mardi 24 novembre 2015

Y'a-t-il un pilote dans l'avion ? / Airplane !

                                               Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site board.dailyflix.net

de Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker. 1980. U.S.A. 1h25. Avec Robert Hays, Julie Hagerty, Lloyd Bridges, Leslie Nielsen, Robert Stack, Peter Graves, Kareem Abdul-Ja.

Sortie salles France: 24 septembre 1980. U.S: 2 juillet 1980

FILMOGRAPHIE: Les ZAZ est un trio de rĂ©alisateurs, scĂ©naristes et producteurs amĂ©ricains que reprĂ©sentent les frères Zucker (David Zucker et Jerry Zucker) et Jim Abrahams. 1977 : Hamburger film sandwich. 1980 : Y a-t-il un pilote dans l'avion ? 1982 : SĂ©rie tĂ©lĂ©visĂ©e Police Squad. 1984: Top secret ! 1986: Y a-t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988: Y a-t-il un flic pour sauver la reine ? 1991: Y a-t-il un flic pour sauver le prĂ©sident ? 1994: Y a-t-il un flic pour sauver Hollywood ?


PrĂ©curseur de la parodie survoltĂ©e dans laquelle chaque gag fuse en moyenne toutes les 10 secondes, Y a-t-il un pilote dans l'avion ? Ă©branla le public et la critique des annĂ©es 80 peu habituĂ©s Ă  frĂ©quenter une comĂ©die aussi dĂ©sopilante. Pastichant les films catastrophes des Seventies, particulièrement A l'heure zĂ©ro et la sĂ©rie des Airport, cette comĂ©die frĂ©nĂ©tique assura la notoriĂ©tĂ© d'un trio de rĂ©alisateurs surnommĂ© ZAZ alors qu'il s'agissait de leur second long mĂ©trage. 

Le pitchA destination de Chicago, les passagers et pilotes d'un avion sont victimes d'une intoxication alimentaire provenant du poisson avarié. Après avoir installé le pilote automatique, un praticien et une éminente hôtesse, Elaine Dickison, suggèrent l'aide d'un éventuel pilote parmi les voyageurs. C'est là qu'intervient Ted Striker, l'ancien petit ami d'Elaine embarqué à bord depuis qu'il tente en ultime recours de la reconquérir. C'est le début d'une nuit de panique qu'endurera tout l'équipage alors que Ted tentera par tous les moyens d'imposer un atterrissage forcé aux supérieurs de la tour de contrôle.


Pratiquant sans modĂ©ration l'humour nonsensique et l'hyperbole afin de surenchĂ©rir un suspense catastrophiste gagnĂ© d'hilaritĂ©, Y a-t-il un pilote dans l'avion ? fait preuve d'une insolence effrontĂ©e sous l'impulsion de personnages tous plus erratiques les uns les autres. Les gags visuels autant que verbaux fusant tous azimuts pour alterner Ă©clats de rire et sourires radieux aux moments les moins frappadingues. Car si tout n'est pas du meilleur goĂ»t, la bonne humeur qui Ă©mane des comĂ©diens en roue libre et le dĂ©chaĂ®nement d'idĂ©es absurdes et grotesques dĂ©filant au rythme d'une progression dramatique parviennent Ă  pallier certains rares couacs dĂ©bridĂ©es. Outre l'irrĂ©sistible cocasserie qu'insufflent chacun des seconds-rĂ´les impliquĂ©s dans un contexte d'extrĂŞme danger, le rĂ©cit est dominĂ© par la prĂ©sence saugrenue de Robert Hays incarnant avec un naturel volontairement empotĂ© un pilote faillible en initiation hĂ©roĂŻque. DĂ©peignant en sous intrigue sa romance avec l'hĂ´tesse de l'air, Julie Hagerty lui partage la vedette avec un charme aussi innocent que sĂ©millant, Ă  l'imnstar de sa silhouette filiforme discrètement sensuelle. Ce duo improbable partagĂ© entre les instincts de survie et de reconquĂŞte amoureuse parvient Ă  nous familiariser dans la simplicitĂ© d'une complicitĂ© amiteuse bientĂ´t rattrapĂ©e de regain de tendresse. De cette romance en ascension Ă©mane une entraide folingue quand bien mĂŞme de multiples flashback vont venir nous rappeler de quelle manière Ă  pu dĂ©buter leur accointance. A savoir, sur la piste d'une danse disco faisant rĂ©fĂ©rence parodique Ă  la Fièvre du Samedi soir !


Huis-clos de tous les dangers oĂą les catastrophes les plus incongrues se dĂ©chaĂ®nent sans rĂ©pit Ă  bord d'un avion animĂ© d'hystĂ©rie collective, Y a-t'il un pilote dans l'avion ? n'a pas volĂ© sa rĂ©putation de comĂ©die culte tant la verve insolente du trio ZAZ fait des Ă©tincelles sous l'impulsion de gags et clins d'oeil aussi givrĂ©s que dĂ©complexĂ©s. Un authentique chef-d'oeuvre dont il est impossible de se lasser. 

*Bruno
3èx

lundi 23 novembre 2015

Elmer, le remue méninge / Brain Damage

                                               Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site avoir-alire.com

de Frank Henenlotter. 1987. U.S.A. 1h25. Avec Rick Herbst, Gordon McDonald, Jennifer Lowry, Lucille Saint-Peter, John Zascherle.

Sortie salles U.S: 15 Avril 1988

FILMOGRAPHIE: Frank Henenlotter est un réalisateur américain de films d'horreur né le 29 août 1950 à New-York. 1982: Frères de sang. 1988: Elmer, le remue-méninges. 1990: Frères de sang 2. 1990: Frankenhooker. 1992: Frères de Sang 3. 2008: Sex Addict.


Six ans après avoir surpris les amateurs d’horreur mal Ă©levĂ©e avec Frères de sang, Frank Henenlotter renoue avec le culte d’une sĂ©rie B underground toujours aussi effrontĂ©e et crapoteuse. Elmer retrace avec un humour noir acĂ©rĂ© la dĂ©liquescence morale d’un junkie soumis Ă  la liqueur qu’une crĂ©ature lui injecte dans la nuque. Seul prix Ă  payer pour ce paradis artificiel : sacrifier d’innocentes victimes afin de nourrir l’appĂ©tit vorace de son nouveau compagnon, incapable de subsister sans dĂ©vorer un cerveau humain. MĂ©taphore Ă©vidente de l’emprise narcotique, Elmer, le remue-mĂ©ninges joue la carte du divertissement gore Ă  renfort de sĂ©quences cradingues d’une efficacitĂ© redoutable, quand l’humour ravageur assume crânement le mauvais goĂ»t de situations lubriques (l’infâme scène de fellation alternant rire nerveux et dĂ©goĂ»t viscĂ©ral).


Grâce Ă  l’inventivitĂ© des morceaux de bravoure gore et Ă  la rigueur d’effets spĂ©ciaux artisanaux, Henenlotter parvient Ă  amuser et donner vie Ă  une crĂ©ature phallique aussi atypique que faussement amicale. D’abord charmeur, Elmer se rĂ©vèle rapidement cynique et sournois dès lors que l’on comprend les aboutissants de sa dĂ©marche perfide. Par la complicitĂ© toxique entre la bestiole et le jeune Ă©tudiant, le film nous entraĂ®ne dans une odyssĂ©e meurtrière dĂ©lirante, tandis que Brian sombre dans des hallucinations psychĂ©dĂ©liques, ignorant la posture criminelle qui le consume. Oscillant entre horreur morbide et fĂ©erie onirique (score envoĂ»tant Ă  l’appui), Elmer cultive une fascination immersive, nous embarquant dans un trip tour Ă  tour stimulant et cauchemardesque. Henenlotter ne lĂ©sine pas sur la violence sanguinolente, avec une verdeur inattendue.

Si la conduite minimaliste du scĂ©nario peut laisser sur sa faim, le film captive irrĂ©mĂ©diablement sous l’impulsion excentrique du duo Brian/Elmer, tandis qu’un couple de vieillards erratiques (anciens propriĂ©taires de la crĂ©ature) tente frĂ©nĂ©tiquement de retrouver sa trace, l’Ă©cume aux lèvres. En dĂ©pit du jeu bancal de quelques seconds rĂ´les amateurs, Rick Herbst convainc pleinement, incarnant avec intensitĂ© l’euphorie addictique et les crises de manque atroces qui le dĂ©chirent lors de la dernière partie. Un final sanglant, dĂ©bridĂ©, culminant sur une dernière image d’une singularitĂ© fantasmagorique.


DrĂ´lement morbide, cartoonesque et ultra-violent, Elmer le remue-mĂ©ninges distille une insolente libertĂ© de ton dans son cocktail de mauvais goĂ»t assumĂ© et d’horreur salace. Plus de quarante ans après sa sortie, Frank Henenlotter demeure un franc-tireur du genre : insolent, imaginatif, persifleur, livrant sans prĂ©tention une diatribe furieuse contre les mirages mortifères de la drogue. Indispensable. 

— le cinĂ©phile du cĹ“ur noir đź–¤
5èx

ROSALITA, POUR UNE POIGNEE DE SPAGHETTIS 2


de Pascal Frezzato. 2015. France. 16 minutes. Avec Bruno Dussart, Krystin Chaplain, Patrick Lalande, Martial Marie, Adrien Erault, Dominique Botras.

FILMOGRAPHIE: Pascal Frezzato est un réalisateur français de court-métrage, né le 4 Décembre 1972.
2010/11: Predator. 2012: Le Règne des Insectes. 2013: Memory of the dead. 2014: Pour une poignée de Spaghettis. 2015: Rosalita: Pour une Poignée de Spaghettis 2.

                                                          Court visionnable ci-dessous:
                                 https://www.dailymotion.com/…/x3eye27_per-un-pugno-di-spagh…


Suite au bouche Ă  oreille enthousiaste des spectateurs internautes, Pascal Frezzato s'entreprend de rĂ©aliser une suite au dĂ©tonnant Pour une poignĂ©e de Spaghettis en y ajoutant cette fois-ci une touche fĂ©minine en la prĂ©sence lumineuse de Krystin Chaplain. L'actrice, charismatique en diable dans sa pĂ©tulance, volant quasiment la vedette au personnage de l'Etranger ici sĂ©vèrement raillĂ© et malmenĂ©. Si le premier volet Ă©tait parvenu Ă  distraire efficacement dans son lot de cocasseries, d'action et d'effet de surprise couillu, cette suite techniquement plus ambitieuse compte sur l'action trĂ©pidante des règlements de compte tout en continuant de surfer sur la science-fiction parmi l'attirail d'effets spĂ©ciaux numĂ©riques. Sur ce point, Pascal Frezzato continue d'y soigner sa topographie avec un sens du bricolage et du dĂ©tail faisant souvent illusion. On peut mĂŞme prĂ©tendre qu'il s'agit lĂ  de sa plus belle rĂ©ussite depuis l'entreprise de son premier court: Predators. Alors qu'il dĂ©ambule au milieu de nulle part afin de retrouver une fugitive du nom de Rosalita, l'Etranger est lâchement blessĂ© par cette dernière. Fait prisonnier par une Ă©quipe de mercenaires, il va tenter en dĂ©sespoir de cause de prendre la poudre d'escampette. Mais l'autoritĂ© opiniâtre de Rosalita va le contraindre Ă  nouveau au baroud d'honneur du duel. 


Ce pitch d'une linĂ©aritĂ© scolaire, Pascal Frezzato l'exploite assez efficacement grâce au sens du cadrage, Ă  la clartĂ© des bruitages, Ă  la rigueur du montage (Ă  un ou deux faux raccords près), au stylisme de la mise en scène ayant parfois recours aux plans vertigineux (utilisation d'un drone pour ceux aĂ©riens) et au caractère Ă©pique des Ă©changes de tir belliqueux. "L'Ă©tranger" usant notamment de sa technologie futuriste pour duper l'agressivitĂ© meurtrière de ses assaillants. Si l'effet de surprise ne joue plus quant Ă  l'origine du hĂ©ros, les genres dĂ©tournĂ©s du western et de la science-fiction communient Ă  merveille grâce Ă  sa scĂ©nographie flamboyante (photo ocre Ă  l'appui), l'inventivitĂ© des gadgets futuristes et la prĂ©sence plus ostensible du vaisseau spatial. Sur ce dernier point, Pascal Frezzato filme cette apparition et son atterrissage Ă  la manière d'un ballet dantesque (score lyrique Ă  l'appui) afin d'insuffler chez le spectateur le mĂŞme sentiment de fascination que les antagonistes Ă©prouvent sans flĂ©chir. Quant au jeu perfectible des comĂ©diens cabotins issue de l'enseigne Z, il s'avère tantĂ´t habile, tantĂ´t maladroit, quand bien mĂŞme la rutilante Krystin Chaplain fait preuve d'intense Ă©loquence Ă  exprimer ses sentiments castrateurs sous l'impulsion d'un regard fĂ©lin. Quand au final, inopinĂ© dans l'issue de la rivalitĂ© musclĂ©e, Pascal Frezzato prend le parti-pris de bousculer les habitudes du spectateur dans son refus du traditionnel happy-end. Un duel d'autant plus inĂ©quitable que le hĂ©ros maltraite sa partenaire avec une certaine violence misogyne. Il en Ă©mane un sentiment de frustration selon l'interprĂ©tation du spectateur, sachant qu'en inversant subitement les rĂ´les on ne sait plus trop vraiment Ă  qui accorder le bĂ©nĂ©fice de l'hĂ©roĂŻsme. En tous cas, cette conclusion Ă  contre emploi des codes traditionnels ose se dĂ©marquer de la routine tout en prenant le risque de dĂ©stabiliser le spectateur (quitte Ă  peut-ĂŞtre le dĂ©cevoir), ce qui n'est pas nĂ©gligeable.


InĂ©vitablement moins surprenant que le premier opus mais techniquement plus soignĂ© et tout aussi fun dans l'harmonie de son action fougueuse et l'usage dĂ©lirant des trucages numĂ©riques, Pascal Frezzato consolide un sympathique divertissement Z inscrit dans la sincĂ©ritĂ© et l'Ă©motion, Ă  l'instar de la complicitĂ© dĂ©vouĂ©e des comĂ©diens en herbe. 

Remerciement à toute l'équipe ^^
Bruno Matéï

Le film:
https://www.dailymotion.com/…/x3eye27_per-un-pugno-di-spagh…
Pour rappel, la 1ère partie : http://www.dailymotion.com/…/x28si2w_per-un-pugno-di-spaghe…
La Chronique de la 1ère partie: http://brunomatei.blogspot.fr/…/per-un-pugno-di-spaghetti-p…

vendredi 20 novembre 2015

L'Echelle de Jacob. Grand Prix de l'étrange, Prix de la critique et Prix du public, Avoriaz 1991.

                                                                        Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site horrorpedia.com

"Jacob's Ladder" de Adrian Lyne. 1990. U.S.A. 1h53. Avec Tim Robbins, Elizabeth Peña, Danny Aiello, Matt Craven, Pruitt Taylor Vince, Jason Alexander.

Sortie salles France: 16 janvier 1991. U.S: 2 novembre 1990.

FILMOGRAPHIE: Adrian Lyne est un rĂ©alisateur et producteur britannique, nĂ© le 4 Mars 1941 Ă  Peterborough (Grande Bretagne). 1980: Ca plane les filles. 1983: Flashdance. 1986: 9 semaines et demi. 1987: Liaison Fatale. 1990: L'Echelle de Jacob. 1993: Proposition IndĂ©cente. 1997: Lolita. 2002: Infidèle. Prochainement: Back Roads.


Grand Prix de l'étrange, Prix de la critique et Prix du public à Avoriaz en 1991, classé comme l'un des 10 films les plus terrifiants de tous les temps selon certains sites spécialisés, l'Echelle de Jacob aborde le thème de la drogue synthétique que certains chimistes auraient expérimenté sur des soldats ricains afin de décupler leur performance physique au front vietnamien. Inspiré d'évènements réels quant à l'utilisation frauduleuse du Benzilate de 3-quinuclidinyle que le Pentagone s'est toujours forcé de nier (ce que surligne le générique de fin), l'Echelle de Jacob est une descente aux enfers paranoïde lorsque la réalité du quotidien se télescope parmi les hallucinations d'un groupe de survivants soumis à leurs effets secondaires psychotiques. Mais sous ses allures de thriller d'épouvante aussi oppressant qu'éprouvant (notamment ce prologue belliqueux illustrant de façon erratique le carnage d'un guet-apens) se cache un douloureux drame psychologique du point de vue de Jacob. Un ancien vétéran du Vietnam sévèrement molesté par ces visions de cauchemar surgissant de son esprit sans prévenir. A ce titre, plusieurs visions d'effroi nous ébranlent durablement l'esprit lorsque que le héros, déjà fragilisé par son expérience du Vietnam et la mort de son fils, assiste impuissant à endurer ses images démoniaques.


C'est donc une terreur "psychologique" que nous illustre froidement Adrian Lyne par le biais de ce cobaye en perdition, d'autant plus isolĂ© Ă  combattre son mal-ĂŞtre depuis la dĂ©mission de ses collègues et celui de son avocat. Pour pimenter la donne, certains de ses comparses tous aussi marquĂ©s par la guerre sont sujets Ă  d'Ă©tranges incidents mortels quand bien mĂŞme la tĂŞte de Jacob se retrouve mise Ă  prix par une organisation mafieuse ! Avec l'originalitĂ© d'un tel scĂ©nario inspirĂ© d'un fait rĂ©el et tĂ©moignant du trauma de la guerre sous un aspect baroque rarement abordĂ©, l'intrigue dĂ©gingandĂ©e passionne de bout en bout sous l'impulsion d'un Tim Robins habitĂ© par l'aliĂ©nation. De par sa prestance viscĂ©rale nĂ©vrosĂ©e oĂą l'angoisse suinte de chaque pore de son visage, sa prĂ©sence malingre distille un climat malsain terriblement anxiogène au fil de son investigation Ă  tenter de percer les aboutissants de sa pathologie et Ă  dĂ©noncer au grand jour les expĂ©rimentations de la guerre chimique. Outre le fait de cafarder ces pratiques immorales de l'armĂ©e amĂ©ricaine, Adrian Lyne aborde en annexe une rĂ©flexion spirituelle vis Ă  vis du cheminement introspectif de Jacob. Par le biais de sĂ©quences intimistes imparties Ă  l'innocence sacrifiĂ©e, l'Echelle de Jacob Ă©voque notamment la perte de l'ĂŞtre aimĂ©e et la peur de la mort avec une Ă©motion poignante jamais sirupeuse. Spoil ! La mort ici rĂ©demptrice et apaisante venant clarifier la donne pour dĂ©livrer notre hĂ©ros de sa condition torturĂ©e. Fin du Spoil ! 


Malsain et dĂ©rangeant, anxiogène et proprement terrifiant auprès de ses multiplies visions de cauchemar sorties de l'enfer, l'Echelle de Jacob insuffle un malaise paranoĂŻaque au spectateur embarquĂ©, comme le hĂ©ros, dans un bad-trip expĂ©rimental sans Ă©chappatoire. Un grand film d'Ă©pouvante donc communiĂ© Ă  l'intensitĂ© du drame humain car entièrement dĂ©diĂ© Ă  la psychologie d'une souffrance schizophrène. 

Dédicace à Pand Emy

*Bruno
28.08.24.
3èx. Vostfr

Récompenses: Grand Prix de l'étrange, Prix de la critique et Prix du public au Festival international du film fantastique d'Avoriaz 1991.

jeudi 19 novembre 2015

BLUE STEEL

                                                                     Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site nitehawkcinema.com

de Kathryn Bigelow. 1990. U.S.A. 1h42. Avec Jamie Lee Curtis, Ron Silver, Clancy Brown, Elizabeth Peña, Louise Fletcher, Philip Bosco, Kevin Dunn.

Sortie salles France: 25 Avril 1990. U.S: 16 Mars 1990

FILMOGRAPHIE: Kathryn Bigelow est une réalisatrice et scénariste américaine, née le 27 Novembre 1951 à San Carlos, Californie (Etats-Unis).
1982: The Loveless (co-réalisé avec Monty Montgomery). 1987: Aux Frontières de l'Aube. 1990: Blue Steel. 1991: Point Break. 1995: Strange Days. 2000: Le Poids de l'eau. 2002: K19. 2009: Démineurs. 2012: Zero Dark Thirty.


Trois ans après son sublime western vampirique, Near DarkKathryn Bigelow s'attelle au genre policier avec Blue Steel. Un thriller noir Ă  la lisière de l'horreur lorsqu'un boursier, fascinĂ© par l'hĂ©roĂŻsme d'une flic novice, s'empresse de la sĂ©duire pour l'inciter Ă  un duel de longue haleine après avoir dĂ©robĂ© le flingue d'un braqueur d'Ă©picerie. A mi chemin entre Liaison Fatale (pour la romance puis le harcèlement du tueur dĂ©libĂ©rĂ© Ă  tyranniser sa victime fĂ©minine) et Un justicier dans la ville (pour le ressort vindicatif de cette dernière dĂ©libĂ©rĂ©e Ă  bafouer les lois depuis l'incrĂ©dulitĂ© de ses supĂ©rieurs), Blue Steel multiplie rebondissements musclĂ©s et exactions sanglantes au sein d'une mĂ©galopole soigneusement documentĂ©e. Baignant dans une photo azur, le stylisme imparti Ă  la mise en scène fait preuve d'esthĂ©tisme lĂ©chĂ© parmi le score envoĂ»tant de Brad Fiedel conçu pour sa part Ă  alimenter un climat de sĂ©duction poisseux autour de l'inimitiĂ© des amants maudits.


Par le biais d'une intrigue aussi tortueuse que charpentĂ©e, Kathryn Bigelow brosse admirablement deux portraits sur la corde raide. Celui glaçant d'un sociopathe fascinĂ© par les armes Ă  feu et l'autoritĂ© de la mort, ce dernier jubilant de perversitĂ© Ă  observer du regard des victimes leur peur lorsque l'arme est ciblĂ©e contre eux. Et le profil pugnace d'une jeune flic en herbe pleine de constance Ă  pourchasser son ennemi tout en s'efforçant de prouver ses capacitĂ©s professionnelles afin de convaincre le scepticisme de ses supĂ©rieurs. HantĂ© par sa dĂ©ficience schizophrène (crises incontrĂ´lĂ©es de dĂ©mence Ă  l'appui !), Ron Silver endosse un tueur cynique redoutablement retors dans ses stratĂ©gies d'attaques pour la victime molestĂ©e et dans ses subterfuges Ă  dĂ©jouer les preuves policières. D'un charisme longiligne dans son costume de flic taillĂ© sur mesure, Jamie Lee Curtis lui partage la vedette avec sensualitĂ© et hĂ©roĂŻsme martial dangereusement vĂ©nĂ©neux. De par ses pulsions vindicatives toujours plus addictives Ă  courser le criminel depuis son impuissance d'assister Ă  l'agonie de ses proches. Oscillant un jeu du chat et de la souris puis une chasse Ă  l'homme de dernier ressort en plein centre urbain, Kathryn Bigelow convoque un duel Ă  bout de souffle entre la victime et son persĂ©cuteur. Et si la succession de rebondissements parfois outranciers du dernier acte finissent malgrĂ© tout par ternir leur affrontement psychologique, la manière haletante dont l'intrigue est coordonnĂ©e et le savoir-faire technique de la rĂ©alisation finissent par transcender ses menus dĂ©fauts.


En dĂ©pit de son final ostentatoire un peu fort de cafĂ© pour les escapades du tueur rendu increvable, Blue Steel insuffle un climat trouble de fascination dans le portrait du schizophrène transi d'Ă©motivitĂ© perverse. Quand bien mĂŞme Jamie Lee Curtis lui dispute la vedette dans une fonction de flic novice attisĂ©e par une soif de justice et une volontĂ© de convaincre ses atouts professionnels. Un thriller rondement menĂ© donc autour d'une atmosphère urbaine aussi dĂ©lĂ©tère que magnĂ©tique. 

Bruno Matéï
3èx

Récompenses: Mention spéciale pour Jamie Lee Curtis, lors du Festival du film policier de Cognac en 1990.
Prix de la meilleure actrice et nomination au prix du meilleur film, lors du Mystfest en 1990.


mercredi 18 novembre 2015

Killing Zoe

                                          Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site cinefacts.de

de Roger Avary. 1993. U.S.A/France.1h39 (Director's cut). Avec Eric Stoltz, Jean-Hugues Anglade, Julie Delpy, Tai Thai, Bruce Ramsay, Kario Salem.

Sortie salles France : 31 août 1994 (Interdit aux - de 16 ans). États-Unis : septembre 1994

FILMOGRAPHIE: Roger Avary est un réalisateur et scénariste canadien né le 23 août 1965 à Flin Flon, Manitoba. 1993 : Killing Zoe. 1995 : Mr Stitch. 2003 : Les Lois de l'attraction. 2005 : Glitterati.


ExpĂ©rience cinĂ©gĂ©nique comparable au trip hallucinogène oscillant les effets de drogues dures (Acide, HĂ©ro, Coco), Killing Zoe rĂ©invente le film de braquage au grĂ© d'une ambiance horrifique immersive. Roger Avary crĂ©ant Ă  l'aide d'une scĂ©nographie d'un rouge criard (les couloirs et chambres du sous-sol oĂą sont entreposĂ©s les lingots d'or) un univers cauchemardesque au sein d'un Ă©tablissement pris en otage par une escouade de psychopathes effrontĂ©s. GĂ©nialement exubĂ©rant, Jean Hugues Anglade se prĂŞte au jeu psychotique du leader toxicomane avec une verve sardonique et irascibilitĂ© imprĂ©visible. Entièrement vĂŞtu de noir dans sa posture filiforme et sa chevelure raide, l'acteur insuffle une prĂ©sence dĂ©lĂ©tère aussi rĂ©pulsive que fascinante. A l'instar de son flegme quasi imperturbable d'y rĂ©futer la peur depuis la prĂ©sence policière quadrillant l'extĂ©rieur de l'enceinte. Si le scĂ©nario Ă©culĂ© s'avère d'une limpiditĂ© scolaire, la manière opĂ©ratique de porter Ă  l'Ă©cran cette sanglante prise d'otages ne cesse (heureusement) de nous surprendre et d'y dĂ©tourner les codes (notamment le rĂ´le insaisissable imparti aux forces de l'ordre dont nous ne verrons jamais le visage Ă  l'Ă©cran). Tant auprès de son climat baroque quasi indicible que de l'excentricitĂ© (j'insiste) des preneurs d'otages pleins de sĂ©rĂ©nitĂ© et de fantaisie (Ă  l'instar de leur visage recouvert d'un masque grotesque). A titre Ă©loquent, l'un d'eux Ă©noncera de façon expansive une blague salace Ă  ses comparses face au tĂ©moignage mĂ©dusĂ© des otages, quand bien mĂŞme leur leader se confine tranquillement dans les wc pour s'offrir un shoot en guise de jouissance.


Or; prenant pour cadre la mĂ©tropole parisienne sous son aspect noctambule, la première partie s'oriente sur les dĂ©fonces et beuveries rĂ©cursives de nos braqueurs confinĂ©s dans leur appartement avant d'aller s'engouffrer dans la cave d'un cabaret. Par le biais d'une rĂ©alisation expĂ©rimentale oĂą l'image se dĂ©forme au fil de leur Ă©tat avinĂ©, Roger Avary parvient de manière Ă©thĂ©rĂ©e Ă  nous faire retransmettre les sensations du trip que nos antagonistes Ă©prouvent face au tĂ©moignage novice du perceur de coffre peu habituĂ© Ă  tant de stupre (Eric Stoltz endossant la fonction d'un professionnel Ă©mĂ©rite avec une attitude paradoxalement docile). La seconde partie, toute aussi sensorielle et immersive, nous invite enfin Ă  participer au braquage escomptĂ© Ă  l'instar d'une vertigineuse descente vers l'enfer. Les sous-sols de l'Ă©tablissement confĂ©rant une atmosphère sĂ©pulcrale au fil des exactions meurtrières du leader habitĂ© par le vice et le goĂ»t du sang. A partir du moment oĂą les otages vont se confronter aux exactions alĂ©atoires des gangsters, Killing Zoe se transforme en farce sardonique oĂą les coups les plus couards y seront permis sous l'impulsion de dĂ©gĂ©nĂ©rĂ©s en perte de vitesse. BĂŞtes et mĂ©chants, ces derniers vont non seulement se confronter Ă  la bravoure de certains otages mais aussi s'entretuer lors d'une dĂ©chĂ©ance suicidaire Et ce avant que la police n'intervienne Ă  son tour pour surenchĂ©rir le chaos. A travers ces explosifs règlements de compte, ces comportements dĂ©lurĂ©s et la position vaillante du second-rĂ´le fĂ©minin (superbe Julie Delpy en douce catin insurgĂ©e !), Roger Avary joue avec nos nerfs avec une diabolique maĂ®trise et vigueur Ă©motive Ă©prouvante.


Speedball
ConcentrĂ© d'adrĂ©naline et d'ultra violence sardonique Ă  corps perdu, Killing Zoe s'Ă©difie en vilain petit canard dans son brassage de vulgaritĂ©, de provocations assumĂ©es et de dĂ©lire en roue libre. ExpĂ©rience sensitive en compagnie marginale de psychopathes shootĂ©s Ă  la coke, ce bad-trip s'avère sans conteste le film de braquage le plus violent, brillĂ©, atypique et couillu vu sur la toile avant qu'une romance ne vienne un peu adoucir la donne parmi le duo complĂ©mentaire Eric Stoltz/Julie Delpy. Une rĂ©fĂ©rence culte Ă  ne pas mettre entre toutes les mains.  

*Bruno
23.04.24. 4èx 

mardi 17 novembre 2015

Comme un chien enragé / At close Range

(CrĂ©dit photo : image trouvĂ©e via Google, provenant du site IMDb. UtilisĂ©e ici Ă  des fins non commerciales et illustratives).                                                                
de James Foley. 1986. U.S.A. 1h55. Avec Sean Penn, Christopher Walken, Mary Stuart Masterson, Chris Penn, Millie Perkins, Crispin Glover, Kiefer Sutherland, Tracey Walter

Sortie salles France: 14 janvier 1987. États-Unis: 18 avril 1986

FILMOGRAPHIE: James Foley est un rĂ©alisateur, scĂ©nariste et acteur amĂ©ricain nĂ© le 28 dĂ©cembre 1953 Ă  Brooklyn, New York. 1984 : Reckless. 1986 : Comme un chien enragĂ©. 1987 : Who's That Girl. 1990 : La Mort sera si douce. 1992 : Glengarry. 1995 : Instant de bonheur. 1996 : Fear. 1996 : L'HĂ©ritage de la haine. 1997 : Gun ("Gun") (sĂ©rie TV). 1999 : Le Corrupteur. 2003 : Confidence. 2005 : Man and Wife. 2007 : Dangereuse SĂ©duction. 2013-.... : House of Cards, sĂ©rie tĂ©lĂ©visĂ©e. 2017: Cinquante nuances plus sombres.


Le scĂ©nario s'inspire d'un fait rĂ©el survenu en 1978 Ă  Chester County dans la banlieue de Philadelphie, Pennsylvanie. 

Film culte d’une gĂ©nĂ©ration de vidĂ©ophiles, Comme un chien enragĂ© marqua les esprits des annĂ©es 80 par son ambiance mĂ©lancolique, terriblement prĂ©gnante, et son aspect dramatique aux relents de fait divers, oĂą la figure paternelle impose Ă  sa progĂ©niture un enseignement sans foi ni loi. En inversant les codes, James Foley retrace, avec une Ă©motion tĂ©nue, la dĂ©liquescence morale d’un jeune paumĂ© privĂ© de toute pĂ©dagogie dès l’enfance, avant une ultime tentative de sursaut. 

Le pitch : depuis son renvoi du lycĂ©e, Brad Whitewood et son frère tuent le temps entre joints et bières, Ă  l’abri du cocon familial. Un soir, il croise Terry, jeune fille timorĂ©e de 16 ans, sur l’esplanade de son village. Coup de foudre. Mais le retour de Brad senior, père fantĂ´me rĂ©apparaissant au foyer après des annĂ©es d’absence, vient bouleverser la trajectoire. FascinĂ© par son train de vie vaguement fastueux, Brad junior se laisse happer. Très vite, il glisse dans la spirale du banditisme, avant de tenter, in extremis, de s’arracher Ă  l’emprise paternelle — malgrĂ© le chantage.


Polar noir Ă  la rigueur dramatique ascendante, Comme un chien enragĂ© ausculte la lente corruption d’un fils par un père, enseignant Ă  son propre sang la dĂ©ontologie du cambriolage et l’immoralitĂ© du meurtre. Foley hypnotise les sens avec une mise en scène aussi sombre que lyrique, oĂą chaque Ă©vĂ©nement entraĂ®ne le suivant dans un engrenage inĂ©luctable. Et pourtant, derrière la fĂ©tiditĂ© de l’intrigue - oĂą le père se dĂ©solidarise de toute tendresse - se dĂ©ploie une mĂ©lancolie diffuse, portĂ©e par la romance candide des deux amants. Ressort de rĂ©demption, ce lien sentimental devient le seul contrepoids Ă  la soumission filiale : le cinĂ©aste le transfigure par une stylisation onirique, oĂą la nature rurale Ă©pouse les Ă©tats d’âme des amants en herbe (sublimĂ©e par une photographie vaporeuse). ExacerbĂ© par le score hantĂ© de Patrick Leonard en complicitĂ© avec Madonna, le film distille les notes malingres d’une mĂ©lodie ensorcelante, accompagnant Brad et Terry dans leur passion - juste avant la chute.

Au-delĂ  de la puissance Ă©motionnelle d’un drame criminel empreint de fourberie, Comme un chien enragĂ© brille par le face-Ă -face de deux gĂ©ants. Sean Penn, tout en fragilitĂ© nerveuse, incarne un dĂ©linquant vacillant sur le fil d’une possible rĂ©demption, tandis que Christopher Walken, d’un jeu feutrĂ©, campe un père aussi veule qu’insidieux, stratège dĂ©saxĂ© d’un crime sans honneur. Leur antagonisme culmine en une confrontation psychologique d’une intensitĂ© rare.


Au nom du père.
D’une beautĂ© formelle quasi Ă©thĂ©rĂ©e, pour la stylisation de sa mise en scène comme pour l’Ă©motion fulgurante de sa romance juvĂ©nile, Comme un chien enragĂ© explore l’endoctrinement au crime et la banalisation du mal, Ă  travers un fait divers d’une bassesse Ă©difiante. Il en Ă©mane un moment de cinĂ©ma inoubliable, magnĂ©tisĂ© par le score fragile de Leonard, qui imprime au rĂ©cit une ivresse bouleversante.

*Bruno
Dédicace à Ludovic Hilde et Nicolas Bruguet

lundi 16 novembre 2015

L'ETRANGE NOEL DE MR JACK

                                                                      Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site maddysouris.com

"The Nightmare Before Christmas" de Henry Selick. 1993. U.S.A. 1h16. BasĂ© sur une histoire et des personnages créés par Tim Burton

Sortie salles France: 7 Décembre 1994. États-Unis : 29 octobre 1993

FILMOGRAPHIEHenry Selick est un scĂ©nariste nĂ© le 30 novembre 1952, rĂ©alisateur et producteur amĂ©ricain de cinĂ©ma, spĂ©cialisĂ© dans l'animation image par image (dite aussi  animation en volume).
1993 : L'Étrange Noël de Monsieur Jack. 1996 : James et la Pêche géante. 2001 : Monkeybone. 2009 : Coraline. 2015 : The Shadow King.


InspirĂ© d’un poème et de personnages imaginĂ©s par Tim Burton dans les annĂ©es 80, L’Étrange NoĂ«l de Mr Jack retrace l’utopie mĂ©lancolique de Jack Skellington, roi des citrouilles rĂ©gnant sur la ville d’Halloween. LassĂ© de sa fĂŞte macabre, il dĂ©couvre la ville de NoĂ«l et dĂ©cide d’en offrir les traditions aux enfants, allant jusqu’Ă  kidnapper le vĂ©ritable Père NoĂ«l. Mais les jouets morbides glissĂ©s dans les cheminĂ©es sèment davantage l’effroi que l’Ă©merveillement chez les tĂŞtes blondes.

Hymne Ă  l’anticonformisme, portĂ© par une fĂ©erie macabre d’une inventivitĂ© fastueuse, L’Étrange NoĂ«l de Mr Jack est un enchantement esthĂ©tique permanent. Chaque plan respire le souci du dĂ©tail, depuis l’expressionnisme de dĂ©cors tantĂ´t gothiques, tantĂ´t fĂ©eriques, jusqu’Ă  la mobilitĂ© gracile de personnages excentriques façonnĂ©s en stop-motion. La puissance Ă©motionnelle du film jaillit de cette flamboyance funèbre, perpĂ©tuellement ensorcelante, et de la rigiditĂ© assumĂ©e de pantins auxquels l’animation image par image confère une chair fantasque et vibrante. Ce tour de force technique nĂ©cessita d’ailleurs trois annĂ©es de prĂ©paration afin de servir l’ambition picturale d’un cinĂ©aste perfectionniste.

Ă€ travers la cĂ©lĂ©bration de la fĂŞte des morts, Henry Selick dĂ©samorce le macabre par un humour noir caustique, tandis que la vision de NoĂ«l rĂ©vèle un conservatisme anxieux : les enfants dociles, terrorisĂ©s par l’altĂ©ritĂ©, redoutent l’idĂ©e mĂŞme du changement. En bousculant les habitudes du spectateur, le film l’invite Ă  explorer un onirisme sombre, aussi subversif que rĂ©dempteur - effrayer avec ironie pour mieux exorciser la peur de la mort. Une mission accomplie avec panache, sous l’impulsion complice d’un Tim Burton viscĂ©ralement amoureux de ses monstres, qui prĂ©fĂ©ra d’ailleurs confier la rĂ©alisation Ă  Selick pour se consacrer Ă  Batman, le DĂ©fi.

Plaidoyer vibrant pour le droit Ă  la diffĂ©rence et Ă  la tolĂ©rance, portĂ© par des crĂ©atures morbides mais irrĂ©sistiblement attachantes, ode Ă  la romance et Ă  l’initiation sentimentale de ses hĂ©ros, cĂ©lĂ©bration sarcastique d’Halloween conçue pour apprivoiser l’idĂ©e de la mort, L’Étrange NoĂ«l de Mr Jack dĂ©tourne avec une insolence jubilatoire le conte de NoĂ«l, au rythme de numĂ©ros musicaux harmonieusement chorĂ©graphiĂ©s.

— le cinĂ©phile du cĹ“ur noir đź–¤3èx

vendredi 13 novembre 2015

ERASERHEAD / LABYRINTH MAN

                                                                              Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site mindpirates.org

de David Lynch. 1971-1976. U.S.A. 1h29. Avec Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph,
Jeanne Bates, Judith Anna Roberts.

Sortie salles France: 17 décembre 1980. U.S: 28 septembre 1977.

FILMOGRAPHIE: David Lynch est un réalisateur, photographe, musicien et peintre américain, né le 20 Janvier 1946 à Missoula, dans le Montana, U.S.A.
1976: Eraserhead. 1980: Elephant Man. 1984: Dune. 1986: Blue Velvet. 1990: Sailor et Lula. 1992: Twin Peaks. 1997: Lost Highway. 1999: Une Histoire Vraie. 2001: Mulholland Drive. 2006: Inland Empire. 2012: Meditation, Creativity, Peace (documentaire).


PrĂ©cĂ©dĂ© d'un bouche Ă  oreille sulfureux lors des sĂ©ances des fameux Midgnight Movies, Eraserhead est un premier long-mĂ©trage d'une ambition singulière dans la motivation expĂ©rimentale du rĂ©alisateur Ă  nous confiner dans l'antre de son univers cauchemardesque littĂ©ralement anxiogène. Etudiant en arts plastiques, le nĂ©ophyte David Lynch aura mis plus de 5 ans Ă  façonner cet essai en noir et blanc après l'avoir autoproduit. Ce n'est qu'au fil des ans et des dĂ©cennies que le film accède Ă  la renommĂ©e après avoir essuyĂ© Ă©chec public et critique. DĂ©rangeant, malsain, perturbant, mais surtout terriblement anxiogène et dĂ©pressif, Eraserhead transpire l'aigreur Ă  travers l'errance de son hĂ©ros sentencieux littĂ©ralement tourmentĂ© par sa condition parentale. L'intrigue s'attachant Ă  dĂ©crire par le biais de ses fantasmes et/ou celui du rĂŞve sa situation dĂ©munie face au statut paternel puis conjugal. Son amie insomniaque ayant quitter prĂ©cipitamment le foyer Ă  la suite des braillements de leur bambin, Henry Spencer tente maladroitement de poursuivre sa morne existence en la prĂ©sence de ce rejeton moribond.


Avec son dĂ©cor blafard de banlieue industrielle et la sonoritĂ© infernale impartie aux bruit des machines et du vent tempĂ©tueux, Eraserhead Ă©branle nos sens, dĂ©stabilise nos habitudes sereines pour mettre en exergue le dĂ©paysement d'une glauque scĂ©nographie auquel chaque membre d'une famille est servile au mal-ĂŞtre existentiel. Renforçant le malaise parmi la prĂ©sence fĂ©tide d'un foetus difforme (FX bluffants de rĂ©alisme !) que Mary a enfantĂ©e de manière prĂ©maturĂ©e, l'intrigue multiplie les Ă©vènements nonsensiques au fil de l'introspection mentale du hĂ©ros en lĂ©thargie. Outre le caractère baroque et surrĂ©aliste du design d'ameublement auquel cohabitent les personnages excentriques (notamment la dame du radiateur et les parents nĂ©vrosĂ©s de Mary), Eraserhead planifie avec une inventivitĂ© schizophrène une descente aux enfers oĂą l'illogisme des situations et l'incomprĂ©hension de certains Ă©vènements renforcent le malaise d'un bad-trip plus vrai que nature. Par l'acuitĂ© visuelle de son imagerie opaque extraite d'un esprit immature en perte de repère avec sa rĂ©alitĂ©, le film distille un sentiment de mal-ĂŞtre Ă©pidermique aussi rigoureux que Massacre Ă  la Tronçonneuse, Martyrs ou encore La Dernière maison sur la gauche. Autant dire que l'expĂ©rience successivement Ă©prouvante, oppressante et malsaine n'accorde aucune dĂ©livrance au spectateur privĂ© d'Ă©motions ludiques pour l'extraire de ce climat de sinistrose en chute libre.


ExpĂ©rience horrifique capiteuse parmi l'intensitĂ© de sa bande-son dissonante et son florilège de sĂ©quences cauchemardesques engendrĂ©es par un esprit dĂ©pressif incapable de s'assumer, Eraserhead aborde les thèmes de l'adultère, l'infanticide, la dĂ©mission parentale et conjugale avec une originalitĂ© machiavĂ©lique. Tour Ă  tour angoissant et Ă©touffant au point de perdre tous nos repères, le film dĂ©cuple le malaise parmi la prĂ©sences iconique du bambin alitĂ© et celle de l'acteur Jack Nance traĂ®nant sa lourde dĂ©gaine Ă  la manière d'un somnambule impassible. 
P.S: En raison de l'intensité scrupuleuse de son climat perturbant, les âmes sensibles sont priées d'être averties (le film étant interdit aux - de 18 ans lors de sa sortie)

Bruno Matéï
2èx

jeudi 12 novembre 2015

The Devil's Rejects

                                                                    Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site jeknight.deviantart.com 

de Rob Zombie. 2005. U.S.A. 1h50 (Director's Cut). Avec Sid Haig, Bill Moseley, Sheri Moon Zombie, William Forsythe, Ken Foree, Matthew McGrory, Leslie Easterbrook, Geoffrey Lewis.

Sortie salles France: 19 Juillet 2006 (Interdit aux - de 16 ans). U.S: 22 Juillet 2005

FILMOGRAPHIE: Rob Zombie est un chanteur, musicien et réalisateur américain, né le 12 Janvier 1965 à Haverhill, dans le Massachusetts.
2003: House of 1000 Corpses. 2005: The Devil's Rejects. 2007: Werewolf Women of the S.S. (trailer). 2007: Halloween. 2009: Halloween 2. 2012: The Lords of Salem. 2016: 31.


"Famille de dĂ©mons sur bitume brĂ»lant : The Devil’s Rejects".
Faisant suite Ă  La Maison des 1000 morts, The Devil’s Rejects en modifie la topographie horrifique pour Ă©pouser l’ultra-violence d’un road movie poisseux, oĂą le shĂ©rif Wydell traque trois psychopathes : le Capitaine Spaulding, Otis Driftwood et Baby Firefly. Fou de haine depuis que son frère a succombĂ© sous leurs coups, John Quincy Wydell foule aux pieds la loi pour mieux les piĂ©ger, quitte Ă  y perdre son âme dans une vendetta suintant la lâchetĂ© et la soif de sang. Road movie fiĂ©vreux et dĂ©gĂ©nĂ©rĂ©, hommage fangeux aux bandes des Seventies — Massacre Ă  la tronçonneuse en Ă©tendard — Rob Zombie transcende le portrait d’anti-hĂ©ros habitĂ©s par une pulsion de mort dĂ©guisĂ©e en soif de libertĂ©. Avec un jusqu’au-boutisme cru, il Ă©tale sans fard leurs exactions gratuites, secouant le spectateur entre rire nerveux, malaise moral et fascination morbide. Certaines scènes extrĂŞmes imposent un rĂ©alisme poisseux, Ă  la lisière du soutenable, quand des victimes en charpie implorent qu’on abrĂ©ge leur agonie.

Si le scĂ©nario dĂ©roule une linĂ©aritĂ© presque scolaire, le brio de la mise en scène engendre une succession de sĂ©quences anthologiques. D’un rĂ©alisme documentaire et d’une audace crue, Zombie provoque sans relâche, Ă©talant humiliations et tortures avec une immoralitĂ© ricanante. Qu’il scrute ses sociopathes fraternels ou la dĂ©rive furieuse d’un shĂ©rif en roue libre, The Devil’s Rejects croque un jeu du chat et de la souris dans une AmĂ©rique rurale peuplĂ©e de rednecks ignares. Les seconds rĂ´les, trognes grotesques et verve de caniveau (jusqu’Ă  une transaction de poulets hilarante), injectent une cocasserie malsaine au cĹ“ur du carnage. Entre ces faces vulgaires et notre trio qui pue la sueur et la crasse, Zombie tire une parodie sarcastique, limite cartoonesque, de malfrats dĂ©pravĂ©s, ivres de sexe, de drogue, d’alcool et surtout de sang.

Et pourtant, miracle noir : dans la dernière ligne droite, les bourreaux basculent victimes, quand un shĂ©rif ricanant fraude les règles pour les humilier Ă  son tour. Surgit alors, contre toute attente, un soupçon d’empathie pour ces dĂ©chets humains, frères soudĂ©s par l’amour du vice et un dĂ©sir de libertĂ© absolue. Zombie cueille l’Ă©motion sur le bitume : clichĂ©s solaires, sourires exaltĂ©s, un instant volĂ© au cauchemar, comme si ces rebuts de l’humanitĂ© frĂ´laient, eux aussi, l’idĂ©e du bonheur.


"Les Nouveaux Sauvages".
Aussi dĂ©rangeant qu’hilarant dans son festin d’ultra-violence cartoonesque (pour les amateurs de bandes dĂ©viantes et sardoniques), The Devil’s Rejects transcende le portrait au vitriol de psychopathes en une « horde sauvage » moderne, cherchant l’enfer le plus paisible possible. Un moment de cinĂ©ma inoubliable, incarnĂ© par des comĂ©diens viscĂ©raux, un chef-d’Ĺ“uvre d’immoralitĂ© oĂą palpite, malgrĂ© tout, l’illusion d’un humanisme dĂ©sespĂ©rĂ©.

— Bruno Matéï
3èx 

La Critique de Mathias Chaput:
Véritable bombe pondue par un Rob Zombie en état de grâce, "Devil's rejects" est un film qui devance tous ces prédécesseurs au niveau de la violence !

Outrancier dans son fond et dans sa forme mais passionnant à suivre car parfaitement rythmé et bien joué, ce métrage tient largement ses promesses et se distingue des autres par une originalité peu commune ou très peu exploité, à savoir qu'on a plus de compassion pour les tueurs que pour la police...

"The devil's rejects" est un mastodonte, une machine de guerre qui annihile tout sur son passage, recelant de moments d'anthologie et ponctué de dialogues cultes même si faisant la part belle aux invectives...

Faisant référence non sans un humour décalé et jubilatoire à plusieurs événements d'outre Atlantique ou à des figures emblématiques comme Groucho Marx ou même Elvis Presley, Rob Zombie se fait plaisir et NOUS fait plaisir et ne plagie à aucun moment les autres (même si le tout début peut faire légèrement penser à "Massacre à la tronçonneuse")...

Un montage ultra serré se servant de plans fixes et un final prodigieux tout en nuances permet au spectateur de garder un recul approprié face à ce déchaînement de brutalité (Rob Zombie n'y allant vraiment pas de main morte) et fait accéder l'oeuvre au sommet du genre, sorte de mélange entre "La dernière maison sur la gauche", "Tueurs nés" et "Dirty Harry"...

Toute une culture vintage se retrouve dans un film qui mettra tout le monde d'accord, transcendé par une folie pure et ambiante que l'on n'avait pas vue depuis longtemps !

Déjà huit ans et pas une seule ride !

Un pur must à déguster sans modération !
Note : 10/10


mardi 10 novembre 2015

NO ESCAPE

                                                                   Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site allocine.fr

de John Erick Dowdle. 2015. U.S.A/ThaĂŻlande. 1h43. Avec Pierce Brosnan, Owen Wilson, Lake Bell, Sterling Jerins, Spencer Garrett, John Goldney

Sortie salles France : 2 septembre 2015. U.S : 26 août 2015

FILMOGRAPHIE: John Erick Dowdle est un réalisateur américain né en Décmbre 1973.
1996 : Full Moon Rising. 2005 : The Dry Spell. 2007 : The Poughkeepsie Tapes. 2008 : En quarantaine (Quarantine). 2011 : Devil. 2014 : Catacombes (également coscénariste). 2015 : No Escape.


Si John Erick Dowdle a accumulĂ© depuis le dĂ©but de sa carrière les nanars opportunistes, force est de constater qu'avec No Escape le rĂ©alisateur modifie la donne pour nous imposer avec une maestria inespĂ©rĂ©e (Ă  l'instar d'une 1ère poursuite en mode subjectif entre les ruelles ThaĂŻlandaises !) un survival brut de dĂ©coffrage dans sa tension Ă  couper au rasoir ! Issus de souche amĂ©ricaine, Jack et sa famille ont dĂ©cidĂ© de s'expatrier en Asie du Sud-est pour son cadre idyllique. Mais Ă  la suite d'un coup d'Ă©tat meurtrier, ils se retrouvent pris Ă  parti avec une armĂ©e de rebelles assoiffĂ©s de sang Ă  la vue de toute prĂ©sence occidentale. C'est le dĂ©but d'une Ă©preuve de force que va endurer la famille Dwyer la peur au ventreThriller d'action Ă  couper le souffle dans son lot de pĂ©ripĂ©ties aussi dĂ©lĂ©tères que bellicistes, rebondissements imprĂ©visibles et planques de dernier ressort, No Escape nous plonge tĂŞte baissĂ©e dans le chaos d'une guĂ©rilla urbaine bâtie sur la dĂ©chĂ©ance barbare. Les sĂ©quences gratuites d'exĂ©cutions sommaires sur les victimes innocentes se multipliant devant le tĂ©moignage rĂ©vulsĂ© d'une famille en perdition. Cette vertigineuse descente aux enfers inscrite dans le dĂ©sespoir de survie, le cinĂ©aste nous la dĂ©peint avec un rĂ©alisme documentĂ© au point d'en oublier sa facture ludique de sĂ©rie B effrĂ©nĂ©e (Ă  une accalmie près pour une retrouvaille amicale !).


Ce sentiment d'insécurité permanent régi au tour d'une ville en état de siège, cette peur de trépasser l'instant d'après pour nos survivants à court d'oxygène, sont transfigurés par le talent des interprètes insufflant une angoisse viscérale contagieuse auprès de notre témoignage. En particulier Owen Wilson utilisé ici à contre-emploi pour se tailler la carrure d'un paternel plein d'humanisme mais redoutablement vaillant dans ses prises de risques inconsidérées à daigner prémunir sa famille. Dans un second-rôle plus affirmé, Pierce Brosnan lui partage la vedette avec une spontanéité impavide dans sa fonction de mercenaire émérite à déjouer les traques criminelles de l'ennemi rebelle. Transis d'anxiété et d'empathie pour leur situation précaire, nous nous immergeons de plein fouet dans leur parcours du combattant avec une acuité émotionnelle rigoureuse. Sachant notamment que le cinéaste se délecte à leur structurer un cheminement aléatoire d'enjeux de survie où les poursuites endiablées ne cessent de les compromettre à l'issue de secours. Quand bien même les parents vont être amenés à transgresser leur morale pour abuser parfois de violence afin de sauver leur peau et celle de leurs filles (les comédiennes imposant une fragilité dépouillée). Face à cet amoncellement de situations alertes où la mort omniprésente tente à chaque fois de les agripper, nos nerfs sont sévèrement mis à rude épreuve sous l'impulsion de séquences d'action aussi épiques (voires même parfois dantesques !) que réalistes.


Spectacle haletant de survival escarpĂ© et de guĂ©rilla urbaine d'un rĂ©alisme parfois Ă©prouvant (notamment la duretĂ© de certaines scènes de violence faisant Ă©cho Ă  l'actualitĂ© du terrorisme islamiste), No escape puise d'autant plus sa puissance Ă©motionnelle dans l'efficacitĂ© de sa rĂ©alisation et la caractĂ©risation humaniste de ses personnages vibrant de dĂ©sespoir et de vigueur de vaincre.  

Bruno Matéï 

    lundi 9 novembre 2015

    QUI L'A VUE MOURIR ?


    "Chi l'ha vista morire ?" d'Aldo Lado. 1972. Italie. 1h30. Avec George Lazenby, Anita Strindberg, Dominique Boeschero, Peter Chatel, Adolfo Celi.

    FILMOGRAPHIE: Aldo Lado est un réalisateur italien, né le 5 décembre 1934 à Fiume (Croatie).
    1971: Je suis Vivant (La corta notte delle bambole di vetro). 1972: Qui l'a vue mourir ? 1972: La DrĂ´le d'affaire. 1973 : Sepolta viva. 1974 : La cugina. 1975: La BĂŞte tue de sang Froid. 1976 : L'ultima volta. 1978 : Il prigioniero (TV). 1979 : L'humanoĂŻde. 1979 : Il Ă©tait un musicien – Monsieur Mascagni. 1981 : La dĂ©sobĂ©issance. 1982 : La pietra di Marco Polo (TV). 1983 : La cittĂ  di Miriam (TV). 1986 : I figli dell'ispettore (TV). 1987 : Sahara Heat ou Scirocco. 1990 : Rito d'amore. 1991 : La stella del parco (TV). 1992 : Alibi perfetto. 1993 : Venerdì nero. 1994 : La chance.


    Surtout connu chez nous grâce au sulfureux la BĂŞte tue de sang froid, dĂ©clinaison transalpine de la Dernière Maison sur la Gauche, Aldo Lado s'Ă©tait auparavant prĂŞtĂ© au giallo avec Je suis vivant et le film qui nous intĂ©resse ici, Qui l'a vue mourir ? InĂ©dit en salles en France et exhumĂ© de l'oubli grâce au Dvd Ă©ditĂ© par Ecstasy of Films, le film relate les exactions d'un assassin d'enfants au sein de la ville portuaire de Venise. Après la dĂ©couverte de sa fille noyĂ©e, Franco Serpieri tente de mener lui mĂŞme l'enquĂŞte quand bien mĂŞme son Ă©pouse rĂ©apparaĂ®t après leur sĂ©paration afin d'assister aux funĂ©railles. Au fil d'indices rĂ©pertoriĂ©s au compte goutte, les morts commencent Ă  se multiplier. Giallo mĂ©connu chez nous, Qui l'a vue mourir ? anticipe avec deux ans d'avance le chef-d'oeuvre de Nicolas RoegNe vous retournez pas. De par sa scĂ©nographie d'une capitale vĂ©nitienne Ă©trangement similaire, de la mort de l'innocence et la tragĂ©die familiale du père investigateur avide de rĂ©solution. 


    Ca commence fort avec un prologue particulièrement crapuleux lorsqu'un mystĂ©rieux rĂ´deur dĂ©cide de s'en prendre Ă  une gamine pour lui fracasser le crane Ă  coups de pierre. Le cadre de l'action confinĂ© autour d'une forĂŞt enneigĂ©e renforçant une angoisse diffuse autour des va-et-vient ludiques d'une mère et de sa fille. Une sĂ©quence explicite assez choquante mĂŞme si l'aspect concis de la mise Ă  mort en dĂ©samorce un peu sa brutalitĂ©. C'est sans doute en partie pour cette raison que le film Ă©copa d'une interdiction aux - de 18 ans dans certains pays. Une seconde sĂ©quence, cette fois-ci Ă©tablie hors-champs, va Ă©galement provoquer le malaise lors de la dĂ©couverte macabre d'une autre victime infantile dans la berge de Venise. C'est Ă  partir de cette nouvelle tragĂ©die sordide que l'intrigue va pouvoir s'affranchir sous l'impulsion du père endeuillĂ© avide de questionnement. Ce qui l'entraĂ®ne Ă  frĂ©quenter quelques notables dĂ©viants pour leurs penchants pĂ©dophiles, jeux SM et party pornos organisĂ©s en soirĂ©es privĂ©es. Si l'enquĂŞte policière que mène Franco Serpieri s'avère un brin langoureuse dans son cheminement routinier, l'ambiance inquiĂ©tante rĂ©gie autour de la ville vaporeuse et le portrait imparti aux seconds rĂ´les vĂ©reux distillent une aura malsaine assez Ă©touffante. Quant aux meurtres stylisĂ©s et parfois angoissants, ils se succèdent efficacement en intermittence en dĂ©pit du caractère prĂ©visible de l'un d'entre eux, alors que l'assassin fait preuve de photogĂ©nie dĂ©lĂ©tère par son accoutrement sĂ©pulcrale semblable Ă  la veuve noire.  


    Sans révolutionner le genre, Aldo Lado parvient à esthétiser un sympathique giallo assez vénéneux et malsain parmi l'appui musical d'Ennio Morricone (sa comptine imposant un leitmotiv aussi entêtant que fascinant). Si la direction d'acteurs perfectible (en particulier le personnage principal endossé par le moustachu George Lazenby) et la monotonie de l'intrigue auraient gagnés à faire preuve de plus d'entrain, l'audace sordide du scénario conféré autour de meurtres d'enfants distille une aura sulfureuse plutôt inédite pour le genre. A découvrir.

    Remerciement Ă  The Ecstasy of Films
    Bruno Matéï
    2èx 


    vendredi 6 novembre 2015

    Elephant Man / "The Elephant Man". Grand Prix, Avoriaz 80.

                                                Photo empruntĂ©e sur Google, appartenant au site impawards.com

    de David Lynch. 1980. Angleterre/U.S.A. 2h04. Avec John Hurt, Anthony Hopkins, Anne Bancroft, John Gielgud, Wendy Hiller, Freddie Jones.

    Sortie salles France: 8 Avril 1981. U.S: 10 Octobre 1980 (Interdit aux - de 13 ans)

    FILMOGRAPHIE: David Lynch est un réalisateur, photographe, musicien et peintre américain, né le 20 Janvier 1946 à Missoula, dans le Montana, U.S.A. 1976: Eraserhead. 1980: Elephant Man. 1984: Dune. 1986: Blue Velvet. 1990: Sailor et Lula. 1992: Twin Peaks. 1997: Lost Highway. 1999: Une Histoire Vraie. 2001: Mulholland Drive. 2006: Inland Empire. 2012: Meditation, Creativity, Peace (documentaire).


    "Jamais, non, jamais... rien ne meurt jamais. Le courant coule, le vent souffle, le nuage flotte, le coeur bat. Rien ne mourra".

    Grand Prix Ă  Avoriaz en 1981, CĂ©sar du Meilleur Film Étranger en 1982, Elephant Man bouleversa critiques et spectateurs du monde entier par la rigueur de son intensitĂ© dramatique consacrĂ©e au portrait de Joseph Merrick. Un homme de 21 ans, atteint du syndrome de ProtĂ©e — maladie gĂ©nĂ©tique extrĂŞmement rare — ayant vĂ©cu une existence misĂ©reuse avant d’ĂŞtre recueilli par un service hospitalier londonien. 
     
    Monstre de foire, dĂ©figurĂ© au point d’ĂŞtre comparĂ© Ă  un Ă©lĂ©phant, John Merrick (David Lynch en modifia le prĂ©nom) est exhibĂ© dans un cirque par un directeur alcoolique, vĂ©nal et brutal. Un jour, le chirurgien Frederick Treves, après avoir assistĂ© Ă  l’une de ses reprĂ©sentations, parvient Ă  le faire sortir de cet enfer sous prĂ©texte d’un examen mĂ©dical. Recueilli avec Ă©gards dans un hĂ´pital, John va rĂ©apprendre Ă  vivre, dĂ©couvrant peu Ă  peu le sens des mots amitiĂ©, amour, reconnaissance, noblesse, Ă  travers les soins, les rencontres aristocratiques et une comĂ©dienne de théâtre, Madge Kendal.

    Maelstrom d’Ă©motions bouleversantes autour des vicissitudes de John Merrick, Elephant Man relate avec une acuitĂ© pudique son destin maudit, portĂ© par des comĂ©diens Ă  la sobriĂ©tĂ© humaine sans fard. L’Ă©motion nue, surgissant de leur regard face Ă  cette difformitĂ©, avant qu’ils ne canalisent leurs Ă©lans pour lui offrir une rĂ©plique aussi simple que sincère. Il en naĂ®t des sĂ©quences intimistes d’une vigueur dramatique rare, tissĂ©es dans les silences, la bienveillance, l’Ă©coute. Outre la posture pleine de dignitĂ© d’Anthony Hopkins en chirurgien altruiste, Hannah Gordon (l’Ă©pouse de Treves) et Anne Bancroft (Madge Kendal) partagent l’Ă©cran avec une tendre humilitĂ©, prouvant Ă  Merrick qu’il peut, enfin, croire en la sĂ©curitĂ© d’un monde qui ne le rejette plus.

    Mais si Elephant Man bouleverse si profondĂ©ment, c’est par la fragilitĂ© Ă©perdue de John Merrick, que John Hurt incarne avec une sensibilitĂ© bouleversante. Sa voix douce, son regard noyĂ© de sagesse, de mĂ©lancolie, d’angoisse et d’amour... tout en lui parle d’un monde intĂ©rieur d’une noblesse inouĂŻe. Baignant dans l’Ă©trangetĂ© d’une Ă©poque victorienne rongĂ©e par l’industrialisation, le film s’Ă©lève dans un noir et blanc Ă©purĂ© que Freddie Francis magnifie d’un onirisme baroque — chimères ou rĂ©alitĂ©s, visions de mutation sociale. Le visage monstrueux de Merrick, tumĂ©fiĂ©, grotesque, plonge l’ensemble dans un climat d’hostilitĂ© sourde. La foule le rejette, les marginaux s’en repaissent, et l’humanitĂ© chancelle dans l’ombre de son ignorance putassière.


    PortĂ© par la partition feutrĂ©e de John Morris et le thème dĂ©chirant de Samuel Barber, Elephant Man transfigure avec une pudeur infinie le douloureux destin d’un "monstre humain", en puisant dans la candeur des sentiments et la grandeur de l’amour. Car Ă  travers ce plaidoyer symbolique pour le droit Ă  la diffĂ©rence, David Lynch livre une leçon d’humanitĂ©, un poème baroque sur la beautĂ© cachĂ©e des infortunĂ©s, portĂ© par une mise en scène d’une Ă©lĂ©gance presque sacrĂ©e. De ce vortex d’Ă©motions capiteuses naĂ®t l’un des mĂ©lodrames les plus poignants de l’histoire du cinĂ©ma — que tout cinĂ©phile se doit d’avoir contemplĂ©.

    Bruno 
    3èx

    Grand Prix du Festival international du film fantastique d'Avoriaz, 1981.
    César du meilleur film étranger 1982
    British Academy Film Award du meilleur film
    British Academy Film Award du meilleur acteur pour John Hurt
    British Academy Film Award des meilleurs décors