LA REVANCHE DES MORTES-VIVANTES

                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site uniqueman.over-blog.org

de Pierre B. Reinhard. 1987. France. 1h16. Avec Véronique Catanzaro, Kathryn Charly, Sylvie Novak, Anthea Wyler, Laurence Mercier, Patrick Guillemin.

Sortie salles France: 16 Septembre 1987.

FILMOGRAPHIE: Pierre B. Reinhard est un réalisateur français né en 1951. 2003: France nymphos (TV Movie). 1998 French Lolita.  1994 Baise à Budapest (Video). 1993 Le grand guignol. 1989 Initiation d'une jeune marquise. 1988 Le diable rose.  1987 La revanche des mortes vivantes. 1987 Le nain assoiffé de perversité. 1986 L'été les petites culottes s'envolent. 1986 Dressage. 1986 Adolescentes pour satyres. 1985 Outrages transsexuels des petites filles violées et sodomisées. 1985 La perverse châtelaine dans l'écurie du sexe. 1984 De la pénétration par tous les trous. 1984 Extases anales. 1984 Bien au fond du petit trou. 1984 Les besoins de la chair. 1983 La voisine est à dépuceler. 1983 La grande giclée. 1983 Le bal du viol. 1983 Laisse tomber ta culotte. 1983 Femmes par derrière. 1982 Le pensionnat des petites salopes. 1982 Caresseuses expertes. 1982 Délices d'un sexe chaud et profond. 1982 Les caprices d'une souris. 1981 Tracking. 1981 Baisez les otages. 1981 Trois Bavaroises à Paris. 1980 Maison de plaisir. 1980 Paradise. 1979 Refais-le moi encore. 1979: Orgasmes.  1978 Pénétrations multiples. 1978 Baisez-moi. 1977 Entrecuisses.

Série Z franchouillarde réalisée par un habitué de films pornographiques, La Revanche des mortes-vivantes est une aberration filmique à faire passer le Lac des Morts-vivants pour un chef-d'oeuvre. A partir d'une intrigue aussi ridicule qu'incohérente (après leur décès, 3 mortes-vivantes se vengent des responsables industriels de leur mort), Pierre B. Reinhard pastiche (involontairement) le genre avec une maladresse digne d'une production X. Tant pour l'amateurisme des comédiens aussi inexpressifs que patauds, pour son montage à la fois elliptique et foutraque, pour son leitmotiv musical rébarbatif que pour son ambiance horrifique proprement grotesque dans ses vaines tentatives de provoquer l'appréhension.

A l'instar des déambulations tantôt apathiques, tantôt furtives de nos trois mortes-vivants grimées d'un masque mortifère alors que leur simple appareil ne nous signale aucune trace de putréfaction ! On peut d'ailleurs prétendre par tant d'incohérences, de bêtises et de non-sens que le réalisateur serait éventuellement réfractaire au genre horrifique pour s'en railler de manière tacite. Pur produit des années 80 surfant sur la mode des films gores générés par nos voisins transalpins, Pierre Reinhard se contente donc de filmer cette plate vengeance d'outre-tombe parmi l'exploitation d'un érotisme trivial (filmé à l'instar d'une production X) et d'un gore malsain typiquement latin. Sur ce dernier point, on peut tout de même s'amuser de l'aspect répulsif de trois séquences sanglantes assez viscérales que Benoit Lestang a su assez adroitement façonner. Au détour de cette imagerie complaisante émerge d'ailleurs un moment zinzin d'une originalité incongrue, à savoir le viol collectif d'une jeune secrétaire que nos 3 zombies dévergondées perpétuent sans gêne. Une séquence nécrophile aussi ridicule que génialement débridée culminant avec une exaction sexuelle audacieusement crapuleuse ! Sans nul doute la meilleure séquence du film par son effet de surprise effronté !

D'une nullité affligeante difficilement surpassable (même si "la révélation" incluse dans les Bonus du Dvd Neo fait preuve d'un peu plus de cohérence quant à la défroque grotesque des mortes-vivantes !), la Revanche des Mortes-vivantes provoque tout de même en intermittence l'amusement par son amateurisme ringard digne d'une production Magma (l'écurie du X spécialisée dans les films amateurs durant les années 90 qu'un comédien s'amuse à citer à travers une réplique) et par sa dérision que le réalisateur sous-entend par tant de "je m'enfoutisme". 

Bruno Matéï
3èx

Zardoz

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site cartelesmix.com

de John Boorman. 1974. Angleterre. 1h46. Avec Sean Connery, Charlotte Rampling, Sara Kestelman, Niall Buggy, John Alderton.

Sortie salles France: 13 Mars 1974. U.S: 6 Février 1974

FILMOGRAPHIE: John Boorman est un réalisateur, producteur, scénariste et acteur américain, né le 18 Janvier 1933 à Shepperton (Royaume-Uni). 1965: Sauve qui peut. 1967: Le Point de non-retour. 1968: Duel dans le pacifique. 1970: Leo the last. 1972: Délivrance. 1974: Zardoz. 1977: L'Exorciste 2. 1981: Excalibur. 1985: La Forêt d'Emeraude. 1987: Hope and Glory. 1990: Tout pour réussir. 1995: Rangoon. 1998: Le Général. 2001: Le Tailleur de Panama. 2003: In my Country. 2006: The Tiger's Tail. 2014 : Queen and Country.

Synopsis :
En 2293, des survivants de l’apocalypse, les Brutes et les Éternels, se disputent le pouvoir depuis l’intrusion de l’Exterminateur Zed dans le vortex de ces derniers. Semant la zizanie autour de lui, Zed tente de bouleverser les règles de leur hiérarchie en cherchant à découvrir qui tire réellement les ficelles derrière le tabernacle : un cristal démiurge potentiellement créé par des savants fous afin d’offrir l’immortalité à une poignée de survivants privilégiés. Pendant ce temps, à l’extérieur du vortex, les Brutes perpétuent leur génocide envers les laissés-pour-compte selon les préceptes du dieu Zardoz.

Trip hallucinogène au cœur d’un paysage dystopique surgi de nulle part (ah, ce masque de pierre se déplaçant dans les airs tel un dirigeable pour enfanter la guerre !), expérience métaphysique autour de notre questionnement spirituel et du sens de notre mortalité, Zardoz aborde les thèmes de l’immortalité et de la création divine avec une folie furieuse sans égale. En grossissant le trait de la dérision, le film pourrait presque s’apparenter à un improbable croisement entre Les Diables de Ken Russell et La Montagne sacrée de Jodorowsky, mâtiné de La Machine à explorer le temps.

Tant pour son audace formelle à la fois inépuisable et électrisante, pour l’excentricité de ses personnages aux cimes d’une folie collective que pour ses thèmes mystiques invoquant un Dieu manipulateur. Boudé par le public et assassiné par la critique à sa sortie - avant que son succès en VHS ne lui permette d’accéder au rang de film culte - Zardoz ne peut laisser indifférent par sa vigueur visuelle « schizophrène » que John Boorman orchestre avec une ambition délurée.

Si l’intrigue hermétique se perd parfois en cours de route (la dernière demi-heure part en vrille de manière aussi chaotique qu’effarouchée, du moins lors d’un premier visionnage) et que son cheminement narratif souvent elliptique donne le vertige à travers une multitude d’indices nébuleux, le spectacle furieusement grisant hypnotise nos sens jusqu’au vertige cérébral. Certains spectateurs, toujours aussi impassibles face à ce programme expérimental, continuent de railler l’accoutrement sexy de Sean Connery en brute virile plantureuse et de conspuer ses figurants bigarrés tout droit sortis d’un Âge de cristal sous LSD. Pourtant, Zardoz fascine incessamment par sa facture psychédélique éminemment ensorcelante.

Son thème existentiel opposant mortalité et immortalité suggère d’ailleurs que l’éternité pourrait être synonyme d’ennui : privée d’enjeu, de plaisir et d’accomplissement, elle viderait l’existence de toute saveur. Comme si notre unique destin consistait finalement à perpétuer la vie sur Terre par l’entremise d’une cohésion familiale. Car la vie a sans doute davantage de valeur lorsque nous ignorons le temps qu’il nous reste.

"Le Magicien d’Oz."
Atypique, étrange au possible, sibyllin, déconcertant, fascinant, hypnotique, Zardoz demeure un ovni d’anticipation passionnant par sa satire philosophique où religion et fanatisme se voient ici mystifiés par un habile maître-chanteur (Oz !). L’un des spectacles les plus hallucinants jamais inscrits sur pellicule, un véritable mad movie à découvrir de préférence à jeun, au risque sinon de flirter avec une douce démence… ou une incompréhension totale.

Il faut le voir pour le croire.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

*Bruno 
5èx. 13.03.26.  07.05.24. Vostfr

CHRONIC. Prix du Scénario, Cannes 2015

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allociné.fr

de Michel Franco. 2015. Mexique. 1h34. Avec Tim Roth, Tate Ellington, Bitsie Tulloch, Maribeth Monroe et Cleo Monroe, Claire van der Boom

Sortie salles France: 21 octobre 2015

FILMOGRAPHIE: Michel Franco est un réalisateur et scénariste né en 1979 à Mexico. 2009 : Daniel y Ana. 2012 : Después de Lucía. 2013 : A los ojos. 2015 : Chronic. 2017 : Las hijas de Abril

Relatant avec une rare pudeur la réalité quotidienne de David, un infirmier auprès du chevet de ces malades en phase terminale, Chronic insuffle un climat déprimant relativement lourd et sans échappatoire. Abordant les thèmes de la maladie, de la solitude et de la mort avec un réalisme quasi documentaire, Michel Franco opte pour une mise en scène clinique afin de plonger le spectateur dans la réalité morose de ces patients extrêmement fragiles quant à leur situation de survie. Parfois éprouvant et blafard par le biais de séquences intimistes d'une intensité dramatique inopinée (leurs crises d'angoisse et leurs symptômes pathologiques que David s'efforce d'assister sans répit), Chronic ausculte leurs derniers instants sous l'assistance de cet infirmier prévenant. Et ce en dépit de l'égoïsme de certains d'entre eux (notamment l'entourage familial) n'hésitant pas à le discréditer pour des motifs personnels d'euthanasie, de déni ou d'insolence colérique.

Au-delà des rapports sensiblement amicaux que se partagent ces malades avec leur aide-soignant, l'intrigue met en parallèle la remise en question de David à reprendre contact avec sa famille qu'il n'a pas revu depuis des années, et ce depuis l'injustice de la mort. Davantage conscient de la fragilité de la vie et de la mort inéluctable que chacun d'entre nous devra un jour traverser, David reprend contact auprès des siens avec une retenue timorée. Taciturne, placide et d'une patience à toute épreuve, Tim Roth se glisse dans la peau de cet infirmier altruiste avec une dimension humaine souvent poignante si bien que derrière sa carrure virile s'y cache une contrariété sous-jacente. Par le truchement de ce personnage aussi volontaire qu'exemplaire, Chronic rend dignement hommage au métier d'infirmier armé de patience et de rigueur morale à s'occuper et se préoccuper des malades dans l'intimité la plus confidentielle (notamment leurs bains de toilette quotidiens). Quand aux seconds-rôles imputés aux grabataires, ils nous bouleversent de manière viscérale par leurs expressions à la fois hagardes et démunies sans JAMAIS s'appuyer sur une sinistrose racoleuse. Sur ce point, Michel Franco frappe juste et fort dans son parti-pris documenté de privilégier coûte que coûte la pudeur au sein d'une quotidienneté souvent mutique où le non-dit prime.

Un film choc mais pudibond sur la fatalité de la maladie létale.

Poignant et bouleversant, dur et difficile, déprimant et pesant, Chronic ne nous laisse pas indemne pour témoigner de la maladie incurable parmi le témoignage impuissant mais empathique du corps infirmier redoublant de tact et modestie à accompagner le souffrant jusqu'au dernier souffle. On sera d'autant plus frappé d'amertume et de morosité quand à la brutalité impromptue de sa conclusion qui en dit long sur l'improvisation de la mort.  

Dédicace à Pascal Frezzato
Bruno Dussart

LE BAISER DU DIABLE

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

Una vela para el diablo /A candle for the Devil d'Eugenio Martin. 1973. Espagne. 1h31. Avec Avec Aurora Bautista, Esperanza Roy, Judy Geeson, Vic Winner (Victor Alcazar), Lone Fleming, Blanca Estrada.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Eugenio Martin est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1925 à Grenade. 1983: Sobrenatural. 1965: L'uomo di Toledo. 1966: Les Tueurs de l'Ouest. 1969: La vida sigue igual. 1971: Les 4 Mercenaires d'El Paso. 1972: Terreur dans le Shangaï express. 1972: Pancho Villa. 1973: La Chica del Molino Rojo. 1973: Una vela para el diablo (as Eugene Martin). 1966: Les Tueurs de l'Ouest. 1964: Mes Aventuriers de la Jungle. 1961: Les Corsaires des Caraïbes.

Célèbre pour avoir réalisé le génialement barré Terreur dans le Shangaï Express, Eugenio Martin est également l'auteur d'une petite curiosité ibérique sortie un an plus tard, "Una vela para el diablo" resté inédite dans nos contrées. Propriétaires d'une pension, deux soeurs catholiques sombrent dans la criminalité à la suite de l'exhibition d'une jeune fille en maillot de bain sur le toit de leur établissement. Inquiète de son absence, la soeur de la victime se rend sur les lieux et s'étonne du rigorisme des mégères rivalisant d'intolérance castratrice. 

Série B horrifique dédiée à son ambiance aussi baroque (certains décors domestiques de la pension) que (tantôt) malsaine, le Baiser du Diable puise son charme dans sa facture visuelle typiquement hispanique, à l'instar du trouble et atmosphérique Cannibal Man, et dans la prestance vénéneuse des deux sexagénaires plutôt insidieuses par leur idéologie réactionnaire. L'une d'elle se réconfortant discrètement dans les bras d'un jeune amant de 20 ans d'écart quand bien même l'autre ose secrètement observer les corps dénudés d'ados batifolants dans une rivière. Cette séquence dérangeante s'avère l'épicentre de déviance morale si bien que durant son départ, cette dernière s'écorchera le corps (et ce de manière masochiste !) au moment de traverser un champs semé de ronces. Même si la caractérisation distincte des deux soeurs aurait gagné à être un peu plus étoffée, Eugenio Martin les dirigent tout de même avec suffisamment d'habileté et d'attention pour mettre en exergue leur déliquescence immorale à s'autoriser le crime en guise d'expiation. Jalonné de quelques meurtres parfois sanglants et assez violents, Le Baiser du Diable se permet aussi d'insuffler en fin de parcours un petit suspense oppressant en la présence perplexe de la soeur de la victime en investigation autonome.

La providence du mal.
Réquisitoire vitriolé contre l'obscurantisme et plaidoyer pour l'émancipation féminine au sein d'une société réactionnaire en mutation, Le Baiser du Diable emprunte le genre horrifique parmi l'exploitation d'un gore (gentiment) crapoteux et d'un érotisme polisson issu du roman photo. Une sympathique curiosité au climat d'étrangeté assez séduisant, à découvrir avec attention.

Remerciement particulier à Video Party Massacre

Eric Binford.

MES VIES DE CHIEN

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site solarmovie.net

"A Dog's Purpose" de Lasse Hallström. 2017. U.S.A. 1h40. Avec K.J. Apa, Britt Robertson, Josh Gad, Dennis Quaid, Peggy Lipton, Juliet Rylance, John Ortiz

Sortie salles France: 19 Avril 2017. U.S: 27 Janvier 2017

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lasse Haekstrom est un réalisateur et scénariste suédois, né le 2 Juin 1946 à Stockholm (Suède). 1975: A Guy and A gal. 1985: Ma vie de chien. 1991: Ce cher Intrus. 1993: Gilbert Grape. 1995: Amours et mensonges. 1996: Lumièe et compagnie. 1999: l'Oeuvre de Dieu, la part du Diable. 2000: Le Chocolat. 2001: Terre Neuve. 2005: Une vie inachevée. 2005: Casanova. 2006: Faussaire. 2009: Hatchi. 2010: Dear John. 2012: Des saumons dans le désert. 2012 : L'Hypnotiseur. 2013 : Un havre de paix. 2014 : Les Recettes du bonheur. 2017: Mes vies de chien. 2018: The Nutcracker and the Four Realms.

Par le réalisateur de Hatchi, le plus traumatisant des films canins, Mes vies de chien reprend le thème de l'éternelle amitié qui unit un chien et son maître sous le pilier mystique de la réincarnation. Agé de 8 ans, Ethan parvient à convaincre ses parents d'adopter un chien abandonné qu'il prénomme Bailey. Rapidement, un lien amical se tisse entre les 2 compagnons qui mènent une existence paisible, et ce en dépit de l'alcoolisme du père d'Ethan. Contraint de se séparer de son chien durant quelques temps, Ethan est un beau jour alerté par ses grands-parents que Bailey est sur le point de mourir, faute de son âge avancé. Passés les adieux, Bailey se réincarne sous une autre apparence canine afin de vivre une nouvelle existence en compagnie d'un policier et avant de découvrir au fil d'autres réincarnations l'instinct filial d'une retrouvaille amicale indéfectible. Comédie familiale pétrie de bons sentiments, d'émotions et de tendresse, Mes Vies de chien constitue une leçon de vie derrière l'apparence candide d'un chien loyal conscient de l'importance du temps présent et de son entourage familial à travers ses multiples vies.

En dépit de cette incohérence existentielle (il s'avère à mon sens impossible de se remémorer avec autant de précisions nos passés antécédents si on est partisan de la métempsychose, et ce même si parfois l'impression de déjà-vu pourrait nous aiguiller sur cette croyance spirituelle) et de certaines facilités assez conventionnelles (le sketch centré autour de la romance du jeune couple afro-américain), mes Vies de chien joue la carte du divertissement amiteux avec assez d'efficacité pour témoigner de la fidélité légendaire qui unit le chien et l'homme. Outre cette intense amitié que se partagent de prime abord Ethan et Bailey, l'action se renouvelle ensuite assez efficacement par le principe des réincarnations successives que Bailey rencontre lors de conditions de vie hétéroclites. Au passage, le réalisateur en profite pour dénoncer brièvement (et sans complaisance) la maltraitance animale par le biais d'un jeune couple marginal, quand bien même les chiens de sauvetage sont également mis en exergue pour leur rendre dignement hommage (sans toutefois m'étaler sur la polémique d'une condition de tournage). Enfin, l'intrigue culmine ensuite vers une dernière partie résolument émouvante à travers les thèmes de la désillusion et de la rédemption amoureuses. Le temps qui passe inexorablement, le regret de n'avoir pu saisir sa chance au moment propice, l'amertume de la solitude et de la vieillesse, Lasse Haekstrom les abordent avec une prude émotion sous le témoignage amical de Bailey délibéré à combler son maître. Car conscient du poids de la solitude de celui-ci, il se résout à exaucer un voeux inavouable de sa part et lui rappeler le sens de l'existence (concilier l'amour et le partager à son entourage durant nos vies indéfinies) grâce à son exceptionnelle mémoire.

Si tout le périple initiatique de Bailey s'avère gentiment naïf, un brin puéril (renforcé de la voix-off du chien nous exprimant ouvertement ses pensées intimes de manière un peu trop infantile) et que nous sommes à 100 lieux de la puissance dramatique de l'éprouvant Hatchi, Mes Vies de chien insuffle toute de même une tendre émotion autour de l'éternelle fidélité du chien et de son maître. A travers ses retrouvailles à la fois inespérées et bouleversantes, Lasse Haekstrom amorce une poignante émotion en la présence inopinée de Dennis Quaid, presque méconnaissable en sexagénaire esseulé (il n'est âgé que de 63 ans durant le tournage !) car physiquement marqué par les épreuves du temps de son propre vécu. 

Bruno Matéï

SUBWAY. César du Meilleur Acteur: Christophe Lambert

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site alamy.com

de Luc Besson. 1985. France. 1h38. Avec Isabelle Adjani, Christophe Lambert, Richard Bohringer, Michel Galabru, Jean-Hugues Anglade, Jean-Pierre Bacri, Jean Bouise, Jean Reno.

Sortie salles France: 10 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: Luc Besson est un réalisateur, producteur, et scénariste français né le 18 mars 1959 à Paris. 1983: Le Dernier combat, 1985: Subway, 1988: Le Grand Bleu, 1990: Nikita, 1991: Atlantis, 1994: Léon, 1997: Le 5è élément, 1999: Jeanne d'Arc, 2005: Angel-A, 2006: Arthur et les Minimoys, 2009: Arthur et la vengeance de Maltazard, 2010: les Aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec, Arthur 3, la guerre des 2 mondes, 2011: The Lady. 2013 : Malavita. 2014 : Lucy. 2017 : Valérian et la Cité des mille planètes.

Gros succès public en France (2 920 588 entrées), qui plus est couronné de 3 prix aux Césars (Meilleur Son, Meilleurs Décors et Meilleur Acteur pour Christophe Lambert), Subway est la seconde réalisation de Luc Besson. Un néophyte prometteur si bien qu'il nous avait déjà épaté avec le Dernier Combat, aventure post-apo intime incroyablement audacieuse par le choix de sa photo monochrome et le mutisme des comédiens privés de dialogues. Prenant ici pour cadre insolite le métro parisien et ses sous-sols secrètement aménagés par d'étranges marginaux (un culturiste, un voleur de sac, un vendeur de fleurs, des musiciens en herbe), Subway tire parti de son irrésistible charme en la présence attachante de ces comédiens s'en donnant à coeur joie dans la ruse et l'extravagance. Jeu du gendarme et du voleur mené avec beaucoup de fantaisie, d'insolence, d'actions et de décontraction, l'intrigue linéaire se focalise sur les tribulations d'un braqueur de coffre-fort (Christophe Lambert, épatant d'aplomb dans sa bonne humeur expansive !) épris d'amour pour sa dernière victime, la jeune bourgeoise Héléna (qu'endosse gracilement Isabelle Adjani).

Durant ses errances dans le métro, il s'aventure dans les sous-sol pour y faire la rencontre de sdf vivants en marge de la ville. Pendant ce temps, la police tente d'appréhender un cleptomane exerçant ses larcins en patin à roulettes, et Fred, pris à parti avec des musiciens en smoking ainsi qu'un sbire de l'époux d'héléna contraint de le supprimer depuis un racket. Il est étonnant de constater qu'à la vue de son script plutôt frivole, Subway dégage néanmoins un charme capiteux, et ce jusqu'au générique de fin que le chanteur Arthur Simms transfigure mélodieusement parmi son tube "It's Only Mystery". Alternant requête romantique auprès du couple contradictoire Lambert/Adjani et péripéties musclées que se disputent la police avec Fred et ses acolytes, Subway détonne agréablement par sa légèreté cocasse que Luc Besson coordonne avec brio perfectible mais scrupuleux (dynamisme du montage "à l'américaine" en sus comme en témoigne sa bondissante séquence d'ouverture). Politiquement incorrect, notamment lorsqu'il se raille de l'attitude hautaine d'une famille de préfets auquel est invitée Héléna, Luc Besson nous attache à une galerie de marginaux peu recommandables mais terriblement attachants dans leur fonction libertaire de survie teintée de fraternité. Sans jamais se prendre au sérieux, ce dernier parvient efficacement à afficher un ton original lors de leurs pérégrinations quand bien même Christophe Lambert et Isabelle Adjana mènent la danse sous l'impulsion d'un groupe rock en ascension musicale.

Comédie d'aventures à la fois décomplexée et excentrique tirant parti de son attraction par sa simplicité et son dépaysement, Subway demeure un ovni délicieusement rétro au sein de l'époque candide des années 80. Car il n'a en l'occurrence rien perdu de sa fougue, de sa douce folie et de son tempérament insolent sous l'impulsion badine de comédiens déployant une verve ironique en "cool attitude". 

Bruno Matéï
3èx

PERFECT BLUE

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Satoshi Kon. 1997. Japon. 1h20. Interdit aux - de 12 ans.

Sortie salles France : 8 septembre 1999. Japon: 28 Février 1998

FILMOGRAPHIE: Satoshi Kon (今 敏, Kon Satoshi?) est un mangaka et réalisateur japonais, né le 12 octobre 1963 à Kushiro, décédé le 24 août 2010. 1997 : Perfect Blue. 2001 : Millennium actress. 2003 : Tokyo Godfathers. 2004 : Paranoia Agent (Série TV, 13 ép). 2006 : Paprika. 2007 : Ani-Kuri 15 - segment Ohayō (court métrage).

Thriller horrifique où plane l'ombre d'Argento par son thème, son audace érotique et ses meurtres gores stylisés, Perfect Blue constitue une fascinante plongée dans la schizophrénie sous l'impulsion de trois personnages respectivement manipulés. L'illustre chanteuse Mima décide de changer de carrière pour s'improviser actrice. Harcelée par un fan depuis ses rôles lubriques et sujette à un dédoublement de personnalité dans sa nouvelle fonction professionnelle, Mima perd peu à peu le contrôle avec sa réalité quand bien même des membres de son entourage sont retrouvés assassinés. 

A partir d'une intrigue complexe volontairement sinueuse quant aux profils équivoques de deux mystérieux fans obsédés par leur idole, Satoshi Kon décuple trouble et malaise auprès de la fragile Mima partagée entre le doute de rater sa nouvelle carrière et sa remise en question identitaire. Quand bien même les rôles audacieux qu'on lui impute face caméra s'avèrent à la fois provocants (la scène du viol et les photos de nu) et horrifiants (son personnage de tueuse en série sujette au dédoublement de personnalité). Jeu pervers de manipulations que Satoshi Kon coordonne parmi l'alternance vertigineuse de la fiction (une mise en abyme) et de la réalité, Perfect Blue sème une lourde paranoïa auprès de ce trio équivoque si bien que le spectateur en perte de repères ne parvient plus, à l'instar de l'héroïne, à démêler le vrai du faux semblant. A la fois étrangement onirique et morbide, violent et oppressant, Perfect Blue sonde les âmes torturées de ces personnages névrosés avec une diabolique habileté et la volonté de nous confinés lentement dans un dédale schizophrène toujours plus ramifié.

Une expérience schizophrène gigogne. 

Par son impressionnante facture cinégénique de manga et de thriller horrifique intensément troubles, Satoshi Kon cultive un climat anxiogène en roue libre sous l'impulsion de personnages en névrose identitaire avides d'amour et de reconnaissance. A travers leur pathologie bicéphale ou l'obsession, la jalousie et la possessivité se disputent la mise, il en extrait une réflexion sur le fanatisme de la célébrité et la schizophrénie dont certains souffriraient en secret dans leur combat contre leurs démons internes (la peur de l'échec, le manque d'aplomb et de confiance s'opposant au désir d'affirmation et de réussite). Une intense expérience émotionnelle à revoir fissa pour en saisir toute son essence cérébrale et mieux démêler les ressorts psychologiques de chaque victime ballottée entre la folie et la duperie.  

Eric Binford/Bruno Dussart
2èx

SCUM

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdclassik.com

d'Alan Clarke. 1979. Angleterre. 1h37. Avec Ray Winstone, Mick Ford, Julian Firth, John Blundell, Phil Daniels, John Fowler.

Sortie salles France: 19 Mars 1980. Angleterre: 28 Septembre 1979

FILMOGRAPHIE: Alan Clarke est un réalisateur et scénariste britannique né le 28 octobre 1935 à Liverpool (Angleterre), décédé d'un cancer le 24 juillet 1990. 1967-1968 : Half Hour History (TV). 1969 : The Gold Robbers (TV). 1969-1970 : The Wednesday Play (TV). 1970 : I Can't See My Little Willie (TV). 1972 : The Edwardians (TV). 1972 : Thirty Minute Theatre (TV). 1972 : To Encourage the Others (TV). 1975 : BBC2 Playhouse (TV). 1977 : Scum (TV). 1978 : Play of the Month (TV). 1979 : Scum. 1970-1981 : Play for Today (TV). 1982 : Baal (TV). 1982 : Made in Britain (TV). 1985 : Billy the Kid and the Green Baize Vampire (TV). 1985 : Contact (TV). 1986 : Rita, Sue and Bob Too. 1987 : Road. 1987 : Christine. 1988 : The Firm. 1989 : Elephant.

Effroyable descente aux enfers au sein d'un centre de redressement anglais, Scum est un uppercut émotionnel comme on en voit peu dans le paysage carcéral. Réalisé sans fioriture dans un style documentaire, interprété par de jeunes débutants plus vrais que nature et évacué de score musical, ce film choc d'une violence parfois insupportable ne nous laisse pas indemne sitôt le couperet de sa conclusion à la fois radicale et profondément pessimiste. Dénonçant les méthodes inhumaines et la corruption de (certains) surveillants castrateurs, Scum constitue un réquisitoire contre le conservatisme et la répression lorsque de jeunes délinquants sont soumis à une hiérarchie aux relents de nazisme. Ces derniers destitués de leur patronyme étant définis par 4 chiffres afin de discréditer leur véritable identité. Tant et si bien que les plus fragiles d'entre eux, tiraillés entre l'épuisement ou la révolte, car humiliés, violés ou violentés, cèdent au suicide en guise de délivrance. Quand bien même les plus pugnaces tentent d'imposer leur autorité afin d'asseoir leur suprématie.

D'une grande intensité dramatique, Scum ne lésine pas sur les affrontements barbares et les sévices sexuels pour mieux dénoncer la déliquescence morale de ces jeunes détenus livrés à la solitude, à l'isolement et à l'embrigadement (celle des cachots en guise de châtiment), et ce sans une once d'empathie de la part des dirigeants convaincus de leur doctrine draconienne. Toujours plus tendu au fil d'un cheminement cauchemardesque en perdition et oppressant par son climat austère irrespirable qu'une photo limpide contraste cliniquement, Scum tire-parti de son efficacité grâce à l'intelligence de sa mise en scène détournant les conventions au sein d'une narration aléatoire. Et ce en dépit des traditionnels confrontations entre têtes de turc qu'Alan Clarke contourne sans esbroufe si bien qu'il préconise l'immersion morale de ces détenus confrontés à l'animosité, à la démence ou à la dépression. Plaidoyer pour la liberté d'expression, Scum interpelle et ébranle face à la situation chaotique de ces mineurs hurlant en silence leur désir de dignité auprès d'un gouverneur impassible.

Impitoyable et sans concession, Scum fustige avec une vérité glaçante l'inefficacité du système carcéral subordonnée à une idéologie aussi rétrograde que tyrannique. Déprimant et nihiliste pour les conséquences criminogènes que cet enseignement dictatorial finit par engendrer (notamment celle de provoquer le suicide), il laisse en état d'aigreur par son irrévocable constat d'échec. 
Pour Public averti


La séquence la + marquante: le suicide insoutenable d'un des jeunes détenus suppliant vainement de l'extérieur de sa cellule un secours de dernier ressort.

Bruno Matéï
2èx
                                                 Ci-dessous, l'affiche française de l'époque.

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

La Chose / The Deadly Spawn

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Return of the Aliens: The Deadly Spawn" de Douglas McKeown. 1983. U.S.A. 1h21. Avec Charles George Hildebrandt, Tom DeFranco, Richard Lee Porter, Jean Tafler, Karen Tighe, James Brewster, Elissa Neil.

Sortie salles U.S: 22 Avril 1983

FILMOGRAPHIE: Douglas McKeown est un réalisateur et scénariste américain, ne lé 14 Janvier 1947 à New York City, 1983: La Chose.

Hommage aux films de monstres des années 50 à la sauce Tomato Ketchup, La Chose demeure un miracle de série Z que les vidéophiles ont gardé en mémoire avec un souvenir ému. Unique réalisation de Douglas McKeown, La Chose tire-parti de son charme par le côté candide d'une réalisation approximative palliant ses carences techniques et narratives et un jeu d'acteurs amateuristes par le biais d'effusions sanglantes irrésistiblement complaisantes. Le réalisateur ne lésinant pas sur les zooms des chairs entaillées ou corps démembrées afin de provoquer le choc esthétique, à l'instar de nos artisans italiens exploitant en cette époque décadente leurs films de zombies à renfort de gore putassier. En prime, grâce au charisme dismorphique du monstre extra-terrestre nanti de trois têtes et d'une dentition proéminente à plusieurs étages, celui-ci insuffle un pouvoir de fascination prégnant auprès de son apparence hybride. 

Ses nombreuses attaques sanglantes imputées aux occupants d'une demeure familiale s'avérant assez jouissives, notamment lorsque ces derniers tentent maladroitement de lui échapper parmi des instants de panique tantôt hilarantes. On ne manquera pas non plus d'évoquer la fameuse pause déjeuner que des mamies organisent autour d'une réunion amicale quand bien même des petites créatures semblables à des anguilles au dents acérées vont infester la salle à manger pour leur dévorer les jambes et le visage ! Or, au sein de ce chambardement horrifique assez cartoonesque, un ado féru de cinéma d'horreur, membre de la famille assiégée, tentera de détruire le monstre après avoir assisté à ses exubérances sanglantes dans la cave. Etrangement inquiétant et laconique, ce personnage juvénile fascine le spectateur par son instinct voyeuriste à témoigner des exactions de la créature sans cligner de l'oeil (ou alors si peu à une exception près). A la fois observateur ambigu (il semble éprouver une fascination morbide pour les cadavres déchiquetés) et héros vaillant (il canalise sa peur lors de ses confrontations épiques avec le monstre), ce dernier parvient à donner chair à son personnage avec une trouble identité.

En dépit de faibles longueurs facilement pardonnables, de bavardages stériles et d'un montage hasardeux, La Chose s'extirpe miraculeusement de la nullité grâce à l'implication intègre du réalisateur en herbe vouant un amour pour les monstres articulés ici réalisés avec assez de soin pour prétendre à sa voracité. Aujourd'hui encore, et avec un délicieux parfum de nostalgie (comme en témoigne son score monocorde efficacement envoûtant), il n'a rien perdu de son intensité attractive à travers son esprit sardonique aussi généreux que décomplexé. Le terme culte est d'ailleurs approprié afin de mieux définir cette perle gore typiquement bisseuse ! 

La séquence la + marquante: le dîner sanglant chez les mamies

Eric Binford
5èx. 13.02.23. vf

L'ETE MEURTRIER. César de la Meilleure Actrice: Isabelle Adjani.

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jean Becker. 1983. France. 2h11. Avec Isabelle Adjani, Alain Souchon, Suzanne Flon, Jenny Clève, Maria Machado, Évelyne Didi, Jean Gaven, François Cluzet, Manuel Gélin, Roger Carel, Michel Galabru, Marie-Pierre Casey, Cécile Vassort, Édith Scob, Martin Lamotte.

Sortie salles France: 11 Mai 1983.

FILMOGRAPHIE: Jean Becker est un réalisateur et scénariste français, né le 10 mai 1933 à Paris.
1961 : Un nommé La Rocca. 1964 : Échappement libre. 1965 : Pas de caviar pour tante Olga. 1966 : Tendre Voyou. 1983 : L'Été meurtrier. 1995 : Élisa. 1999 : Les Enfants du marais. 2001 : Un crime au Paradis. 2003 : Effroyables Jardins. 2007 : Dialogue avec mon jardinier. 2008 : Deux jours à tuer. 2010 : La Tête en friche. 2012 : Bienvenue parmi nous. 2014 : Bon Rétablissement ! 2018 : Le Collier rouge.

Gros succès commercial et critique transcendé par la performance viscérale d'Isabelle Adjani si bien qu'elle remporta un an plus tard le césar de la Meilleure Actrice, L'Eté Meurtrier constitue un grand moment de cinéma au sein du paysage français des années 80. D'après le roman éponyme de Sébastien Japrisot, l'intrigue, sombre et désenchantée, est entièrement bâtie sur le profil névrosé d'Eliane, délibérée à accomplir sa vengeance depuis que sa mère lui donna naissance à la suite d'un viol en réunion. Aujourd'hui âgée de 20 ans et à la recherche des trois coupables, elle s'empresse de de prime abord de draguer le jeune "pin-pon" depuis que le père de ce dernier ferait parti des présumés agresseurs. Si l'Eté Meurtrier sous-entend en 1er acte une comédie romantique légère et cocasse flirtant avec la nostalgie des années 70 au sein d'un village provincial ensoleillé, le profil scrupuleux imparti à l'héroïne adopte un revirement autrement obscur et intriguant quant à ses motivations intrinsèques. Par le biais de l'introspection morale d'Eliane en quête d'une impossible rédemption, Jean Becker, très inspiré et avisé, nous brosse un magnifique portrait de femme fragile tributaire d'un passé galvaudé.

Démoralisée par le poids de l'interrogation et d'une certaine culpabilité (celle d'avoir été malgré elle la progéniture d'un père dont elle ignore la véritable identité) et profondément marquée par ses rapports équivoques avec un paternel adoptif plutôt attentionné, Eliane est d'autant plus hantée par la lâcheté de ses parents confinés dans le mutisme et l'inavouable secret. Dans son rôle d'allumeuse à la fois minaude et désinvolte, Isabelle Adjani crève l'écran de la première à la dernière seconde par sa beauté lascive à courtiser la gente masculine avec une effronterie outrancière. Mais derrière l'apparence provocante de son plus simple appareil et son égoïsme se cache l'extrême fragilité d'une écorchée vive incapable d'assumer le deuil d'un viol maternel. Lui partageant inopinément la vedette avec une surprenante spontanéité, le chanteur Alain Souchon insuffle une densité autrement psychologique dans sa fonction d'amant naïf pris au piège d'une effroyable machination et qui, par l'enchaînement des circonstances dramatiques va peu à peu muter pour adopter un comportement irascible inquiétant en larbin délaissé. Captivant et toujours plus intense, le récit charpenté s'avère beaucoup plus leste et surprenant qu'il n'y parait, tant et si bien que les divers rebondissements qui empiètent l'investigation d'Eliane vont décupler l'intensité dramatique d'un effroyable dénouement où les rôles (victime/bourreau) vont subitement permuter.

Une vraie déclaration d'amour à Isabelle Adjani
Au rythme d'une sombre partition de Georges Delerue et de la mélodie attendrissante chantonnée par Yves Montand, l'Eté meurtrier emprunte brillamment le schéma du "rape and revenge" provincial sous l'autorité d'Isabelle Adjani illuminant l'écran avec une sensibilité davantage névralgique. Rien que par sa présence démiurge littéralement ensorcelante, l'Eté Meurtrier extériorise une charge érotique aussi tendre et gracile que diaphane et vénéneuse. Une expérience émotionnelle aiguë, un mélodrame inoubliable d'autant plus sans échappatoire dans sa dramaturgie en chute libre.

Les scènes les + marquantes: Le viol en réunion imposant une violence crue, le banquet des noces teinté de lyrisme et Spoiler !!! la situation schizophrène d'Eliane en institut psychiatrique. Fin du Spoil.

Bruno Dussart
3èx

Récompenses:
César de la meilleure actrice : Isabelle Adjani
César du meilleur montage : Jacques Witta
César de la meilleure actrice dans un second rôle : Suzanne Flon
César du meilleur scénario d'adaptation : Sébastien Japrisot

The Devil's Candy. Prix du Public, Gérardmer 2017.

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sean Byrne. 2015. U.S.A. 1h19. Avec Ethan Embry, Shiri Appleby, Kiara Glasco, Pruitt Taylor Vince, Craig Nigh

Sortie salles U.S: 17 Mars 2017

FILMOGRAPHIE: Sean Byrne est un réalisateur et scénariste australien. Après avoir entamé en 2006 quelques courts-métrages remarqués et un documentaire (The Secret), il dirige sa première réalisation trois ans plus tard avec The Loved Ones. 2015: The Devil's Candy.

 

"Chuchotements dans les cordes".

Révélé par la percutante surprise The Loved Ones, Sean Byrne persévère dans l’horreur "australienne" avec le très réussi The Devil’s Candy. Une histoire satanique portée par une passion commune pour la musique du metal, que partagent un père, une fille et un mystérieux étranger. 

Synopsis: Un couple emménage dans une vaste demeure, théâtre récent d’un double meurtre. Fan de métal et peintre, Jessie Hellman entame une fresque baroque au moment même où d’étranges chuchotements se font entendre. Un soir, le fils de la famille défunte frappe à leur porte... 

Série B horrifique concise (1h15 hors générique), The Devil’s Candy n’a pas pour ambition de révolutionner le genre, mais s'oriente vers un suspense savoureux, bâti sur un schéma narratif solidement agencé.

Empruntant au thème de la possession démoniaque, galvanisée par l’agressivité du métal (je rassure les réfractaires, la musique ne se monopolise jamais au récit, loin s'en faut), le film fait fugacement écho à Shining, avec ce père obsédé par l’achèvement d’une peinture prémonitoire, au mépris (ou pas ?) de l’amour filial. Sa grande force réside dans la caractérisation de cette famille dysfonctionnelle, d’apparence soudée, incarnée par des comédiens d’une humanité spontanée. Bougrement attachants, on suit leur trajectoire incertaine, l’angoisse s’installant lentement jusqu’au point d’orgue littéralement démoniaque à graver d'une pierre blanche.

Au-delà de la présence attentive d’une épouse douce et prévenante, ce sont les rapports de plus en plus fragiles entre père et fille, depuis l’obsession artistique du père, qui retiennent l’attention. Byrne ne renouvelle pas le genre, mais son approche, adroite, inspirée et parfois inventive, façonne un huis clos horrifique stylisé (la photo saturée y contribue). L’intrusion d’un personnage adipeux et dérangeant accentue le caractère inquiétant d’une stratégie meurtrière où l’innocence sacrifiée domine.

Réalisme et violence s’entremêlent, le cauchemar gagne en oppression, jusqu’à une dernière partie épique, traumatique, flamboyante - saisissantes images de brasier infernal ! -, offrant des moments de terreur aussi puissants qu’impressionnants, au sens littéral. 

Si The Devil’s Candy n’atteint peut-être pas la stature imposante de The Loved Ones, Sean Byrne en tire néanmoins une série B de haute tenue, où l’affrontement ancestral entre le Bien et les forces infernales trouve un écrin contemporain, habité d’angoisses familiales. Au cœur de ce cauchemar électrique, la figure paternelle vacille : rongé par des chuchotements diaboliques qui détournent son art et son esprit, le père trahit malgré lui la confiance de sa fille, happé par une possession insidieuse. Dans cette lutte intérieure, poignante et désespérée, se rejoue l’éternelle peur de perdre ceux qu’on aime - et de devenir soi-même l’instrument du mal dans un déchainement de violence finale qui laisse pantois.

— le cinéphile du cœur noir

Récompense: Prix du Public, Gérardmer 2017.

KNOCK KNOCK

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

d'Eli Roth. 2014. U.S.A. 1h38. Avec Keanu Reeves, Lorenza Izzo, Ana de Armas, Ignacia Allamand

Sortie salles France: 23 Septembre 2015. U.S: 23 Janvier 2015

FILMOGRAPHIE: Eli Roth est un réalisateur américain, né le 18 Avril 1972 à Boston.
2002: Cabin Fever. 2006: Hostel. 2007: Thanksgiving (faux trailer). 2007: Hostel 2. 2009: Nation's Pride - Stolz der Nation (trailer). 2013: The Green Inferno. 2015: Knock Knock.

                                                                 Chronique express

Une satire sur l'infidélité et le féminisme

Remake du méconnu Ca peut vous arriver demain sorti chez VIP en Vhs à l'orée des années 80, Knock Knock est un thriller à suspense rondement mené sous couvert d'une mise en garde du racket en ligne ! Un jeu sournois de manipulation et de soumission érotiques qu'Eli Roth coordonne efficacement autour d'un huis-clos anxiogène. De par la multitude de brimades et épreuves de survie souvent cruelles qu'endure la victime et le jeu toujours plus psychotique du duo de misandres s'en donnant à coeur joie dans les effronteries sardoniques. En dépit de 1 ou 2 moments à la limite du grotesque (l'intervention du confrère de la victime frôle la cocasserie involontaire dans son affolement outré), du jeu parfois perfectible de Keanu Reeves un peu trop austère dans ses expressions démunies et d'un épilogue un peu décevant nous laissant sur notre faim (même s'il est audacieux de s'écarter du traditionnel happy-end), Knock Knock joue avec nos nerfs avec une perversité en roue libre.

Bruno Matéï