The Nightingale. Prix Spécial du Jury, Mostra de Venise.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jennifer Kent. 2018. Australie. 2h12. Avec Sam Claflin, Damon Herriman, Aisling Franciosi,
Charlie Shotwell, Ewen Leslie, Sam Smith.

Sortie salles Australie: 13 Octobre 2018. Italie (Mostra de Venise): 8 Septembre 2018

FILMOGRAPHIE: Jennifer Kent est une actrice, scénariste et réalisatrice australienne née à Brisbane en Australie. 2005 : Monstre (court métrage). 2014 : Mister Babadook. 2018 : The Nightingale.

"La meilleure façon de se venger d'un ennemi est de ne pas lui ressembler"
Pour son second long métrage, Jennifer Kent nous prouve que Mister Badadook n'était pas un accident, tant et si bien qu'avec The Nightingale elle s'avère autrement ambitieuse à transcender le sous-genre du Rape and Revenge avec une maturité insoupçonnée. Car les quelques séquences chocs qui émaillent l'intrigue ont beau flirter avec l'insoutenable (viols en réunion, bébé et enfant assassinés face caméra, exaction sordide auprès d'un violeur, ad nauseam), Jennifer Kent s'extirpe de la complaisance de par son parti-pris d'y exprimer un réalisme cru afin de mieux dénoncer les conséquences du châtiment punitif. Notamment eu égard de la victime éplorée s'efforçant de traquer ses tortionnaires avec une appréhension et un désarroi davantage prégnants. Aisling Franciosi portant le film à bout de bras avec une force d'expression à la fois fébrile et chétive au fil de son périple sévèrement hostile (la guerre éclatant tous azimuts lors de ses pérégrinations). Dénuée de fard et impeccablement dirigée, celle-ci parvient à susciter une bouleversante empathie lors de son périple meurtrier beaucoup plus imprévisible que prévu si je me réfère à sa remise en question sentencieuse. Et c'est bien là la grande force de The Nightingale lorsque la victime blasée de ses actes crapuleux décide à mi-parcours de rebrousser chemin pour s'obscurcir dans la nuit.

Outre l'impact émotionnel que l'actrice suscite à travers son tempérament bipolaire, Baykali Ganambarr lui partage la vedette avec une émotion souvent contenue de par sa virilité primitive et les cruelles épreuves de son passé comparables au vécu de sa partenaire Clare. A eux deux, ils forment un tandem névralgique inusité de par leur différence de culture et leur fragilité humaine teintée d'amour, de rédemption mais aussi d'amertume. De par leur appui commun à unir leurs forces pour l'enjeu d'une auto-justice, c'est également l'occasion pour la réalisatrice de nous transfigurer une magnifique histoire d'amitié et de tolérance que le couple infortuné uniformise dans leur condition d'exclusion. Quant au rôle du "méchant", ou plus précisément de l'engeance, c'est bien connu: "Plus réussi est le méchant, plus réussi sera le film !". Cette tagline empruntée à Hitchock ne déroge donc pas à la règle si bien que l'acteur Sam Claflin immortalise de son empreinte délétère le rôle d'un officier sans vergogne se vautrant dans le viol et le meurtre avec une impassibilité exécrable. Et ce en dépit de son physique bellâtre imprimé d'orgueil impérieux et de condescendance. On peut d'ailleurs noter qu'à travers la haine qu'il nous attise nous attendions impatiemment sa déroute promise, et ce avant de nous remettre sur le droit chemin de la morale, faute des exactions putassières de Clare subitement consciente de s'être adonnée à une ultra-violence préjudiciable. 

Récit initiatique à la sagesse et à la rédemption sous couvert d'une intelligente réflexion sur la perte de l'innocence, manifeste anti-raciste quant à la condition soumise des aborigènes victimes de la purge coloniale des britanniques en 1825, The Nightingale constitue une éprouvante descente aux enfers que Jennifer Kent inscrit sur pellicule de sa personnalité frondeuse. Dénué de partition musicale et tourné en 1.37 à travers une fastueuse flore naturelle, celle-ci honore le drame naturaliste sous couvert d'un Rape and Revenge âpre et tendu mais onirique (tant crépusculaire que limpide) et profondément humaniste quant à la valeur de son intensité dramatique. 

Dédicace à Cid Orlandu

*Bruno

Récompenses:
Mostra de Venise 2018 :
Prix Marcello Mastroianni du meilleur espoir pour Baykali Ganambarr
Prix spécial du jury pour Jennifer Kent

The Machinist

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Brad Anderson. 2004. U.S.A/Espagne. 1h42. Avec Christian Bale, Jennifer Jason Leigh, Aitana Sanchez-Gijon, John Sharian, Michael Ironside, Lawrence Gilliard.

Sortie salles France: 19 Janvier 2005. U.S: 18 Janvier 2004

FILMOGRAPHIE: Brad Anderson est un réalisateur né en 1964 à Madison (Connecticut) aux États-Unis. Il est également scénariste et monteur. 1995 : Frankenstein's Planet Monster's! 1996 : The Darien Gap. 1999 : Et plus si affinités. 2001 : Session 9. 2001 : Happy Accidents. 2005 : The Machinist. 2008 : Transsibérien. 2010 : L'Empire des Ombres. 2013 : The Call. 2014 : Hysteria. 2018: Opération Beyrouth. 2019 : La Fracture.

Drame psychologique transplanté dans le cadre du thriller, The Machinist relate la lente folie paranoïde d'un ouvrier solitaire souffrant d'insomnie. Ayant perdu 28 kilos pour son rôle famélique, Christian Bale porte le film sur ses frêles épaules dans sa fonction contrariée de victime persécutée par un étrange mastard à lunettes noires. Eclairé d'une photo désaturée afin de contraster avec les états d'âmes torturés de Trevor ayant comme seules compagnies amiteuses une prostituée au grand coeur et une serveuse de snack, The Machinist plonge le spectateur dans sa psyché nébuleuse au gré d'un climat malsain toujours plus saillant. Brad Anderson parvenant à distiller un climat ombrageux perméable autour de ce personnage réellement empathique quant à l'injustice de sa condition morale et ses valeurs d'amabilité, d'amitié et de considération, particulièrement auprès de la gente féminine. Quand bien même, les confrères de son entreprise ne cessent de le brimer et de le discréditer, notamment faute d'un grave incident professionnel que Trevor intenta auprès de l'un d'eux.

Bercé d'une partition hitchcockienne de Roque Baños si bien que l'ombre de Bernard Herrman plane sur l'intrigue, The Machinist empreinte également certaines références à Lynch et à Polanski pour tenir lieu de la moralité en berne de Trevor persuadé d'être la victime d'un complot à grande échelle. Bien évidemment, le spectateur démystifie progressivement le côté irrationnel des situations émanant de l'esprit dérangé de Trevor victime de ses insomnies (il n'a pas dormi depuis 1 an avouera t-il à la prostituée) au point de lui traduire diverses hallucinations. Pour autant, et sans dévoiler son étonnant dénouement moins morbide et brutal qu'escompté (mais autrement plus grave quant à l'intensité dramatique de l'enjeu humain), Brad Anderson exploite un scénario plus subtil qu'il n'y parait au point de reconsidérer le profil de Trevor rongé Spoil ! par la culpabilité, la honte et le remord fin du Spoil. Ainsi, de par ce rebondissement aussi inopiné que résolument censé, un nouveau niveau de lecture s'offre à nous afin de nous permettre de mieux saisir les tenants et aboutissants moraux de Trevor Spoil ! occultant un odieux secret Fin du Spoil.

De par son climat malsain lestement envoûtant (au point d'y instiller un malaise moral) et le soin de sa mise en scène dépouillée observant les agissements interlopes d'une victime paranoïaque à deux doigts de la démence, The Machinist s'avère (finalement) un vrai thriller à suspense doublé d'un drame psychologique poignant que Christian Bale rehausse à l'aide d'un humanisme subtilement décent. 

*Bruno
2èx

Golden Glove

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Der Goldene Handschuh" de Fatih Akın. 2019. France/Allemagne. 1h50. Avec Jonas Dassler, Margarethe Tiesel, Katja Studt, Dirk Böhling, Hark Bohm

Sortie salles France: 26 Juin 2019 (Int - 16 ans). Allemagne: 21 Février 2019 

FILMOGRAPHIE: Fatih Akın est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur allemand d'origine turque, né le 25 août 1973 à Hambourg en Allemagne. 1998 : L'Engrenage. 2000 : Julie en juillet. 2001 : Denk ich an Deutschland - Wir haben vergessen zurückzukehren (documentaire). 2002 : Solino. 2004 : Head-On. 2005 : Crossing the Bridge - The Sound of Istanbul (documentaire). 2007 : De l'autre côté. 2009 : Soul Kitchen. 2012 : Polluting Paradise (documentaire). 2014 : The Cut. 2016 : Tschick. 2017 : In the Fade. 2019 : Golden Glove.

"Coeurs fragiles, s'abstenir !" Une tagline que les fans d'horreur ont pu lire des centaines de fois sur les affiches racoleuses en guise d'alibi mercantile. Sauf qu'en l'occurrence, une seule envie nous titille l'esprit à l'issue de la projo ! Prendre une douche afin de se purger des saillies d'immondices que le réalisateur vient de nous projeter 1h50 durant ! Ainsi donc, âmes sensibles (dans le sens viscéral j'entends !), vous voilà prévenus ! Tant et si bien que je viens personnellement d'assister au portrait de serial-killer le plus cradingue, insalubre et miséreux du genre horrifique (Maniac ou encore Henry n'ont qu'à bien s'tenir !). Car tiré de l'histoire vraie du tueur en série Fritz Honka ayant sévi à l'orée des années 70 en y assassinant 4 prostituées, Golden Glove demeure une éprouvante descente aux enfers dans les bas fonds des caniveaux et cuvettes de chiottes les plus dégueulbifs ! Putassier, effronté, débauché, (un chouilla) porno (masturbation épileptique face écran), émétique, hardcore, glauque, sordide et surtout crapoteux, de par son ambiance ultra malsaine oscillant taudis exigu et bar à poivrots suintant communément pisse, sueur, sperme et sang, Golden Glove  confine au malaise viscéral "ad nauseum". Si bien que Fatih Akin (déjà responsable du tétanisant mais autrement bouleversant Head-On !) n'y va pas par quatre chemin pour nous confronter au drame social le plus cru et fuligineux.

Pour ce faire, il nous immerge de plein fouet dans la quotidienneté ordurière d'un loser décérébré tuant sa sinistre condition morose dans l'alcool et la baise. Il faut dire que notre serial-killer s'avère physiquement laid, puant, vérolé, antipathique, fourbe, irascible, ultra brutal, et ce en dépit de sa détresse à combler ses lacunes sentimentales dans des concertations lubriques. Et donc, de par son tableau impitoyable d'une misère humaine en déliquescence (parmi l'appui d'authentiques gueules de poivrots déjà condamnés à trépasser !), Golden Glove nous vrille et salit les yeux de par sa vigueur olfactive découlant des coïts et exactions criminelles que Fritz Honka enchaîne lors d'addictions incontrôlées (tant pour l'alcool et la baise que l'homicide le plus brutal). Mais éludant miraculeusement la complaisance auprès des séquences horrifiques sanglantes, Fatih Akin joue d'autant mieux avec notre voyeurisme et nos nerfs quant à l'ultra réalisme des situations orageuses et expressions sentencieuses (je tire mon chapeau à chaque acteur, jusqu'aux second-rôles et figurants du fond !). Des échanges de regards évasifs que s'échangent Fritz et ses proies sexuelles pataudes, faute de sa repoussante laideur. A l'instar des odeurs d'excréments et cadavres putréfiés qui pullulent dans son appartement. Parfois caustique auprès de cette faune de quidams avinés à la limite de l'aliénation dans leur condition toxico, Golden Glove est une expérience extrême avec la précarité la plus irrécupérable. Bref, tout le monde est au fond du trou, il n'y a plus qu'à y tirer la chasse !

Affreux, sale et méchant
Maelstrom d'images obscènes où gueulantes et verres brisés se mêlent au foutre et aux vomissures au sein d'un microcosme sociétal tristement loqueteux, Golden Glove provoque à l'extrême pour y marquer de son empreinte rubigineuse l'authentique profil d'un tueur esseulé victime de son ignorance déficiente. Inoubliable car sensoriel, traumatique, dérangeant et à la limite du soutenable (l'interminable scène de strangulation est la pire que j'ai vu au cinéma), que l'on adhère ou que l'on rejette en bloc ce pavé décadent. 

Ci-joint la chronique de Head-On: https://brunomatei.blogspot.com/2018/11/head-on-ours-dor-berlin-2004.html

Dédicace à Mylène Lam.
*Bruno

Biographie de Fritz Honka (Wikipedia) :

" De petite taille (1,65 m), Fritz Honka était extrêmement complexé. À cause de cela, il aimait uniquement les femmes plus petites que lui, et les préférait édentées à cause de ses peurs incontrôlables de mutilation lors des fellations. Il aimait solliciter des prostituées âgées du Reeperbahn à Hambourg. Il massacra au moins quatre d'entre elles dans sa petite chambre se situant dans le grenier d'un immeuble situé au 74 de la Zeißstraße, dans le quartier d'Ottensen), à Hambourg. Il conservait les corps dans son appartement, et, pour lutter contre les odeurs nauséabondes à la suite d'une plainte des voisins due aux odeurs pestilentielles qui se dégageaient de son appartement, il les aspergea d'eau de Cologne. En janvier 1975, les restes momifiés furent découverts par les pompiers à la suite d'un incendie provoqué par l'accumulation des vapeurs d'alcool stagnantes dans la pièce. Veilleur de nuit, Honka n'était pas présent au moment des faits, et fut arrêté chez lui à son retour. Pour sa défense, Honka indiqua qu'il avait tué ces femmes après qu'elles se furent moquées ouvertement de sa préférence pour les fellations plutôt que pour des rapports sexuels classiques. Il fut condamné à l'emprisonnement à perpétuité, le maximum prévu par la loi allemande, mais il fut en fait libéré de prison en 1993. Il passa ses dernières années sous le nom de Peter Jensen dans une maison de retraite.

Il est mort à l'hôpital de Langenhorn, à Hambourg le 19 octobre 1998."

Le 13è Guerrier. Meilleur film, Imagen Foundation Awards 2000.

Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"The 13Th Warrior" de John Mc Tiernan. 1999. U.S.A. 1h42. Avec Antonio Banderas, Omar Sharif, Vladimir Kulich, Dennis Storhoi, Clive Russell, Daniel Southern.

Sortie salles France: 18 Août 1999

FILMOGRAPHIE: John McTiernan est un réalisateur et producteur américain, né le 8 janvier 1951 à Albany à New-York. 1986: Nomads. 1987: Predator. 1988: Piège de Cristal. 1990: A la Poursuite d'Octobre Rouge. 1992: Medicine Man. 1993: Last Action Hero. 1995: Une Journée en Enfer. 1999: Le 13è Guerrier. 1999: Thomas Crown. 2002: Rollerball. 2003: Basic.

Déprécié par la critique et boudé par le public (il rapporte dans le monde 61 millions de dollars pour un budget estimé à 160 !), le 13è Guerrier constitue la pièce maudite du grand John Mc Tiernan. Tant et si bien que selon mon jugement de valeur je me demande encore aujourd'hui ce qui a bien pu chagriner les renfrognés en dépit de son montage éminemment chaotique (le prélude - les présentations entre l'ambassadeur Ahmed Ibn Fahdlan et les vikings - est expédié en quelques secondes alors qu'il aurait fallu le développer en 10/15 minutes, l'expédition des guerriers dans la grotte pose ce même problème elliptique) que Michael Chrichton se réappropria depuis sa discorde avec le réalisateur. C'est également au producteur qu'incombe la responsabilité d'avoir modifié la partition musicale en post-production initialement prévue par Graeme Revell, si bien qu'il fit personnellement appel à Jerry Goldsmith. En tout état de cause, ce nouveau score orchestral se prête pourtant en harmonie au climat épique de l'aventure menée avec un savoir-faire vertigineux. On peut d'ailleurs parler de modèle d'efficacité au grand dam d'un pitch somme toute linéaire (attaques/ contre-attaques et vice versa entre vikings et cannibales) que Tiernan élabore sous le moule du pur divertissement mené sur rythme alerte. Alors oui, par moments, on a bien le sentiment que les pérégrinations de nos héros demeurent beaucoup trop furtives, notamment auprès de l'ébauche des offensives, si bien que la précipitation des évènements fait un peu tache en terme de structure narrative.

Mais pour autant, et avec une volonté (payante) d'y transcender le genre, Mc Tiernan parvient à nous scotcher et à retenir notre souffle lors d'une succession de batailles anthologiques dignes d'un Conan le Barbare, Excalibur ou encore Dar l'Invincible. Autant souligner que le spectacle homérique fait fréquemment preuve de barbarie de par le fracas des armes et ses corps à corps ensanglantés n'hésitant pas à s'éventrer ou à se décapiter au gré d'un souffle épique sensitif. Tant et si bien que les magnifiques décors naturels font office de personnages à part entière lors d'intempéries diluviennes ou embrumées que nos guerriers arpentent avec une bravoure impavide (notamment auprès du sens du sacrifice). Quand bien même Tiernan parvient admirablement à relancer l'action à travers un climat nocturne puis caverneux chargé d'onirisme crépusculaire en "ombre chinoise". Enfin, à moindre échelle, on peut peut-être reprocher le manque de charisme de certains vikings (un chouilla trop bellâtres) et le profil un brin bâclé d'Ahmed Ibn Fahdlan qu'Antonio Banderas impose avec un charisme félin gentiment séducteur à travers son initiation héroïque. Mais tant auprès de sa flamboyance formelle capiteuse que du réalisme des batailles soucieuses du moindre détail, le 13è Guerrier parvient à nous immerger dans l'action primitive avec un esprit jouissif débordant de générosité.

Bref, foncez revoir le 13è Guerrier, car sur le plan strictement ludique, il s'agit d'une des plus grandioses aventures belliqueuses que l'on ai savouré à l'écran

*Bruno
3èx

Récompenses:
ALMA Awards 2000 : meilleur acteur pour Antonio Banderas18
Imagen Foundation Awards 2000 : meilleur film

Max et les maximonstres

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Where the Wild Things Are" de Spike Jones. 2009. U.S.A. 1h41. Avec Max Records, Pepita Emmerichs, Max Pfeifer, Madeleine Greaves, Joshua Jay

Sortie salles France: 16 Décembre 2009. U.S: 16 Octobre 2009

FILMOGRAPHIE: Adam Spiegel, dit Spike Jonze est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur, américain né le 22 octobre 1969 à Rockville (Maryland). 1999 : Dans la peau de John Malkovich. 2003 : Adaptation. 2009 : Max et les Maximonstres. 2013 : Her.

"De la magie à l'état brut, en y laissant des plumes et des séquelles sur nos propres failles caractérielles."
Spectacle enchanteur d'une tendresse émotionnelle davantage bouleversante, Max et les Maximonstres ne peut laisser indifférent le spectateur empathique, aussi difficile d'accès soit son contenu (de prime abord) singulier. Tout du moins lors de sa première partie lorsque Max aborde et batifole avec les monstres en s'y proclamant roi afin de se venger de son statut de souffre-douleur auprès des camarades de sa bourgade. Complexe et déconcertant, de par les états d'âmes de Max et des Monstres se disputant l'autorité avec parfois des humeurs versatiles et démonstrations de force un tantinet brutales, Max et les Maximonstres n'est clairement pas destiné aux enfants de - 10 ans. Ce qui ne l'empêche pas d'y cultiver un hymne à l'amour pour les valeurs familiales à travers l'introspection morale d'un gamin avide de respect, d'amitié, de reconnaissance et surtout de compassion. Et ce avec une subtile intelligence à la fois dense et si profonde si bien qu'il faut impérativement revisionner le film afin de radiographier les comportements instables de ces personnages en proie à une réflexion existentielle oecuménique. Sa grande force cérébrale résidant dans notre propre remise en question comportementale à réviser notre jugement sur tel ou tel personnage familier ou amical que l'on côtoie au sein de notre propre quotidienneté.

Magnifiquement campé par le jeune Max Records d'une force d'expression naturelle sensorielle (on a l'impression que les pores de sa peau sont en constant éveil); Spike Jonze le dirige sans effet de manche dans son refus de l'estampiller tête à claque en dépit de sa rébellion irascible. Notamment si je me réfère à sa révolte contre sa mère (admirablement incarnée par Catherine Keener de par son humanisme maternel mêlé d'amour, d'empathie et de contrariété). Récit initiatique donc pour l'acceptation de soi afin de tolérer l'autre en opérant un travail moral sur nos propres failles caractérielles, Max et les Maximonstres aborde le thème si délicat de l'enfance avec une originalité et une insolence qui laisse pantois. A l'instar de cette attachante galerie de monstres hors normes confectionnées en numérique et animatronic dans leur costume disproportionné. Tant et si bien que l'on se prend d'affection pour eux sans jamais se rendre compte à quel moment propice ils sont parvenus à nous faire vibrer d'émotions à travers leur innocence ambivalente. Des monstres infantiles tentant de cohabiter ensemble sous la mainmise d'un faux roi en proie à une brutale prise de conscience.

Conte philosophique sur la nature humaine (notre part monstrueuse) et la fragilité de l'enfance en crise identitaire que Spike Zone imprime sur pellicule de sa personnalité auteurisante, Max et les Maximonstres ébranle nos émotions avec une intensité dramatique que l'on ne voit jamais arriver. Tant et si bien que l'on sort de la projo psychologiquement transformé, même si l'enfant tapi en chacun de nous continue de nous triturer les méninges d'après l'itinéraire sinueux de Max sujet au difficile cap du "vivre ensemble". 
A revoir absolument ! (j'insiste). 

*Bruno
2èx

Le Baiser de la Tarantule

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site lupanarsvisions.blogspot.com

"Kiss of the Tarentula" de Chris Munger. 1976. 1h24. Avec Ernesto Macias, Suzanna Ling, Herman Wallner, Patricia Landon, Beverly Eddins, Jay Scott.

Sortie salles France: 28 Février 1980

FILMOGRAPHIE: Chris Munger est un réalisateur et producteur américain. 1978: La légende d'Adams et de l'ours Benjamin (TV Series) (1 episode) - The Quest. 1976 Le baiser de la tarentule.  1974 Black Starlet. 1970 The Year of the Communes (Documentaire).

Sombré dans l'oubli depuis sa discrète exploitation Vhs chez nous, le Baiser de la Tarantule demeure une curiosité poussive, faute d'une réalisation bâclée, d'un jeu d'acteur inexpressif (même si on a connu pire dans une Zèderie italienne) et d'une intrigue prémâchée influencée par Carrie sorti la même année. Reste un prologue (faussement) prometteur (les brimades de la mère de Susan et la mort qui s'ensuit), une scène horrifique bonnard (bien que la gestuelle outrée des interprètes collapsés effleure le ridicule au sein du cadre exigu de leur véhicule) et une ambiance funeste parfois perméable (la morgue) contrastant avec la beauté angélique de la timorée Susan. Une ange exterminatrice peu convaincante dans sa folie homicide d'exploiter sa passion des tarantules (bien qu'il s'agisse à l'écran de véritables mygales rampant sur leurs victimes avec un réalisme factuel) afin de venir à bout de ses gouailleurs.

Remerciement à Lupanarsvisions pour leur superbe version HD.

*Bruno

Slice

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Cheun" de Kongkiat Khomsiri. 2009. 1h40. Avec  Arak Amornsupasiri, Sonthaya Chitmanee, Jessica Pasaphan

Sortie salles Thaïlande: 22 Octobre 2009

FILMOGRAPHIE: Kongkiat Khomsiri est un réalisateur et scénariste thaïlandais. 2018: Khun Phaen Begins. 2016 Khun Phan. 2016/III Take Me Home. 2012 Antapal. 2011 Lud 4 lud. 2009 Slice. 2008 Long khong 2. 2007 Boxers. 2005 Long khong. 2003 Khunsuk (co-director - as Gonggiat Komsiri).

Inédit en salles chez nous, Slice est une production thaïlandaise hybride dans son mélange des genres. Romance, thriller, horreur et drame se chevauchant efficacement au fil d'une trajectoire narrative davantage escarpée eu égard de son rebondissement de dernier acte aussi traumatisant que bouleversant. L'intrigue décrivant, sous une photo surexposée, les exactions barbares d'un mystérieux tueur en série entièrement vêtu de rouge que le taulard Taï tentera de coincer dans un délai furtif de 15 jours. Auquel cas il retrouvera sa liberté après avoir purgé sa peine pour bavure policière. Au-delà des nombreuses scènes-chocs qui interfèrent durant le récit imprévisible, Kongkiat Khomsiri alterne, via le flash-back, avec la relation amicale du flic et du tueur lors de leur enfance marginale. Sorte de Stand by me vitriolé à travers sa peinture rurale d'une bande d'ados rebelles batifolant dans les prairies en y brimant parfois le jeune Noi vulgairement taxé de tapette. Jouant sur l'ambiguïté de l'homosexualité refoulée de Tai que Noï tente d'apprivoiser par amour, Slice dérange en oscillant l'empathie pour le sort de ce dernier.

Car souffre-douleur d'un père abusif aviné et de camarades goguenards n'hésitant pas à le maltraiter sexuellement, celui-ci compte sur l'amitié naissante de son nouvel acolyte afin d'oublier son statut d'objet esseulé. Kongkiat Khomsiri invoquant une grande brutalité, tant auprès des scènes gores graphiques (parfois à la limite du soutenable) que le tueur perpétue en guise de vendetta que des sévices sexuels que Noi endure pour tenir compte d'assouvissement pervers. D'autant plus rigide et rugueux quant à la caractérisation morale de ce dernier en proie aux châtiments corporels et à une insupportable injustice, Slice n'est clairement pas une partie de plaisir à travers sa palette de sentiments contradictoires que le cinéaste s'amuse à manipuler en réfutant les conventions. Car autant psycho-killer à suspense qu'histoire d'amour vertigineuse, Slice y extrait un cocktail épicé d'oeuvre choc provocatrice sous l'impulsion d'une dramaturgie davantage prononcée. L'intensité psychologique émanant des rapports amicaux conflictuels entre Taï et Noi se rapprochant mutuellement au fil de leurs vicissitudes, et ce avant de se séparer lors d'un concours de circonstances à la fois précaires et sordides (la prostitution des mineurs).

Glauque, malsain, baroque et sordide, tant auprès de sa violence tranchée que des châtiments intentés sur l'ado torturé, Slice triture nos émotions à l'aide d'une vibrante humanité pour la romance insoluble entre deux amants martyrisés par leurs souvenirs d'enfance véreuse et putassière. Dénué d'espoir et de rédemption au gré d'une dramaturgie reptilienne, Slice traite donc des thèmes de la maltraitance, de l'homophobie et de l'exploitation sexuelle des mineurs avec un éprouvant réalisme cauchemardesque. Difficile d'en sortir indemne, en y versant lors d'une mélancolique étreinte de douloureuses larmes d'amertume. 

*Bruno

Au Nom de la terre

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Édouard Bergeon. 2019. France. 1h43. Avec Guillaume Canet, Veerle Baetens, Anthony Bajon, Rufus, Samir Guesmi.

Sortie salles France: 25 Septembre 2019

FILMOGRAPHIE: Édouard Bergeon est un journaliste et réalisateur français, né le 29 septembre 1982. 2019: Au nom de la Terre.

Uppercut émotionnel que l'on perçoit de plein fouet sous l'oeil consciencieux d'Edouard Bergeon décrivant avec souci de réalisme documenté le calvaire insurmontable de son (propre) père suicidé à la suite d'une moisson de dettes, Au nom de la terre laisse en état de choc traumatique. Car autopsiant à l'aide d'un humanisme névralgique ce profil d'un métayer contraint de céder au modernisme technologique afin de sustenter sa ferme animalière et entretenir sa famille, Au nom de la Terre sonne tel un cri d'alarme contre ces agriculteurs minés par un désespoir impitoyablement plombant. Et ce au péril de leur vie précaire si bien qu'en France 1 agriculteur se suicide chaque jour apprendra t'on en guise de conclusion escarpée. Foudroyant d'intensité dramatique au fil du cheminement déliquescent de Christian en proie à une dépression galopante, Au nom de la Terre demeure un terrible fardeau pour le spectateur assistant à la lente agonie morale de cet agriculteur allant jusqu'à discréditer sa profession face au témoignage positif de son fils, témoin malgré d'un échec professionnel lié à la déveine, l'injustice (mais aussi à la dissension paternelle quant à l'intolérance du père anachronique de Christian). Outre la sobriété de la mise en scène réfutant tout cliché et misérabilisme en dépit d'une sinistrose extrêmement éprouvante pour nous, le jeu viscéral des acteurs nous magnétise l'esprit avec une trouble persuasion.

Eu égard des forces d'expressions à la fois démunies et pugnaces de Christian et des membres de sa famille tentant mutuellement de se relever avec une détermination "bipolaire". C'est le cas de le souligner si bien que sa maladie morale semble effleurer les esprits torturés de ces derniers tentant malgré tout de redresser la tête afin de ne pas sombrer à leur tour dans la tourmente d'un pessimisme ingérable ! Guillaume Canet, dont il s'agit probablement de son meilleur rôle; endossant ce paysan des temps modernes avec une déchéance morale difficilement supportable quant à l'ultra réalisme de ses expressions faciales, qu'elles soient irascibles ou défaitistes. Quand bien même Rufus (bien trop rare à l'écran ses dernières décennies !) se fond dans le corps du patriarche "donneur de leçon" avec une verve orgueilleuse terriblement condescendante. Le choc des générations émanant de leur différente perception du travail professionnel au sein d'une époque trop évoluée où la rentabilité prime au mépris du facteur humain. Quant à l'actrice et chanteuse belge Veerle Baetens (révélée par l'inoubliable Alabama Monroe), elle se taille une carrure d'épouse protectrice avec un humanisme fébrile timorée de crainte de voir son époux sombrer dans une forme de démence. Enfin, récompensé du Valois du Meilleur Acteur, Anthony Bajon y incarne le fils aîné avec pudeur et loyauté très impressionnantes, quand bien même ces éclairs de rage, d'impuissance et de colère face à l'agonie de son père nous laisse KO d'émotions brutes de décoffrage.

Première oeuvre salutaire d'Edouard Bergeon tirant la sonnette d'alarme sur la crise agricole par le biais du fait-divers sinistré, Au nom de la Terre nous plonge (tête baissée) dans un cauchemar rural avec souci de réalisme vertigineux. Tant auprès du tact de sa réalisation étonnamment maîtrisée (notamment d'un aspect formel) que du jeu des acteurs sidérants de naturel cafardeux. Inévitablement bouleversant car d'une cruauté inouïe, d'autant plus que son manifeste agricole s'avère dénué de lueur d'espoir...

Dédicace à Thierry Savastano
*Bruno

Récompense: Festival du film francophone d'Angoulême 2019 : Valois du meilleur acteur pour Anthony Bajon

Intruders

Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Juan Carlos Fresnadillo. 2011. U.S.A/Espagne/Angleterre. 1h40. Avec Clive Owen, Carice Van Houten, Daniel Brühl, Kerry Fox, Ella Purnell, Mark Wingett, Lolita Chakrabarti, Imogen Gray, Ella Hunt, Izan Corchero, Matthew Hodkin.

Sortie salles France le 11 Janvier 2012. U.S.A: 30 Mars 2012

FILMOGRAPHIE: Juan Carlos Fresnadillo est un réalisateur espagnol né le 5 décembre 1967 à Tenerife. 2001: Intacto. 2007: 28 Semaines plus tard. 2011: Intruders
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Après l'excellent Intacto (multi récompensé dans son pays ibérique) et l'apocalyptique 28 Semaines plus tard, l'espagnol Juan Carlos Fresnadillo s'attira les foudres des critiques défaitistes avec son troisième long-métrage, Intruders. Pourtant, ce bon suspense horrifique joue lestement avec les attentes du spectateur dans son alliage d'angoisse diffuse et de dramaturgie modérée. Le pitch: Deux enfants que tout sépare dans leur pays distinct sont la proie d'un cauchemar récurrent devenu réalité ! Un mystérieux individu éludé de faciès persécute dans leur propre réalité leurs terreurs enfantines. L'un des pères de l'enfant, témoin de l'apparition hostile, va tenter d'appréhender le monstre sans visage, alors que la mère envisage le soutien de l'église catholique. A la vue de sa trame onirique établissant un rapport viscéral entre la victime sujette à fantasmer sur papier un oppresseur maléfique dans sa psyché névrosée, certains spectateurs pourront se remémorer le sympathique Lectures Diaboliques de Tibor Takacs. Ainsi, deux enfants de famille distincte, un garçon espagnol, Juan, et une fille anglaise, Mia, décrivent leur terreur enfantine dans un journal personnel. Confinés dans leur chambre, ils imaginent à l'écrit un sombre individu sans visage perpétrant des méfaits toujours plus pernicieux à leur égard. Cette peur intrinsèque communément établie entre les deux enfants s'avère si cinglante et terrifiante que le monstre tapi dans leur fantasme va véritablement s'extraire de leur névrose pour apparaître dans la propre réalité afin de les molester et les entraîner vers un "no mans land". Mais un soir, le père de Mia est subitement témoin de cette apparition funèbre sévèrement hostile. De son côté, la mère de Juan est également convaincue de cette présence perfide terriblement inquiétante avant de céder à la panique et réfuter l'improbable. De par ce script prometteur jalonné de séquences anxiogènes soigneusement crédibles, Intruders attise la curiosité, entretient le mystère lattent et expose des faits surnaturels de prime abord décousu.

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D'autant plus que le parallèle psychologique établi entre les enfants molestés et les parents déconcertés ne cesse de se télescoper pour mieux entretenir le doute chez le spectateur perplexe. De par son ambiance crépusculaire confinée dans le foyer rassurant d'une chambre tamisée, le réalisateur Juan Carlos Fresnadillo nous remémore nos terreurs les plus obscures avec le fameux monstre blotti dans notre placard. Avec une efficience probante et la conviction mesurée de comédiens au réactions censées (Clive Owen, parfait de maturité empathique en père débonnaire), ce cauchemar onirique envoûte le spectateur embarqué dans une énigme au suspense grandissant. La force du récit résultant du tourment psychologique invoqué aux enfants, tributaires de leur cauchemar inhérent puis de l'impuissance des parents, incapables de tolérer de prime abord une situation irrationnelle (tout du moins chez les mères des 2 enfants). D'ailleurs, le fil narratif compromettra à un moment crucial l'un des membres parentaux lors d'une thématique psychanalytique afin de tenter de justifier une agression imbitable commise envers l'un des enfants. Alors que Susanna, catholique invétérée, sollicite la consultation d'un prêtre confirmé pour sauver son fils de ses terreurs nocturnes, John fait appel au forces de l'ordre et équipe simultanément son foyer familial d'alarme et de vidéo surveillance pour anticiper un éventuel nouvel affront. Spoil ! Si bien que le rapport conflictuel entretenu avec sa femme dubitative amène donc celle-ci à consulter d'éminents psychologues pour contredire son mari qu'il s'agit d'une hallucination collective (une folie à deux de par les liens très affectueux que se partagent le père et sa fille). Fin du Spoil. Ce sentiment d'impuissance, l'amour paternel éprouvé par le père démuni, les deux enfants asservis par une entité impassible, nourrissent l'intrigue sous l'impulsion d'un humanisme chétif teinté de désespoir. Et si le final un brin bâclé peut paraître orthodoxe, Intruders emporte néanmoins l'adhésion grâce à la sobriété de sa mise en scène et au jeu des acteurs sans fard. Pour parachever, le réalisateur fait finalement appel à une réflexion sur la maîtrise de soi, faute de notre conscience bafouée par l'affres afin de canaliser nos émotions les plus perturbantes.
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Angoissant, inquiétant et interprété avec une densité fragile (notamment pour la prestance des gamins épatants de vulnérabilité dépouillée), Intruders demeure un bon suspense horrifique au rythme sans faille. Métaphore sur la peur indissociable de nos névroses les plus sombres, ce conte contemporain peut également se concevoir en exorcisme afin de se libérer de nos terreurs les plus répréhensibles.

*Bruno
14.02.20
03.04.12. 261 v

Moon. Prix du Jury, Gérardmer 2010.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Duncan Jones. 2009. U.S.A. 1h37. Avec Sam Rockwell, Robin Chalk, Kevin Spacey, Dominique McElligott, Kaya Scodelario.

Sortie France: uniquement en Dvd et BR: 16 Juin 2010

FILMOGRAPHIE: Duncan Zowie Haywood Jones est un réalisateur et scénariste anglais, né le 30 mai 1971 à Beckenham dans le Bromley. 2009 : Moon. 2011 : Source Code. 2016 : Warcraft : Le Commencement. 2018 : Mute.

Honteusement inédit en salles chez nous si on occulte son exploitation dans divers festivals si bien qu'il repartit avec quelques trophées (Prix du jury, Prix du public, Prix de la Critique à Gérardmer, 1er Prix à strasbourg), Moon fait l'objet d'un uppercut moral sitôt son générique clôt. Car traitant des thèmes du clonage, de la solitude, de la routine, de la quête identitaire et de l'exploitation du prolétaire, Moon emprunte la démarche de la série B modeste sous couvert d'une science-fiction intimiste d'une riche épaisseur psychologique. Et ce en dépit d'un climat schizo quelque peu déconcertant quant à l'ambiguïté de son 1er acte pour autant captivant car chargé en mystère lattent et non-dit. Quasi irracontable, notamment faute de la complexité (délibérée) de ses 3 premiers quarts-d'heure, Moon relate l'impossible retour sur terre de Sam. Un employé de la société Lunar contraint d'y extraire de l'hélium, faute d'une crise énergétique sur Terre.

Ainsi, exilé 3 ans durant sur une station lunaire avec comme unique compagnie Gerty, robot doué de parole, Sam compte sur les prochaines retrouvailles avec sa femme afin de canaliser sa solitude. Celui-ci parvenant en intermittence à communiquer avec elle par vidéophone. D'une émotion fragile éminemment cruelle, eu égard du profil davantage souffreteux de Sam en proie aux hallucinations, à la maladie et à une mélancolie capiteuse (notamment faute des rapports discrètement discordants avec sa conjointe), Moon nous laisse aphone auprès de sa trajectoire narrative embrayant sur le "désespoir de cause". Car endossé par un Sam Rockwell transi de langueur à travers son humanisme chétif, Moon s'avère un redoutable chemin de croix quant à ses rebondissements escarpés à faible lueur d'espoir. Duncan Jones magnifiant sa scénographie spatiale à l'aide de décors plus vrais que nature et d'une partition mélodique sensitive afin d'accompagner l'amitié naissante entre 2 clones à sensibilité distincte. C'est dire l'émotion prude qu'il parvient à nous traduire autour de ces derniers tentant de défricher les tenants et aboutissants de leur fonction avec autant d'amertume que de révolte interne.

Requiem pour un ange apatride.
Véritable cri d'alarme contre le clonage humain et l'exploitation ouvrière auprès de nos élites vénales, poème bouleversant sur le sentiment de déréliction que l'on éprouve faute d'une routine dénuée de temporalité, Moon possède un âme et un coeur pour tenir lieu de l'insoutenable désespoir d'un esclave des temps stellaires condamné à errer dans l'abysse avec toutefois une lueur de chaleur humaine. Un grand moment de cinéma d'une intensité élégiaque éprouvante si bien que Duncan Jones (qui n'est autre que le fils de David Bowie) y imprime sa patte personnelle avec une dignité sans fard. 

*Bruno
13.02.20
2èx

Récompenses:
- Grand prix du jury, Prix du Public, Prix de la Critique aux Utopiales 2009.
- Prix du « Best British Independent Film » (meilleur film indépendant britannique) et le prix « the Douglas Hickox Award » en 2009 aux BIFA (the British Independent Film Awards)5.
- Prix Spécial du réalisateur pour un premier film, BAFTAS.
- 1er Prix à Strasbourg
- Prix du jury, Prix du public au Festival du film fantastique de Gérardmer 2010.

Hell Night

                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Tom DeSimone. 1985. U.S.A. 1h41. Avec Linda Blair, Vincent Van Patten, Peter Barton, Suki Goodwin.

Sortie salles France: 15 Décembre 1982 (sortie limitée). U.S: 28 Août 1981

FILMOGRAPHIE: Tom DeSimone est un Américain réalisateur, scénariste, producteur et éditeur américain  né en 1939. 1988: Angel III. 1986 Les anges du mal 2. 1985 Bi-bi Love. 1985 Bi-Coastal. 1984 Les rues de l'enfer. 1982 Skin Deep. 1982 Quartier de femmes. 1981 Une nuit infernale. 1980 The Dirty Picture Show. 1980 Wet Shorts. 1979 Gay Guide to Hawaii. 1979 Gettin' Down. 1979 The Idol.  1978 Hot Truckin' .1977 The Harder They Fall. 1977 Heavy Equipment . 1977 Le sexe qui chante.  1975 Catching Up. 1975 Histoire d'homme. 1974 Bad, Bad Boys. 1974 Duffy's Tavern. 1974 Everything Goes. 1974 Station to Station. 1973 Black Heat. 1973 Games Without Rules. 1973 Sons of Satan. 1973 Swap Meat. 1973 The Classified Caper. 1973 Erotikus: A History of the Gay Movie. 1972 Chained. 1972Prison Girls. 1971/IIAssault.  1971 Confessions of a Male Groupie. 1971 Lust in the Afternoon. 1970 Dust Unto Dust. 1970 How to Make a Homo Movie. 1970 The Upstairs Room. 1970 The Collection. 1968 Terror in the Jungle.

On ne peut pas faire sortir du sang d'un navet !
Désolé s'il y a des fans dans la salle, mais selon mon jugement de valeur, Hell Night fut un supplice d'1h42. Assurément l'une des pires expériences horrifiques de ma vie que j'ai osé reluquer en guise de curiosité, à l'instar de la bouille d'hamster de Linda Blair. Bref, sous couvert de psycho-killer gothique, Hell Night demeure l'archétype de la vacuité, ou du néant, c'est selon.

*Bruno

La Maison des Ombres. Prix du Jury, Gerardmer 2012.

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Nick Murphy. 2011. Angleterre. 1h47. Avec Dominic West, Rebecca Hall, Lmelda Staunton, Lucy Cohu, John Shrapnel, Diana Kent, Richard Durden, Alfie Field, Tilly Vosburgh, Ian Hanmore, Cal Macaninch.

Sortie directement en Dvd et Blu-ray en France: 6 Mars 2012. Angleterre: 11 Novembre 2011

FILMOGRAPHIE: Nick Murphy est un réalisateur, scénariste et producteur anglais.
2011: La Maison des Ombres. 2012: Blood.
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La Maison des Ombres constitue la première oeuvre d'un réalisateur néophyte anglais surfant sur le mode de la traditionnelle ghost story (à l'instar de l'excellent Woman in Black tourné la même année). En compétition à Gérardmer en 2012, il repart avec les honneurs avec trois prix (voir fin d'article) quand bien même à Bruxelles il se voit décerner le Corbeau d'Argent. Le pitch: Dans l'Angleterre des années 20, une démystificatrice de phénomènes paranormaux est recrutée dans un pensionnat pour tenter de rassurer les écoliers effrayés à l'idée qu'un spectre infantile perdure à les persécuter. Le climat ombrageux est d'autant plus éloquent parmi les enfants que l'un de leur camarade vient de trépasser dans de mystérieuses conditions. Pour son 1er essai derrière la caméra, outre son talent de conteur inné au sein d'une trajectoire scrupuleuse, on peut notamment compter sur la direction d'acteurs de Nick Murphy à travers leur caractérisation psychologique aussi dense que fouillée. Surtout lorsqu'il s'agit de s'y remémorer un passé à la fois obscur et traumatique. Ainsi, sans chercher à rendre effrayante une Ghost story vintage nantie d'une photo désaturée (la pâleur du pensionnat contraste avec la verdure du parc naturel feutré), La Maison des Ombres mise efficacement sur l'énigme du mystère lattent.

Le suspense savamment instillé et l'intérêt grandissant des rebondissements dramatiques parvenant sobrement à nous tenir en haleine jusqu'au bouleversant point d'orgue funèbre. L'intensité implacable du récit émanant principalement du personnage de Florence Cathcart, (Rebecca Hall, d'une force d'expression à la fois sereine et contrariée avant de céder à ses pulsions d'affolement). Une scientifique cartésienne experte dans l'art d'usurper les charlatans pratiquant le spiritisme de pacotille afin d'exproprier les familles désunies. Mais le jour où elle se retrouve confrontée à un véritable spectre tapi derrière les murs d'un étrange internat, son scepticisme inflexible volera en éclat afin de mettre à rude épreuve sa rationalité. De fil en aiguille, au fil des apparitions surnaturelles (dénuées de fioriture !), florence va peu à peu perdre pied avec la réalité pour se retrouver embarquée dans un tourbillon de violences cinglantes où morts et vivants cohabitent communément. Mais au-delà de l'aspect ludique de son intrigue à suspense davantage psychotique, le réalisateur en profite en background pour dénoncer les méthodes drastiques employées par les enseignants contre les écoliers en guise de châtiment, ainsi que les traumas imposés aux preux soldats de la 1ère guerre envoyés au front et revenus d'entre les morts en gardant de lourdes séquelles morales (je songe au profil à la fois discret et taiseux de Robert Malory formidablement endossé par l'imposant Dominic West à travers sa carrure trapus).

Sans révolutionner le genre mais avec un évident désir d'y honorer le genre sans fard, La maison des Ombres s'avère remarquablement convaincant. Tant auprès de sa formalité épurée que de son cast charismatique afin de s'attendrir d'une Ghost story torturée culminant sa révélation auprès d'une spiritualité rédemptrice. La Maison des Ombres se permettant finalement d'y déclarer un révérant hommage aux chers disparus afin de ne jamais les omettre de par le parfum de l'âme que constitue le souvenir. Dédié à la passion des sentiments et à la fidélité de l'amour à travers le profil borderline d'une investigatrice en proie au poids de la solitude et à l'oubli contre son gré, La Maison des Ombres conjugue angoisse, mystère et émotions prudes quant à l'empathie éprouvée pour une tragique réminiscence. L'oeuvre intime, à la fois réaliste, délicate et si fragile, parvenant même à nous donner envie de croire à l'ectoplasme à travers sa vibrante interrogation sur la probable vie après la mort. 

Récompenses à Gérardmer 2012: Prix Spécial du Jury (ex-aequo Beast), Prix du Jury Jeunes de la région Lorraine, Prix du Jury SyFy Universal.
Bruxelles 2012: Corbeau d'Argent.

*Bruno
11.02.20
15.03.12. 146

A couteaux tirés

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Knives Out" de Rian Johnson. 2019. U.S.A. 2h10. Avec Daniel Craig, Chris Evans, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Toni Collette, Don Johnson, Michael Shannon.

Sortie salles France: 27 Novembre 2019

FILMOGRAPHIE: Rian Johnson est un scénariste et réalisateur américain, né le 17 décembre 1973 à Silver Spring (Maryland). 2002 : The Psychology of Dream Analysis. 2005 : Brick. 2008 : Une arnaque presque parfaite. 2012 : Looper. 2017 : Star Wars, épisode VIII : Les Derniers Jedi. 2019: À couteaux tirés.

Satire féroce contre la cupidité et l'hypocrisie du point de vue d'une classe aristocrate, A couteaux Tirés demeure un excellent whodunit sous l'impulsion d'un cast aux p'tits oignons. Qui plus est, derrière son intrigue charpentée rondement menée; on se prend d'empathie pour le joli portrait de femme candide imparti à la domestique en proie au terrible dilemme. Celui d'y trafiquer la vérité afin de taire sa fausse culpabilité, en concertation avec la victime. Le récit se divisant en 2 parties. D'une part, Martha tente de cacher les preuves de sa mise en scène. De l'autre, elle se résigne à dévoiler la vérité à la police au profit du détective fin limier. Et bien que certains rebondissements soient prévisibles (la lègue du testament) et que l'intrigue ne soit pas si subtile qu'escomptée, A couteaux tirés remplit honorablement le cahier des charges sous le moule d'un divertissement hollywoodien fringant (humour sarcastique à l'appui au sein d'un climat familial discordant davantage tempétueux).

*Bruno

L'Oeil du Labyrinthe

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"L'occhio nel labirinto"de  Mario Caiano. 1972. Italie/Allemagne de l'Ouest. 1h35. Avec Rosemary Dexter, Adolfo Celi, Alida Valli, Horst Frank, Sybil Danning, Franco Resse.

Sortie salles Italie: 24 Mars 1972

FILMOGRAPHIE: Mario Caiano, né le 13 février 1933 à Rome, décédé le 20 septembre 2015 dans la même ville, est un réalisateur italien. 1961 : Ulysse contre Hercule. 1963 : Goliath et l'esclave rebelle. 1963 : Le Signe de Zorro. 1964 : La Griffe du coyote. 1964 : Maciste et les 100 gladiateurs. 1964 : La Fureur des gladiateurs. 1964 : Mon colt fait la loi. 1965 : Les Amants d'outre-tombe. 1965 : Erik, le Viking. 1967 : Ombres sur le Liban. 1968 : Un train pour Durango. 1968 : Son nom crie vengeance. 1972 : Shangaï Joe. 1972 : L'Œil du labyrinthe. 1973 : I racconti di Viterbury - Le più allegre storie del '300. 1975 : ...a tutte le auto della polizia...1976 : Milano violenta. 1977 : Assaut sur la ville. 1977 : Antigang. 1977 : Nazi Love Camp 27. 1980 : Ombre. 1988 : Nosferatu à Venise. 1993: Moscacieca (téléfilm). 1999 : Il presepe napoletano. 2000: Per amore per vendetta (téléfilm).

Une belle surprise que ce curieux Whodunit tropical aussi magnétique qu'attachant !
Que voici un intéressant Giallo plutôt méconnu dans nos contrées, tant et si bien qu'il reste à ce jour inédit sous support numérique au grand dam des fans indéfectibles. Réalisé par l'habile artisan Mario Caiano (Assaut sur la ville, Shangaï Joe et surtout les Amants d'outre-tombe, excusez du peu !), l'Oeil du Labyrinthe opte pour le Whodunit à travers la houleuse investigation de Julie à la recherche de son amant disparu lors de circonstances inexpliquées. Car à la suite d'un cauchemar morbide au cours duquel Lucas est assassiné de sang froid par un mystérieux assassin, Julie décide de se laisser guider par l'agenda de celui-ci avant de rencontrer le directeur d'un orphelinat lui conseillant de visiter une villa côtière fréquentée par des convives interlopes. Amorçant son intrigue par un meurtre graphique assez croquignolet, l'Oeil du Labyrinthe reste ensuite bien sage au niveau des homicides qui tâchent, tant et si bien qu'il faudra patienter jusqu'au dernier quart d'heure afin de retrouver ce goût frelaté pour une violence malsaine de par sa complaisance assumée typiquement transalpine. Vous voilà donc prévenus amateurs de gore faisandé ! Pour autant, et avant de faire grise mine, laissez vous plutôt guider par la belle Julie jouant les investigatrices en y fréquentant des machistes pervers, des femmes rancunières, des drogués et autre déficient afin de lever le voile sur le mystère "lucas" que toute l'assemblée fréquentait paradoxalement !

Thriller à suspense donc aussi bien attachant que fascinant de par son climat d'étrangeté solaire que Caiano exploite habilement à travers le cadre exigu d'une villa implantée auprès d'un cadre exotique, l'Oeil du Labyrinthe s'avère magnétique sous l'impulsion d'un casting perfectible pour autant sincère à travers leurs profils indicibles. L'intérêt du récit résidant bien évidemment auprès de notre interrogation du fameux coupable tout en s'efforçant de saisir les agissements (si) naïfs d'une gourde facilement influençable. La ravissante Rosemary Dexter (au teint basané !) endossant le rôle de Julie avec une mine chétive sensiblement lascive auprès d'un tempérament (trop) vulnérable. D'ailleurs, de par son jeu gentiment discret et ses rebondissements équivoques parfois un tantinet tirés par les cheveux, on redoute que son épilogue soit rapidement bâclée au profit d'un argument éculé. Que nenni ! Le réalisateur ayant pris soin de bien planifier son récit jusqu'à l'ultime quart-d'heure révélateur démontrant de manière aussi limpide qu'explicative les mobiles de l'assassin et ses tenants et aboutissants cérébraux.

Histoire d'amour passionnelle efficacement contée autour d'un cadre côtier sensiblement envoûtant auquel évolue une galerie de personnages suspicieux assez portés sur la luxure (le réalisateur multipliant de manière autonome les cadrages alambiqués ou géométriques, notamment pour tenir compte de la fragilité névrosée de l'héroïne), l'Oeil du Labyrinthe ne déçoit pas pour qui apprécie les thrillers horrifiques spécialement transalpins à travers leur parfum de souffre morbide. 

*Bruno