Scream. Grand Prix à Gérardmer 1997.

                  (Crédit photo : image trouvée via Imdb, provenant du site Imdb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives)

de Wes Craven. 1996. U.S.A. 1H50. Avec Neve Campbell, Vourteney Cox, David Arquette, Skeet Ulrich, Matthew Lillard, Rose McGowan, Jamie Kennedy, Drew Barrymore.
Sortie en salles en France le 16 Juillet 1997, U.S.A le 20 Décembre 1996.

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio. 1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

                                     

Pour rappel, Scream est le fruit de l’association entre le scénariste Kevin Williamson et Wes Craven, désireux de ressusciter le psycho-killer - vulgairement rebaptisé “slasher” - que l’on croyait inhumé à la fin des années 80. L’influence de Serial Mom donne à Craven l’envie de mêler l’auto-dérision à l’horreur la plus frontale.

À Woodsboro, petite ville américaine en apparence tranquille, un couple est retrouvé atrocement mutilé dans le jardin d’une maison familiale. Police et journalistes s’agitent. Et déjà plane l’ombre du tueur masqué autour de la lycéenne Sidney Prescott.

Auréolé du Grand Prix à Gérardmer et d’un succès international fulgurant, le film s’érige en baroud d’honneur psychanalytique au psycho-killer initié par Mario Bava, Bob Clark et surtout John Carpenter. Dès le prélude, d’une cruauté sèche et d’une intensité dramatique suffocante, Craven joue avec notre culture horrifique et ses codes balisés. Une adolescente prépare du pop-corn chez ses parents absents. Le téléphone sonne. Une voix ironique disserte sur le plaisir ludique que procurent les films d’horreur… avant de faire basculer la conversation vers la terreur pure. Le meurtre qui s’ensuit demeure l’un des moments les plus poignants du film, abrupt, implacable.  

                                       

Après cet interlude pervers qui détourne les poncifs - jusqu’à faire trébucher maladroitement le tueur dans une ironie presque burlesque - nous rencontrons Sidney Prescott, lycéenne réservée, encore meurtrie par l’assassinat de sa mère un an plus tôt. Un garçon au charme suspect s’introduit par la fenêtre de sa chambre, tenté de forcer l’intimité. C’est autour de cette héroïne encore vierge, à la fois docile et résistante, que l’intrigue se resserre.

Le film glisse alors vers un jeu de massacre référentiel sur notre rapport à l’image et au pouvoir de la fiction. Son apogée survient lors d’une soirée entre adolescents réunis devant Halloween. L’un d’eux énonce les règles élémentaires pour survivre dans un film d’horreur : ne pas boire, ne pas se droguer, ne pas coucher. Ironie suprême : pendant qu’ils dissèquent les codes, le tueur est déjà dans la maison.

À l’extérieur, des journalistes espionnent la scène grâce à une caméra infiltrée. Mais l’image qu’ils regardent accuse trente secondes de retard. Cette latence crée une confusion vertigineuse entre réel et représentation. Le tueur peut déjà être passé à l’acte quand eux croient encore observer une fiction en direct. La mise en abyme devient vertigineuse : écrans dans l’écran, regard dans le regard. Un journaliste hurle devant sa télévision : « Attention, il est derrière toi ! »… sans réaliser que le meurtrier se tient réellement derrière lui. L’illusion ludique se retourne en condamnation.                                     

                                       

D’une efficacité implacable, surtout dans sa seconde moitié, truffé de clins d’œil et de sarcasmes, porté par une troupe de comédiens complices et brillants, Scream s’impose comme l’un des derniers grands fleurons du psycho-killer. Il se moque avec tendresse, jamais avec mépris - loin de la vulgarité opportuniste de Scary Movie. Craven y interroge aussi la violence au cinéma, son influence possible, sa digestion par des esprits fragiles.

Passionnant, intelligent, ludique et jubilatoire, Scream demeure un classique contemporain : roublard, semi-parodique, mais profondément amoureux du genre qu’il ausculte.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Les Chroniques de Scream 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/08/scream-2.html

                               Scream 4: http://brunomatei.blogspot.com/2011/04/scream-4.html
 

03.03.26. 4K. VOSTFR (4èx)

13.04.11.

Budget de production (Estimation) : 14 000 000 $
Nombre d'entrées en France : 2 207 347
Recettes USA : 103 046 663 $
Recettes mondiales : 173 046 663 $

Récompenses:
Saturn Award 1997 : meilleur film d'horreur, meilleur scénariste et meilleure actrice (Neve Campbell).
MTV Movie Award 1997 : meilleur film.
Festival du film fantastique de Gérardmer 1997 : Grand Prix et Prix "première" du Public.

FAITS DIVERS:
Avril 2000, à Fontenay-aux-Roses (Hauts-de-Seine) : Nicolas, 16 ans, avait mis le fameux masque avant d'agresser son père et sa belle-mère à coups de couteau; deux jours plus tard), à Sarcelles (Val-d'Oise), un autre adolescent était interpellé, lui aussi affublé du même déguisement et armé d'un couteau, aux abords de la gare^.
Été 2001, à Saint-Cyr-l'École (Yvelines) : cinq jeunes portant le même masque avaient agressé et violé une jeune femme de 21 ans.
Juin 2002, à Saint-Sébastien-sur-Loire (Loire-Atlantique) : un lycéen de 17 ans, revêtu du fameux déguisement du tueur, assassinait Alice, une de ses camarades de classe, âgée de 15 ans. Le garçon, qui selon ses proches ne présentait aucun trouble mental, avait « décidé de tuer quelqu'un », comme il l'a expliqué aux enquêteurs. Après avoir poignardé sa victime à 42 reprises, l'agresseur s'était enfui à l'arrivée d'un voisin qui avait découvert la jeune fille agonisante. Avant de mourir, elle avait eu le temps de donner le nom de son meurtrier. Le 19 novembre 2004, la cour d'appel de Rennes condamne l'assassin à 25 ans de réclusion (contre 22 ans prononcée en première instance).

Hobo with a shotgun

de Jason Eisener. 2011. Canada / U.S.A. 1h26. Avec Rutger Hauer, Molly Dunsworth, Gregory Smith, Nick Bateman, Brian Downey.

Sortie en France le 25 Mars 2011.

FILMOGRAPHIE: Jason Eisener est un réalisateur canadien. 2007: Hobo with a Shotgun. Trailer. 2008: Treevenge. Court-métrage. 2011: Hobo with a shotgun.

                                     

Il faut d'abord souligner qu'en 2007, un faux trailer surnommé Hobo with a shotgun, spécialement conçu pour le projet "Grindhouse" de l'association Tarantino / Rodriguez (avec leur diptyque Boulevard de la Mort / Planet Terror) se voit attribuer du grand prix du concours de bandes annonces afin de pouvoir figurer en guise d'interlude entre les projections en continu des deux péloches précités. Trois ans plus tard, son réalisateur Jason Eisener a l'opportunité d'en tirer un véritable long-métrage avec en tête d'affiche le vétéran Rutger Hauer ! Après le surestimé (pour ne pas dire semi-raté) Machete, c'est au tour d'une nouvelle production de rendre hommage à tout un pan de séries Z, spécifiquement les productions Troma des années 80, afin d'y déployer une trashitude outrancière rigoureusement insolente. Dans les ruelles malfamées de New-York, la délinquance, le prostitution, la corruption et les trafics de drogue font rage en toute impunité face à une police inéquitable. Mais cette folie meurtrière est commanditée par un leader notoire régnant en maître devant une population terrorisée. Un beau jour, un SDF témoin de la déchéance de son quartier et laminé de voir une ultra-violence davantage expansive décide de nettoyer les rues des criminels inflexibles à coups de chevrotine enragée !

                                        

Superbement photographié dans des teintes délibérément saturées, le sobre prélude annonce l'arrivée d'un clochard sortant illégalement d'un train avec un sac sur le dos pour longer un canal et rejoindre le nouveau quartier de Scum city. Cette séquence liminaire se déroule harmonieusement sous  l'impulsion mélodieuse de Michael Holm. Une partition élégiaque entêtante rendue célèbre de par son ton décalé entrevue dans le classique horrifico-médiéval, La Marque du Diable de Michael Armstrong et Hoven Adrian. Arrivé à destination, le Sdf promène inlassablement son cadi famélique dans les ruelles sordides tandis que des voyous opèrent en toute impunité pour semer le désordre, la mort, voir le chaos. C'est après avoir été témoin d'un braquage brutal que notre défavorisé se décidera à prendre une arme à feu, spécialement un fusil de chasse, et tuer de sang froid les trois malfaiteurs sous les yeux médusés du commerçant et des badauds éberlués. Quand bien même quelques instant plus tard, il ira porter assistance à une jeune prostituée avec qui il se liera d'affection alors qu'une bande juvénile mafieuse tolérée par leur paternel illuminé jurera de leur trouer la peau.

                                      

Pour tous les amateurs de séries Z typiquement saugrenues et frénétiques, digne d'une production Tromaville donc, cet hommage bisseux est spécialement conçu pour vous ! De surcroît, si vous êtes fans invétérés de vigilante movies ayant sévi durant les années 70 et 80, alors Hobo saura vous convaincre à travers son délire assumé totalement décomplexé puisque baignant dans un perpétuel mauvais goût avec une chaleureuse spontanéité ! Là où Machete de Rodriguez se prétendait gros défouloir jouissif à peine sympathique dans sa combinaison d'actionner bourrin et de gore cartoonesque (souvenez vous du pathétique combat final contre Seagal !), Hobo with a shotgun va foutre un grand coup de pied bien plus acerbe et sardonique dans le politiquement incorrect, l'immoralité, le gore craspec percutant (FX remarquables !) et le mauvais goût vitriolé. A titre d'exemple, imaginez un instant deux voyous pénétrés à l'intérieur d'un car scolaire pour massacrer à coups de lance flamme une ribambelle de gamins terrorisés, pour l'instant d'après être carbonisés en suppliant leur cri d'agonie. Une scène impensable qui à de quoi surprendre et estomaquer l'amateur blasé ! Et ce, même si l'effet escompté est aseptisé auprès d'une dérision sarcastique quelque peu salvatrice (nous sommes dans un pur divertissement hardcore mais volontiers saugrenu et  racoleur auprès d'adultes consentants !). Ainsi, nombre de scènes extrêmes sont adroitement concoctées avec pas mal d'efficacité et les situations les plus improbables s'enchaînent sans répit dans la joie d'action ultra violente et de gore putanesque. S'ensuit donc à rythme métronome un étalage de séquences chocs spectaculaires aussi violentes que cyniques car se vautrant royalement dans l'ironisme cinglant !

                                         

Les têtes coincées dans une bouche d'égout, broyées ou sectionnées volant en éclat, les corps explosant sous les impacts de balles à moins d'être éventrés ou électrocutés, les gorges et les mains sévèrement tranchées sans oublier un masticage de verre brisé du plus bel effet. Ce scénario volontairement idiot auquel les gentils coursent les méchants et vice versa constitue évidement un prétexte pour y déployer généreusement un florilège de quiproquos tous plus débridés les uns que les autres. Tel ce massacre méthodique commis dans un centre hospitalier auquel nos héros s'y sont réfugiés tandis que deux voyous déguisés en terminator et armés jusqu'aux dents décimeront un à un les membres du personnel. Au-delà de toutes ses qualités susnommées, le divertissement insolent réussit également à gagner notre ferveur grâce à la formidable complicité de l'excellent Rutger Hauer (mâchoire serrée et regard brut furieusement renfrogné à  l'appui !) accompagné de la charmante Molly Dunsworth. Alors que l'ambiance irréelle baigne dans un esprit marginal volontairement saugrenu, à situer quelque part entre le Justicier de New-York et The Toxic Avenger. Ajoutez à cela une entraînante BO pop rock typiquement eightie et vous obtenez un cocktail survitaminé de délire scabreux irrésistiblement jubilatoire.

*Bruno
13.04.11

INFECTION (Kansen)

                                             

de Masayuki Ochiai. 2004. Japon. 1h35. Avec Michiko Hada, Mari Hoshino, Tae Kimura, Yoko Maki, Kaho Minami, Moro Morooka.

Sortie en France le 26 Aout 2008, Japon: 2 Octobre 2004.

FILMOGRAPHIE: Masayuki Ochiai est un réalisateur japonais.
1997: Parasite Eve,1999: Hypnosis, 2004: Infection, 2008: Shutter.

                                          

Après l'excellent Hypnosis et avant le remake décrié de Shutter, Masayuki Ochiai a su diverger de la mode des fantômes revanchards au longs cheveux type Ring ou des six volets de Ju-on en pleine effervescence en ce début des années 2000. Il livre avec Infection un film à petit budget original, soigné et inquiétant, renforcé par son atmosphère étouffante d'un huis-clos hospitalier auquel un virus inconnu semble contaminer chaque membre du personnel.

Dans un hôpital au bord de la faillite financière, un malade est ramené devant les portes d'entrées contre les défaveurs des médecins complètement débordés et déjà envenimés par un patient critique brûlé au troisième degré. Lentement, le personnel médical semble épris de folie contagieuse alors que leur souche sanguine se met à virer de couleur dans une tonalité verdâtre en liquéfiant leur chair humaine.

                                          

Sorti tardivement chez nous quatre ans après sa sortie nippone, Infection pourrait nous faire penser à un énième film de zombie cocaïné ou d'infecté surexcité façon 28 jours plus tard avec son titre accrocheur d'une potentielle contamination pernicieuse. Effectivement, il s'agira bien d'une propagation virale attribuée vers un groupe de médecins réfugiés dans un centre hospitalier précaire en pleine ébullition mais sans toutefois la réhabilitation festive de meurtriers enragés. La manière sobre et originale dont le réalisateur tisse son sujet évite donc la redite aux airs classiques de déjà vu et concentre son potentiel et son savoir-faire sur une ambiance glauque subtilement amenée dans un suspense lattent et inquiétant.
Le décor restreint d'un établissement chirurgical est tout à fait propice pour jouer avec les angoisses anxiogènes du spectateur avec cet endroit voué à guérir les patients d'une maladie ou d'un accident plus ou moins grave. Y faire pénétrer à l'intérieur de cette clinique un malade atteint d'un virus extrêmement dangereux et contagieux attise l'inquiétude et la peur viscérale surtout quand le réalisateur finaud prend un malin plaisir à distiller tranquillement une ambiance insolite où nos personnages délurés vont peu à peu perdre pied dans l'improbabilité des faits exposés.
De plus, Masayuki Ochiai nous met face à une étonnante galerie de personnages équivoques et paradoxales ! Quelques médecins expertisés en chute libre, deux malades décharnés et moribonds dont l'un succombera rapidement à cause de ses brûlures, une patiente âgée atteinte de troubles mentaux s'amusant perpétuellement à narguer nos protagonistes et des infirmières novices peu adroites et inconfiantes dans leur frêle contribution à soigner et surveiller les souffrants.
Inévitablement et langoureusement, tout ce beau monde va facilement se laisser entamer par une folie sous-jacente enrayée de manière inconsciente par la cause d'une maladie infectieuse inédite.
En effet, nos protagonistes vont peu à peu se comporter de manière irrationnelle pour avoir des attitudes masochistes comme le fait de se piquer machinalement à plusieurs reprises les veines d'un bras avec une seringue multi utilisée ou se laisser baigner les mains dans une bassine d'eau ébouillantée. Alors que chaque individu contaminé se verra transpirer d'un sang verdâtre et se liquéfier jusqu'à ce que leur corps ressemble à un amas de bouillie visqueuse et flasque.

                                          

A travers cette trame horrifique éparpillée de scènes chocs inopinées mais jamais outrancières dans ses effusions de gore absent (chaque mort à caractère sanguinolent est éludé du sang traditionnellement rouge pour le remplacer par une couleur verte), Masayuki Ochiai traite en premier lieu du système faillible des services médicaux hospitaliers en situation précaire, davantage en manque de main d'oeuvre, peu favorisés par l'assistance d'infirmières néophytes inexpérimentées alors qu'une grossière erreur médicale va devoir leur être imposée. De cet incident majeur entraînant inévitablement des poursuites judiciaires, les témoins responsables vont devoir faire face à leur moralité, à savoir s'il faudra falsifier les causes du décès du malade mort par leur faute accidentelle ou assumer leur responsabilité et faire face à la justice de manière équitable et répréhensible.

Malgré un final confus et trouble qui multiplie les coups de théâtre pour mieux nous interloquer (le virus s'insinuant en fin de compte dans les rêves pour mieux altérer la conscience), Infection est un excellent moment horrifique qui traite sa mise en scène avec intelligence par un refus du racolage sanglant. En dehors d'une bonne interprétation d'ensemble, il doit surtout à son ambiance insolite prenant soin de distiller un environnement glauque d'un lieu hospitalier baroque entaché d'une aura presque malsaine, et renforcée par ses éclairages flashys de teintes fluorescentes.

08.04.11.
Bruno 

Lisa et le Diable / Lisa e il diavolo

de Mario Bava. 1972. 1h35. Italie/Allemagne/Espagne. Avec Elke Sommer, Telly Savalas, Sylva Koscina, Alida Valli, Alessio Orano, Espartaco Santoni, Eduardo Fajardo, Gabriele Tinti.

FILMOGRAPHIE: Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie). Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo. 1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire , 1972 : Quante volte... quella notte, 1972: Lisa et le Diable. 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).

                                    

"L’ombre de Lisa dans la maison des morts".

Après le succès de Baron Blood, le producteur Alfredo Leone propose à Mario Bava un nouveau projet, lui offrant carte blanche sur le contenu scénaristique et sa facture visuelle. Le réalisateur s’empare alors d’un ancien script écrit par son père défunt, comme un hommage personnel et intime. Mais un problème survient lors de sa première projection au Marché de Cannes : Lisa et le Diable déconcerte les distributeurs, qui jugent l’œuvre trop confuse, trop complexe, trop personnelle. Leone décide alors, avec l’accord de Bava, de remonter le film en y insérant des séquences d’exorcisme, pour surfer sur le triomphe de L’Exorciste de Friedkin. Profondément catholique, Bava s’offusque de ces ajouts qu’il juge vulgaires et blasphématoires. Le film ressort en 1975 sous le titre La Maison de l’Exorcisme, rencontrant cette fois un succès commercial — un filon mercantile pour le producteur, quand bien même Bava, non crédité à la réalisation, y perdra leur amitié à jamais. Cette version remaniée, grossière, dénuée de sens, n’est qu’une pâle figure comparée à Lisa..., que je considère comme le plus beau film du maestro. Car ce diamant noir, maudit, fut longtemps mis à l’écart, honteusement oublié, inédit en salles dans nos contrées.

                                   

Le pitch : Lisa profite de vacances à Tolède, en Espagne. Lors d’une promenade, elle est frappée par une peinture représentant le diable. Quelques instants plus tard, elle se réfugie dans une boutique d’antiquités tenue par un homme ressemblant étrangement au personnage de la fresque, tenant dans ses bras un mannequin que Lisa croit reconnaître. Elle reprend sa route vers la place principale, et croise un individu identique au mannequin. Paniquée, elle le pousse sur la chaussée : l’homme semble mortellement blessé. À la tombée de la nuit, égarée, elle demande à un couple circulant en voiture de la reconduire. Mais la voiture tombe en panne devant une vieille demeure gothique, dont l’antiquaire semble être le maître des lieux...

                                    

Œuvre hermétique au pouvoir de fascination incommensurable, Lisa et le Diable est une fuite en avant vers des songes morbides. La frontière entre chimère et réalité s’y brouille, pour mieux égarer protagonistes et spectateur dans un engrenage où l’illusion semble dicter notre perception du réel. La narration, impénétrable, nous invite à déchiffrer les moindres indices disséminés dans chaque détail du récit. Dans des décors gothiques somptueux, enrichis d’un esthétisme baroque à couper le souffle, Mario Bava orchestre un cauchemar romantique, indéchiffrable, foisonnant d’ombres, de symboles, de gestes suspendus. L’histoire, profondément romantique, est portée par la sublime partition élégiaque d’Aranjuez, qui nous enivre d’une amertume nostalgique, confrontée à une mouvance nécrophile. Et puis il y a Lisa — Elke Sommer, troublante, habitée par une étrangeté douce et indécise. Comme elle, nous errons, perdus dans cette demeure au secret familial infecté d’adultère, hantée de fantômes névrosés cherchant à renouer avec un amour ancien.

                                   

Raconter avec précision cette fantasmagorie relève presque de l’impossible. On peut toutefois suggérer qu’il s’agit d’une famille hantée par le spectre d’Eléna, beauté ténébreuse infidèle, aimée de deux hommes, dont Lisa semble être la réincarnation. Tout au long du récit, elle est harcelée par le mari aveugle de la défunte, tandis que le fils, jadis marié à Eléna, succombe au charme trouble de cette nouvelle apparition. Les morts et les vivants s’entrelacent, se confondent, tandis que le Diable — incarné par un serviteur chauve et sarcastique (un Telly Savalas étonnant !) — manipule ses invités pour mieux les figer en mannequins de cire. Le final, désarticulé et cauchemardesque, montre Lisa, prisonnière à bord d’un avion — dernier trajet pour l’enfer d’une femme condamnée d’avoir corrompu l’amour. Le Diable, maître de cérémonie, serait l’architecte de cette damnation. À moins que tout cela ne soit qu’un rêve névrotique d’une jeune femme troublée par une fresque médiévale, dont la force d’évocation aurait déclenché un cauchemar brisant les frontières du réel...

                                    
 

"Sous le masque du diable, le visage d’Eléna".
Porté par des comédiens transis d’émoi, Lisa et le Diable s’érige en poème funèbre d’un romantisme inassouvi. Un rêve illusoire peuplé de statues, de mannequins figés dans le silence d’un passé révolu, tandis qu’une jeune femme hantée par ses offenses revient sur les lieux d’une tragédie sentimentale, soumise à l’influence du Diable. Traversé d’images oniriques d’une beauté macabre et charnelle, ce chef-d’œuvre inaltérable est une ode à la fantasmagorie la plus obsédante. Une fois le générique tombé, il devient difficile de retrouver une parcelle de lucidité dans le retour à notre banal quotidien.
Une idée insatiable me traverse alors, comme une fièvre :
Revoir Lisa et le Diable... et ne plus jamais en sortir.

*Bruno

23.08.23.

05.04.11     

30.12.23. Vistfr. 4èx

LA CHAMBRE DES MORTS

de Alfred Lot. 2007. France. 1H53. Avec Mélanie Laurent, Eric Caravaca, Gilles Lelouche, Jonathan Zaccaï, Céline Sallette, Laurence Côte, Jean François Stevenin, Nathalie Richard, Stéphane Jobert.
Sortie en France le 14 Novembre 2007.

FILMOGRAPHIE: Alfred Lot est un réalisateur et scénariste Français.
2007: La Chambre des morts
2009: Une petite zone de turbulence

                                    

Premier long-métrage d'Alfred Lot, La Chambre des morts, adaptation cinématographique du roman de Franck Thilliez, empreinte la voie du thriller US en s'allouant d'une ambiance pesante et opaque, dans la mouvance du Silence des Agneaux et son angoisse palpable paroxystique des derniers retranchements.

Deux individus éméchés circulant en voiture à vive allure renversent par accident un homme alors qu'il venait de rapporter une rançon d'un million d'euros pour délivrer sa fille kidnappée. Le duo décide de se débarrasser du corps et s'emparer de l'argent, pensant qu'il s'agit d'un butin de malfaiteur.
Le lendemain matin, après la découverte du corps du père de famille, la police dépêchée sur les lieux d'un entrepôt trouve le cadavre de sa fille atteinte de cécité, alors que des poils d'animaux sont laissés comme indice. Quelques jours plus tard, une seconde adolescente issue d'une famille précaire et souffrant de diabète est à nouveau enlevée. La jeune policière Lucie et son collègue Norman enquêtent sur cette sombre histoire laborieuse.

                                        

Interprété par une flopée de comédiens modestement discrets et au physique naturel concordant, La Chambre des Morts suit l'enquête difficile de deux inspecteurs de police, Lucie, célibataire inflexible mais mère de deux enfants, et son équipier, le lieutenant Norman, secrètement amoureux de cette partenaire introvertie occultant un douloureux secret infantile.
Dès le préambule percutant, particulièrement inopiné dans les circonstances requises pour faire intervenir deux meurtres étroitement liés à une affaire de kidnapping sordide, le ton mortifère est donné. L'ambiance est réaliste, lourde et austère, dénuée d'effets épurés avec l'apparition spectrale d'une jeune fille morte au sourire inerte, retrouvée ligotée sur une chaise dans l'environnement glauque d'un entrepôt vide.
Cette découverte macabre particulièrement dérangeante et poignante, éludée d'outrance putassière nous donne irrémédiablement l'envie de découvrir le cheminement de cette sombre affaire d'enlèvement infantile. Alors que le ou les coupables présumés semblent eux-mêmes profondément affectés par un passé potentiellement lié à une enfance maltraitée (d'où la présence de ses flashs-back récurrents établissant une relativité entre le tueur et l'inspectrice de police).

Avec sa texture blême d'une photographie blafarde, Alfred Lot nous entraîne parmi la complicité des solides comédiens Mélanie Laurent et Eric Caravaca à suivre une troublante enquête cauchemardesque aux cimes du conte horrifique durant ses vingts dernières minutes éprouvantes, remarquablement menées sur un rythme intensif et accentué par le tempo envoûtant d'un score musical entêtant. Un final qui rappelle fortement le point d'orgue angoissé du Silence des Agneaux quand Clarice Starling essaie d'appréhender le coupable dans l'investissement de la propre demeure du tueur. Le psyché traumatique liée à l'enfance de Lucie est également à peine influencé par le personnage docile qui était campé par Jodie Foster (alors qu'à un moment précis d'une séquence anodine, on apercevra brièvement dans la bibliothèque de la brigadier le fameux roman du second opus de Thomas Harris !).

                                 

Noir et rugueux, La Chambre des morts nous impose l'endroit grisonnant d'une cité minière du nord de la France avec l'attribution de quelques décors peu communs comme le refuge nocturne d'une boite sado-maso échangiste, un zoo animalier régit par un néfaste taxidermiste, une cave lugubre décrépie, un petit logement aménagé d'animaux empaillés ou l'endroit flamboyant et gothique d'une chambre majestueuse, héritée de la Hammer film.
Alors que les nombreux personnages qui parsèment le récit se révèlent le plus souvent des marginaux torturés, pervertis, avilis par le mal ou des individus esseulés, meurtris, aigris, évoluant dans un milieu social peu privilégié.
  
L'élégante Mélanie Laurent interprète avec candeur, flegme et spontanéité le personnage secret d'une jeune célibataire refoulée, victime malgré elle d'un passé vilipendé, profondément esseulée dans son existence terne même si l'éducation de ces deux jeunes enfants lui permet d'accorder un regain d'intérêt pour son avenir sans ambition.
Son partenaire Eric Caravaca impute une aimable composition de lieutenant confirmé dans une discrète prestance épris aux sentiments amoureux pour son équipière de service.
Gilles Lelouche se révèle parfaitement tempéré dans la peau d'un père de famille rongé par le remord d'avoir osé transgresser les lois dans sa complicité indirecte de devoir dissimuler un cadavre pour l'appât d'un gain faramineux. Son acolyte interprété par Jonathan Zaccaï est tout aussi royal de conviction dans ses exactions crapuleuses en chute libre impliquant le crime gratuit éhonté.
ATTENTION SPOILER !!!
Céline Sallette était totalement appropriée pour s'investir d'un rôle chétif dans sa psychologie meurtrie et traumatisée par une enfance galvaudée. Elle se révèle particulièrement inquiétante, ombrageuse dans ses accès dérangés d'une folie meurtrière impliquant la présence décharnée de primates anthropoïde, de loups et de chiens de chenil empaillés.
FIN DU SPOILER.

                                      

Passé inaperçu à sa sortie et peu aidé par une critique timorée à louer les qualités formelles d'un thriller glauque captivant, La chambre des morts est une excellente surprise pour le cinéma de genre hexagonal. Son ambiance opaque et blafarde constamment prégnante, l'interprétation habile de chaque comédien inscrit dans une existence socialement minante ou dans l'anxiété d'une psychologie ébranlée et la qualité d'un scénario frivolement touffus mais passionnant acheminent un thriller oppressant des plus séduisants.

Dédicace à Jean François Dupuy.
04.04.11.
Bruno Matéï.

LE ROYAUME DE GA'HOOLE, LA LEGENDE DES GARDIENS

Legend of the Guardians : The Owls of Ga'Hoole. de Zack Snyder. 2010. U.S.A. 1H39. Avec Emily Barclay, Abbie Cornish, Essie Davis, Adrienne DeFaria, Joel Edgerton, Deborra-Lee Furness, Sacha Horler, Bill Hunter...

Date de Sortie. France: 27 octobre 2010, U.S.A: 24 septembre 2010

FILMOGRAPHIE: Zack Snyder est un réalisateur, scénariste et acteur américain né le 1er mars 1966 à Green Bay, Wisconsin (États-Unis).
2004 : L'Armée des morts
2007 : 300
2009 : Watchmen
2010 : Le Royaume de Ga'hoole : La Légende des gardiens
2011 : Sucker Punch
2012 : Superman: Man of Steel

L'histoire est celle de Soren, un jeune hibou à qui son père relate la légende des Gardiens de Ga'Hoole, une bande de guerriers ailés mythiques qui menèrent une grande bataille afin de préserver la race des hiboux menacée par "les purs", des êtres démoniaques.

Malheureusement je ne pourrais pas faire une critique détaillée par manque de temps mais je ne regrette pas LE ROYAUME DE GA'HOOLE.
C'est un joli spectacle flamboyant sur les valeurs du Bien et du Mal, à situer quelque part entre Dark Crystal (les hiboux lobotomisés réduits à l'esclavage d'une puissance maléfique) et La Revanche des Siths (le 3è volet, pour la dualité des frères dont l'un décide de se subordonner aux forces obscures). Les envolées lyriques sont vertigineuses, les images évidemment magnifiques et il y a quelques scores musicaux envoutants et sublimes. Sans compter les séquences d'action quelque peu violentes (pour du familial) avec ses ralentis chorégraphiés, magistralement mis en scène par Snyder. Mission réussie pour notre réal actionner qui n'oublie jamais l'émotion de nos attachants hiboux ! L'animation est pour pas changer bluffante !

A BOUT PORTANT

de Fred Cavayé. 2010. France. 1h24. Avec Gilles Lellouche, Roschdy Zem, Gérard Lanvin, Elena Anaya, Mireille Perrier, Claire Perot, Moussa Maaskri, Pierre Benoist, Valérie Dashwood, Virgile Bramly...

Date de sortie France: 01 Decembre 2010.

FILMOGRAPHIE: Fred Cavayé est un réalisateur français né à Rennes le 14 décembre 1967.
2008: Pour elle
2010: A bout portant.

                          

Dans la lignée des films d'action hollywoodiens correctement emballés, A bout portant a de quoi rivaliser en terme de mise en scène maîtrisée menée à un rythme effrénée. Doté d'un indéniable savoir-faire technique, le réalisateur débutant Fred Cavayé prouve qu'il est un habile faiseur de polar survitaminé. Mais est-ce pour autant la résultante d'un grand film d'action laissant dans la mémoire une trace indélébile ?

Samuel est un infirmier vivant paisiblement avec sa femme qui est sur le point d'accoucher. Un jour, un gang de malfrats débarque brutalement à son domicile pour kidnapper sa compagne. Quelques instants plus tard, après avoir été violemment assommé, Samuel se réveille avec la sonnerie de son téléphone portable ! Au bout du fil, les ravisseurs lui somment d'enlever un homme gravement blessé réfugié dans son centre hospitalier et surveillé par les forces de l'ordre. Mais pour cela, il  n'a que trois heures à remettre à ses malfaiteurs ce suspect dangereux afin de sauver la vie de sa dulcinée.

                         

ATTENTION SPOILER !!! Deux hommes dans la ville que tout oppose, seuls contre tous, vont tenter de déjouer un odieux complot machiavélique mettant en cause un important dirigeant des services de police, coupable d'avoir commandité un crime en guise d'héritage faramineux. FIN DU SPOILER.
Voilà en gros le bref résumé de ce polar clinquant misant tout son potentiel dans une imparable efficacité de revirements intrépides et d'action échevelée !
Il sera alors bien difficile pour le spectateur de s'y ennuyer tant les situations pernicieuses et les coups de trafalgar éloquents se succèdent à un rythme maximum ! Le problème avec ce genre de bondissant spectacle totalement ludique, c'est qu'il ne mise que sur son caractère haletant et spectaculaire au détriment des personnages et de la consistance d'un solide scénario. Car c'est là où le bas blesse avec ce projet prometteur car les revirements incessants et rebondissement haletants en font finalement tellement des tonnes que les invraisemblances et les grosses ficelles coutumières pullulent avec une facilité déconcertante. Comme les tentatives d'évasion de notre héros sautant du haut d'une fenêtre d'un appartement pour regagner celle située en face avec une improbable aisance ! Ou celui d'empoigner avec une désarmante agilité une altère pour la balancer dans la gueule de son adversaire hostile ! Des exemples comme ceux énumérés sont introduits à intervalle régulier durant la globalité du récit endiablé !
Mais le pire intervient avec l'arrivée organisée d'une bande de délinquants défavorisés venus foutre le zouc dans un commissariat sous les recommandations de l'équipier de Samuel, Starter, interprété par Roschdy Zem ! Une séquence loufoque complètement débridée alors que nos héros vont tenter désespérément de s'échapper des locaux policiers dans une succession d'incidents déployés avec une frénésie délurée !

                          

Techniquement, le film percutant s'en sort haut la main et utilise habilement le maniement d'une caméra inventive investissant les lieux avec une agilité consciencieuse et structurée. Les décors urbains sont esthétiquement soignés et particulièrement bien exploités et les courses poursuites vertigineuses sont parfaitement spectaculairement dirigées.
Mais l'émotion forte est surtout privilégiée vers son point d'orgue culminant dans une dernière demi-heure particulièrement intense pour les tentatives désespérées que nos héros doivent faire face à rétablir la vérité et retrouver saine et sauve une otage condamnée à une mort certaine !

Gilles Lelouche se sort honorablement d'un rôle de citoyen lambda destiné à retrousser ses manches et devenir un valeureux héros pour sauver la vie de sa jeune future mère de famille. Agile, bondissant et téméraire, l'acteur dirigé à contre-emploi offre le meilleur de lui même dans une jolie prestance qui permet d'accentuer le caractère dramatique de sa situation désespérée.
L'excellent Roschdy Zem et sa trogne confirmée de briscard finaud au regard austère assure un maximum dans sa froideur déterminée à faire payer les responsables de sa traque démesurée. Son déploiement de violence ferme et sa capacité à s'extraire des pires situations accordent pas mal de crédit envers cette incessante chasse à l'homme.
Gérald Lanvin dans le rôle du salaud détestable compose avec son habituelle autorité et son charisme endurci un personnage perfide, potentiellement dénaturé par une expression quelque peu caricaturale dans son regard noir dénué de la moindre parcelle d'humanité.

                           

Sous ses airs de 24 h chrono limité en 3 heures de direct, A bout portant est un bon film d'action techniquement adroit et mené à un rythme d'enfer. Malheureusement, son scénario classique n'éludant pas les invraisemblances et les facilités requises empêchent le film captivant de se hisser au niveau du polar brut mémorable.
Alors que l'interprétation globalement pertinente et l'efficacité des scènes d'action concourent malgré tout de nous faire passer un bon moment aimablement ludique.
Les fans d'action pure et dure devraient en tous cas y trouver leur compte alors que notre pays hexagonal fait honneur au cinéma de genre techniquement judicieux et acéré.

29.03.11
Bruno Matéï.

MOTHER AND CHILD. Grand Prix au Festival de Deauville 2010.

 

de Rodrigo Garcia. 2010. U.S.A. 2H06. Avec Naomi Watts, Samuel L. Jackson, David Morse, Annette Bening, Carla Gallo, Brittany Robertson, Kerry Washington, Amy Brenneman, Tatyana Ali, Marc Blucas...

Date de Sortie: France: 17 novembre 2010, U.S.A: 07 mai 2010.

FILMOGRAPHIE:  Rodrigo Garcia est un réalisateur colombien né le 24 Aout 1959. Après diverses séries TV, il entreprend de passer au long-métrage en 2008 avec Les Passagers.
2008: Les Passagers. 2010: Mother and Child. 2011: Albert Nobbs.

                                        

Grand vainqueur du Festival de Deauville en 2010, Mother and Child établit sans niaiserie un drame intimiste et pudique décrivant avec une sobre sensibilité le témoignage tourmenté de trois femmes lamentées. Une frustration commune de ne pouvoir accéder à leur rêve d'une union familiale et maternelle inscrite dans la sérénité et l'épanouissement. Karen est une quinquagénaire caractérielle, solitaire et introvertie, contrariée par l'état de santé fébrile de sa mère gravement malade. Sa fille Elisabeth a été abandonnée à sa naissance alors que Karen n'avait que 14 ans au moment de l'accouchement. Elle est aujourd'hui une avocate cumulant les conquêtes masculines jusqu'au jour où elle envisage la naissance d'un enfant avec son patron. Lucy est une jeune fille inféconde mais qui décide en ultime recours d'adopter un enfant avec le soutien de son compagnon. Par le fruit du hasard, ces trois femmes inassouvies plongées dans l'amertume et les incertitudes vont finalement fusionner et s'épauler grâce à l'alchimie de l'amour cathartique.

                                     

Dominé par la présence chétive et gracieuse de trois actrices formidables de justesse et de frugalité, Mother and Child est comme son titre le suggère l'union universelle des relations parentales bafouées. Une description introspective sur les rapports difficiles et conflictuels de trois femmes confrontées à la lâcheté, l'égoïsme et l'immaturité de parents complexés car eux mêmes fustigés par leur enfance déloyale soumise à la souffrance morale. C'est ce manque d'amour, de communication et de dignité qui aura à jamais changer leur destinée et leur manière précaire de prendre en main un avenir austère pour la naissance éventuelle d'une progéniture infantile. Le réalisateur Rodrigo Garcia décrit avec un soin humaniste entièrement dédié à la ligue féminine et sans discours pompeux le poignant cheminement de ces trois femmes profondément meurtries par leur passé troublé. Une fêlure ancrée dans leur mentalité depuis leur enfance galvaudée par la cause d'une démission maternelle, alors qu'une malformation congénitale est sévèrement réprimée pour l'une d'entre elles incapable de procréer. C'est ce parcours tortueux, semé d'obstacles que nous allons suivre durant leurs moments intimes de doute et d'espoir jusqu'au jour où la fatalité souhaite les unir pour tenter de réconcilier les rancoeurs et sauver l'avènement d'un nouvel enfant.

                                            

Naomi Watts incarne avec sensualité et un charme désenchanté sous-jacent le profil instable d'une jeune avocate courtisane et indépendante, incapable d'assumer un foyer familial à cause d'une mère absente depuis sa naissance. Son instinct maternel d'entreprendre malgré tout la naissance d'un enfant et le fait de retrouver sa mère biologique sont une manière rédemptrice de pouvoir offrir un regain d'intérêt à sa vie esseulée éludée d'un amour pur et épanoui. Et ce, même si son nouvel amant (Samuel L. Jackson) semble avoir la maturité nécessaire pour s'y accorder avant de se défiler au moment le plus opportun. C'est Annette Bening qui compose le rôle fragile d'une quinquagénaire taciturne et caractérielle, victime d'avoir enfanté dès son plus jeune âge un enfant qu'elle s'est vue contrainte et forcée d'abandonner. Sans doute le personnage le plus empathique du trio du fait d'une vie morne jalonnée de déceptions amoureuses mais surtout une femme à l'aube du 3è âge, rongée par la culpabilité à cause d'une fille qu'elle aura trop longtemps dénigré. Enfin, Kerry Wahington (les 4 Fantastiques / The Dead Girl) interprète avec conviction une jeune femme de couleur déterminée à adopter un enfant en guise d'infécondité mais lâchement abandonnée et trahie par deux évènements fortuits. Son impatience, son pessimisme illégitime et son manque de courage envers un enfant qu'elle ne connait pas seront malgré tout privilégiés par la présence cette-fois ci fructueuse d'une mère aimante et attentionnée qui aura l'intelligence maternelle d'inculquer à sa fille son éthique liée au devoir parental, aux sens des valeurs mises en exergue dans la dignité humaine.

                                        

Superbement interprété par trois actrices candides, Mother and Child est un drame fébrile réalisé avec modestie et pudeur compromis à la filiation générationnelle de femmes engagées à rendre leur vie plus harmonieuse par l'entremise de la fécondité. Dans une mise en scène dépouillée de sentiments lacrymaux, Rodrigo Garcia dépeint avec vérité mesurée le témoignage de ses femmes versatiles et refoulées blâmées par la faute de parents irresponsables. Mother and Child démontrant que l'innocence infantile est la période de la vie la plus précieuse, qu'il faut à tous prix en préserver sa pureté par l'amour conjugal engagé dans une relation de confiance et d'équilibrée épanoui.

28.03.11
Bruno Matéï.
                                       

Harry Brown

               
de Daniel Barber. 2009. Angleterre. 1h43. Avec Michael Caine, Emily Mortimer, Liam Cunningham, Iain Glen, Jack O'Connell, Charlie Creed-Miles, Ben Drew, David Bradley, Raza Jaffrey, Joseph Gilgun...

Date de Sortie. France: 12 janvier 2011 / U.S.A: 30 avril 2010

FILMOGRAPHIE: Daniel Barber est un réalisateur britannique. 2007: The Tonto Woman (court-métrage). 2009: Harry Brown.

                                           

Sur les traces d'Un Justicier dans la ville, Vigilante, le Droit de tuer ou plus récemment l'excellent hommage Death Sentence, ce premier film du réalisateur anglais Daniel Barber renoue avec la violence hardcore, abrupte et poisseuse du Vigilante movie sur fond de malaise des banlieues. Et ce sans ne jamais verser dans la surenchère racoleuse comme il est généralement requis chez les films d'exploitations. Ainsi, cet électro-choc subversif s'avère d'une puissance dramatique rarement illustrée de manière aussi clinique pour le genre (stigmatisé) de l'auto-défense, trop souvent engagé dans le pur divertissement réac (pour ne pas dire fascisant). Le Pitch: Après le décès de sa femme gravement malade, Harry est un retraité reclus dans l'immeuble précaire de son quartier contrôlé par la délinquance environnante. Profondément peiné de la disparition de sa défunte, il coule des jours langoureux en compagnie de son ancien ami Léonard en se remémorant avec nostalgie son passé idyllique entre deux parties d'échec. Un jour, Léonard résidant dans le même bâtiment lui avoue avec désespoir son ras le bol de devoir faire face à une bandes de jeunes désoeuvrés qui ne vivent que pour la violence, via leurs récurrents règlements de compte faute de trafics de drogue. Le lendemain de leur discussion, la police dépêchée au domicile de Harry lui apprend que son ami a été retrouvé sauvagement assassiné sous un tunnel à proximité de leur building. De surcroît, il aura fallu un autre incident majeur portant atteinte cette fois-ci à Harry pour que l'homme déchu se transforme en justicier vindicatif.

VIOLENT SHIT.
Ainsi, à travers une mise en scène rugueuse impeccablement maîtrisée portant une sensible attention à l'humanité meurtrie de ses personnages, Harry Brown nous emmène droit en enfer, au coeur d'un problème de société davantage expansif et sinistré: la montée de l'ultra-violence par l'entremise de la délinquance juvénile. Dès le âpre préambule, filmé caméra tremblotante à l'épaule, le ton est donné ! Un acte de violence lâchement gratuit est brutalement perpétré envers une mère de famille horrifiée ! Alors que sa conclusion ironiquement percutante ciblant nos meurtriers décervelés nous surprend de façon impondérable de par sa pathétique destinée involontairement fustigée. Sans compromis et refus du spectaculaire pétaradant, car avec souci de véracité proche du documentaire, Harry Brown nous entraîne irrémédiablement dans la moiteur d'un climat malsain tangible, sordide et poisseux octroyé à une folie meurtrière d'un nihilisme confondant ! Si bien que le cheminement mortuaire de ce retraité pacifiste et docile de prime abord demeure une langoureuse épreuve suicidaire afin d'y rétablir la justice individuelle au sein d'un monde putride en état d'agonie ! Chaque personnage marginal que Harry côtoie étant incarné par des comédiens sidérants d'authenticité de par leur charisme fétide de trogne burinée, fracassé d'une existence en déliquescence et ravagé par le fléau de la drogue dure. Des brutes psychotiques se vautrant en toute négligence dans l'insalubrité uniquement destinées à l'auto-destruction et l'addiction refoulée de la violence immorale. Des acteurs faméliques si criant de vérité que l'on en vient même à se demander s'il ne s'agit pas de véritables toxicomanes jouant leur propre rôle face l'écran ! A titre d'exemple imparable, la séquence qui voit Harry Brown pénétrer dans l'enceinte d'un appartement crasseux suintant la puanteur et l'écume auquel deux camés ont maltraité une jeune prostituée après avoir filmé leurs ébats sexuels s'avère sidérant de malaise persuasif. Une atmosphère licencieuse est dévouée à s'insinuer lentement à travers notre psyché tourmentée avant l'explosion de violence aussi explicite que radicale !
                             
Par conséquent, ce parcours funeste dirigé avec autorité par un cinéaste consciencieux démontre avec un esprit de maturité et une puissance dramatique acérée le cheminement de certains protagonistes épaulés par leur moralité mais irrésolus, impuissants face à la sauvagerie d'une jeunesse qu'ils ne comprennent plus. Un triste constat déloyal nous est donc établi sans détour si bien que la communication est définitivement rompue à travers l'intolérance des deux camps rivaux pour cause d'une parité davantage discriminatoire et tendancieuse. Alors que certains parents incriminés et responsables sont également de la partie pour déraciner une société laxiste en chute libre, sans déontologie, pratiquant une violence punitive sauvagement rétorquée. C'est l'immense Michael Caine qui s'accapare de l'écran avec une austérité amère pour envoûter chaque séquence dans la déchéance humaine de ces quidams toxicos et meurtriers qu'il combat sans restriction. Une imposante présence humaine chétive car n'oubliant jamais sa dignité empathique (voir la séquence où il décide de sauver une jeune fille droguée en allant la déposer devant l'entrée d'un hôpital) pour un homme soudainement laminé par le poison de la violence gratuitement perpétrée. Un vengeur spectral et méthodique étrangement diabolisé par l'emprise de la haine, l'iniquité et la rancoeur. Ce qui aura pour conséquence irréversible d'alimenter sa vengeance expéditive. Démuni de ceux qu'ils chérissaient, anéanti par la perte de son vieil ami sauvagement assassiné dans des conditions atroces, l'acteur habité par sa souffrance élégiaque nous envoie en pleine face son malaise insurmontable de devoir nécessairement affronter en ange exterminateur des jeunes délinquants réduits à l'état primal. 

TOUTE SOCIETE ENGENDRE LES CRIMES QU'ELLE MERITE.
Nonobstant un final futilement conventionnel dans son effet de suspense escompté, Harry Brown est un cauchemar urbain d'une aura viscérale suffocante. Noyé d'un pessimisme alarmant, le film profondément dérangeant dépeint avec une vérité aride qui laisse sur les rotules un terrifiant sentiment d'échec sur la délinquance juvénile. Un tableau tristement actuel sur cette jeunesse désoeuvrée réfugiée dans la drogue et la banalité de la mort, totalement désorientée d'un avenir impondérable et négligeable, et donc davantage enracinée dans leur révolte aliénée. Alors que les forces de l'ordre ordonnées à éradiquer les émeutes intempestives se regroupent machinalement à une guerre sans merci pour un scénario stéréotypé qui ne fera que se répéter à l'infini. Et ce n'est pas au final les résultats insidieux des chiffres prometteurs de la baisse de la délinquance qui viendront nous réconforter sur l'avenir d'une génération sacrifiée, prête à y ordonner le chaos ! Proprement effrayant de lucidité, tristement actuel et implacablement dévastateur !

Dédicace à Philippe Beun-Garbe et Daniel Aprin.
23.03.11
Bruno Matéï.
                     
                                       

NAVIGATOR (The Navigator: A Mediaeval Odyssey)

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinebisart.com

de Vincent Ward. 1988. Australie/Nouvelle Zélande. 1h31. Avec Bruce Lyons, Chris Haywood, Hamish McFarlane, Marshall Napier, Noel Appleby, Paul Livingston, Sarah Peirse, Mark Wheatley, Tony Herbert, Jessica Cardiff-Smith...

Date de sortie: U.S.A: Décembre 1988.

FILMOGRAPHIE: Vincent Ward est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur néo-zélandais né en 1956 à Greytown (Nouvelle-Zélande).
1984 : Vigil. 1988 : The Navigator: A Mediaeval Odyssey. 1993 : Map of the Human Heart. 1998 : Au-delà de nos rêves. 2005 : River Queen

Une décennie avant la guimauve Au delà de nos rêves (désolé pour les fans), le méconnu Vincent Ward s'était surpassé en 1988 pour mettre en boite un film maudit, chef-d'oeuvre d'aventures fantastiques inexplicablement condamné à l'oubli, voir l'indifférence depuis sa discrète sortie en salles. En 1348, dans un village anglais, la peste noire fait rage et terrorise les habitants. Mais un groupe d'aventuriers mené par un enfant prodige part à la quête d'une cathédrale située à l'autre bout du monde pour y déposer une croix. Pour cause, c'est à travers la vision d'un rêve prémonitoire que le jeune Griffin parvint à convaincre ses camarades que seule une icone religieuse pourrait les protéger de la maladie mortellement contagieuse. Mais en creusant un tunnel, ils se retrouvent projetés quelques siècles plus tard, en 1988, dans l'agglomération urbaine de la Nouvelle-Zélande ! Attention ovni immersif saisissant de réalisme historique, à situer quelque part entre Bandits, bandits de Terry Gillian et le (tristement) célèbre Les Visiteurs de Jean Marie Poiret ! L'oeuvre insolite s'avère d'autant plus captivante et dépaysante qu'elle est endossée par des comédiens méconnus criant de vérité tant et si bien qu'on les croiraient sortis de l'époque médiévale dans lequel ils évoluent ! Comme le sous-titre originel l'indique, cette odyssée médiévale conduite avec entrain par deux frères et quatre acolytes nous transporte au sein d'un périple fantastique à la fois baroque et délirant.

En effet, de manière récurrente, nombre de séquences impromptues vont interférer chez nos héros en herbe, comme celles de traverser prudemment une autoroute à la circulation intensive, s'opposer contre les grues d'un chantier industriel en travaux ou encore affronter à bord d'une barque, et accompagné d'un cheval blanc, un sous-marin s'extirpant brusquement de la mer déchaînée. Sans compter qu'un peu plus tard, l'un de nos héros affrontera un train en marche de manière suicidaire, bien avant qu'un autre n'escalade une gigantesque cathédrale pour y implanter la fameuse croix. Nombre de ces situations saugrenues transposées dans notre environnement contemporain auraient pu sombrer dans le ridicule (remember les pitreries des Visiteurs et de l'insupportable Clavier proférant à tout va ses répliques risibles !) si elles n'étaient pas mis en exergue avec autant de réalisme et de soin formel sous couvert du voyage temporel plus vrai que nature. Une escapade semée d'embûches rationnelles mais rendues extraordinaires sous l'impulsion effarée de nos héros confrontés à l'infrastructure de notre monde civilisé. Tel l'illumination féerique d'une métropole nocturne, l'apparence futuriste de nos véhicules routiers, la trajectoire outre-mesure d'un navire submersible ou celle rectiligne d'un convoi cheminant à grande vitesse. Outre son panel de cocasseries folingues, la force du récit émane aussi de son contexte médiéval illustrant, non sans humour, sensibilité et poésie, une période noire de pandémie via la transmission mortelle de la peste et d'y semer les thèmes de la peur de la maladie et du sens du sacrifice. Car à travers les songes d'un enfant aux pouvoirs divinatoires, Navigator entreprend notamment de nous conter le voyage initiatique d'une cohésion héroïque avec une candeur humaine fragile.

D'une fulgurance formelle alternant le noir et blanc et la couleur, et scandé de choeurs religieux, Navigator est un chef-d'oeuvre de fantaisies héroïques au pouvoir de fascination prégnant. Quand bien même on finit par se surprendre de sa dimension dramatique lors d'un final poignant prônant le sens du sacrifice et le code d'honneur familial. Une odyssée féerique inoubliable à découvrir d'urgence ! 

Note: Le film aurait été couronné de 21 récompenses à travers le monde dont le Meilleur Film à Sitges, au Fantafestival, au New Zealeand Film and TV Awards et à l'Australian Film Institute.

22.03.11
Bruno Matéï