Let's scare Jessica to Death / The Secret Beneath The Lake

                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site fuckyeahmovieposters.tumblr.com

de John D. Hancock. 1971. U.S.A. 1h29. Avec Zohra Lampert, Barton Heyman, Kevin O'Connor, Gretchen Corbett, Alan Manson, Mariclare Costello.

Sortie salles U.S.A: 7 Août 1971

FILMOGRAPHIE: John D. Hancock est un réalisateur, scénariste et producteur américain , né le 12 Février 1939 au Kansas City, Missouri. 1970: Sticky My Fingers... Fleet my feet. 1971: Let's Scare Jessica to Death. 1973: Le Dernier Match. 1976: Baby Blue Marine. 1979: California Dreaming. 1987: Weeds. 1988: Steal the Sky (télé-film). 2000: A Piece of Eden. 2001: Mayhem.

 

Sorti en VHS outre-Atlantique à l’orée des années 80 mais honteusement inédit chez nous, Let's Scare Jessica to Death demeure un ovni maudit, miné par sa faible réputation : celle d’une expérience aliénante, dépourvue d’effets de manche. Car, à l’instar du tout aussi étrange Carnival of Souls, cette œuvre unique, bien ancrée dans l’authenticité du cinéma des seventies, nous est façonnée par un auteur novateur — spécialiste entre autres de téléfilms et séries TV — littéralement inspiré par son parti-pris alchimique. Il s’agit donc d’une œuvre funeste, à la fois expérimentale, dépressive et sensorielle, portée par une bande sonore assidue et la prestance diaphane de l’étonnante Zohra Lampert (La Fièvre dans le sang, Alphabet City, L’Exorciste 2...).

 

Le pitch : après six mois d’internement psychiatrique, Jessica s’installe dans une bourgade bucolique du Connecticut, accompagnée de son mari et d’un ami. Dans leur nouvelle demeure, ils tombent sur une jeune femme énigmatique : Emilie. Ensemble, ils visitent le village voisin, où les habitants leur rapportent une légende : celle du fantôme d’une dame blanche, noyée dans le lac avant ses noces. Bientôt, Jessica, errant près des eaux, se sent de nouveau contrariée par des phénomènes inexpliqués, tandis que des voix lancinantes envahissent sa psyché tourmentée.

Climat intimiste sous le soleil étrange d’une contrée champêtre, Let's Scare Jessica to Death se vit comme une expédition latente dans l’esprit d’une femme aussi démunie que désorientée face à sa fragilité névrosée. Avec une pudeur sensible et une angoisse de plus en plus ombrageuse, John D. Hancock y dessine le portrait scrupuleux de Jessica, cherchant à retrouver un semblant d’équilibre auprès de son compagnon tout en se fascinant pour les sculptures de pierres tombales. Mais harcelée par une présence peut-être diabolique, assaillie de chuchotements insistants, elle replonge dans un vortex d’angoisses dépressives. Et tandis que son état moral tangue vers une bipolarité diffuse, le récit bascule dans un cauchemar éveillé, où l’on ignore si ses tourments proviennent des agissements d’un spectre railleur ou des résurgences destructrices de sa démence — nourrie de doute, d’incertitude, de peur, et de la crainte lancinante de perdre son amant au profit d’une marginale énigmatique.

D’apparence placide et docile, mais intérieurement broyée par des visions et des voix éthérées, Jessica s’abîme dans une terreur sournoise. Paysans balafrés, inconnue aguicheuse, noyée vengeresse : autant de figures troublantes qui l’assaillent de plus en plus intensément. Grâce à l’utilisation magistrale de décors naturels étrangement envoûtants (euphémisme !) et une ambiance anxiogène tapie sous la surface, amplifiée par une bande-son ciselée — bruits d’insectes, souffles du vent, cris d’animaux —, Let's Scare Jessica to Death nous immerge dans un cauchemar indicible d’une cruauté sourde. Si ce film indépendant se révèle aussi sensoriel qu’hermétique, il le doit en grande partie à la présence équivoque de Zohra Lampert, transie d’émoi, vibrant d’une sensibilité contenue. Actrice méconnue, elle insuffle à Jessica une force d’expression ténue, bouleversante. Son visage hagard s’illumine ou s’affole au gré de visions morbides, comme traversé de pulsions contraires. Soutenu par une partition funèbre, parfois mélancolique au clavecin, le périple disloqué de Jessica nous happe, nous engage émotionnellement dans ses hantises — jusqu’à soupçonner une assaillante vampirique au rôle bicéphale.

 

Cette ambiguïté insoluble, cette étrangeté permanente, provoque en nous une empathie inexorable pour sa précarité mentale en perdition.

 

Hantise ablutophobe

Quintessence du fantastique éthéré, Let's Scare Jessica to Death mérite sa place parmi les plus grandes réussites du genre "intimiste". Avec son final délétère en apothéose — comptez trente minutes de cauchemar cérébral —, le spectateur émerge difficilement de l’introspection d’une victime dépressive, broyée par le fardeau nébuleux d’une injustice intangible. Cette empathie naît aussi de l’aura sensitive du climat feutré, de cette lenteur fascinante qui sublime l’errance existentielle de Jessica, enfermée dans un spleen d’un silence accablant.

Chef-d’œuvre, incontestablement. Une des œuvres atmosphériques les plus ensorcelantes du fantastique. Si bien que Jessica reste ancrée en nous. À jamais.

*Bruno
17.11.24. Vostfr

08.01.20. 
17.02.12. 512 v

48 HEURES (48 Hours). Grand Prix au Festival du film policier de Cognac, 1983.

                                                                            (Photo empruntée sur Google, appartenant au site johnplissken.com)


de Walter Hill. 1982. U.S.A. 1h36. Avec Nick Nolte, Eddie Murphy, Annette O'Toole, Frank McRae, James Remar, David Patrick Kelly, Sonny Landham, Brion James, Kerry Sherman, Jonathan Banks.

Sortie salles France: 27 Avril 1983. U.S: 8 Décembre 1982

Récompense: Grand Prix au Festival du film policier de Cognac, en 1983

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Walter Hill est un producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 10 janvier 1942 à Long Beach, en Californie (États-Unis).
1975 : Le Bagarreur (Hard Times),1978 : Driver, 1979 : Les Guerriers de la nuit, 1980 : Le Gang des frères James,1981 : Sans retour, 1982 : 48 heures, 1984 : Les Rues de feu,1985 : Comment claquer un million de dollars par jour,1986 : Crossroads, 1987 : Extrême préjudice, 1988 : Double Détente, 1989 : Les Contes de la crypte (1 épisode),1989 : Johnny belle gueule, 1990 : 48 heures de plus,1992 : Les Pilleurs, 1993 : Geronimo,1995 : Wild Bill, 1996 : Dernier Recours,1997 : Perversions of science (série TV),2000 : Supernova, 2002 : Un seul deviendra invincible, 2002 : The Prophecy, 2004 : Deadwood (série TV).

Gros succès à sa sortie et révélation du néophyte Eddie Murphy pour son premier rôle à l'écran, 48 heures est devenu au fil du temps une référence du Buddy Movie, genre prisé au début des années 80. Sous la houlette d'un maître du cinéma musclé et avec la complémentarité de deux comédiens loquaces, ce film policier moderne constitue un jubilatoire concentré d'action et de comédie par son rythme sans faille. Pour retrouver un dangereux criminel et son complice, l'inspecteur Jack Gates négocie une transaction avec Reggie Hammond, un taulard afro condamné à une peine de 3 ans mais prochainement libérable. Durant 48 heures de liberté surveillée, Reggie va devoir collaborer avec son allié pour remonter la piste de ces anciens associés mais aussi mettre la main sur un butin de 500 000 dollars.

Sous le pilier d'une intrigue habilement troussée générant une action échevelée et parmi la posture volcanique de deux partenaires forts en gueule, 48 Heures est un modèle de divertissement grand public. Sans céder à la facilité d'une action redondante, Walter Hill mise surtout sur l'abattage de ces deux protagonistes dans leur personnalité caractérielle. Au fil de leurs vicissitudes semées d'embûches et de déconvenues, le flic et le voleur en perpétuel conflit moral font finalement parvenir à s'apprivoiser, s'accepter et se tolérer afin de débusquer des tueurs sans vergogne lâchés dans les cités nocturnes de New-York. A deux doigts d'appréhender à plusieurs reprises ces criminels, ils n'auront de cesse de manquer leur cible en jouant de malchance ! Un alibi de manière à attiser l'expectative pour la prochaine rixe haletante avivée d'une violence incisive. Parmi la drôlerie de leur complicité braillarde, Walter Hill retarde l'altercation pronostiquée pour laisser libre court à leurs discordes et  provocations fantaisistes (leur rixe improvisée en pleine rue avant qu'une patrouille de police ne les séparent, l'interrogatoire improvisé par Reggie à la clientèle d'un bar de country ou encore sa requête lubrique invoquée à certaines femmes pour satisfaire sa libido). En flic renfrogné à l'impressionnante carrure, Nick Nolte impose une autorité inflexible avant d'accéder à la loyauté d'accorder du crédit à son coéquipier marginal. Secondé par ce taulard aussi loquace que finaud, Eddie Murphy se délecte spontanément à gouailler son partenaire ainsi que les malfrats avec une verve hilarante.

Au rythme de l'inoubliable thème de James Horner, 48 heures divertit en diable grâce à notre irrésistible tandem de durs à cuire à l'ironie percutante et au professionnalisme de son auteur transfigurant une action décapante. En conjuguant avec extravagance l'action et l'humour, 48 Heures peut aisément se qualifier comme modèle du Buddy Movie. 

16.07.12. 4èx
Bruno Matéï

                                          

CROIX DE FER (Cross of Iron)

de Sam Peckinpah. 1977. Angleterre/Allemagne de l'Ouest. 2h13. Avec James Coburn, Maximilian Schell, James Mason, David Warner, Klaus Lowitsch, Vadim Glowna, Roger Fritz, Dieter Schidor, Burkhard Driest, Fred Stillkrauth.

Sortie salles France: 18 Janvier 1978. U.S: 11 Mai 1977

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984.
1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

Ne vous réjouissez pas de sa défaite, vous les hommes. Car même si le monde s'est levé pour arrêter l'ordure, la traînée qui l'a mis au monde est à nouveau en rut. Bertolt Brecht. 

D’après le livre de Willi Heinrich, La Peau des Hommes, Sam Peckinpah retrace avec Croix de Fer l’affrontement entre un capitaine prussien avide de reconnaissance, prêt à tout pour décrocher une croix de fer destinée à flatter son ego, et le caporal Steiner, baroudeur inflexible et loyal, piégé par l’ambition délirante de son rival. Film de guerre explosif, d’une violence sèche et parfois d’une cruauté vénale, Croix de Fer dénonce une fois encore l’absurdité d’un conflit belliqueux à bout de souffle, exposé dans toute sa laideur et son inanité.

Alors que l’armée allemande bat en retraite sur le front russe en 1943, Steiner et sa troupe poursuivent un combat déjà perdu, contraints de survivre entre les lignes ennemies, contournant pièges et subterfuges dans une lente déliquescence morale. Fort de moyens techniques considérables — dont la présence rarissime d’authentiques chars soviétiques T-34 — et d’une distribution prestigieuse (James Coburn, James Mason, David Warner, Maximilian Schell), Peckinpah impose ses ralentis emblématiques : les éclaboussures de sang jaillissent des chairs meurtries, non pour glorifier la bataille, mais pour dénoncer la barbarie humaine d’une guerre mondiale dictée par un leader fasciste. Si ces soldats affrontent l’ennemi avec une bravoure indéniable, l’acharnement et l’épuisement les consument au point de voir leur éthique progressivement avilie par la sauvagerie qu’ils subissent et reproduisent.

Avec un réalisme cinglant, le cinéaste jalonne son récit de séquences chocs, d’autant plus éprouvantes qu’elles s’avèrent foncièrement inéquitables. Le sort tragique réservé au jeune garçon russe, d’abord épargné par les hommes de Steiner avant d’être sacrifié sur l’autel de l’orgueil mégalomane d’un capitaine sans vergogne, en est l’un des exemples les plus glaçants. Mais la séquence la plus pénible et la plus pertinente demeure celle des femmes de l’Armée rouge réfugiées dans une cabane : face au chaos et à la confusion, certaines sont livrées à la pulsion de soldats prêts à violer, avant que ces femmes ne choisissent la rébellion suicidaire pour échapper à la soumission sexuelle. Peckinpah y stigmatise frontalement l’ignominie d’une guerre vidée de toute équité.

Parfois, pour mieux souligner l’absurdité des conflits, le cinéaste recourt à une ironie caustique, comme dans cet épilogue acerbe où Steiner, par dépit et désir de vengeance, déserte pour rejoindre le capitaine Stransky et l’abattre. Plus tôt, une autre séquence tout aussi éloquente tourne en dérision la folie militaire : soigné dans un hôpital de guerre, Steiner oscille entre rêve et réalité avant de se révolter violemment contre ses supérieurs venus jauger les corps mutilés afin de déterminer lesquels peuvent encore être renvoyés au front, faute d’effectifs.

Porté par une distribution d’exception, James Coburn incarne avec une rigueur implacable ce combattant pugnace, lucide et désabusé, contraint de survivre au sein d’une guérilla dissolue et anarchique. Il impose une virilité sèche, teintée d’un cynisme mordant pour railler ses supérieurs, mais aussi un humanisme fébrile lorsqu’il tente de protéger sa brigade condamnée. Face à lui, Maximilian Schell se révèle proprement détestable dans le rôle du capitaine sans vergogne, perfide et obsédé par l’idée de s’approprier une croix de fer comme trophée d’un égo malade.

Violent, cruel, parfois même malsain, Croix de Fer s’impose comme un grand film personnel sur la déroute d’une guerre mondiale vidée de tout héroïsme. Habité par une ambiance profondément désenchantée, renforcée par la densité déshumanisée de protagonistes déchus, Sam Peckinpah livre une œuvre ambitieuse, abrupte et spectaculaire. Un réquisitoire féroce contre les institutions militaires, où la mélancolie s’exacerbe encore à la vue d’authentiques images d’archives nauséeuses défilant au générique de fin. Une manière brutale et lucide de rappeler l’ignominie contagieuse d’une guerre régie par l’aspiration barbare, tandis qu’un rire intempestif se mêle à une frénésie incontrôlée.

— le cinéphile du cœur noir 🖤
12.07.12. 2èx

Schizophrenia /Angst / Fear

de Gérald Kargl. 1983. Autriche. 1h27. Avec Erwin Leder, Silvia Rabenreither, Edith Rosset, Rudolf Götz

Interdit en salles en France. 

FILMOGRAPHIE: Gérald Kargl est un réalisateur autrichien né en 1953 à Villach, Austria.
1980: Sceny narciarskie z Franzem Klammerem (documentaire)
1983: Angst

                                              D'après l'histoire vraie du tueur Werner Kniesek
         

Censuré un peu partout à travers le monde dès sa sortie en 1983, Schizophrenia est une expérience extrême d'autant plus inédite que son origine autrichienne renforce un cachet d'authenticité peu commun. Avec la voix perpétuelle d'un monologue narré par l'interprète principal, ce portrait glaçant d'un serial-killer notoire de l'Allemagne des années 80 y transcende son introspection mentale avec un réalisme diaphane. Accordant un soin esthétique formel à sa photographie clinique et à son ambiance blafarde au bord du marasme, l'unique film de Gérald Kargl est notamment un modèle de virtuosité technique. Plans larges ou aériens contournés à la louma, caméra subjective pour mieux mettre en exergue l'aspect désincarné du tueur en série, le réalisateur sait utiliser sa caméra avec une dextérité aussi inventive que géométrique.

Filmé en temps réel et exploitant à merveille son dédale pavillonnaire, nous suivons les exactions meurtrières d'un détenu relaxé, déjà prêt à perpétrer de nouvelles exactions. Après avoir tenté d'étrangler une chauffeuse de taxi, celui-ci apeuré s'enfuit à travers bois pour trouver refuge dans une vaste demeure bourgeoise. Observant qu'il n'y a personne dans la maison, il décide d'y pénétrer par effraction en brisant la vite d'une fenêtre. En comptant sur l'arrivée de ses propriétaires avec une impatience fébrile, une voix-off hypnotisante (à voir en VF pour une fois car plus immersive !) nous narre de façon récursive ses pensées intimes les plus licencieuses mais également son passé de maltraitance infantile. Une sexagénaire, son fils impotent et sa fille seront les nouvelles proies de ses crimes sordides dénués de mobile. Tuer quelqu'un est très dur, très douloureux et très... très long ! Cette célèbre citation du maître du suspense convient à cette descente aux enfers inflexible auquel notre tueur souhaite faire souffrir ses victimes de façon indolente et avec une véhémence incontrôlée ! Ce parti-pris (sur le vif) de filmer en temps réel, cette verdeur imputée aux meurtres cinglants (dont une mise à mort ultra sanglante !) et l'interprétation innée de notre tueur autrichien rendent Schizophrenia terriblement glauque et incommodant. En prime, le caractère inexpressif et apathique des personnages secondaires va aménager son aura d'étrangeté.

En terme de serial-killer déficient, Erwin Leder incarne son personnage avec une vérité si prégnante qu'il n'a pas à rougir de la comparaison avec Joe Spinell ou encore Michael Rooker. La pâleur de son faciès famélique et l'appréhension de son regard fuyant laissent en mémoire une prestance fébrile tributaire de son esprit déséquilibré. Son seul objectif est d'aborder sans raison n'importe quel quidam signalé au coin d'une rue et de l'assassiner avec un sadisme mâtiné de maladresse. Sa peur panique et son excitation irraisonnée pour la tentative d'homicide exacerbent la personnalité meurtrie d'un adulescent préalablement molesté par une filiation masochiste.

Malsain et hautement dérangeant par son aspect introspectif expérimental, Schizophrenia est une expérience extrême où la folie et le meurtre sont élaborés avec frénésie chez un criminel désaxé. Esthétiquement travaillé et ambitieux de par sa mise en scène personnelle, cette oeuvre scabreuse honteusement occultée et bannie depuis des décennies constitue un sommet de subversion où l'immersion clinique s'avère terriblement déstabilisante. Pour parachever, il faut aussi avouer que l'impact envoûtant du score de Klaus Schulze doit autant à son climat contrariant.
 

P.S: A Privilégier la VF, comme le souligne Gaspar Noé dans les Bonus du Blu-ray. 

*Bruno

25.07.22. 5èx

10.07.12. 

Le Vieux Fusil. César du Meilleur film 1976.

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site muriel.lucot.free.fr

de Robert Enrico. 1975. France. 1h43. Avec Philippe Noiret, Romy Schneider, Jean Bouise, Joachim Hansen, Robert Hoffmann, Karl Michael Vogler, Caroline Bonhomme, Catherine Delaporte, Madeleine Ozeray.

Sortie salles France: 22 Août 1975. U.S: 29 Juin 1976

FILMOGRAPHIE: Robert Enrico est un réalisateur et scénariste français, né le 13 Avril 1931 à Liévin (Pas-de-Calais), décédé le 23 Février 2001 à Paris. 1962: Au coeur de la vie. 1962: La Belle Vie. 1964: Contre point. 1965: Les Grandes Gueules. 1967: Les Aventuriers. 1967: Tante Zita. 1968: Ho ! 1971: Boulevard du Rhum. 1971: Un peu, beaucoup, passionnément. 1972: Les Caïds. 1974: Le Secret. 1975: Le Vieux Fusil. 1976: Un neveu silencieux. 1977: Coup de foudre. 1979: L'Empreinte des Géants. 1983: Au nom de tous les Miens. 1985: Zone Rouge. 1987: De Guerre Lasse. 1989: La Révolution Française (1ère partie: les années lumières). 1991: Vent d'Est. 1999: Fait d'Hiver.

 

"Quand l'amour s'éteint dans la guerre".

Panthéon du cinéma français, célébré par des millions de spectateurs avec une émotion inconsolable, Le Vieux Fusil est un moment de cinéma d’une telle acuité qu’on peine à s’en remettre sitôt le générique tombé. En s’inspirant du massacre d’Oradour-sur-Glane perpétré par les nazis en 1944, Robert Enrico livre, sans anesthésie, un drame éprouvant, haletant, inflexible. Insoutenable. Celui d’un médecin provincial anéanti par l’extermination de sa famille.

Synopsis: Alors qu’il mène une vie paisible avec sa femme Clara et leur fille Florence, Julien Dandieu décide de les mettre à l’abri d’une milice française arrogante en les envoyant au château familial, retiré près d’un village champêtre. Resté à l’hôpital pour soigner ses malades, il finit par les rejoindre, inquiet. Mais sur place, l’horreur : les villageois ont été massacrés, rassemblés dans l’église et abattus sans pitié. Dans son château, Julien découvre le corps calciné de sa femme, et celui, ensanglanté, de sa fille. Ravagé par le chagrin, consumé par la haine, il engage une vengeance expéditive. Un à un, il traque les nazis encore présents sur les lieux du drame.

Entrecoupé de flashbacks où Julien se remémore les instants d’un bonheur révolu, Le Vieux Fusil alterne la tendresse des souvenirs angéliques et l’appréhension d’une traque implacable. Dans un huis clos minéral, confiné dans les souterrains du château, Enrico orchestre la métamorphose d’un homme pacifique en bourreau mu par le deuil. La perte brutale, inassimilable, l’horreur d’un viol collectif et d’une immolation crapuleuse font éclater sa moralité. Ces réminiscences élégiaques deviennent alors les contrepoints d’un effondrement. Aux souvenirs lumineux succède une rancune glaciale, irrespirable. Julien tue. Sans pitié. Sans détour. Et chaque balle tirée est un cri rentré, une larme qui ne coule pas.

Ces émotions antinomiques — l’amour, la haine, le passé, le sang — s’enchevêtrent avec une intensité bouleversante. Et si cette œuvre à vif nous étreint si fort, c’est aussi par la complicité vibrante de ses interprètes.

Dans le rôle du médecin submergé par la haine, Philippe Noiret (César du meilleur acteur) incarne l’évidence du mutisme et de la douleur contenue. Son regard perdu, son corps affaissé, traduisent l’implosion d’un homme englouti par la folie. Quant à Romy Schneider, elle illumine l’écran d’un regard pétri de fraîcheur, de bonté. Elle incarne la joie, la tendresse, le désir silencieux. On en tombe amoureux, comme Julien, happé par sa beauté sans emphase. C’est cette lumière, justement, qui rend sa perte si insupportable. Sa mort, puis celle de sa fille, réveillent en nous une répulsion viscérale. Tout cela sonne vrai. Trop vrai.

"À l’ombre des anges brûlés".

Porté par les interprétations bouleversantes de Noiret et Schneider, sublimé par la partition mélancolique de François de Roubaix, Le Vieux Fusil est un chef-d’œuvre d’émotions hybrides. Une œuvre de contraste : la pudeur romantique d’un amour perdu, la violence primitive d’un justicier consumé. Certaines scènes sont à vif, presque insoutenables (la séquence du lance-flammes, l’acharnement), mais jamais gratuites. Car Enrico, à travers une mise en scène géométrique, fait de l’espace un personnage, un piège, un sanctuaire brisé.

Il reste, de ce film, une fragilité déchirante, une douleur ciselée dans le marbre. Une quiétude fracassée qui nous poursuit longtemps. Ad vitam aeternam.

Romy, je t'aime.

*Bruno

04.07.12. 4èx

Récompenses: César du Meilleur Film, du Meilleur Acteur (Philippe Noiret) et Meilleure Musique (François de Roubaix) en 1976.
César des césars en 1985.

 

Fire in the Sky

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site roswell1947.forumgratuit.org

de Robert Lieberman. 1993. U.S.A. 1h49. Avec D.B. Sweeney, Robert Patrick, Craig Sheffer, Peter Berg, Henry Thomas, Bradley Gregg, Noble Willingham, Kathleen Wilhoite, James Garner, Georgia Emelin.

Sortie salles U.S: 12 Mars 1993

FILMOGRAPHIE: Robert Lieberman est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
1978: A Home run for love (télé-film). 1978: Gaucho (télé-film). 1980: Fighting Back (télé-film). 1982: Will: the autobiography of G. Gordon Liddy (télé-film). 1983: Table for Five. 1987: Nos Meilleures années. 1991: To Save a Child. 1991: Le plus beau cadeau de Noël. 1992: Fire in the Sky. 1996: Les Petits Champions 3. 1996: Le Titanic (télé-film). 1999: NetForce (télé-film). 2002: Red Skies. 2002: Second String (télé-film). 2004: Earthsea (télé-film). 2009: The Tortured. 2010: The Stranger.

 

"Fire in the Sky : l’ombre d’un enlèvement".

Réalisateur prolifique de téléfilms et séries TV, Robert Lieberman signe en 1993 son œuvre la plus connue, Fire in the Sky. Inspirée d’un fait divers (potentiel) sur un enlèvement extra-terrestre, cette série B fut hélas inédite dans nos salles hexagonales, directement exploitée en VHS puis en galette numérique. Dommage, au regard de la qualité de ce suspense captivant, convaincant dans sa tentative de nous faire croire à ce rapt incongru au premier degré.

 

Le pitch : le 5 novembre 1975, six bûcherons assistent, terrifiés, à un phénomène irrationnel venu du ciel. L’un d’eux, ébloui par la lumière aveuglante de l’engin spatial, est soudain foudroyé par une force surnaturelle. Ses camarades fuient à bord de leur fourgonnette, jusqu’à ce que le chauffeur, au dernier moment, fasse demi-tour. Seul sur les lieux, Mike Rogers découvre l’absence inexplicable de son ami Travis. En ville, les cinq survivants doivent justifier devant police et population la disparition mystérieuse, bientôt suspectés de meurtre.

 

Porté par des visages familiers (Robert Patrick, Henry Thomas, Peter Berg) et une mise en scène qui s’attarde sur les tourments psychologiques, Fire in the Sky dresse avant tout le portrait d’hommes de foi injustement montrés du doigt par des citadins et des autorités incrédules. Lieberman illustre avec soin le caractère sournois d’une communauté qui n’hésite pas à fustiger et remettre en cause le récit capillotracté de ces prolétaires gênants. Cette impuissance à prouver leur innocence, cette pugnacité obstinée (magnifiquement incarnée par Robert Patrick) à crier leur vérité aux autorités, suscite une empathie viscérale chez le spectateur, d’autant que le prologue nous assure que leur mésaventure n’est pas une affabulation. Leur humanité se dévoile aussi dans la panique de leur fuite désespérée à travers la forêt, après avoir abandonné leur camarade peut-être encore en vie.

Mais après l’épreuve ambiguë du détecteur de mensonge, un rebondissement inattendu lève enfin le voile sur leur version des faits. Là encore, le réalisateur insiste sur la dimension psychologique de la victime traquée par les médias sensationnalistes, un chef de police paranoïaque et des badauds indélicats. L’interprétation de D.B. Sweeney, chétif et amnésique, anciennement malmené par ces E.T belliqueux, suscite une compassion douloureuse, exacerbée par son état défaillant. Jusqu’à la scène anthologique, où la terreur claustro-viscérale explose dans un réalisme horrifiant : une séquence cauchemardesque, un choc traumatique face aux sévices chirurgicaux infligés à cette victime martyrisée, littéralement révulsée, terrifiée, le souffle coupé.

 

Intelligemment traité dans la dimension humaine de personnages déchirés par une énigme irrationnelle, soutenu par un casting sobre entre émoi, mutisme et interrogation, Fire in the Sky est une honorable série B, soignée et captivante par son suspense latent. Enfin, c’est surtout dans son dernier acte, véritable moment d’effroi gravé d’une pierre blanche, qu’il nous réconforte sur la valeur d’une fidélité amicale.

*Bruno

18.04.25. 4è

03.07.12. 

STAND BY ME

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineclap.free.fr

de Rob Reiner. 1986. U.S.A. 1h29. Avec Wil Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O'Connell, Gary Riley, Kiefer Sutherland, Casey Siemaszko, Bradley Gregg, Jason Olivier, Marshall Bell.

Sortie salles France: 25 Février 1987. U.S: 8 Août 1986

FILMOGRAPHIE: Rob Reiner est un acteur, producteur, scénariste et réalisateur américain, né le 6 Mars 1947 dans le Bronx de New-York. 1984: Spinal Tap. 1985: Garçon chic pour nana choc. 1986: Stand By Me. 1987: Princess Bride. 1989: Quand Harry rencontre Sally. 1990: Misery. 1992: Des Hommes d'honneur. 1994: L'Irrésistible North. 1995: Le Président et Miss Wade. 1996: Les Fantômes du passé. 1999: Une Vie à Deux. 2003: Alex et Emma. 2005: La Rumeur Court. 2007: Sans plus attendre. 2010: Flipped.

Réalisateur éclectique, Rob Reiner s'inspire en 1986 d'une nouvelle de Stephen King (Le Corps parue à travers Différentes Saisons) pour entreprendre avec Stand By Me un hommage élégiaque à l'enfance dans toute sa candeur et vulnérabilité. Eté 1959, Oregon. Une bande de quatre amis inséparables décide de partir deux jours en randonnée forestière pour tenter de retrouver le corps d'un adolescent récemment disparu. Cette découverte macabre changera à jamais leur destin et leur manière d'appréhender le monde.

De manière sous-jacente, la mort plane sur les frêles épaules de nos héros en culotte courte durant leur cheminement initiatique acheminé vers une trouvaille morbide. Avec simplicité, humour et beaucoup de tendresse, Rob Reiner apporte un soin humaniste à caractériser nos quatre adolescents débordant de vigueur à travers leur tempérament débrouillard, mais aussi de malaise existentiel et de rancoeur, faute d'une démission parentale. Tant auprès de Gordie Lachance, rejeton dénigré par ses parents depuis la mort accidentelle de son frère aîné, de Chris Chambers, gamin révolté issu d'une famille à la réputation galvaudée et malencontreusement accusé de vol auprès d'un particulier perfide, ou encore de Teddy Duchamp, casse-cou irascible et provocateur, violenté par son paternel, ancien vétéran du débarquement de Normandie. Seul, Vern Tessio, gamin bedonnant plutôt maladroit et trouillard semble hérité d'une filiation placide. Ainsi, à travers leur escapade bucolique jalonnée de péripéties impromptues (telle cette déconvenue avec une bande de délinquants majeurs, ou leur course effrénée sur un pont ferroviaire afin d'éviter de plein fouet un train lancé à vive allure !), nous suivons leurs vicissitudes insouciantes, entre blagues de potache, conflits caractériels et prise de conscience existentielle. Rob Reiner s'attachant surtout à accorder un peu plus d'empathie et d'intérêt envers les personnages fragilisés de Gordie et Chris. Les enfants malchanceux les plus discrédités de leurs parents, et donc les mieux aptes à comprendre l'apprentissage de la maturité de par leur libre arbitre. Par conséquent, durant leur périple, notre duo n'aura de cesse de s'échanger des confidences intimistes pour se réconforter d'une absence affective, cette solitude écrasante mise en cause par la désunion de la cellule familiale.

Entre deux crises de fous-rire, prises de becs, peur panique du bruit dans la nuit et discorde avec des rouleurs de mécaniques, nos quatre baroudeurs vont côtoyer pour la première fois le vrai visage informe de la mort. Il en ressortira de cette excursion peu commune une expérience mystique auprès de la cruauté de l'existence si bien que cette bonhomie de l'enfance s'avère éphémère pour laisser place à la maturité de l'expérience. A travers le monologue nostalgique d'un narrateur aujourd'hui épanoui d'une aubaine conjugale et d'une réussite professionnelle, la destinée de Gordie Lachance en sort grandie et victorieuse. Alors que certains de ces meilleurs camarades n'auront eu cette faveur idéaliste de par leur parcours antinomique. Ainsi, de cette réminiscence infantile y résulte une émotion bouleversée de ce que les aléas de la vie peuvent réserver à chacun d'entre nous. Que le hasard n'est point une coïncidence et que le destin peut parfois malencontreusement vilipender l'un d'entre nous. Mais que la fraternité et l'amour restent des valeurs sûres pour pouvoir profiter du temps présent, surtout lors d'une époque charnière de l'insouciance où les prises de risques peuvent nous être inconsidérées.

Au coeur de l'amitié
Poésie lyrique à l'épanouissement de la jeunesse, hymne à l'amitié dans toute sa candeur, Stand by me est une déclaration d'amour à la magie de l'enfance mais aussi une prévoyance à l'ascension de la puberté. L'incroyable bonhomie naturelle de nos quatre adolescents et sa tendresse émanant de chaque tempérament nous menant finalement vers une élégie déchirante. Rob Reiner nous transcendant avec lyrisme une réminiscence infantile alliée au mérite de l'amitié et à cette fuite irrémédiable du temps présent.

A River Phoenix et Pascal, mon frère de coeur...
29.06.12. 4èx
Bruno Matéï

VIERGES POUR LE BOURREAU (Il boia scarlatto)


                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site fastmovieblog.blogpost.com


de Massimo Pupillo. 1965. Italie/U.S.A. 1h23. Avec Mickey Hargitay, Walter Brandi, Moa Tahi, Alfredo Rizzo, Rita Klein, Femi Benussi, Luisa Baratto, Gino Turini, Ralph Zucker, Barbara Nelli, Albert Gordon.

FILMOGRAPHIE: Massimo Pupillo est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 7 Janvier 1929 à San Severo.
1961: Teddy, l'orsacchiotto vagabondo (doc). 1965: 5 Tombes pour un médium (le cimetière des morts-vivants). 1965: Vierges pour le bourreau. 1965: La Vendetta di Lady Morgan. 1968: Django le taciturne. 1970: Giovane Italia, Giovane Europa - Marternick (télé-film). 1970: L'Amore, questo Sconosciuto. 1980: Sajana, l'audace impresa

Un bourreau azimuté reprend du service pour embrigader une équipe de comédiens dans son château et leur perpétrer d'horribles tortures inquisitrices.

Tourné la même année que le charmant classique Cimetière des Morts-vivants (avec Barbara Steele !), Vierges pour le Bourreau est une peloche du samedi soir aussi ludique qu'hilarante dans son délire festif décrété par un bourreau écarlate en survêtement rouge ! Le scénario tiré par les cheveux est déjà un mets de choix dans son inspiration héritée du Masque du Démon ou plutôt des fameux pulps pour adultes imprimés sur papier décrépi par souci d'économie. D'ailleurs, les amateurs penseront sans doute au célèbre roman photo, Satanik, publié la même année au pays transalpin, qui narrait les méfaits d'un mystérieux criminel vêtu d'une combinaison de squelette, torturant sans modération de charmantes donzelles dévêtues. Après son prélude influencé par le chef-d'oeuvre de Bava auquel un bourreau délétère condamné à mort promet de revenir se venger quelques siècles plus tard, un photographe et sa troupe de comédiens investissent un château réputé abandonné afin de réaliser une séance photos pour la publication d'un roman d'horreur. Mais la demeure est néanmoins déjà résidée par un étrange propriétaire renfrogné, épaulé de ces géôliers tout aussi acariâtres. Il reconnait in extremis parmi les invités une de ces anciennes idylles ! Dès lors, le majordome préalablement réticent à accueillir ses nouveaux hôtes se rétracte pour finalement accorder sa grâce. Bien entendu, c'est dans ce manoir même que notre bourreau sanguinaire fut jadis condamné au supplice de la Vierge de Nuremberg, et des morts mystérieuses ne vont pas tarder à se manifester ! Notre fantomas en pijama rouge semble donc revenir de l'au-dela pour accomplir ses nouvelles exactions à l'aide d'instruments de torture moyenâgeux !
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Hormis une première partie frivole et aseptisée, la suite est heureusement rattrapée par un délire excentrique digne d'un carnaval déluré ! Le bourreau masqué façon "Zorro" (qui n'est autre que le propriétaire du château, sévèrement fêlé de la casquette !) accomplit ses tortures avec une hargne insolente et une fougue inébranlable ! Certaines de ces épreuves mises en scène avec une diabolique inventivité sont si incongrues qu'elles n'ont rien à envier aux agissements du Dr Phibes ou Jigsaw, illustres tortionnaires concurrentiels des décennies à venir. A ce titre, la séquence où l'une de nos protagonistes est emprisonnée par des cordelettes constituant une gigantesque toile d'araignée est un moment jouissif délicieusement extravagant. Surtout sachant que si l'une des cordes contractées venait à rompre, une flèche s'élancerait violemment en direction de la victime pour venir la transpercer ! A partir du moment où le bourreau sanguinaire dévoile son véritable visage et décide d'entamer sans vergogne ses crimes sadiques, le film prend une tournure pittoresque irrésistible. D'autant plus que notre antagoniste déficient s'en donne à coeur joie à exprimer avec fierté son exaltation pour accomplir ses odieux supplices. Les potiches dévêtues et embrigadées crient leur agonie, les hommes pugnaces tentent tant bien que mal de se démêler de leur filet et le bourreau extraverti jubile à outrance devant tant de fertile festivité !

Hormis un début paresseux sans éclat, Vierges pour le Bourreau se révèle à mi-parcours un savoureux nanar où les péripéties s'enchaînent sans répit avec le dynamisme d'une mise en scène assidue. Les combats de catch et les mises à morts pernicieuses sont illustrés avec ferveur dans des décors gothiques aux teintes colorées ! En prime, la cocasserie des dialogues exprimés par des trognes de seconde zone, son scénario farfelu et son ambiance rétro ne pourront que réjouir l'amateur puriste de bisserie saugrenue !

Dédicace à Artus Films
28.06.12. 2èx
Bruno Matéï

                                    

Rusty James / Rumble Fish

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site fr.pinterest.com

de Francis Ford Coppola. 1983. U.S.A. 1h34. Avec Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Dennis Hopper, Diana Scarwid, Vincent Spano, Nicolas Cage, Chris Penn, Laurence Fishburne, William Smith.

Sortie salles France: 15 Février 1984. U.S: 21 Octobre 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Francis Ford Coppola est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 7 Avril 1939. 1963: Dementia 13. 1966: Big Boy. 1968: La Vallée du Bonheur. 1969: Les Gens de la pluie. 1972: Le Parrain. 1974: Conversation Secrète. Le parrain 2. 1979: Apocalypse Now. 1982: Coup de coeur. 1983: Outsiders. Rusty James. 1984: Cotton Club. 1986: Peggy Sue s'est mariée. 1987: Jardins de Pierre. 1988: Tucker. 1989: New-York Stories. 1990: Le Parrain 3. 1992: Dracula. 1996: Jack. 1997: l'Idéaliste. 2007: l'Homme sans âge. 2009: Tetro. 2011: Twixt.

 

Entrepris la même année que Outsiders et, une fois encore, adapté d’un roman de Susan Eloise Hinton, Francis Ford Coppola se montre plus ambitieux avec Rusty James. Véritable expérience cinégénique, imprimée de la personnalité baroque du cinéaste. Fable sur la lassitude, la fuite du temps et l’aliénation existentielle, cette errance fantasmatique de deux frères entravés envoûte les sens par une mise en scène expérimentale à l’esthétique expressionniste. À travers ce tableau dérisoire d’une jeunesse désœuvrée, laminée par l’ennui, le chômage et la démission parentale, Rusty James rêve de devenir le leader des gangs de rue, à l’image de son frère aîné Motorcycle, légende urbaine déchue. Vaillant et pugnace, Rusty James ne possède pourtant ni l’adresse ni l’intelligence instinctive de son aîné pour s’imposer comme chef de bande. Ses infidélités, l’absence d’un père alcoolique et la disparition inexpliquée de sa mère l’amènent à se focaliser sur la réputation mythifiée de son frère, dans l’espoir d’y trouver un sens à sa terne existence. Mais le hic demeure : l’ancienne icône des bandes s’est rétractée, refusant de renouer avec une vie marginale jalonnée de rixes héroïques. Penseur mutique, prisonnier de songes autonomes, Motorcycle n’aspire plus qu’à errer dans la petite contrée d’Oklahoma, murmurant à l’oreille de Rusty que les combats de rue ne mènent qu’à une impasse.

                                        

Avec sa bande-son aussi idoine que décalée, ses bruitages industriels lancinants et sa photographie monocorde d’une splendeur hypnotique, Coppola façonne une Fureur de vivre muée en élégie existentielle. La distribution s’avère tout aussi inspirée : Matt Dillon, habité d’une fougue brute, fait face à son frère taciturne incarné par un Mickey Rourke fantomatique, entourés d’une galerie de seconds rôles marquants - Dennis Hopper en paternel alcoolique déchu, Chris Penn et Nicolas Cage en rebelles vaniteux, ou encore la suave Diane Lane en dulcinée trahie. Rusty James demeure ainsi une œuvre atypique, où l’atmosphère irréelle insuffle un sentiment d’échappée à travers le profil galvaudé de deux frères esseulés, privés de leur propre identité. Ce besoin de fuite en avant vers l’immensité d’un océan azur, cette soif de liberté latente exprimée par un Motorcycle méditatif, compose un poème désenchanté sur la fuite - furtive - du temps et l’échec personnel. Une temporalité récursive rappelant que le passage à l’âge adulte ne devient franchissable qu’au prix d’une vocation nouvelle, plus sociable, plus résignée.

 

 

Chef-d’œuvre contemplatif, plus substantiel, abstrait et art et essai que son cadet Outsiders, sur lequel le temps semble n’avoir aucune prise, Rusty James demeure un moment de cinéma précieux. Un partage d’émotions troubles entre deux frères, porté par un humanisme à la fois torturé et romanesque. Sublime, et d’une sidérante modernité dans son écrin rétro, le film rend un hommage vibrant aux récits de bandes des années 50.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

La chronique d'Outsiders: http://brunomatei.blogspot.fr/2011/11/outsiders-outsiders.html

26.10.22. 4èx. Vost

27.06.12.

                                     

THE CROSSING GUARD

Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com   

de Sean Penn. 1995. U.S.A. 1h51. Avec Jack Nicholson, David Morse, Anjelica Huston, Robin Wright, Piper Laurie, Richard Bradford, Priscilla Barnes, David Baerwald, Robbie Robertson, John Savage.

Sortie salles France: 15 Novembre 1995. U.S: 16 Novembre 1995

FILMOGRAPHIE: Sean Penn est un réalisateur, acteur, scénariste, producteur américain, né le 17 Août à 1960 à Santa Monica, en Californie. 1991: The Indian Runner. 1995: The Crossing Guard. 2001: The Pledge. 2007: Into The Wild. Prochainement: The Comedian

Un père de famille décide de se faire justice lui même après avoir appris la libération du chauffard, responsable de la mort accidentelle de sa fillette de 7 ans.

Après son premier coup de maître, Indian Runner, qui illustrait la quête existentielle d'un belligérant du Vietnam de retour dans son pays, Sean Penn revient quatre ans plus tard pour nous évoquer avec The Crossing Guard le deuil insurmontable d'un père de famille rongé par la haine et la vengeance.
Avec en tête d'affiche le monstre sacré Jack Nicholson, épaulé du non moins brillant David Morse, mais aussi de seconds rôles féminins peu communs (Angelica Huston et Robin Wright, divines de candeur fluette !), ce drame psychologique s'exacerbe un peu plus au fil d'un cheminement tortueux et indécis. En réalisateur empli d'humanisme, Sean Penn transforme une simple histoire de vengeance en poème opaque auquel les thèmes de la culpabilité, la rancoeur, le pardon et la vengeance sont transcendés par une mise en scène auteurisante réfutant les traditionnelles conventions. Ce face à face poignant entre un père de famille désabusé et un ancien chauffard ivre, responsable de la mort accidentelle de sa petite fille, se déroule de façon inopinée pour mettre en valeur leurs états-d'âme galvaudée. Sa densité narrative est de mettre en exergue le profil torturé de ces deux hommes psychologiquement anéantis par le deuil d'une innocence infantile. Le défunt paternel, habité par la rancune et la haine, se morfond lamentablement dans l'alcool et accumule les conquêtes d'un soir dans un night club de streap-tease avant de daigner commettre l'irréparable ! Alors que le coupable, dégagé de l'équité d'avoir purgé une peine de cinq ans de réclusion, prolonge sa condamnation dans les tourments de la culpabilité et du remord.

Avec l'entremise d'épisodes souvent impondérables, parfois teintées d'ironisme (la cliente hautaine de la bijouterie, la 1ère altercation entre les deux hommes dans la caravane) ou de plages de poésie prude (l'intrusion de Freddy dans la chambre de la fillette asiatique et l'épilogue crépusculaire confiné à un recueillement funéraire !), The Crossing Guard surprend par son iconoclasme et son empathie dépouillée. Comment surmonter son deuil d'avoir perdu sa chair de sang vertueuse et comment trouver la quiétude après sa soudaine disparition inéquitable ? Ce sentiment d'injustice et ce désir de justice expéditive est décuplé par un père de famille chétif, incapable de pouvoir réfréner ses pulsions malsaines liées au trépas punitif.
Si le coupable tente d'entamer de façon aléatoire une liaison amoureuse avec une jeune femme inapte à supporter son poids de culpabilité, sa peur et ses doutes de devoir trépasser sous les balles d'un justicier opiniâtre le contraint malgré tout à se défendre en désespoir de cause.
Sean Penn démontre ici que la victime et le coupable sont étroitement liés dans leurs névroses intrinsèques où culpabilité pour l'un et rancoeur pour l'autre vont les contraindre à s'affronter dans une démarche suicidaire afin de mettre un terme à leur affliction commune.

Emprunt de lyrisme et débordant d'humanisme rédempteur, The Crossing Guard interpelle dans son discours pacificateur imparti au pardon, à contrario de la rancoeur vindicative. Ce drame intense et bouleversant doit également son impact émotionnel grâce à l'interprétation d'illustres comédiens (l'immense Nicholson déambule à la manière d'un fantôme discrédité), sa structure narrative anticonformiste, sa mise en scène gracile et enfin son tube nonchalant, I miss you, interprété par la voix singulière de Bruce Springsteen.

26.06.12. 2èx
Bruno Matéï

Le Monstre est vivant. Prix Spécial du Jury à Avoriaz 1975

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinechange.com

"It's Alive" de Larry Cohen. 1974. U.S.A. 1h31. Avec John P. Ryan, Sharon Farrell, James Dixon, William Wellman Jr, Shamus Locke, Andrew Duggan, Guy Stockwell, Daniel Holzman, Michael Ansara, Robert Emhardt.

Récompense: Prix Spécial du Jury à Avoriaz, 1975

FILMOGRAPHIE: Larry Cohen est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 15 Juillet 1941. Il est le créateur de la célèbre série TV, Les Envahisseurs. 1972: Bone, 1973: Black Caesar, Hell Up in Harlem, 1974: Le Monstre est vivant, 1976: Meurtres sous contrôle, 1979: Les Monstres sont toujours vivants, 1982: Epouvante sur New-York, 1985: The Stuff, 1987: La Vengeance des Monstres, Les Enfants de Salem, 1990: l'Ambulance. - Comme Producteur: Maniac Cop 1/2/3. - Comme Scénariste: Cellular, Phone Game, 3 épisodes de Columbo.

Un puissant plaidoyer pour l'amour parental.

Le pitch : une femme accouche d’un bébé monstrueux dans un hôpital. Libéré dans la nature et confiné dans les égouts, le bambin perpétue une vague de crimes. La police locale entame une traque impitoyable, tandis que les parents tentent de déchiffrer leur éventuelle responsabilité.

Gros succès international malgré son échec à sa première sortie U.S. (il ne rencontrera la notoriété qu’après une ressortie trois ans et demi plus tard), Le Monstre est vivant doit beaucoup de son impact émotionnel au thème délicat de l’enfance galvaudée. Car à partir d’une idée incongrue, à la limite du grotesque — un bébé monstre commet une série de meurtres dans une paisible bourgade, qui l’eût cru ? — Larry Cohen extrait un film d’horreur intelligent, dont la force tient à son traitement social, évitant toute surenchère. Là où d’autres cinéastes, plus cupides ou moins scrupuleux, auraient sombré dans le grand-guignol racoleur (il suffit de jeter un œil, même furtif, à l’horripilant remake DTV de Josef Rusnak…), Cohen s’applique au contraire à prendre son sujet à bras-le-corps.

Il en résulte un drame humain à la fois poignant — le cruel épilogue, d’une acuité dramatique rare, provoque une empathie insoupçonnée envers le nourrisson terrorisé —, rigoureux et profondément inquiétant. La culpabilité des parents désemparés, les exactions du bébé, tout concourt à renforcer l’opacité d’une ambiance feutrée. Le prologue anthologique — un accouchement virant à l’horreur pure — en est une parfaite illustration : un médecin ensanglanté trébuche hors de la salle d’opération. Il n’en faut pas plus à Cohen pour véhiculer un climat anxiogène abrupt. Le père, alerté par cette apparition grotesque, se précipite vers la salle et découvre avec effroi l’horrible carnage. Tous les membres du personnel ont été sauvagement mutilés par le nourrisson difforme et carnassier — seule la mère, en état de marasme, a été épargnée. Échappé de l’hôpital, l’enfant sème la terreur et semble vouloir retrouver son cocon parental.

 

Avec une sobriété admirable, et en évitant autant que possible de dévoiler l’apparence du monstre par des plans laconiques, Le Monstre est vivant se transforme en traque implacable orchestrée par les forces de l’ordre. Mais pendant que la police s’acharne, les parents, désœuvrés, se consument dans une culpabilité rongeante. Larry Cohen, avec beaucoup d’humanisme, explore leurs états d’âme, broyés par la honte, la stupeur, l’incompréhension. Leur détresse résonne comme un cri d’impuissance dans une société drastique, amorale — où les médias, en quête de sensationnalisme, s’acoquinent à une police expéditive, incapable de traiter avec nuance le cas d’un monstre infantile privé de lien familial.

Le droit à la différence est ici mis à mal pour mieux dénoncer l’idéologie brutale d’un appareil policier souhaitant étouffer un fait divers dérangeant. L’intrigue, fragile, baigne dans une atmosphère ombrageuse qui vire à l’édifice dramatique quand le père — bouleversé par une compassion déchirante — choisit de ne pas tourner le dos à son rejeton. Quelle puissance d’expression dans le jeu de John P. Ryan, qui magnétise l’écran tout au long du récit ! Le père observe le désarroi de l’enfant, tremblant de peur, et tente de le rassurer, en ultime recours. Pour expliquer la pathologie de cette victime estropiée, Cohen semble pointer du doigt la dérive inquiétante de certains produits pharmaceutiques — notamment la pilule contraceptive, consommée par la mère huit mois avant l’accouchement. (De là à insinuer que Cohen serait contre l’avortement…). 

"Monstre est l’enfant, monstre est le monde".
Métaphore sur l’innocence pervertie, Le Monstre est vivant est une œuvre culte, sacrément couillue, d’avoir su aborder avec tant d’intelligence un thème aussi improbable. Grâce au brio d’un cinéaste capable de sublimer les scénarios les plus absurdes, le film échappe à la routine zédifiante pour devenir un drame puissant, dérangeant, presque inavouable. Cultivant un rythme volontairement languissant mais captivant, cette œuvre forte et bouleversante nous confronte aux choix moraux d’une famille démunie, coincée entre l’acceptation et la démission face au destin de son enfant. Le tout, sous le prisme du droit à la différence et des zones d’ombre de l’avortement, avec en toile de fond la menace insidieuse des médicaments en vente libre.

* Bruno
Dédicace à Isabelle Rocton
18.09.20. 5èx

25.06.12.