouse infidèle aux yeux de la police à l'affût du maigre indice. 

Car passé les préparatifs et l'anthologie criminelle savamment oppressante à travers sa mécanique de suspense huilé qu'Hitchcock maîtrise avec brio délétère, l'intérêt narratif émane ensuite de l'opposition morale entre l'époux, l'amant et l'inspecteur s'efforçant de reconstituer l'agression criminelle puis d'y  rassembler d'éventuelles preuves face à une Grace Kelly aussi désemparée que désorientée. Ray Milland usant d'influence autoritaire en époux cupide déloyal manipulant à sa guise machiste son épouse sévèrement traumatisée par une tentative de strangulation. Le génie jubilatoire de l'énigme en suspens découlant d'une simple clef (de porte d'entrée) que chacun exploitera à sa manière personnelle, entre ruse, sincérité ou maladresse. Ainsi donc, entièrement bâti sur l'unité de lieu et de temps d'une journée quelque peu harassante éclairée d'une photo flamboyante, le Crime était presque parfait n'accuse aucune forme théâtrale pour nous séduire et nous captiver auprès de son intrigue houleuse que n'aurait renié un certain Columbo (auquel la série empruntera à plusieurs reprises certaines influences dans quelques épisodes) passé maître dans l'art d'y reconstituer le puzzle meurtrier. 

Thriller à suspense de grande classe à travers son cast distingué et son intrigue ciselée tributaire d'un détail factuel (la fameuse double clef que se partagent et se disputent les protagonistes), le Crime était presque parfait vaut également pour son climat sensiblement horrifique quant à l'appréhension du meurtre perpétré ensuite avec lâcheté imparable. Et ce avant que la victime ne riposte miraculeusement à son agresseur à travers un corps à corps anthologique aussi réaliste que violent et tendu (ah cette paire de ciseaux pénétrant une seconde fois dans le dos du tueur trébuchant sur l'objet par inadvertance !). Un régal inaltérable à chaque révision. 

*Bruno Matéï.

4èx

I... comme Icare

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Henry Verneuil. 1979. France. 2h08. Avec Yves Montand, Michel Albertini, Roland Amstutz, Jean-Pierre Bagot, Georges Beller, Maurice Bénichou, Edmond Bernard, Françoise Bette, Roland Blanche. 

Sortie salle France: 19 Décembre 1979    

FILMOGRAPHIE: Henry Verneuil (de son vrai nom Achod Malakian) est un réalisateur et scénariste  français d'origine arménienne, né le 15 Octobre 1920 à Rodosto, décédé le 11 Janvier 2002 à Bagnolet. 1951: La Table aux crevés. 1952: Le Fruit Défendu. 1952: Brelan d'As. 1953: Le Boulanger de Valorgue. 1953: Carnaval. 1953: l'Ennemi public numéro 1. 1954: Le Mouton a 5 pattes. 1955: Les Amants du Tage. 1955: Des Gens sans importance. 1956: Paris, palace Hôtel. 1957: Une Manche et la belle. 1958: Maxime. 1959: Le Grand Chef. 1959: La Vache et le Prisonnier. 1960: l'Affaire d'une Nuit. 1961: Le Président. 1961: Les Lions sont lâchés. 1962: Un Singe en Hiver. 1963: Mélodie en sous-sol. 1963: 100 000 Dollars au Soleil. 1964: Week-end à Zuydcoote. 1966: La 25è Heure. 1967: La Bataille de San Sebastian. 1969: Le Clan des Siciliens. 1971: Le Casse. 1972: Le Serpent. 1975: Peur sur la ville. 1976: Le Corps de mon ennemi. 1979: I comme Icare. 1982: Mille Milliards de Dollars. 1984: Les Morfalous. 1991: Mayrig. 1992: 588, rue du Paradis.

Largement inspiré de l'assassinat de Kennedy et sa théorie du complot démultiplié, Henry Verneuil réalise avec I... comme Icare un solide thriller politique rehaussé de la présence affirmée d'Yves Montand en procureur au sens d'observation avisé à démanteler un complot de grande ampleur suite à l'assassinat du président Marc Jary. L'intérêt "ludique" de l'intrigue résidant dans l'investigation scrupuleuse de ce procureur rassemblant moult détails incohérents avec l'appui de ses acolytes afin de prouver que l'assassin (retrouvé suicidé) n'était finalement qu'un leurre, une mise en scène afin d'éclipser les vrais responsables d'un complot international (services secrets, mafia sont mis en cause). Par cette sombre machination savamment charpentée mais truffée de maladresses, Henry Verneuil souhaite notamment dénoncer en filigrane la facilité à laquelle certains complices acceptent de se soumettre à une haute autorité pour se charger d'une mission (ici) criminelle. 

Si bien que lors d'une longue séquence aussi curieuse que passionnante, celui-ci s'inspire de "l'expérience de Milgram" afin d'y radiographier les réactions morales du moniteur s'efforçant de torturer un sujet à divers degrés pour le compte d'une autorité supérieure. Quant au final que l'on redoute tragique à un moment clef (la lumière d'un ascenseur entrevue en face d'une tour d'immeuble), Verneuil fait monter très habilement la tension lorsque le procureur est sur le point de déjouer le complot avec en guise d'ultime rébus, le nom de code: I comme Icare. Ennio Morricone se chargeant d'amplifier l'émotion du suspense oppressant auprès d'une superbe mélodie hybride aux tonalités subtilement ombrageuses. Quand bien même la présence auditive de l'épouse du procureur planquée derrière son combiné du téléphone nous suscite une forme d'appréhension intuitive mêlée d'empathie face au potentiel danger invisible qui s'interpose peu à peu entre eux. Un final marquant d'une belle intensité dramatique à travers sa mise en scène studieuse. 

Rondement mené donc en prime d'être inquiétant, captivant et d'actualité.

Récompense: Grand prix du cinéma français en 1980.

*Bruno Matéï

3èx

Fresh

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Mimi Cave. 2022. U.S.A. 1h55. Avec Daisy Edgar-Jones, Sebastian Stan, Jonica T.Gibbs, Charlotte Le Bon, Dayo Okeniyi, Andrea Bang

Diffusé sur Disney + le 4 Mars 2022

FILMOGRAPHIE: Mimi Cave est une réalisatrice et scénariste américaine. 2022: Fresh. 

Que voici une formidable surprise distribuée par Disney + que l'on attendait au tournant d'oser se prêter au jeu horrifique sous la bannière d'une comédie acide très noire ! Satire caustique sur l'inanité des sites de rencontres dans l'air du temps, dans la majorité des plateformes bancables si j'ose dire, Fresh séduit et inquiète avec une efficacité modestement soutenue. Ainsi, en abordant le tabou singulier du cannibalisme sous couvert de romance culinaire esthétisante (les décors high-tech du repère du prédateur sont fastueux, jusqu'à la geôle d'un design classieux que Noa endure dans sa condition recluse, Fresh conjugue avec audace décomplexée, ironie mordante, horreur peu ragoutante et érotisme badin une confrontation au sommet entre la victime et le praticien abordé sur le net. Notamment si je me réfère à son final infernal, sorte de cartoon férocement méchant et trépidant entre victimes et tueur se combattant mutuellement l'adrénaline au ventre. Un point d'orgue terrifiant remarquablement tendu quant à notre appréhension d'y redouter les rebondissements dramatiques eu égard de son ultra violence en roue libre où tous les coups demeurent permis. 

Par conséquent, à travers son climat stylisé étrangement trouble et séduisant, Fresh parvient à instaurer un vénéneux climat de séduction et d'appréhension quant aux stratégies vicieuses de l'héroïne séquestrée, peu à peu motivée par une vendetta murement réfléchie. Et c'est autant à travers ses personnages d'amants maudits que Fresh tire son épingle du jeu eu égard de la présence naturelle de  Daisy Edgar-Jones (étoile montante, sosie d'Asia Argento !) parfaitement convaincante et brillamment dirigée dans sa fonction de victime servile à nouveau motivée par le désir de séduction en guise d'échappatoire. Et ce en dansant timidement à deux reprises une Fièvre du Samedi soir chorégraphiée dans l'attrait innocent. Jouant de son charme lestement diabolique le séducteur à qui on donnerait le bon Dieu sans confession, Sebastian Stan lui partage spontanément la vedette en cuisto cannibale à la fois serein et affirmé dans sa force d'aplomb dénuée d'inhibition. Un couple insidieux inscrit dans la contradiction donc pour des rapports de force morale que la réalisatrice dépeint efficacement en jouant de leur charme sensuel et de leur répliques sarcastiques à disserter sur les bienfaits de la chair humaine cuisinée aux p'tits oignons. 

Mené sans temps morts avec une volonté stylisée de nous envouter (sobrement) au coeur d'une comédie horrifique douteuse où pointe le bon mauvais goût, Fresh détonne agréablement sous l'impulsion d'un jeu d'acteurs résolument impliqués dans leur fonction marginale en perdition. Il y émane une savoureuse satire romantique pleine de charme, de fantaisie, d'angoisse morale et de violence épeurante que la réalisatrice s'empresse de parachever lors d'une confrontation finale dantesque (dans la mesure où nos nerfs sont mis à rude épreuve). Excellent car modestement traité avec une originalité quelque peu décapante. 

*Bruno Matéï

Le Géant de la Steppe / Илья Муромец. 1958 : Diplôme d'honneur au Festival international du film d'Édimbourg

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Alexandre Ptouchko. 1956. Union Soviétique. 1h32. Avec Andreï Abrikossov, An-Son-Hi, Boris Andreïev, Iya Arepina, Choukour Bourkhanov.

Sortie salles France: 22 Mai 1959. Union Soviétique: 16 Septembre 1956.

FILMOGRAPHIE: Alexandre Loukitch Ptouchko (en russe : Александр Лукич Птушко) est un réalisateur de fictions et de films d'animation russe né le 6 avril 1900 à Lougansk dans l'Empire russe et décédé le 6 mars 1973 à Moscou dans la RSFS de Russie en URSS. Il est surnommé le « Walt Disney russe ».1935 : Le Nouveau Gulliver. 1939 : La Petite Clef en or. 1942 : Secrétaire du Parti. 1942 : Tête brûlée. 1944 : Zoïa. 1946 : La Fleur de pierre. 1948 : Trois Rencontres. 1953 : Le Tour du monde de Sadko. 1956 : Le Géant de la steppe. 1959 : Sampo d'après Sampo. 1961 : Les Voiles écarlates. 1964 : Le Conte du temps perdu. 1966 : Le Conte du tsar Saltan. 1972 : Rouslan et Ludmila. 

Réputé comme le film comportant le plus de figurants de l'histoire du cinéma (106 000 soldats vs 11 000 chevaux) si bien qu'il est répertorié dans The New Guinness Book of Movie Records de Patrick Robertson, publié en 1993, le géant de la Steppe est une fabuleuse curiosité en dépit d'une trame hélas assez peu captivante (une rivalité incessante entre bons et méchants jusqu'à ce que le Bien reprenne ses droits) que l'on suit toutefois avec attention eu égard des moyens déployés et de son éblouissante facture formelle, véritable rêve éveillé. Car il faut bien reconnaître que d'un niveau purement esthétique, le Géant de la Steppe est un chef-d'oeuvre enchanteur d'une beauté onirique incandescente. A l'instar de sa première demi-heure où le réalisateur (surnommé dans son pays le Walt Disney russe !) ne cesse d'y sublimer la nature (tantôt crépusculaire) et ses vastes panoramas parfois entourés d'animaux candides ou autrement étranges (les corbeaux) que les personnages psalmodient avec tendresse, alégresse et chaleur humaine. 

Et si ce pouvoir de fascinant prégnant perd toutefois de sa patine ensorceleuse au fil d'une narration épique chargée de batailles, trahisons, romance et pugilats, on reste toujours curieux d'assister à ce spectacle d'un autre âge, véritable hymne à l'amour de la patrie russe (au mépris de la fortune, de la célébrité et de la violence) que le réalisateur ukrainien ne cesse d'y glorifier à renfort de répliques et préceptes emplies de loyauté, de sens du courage dans leurs valeurs de noblesse humaine. Et si les personnages peu familiers au public occidental ont un peu de mal à nous immerger de plein fouet dans leur conflit politique, les acteurs saisissants de droiture héroïque prennent très au sérieux leur rôle iconique, en ce en dépit de plages d'humour disséminées ici et là afin d'y détendre l'atmosphère. On peut d'ailleurs sourire de certains effets spéciaux artisanaux en carton pate (certains paysages en filigrane, le dragon a 3 têtes articulé sans agilité), alors qu'à d'autres moments on reste impressionnés par des séquences singulières plus crédibles et autrement inquiétantes par leur réalisme tantôt obscur (le rossignol brigand au souffre apocalyptique), tantôt ambitieux (les scènes de foules, les champs de batailles à perte de vue à la figuration disproportionnée - bien que perfectible par certains effets translucides-, la montagne humaine que les antagonistes façonnent afin que leur leader puisse accéder du haut du sommet à une vue panoramique pour observer l'ennemi). 

Bien connue de la génération 80 avec sa Vhs locative chez l'étendard Hollywood Video ainsi que sa diffusion au cinéma de quartier de Jean-Pierre Dionnet, le Géant de la Steppe renait de ses cendres sous l'égide d'Artus Films nous ayant concocté un sublime coffret avec livret dans une copie HD resplendissante. A redécouvrir, et à apprivoiser davantage à chaque révision car le Géant de la Steppe ne manque ni d'attrait, ni d'émotions ni de sens féerique en dépit de ses ellipses et de sa structure narrative à la fois redondante et prévisible.

*Bruno Matéï

2èx

Un Monde. Prix FIPRESCI, Cannes: un certain regard.

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Laura Wandel. 2021. Belgique. 1h12. Avec Maya Vanderbeque, Günter Duret, Karim Leklou,Laura Verlinden, Thao Maerten, Lena Girard Voss 

Sortie salles France: 26 Janvier 2022. Belgique: 20 Octobre 2021

FILMOGRAPHIE: Laura Wandel, née en 1984, est une réalisatrice et scénariste belge. 2021 : Un monde. 

“Dans la vie, il est des rencontres stimulantes qui nous incitent à donner le meilleur de nous-même, il est aussi des rencontres qui nous minent et qui peuvent finir par nous briser.”

Lardé de récompenses (voir en fin de chronique) alors qu'il s'agit d'un premier métrage, Un monde est une oeuvre dure et douloureuse, traitée avec réserve et pudeur, du point de vue des enfants victimes de harcèlement scolaire. La réalisatrice belge Laura Wandel traitant son sujet bateau avec une grande intelligence et humilité dans son refus de se morfondre dans la facilité du misérabilisme. Car filmé à hauteur d'enfants à travers un souci de réalisme documenté que n'aurait renié François Truffaut, Un Monde demeure d'une fragilité à fleur de peau lorsqu'une fillette tente désespérément de prêter main forte à son frère aîné, souffre douleur d'une bande de harceleurs insatiables. L'intérêt de l'intrigue résidant auprès du témoignage toujours plus fragilisé de cette dernière démunie et impuissante à préserver son frère et à tenter d'alerter les adultes (parents / professeurs) moins attentifs à leurs comportements infantiles qu'ils ont parfois tendance à relativiser ou à dédramatiser dans leur responsabilité autoritaire. Dirigeant admirablement les enfants d'un naturel parfois bouleversant, Laura Wandel possède ce don inné d'y capter leurs sentiments (rebelles, amiteux, attristés, colériques, hilarants) en se focalisant sur leurs regards candides tourmentés d'une violence quotidienne au sein de la coure d'école, du patio ou encore du réfectoire. 

Celle-ci accordant une scrupuleuse attention sur les bruitages assourdissants de bambins indisciplinés batifolant lors des pauses déjeuners et des récréations, à l'instar d'un parti-pris expérimental pour mieux nous immerger dans leur quotidienneté intime. Maya Vanderbeque nous suscitant une émotion résolument empathique dans son petit corps de fillette contrariée peu à peu traumatisée par une violence contagieuse eu égard du harcelé devenant à son tour harceleur afin de se venger et d'y purger ses cicatrices morales, aussi immorales soient ses réactions d'une violence primale. Quand bien même Nora davantage recluse dans sa colère contenue se morfond ensuite dans le mutisme et la révolte pour tenir lieu de son sentiment d'injustice difficilement canalisable. Inévitablement cruel donc du point de vue ambivalent de ces enfants surfant avec le bien et le mal d'après l'influence de camarades moins recommandables, Un Monde nous éprouve moralement notre psyché auprès de cette innocence éperdue en quête d'une main secourable difficilement à l'écoute de l'autre. Ou tout du moins pas assez attentionnée pour prémunir, ou plutôt préméditer tous débordements violents du point de vue d'enfants désorientés à distinguer les valeurs dichotomiques du Bien et du Mal.  

Pour l'amour d'un frère.

Emotif et bouleversant dans une forme d'humilité sensorielle, rigoureux, grave et parfois dérangeant lors du basculement d'une violence gratuite épidémique, Un monde se décline en manifeste d'utilité publique. Cri d'alarme contre le harcèlement du point de vue d'une enfance esseulée d'une fragilité morale insoupçonnable. A diffuser urgemment dans toutes les écoles. 

*Bruno Matéï

Récompenses: 

Laura Wandel, Maya Vanderbeque, Günter Duret, Laura Verlinden et l'équipe du film Un monde sur les marches de la salle Debussy à Cannes.

Prix FIPRESCI du Festival de Cannes de la section Un certain regard

Magritte 2022 :

Meilleur premier film

Meilleure réalisation pour Laura Wandel

Meilleure actrice dans un second rôle pour Laura Verlinden

Meilleur espoir féminin pour Maya Vanderbeque

Meilleur espoir masculin pour Günter Duret

Meilleur son pour Mathieu Cox, Corinne Dubien, Thomas Grimm-Landsberg, David Vranken

Meilleur montage pour Nicolas Rumpl

Festival du film de Sarajevo 2021 : section Kinoscope, Special Award for promoting gender equality : Special Jury Mention.

Guanajuato International Film Festival (GIFF) 2021: Meilleur Film International.

Festival international du film de Haïfa 2021 : Golden Anchor du Meilleur Premier Film

Ourense Film Festival (OUFF) 

2021 : Calpurnia du Meilleur Film

Prix CIMA de la Meilleure Réalisatrice

BFI London Film Festival 2021 : Sutherland Award

Pingyao International Film Festival : People's Choice Award - Crouching Tigers - Best Film

Festival cine por mujeres, Madrid : Meilleur film international

Festival international du cinéma francophone en Acadie (FICFA) : Prix la Vague du meilleur long métrage de fiction international

Festival International du Film d'Amiens : Prix du Jury Jeune UPJV

Festival du film Nuits noires de Tallinn (PÖFF) : Grand Prix Just Film

Out of Order... En dérangement / Abwärts

                                        

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Carl Schenkel. 1984. Allemagne. 1h27. Avec Götz George, Wolfgang Kieling, Hannes Jaenicke, Kurt Raab, Jan Groth, Claus Wennemann, Ralph Richter, Renée Soutendjik, Ekmekyemez Fierdevs.

Sortie salles France: 23 Janvier 1985 (13 Février 1985 selon d'autres sources)

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Carl Schenkel est un réalisateur et scénariste allemand, né le 8 Mai 1948 à Berne, Switzerland, décédé le 1er Décembre 2003 à Los Angeles, Californie, USA.
1979: Graf Dracula in Oberbayern. 1981: Kalt wie Eis. 1984: Out of Order. 1992: Face à face. 1995: Terror Clinic. 1998: Tarzan et la cité perdue. 2001: Le crime de l'Orient Express (télé-film).

"Deux gamins de génération opposée se prennent la tête 1h30 durant dans une cage d'ascenseur".

Sorti un an après l'Ascenseur (de Dick Maas), Out of Order en exploite le même décor restreint mais en l'étalant sur une durée d'1h30, et ce sans argument fantastique. Le pitch: Un couple, un comptable et un jeune marginal se retrouvent coincés dans un ascenseur le temps d'une soirée. L'alarme n'étant pas déclenchée et ne voyant pas les secours arriver, deux d'entre eux décident de grimper au dessus de la cage pour accéder au périmètre des câbles. Rapidement, les esprits vont s'échauffer quand bien même leur situation de survie s'avère de plus en plus alarmiste. Ainsi donc, c'est une forme de pari Hitchcockien que s'est lancé le cinéaste allemand Carl Schenkel avec ce huis-clos intense jouant autant sur la claustrophobie de son unique décor que sur l'inimitié psychologique des protagonistes. En particulier celui de deux individus de milieu social opposé, un cadre et un jeune pubard n'ayant de cesse de se provoquer verbalement afin d'imposer leur mainmise. La maîtresse du cadre étant à l'origine de leur discorde puisque facilement attendrie par l'autorité rebelle du jeune délinquant. Ainsi, la jalousie, la rancoeur et leurs sentiments de supériorité vont être les vecteurs des deux adversaires à se combattre moralement et physiquement jusqu'à ce qu'un incident capital ne vienne dramatiser la situation de claustration.

En prime, et pour pimenter l'intrigue, le témoin le plus discret, un comptable sexagénaire, possède une étrange mallette attisant inévitablement la curiosité de ces camarades ! Hormis la facilité à laquelle ils décident (trop) rapidement d'investir le périmètre technique (au lieu d'attendre comme tout un chacun les secours), Carl Schenkel parvient à insuffler un suspense constamment haletant à travers leur confrontation machiste et leur bravoure à escalader les câbles de l'ascenseur pour tenter de rejoindre une issue de secours. L'exploration de ce long couloir de cordages électriques offrant des moments intenses de haut le coeur pour le spectateur apte au vertige ! Et ce sans effets numériques si bien que l'on reste bluffé par le réalisme de ses situations de danger létal.  Qui plus est, la prestation solide des comédiens et leur caractère bien trempé permettent d'y maintenir l'intérêt de par leur esprit de désinvolture mais aussi leur hypocrisie à se rejeter la faute l'un contre l'autre (ils sont incapables de distinguer la bonne foi de l'accusé mis en cause !). Enfin, lors de sa dernière partie, le réalisateur relance à nouveau l'action vers une progression dramatique oppressante lors d'une nouvelle tentative de secours des plus vertigineuses ! Et d'y clore cette captivante séquestration sur une note amorale si bien que la cupidité aura une fois de plus corrompu chacun des protagonistes, et ce de manière plutôt cruelle pour deux d'entre eux.

Intense, étouffant, haletant et magnétique à travers sa fine étude psychologique oscillant crise conjugale, maraude et rivalité machiste, Out of Order demeure un palpitant thriller à suspense jalonné de rebondissements et exploitant à bon escient son unique décor photogénique, dédale de tous les dangers. Pour parachever, sa galerie de personnages impudents, toujours plus confrontés au stress, à la panique et à la paranoïa, prouve à nouveau qu'en situation de péril, l'homme ne peut finalement compter que sur son estime afin de remporter la mise. Mais à quel prix ?

Bruno Matéï
02.03.22. 5èx

16.05.14. 333 v

Viol et Châtiment / Lipstick

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Lamont Johnson. 1976. U.S.A. 1h30. Margaux Hemingway, Chris Sarandon, Mariel Hemingway, Perry King, John Bennett Perry, Francesco Scavullo, Robin Gammel, Anne Bancroft.

Sortie salles France: 12 Janvier 1977 (int - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Lamont Johnson, né le 30 septembre 1922 à Stockton (Californie), aux États-Unis, et mort à Monterey (Californie), le 25 octobre 20101, est un réalisateur, acteur, producteur américain. 1967 : A Covenant with Death. 1968 : Kona Coast. 1968 : Call to Danger (TV). 1968 : European Eye (TV). 1969 : Haute tension dans la ville (TV). 1970 : My Sweet Charlie (TV). 1970 : L'Évasion du capitaine Schlütter. 1971 : Birdbath (TV). 1971 : Dialogue de feu. 1972 : Requiem pour un espion. 1972 : You'll Like My Mother (en). 1972 : Cet été-là (TV). 1973 : The Last American Hero. 1974 : Visit to a Chief's Son. 1974 : Exécuté pour désertion (TV). 1975 : Fear on Trial (TV). 1976 : Viol et Châtiment. 1977 : One on One (en). 1978 : Mais qui a tué mon mari ?. 1980 : Paul's Case (TV). 1980 : Off the Minnesota Strip (TV). 1981 : Crisis at Central High (TV). 1981 : Winchester et Jupons courts. 1981 : Otages à Téhéran (TV). 1982 : Dangerous Company (TV). 1982 : Life of the Party: The Story of Beatrice (TV). 1983 : Le Guerrier de l'espace. 1984 : Ernie Kovacs: Between the Laughter (TV). 1985 : Wallenberg: A Hero's Story (TV). 1986 : Unnatural Causes (TV). 1988 : Lincoln (TV). 1990 : The Kennedys of Massachusetts (feuilleton TV). 1990 : Voices Within: The Lives of Truddi Chase (TV). 1992 : Crash Landing: The Rescue of Flight 232 (TV). 1993 : La Chaîne brisée (TV). 1996 : The Man Next Door (TV). 1997 : Le Loup et le Raven (TV). 

Rape and Revenge produit par Dino De Laurentiis que j'ai eu l'opportunité de découvrir une 1ère fois sur Canal + lors des années 80 (diffusé un Mercredi soir si je ne m'abuse), Viol et Châtiment est une oeuvre méconnue plutôt discréditée par les critiques de l'époque. Tout du moins dans mes vagues souvenirs car il demeure plutôt difficile d'y harponner aujourd'hui une critique objective sur le net, notamment du fait de son invisibilité. Autant dire que tout le monde (ou presque) à omis ce drame psychologique plutôt solidement interprété et efficacement réalisé par un vétéran de la TV, Lamont Johnson, à qui l'on doit par ailleurs le sympathique Le Guerrier de l'Espace (exploité pour le coup au cinéma). Pour en revenir au film qui nous intéresse ici, Viol et Châtiment ne manque ni de charme, ni de force, ni d'émotions pour dépeindre la descente aux enfers morale et physique d'une illustre mannequin de charme après avoir été violée par l'un des professeurs de sa soeur cadette. Chris Sarandon demeurant abjecte en violeur misogyne incapable de canaliser ses pulsions perverses si je me réfère à la tournure dramatique de l'intrigue que l'on ne voit pas arriver. L'acteur suscitant une aversion hargneuse en violeur misogyne alors que face aux jurés il optera un jeu autrement sournois en victime insurgée dénuée de remord et de responsabilité. En ce qui concerne le viol qui ouvre l'intrigue, elle s'avère pénible à regarder du fait de son réalisme et de sa brutalité que le réalisateur exploite sans complaisance. J'ai d'ailleurs été plus impressionné à la revoyure, notamment faute de sa temporalité diffuse et de la préméditation du climat déjà dérangeant fondé sur une musicalité dissonante (les expérimentations du professeur de musique qu'il sollicite à sa victime avant de passer à l'acte). 

Quand à la longue séquence du tribunal, si certains dialogues (et postures) stéréotypés prêtent un peu à sourire, on reste attentif puis inquiet, pour ne pas dire alarmé par le traitement infligé à la victime lorsque l'absence de preuves et de témoins (en dépit de sa soeur cadette survenue APRES le viol) lui portent finalement préjudice pour le jugement rendu. Margaux Hemingway demeurant crédible d'empathie en mannequin quelque peu timorée pour autant affirmée dans sa dignité morale d'y clamer son innocence face au juge, à l'avocat et à son prédateur vautré dans le cynisme et la droiture pour éclipser sa personnalité schizo. Mais faute de propositions ciné clairsemées, Margaux Hemingway, comédienne et mannequin à la ville, accusera un bien triste destin puisqu'elle se suicidera le 1er juillet 1996 à Santa Monica en Californie après une grave dépression ainsi qu'une dépendance à l'alcool du fait de sa carrière déclinante. Alors que sa soeur cadette plus sollicitée à l'écran amorcera une carrière plus fructueuse. Mariel Hemingway affichant ici sobrement une douce fragilité mêlée de sensibilité ténue du haut de ses 15 ans en témoin éprise de confiance, de loyauté et d'amour pour sa soeur aînée. Ce duo familial portant efficacement le film sur leurs épaules de par leur unité solidaire aussi attachante que sincère. Ce qui confère un bien étrange goût de souffre dans la bouche lors de son final à la fois sanglant et tragique où sa violence brutale, percutante nous extériorise un sentiment primitif d'auto-justice à ne pas reproduire (on peut entre autre concevoir cette morale douteuse comme un exutoire à nos bas instincts). 

Témoignage dense et poignant du traitement parfois arbitraire infligé à la parole des victimes de viol traumatisées par leur bourreau, Viol et Châtiment ne nous laisse pas indifférent face à l'amertume de cette dernière contrainte ici d'opérer sa propre justice au grand dam d'une juridiction partiale. Symptomatique de l'époque auquel il fut conçu, Viol et Châtiment bénéficie donc d'une charmante texture formelle auprès de son réalisme estampillé "seventie" sous l'impulsion d'un inquiétant score composé par Michel Polnareff (!?). A découvrir car quoiqu'on en dise, cette oeuvre oubliée ne méritait pas tant d'indifférence et de mépris, surtout venant de la part de la qualité indiscutable de l'interprétation dénuée d'outrance, de pathos ou encore de racolage.

A Margaux...

*Bruno Matéï

2èx

Timebomb. Prix du Public, Avoriaz 1992.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Avi Nesher. 1991. U.S.A. 1h36. Avec Michael Biehn, Patsy Kensit, Tracy Scoggins, Robert Culp, Richard Jordan.

Sortie salles France: 20 Mai 1992

FILMOGRAPHIE: Avi Nesher (en hébreu : אבי נשר), né le 13 décembre 1953 à Ramat Gan (Israël), est un producteur, scénariste, réalisateur et acteur israélien. 1979 : Lahaka, Ha-. 1979 : Dizengoff 99. 1982 : She. 1983 : Pachdanim, Ha-. 1985 : Za'am V'Tehilah. 1985 : Shovrim. 1991 : Timebomb. 1993 : Le Double maléfique (Doppelganger). 1997 : Mercenary (TV). 1997 : Savage. 1998 : Taxman. 1999 : Raw Nerve. 2001 : Ritual. 2004 : Oriental. 2004 : Au bout du monde à gauche. 2007 : Ha-Sodot (The Secrets). 2010 : Paam Haiti (Le Marieur). 2013 : Wonderland. 2016 : Past life. 

Une formidable série B native des années 90 décrivant avec beaucoup d'efficacité la traque sans relâche d'un ancien émissaire de la CIA poursuivi par des tueurs sans pitié pour un enjeu terroriste. Outre l'attachante complémentarité du duo héroïque Michael Biehn / Patsy Kensit portant le film sur leurs épaules avec une énergie à perdre haleine (c'est peu de le dire !), on reste bluffé par les impressionnantes séquences d'actions impeccablement chorégraphiées et jamais gratuites. Avi Nesher n'usant jamais de racolage pour relancer l'action fulgurante qu'Eddy et Anna ont bien du mal à déjouer dans leur fonction de victimes en porte-à-faux. On s'étonne notamment de son ultra violence parfois graphique qui empiète parfois l'intrigue eu égard des méthodes criminelles de nos experts de la CIA surentrainés, tels des robots lobotomisés, s'affrontant tels des titans enragés. De par son attachant format de petite série B rondement menée au sein d'une intrigue originale (il y est question de lavage de cerveau et d'usurpation identitaire), Timebomb mérite son Prix du Public qu'il reçut à Avoriaz un an plus tard, tant et si bien qu'Avi Nesher demeure particulièrement inspiré à nous divertir sans relâche dans une mise en forme musclée dénuée de prétention. A revoir, notamment en se focalisant sur l'aspect artisanal des séquences d'action d'une incroyable vigueur visuelle. 

*Bruno Matéï

3èx. Vostfr

Batman

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Tim Burton. 1989. U.S.A. 2h06. Avec Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger, Robert Wuhl, Michael Gough, Pat Hingle, Billy Dee Williams, Jack Palance, Jerry Hall. 

Sortie salles France: 13 Septembre 1989. U.S: 23 Juin 1989

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine's Home for Peculiar Children. 2019 : Dumbo.

Infiniment plus substantiel qu'un simple divertissement de super-héros, une oeuvre d'art à la fois bâtarde et gracieuse.

Succès commercial et critique (alors que dans mes souvenirs j'en soupçonnais la controverse) rameutant plus de 2 362 087 spectateurs dans nos salles hexagonales, Batman dépasse de loin le simple cadre du film de super-héros si bien qu'il ne s'adresse point au public familial en bonne et due forme. Car portant la pate si personnelle de Tim Burton (en pleine ascension de son inspiration onirico-gothique) signant ici un chef-d'oeuvre formel (en 4K c'est même une résurrection !), Batman nous fait confronter celui-ci avec le Joker immortalisé par un Jack Nicholson déchainé mais d'une justesse imparable en bouffon sardonique d'une cruauté sans morale (alors que là aussi dans mes souvenirs un certain cabotinage parfois outrancier laissait à désirer). Les décors architecturaux, grandioses (pour ne pas dire disproportionnés) au stylisme expressionniste; ou encore classieux, telle la salle à manger de Wayne ou la réception dans son manoir, nous inondant la vue de sa fulgurance fréquemment baroque. A l'instar (en guise d'apothéose) du final infiniment crépusculaire dans l'immensité d'une église longiligne (peu de le dire !). Tim Burton densifiant autour de son esthétisme parfois horrifique (quelle audace donc au sein du film de super-héros !) et du genre du film noir d'après-guerre la confrontation morale entre le Bien et le Mal que se disputent Batman et le Joker reliés par un passé meurtrier qui changeront à jamais leur destinée. 

L'intrigue aussi obscure que dramatique nous dévoilant finalement leur point commun d'une vengeance à double tranchant, notamment eu égard de la suspicion des citadins de Gotham envers l'homme chauve-souris aussi discret que mystérieux. Le Joker reportant la faute de ses crimes sur lui afin de s'attirer la sympathie du public en liesse. Outre la puissance de jeu imparable de Nicholson très à l'aise dans son rôle de mégalo diablotin, on peut autant prôner l'incroyable charisme de Michael Keaton aussi prudent et distingué en milliardaire prétendant qu'impassible et renfrogné en super héros ténébreux au latex saillant. Une posture photogénique qui laisse pantois d'admiration le spectateur sous l'impulsion de cadrages obliques ou de plans serrés ombrageux. Tim Burton sublimant chacune de ses présences bipolaires à l'aide d'un onirisme baroque littéralement hypnotique (souvent en harmonie avec une nature sombre et mystérieuse). On peut également relever la présence gironde de Kim Basinger envoûtant le spectateur de sa posture de blonde classieuse en dépit de ses expressions laconiques un tantinet perfectibles. Quoiqu'il en soit, l'actrice parvient à se détacher de sa simple apparence sensuelle en imprimant une fragilité attendrie non négligeable pour le super-héros frappé d'un passé traumatique (et donc en requête de tendresse rédemptrice). Et si les scènes d'actions sont loin d'être légions (le jeune ado actuel risque de trouver le spectacle ennuyeux !), elles n'en demeurent pas moins agréablement troussées, notamment auprès de ses effets spéciaux artisanaux résolument soignés (à 1 ou 2 plans conçus en maquettes). Alors que les moyens de déplacement de Batman font appel à un attirail technologique au pouvoir de fascination clinquant. 

Une oeuvre d'art malade. 

Pur film fantastique à la croisée des genres (film noir, horreur, science-fiction, romance, action, féérie, et animation s'entrechoquent dans la fluidité), Batman demeure une oeuvre hybride d'une beauté funeste à damner un saint. A la fois grandiose, somptueux, décadent, décalé et doté d'un humour noir parfois déconcertant (notamment l'incroyable séquence horrifique de la mort des parents de Wayne sous un brouillard couard), Batman transcende le simple film de super-héros de par la personnalité hétérodoxe de son auteur féru d'amour pour un macabre enchanteur. A revoir d'urgence donc, avec la surprenante impression que cette oeuvre quasi inclassable s'est bonifiée au fil du temps de par sa scénographie littéralement picturale et le charisme de ses acteurs dirigés entre la réserve et l'insolence.   

*Bruno Matéï

3èx

Ci-joint la chronique de Batman le défi: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/11/batman-le-defi.html

Récompenses:

62e cérémonie des Oscars : Meilleure direction artistique pour Anton Furst

17e cérémonie des Saturn Awards : prix du président du jury