Deadgirl

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Marcel Sarmiento et Gadi Harel. 2008. U.S.A. 1h41. Avec Shiloh Fernandez, Noah Segan, Michael Bowen, Candice Accola, Andrew DiPalma, Eric Podnar, Nolan Gerard Funk, Christina Blevins

Sortie salles France: 31 Janvier 2009 (DTV). U.S: 19 Septembre 2008

FILMOGRAPHIE: Marcel Sarmiento est un réalisateur, acteur, producteur, scénariste américain. 2003: It's better to be wanted for murder than not to be wanted at all. 2007: Toi, moi... et mon chien. 2008: Deadgirl.  2012: The ABCs of Death. Gadi Harel est un réalisateur et scénariste israélien, né le 16 Mai 1971. 2002: Operation Midnight Climax. 2008: Deadgirl (Co-réalisateur)

 

Teen movie au vitriol sorti directement en DTV dans nos contrées, Deadgirl est un ovni putrescent, difficilement digérable par son absence totale d’empathie envers ses protagonistes et cette provocation jusqu’au-boutiste distillant un malaise poisseux avec une irresponsabilité désarmante. Pour l’anecdote, le film est tiré d’un scénario de Trent Haaga, ancien membre de l’écurie déjantée Troma, à qui l’on doit notamment Toxic Avenger 4 et de nombreux caméos dans diverses productions de la firme.

Le pitch. Dans les sous-sols d’un hôpital abandonné, deux adolescents découvrent un cadavre dévêtu. Surgie de nulle part, cette femme en voie de putréfaction s’avère être une zombie enchaînée sur une table d’opération. Comment est-elle arrivée là, par qui, et depuis quand ? On ne le saura jamais. Pas plus que l’origine de ce chien-cerbère surveillant les alentours, comme voué à la protéger. L’un des deux étudiants décide alors de la violer, sombrant aussitôt dans un culte de la perversion.

À la sortie de la projo, il est presque indécent de dévoiler ses impressions tant l’expérience amorale semble dénuée de raisonnement, prisonnière des motivations putassières d’une bande de teenagers décomplexés. Avec la volonté évidente de choquer le spectateur et de l’entraîner dans un bad trip inédit (la séquestration d’un cadavre mourant restant un cas d’école dans les annales du zombie movie), Marcel Sarmiento et Gadi Harel n’hésitent jamais à renchérir dans le sordide, nous immergeant dans leurs exactions sexuelles.

Gang bang volontiers émétique à travers les échanges avec une esclave zombie. Épaulé par une photographie blafarde et des décors rubigineux, Deadgirl instille un malaise persistant en étalant les états d’âme véreux d’ados écervelés, galvanisés par les penchants nécrophiles de leur leader. Seul son acolyte restera l’élément le moins corruptible, parce que plus sensé, bien qu’incapable d’affirmer son refus ou d’extérioriser ses remords. Vivant reclus dans un foyer fracturé, entre l’absence de sa mère et la présence inhospitalière d’un beau-père alcoolique, Rickie rêve de conquérir une lycéenne inaccessible, déjà engagée auprès d’une “terreur” du lycée. Embarqué dans cette sordide spirale et incapable d’imposer une autorité, il se réfugie dans les bas-fonds de l’hôpital pour assister aux abus nécrophiles. Le climat nauséeux, l’ambiance de claustration, cette pièce calfeutrée où les lycéens s’embrigadent, convoquent un sentiment d’impuissance et de voyeurisme malsain. Sans issue, les réalisateurs prolongent l’épreuve de force immorale avec parfois une ironie sardonique déconcertante (la tentative grotesque d’enlèvement d’une fille stoïque sur un parking), jusqu’à une conclusion nihiliste, refusant la rédemption de l’amour. On sort de l’expérience incongrue aussi étrangement fasciné qu’éprouvé, avec l’amertume d’avoir participé à un délire scabreux dénué d’éthique.

L’Amour à mort.
Sous couvert de frustration sexuelle, de remise en question morale et d’émoi amoureux, Marcel Sarmiento et Gadi Harel dissèquent le malaise adolescent avec un parti pris aussi radical que profondément dérangeant. Deadgirl s’apparente alors à un teen movie nécrosé, véritable cauchemar existentiel d’une jeunesse dépravée, totalement larguée par la décence de la tendresse sentimentale. Quoi qu’on en dise, l’expérience a le mérite de réfuter les conventions de l'entertainment pour revendiquer son constat immoral, nous plongeant dans les abysses d’une horreur fétide difficilement oubliable.

À découvrir avec précaution.

— le cinéphile du cœur noir

25.09.13. 
15.01.24. 3èx

CURSE OF CHUCKY

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site bloody-disgusting.com

de Don Mancini. 2013. U.S.A. 1h33. Avec Brad Dourif, Fiona Dourif, Danielle Bisuttin, A Martinez, Brennan Elliott, Chantal Quesnelle, Kevin Anderson.

Sortie salles France: 1er Novembre 2013 (DTV). U.S: 8 Octobre 2013 (DTV)

FILMOGRAPHIE: Don Mancini est un scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 25 Janvier 1963.
2004: Le Fils de Chucky
2013: Curse of Chucky

9 ans ! C'est le temps qu'il aura fallu à Chucky pour remonter les marches et se refaire une santé vers nos salles obscures, ou plutôt devant la lucarne de notre téléviseur puisque Curse of Chucky est directement passé par la trappe DTV ! Au vu du résultat désastreux du produit, on comprends aisément qu'une exploitation au cinéma aurait été une sacré prise de risque, voir un suicide commercial imparable. Alors pourquoi ce Dtv réalisé par le scénariste attitré de la saga, Don Mancini, (déjà responsable de l'excellent l'opus précédent, le Fils de Chucky), se vautre dans la banalité avec une telle insignifiance ? A cause d'un scénario inepte affligeant de bêtise, de comédiens stéréotypés dénués de toute psychologie et se situations rebattues de plus en plus lassantes.

Si le prologue futilement plaisant et son générique techniquement retors annonçait une éventuelle série B sympathique, la suite des évènements va prendre une tournure toujours plus conventionnelle quand Don Mancini tente de distiller un suspense lattent avant d'escompter les prochaines exactions de notre poupée de sang ! (la séquence du souper empoisonné s'avère un bon exemple pour la science de son intensité attendue !).
En guise de deuil, et avec l'aimable présence d'un prêtre, un trio d'amants vient rendre visite à Nica, jeune célibataire impotente vivant recluse parmi l'assistance de sa mère. Mais un mystérieux colis laissé par le facteur va transformer leur paisible existence en canular cauchemardesque !
Durant 45 minutes, on tente de s'attacher à nos personnages dans le huis-clos restreint de cette demeure familiale auquel une soeur cupide tente de négocier à son aînée handicapée la revente de la maison familiale depuis le décès accidentel de leur mère. Pour accentuer le côté manipulateur de la mégère, celle-ci fornique avec une femme de ménage topless ATTENTION SPOILER !!! alors que son mari suspicieux a déniché une trouvaille ingénieuse pour la surveiller (planquer une mini caméra dans la poche de vêtement de Chucky !). FIN DU SPOILER. 

Ce genre d'idées inutiles, Curse of Chucky en regorge, à l'instar de l'étroite relation que le réalisateur souhaite raccorder avec le premier volet de la saga initiée par Tom Holland. Avec une certaine prétention et refus d'ironie mordante, le réalisateur improvise une filiation parentale afin de justifier les nouvelles motivations vindicatives de Chucky, mais aussi démystifier l'handicap corporel de notre héroïne. Et à se prendre trop au sérieux, ce Dtv trivial est donc plombé par une quasi absence de délire sardonique et la fadeur de quelques meurtres routiniers, à deux exceptions près ! (ATTENTION SPOILER !!! la mort du prêtre et celle du mari FIN DU SPOILER). Même son épilogue à tiroirs, clins d'oeil caustiques aux deux récents épisodes, ne fait preuve d'aucune originalité pour tenter de nous surprendre avec l'apparition d'une icone sexuelle ! Sans vouloir faire preuve de mauvaise foi, j'ajoute enfin que notre poupée molle du genou fait ici pâle figure car elle semble fatiguée à daigner commettre ses nouveaux forfaits (le caractère haletant des dernières altercations est dénué de toute intensité) tout en tentant d'inculquer sa doctrine auprès d'une fillette (le rejeton docile de la soeur infidèle).  

Out of order
Par son absence totale de suspense, d'originalité, de terreur et de rythme alerte, Curse of Chucky s'avère le plus mauvais épisode de la saga, d'autant plus desservi par une facture télévisuelle blafarde (la plupart des séquences se déroulant le plus souvent dans une lumière nocturne). Et il faudra sans doute faire preuve d'indulgence pour trouver l'ensemble distrayant.

24.09.13

Bruno Matéï

                                     

Hostel, Chapitre 2 (Hostel: Part 2)

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Eli Roth. 2007. U.S.A. 1h35. Avec Lauren German, Bijou Philips, Heather Matarazzo, Jay Hernandez, Roger Bart, Vera Jordanova.

Sortie salles France: 11 Juillet 2007. U.S: 8 Juin 2007

FILMOGRAPHIE: Eli Roth est un réalisateur américain, né le 18 Avril 1972 à Boston.
2002: Cabin Fever. 2006: Hostel. 2007: Thanksgiving (faux trailer). 2007: Hostel 2. 2009: Nation's Pride - Stolz der Nation (trailer). 2013: The Green Inferno.

Rares sont les suites qui parviennent à supplanter leur modèle. Jubilatoire et fascinant autant qu'inquiétant et profondément dérangeant par son ultra perversité hallucinée.

Durant le phénomène du torture porn initié par Saw, Eli Roth nous offrit également sa copie avec un pur film d'exploitation moins roublard mais tout aussi hardcore, Hostel. Un an plus tard, il décide de  remettre le couvert avec ce second chapitre toujours produit par son compère Quentin Tarantino. Hostel 2 reprend donc le même concept linéaire auquel de traditionnels touristes égarés en Slovaquie deviendront les futurs cobayes de rupins assoiffés de sang et de perversité. Sauf qu'en l'occurrence, les victimes ne sont plus de jeunes dragueurs machistes mais trois fêtardes un peu trop influençables (tout du moins chez 2 d'entre elles). Avec sa photo saturée et l'aspect flamboyant de décors stylisés (la fête ésotérique au sein du village, la pièce des trophées où sont étagées les têtes décapitées, l'antichambre des tortures gérée à l'instar d'une forteresse), Eli Roth nous plonge dans un nouveau bain de sang où l'art du supplice est négociée aux enchères par la téléphonie mobile de riches notables. De par l'efficacité d'un suspense expectatif, Hostel 2 joue autant la carte de l'humour noir violemment sardonique que de la perversité innommable sous l'entremise de deux bourgeois en quête de plaisir morbide. En appréciant la méchanceté de son intensité dramatique en crescendo dénuée de concession. 

Alors que l'un s'excite à l'idée de commettre ses horribles méfaits sur une jolie étudiante, l'autre semble beaucoup plus distant et timoré à oser braver l'interdit. C'est dans la caractérisation de ces antagonistes maladifs, deux pères de familles aisés qu'Eli Roth prend soin de nous développer leur divergence morale. Roger Bart (découvert dans la série Desperate Housewives) insufflant une complexité psychologique dans son esprit introverti et refoulé, faute d'une mégère asexuelle, mais néanmoins rattrapé par ses pulsions misogynes. En père de famille contrairement serein et plein d'aplomb, Richard Burgi (également issu de la même série TV !) lui partage la vedette avec un cynisme pervers autrement assumé. La densité névrotique qu'ils véhiculent spontanément s'avère donc l'atout capital pour l'entreprise de ce second chapitre. Quand aux trois jeunes étudiantes, consécutivement endossées par Lauren German, Bijou Phillips et Heather Matarazzo, elles réussissent à nous retransmettre leur douleur morale et leur affres de la mort avec une fragilité féminine beaucoup plus empathique que nos machistes lubriques du précédant opus. En manipulatrice aguicheuse oh combien insidieuse, la sublime et longiligne Vera Jordanova impose l'antinomie d'une prédatrice vénale sous son regard noisette de louve mesquine.

Emaillé de séquences chocs douloureuses et radicales (le supplice du bain de sang inspiré par la comtesse Elisabeth Bathory est une scène d'anthologie à marquer d'une pierre blanche), non exempt d'humour potache vers son dernier quart d'heure festif (le dîner anthropophage que Ruggero Deodato pratique en autodérision, la partie de foot des orphelins avec une tête décapitée, l'émasculation risible), Hostel 2 bénéficie d'un savoir-faire infaillible auprès de son efficacité métronome culminant à l'horreur hardcore aussi incisive que dérangeante. Son constat social sur la cupidité démontrant aussi avec ironie mordante à quel point l'argent, la richesse, le pouvoir peuvent conditionner les bas instincts des fortunés les plus dépravés. Une séquelle supérieure à son modèle donc, techniquement mieux maîtrisée, formellement rutilante (avec un sens du détail constamment stylisé !), si bien que l'effet de surprise est (miraculeusement) renouvelé de par la densité psychologique des antagonistes et des victimes soumises s'efforçant de s'extirper de l'atrocité avec une force d'expression à la fois démunie et hystérisée. A ne pas rater, en le priorisant toutefois à un public aguerri (il est d'ailleurs interdit aux - de 16 ans). 

La Chronique de Hostel: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/01/hostel.html

*Bruno Matéï
19.09.13. 
23.04.22. 3èx

Philadelphia Experiment. Meilleur Film au Fantafestival, 1985

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Stewart Raffill. 1984. U.S.A. 1h42. Avec Michael Paré, Nancy Allen, Eric Christmas, Bobby Di Cicco, Louise Latham, Stephen Tobolowsky.

Sortie salles France: 16 Janvier 1985. U.S: 3 Août 1984

FILMOGRAPHIE: Stewart Raffill est un réalisateur et scénariste américain, né le 27 Janvier 1942 au Royaume-Uni. 1971: The Tender Warrior. 1974: When the North Wind Blows. 1975: La Liberté Sauvage. 1976: Across the Great Divide. 1978: Les Naufragés de l'île perdue. 1981: Les Risques de l'Aventure. 1984: The Ice Pirates. 1984: Philadelphia Experiment. 1988: Mac et Moi. 1991: Mannequin: on the move. 1994: l'Ami Africain. 1994: Tammy and the T-Rex. 1998: Les Naufragés du Pacifique. 1999: Grizzly Falls. 2001: A Month of Sunday. 2005: Survie: les naufragés. 2007: Croc (télé-film). 2007: Bad Girl Island. 2010: Standing Ovation.

Dans la lignée de Nimitz, Retour vers l'enfer, Philadelphia Experiment inverse sa situation temporelle pour confronter deux gabiers des années 40 dans l'époque contemporaine de 1984. Car suite à une expérience scientifique destinée à rendre invisible un navire de guerre des radars ennemis, nos deux matelots se retrouvent projetés 41 ans plus tard sur le même lieu de leur disparition. Au même moment, dans une base militaire, le Dr Longstrat s'aperçoit qu'une ville côtière a entièrement disparu ! Inspiré d'une légende urbaine fondée sur l'expérience de Philadelphie (Project Rainbow) qui aurait consisté à rendre invisible le navire USS Eldridge le 23 Octobre 1943, Philadelphia Experiment joue la carte de la série B en alternant fougueusement action, science-fiction et bons sentiments à rythme métronomique.  Nancy Allen / Michael Paré demeurant très attachants en héros de dernier ressort apprenant à se connaître pour finalement s'étreindre amoureusement au fil d'un cheminement investigateur fertile en mauvaises rencontres policières, courses poursuites (sur bitume et à travers champs) et revirements dramatiques (la disparition de son ami et surtout ses retrouvailles avec Jim et Pamela s'avérant les moments les plus poignants du film).

Ainsi, à travers sa folle histoire rocambolesque (estampillée John Carpenter) et sa mise en scène aussi modeste que scrupuleuse à l'écoute de ses personnages, Stewart Raffill combine avec réelle efficacité l'action trépidante (les diverses courses-poursuites de nos héros amorcées contre les forces de l'ordre, les quelques incidents mortels qui s'ensuivent, l'altercation dans l'hôpital) et l'anticipation technologique épaulée d'effets spéciaux assez crédibles (avec en sus, l'emploi de certaines images de synthèses) pour s'immerger avec volupté dans la brèche temporelle. Emaillé de surprenants soubresauts (la ville soudainement ensevelie dans l'espace temps) et d'idées pittoresques (le futur président Ronald Regan jouant les cowboys dans les westerns de série B, la diffusion des Monstres de la mer à la TV d'un bar que nos héros reluquent, les punks accoutrés de crêtes colorées, le travelo racolant David lors de sa garde à vue !), Philadelphia Experiment se décline en palpitant divertissement  plein de charme et de nobles sentiments qu'on ne retrouve guère aujourd'hui. L'humilité des protagonistes ainsi que la trogne affable des seconds rôles renforçant le charme rétro de ce voyage temporel inscrit dans la volonté d'y braver ses doutes et ses peurs en tentant de percer la vérité d'une expérience incongrue.

Rondement mené à travers une moisson de sentiments à la fois mélancoliques et exaltants, d'anticipation débridée et d'actions soumises au fil narratif, Philadelphia Experiment  demeure une réjouissante série B qui saura encore séduire la génération 80 la plus sensible. Si bien que son charme candide dénué de toute forme de prétention nous parait aujourd'hui encore plus probant (ou alors aussi expressif) au sein de notre époque davantage pisse-froid et obscurantiste, et ce à l'aide d'une pointe de nostalgie gratifiante. Au demeurant, je peux même prétendre aujourd'hui (passé le 4è visionnage !) qu'il s'agit d'une des meilleures séries B des années 80 (qui plus est beaucoup plus réussie, fascinante et captivante que son homologue Nimitz, retour vers l'Enfer). 

*Bruno
24.09.21. 4èx

18.09.13

Ci-joint la chronique video de Jean-Marc Micciche: 

Le Facteur sonne toujours 2 fois / "The Postman always rings twice"

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

de Bob Rafelson. 1981. U.S.A. 2h00. Avec Jack Nicholson, Jessica Lange, John Colicos, Michael Lerner, William Traylor, John P. Ryan, Angelica Huston.

Sortie salles U.S: 20 Mars 1981

FILMOGRAPHIE: Bob Rafelson est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 21 Février 1933 à New-York. 1968: Head. 1970: Cinq pièces faciles. 1972: The King of Marvin Gardens. 1976: Stay Hungry. 1981: Le Facteur sonne toujours 2 fois. 1986: La Veuve Noire. 1989: Aux Sources du Nil. 1992: Man Trouble. 1996: Blood and Wine. 1998: Poodle Springes (télé-film). 2002: Sans motif apparent.

Remake du film homonyme de Tay Garnett, adapté du célèbre roman de James M. Cain, le Facteur sonne toujours 2 fois adopte une démarche plus sulfureuse sous la houlette du réalisateur Bob Rafelson pour l'audace d'un érotisme torride (le coït dans la cuisine reste dans toutes les mémoires). Réunissant deux illustres acteurs incarnant avec passion un duo d'amants diaboliques, ce thriller habilement charpenté allie leur romance déchue avec une acuité émotionnelle somme toute élégiaque. 

Le pitch: Dans le Middle-West des années 30, deux amants paumés vont tenter de se débarrasser du mari gênant afin d'assouvir leur nouvelle relation. Mais rien ne se déroulera comme prévu...  

Auréolé d'une aura de scandale dès sa sortie internationale pour la verdeur érotique de sa séquence pré-citée, le Facteur sonne toujours deux fois continue toujours de surprendre à travers la violence ardente d'ébats passionnels. Si bien que cette charge torride que Jessica Lange et Jack Nicholson retransmettent vigoureusement enveloppe tout le récit par leur complicité faillible et leur désespoir amoureux à tenter de fonder une aubaine conjugale.

Sous ses atours de thriller criminel au suspense sous-jacent et aux rebondissements parfois fortuits - notamment à travers les magouilles édifiantes de la jurisprudence - Bob Rafelson transcende le drame passionnel pour sublimer le portrait subversif d’amants broyés par leur frustration sociale. Par l’élégance formelle de sa mise en scène appliquée - reconstitution soignée de l’après-crise de 1929, baignée d’une photo sépia - Le Facteur sonne toujours deux fois nous ensorcelle dans un climat feutré où deux amants s’enfoncent dans la déveine à mesure que leur entreprise crapuleuse s’accomplit.

En amant meurtrier, Jack Nicholson magnétise l’écran, endossant avec ambiguïté la figure d’un marginal flâneur et infidèle, mais résolument déterminé à conquérir sa dulcinée. Paumée et effrontée, débordante de fragilité amoureuse, Jessica Lange lui donne la réplique avec une complicité vénale empreinte d’idéologie immorale. La beauté suave qu’elle dégage, la charge sensuelle violente qu’elle distille à travers son regard doucement carnassier insufflent un jeu de séduction digne des grandes figures fatales. Corps et âme, les deux interprètes composent un couple fébrile, aussi désespéré que délétère, nourrissant l’envoûtement malsain de leur névrose commune.

Déclinaison charnelle portée par une aura érotique omniprésente, un score mélancolique entêtant et l’alchimie incendiaire du couple Nicholson / Lange, transperçant l’écran par la fusion de leurs corps et de leurs pulsions, Le Facteur sonne toujours deux fois oppose le thriller érotique au drame romanesque avec une intensité émotionnelle profondément bouleversante. Un classique ambitieux et résolument moderniste qui, à mon sens - subjectif et assumé - transcende même son modèle notoire, autrement plus prude et docile. Une fois n’est pas coutume. 

— le cinéphile du cœur noir 🖤
16.09.13. 3èx

La Colline a des yeux / The Hills Have Eyes. Prix du Jury à Catalogne

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site thefilmpilgrim.com

de Wes Craven. 1977. U.S.A. 1h29. Avec Susan Lanier, Robert Houston, Martin Speer, Dee Wallace Stone, Russ Grieve, John Steadman, James Whitworth, Virginia Vincent, Lance Gordon, Michael Berryman.

Sortie salles France: 20 Juin 1979. U.S: 22 Juillet 1977

FILMOGRAPHIE: Wesley Earl "Wes" Craven est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur et monteur né le 2 Aout 1939 à Cleveland dans l'Ohio. 1972: La Dernière maison sur la gauche, 1977: La Colline a des yeux, 1978: The Evolution of Snuff (documentaire), 1981: La Ferme de la Terreur, 1982: La Créature du marais, 1984: Les Griffes de la nuit, 1985: La Colline a des yeux 2, 1986: l'Amie mortelle, 1988: l'Emprise des Ténèbres, 1989: Schocker, 1991: Le Sous-sol de la peur, 1994: Freddy sort de la nuit, 1995: Un Vampire à brooklyn, 1996: Scream, 1997: Scream 2, 1999: la Musique de mon coeur, 2000: Scream 3, 2005: Cursed, 2005: Red eye, 2006: Paris, je t'aime (segment), 2010: My soul to take, 2011: Scream 4.

                      "Ma première décision a été de filmer comme dans les actualités". Wes Craven

 

"Carnage au bout du désert".

Cinq ans après le traumatisme La Dernière Maison sur la Gauche, Wes Craven renoue avec l’ultra-violence en mode docu-vérité avec La Colline a des Yeux. Vaguement inspiré d’une légende écossaise du XVe siècle, le film retrace la survie d’une famille de vacanciers face à l’offensive d’une bande de cannibales, quelque part dans le désert du Nouveau-Mexique. Non content d’avoir ébranlé des millions de spectateurs avec son premier long, Craven persiste dans l’horreur craspec avec ce survival d’une rare intensité.

Grâce à un concept aussi débridé qu’original — planquée derrière ses collines, une famille de rednecks sauvages attaque les voyageurs pour les bouffer — La Colline a des Yeux provoque une stupeur inédite. La trogne patibulaire des cannibales, leur défroque de peaux de bêtes, évoquent un retour brutal à l’époque de Néandertal. Et les paysages rocailleux, brûlés de soleil, renforcent ce sentiment de dépaysement insolite qu’on observe avec une fascinante anxiété. Là-dessus, Craven excelle à instiller dans sa première partie une atmosphère crépusculaire, presque suffocante, lorsque les vacanciers, désorientés, errent autour de leur caravane après la disparition du père, trop longtemps absent.

Passée cette mise en place d’une angoisse sourde, Craven fait exploser une violence insoutenable : deux des cannibales parviennent à s’introduire dans la caravane, et ce qui suit relève d’un carnage d’un réalisme sec, frontal, glaçant. La brutalité saisit à la gorge. Les corps tombent. L’horreur devient insupportable, tant la sauvagerie s’abat sur ces victimes avec une cruauté implacable. Le spectateur, cloué, subit cette déferlante de haine et d’inhumanité. La femme paie le prix fort. Un bébé frôle la mort. La tension atteint son paroxysme, et elle n’a rien perdu de sa puissance, même aujourd’hui.

La dernière partie — la plus incisive, la plus nerveuse — s’engage alors dans la voie du revenge. Dans un élan de survie, les derniers rescapés retournent la violence contre leurs tortionnaires. Ils improvisent, piègent, tuent. Comme dans La Dernière Maison sur la Gauche, Craven interroge la frontière entre justice et barbarie. Il ausculte ce point de bascule où l’homme civilisé, brisé par l’injustice, devient à son tour un monstre, mû par une pulsion primitive plus haineuse encore que celle de ses agresseurs. Le montage nerveux, les altercations haletantes, la rage brute des corps au combat : tout nous implique. On serre les dents avec eux, on s’enfonce dans cette rancune malsaine qui gomme les différences entre l’homme et l’animal.

"Anthropophagie américaine".

Des décennies après sa sortie, La Colline a des Yeux n’a rien perdu de sa vigueur estomaquante ni de son efficacité sauvage. Son humour noir, sec, vitriolé, en renforce encore l’étrangeté grinçante. Une œuvre culte, puissamment éprouvante — peut-être l’une des plus viscérales de son auteur, si l’on accepte, çà et là, une certaine rudesse de mise en scène.

 

*Bruno

13.09.13. 6èx

 

Récompense: Prix du Jury au Festival International de Catalogne, 1977

La Chronique de la Colline a des Yeux (2006): http://brunomatei.blogspot.fr/20…/…/la-colline-des-yeux.html

"Visiblement, ce film de Wes Craven est destiné à épouvanter. C'est surtout sa médiocrité qui fait peur"
Jean-Paul Grousset, Le Candard Enchaîné, 27 Juillet 1979

"C'est horrible et totalement abject." Jean Wagner, Télérama, 04 Juillet 1979

"Lorsque le réalisateur n'a d'autre préoccupations que de mettre en images un spectacle de violence complaisant flattant les plus bas instincts de racisme et d'intolérance, on n'obtient des films comme (...) l'odieux La Colline a des Yeux. (...) Par son efficacité et par son sens de l'effet immédiat, La Colline a des Yeux est, ni plus ni moins, une incitation au crime."
Gilles Gressard, Mad Movies, Juin 1980.

"La Colline a des yeux est le film le plus écoeurant et le plus estomaquant que j'ai vu de toute ma vie."
Sam Raimi.

La réception de la Colline a des yeux en France n'a rien de glorieux. Il sort discrètement durant le mois de Juillet 1979. Sans vraie promotion, le film est descendu en flèche par la majorité des critiques. Moins offensés qu'affligés, ils témoignent de leur consternation devant cette "chose" qu'ils ne comprennent pas. Seul, l'ECRAN FANTASTIQUE se fend, sur le tard, d'une critique élogieuse.

ATTENTION, LES ENFANTS REGARDENT

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Serge Leroy. 1978. 1h43. France. Avec Alain Delon, Sophie Renoir, Richard Constantini, Thierry Turchet, Tiphaine Leroux, Adelita Requena, Henri Vilbert.

FILMOGRAPHIE: Serge Leroy est un réalisateur français, né le 14 Mai 1937 à Paris, décédé le 27 Mai 1993.
1973: Le Mataf. 1975: La Traque. 1977: Les Passagers. 1978: Attention, les enfants regardent. 1981: Pause-café. 1982: Légitime Violence. 1983: L'Indic. 1985: Double Face (téléfilm). 1985: Le Quatrième Pouvoir. 1988: Contrainte par corps. 1989: Pause-café, pause tendresse. 1989: Une saison de feuilles (télé-film). 1991: Les Cahiers Bleus (télé-film). 1992: Maigret chez les Flamands (télé-film). 1992: Maigret et le corps sans tête (télé-film). 1993: Taxi de Nuit.

Thriller à suspense méconnu car peu diffusé à la TV et occulté par une majorité de cinéphiles, Attention, les Enfants regardent est, à l'instar de Demain les Mômes, l'une des rares réussites françaises à avoir su traiter du thème de l'enfance diabolique. Avec la présence notable d'Alain Delon, en vagabond condescendant, et un quatuor d'enfants étonnamment crédibles, cette oeuvre dérangeante pointe du doigt les effets néfastes de la TV envers son jeune public, particulièrement l'influence de la violence complaisamment illustrée au cinéma.

A la suite de la noyade de leur majordome, des enfants livrés à eux mêmes, car dispensés de l'autorité parentale, profitent de leur autonomie au sein d'une villa familiale. Mais un inconnu, préalablement témoin de l'accident meurtrier, décide de les faire chanter afin de pouvoir séjourner dans la maison.
Avec réalisme et efficacité, le réalisateur de la Traque autopsie ici la dégénérescence morale d'une bande de marmots indisciplinés, car livrés à l'anarchie depuis que leurs parents ont plié bagage à l'étranger. Profitant d'une liberté totale, nos quatre bambins s'autorisent tous les excès afin de pouvoir s'épanouir dans les loisirs et refonder un semblant de vie quotidienne en s'inspirant de celle de leurs parents. Malencontreusement, ils vont devoir se mesurer à l'intrusion d'un étrange inconnu surgi de nulle part. Avec l'influence perverse de l'aînée autoritaire, les cadets vont peu à peu se laisser endoctriner pour tenter de commettre un assassinat. Déjà responsable de la mort accidentelle de la bonne, les enfants semblent de plus en plus détachés de leur nouveau train de vie pour oser commettre l'irréparable. Sous le mode du thriller psychologique, Serge Leroy allie le drame social tristement actuel puisqu'ici, des gosses de riches vont s'inspirer de la violence vue à la télé pour se débarrasser d'adultes autoritaires afin de prolonger leur libre indépendance.

Carré blanc 
Cri d'alarme envers la démission parentale auquel l'enfant indiscipliné, dénué de repère, n'a plus aucune notion du bien et du mal, Attention les Enfants regardent véhicule une inquiétude sous-jacente jusqu'au malaise éprouvé face à la culpabilité des médias. Avec une certaine audace, Serge Leroy façonne un curieux suspense psychologique, d'autant plus que l'innocence machiavélique des enfants insuffle une aura insolite au climat éthéré de la pellicule. 

La Chronique de La Traque: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/03/la-traque.html
12.09.13. 2èx
Bruno Matéï

Explorers

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site zootropita.wordpress.com

de Joe Dante. 1985. U.S.A. 1h46 (1h49 extented cut). Avec Ethan Hawke, River Phoenix, Jason Presson, Dick Miller, Bobby Fite.

Sortie salles France: 18 Décembre 1985. U.S: 12 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984). 1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978: Piranhas,1981 : Hurlements (The Howling) 1983 : La Quatrième Dimension (Twiling Zone the Movie), troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich (Amazon Women on the Moon), 5 sketches 1987 : L'Aventure intérieure, 1989 : Les Banlieusards (The 'burbs) 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération (Gremlins 2 The New Batch) 1993 : Panic sur Florida Beach (Matinee) 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action (Looney Tunes : Back in Action) 2006 : Trapped Ashes , premier segment,Wraparound. 2009: The Hole.

De la magie à l'état pur injustement infortunée, bain de jouvence afin de stimuler l'enfant tapi en nous.

Un après le succès planétaire de Gremlins, Joe Dante revient avec un cinéma plus intime pour autant fantasque et débridé (l'anthologie du final cartoonesque) dans ce moment de féerie en apesanteur que symbolise Explorers. Une aventure spatiale insensée auquel un trio de bambins malicieux décide de voyager dans l'espace à l'aide d'une capsule confectionnée de bric et de broc. Divertissement familial par excellence, Explorers s'inscrit dans une démarche si intègre à daigner illustrer un conte fantastique influencé par le sens du merveilleux. A l'instar lyrique de ces séquences de rêve aériennes que l'un de nos héros matérialise durant son sommeil afin de s'évader de sa routine. Avec d'étonnantes plages de poésie aux trucages toujours aussi persuasifs (les premiers essais scientifiques avec la bulle, leur escapade nocturne à bord de leur capsule, l'odyssée spatiale qui s'ensuit et leur rencontre extravagante avec les E.T), Explorers nous entraîne dans une expédition fantasmatique parmi la curiosité de gamins avides de découverte auprès d'univers insondables. Ainsi, de par le refus des conventions et du stéréotype, Joe Dante nous caractérise des aventuriers infantiles infiniment attachants et fragiles à travers leur carapace humaine. Dans la mesure d'une réflexion existentielle avec la nature belliqueuse de l'homme (son instinct délibérément destructeur entraperçu à travers le cinéma de série B) et d'une quête sentimentale pour leurs premiers émois amoureux (la relation naissante de Ben avec sa voisine de palier). 

Pas de marmots turbulents donc complaisamment interprétés mais de p'tits génies attendrissants férus de soif de découverte auprès des galaxies stellaires. Au-delà de son hymne à l'exaltation du rêve, Explorers demeure notamment un vibrant hommage au cinéma de science-fiction des années 50, (particulièrement la Guerre des mondes) à travers l'aspect exubérant des extra-terrestres et des décors kitchs particulièrement insolites (le dédale industriel du vaisseau spatial jonché de chambres multiformes ne cesse de nous dépayser avec curiosité). Mais l'aspect le plus jouissif s'avère la confrontation entreprise entre nos voyageurs en herbe et les monstres tentaculaires d'apparence "fluo".  Et donc, à travers leur tentative de communication, Joe Dante nous énonce en filigrane une satire acide de la sous-culture, du consumérisme et du pouvoir de la télévision auquel les êtres humains s'y sont vulgairement abreuvés ! (même si ici ce sont les enfants qui sont pointés du doigt). Si bien que depuis des siècles, nos extra-terrestres contemplatifs ont pu s'instruire à travers nos retransmissions audiovisuelles de jeux télévisés, de B movies et de show animés. Tenant un discours incohérent face à leurs invités terriens en parodiant machinalement les sketchs saugrenues de show TV, les martiens ironisent en diable à nous caricaturer tels des étrangers écervelés d'autant plus hostiles à travers notre démarche destructrice (annihiler l'étranger stellaire est le thème récurrent abordé dans la série B de science-fiction). 

Cap sur les Etoiles. 

Bijou immuable de fantaisie, d'inventivité, de tendresse et de féerie à l'instar d'une expédition humaine inoubliable, Explorers constitue une denrée caustique pour le divertissement familial car il s'adresse autant aux enfants méditatifs qu'aux adultes érudits pour sa satire assénée à la sous-culture.  

*Bruno

03.01.23. 4èx

11.09.13.

Mad-Max: Au delà du Dome du Tonnerre / Mad Max: Beyond Thunderdome

Photo empruntée sur Google, appartenant au site lluviadeestrellasenlaloberia.blogspot.com

de Georges Miller et George Ogilvie. 1985. Australie/U.S.A. 1h47. Avec Mel Gibson, Tina Turner, Bruce Spence, Adam Cockburn, Frank Thring, Angelo Rossitto, Paul Larsson.

Sortie salles France: 25 Septembre 1985. U.S: 10 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Georges Miller est un réalisateur, scénariste et producteur australien, né le 3 Mars 1945 à Chinchilla (Queensland). 1979: Mad-Max. 1981: Mad-Max 2. 1983: La 4è Dimension (dernier segment). 1985: Mad-Max : Au-delà du dôme du Tonnerre. 1987: Les Sorcières d'Eastwick. 1992: Lorenzo. 1997: 40 000 ans de rêve (documentaire). 1998: Babe 2. 2006: Happy Feet. 2011: Happy Feet 2. 2014: Mad Max 4; Fury Road. 

Avant-propos (du 24/05/23) : En espérant que, depuis la regrettable disparition de Tina Turner, ce magnifique opus humaniste soit enfin reconsidéré à sa juste valeur — avec une touche aujourd’hui autrement élégiaque.

Quatre ans après le phénomène planétaire Mad Max 2, George Miller rempile pour un troisième opus influencé par la notion humaniste de son héros déchu. Alors que des millions de fans espéraient un avatar aussi homérique que son modèle barbare, la déception fut rude pour une majorité d’aficionados. Or, avec lucidité — et le refus de remaker l’élite d’un western post-apo truffé de cascades ébouriffantes — Miller prend le risque de déconcerter son public avec ce troisième volet, autrement docile, assagi et optimiste que ses aînés. En jouant la carte du lyrisme et du dépaysement, Mad Max 3 nous dévoile cette fois un guerrier de la route apaisé, idéalisé par la candeur d’une escouade de sauvageons en quête d’apprentissage.

Pitch : Dans la cité de Trocpolis, où son véhicule vient d’être dérobé, Max est contraint de combattre vaillamment un adversaire colossal pour récupérer son bien et prendre le contrôle du monde souterrain. Épargnant in extremis son rival, il est condamné par leur leader au Goulag, vaste désert aride dénué de toute présence humaine. Ou presque. Car une tribu d’enfants pacifistes, gouvernée par la matriarche Savanah, va lui porter secours, persuadée que cet inconnu est le messie d’une ancienne prophétie : le Capitaine Walker. Une opportunité inespérée leur permettant d’envisager la réparation de leur Boeing accidenté et l’espoir d’amorcer un périple vers la contrée inexplorée d’une terre promise.

Œuvre maudite (euphémisme), tant elle fut dépréciée et conspuée par des puristes littéralement intransigeants, Mad Max 3 s’offre pourtant la subtilité de ne pas bêtement reproduire l’anthologie des cascades homériques sublimée dans les opus précédents. Influencé ici par le péplum (toute la première partie, trépidante, confinée autour du Dôme) et par le lyrisme exaltant de Lawrence d’Arabie (la traversée du désert de Max et sa confrérie), George Miller ne manque pas d’ambition pour nous transposer une flamboyante aventure humaine.

Un spectacle chargé de souffle romanesque, porté par un onirisme limpide et une quête initiatique de l’apprentissage. Sous l’égide d’une tribu d’enfants utopistes, Max réapprend à vivre, à renouer avec la cohésion fraternelle, en tentant d’exaucer une prophétie fantaisiste. Croire au rêve, croire en son destin : « Croyez en vos rêves et ils se réaliseront peut-être. Croyez en vous, et ils se réaliseront sûrement », disait Martin Luther King. Voilà, à mon sens, le message d’espoir qu’on peut déceler dans cette solidarité entre Max et sa troupe de bambins innocents, unis dans leur volonté de renouer avec civilisation et savoir.

Fort de ses décors éclectiques — aussi insolites (la cité de Trocpolis) qu’idylliques (l’oasis des enfants perdus) — Mad Max 3 renouvelle une fois encore sa scénographie post-apo, avec une ampleur singulière. Soin esthétique d’une photo ocre pour transcender l’urbanisation primitive en mutation, pureté opaline d’un désert clairsemé : George Miller nous fait partager, avec exaltation, un conte post-apo chargé d’optimisme, cristallisant l’horizon d’un avenir meilleur. Sans renier pour autant les fans d’action vrombissante, il renouvelle sa virtuosité technique et son imagination fertile — dans une première partie spectaculaire (toute l’action intense centrée à l’intérieur du Dôme, dont la conception s’avère d’un réalisme scrupuleux), et un point d’orgue frénétique qui renoue clairement avec l’esprit guerrier de Mad Max 2. À ce titre, la dernière course-poursuite, menée entre bolides erratiques et locomotive archaïque, culmine en une échappée aérienne à nous clouer au fauteuil.

A Tina...

Parmi l’apparition surprise de la chanteuse Tina Turner — surprenante de charisme animal, portée par le naturel d’un instinct belliqueux — et celle d’une tribu d’enfants dociles à l’aura presque féerique, Mad Max 3 réfute les conventions et la redite pour proposer un spectacle flamboyant, transi de lyrisme, de chaleur humaine et de poésie prude, tout en divertissant en bonne et due forme.

Scandé de l’inoubliable tube We Don’t Need Another Hero, ce troisième opus s’érige en magnifique odyssée humaine, dans la quête initiatique d’une terre nouvelle et la présence d’un héros quasi mystique. Un spectacle épique, d’une beauté immaculée, qu’il serait temps de réhabiliter — d’autant qu’il ne cherche jamais à se prendre au sérieux (l’humour malicieux étant omniprésent), tout en préservant, avec une grande sensibilité, une ambiance de quiétude, portée par une génération sacrifiée en voie de renaissance.

*Bruno

10.09.13. 4èx

Récompense: NAACP Image Award 1986: Meilleure Actrice pour Tina Turner.

La critique de Mad-Max 2: http://brunomatei.blogspot.fr/…/mad-max-2-mad-max-2-road-wa…

Dédicace à Jean-Marc Micciche

HEADHUNTERS (Hodejegerne)

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Morten Tyldum. 2011. Norvège/Allemagne. 1h40. Avec Aksel Hennie, Nikolaj Coster-Waldau, Synnove Macody Lund.

Sortie Dvd : 4 Septembre 2013

FILMOGRAPHIE: Mortem Tydum est un réalisateur et producteur. 2002: Folk flest bor i Kina (seghment "H"). 2003: Buddy. 2008: Varg Veum -Falne engler.  2011: Headhunters.

Amateurs de thriller roublard dénué de fioritures et mené sur un rythme alerte, Headhunters est conçu pour vous ! Injustement inédit en salles dans nos contrées, cette production venue de Norvège réfute à nous embarquer dans les situations balisées du divertissement policier grâce à un scénario saugrenu éblouissant de perspicacité ! Après avoir volé un tableau de grande valeur chez un ancien mercenaire, un cambrioleur va devoir user de stratagème pour sauver sa peau. Si la bonhomie de sa première demi-heure laisse craindre un polar conformiste, la suite des péripéties va redoubler de surprises et d'intensité pour mettre en exergue un survival implacable dans son esprit sardonique. Dans la lignée du protagoniste malchanceux de After Hours de Scorcese, Headhunters nous caractérise ici un antagoniste hétérodoxe dans sa petite posture (il mesure 1m 68 !) en cambrioleur rusé prochainement livré à la déveine. Par amour pour son élégante épouse avec qui il ne souhaite pas s'engager dans la paternité, Roger Brown cambriole des oeuvres d'art afin de pouvoir lui favoriser une vie luxueuse. Jaloux et possessif, notre chasseur de tête va bientôt se confronter à la rivalité d'un concurrent dragueur, Clas Greve, cadre supérieur autrefois mercenaire.

A partir d'un revirement banal inscrit dans l'adultère, le réalisateur Morten Tyldum va embarquer son anti-héros dans une dérive meurtrière aussi inopinée qu'improbable. Mais là où ce thriller retors frappe juste et fort, c'est dans sa manière de confronter nombre de vicissitudes avec réalisme et souci du détail alarmiste (à l'instar du jeu de regards monolithiques observé entre nos deux rivaux à travers une voiture accidentée) ! Par une succession de bévues aléatoires, Roger va donc devoir essayer de sauver sa peau contre un mercenaire opiniâtre mais aussi tenter d'effacer les preuves qu'il laisse derrière son chemin afin de masquer sa culpabilité ! La dextérité à laquelle Morten Tyldum fait preuve pour façonner une structure narrative incontrôlée ne cesse de nous surprendre pour mettre en valeur une chasse à l'homme ironiquement sanglante. Sévèrement malmené par ses rivaux hostiles et contraint de perpétrer des bravoures insensées pour sauver sa peau, Roger va se retrouver embarqué dans une odieuse machination où la cupidité règne en maître. En alternant les péripéties bondissantes totalement imprévisibles et l'empathie indécise confrontée au couple Adrian/Roger, le réalisateur peaufine un thriller frénétique rehaussé d'une poignante psychologie dans l'initiation du chasseur de tête. Car au-delà de l'aspect jouissif de cet intrépide survival, Headhunters peaufine notamment une histoire d'amour et de maturité dans la remise en question du malfrat infidèle, contraint de transcender sa jalousie et son manque de confiance par une bravoure exténuante.

Mis en scène avec une diabolique habileté et redoublant de revirements toujours plus insolents, Headhunters est le genre de petit thriller méconnu gagnant au fil du bouche à oreille son statut de perle du genre. Une oeuvre méchamment espiègle qui ne cesse de surprendre dans son florilège d'incidents meurtriers. Enfin, le duo infatigable formé par Aksel Hennie (au physique volontairement trivial) et Nikolaj Coster-Waldau (tout en virilité cynique !) véhicule une densité antinomique dans leur idéologie cupide. 

* Bruno
Dédicace à Cid Orlandu
09.09.13

Messe Noire / Evilspeak. Uncut Version

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site torrentbutler.eu

d'Eric Weston. 1982. U.S.A. 1h33. Avec Clint Howard, R.G Armstrong, Joseph Cortese, Claude Earl Jones, Haywood Nelson.

Sortie salle France: 26 Février 1982. U.S: 26 Février 1982

FILMOGRAPHIE: Eric Weston est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
1981: Messe noire. 1983: Marvin and Tige. 1989: The Iron Triangle. 1992: To protect and serve. 2001: Pressure Point. 2002: Ambition Fatale. 2002: Hitters. 2011: Hyenas.

Pour une première oeuvre horrifique réalisée avec des bouts de ficelle, le débutant Eric Weston ébranla une génération de vidéophiles après qu'ils louèrent ce B movie au titre évocateur, Messe Noire, au sein de leur vidéo club. 

Le pitch: Dans une académie militaire, un souffre-douleur invoque les forces du mal via ordinateur pour se venger de ces camarades railleurs. 

A partir de cet argument simpliste (la vengeance sanglante d'un martyr au service du Mal) déjà évoqué dans le chef-d'oeuvre Carrie , Eric Weston en tire un modèle d'efficacité dans son suspense exponentiel et l'ambiance délétère qui s'y dégage au sein d'une cave abritée par le malin. Reposant sur les épaules du jeune Clint Howard (délivrant ici son meilleur rôle dans toutes les mémoires), Messe Noire s'érige en fascinante descente aux enfers par l'entremise originale de l'ordinateur. Mais revenons d'abord sur l'interprétation sidérante de vérité de cet acteur de seconde zone car si ce divertissement sardonique réussit autant à captiver, c'est notamment en partie grâce à l'empathie accordée pour Coopersmith, étudiant maladroit incessamment molesté par ses camarades de classe.

Avec sa bonhomie somme toute naïve et son regard candide, Clint Howard réussit instinctivement à nous impliquer dans son désarroi quotidien et nous amène lentement à fréquenter le malin sous l'intervention d'Estaban. Un sorcier sataniste condamné plus tôt par l'église pour hérésie mais qui s'était juré de se venger des siècles plus tard. Toute l'intrigue se focalise donc sur les tentatives de Coopersmith à daigner invoquer une véritable messe noire par une démarche moderne, l'utilisation électronique de l'ordinateur ! Et quand vient la vengeance tant escomptée, on ne peut que comprendre (ou plutôt fantasmer) sa rancoeur à oser bafouer le fondement du Bien en commettant des méfaits criminels sous influence démoniaque. A cet égard, on peut dire que son point d'orgue apocalyptique déploie des séquences cinglantes où le gore craspec se dispute à l'horreur pure à travers des FX de choix ! Décapitations en série, éventration, démembrements, corps embrasés nous sont étalés sans concession dans un déluge de feu et de sang. Qui plus est, et avec une audace sarcastique, le carnage se confine dans le cadre religieux d'une chapelle auquel des porcs carnassiers s'y sont soudainement invités ! Au delà de son indéniable sens de l'efficacité et de sa force émotionnelle génialement fascinante, Messe Noire insuffle une ambiance lugubre du plus bel effet, renforcé par la chaleur d'une photo sépia. Tant en interne du sous-sol de la cave auquel Coopersmith pratique son rite ou dans le cadre religieux d'un oratoire. Avec rigueur et intégrité pour le genre, le réalisateur distille donc un climat pernicieux diffus en vantant les mérites d'une démonologie contemporaine.

Soutenu du superbe score religieux de Roger Kellaway faisant écho à La Malédiction de Donner, Messe Noire n'a point usurpé son statut de classique moderne du film sataniste en faisant preuve également lors de son dernier acte d'une violence barbare littéralement dantesque ! En apprenti sorcier sévèrement malmené, Clint Howard apporte une indéniable intensité humaine à travers sa revanche spectrale désespérément nihiliste ! Inoxydable. 

*Bruno

30.03.25. 6èx. Vost

06.09.13.