Quelque part dans le Temps / Somewhere in time. Antenne d'Or à Avoriaz, 1981

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site badmovieart.blogspot.com

de Jeannot Swarc. 1980. U.S.A. 1h43. Avec Christopher Reeves, Jane Seymour, Christopher Plummer, Teresa Wright, Bill Erwin, George Voskovec, William H. Macy.

Sortie salles France: 6 Mai 1981. U.S: 3 Octobre 1980

FILMOGRAPHIE: Jeannot Szwarc est un réalisateur français, né le 21 Novembre 1939 à Paris.
1973: Columbo: adorable mais dangereuse. 1975: Les Insectes de Feu. 1978: Les Dents de la Mer 2.
1980: Quelque part dans le temps. 1983: Enigma. 1984: Supergirl. 1985: Santa Claus. 1987: Grand Larceny. 1988: Honor Bound. 1990: Passez une bonne nuit. 1991: La Montagne de Diamants. 1994: La Vengeance d'une blonde. 1996: Hercule et Sherlock. 1997: Les Soeurs Soleil

"L’éternité d’un battement de cœur".
Réalisateur éclectique, Jeannot Szwarc s’attelle en 1980 à l’adaptation du roman de Richard Matheson, Le Jeune Homme, la Mort et le Temps. Rebaptisée au cinéma Quelque part dans le temps, cette tragédie romantique à postulat d’anticipation (le voyage temporel) demeure la plus vibrante réussite de son auteur, justement récompensée de l’Antenne d’Or à Avoriaz.

Le Pitch: Lors d’une réception, un dramaturge reçoit la visite d’une septuagénaire qui, troublante, le supplie de lui revenir. Décontenancé par cette étrange supplique, et par l’offrande d’une montre ancienne, Richard Collier poursuit sa vie solitaire dans le tumulte passionné de sa vocation. Huit ans plus tard, séjournant dans un hôtel, il découvre au mur du hall la photographie d’une actrice de 1912. Irrésistiblement attiré, il reconnaît les traits de la mystérieuse vieille dame croisée dans les coulisses de sa première pièce. Avec l’aide d’un professeur utopiste, il entreprend alors de défier le temps pour rejoindre l’amour de sa vie.

 

À partir d’un canevas délirant, Szwarc devient conteur romantique sous l’égide du mythique Richard Matheson. Dans la complicité candide du duo Christopher Reeve / Jane Seymour, Quelque part dans le temps donne à voir une romance éperdue, d’une grâce pudique. Modestement retranscrite à travers la reconstitution bucolique des années 1910, cette bouleversante histoire d’amour s’empare du fantastique pour unir deux âmes promises, séparées par les âges. Point de machines : ici, le voyage dans le temps se joue par l'autosuggestion. Un simple acte de foi mentale. Et, chose rare, cette étrangeté convainc. Car il suffit d’un esprit dévoré par la passion pour défier les lois du réel. À moins qu’il ne s’agisse, plus tragiquement, de l’hallucination d’un écrivain esseulé, glissant peu à peu hors du monde.

Romantisme incandescent et sensibilité délicate : Szwarc tisse des instants de pure poésie, traversés d’un humour tendre (Elise avouant son amour sur scène devant un public médusé, ou l’amitié pudique avec le jeune Arthur – futur majordome de l’hôtel). Au-delà des obstacles dressés par un maître-chanteur menaçant, Quelque part dans le temps nous captive par la sincérité de ses interprètes. En Dom Juan égaré dans l’Histoire, vêtu de l’élégance d’un autre siècle, Christopher Reeve incarne son personnage avec une candeur bouleversante. Face à lui, Jane Seymour, actrice au seuil de sa gloire, impose une présence d’une douceur souveraine. Ensemble, ils forment un couple tragique, jamais mièvre, consumé par une passion pure.

Quant au final, il frappe en plein cœur. Renversant, brutal, il saborde d’un coup leur romance édénique, et laisse le spectateur désemparé, saturé d’amertume. L’épilogue, tout aussi funèbre, résonne comme une complainte, jusqu’à cet ultime sursaut d’onirisme qui vient apaiser l’âme.

"Au-delà du temps, l’écho d’un amour".

D'une beauté pudique, presque sacrée, et d’une émotion double – entre perte et transcendance –, Quelque part dans le temps est un poème virginal sur l’amour absolu, la fuite des heures et le deuil de l’être aimé. Porté par la symphonie pudibonde de John Barry, ce chef-d’œuvre lyrique cisèle le destin d’amants maudits, condamnés à s’aimer au-delà des frontières du temps.

 

*Bruno

10.01.13. 3èx

Récompense: Antenne d'Or à Avoriaz, 1981

Psychose, Phase 3 (The Legacy)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site a2.moovidadb.com

de Richard Marquand. 1978. Angleterre/U.S.A. 1h39. Avec Katharine Ross, Sam Elliott, John Standing, Ian Hogg, Margaret Tyzack, Charles Gray, Roger Daltrey.

Sortie salles France: 2 Avril 1980. Angleterre: Septembre 1978

FILMOGRAPHIE: Richard Marquand est un réalisateur et producteur anglais, né le 22 Septembre 1938 à Cardiff, Pays de Galles, décédé le 4 Septembre 1987 à l'âge de 48 ans d'un accident vasculaire cérébral. 1970: Edward 2 (télé-film). 1971: The Search for the Nile (télé-film). 1975: The Puritain Experience: Forsaking England (moyen métrage). 1976: NBC Special Tret (télé-film). 1978: Psychose Phase 3. 1979: Birth of the Beatles. 1981: l'Arme à l'oeil. 1983: Le Retour du Jedi. 1984: French Lover. 1985: A double tranchant. 1987: Heart of Fire.

Dans la mouvance de Suspiria, Rosemary's Baby et consorts, Psychose phase 3 traite conformément du satanisme et de la sorcellerie sous l'effigie d'une modeste série B parfaitement efficace. Bien connu des amateurs de Fantastique qui ont pu le découvrir chez les tenanciers des vidéos lors des années 80, le premier long-métrage de Richard Marquand est un honnête divertissement réalisé sans prétention, tout à fait sympathique à travers son sens du rythme métronome. Le pitch: A la suite d'un accident de moto, un couple est convié à séjourner dans le manoir du milliardaire Jason Montoulive. Alors que d'autres invités viennent s'y rejoindre, de mystérieux incidents meurtriers vont se succéder. Margaret et Pete décident de quitter la demeure, en vain...

Psychose Phase 3 est le genre de série B mineure de par son scénario orthodoxe et sa mise en scène dépouillée mais qui parvient sans difficulté à insuffler une indéniable sympathie auprès de l'aficionado du genre. Avec la bonhomie complice de la radieuse (et si rare !) Katharine Ross, convoyée du briscard moustachu Sam Elliott, ainsi que d'autres seconds rôles aussi avenants (le chanteur des Who, Roger Daltrey et le vétéran Charles Gray), cette énième conjuration sataniste réussit sans peine à préserver un intérêt constant. Et si l'on peut reprocher certaines facilités (les démêlés du couple manquent parfois un tantinet de persuasion), un faux raccord (l'attaque des rottweilers sur Pete) et quelques futiles incohérences, son intrigue occulte traitant de sorcellerie et de réincarnation suscite interrogation auprès de l'atavisme d'un milliardaire corrompu. Emaillé de séquences-chocs parfois spectaculaires ou intenses (immolation à travers les flammes de cheminée, étouffement par nourriture, noyade dans une piscine, empalements par des éclats de verre), Psychose Phase 3 réussit par ailleurs à insérer quelques péripéties haletantes. A l'instar de cette fuite chaotique entamée par le couple pour rejoindre leur bercail. Car tentant de s'échapper en désespoir de cause à cheval puis en voiture, les deux amants vont devoir emprunter le même parcours champêtre de façon récursive !

On pense parfois à Suspiria pour le cérémonial de cette étrange confrérie réunie autour d'un vieillard moribond, le caractère interlope de ses protagonistes (la majordome insidieuse est parfaite de présence délétère de par son flegme impassible !), et le décor baroque d'une piscine pourvue d'un esthétisme raffiné. Quelques rebondissements viennent également crédibiliser l'énigme ésotérique (la raison pour laquelle 5 membres des invités doivent être sacrifiés) avant la révélation escomptée d'un point d'orgue démoniaque non exempt de déconvenues. Enfin, en ce qui concerne son score musical, certains spectateurs pourront sourire de sa mélodie enjouée plutôt obsolète. En l'occurrence, cette sonorité pop typique des seventies lui renforce pourtant un charme rétro non négligeable.

Agréablement limpide et ludique à travers son classicisme contemporain mais efficace et très attachant, Psychose Phase 3 réussit comme par miracle à engendrer une série B trépidante dont le rythme alerte le prémunit de sa banalité. En prime, l'aspect gothique érigé autour d'un manoir british ainsi le caractère trouble de sa conspiration surnaturelle véhiculent un pouvoir de fascination quelque peu diaphane avant de nous surprendre par son final anti happy-end. 

*Eric Binford

15.09.21. 4èX

07.01.13. 

MANIAC

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site marvelll.fr

de Franck Khalfoun. 2012. France/U.S.A. 1h33. Avec Elijah Wood, Nora Arnezeder, Liane Balaban, America Olivo, Joshua De La Garza.

Sortie salles France: 2 Janvier 2013

FILMOGRAPHIE: Franck Khalfoun est un réalisateur, scénariste, acteur et monteur américain
2007: 2è Sous-sol. 2009: Engrenage Mortel (Wrong Turn at Tahoe). 2012: Maniac

Discrédité avant même l'entreprise de sa réalisation puisque estampillé remake bancable d'après un chef-d'oeuvre traumatisant, Maniac, nouvelle mouture, prenait également le risque d'attribuer son rôle titre à un illustre acteur au minois infantile. Un choix particulièrement couillu qui laissait craindre le pire, d'autant plus que son réalisateur novice était déjà responsable de deux manufactures conventionnelles. Produit par William Lustig en personne, épaulé des français Aja et Levasseur (notamment crédités au scénario), cette nouvelle déclinaison adopte le parti-pris de ne pas vulgairement copier-coller son modèle cradingue. Filmé entièrement en caméra subjective du point de vue du tueur, Maniac version 2012 est une nouvelle descente aux enfers dans les bas-fonds de Los Angeles qu'un tueur psychopathe s'entreprend de nettoyer des quartiers malfamés putes et call-girl racoleuses. Dès le prologue, l'ambiance anxiogène et crépusculaire d'un new-york insalubre nous est illustrée avec un réalisme cafardeux (badauds désoeuvrés sont mêlés à la foule cosmopolite arpentant des trottoirs inondés de déchets). A l'image cinglante de son premier crime imposé de manière totalement impromptue.

La cruauté du meurtre et l'impuissance à laquelle la victime ne puisse exprimer la moindre clameur nous saisit de stupeur. La bonne nouvelle c'est qu'ensuite l'errance quotidienne du maniac dans les rues nocturnes restera une dérive introspective jalonnée d'estocades aussi terrifiantes qu'éprouvantes. Car durant tout son cheminement meurtrier, le spectateur est forcément contraint de s'identifier instinctivement à son existence sordide grâce à l'agilité d'une caméra subjective en interne du sujet ! L'effet d'immersion est immédiat mais surtout il dérange, incommode, asphyxie son public pris en otage par ses pensées déficientes, ses visions horrifiées de mannequins ensanglantés blottis dans une chambre tamisée et surtout ses crimes crapuleux lâchement perpétrés avec violence acérée ! Autant avouer que dans cette nouvelle mouture, l'effet de submersion est beaucoup plus prégnant que dans son modèle originel. A contrario, on est loin du traumatisme imposé par le climat poisseux de Lustig et du jeu transi d'émoi de Joe Spinell ! Néanmoins, certaines séquences gores percutantes ont de quoi retourner les estomacs les plus fragiles, mais surtout sa sauvagerie cuisante qui en découle effleure parfois l'insupportable (le meurtre à coups de poignards d'une prostituée réfugiée dans un parking est franchement pénible à endurer !).

 Il faut notamment louer la maîtrise de sa mise en scène expérimentale (le jeu de miroirs judicieux pour entrevoir le visage du tueur) ou affinée (certaines séquences stylisées surprennent par son esthétisme poétique d'autant plus épurée d'une photo limpide) et la manière habile dont le réalisateur exploite son potentiel de terreur face aux exactions du maniac. A ce titre, le point d'orgue final jusqu'au-boutiste s'avère un moment d'anthologie particulièrement éprouvant lors la traque de la dernière victime en instance de survie. Et le gore paroxystique d'atteindre son apogée dans un épilogue aussi bestial et grand-guignol que son ancêtre. Pour parachever, nos scénaristes ont eu la bonne idée d'insister sur l'idylle amoureuse entre Franck et une photographe de mode. En l'occurrence, l'empathie accordée à ce dernier s'avère beaucoup plus persuasive si bien qu'une réelle compassion lui est finalement tolérée auprès du spectateur. Le réalisateur prenant bien soin d'illustrer sa pyché torturée à travers une réminiscence infantile résultant des exactions sexuelles de sa mégère. En résulte une ambiance de nonchalance teintée de mélancolie qui imprègne toute la pellicule,  amplifiée par la mélodie d'un score tragique infiniment fragile. Un parti-pris adéquat pour mettre en exergue la romance fébrile des deux protagonistes esseulés et pour ausculter le passé douloureux du tueur misogyne, victime malgré lui d'une enfance galvaudée.

A bout de souffle
Terrifiant et dérangeant par son immersion expérimentale, glauque et malsain (même si à 100 lieux du chef-d'oeuvre initial), mais surtout sauvage et cruel, Maniac adopte l'intelligence de se démarquer de son modèle sans faire preuve d'esbroufe mais en insistant plutôt sur la déchéance mentale du tueur pathétique livré à une insupportable solitude. Et si au premier abord Elijah Wood avait de quoi laisser dubitatif pour prendre la relève au jeu maladif de Joe Spinell, il parvient sobrement à y imprimer sa propre personnalité dans le corps d'un psychopathe timoré et impuissant, égaré dans l'amertume d'un amour insoluble. La nouvelle génération peut applaudir, un nouveau classique de l'horreur hardcore leur est également léguée.

* Bruno
05.01.13

Tourist Trap / Le Piège

                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site fascinationcinema.tumblr.com

de David Schmoeller. 1979. U.S.A. 1h30. Avec Chuck Connors, Jocelyn Jones, Jon Van Ness, Robin Sherwood, Tanya Roberts, Dawn Jeffory, Keith McDermott.

Sortie salles France: 30 Avril 1980. U.S: 16 Mars 1979

FILMOGRAPHIE: David Schmoeller est un acteur, monteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 8 décembre 1947 à Louisville, dans le Kentucky (Etats-Unis). 1976: The Spider will kill you (Court-Metrage). 1979: Le Piège. 1982: The Seduction. 1986: Fou à Tuer. 1988: Catacombs. 1989: Puppet Master. 1991: The Arrival. 1992: Le Rebelle ("Renegade"). Série TV. 1992: Netherworld. 1998: The Secret Kingdom. 1999: Please Kill Mr Kinski. 1999: Search for the Jewel of Polaris: Mysterious Museum (télé-film).

 

"Tourist Trap : le cri des années vidéo".

Film culte pour toute une génération de cinéphiles, alors qu’il s’agissait de la première réalisation d’un cinéaste encore novice, Tourist Trap a laissé une empreinte indélébile chez les vidéophiles des années 80. Quelques décennies plus tard, force est de constater qu’il n’a pas pris une ride, traversé par un climat d’étrangeté tenace, insaisissable.

Le pitch : à la suite d’une panne, quatre vacanciers s’égarent dans un coin de campagne. Un sexagénaire solitaire les accueille chaleureusement dans sa demeure, où d’innombrables mannequins de cire ornent les pièces. Bientôt, d’étranges événements vont menacer la vie des estivants.

Modeste série B lorgnant vers les survivals des seventies et les classiques de l’horreur archaïque, Tourist Trap doit son salut à une atmosphère inquiétante, comme héritée des contes funèbres de notre enfance. Car en jouant sur les terreurs enfantines — l’ogre tapi dans les bois, le baroque menaçant des mannequins figés — David Schmoeller cristallise un cauchemar surnaturel où un psychopathe, doué de télékinésie, façonne son propre univers.

Dès la séquence d’ouverture, une atmosphère lourde et anxiogène s’insinue lentement dans l’esprit du spectateur, avant de culminer dans le meurtre d’un pèlerin réfugié dans une pièce calfeutrée. Forces invisibles et mannequins gouailleurs s’y déchaînent, jusqu’à ce que mort brutale s’ensuive. Avec une efficacité rare, le réalisateur distille un sentiment oppressant au cœur du huis clos, jouant des entités paranormales de mannequins doués de vie. Leur rictus démoniaque, mêlé de braillements stridents, provoque un malaise tangible — chez la victime démunie comme chez le spectateur.

Après ce prélude saisissant, où la cruauté dispute sa place à la poésie macabre — un tuyau empalé dans les reins laisse goutter lentement le sang sur le sol —, Schmoeller nous enferme dans l’étrange musée d’un redneck anachronique, hanté par la perte de son épouse. À l’arrivée inopinée des vacanciers, les événements meurtriers s’enchaînent. Pour entretenir le suspense et faire monter l’appréhension, un second personnage est introduit : le frère du propriétaire, affublé d’un masque de plâtre. Dès lors, chaque meurtre perpétré au milieu d’un chassé-croisé brouille les pistes ; le spectateur perd ses repères, incapable de désigner le coupable.

Et puis il y a ces automates, immobiles ou animés par télékinésie, qui peuplent couloirs et chambres. Des mannequins de femmes, alignés comme des saintes damnées, chuchotent, gémissent parfois de plaintes langoureuses. Tandis que dans la cave, d’étranges expériences sont administrées aux corps kidnappés. Dans une photographie ocre et sépia qui accentue son climat feutré, Schmoeller peaufine décors tamisés et clair-obscur naturel pour fantasmer un cauchemar éveillé, où un tueur rural s’est forgé une nouvelle matérialité.

Dans le rôle du tueur, Chuck Connors donne chair à son personnage interlope avec la retenue d’un regard flâneur. À l’inverse, si les autres interprètes manquent d’aplomb et livrent un jeu limité, ils parviennent pourtant à susciter un certain attachement, par leur naïveté candide à se laisser berner par l’oppresseur.

"Hurlements de cire dans la nuit".

Série B horrifique à l’intrigue en apparence convenue mais fondamentalement singulière, Tourist Trap distille une rigueur stupéfiante à travers une ambiance d’étrangeté touchant aux cimes de la féerie macabre. Et pour transcender cet onirisme indicible, le sublime score de Pino Donaggio envoûte les sens d’une émotion élégiaque. Du pur cinéma d’ambiance — que les cinéastes actuels feraient bien de raviver pour imposer leur patte et s’écarter de l’ornière.

*Bruno

03.09.22. 5èx. Vostfr

04.01.13. 

DREDD

de Pete Travis. Angleterre/Afrique du Sud. 2012. 1h40. Avec Karl Urban, Olivia Thirlby, Lena Headey, Domhnall Gleeso.

Sortie salles France: 16 Septembre 2012, uniquement en avant-première à l'Etrange Festival.
U.S.A. 21 Septembre 2012. Belgique: 21 Novembre 2012

FILMOGRAPHIE: Pete Travis est un réalisateur britannique né à Manchester en Angleterre.
2008: Angles d'attaque. 2009: Endgame. 2012: Dredd

Si le nanar risible Judge Dredd, campé par un Stallone cabotin, avait été un échec cuisant lors de sa sortie en 1995, sa réactualisation entreprise aujourd'hui par un réal novice va définitivement inhumer le pudding édulcoré de Danny Cannon. Dans une société futuriste totalitaire régie par des juges pugnaces, Dredd et sa nouvelle recrue, Anderson, doivent faire face à un cartel de la drogue manoeuvré par une psychopathe notoire. Alors qu'ils sont sur le point de mettre sous les verrous l'un de ses alliés, la matriarche "ma-ma" décide de boucler l'immeuble pour les embrigader en invoquant à la population de les assassiner. Ceux qui attendaient désespérément une version cinématographique emblématique du comics créé par John Wagner risquent fort de jubiler à la vue de cet actionner bourrin dédié à la subversion ultra violente. Caractérisé par un scénario simpliste mais redoutablement haletant dans son enchaînement d'action décomplexée, Dredd nouveau cru est un plaisir coupable à la générosité imperturbable.

Avec peu de décors (l'essentiel de l'action se focalisant derrière les murs anti-atomiques d'une gigantesque tour), le réalisateur Pete Travis réussit louablement à nous immerger de plein fouet dans l'urbanisation d'une cité futuriste en décrépitude. Un monde irradié et déshumanisé où drogue et criminalité sont un fléau permanent sous l'allégeance d'une criminelle sanguinaire (elle dépèce vivant ses adversaires qui empiètent sur son territoire avant de les droguer et les éjecter du haut de 200 étages !). Avec sa photographie cristalline saturée de teintes fluos, cette mouture hardgore utilise harmonieusement une palette de couleurs criardes afin de mettre en exergue les nombreuses effusions sanguinolentes qui en émanent. Notamment quelques plages de poésie fantasmagorique comme ces effets hallucinogènes de la nouvelle drogue "slo-mo" produisant chez le sujet un effet de ralentissement sur la notion temporelle ! Pour ce qui concerne les péripéties encourues chez nos deux baroudeurs pourvus d'armes high-tech (gadgets à l'appui !), Pete Travis ne cesse de leur faire subir moult épreuves de survie au sein d'un immeuble infesté de tueurs et de quidams corrompus. A la manière d'une compétition, nos deux héros doivent affronter subterfuges et rixes cinglantes face à des antagonistes toujours plus déterminés (telle cette embuscade furibonde à la sulfateuse !) et tenter d'obstruer la mégère dégénérée.

Dans le rôle titre, Karl urban s'en sort avec les honneurs pour incarner le nouveau justicier impassible. S'il peut paraître au départ un poil rigide dans sa posture héroïque à la mâchoire contractée, il réussit fissa à s'imposer en héros flegmatique, sensiblement épris de conscience humaniste depuis l'indulgence de sa co-équipière. La charmante Olivia Thirlby prête son talent pour endosser de façon circonspecte une mutante douée de pouvoirs psychiques, mais aussi de compassion chez les déshérités. Enfin, en baronne de la drogue burinée d'une cicatrice sur le visage, Lena Headey se révèle aussi délectable que méprisable dans ses agissements sanguinaires afin de prouver son autorité inébranlable à une population disciplinée.

Escape from Mega City One
Ultra violent, bourrin, gore, immersif et jouissif en diable, Dredd se coltine en prime d'une bande son électro émoustillante afin de scander les péripéties explosives qui empiètent le récit. Honteusement ignoré en salles dans l'hexagone, ce film d'action furibond insuffle une vigueur et un charisme animal face à la déliquescence urbaine d'une société en perdition. Juste avant de lever un voile d'espoir en la présence clairvoyante d'une mutante clémente. 

03.01.13
Bruno Matéï

LES NERFS A VIF (Cape Fear)

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site mediafilm.ca

de Jack Lee Thompson. 1962. U.S.A. 1h46. Avec Robert Mitchum, Gregory Peck, Polly Bergen, Lori Martin, Martin Balsam, Jack Kruschen, Telly Savalas, Barrie Chase.

Sortie salles France: 31 Octobre 1962. U.S: 18 Avril 1962

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Jack Lee Thompson (John Lee Thompson), est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né le 1er Août 1914 à Bristol (Royaume-Uni), décédé le 30 Août 2002 à Sooke (Canada). 1955: An Alligator Named Daisy. 1959: Aux Frontières des Indes. 1959: Les Yeux du Témoin. 1961: Les Canons de Navarone. 1962: Les Nerfs à Vif. 1962: Tarass Boulba. 1963: Les Rois du Soleil. 1964: Madame Croque-maris. 1965: l'Encombrant Monsieur John. 1966: l'Oeil du Malin. 1969: l'Or de Mackenna. 1969: l'Homme le plus dangereux du monde. 1970: Country Dance. 1972: La Conquête de la Planète des Singes. 1973: La Bataille de la Planète des Singes. 1976: Monsieur St-Yves. 1977: Le Bison Blanc. 1979: Passeur d'Hommes. 1980: Cabo Blanco. 1981: Happy Birthday. 1981: Code Red (télé-film). 1983: Le Justicier de Minuit. 1984: l'Enfer de la Violence. 1984: l'Ambassadeur: chantage en Israel. 1985: Allan Quatermain et les Mines du roi Salomon. 1986: La Loi de Murphy. 1986: Le Temple d'Or. 1987: Le Justicier braque les Dealers. 1988: Le Messager de la Mort. 1989: Kinjite, sujets tabous.

Un an après les Canons de Navarone, Jack Lee Thompson change de registre afin d'adapter un roman noir de John D. MacDonald, The Executioners. Rebaptisé Les Nerfs à vif, ce thriller intense et captivant doit beaucoup à l'affrontement dantesque de ces deux antagonistes, partagés entre une rancoeur vindicative et la préméditation meurtrière.

Après avoir purgé une peine de 8 années de prison, un psychopathe décide de se venger du responsable de sa condamnation, en s'en prenant notamment à sa famille. La victime est un paisible avocat, Sam Bowden, préalablement témoin du viol d'une jeune fille commis par Max Cady. Depuis sa sortie de prison, ce violeur rongé de haine et de vengeance s'évertue à épier les moindres faits et gestes de l'avocat, en harcelant également sa femme ainsi que sa fille.

Thriller austère pourvu d'un suspense oppressant, les Nerfs à Vif est un superbe affrontement psychologique confié entre deux monstres sacrés du cinéma. L'un s'attribuant le rôle d'un criminel cynique dénué de vergogne pour accomplir sa vengeance méthodique, l'autre endossant celui d'un notable avocat finissant peu à peu par sombrer dans une paranoïa délétère. Outre le caractère anxiogène des méfaits impudents perpétrés par un redoutable psychopathe, la déchéance morale impartie au magistrat, paisible père de famille, s'alloue d'une éthique équivoque pour sa planification meurtrière. En traitant de l'abus de pouvoir chez la déontologie policière, le réalisateur aborde pour autant une réflexion sur la légalité législative quand un meurtrier décide de nuire à autrui sans employer de prime abord une violence physique. Si les Nerfs à vif se révèle si captivant, c'est qu'il s'attarde à relater avec beaucoup d'efficacité la confrontation paroxystique de deux hommes engagés dans une épreuve de force. Par petites touches, Jack Lee Thompson distille en amont une tension progressive quand, par exemple, Max Cady décide de surveiller la fille du magistrat. La séquence perfide où l'adolescente, réfugiée en interne d'une école, est persuadée d'être poursuivie par son tortionnaire, est un joli moment d'appréhension dans son subterfuge toléré. Outre les incessantes provocations verbales prononcées par Max Cady sur la modeste famille, d'autres moments forts surprennent par une violence physique quelque peu acerbe  (l'agression à coup de chaîne de Cady par les trois complices de Bowden). L'intrusion soudaine du meurtrier à bord de la péniche afin d'appréhender l'épouse esseulée est également une estocade particulièrement perverse dans son allusion sexuelle. Quand au fameux point d'orgue escompté, il culmine sa déchéance morale vers un survival abrupt au sein d'une rivière crépusculaire. En prime, son épilogue inopiné milite en faveur d'une justice équitable réfutant la loi du talion pour mieux consigner son coupable meurtrier. Si on peut saluer la sobriété d'interprétation du grand Gregory Peck dans celui d'un avocat attisé par la corruption, l'immense Robert Mitchum s'alloue d'une prestance flegmatique pour incarner un ex-taulard haineux, gagné par une vengeance redoutablement rusée. La petite Lori Martin se révèle notamment particulièrement expansive dans la peau d'une adolescente candide endurant divers tourments psychologiques.

D'un point de vue personnel, j'aimerais souligner que j'accorde plus d'affection au remake homonyme élaboré 30 ans plus tard par l'illustre Martin Scorcese. Parce que plus intense, éprouvant, cinglant et violent, cet exercice de style virtuose n'hésitait pas non plus à évoquer un certain tabou (l'allusion sexuelle particulièrement équivoque entretenue durant un aparté entre Robert De Niro et la jeune adolescente Juliette Lewis). Mais le classique originel de Jack Lee Thompson, rehaussé du score orchestral d'Herrmann, reste suffisamment dense et maîtrisé pour daigner le discréditer. D'autant plus que l'interprétation démoniaque de Robert Mitchum mérite à elle seule le détour !

02.01.13
Bruno 

Le Voyage Fantastique (Fantastic Voyage)

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemotions.com

de Richard Fleischer. 1966. U.S.A. 1h40. Avec Stephen Boyd, Raquel Welch, Edmond O'Brien, Donald Pleasence, Arthur O'Connell, William Redfield, Arthur Kennedy.

Sorties salles U.S: 21 Août 1966

FILMOGRAPHIE: Richard Fleischer est un réalisateur américain né le 8 décembre 1916 à Brooklyn,  et décédé le 25 Mars 2006 de causes naturelles. 1952: l'Enigme du Chicago Express, 1954: 20 000 lieux sous les mers, 1955: les Inconnus dans la ville, 1958: les Vikings, 1962: Barabbas, 1966: le Voyage Fantastique, 1967: l'Extravagant Dr Dolittle, 1968: l'Etrangleur de Boston, 1970: Tora, tora, tora, 1971: l'Etrangleur de Rillington Place, 1972: Terreur Aveugle, les Flics ne dorment pas la nuit, 1973: Soleil Vert, 1974: Mr Majestyk, Du sang dans la Poussière, 1975: Mandingo, 1979: Ashanti, 1983: Amityville 3D, 1984: Conan le destructeur, 1985: Kalidor, la légende du talisman, 1989: Call from Space.

Classique de la science-fiction des années 60 auréolé de 3 oscars, le Voyage Fantastique transfigure
l'anatomie corporelle de l'être humain sous la houlette du vétéran Richard Fleischer. Le pitch: A la suite d'un attentat commis contre un scientifique ayant découvert le procédé de miniaturisation à temps illimité, une équipe de médecins sont infiltrés à l'intérieur de son corps pour tenter de dissoudre un caillot de sang situé au cerveau. Cependant, ils ne disposent que de 60 minutes pour achever leur mission, c'est à dire sauver la vie de Jane Bennes, placé en hypothermie. En interne de leur sous-marin miniaturisé, nos 5 scientifiques vont se confronter à moult déconvenues au coeur de cette incroyable odyssée organique. Titre on ne peut mieux approprier, le Voyage Fantastique est l'incroyable projet d'une cause scientifique permettant à la matière de pouvoir se miniaturiser. Par cette idée fantasmatique purement improbable, Richard Fleischer y extrait un fascinant divertissement fertile en péripéties dont l'esthétisme flamboyant est conçu pour transcender le métabolisme de l'être humain. 

Eloge au phénomène biologique de la vie où une simple petite fourmi mérite autant de considération que l'homme dans la religion hindouiste, le voyage fantastique nous immerge dans l'antre vertigineux d'un univers organique rempli d'éléments perturbateurs. Ainsi, à la manière d'un documentaire scrupuleux non avare en détails scientifiques pour ausculter l'anatomie humaine sous toutes ses coutures, l'ambition de Fleischer est fondée sur une véritable prouesse technique pour mieux crédibiliser la mission périlleuse de scientifiques envoyés au centre d'un corps terrestre. Tant pour leur périple confiné à proximité d'un coeur bourdonnant, d'un poumon  oxygéné, d'une oreille à l'ouïe décuplée ou de l'esprit neurotique d'un cerveau endommagé ! L'odyssée aquatique de nos experts demeurant une épreuve de courte haleine (à peine 60 minutes pour boucler leur mission de survie) émaillé de dangers alarmistes (les effets pervers des globules blancs ou l'offensive oppressante des fameux anticorps). En prime, et pour épicer l'intrigue, le réalisateur introduit parmi l'équipage la présence d'un potentiel saboteur. Une idée judicieuse afin de rehausser son suspense progressiste, d'autant plus qu'un compte à rebours nous est rigoureusement décompté. Le caractère palpitant des enjeux culminant vers un final oppressant pour la survie de nos héros en perdition ainsi que celle du sujet autopsié.

Maîtrisé avec souci documenté, formellement fascinant et dépaysant, le Voyage Fantastique réussit à émerveiller la rétine du spectateur immergé comme jamais à l'intérieur d'un corps humain de par la persuasion de ces effets visuels. Hormis son aspect rétro, cette perle d'anticipation préserve encore aujourd'hui son pouvoir délectable de contemplation, le charme nostalgique qui va avec.

*Eric Binford
25.10.21. 5èx

01.01.13. 

Récompense: Oscar des Meilleurs Effets Spéciaux Visuels
Oscar des Meilleurs Décors
Oscar de la Meilleure Direction Artistique

Dellamorte Dellamore / Cemetery Man. Prix Spécial du Jury à Gérardmer, 1994

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site intemporel.com

de Michele Soavi. 1994. Italie. 1h44. Avec Rupert Everett, François Hadji-Lazaro, Anna Falchi, Mickey Knox.

Sortie salles France: 10 Mai 1995. U.S: 26 Avril 1996. Toronto: 9 Septembre 1994

FILMOGRAPHIE: Michele Soavi est un réalisateur italien né le 3 Juillet 1957 à Milan, (Italie).
1985: The Valley (vidéo). 1985: Le Monde de l'horreur (Documentaire). 1987: Bloody Bird. 1989: Le Sanctuaire. 1991: La Secte. 1994: Dellamorte Dellamore. 2006: Arrivederci amore, ciao. 2008: Il sangue dei vinti.

Nous sommes morts avant d'être vivants. 

En petit maître de l'horreur transalpine, Michele Soavi nous enthousiasma en 1987 avec une première oeuvre prometteuse, un giallo génialement théâtral justement récompensé à Avoriaz, Bloody Bird. Sa carrière se poursuit ensuite avec deux essais fantastiques maladroits mais intègres et ambitieux car d'une inventivité onirique, qui plus est rehaussés d'une atmosphère envoûtante, le Sanctuaire et surtout l'énigmatique La Secte. En 1994, il livre avec Dellamorte Dellamore son ultime chef-d'oeuvre cérébral, un diamant noir aux moult niveaux de lecture toujours plus équivoque et passionnant au fil des révisions. Une sorte de poème macabre mélancolique d'autant plus personnel à travers son lyrisme qu'il y suggére notamment une réflexion métaphysique sur la nonchalance de l'existence (ici la peur de vivre, et non de mourir). Le Pitch: Francesco est le gardien d'un cimetière en compagnie de son assistant déficient. Ensemble, ils fuient l'ennui de l'existence en assassinant les morts récalcitrants au sein de leur nécropole. Un jour, il rencontre une jeune veuve profondément chagrinée par la perte de son mari. Eperdument amoureux, il tente de l'aborder pour entamer une idylle passionnelle. Mais la jeune femme éprise de tendance nécrophile se transforme en zombie sous la morsure de son défunt. Pendant ce temps, un inspecteur enquête sur la vague de meurtres perpétrés dans la région. 

Comédie d'horreur décalée au cheminement narratif incontrôlable et irracontable, Dellamorte Dellamore se réapproprie du thème du zombie avec une originalité incongrue. Si la première partie esthétiquement immaculée s'érige en poème nécrophile autour d'un amour éperdu, le second chapitre nous entraîne dans le dédale psychique d'un gardien dépressif, davantage dépité par la dérision de l'existence. Jalonné de situations excentriques aussi cocasses que débridées (la relation infantile de Gnaghi avec une tête putrescente, les multiples déconvenues de Francesco avec les sosies de son égérie nécrophile, l'opération chirurgicale de sa prétendue castration), Michele Soavi se focalise notamment sur les monologues existentiels de son héros déchu, devenu meurtrier malgré lui par indifférence des vivants. Attention au défilé de Spoils ! Par conséquent, afin que les morts n'y reviennent semer le trouble au sein de sa sépulture, il décide donc de supprimer les êtres vivants sous les recommandations d'un oracle spectral. Complètement isolé du monde qui l'entoure parmi ces cadavres renfrognés, il tente vainement d'apprivoiser l'amour à trois reprises parmi les rencontres aléatoires d'un sex-symbol et ces deux sosies antinomiques. Au fil de ses entretiens avec des quidams imbéciles ou étourdis, notre meurtrier s'évertue sans foi à les convaincre qu'il est le véritable auteur des crimes gratuits. Perdu au milieu de nulle part sur une voie départementale sans issue, Francesco et Gnaghi ne seraient finalement que de simples pantins rêvassant d'une existence significative dans leur petite boule de verre ! Fin des Spoils.

J'ai rêvé d'un autre monde.
Chacun peut interpréter à sa manière personnelle l'éthique véritable de cette fantaisie aussi grotesque que désincarnée si bien que de l'aveu même du réalisateur, il ne savait point quelle analyse il pouvait finalement en tirer ! Formellement épuré à damner un saint au gré d'une richesse cérébrale infinie,  Dellamorte Dellamore est un éloge au néant. Ou plutôt un éloge à un ailleurs, à un au-delà indéterminé du point de vue d'un solitaire profondément ennuyé par la morosité de son existence car incapable de s'adapter au monde adulte. Un poème nécrophile où l'inanité de la résurrection est une déveine et où l'amour n'y trouve plus de rédemption. Pour autant, il nous évoque paradoxalement qu'en dépit de l'absurdité existentielle et de l'indifférence des sentiments que les autres nous renvoient, notre destinée est instinctivement régie par l'ambition d'y cristalliser nos rêves les plus intimes sous l'impulsion de l'amour (à condition de savoir aimer et donc d'apprendre à aimer). Quand bien même il vaut mieux éviter de se forger un cocon oppressant, une prison virtuelle afin de se libérer de notre routine que nous avions malgré nous cristalliser par peur de s'ouvrir aux autres plus morts que vivants. Grand film métaphorique sur la tare de l'ennui au point d'y privilégier le trépas plutôt que de s'accrocher à la vie, Dellamorte Dellamore s'adresse autant à notre âme, notre coeur et notre raison à travers des trésors d'onirisme macabre où érotisme et mort ne font plus qu'un auprès d'un fulgurant sens du détail stylisé. 

*Bruno Matéï

06.05.22. 4èx

28.12.12. 3èx

Distinctions: Prix Spécial du Jury à Gérardmer
Silver Scream Award au Festival du film fantastique d'Amsterdam
Meilleur Acteur pour Rupert Everett au Festival de Fantasporto

Schock / les Démons de la Nuit

                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site ilgiornodeglizombi.wordpress.com

de Mario Bava. 1977. Italie. 1h33. Avec Daria Nicolodi, John Steiner, David Colin Jr, Ivan Rassimov, Nicola Salerno.

FILMOGRAPHIE: Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie). Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo. 1946: L'orecchio. 1947: Santa notte. 1947: Legenda sinfonica. 1947: Anfiteatro Flavio. 1949: Variazioni sinfoniche. 1954: Ulysse (non crédité). 1956: Les Vampires (non crédité). 1959: Caltiki, le monstre immortel (non crédité). 1959: La Bataille de Marathon (non crédité). 1960: Le Masque du démon. 1961: Le Dernier des Vikings (non crédité). 1961: Les Mille et Une Nuits. 1961: Hercule contre les vampires. 1961: La Ruée des Vikings. 1963: La Fille qui en savait trop. 1963: Les Trois Visages de la peur. 1963: Le Corps et le Fouet. 1964: Six femmes pour l'assassin. 1964: La strada per Fort Alamo. 1965: La Planète des vampires. 1966: Les Dollars du Nebraska (non cédité). 1966: Duel au couteau. 1966: Opération peur. 1966: L'Espion qui venait du surgelé. 1968: Danger : Diabolik ! 1970: L'Île de l'épouvante. 1970: Une hache pour la lune de miel. 1970: Roy Colt e Winchester Jack. 1971: La Baie sanglante. 1972: Baron vampire. 1972: Quante volte... quella notte. 1973: La Maison de l'exorcisme. 1974: Les Chiens enragés. 1977: Les Démons de la nuit (Schock). 1979: La Venere di Ille (TV).

Bava: peintre du macabre. 

Pour son ultime réalisation, Mario Bava laisse derrière lui une pierre angulaire de l'épouvante contemporaine. Car en brassant les thèmes éculés du cinéma fantastique (demeure hantée, paranoïa, hallucinations, possession, folie meurtrière), le maître du macabre en extrait un modèle d'efficacité et d'originalité dans sa maîtrise notable à susciter l'effroi par le biais d'une poésie macabre aussi trouble que sensuel. Le pitch: Alors qu'elle fut jadis propriétaire d'une demeure parmi son ex compagnon toxicomane, une jeune femme, son fils et son nouvel époux s'y installent quelques années plus tard. Rapidement, l'étrange comportement railleur du gamin irrite sévèrement la mère d'autant plus que des hallucinations récurrentes finissent par la plonger en pleine paranoïa schizophrène. Avec une roublardise frénétique, Mario Bava nous invite en l'occurrence à un huis clos infernal au sein d'une demeure hantée par le spectre d'un défunt revanchard. Sous l'allégeance d'un bambin étrangement complice, cette présence hostile communiquera avec ce dernier afin d'importuner la mère dépressive, quotidiennement victime de persécution et d'hallucinations. Noyée de visions surnaturelles et de cauchemars nocturnes, Dora semble peu à peu perdre pied avec la réalité. Au fil de sa déchéance mentale sur le déclin, nous découvrirons finalement que son passé traumatique y occulte un sordide secret.

Atmosphère lourde et feutrée, ambiance d'étrangeté prégnante, suspense diffus, Mario Bava n'a rien perdu de sa verve insolente pour nous cristalliser un cauchemar onirique jalonné d'incidents inexpliqués. Exploitant avec intelligence chaque sombre parcelle des pièces du logement où des objets familiers deviennent de véritables menaces meurtrières, Schock demeure un jeu de couardise érigé sur le dédale paranoïde d'une maman désemparée. Ici, la temporalité n'a plus lieu d'être car nous ne savons plus si la rationalité subsiste tant le réalisateur se joue malin plaisir à nous duper avec la folie aliénante de son héroïne. En prime, la présence interlope du jeune bambin patibulaire renforce le malaise éprouvé face à ces mesquineries commises contre sa génitrice. Si l'interprétation surjouée du petit David Colin Jr peut paraître outrancière, son étrange trogne infantile doublée d'un regard versatile réussit véritablement à provoquer une gêne persistante. Quand bien même Daria Nicolodi, transie d'émoi, les yeux écarquillés, le visage plein de sueurs, use d'expression faciale pour parfaire une victime torturée avec une véhémence toujours plus incontrôlée ! Enfin, pour parachever, outre ses audaces visuelles ornées de poésie macabre (une goutte de sang est confondue avec une pétale de rose !), sa terreur cuisante et ses éclairs de violence sanglants, Schock s'accentue d'un contrepoint musical terriblement ébranlant. Tant auprès d'une douce comptine inquiétante que de ces multiples percussions vrombissantes (synergie entre l'orgue, le clavier, les batteries et instrument à cordes) aux fréquences démesurées !

La Maison de tous les cauchemars
Terriblement efficace, original et affolant sans jamais paraître redondant alors qu'il ne s'agit que d'une succession de phénomènes surnaturels et d'hallucinations, Schock semble aujourd'hui encore plus opaque et pénétrant dans sa capacité à se réapproprier des conventions du genre avec une personnalité typiquement latine. Soutenu de la frénésie d'un score musical hétéroclite et d'un scénario finaud exploitant moult incidents incongrus, Schock nous chemine au dédale anxiogène par le trajet psychotique de l'héroïne en perdition envahissant peu à peu les sens du spectateur. Incontournable évidemment. 

*Bruno Matéï
21.05.22. 5èx

27.12.12. 4èx

LE CHOC DES TITANS (Clash of the Titans)

                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site thot-book.blogspot.com

de Desmond Davis. 1981. U.S.A. 1h58. Avec Harry Hamlin, Judi Bowker, Burgess Meredith, Laurence Olivier, Jack Gwillim, Claire Bloom, Maggie Smith, Ursula Andress.

Sortie salles France: 8 Juillet 1981. U.S: 12 Juin 1981

FILMOGRAPHIE: Desmond Davis est un réalisateur britannique, né le 24 Mai 1926 à Londres.
1964: La Fille aux yeux verts. 1965: The Uncle. 1965: I was Happy Here. 1967: Deux anglaises en délire. 1969: A nice girl like me. 1981: Le Choc des Titans. 1984: Ordeal by Innocence

Sorti la même année, jour pour jour, que les Aventuriers de l'Arche Perdue, Le Choc des Titans fut néanmoins un succès commercial considérable aux Etats-unis, puisqu'il aura amassé plus de 41 000 000 de dollars de recettes (sur un budget estimé à 15 !). Il s'agit notamment du dernier film auquel le maître Ray Harryhausen a souhaité collaborer aux effets-spéciaux mais aussi en tant que co-producteur avec l'appui de Charles H. Schneer. Après l'entreprise calamiteuse d'un remake insignifiant conçu par le français Louis Leterrier, il faut bien admettre que ce peplum fantastique érigé sur le mythe de Persée continue de perdurer dans sa capacité à enchanter le public de 7 à 77 ans.

Après avoir été prémuni par son père d'une condamnation à mort, Persée, fils de Zeus, tombe sous le charme de la jeune Andromède. Mais à la suite d'un affront sur sa beauté ingénue, la déesse Thétis exige que dans 30 jours la princesse soit offerte en sacrifice au Kraken, monstre de la mer. Afin de sauver la vie d'Andromède, Persée part en direction de l'île des morts avec l'assistance de son cheval ailé Pégase, la chouette Bubo, son conseiller Ammon ainsi qu'une escorte de combattants pugnaces. 

 
Film d'aventures haut en couleurs déployant une multitude de créatures mythologiques, Le Choc des Titans se révèle l'ultime réussite technique du maître du trucage en stop motion, Ray Harryhausen. Si la mise en scène manque parfois d'opulence et que l'interprétation du jeune Harry Hamlin aurait mérité à être un peu plus persuasive dans son charisme folichon, le spectacle promu par Desmond Davis ne manque pas d'attrait dans ses enjeux fantastiques. Notamment d'une certaine intensité émanant de quelques confrontations dantesques avec divers monstres (l'altercation de nos héros avec la gorgone en interne de son temple ou leurs combats perpétrés avec les scorpions géants). D'autres créatures (estampillées avec autant de considération par notre maître prodige) s'allouent d'une prestance démoniaque particulièrement impressionnante dans leur apparence démesurée ou hideuse. Tant auprès de Kraken, monstre des mers atteint d'un gigantisme disproportionné, que de Calibos, fils maudit de la déesse Thétis, devenu en l'occurrence un démon cornu empli de haine et de rancoeur. Basé sur le mythe stellaire des dieux antiques, le Choc des Titans oppose de prime abord leur colère, leur jalousie et leur orgueil sur la postérité de mortels voués à transcender honneur et bravoure. Avec l'entremise de créatures attachantes, tels le cheval ailé Pegase ou la chouette mécanique Buba, la mission périlleuse de Persée est une escapade jalonnée de confrontations insensées pour la sauvegarde d'une romance épurée.

Hormis le caractère désuet de certains trucages parfois perfectibles (le raz de marée mal ajusté aux séquences réelles de foule en panique, l'aspect risible du système d'ouverture de la grille du Kraken, ou encore le maquillage trivial conçu sur les paupières des trois sorcières aveugles) ainsi que la modestie de son caractère épique, le Choc des Titans est suffisamment attrayant dans sa générosité de fournir un spectacle ludique pour satisfaire les plus indécis. En prime, l'illusion artisanale des FX de Harryhausen, l'aspect gracile du score aérien composé par Laurence Rosenthal et sa conclusion incandescente découlant d'une poésie stellaire confinent l'aventure mythologique au rang de classique du genre. 

Dédicace à Isabelle Rocton
25.12.12. 5èx
Bruno Matéï

FRANKENWEENIE

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site melty.fr

de Tim Burton. 2012. U.S.A. 1h30. Noir et Blanc.

Sortie salles France: 31 Octobre 2012. U.S: 5 Octobre 2012

Récompenses: Prix du Meilleur Film d'animation
Prix du Meilleur Film d'animation: New York Film Critics Circle Awards
Prix du Meilleur Film d'animation: Boston Society of Fil Critics Awards
Prix du Meilleur Film d'animation: Florida Film Critics Circle Awards
Prix du Meilleur Film d'animation: Kansas City Film Critics Circle Awards

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie.
1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au payx des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie.

Sept ans après les Noces Funèbres, Tim Burton renoue avec l'animation conçue en stop motion pour adapter l'un de ses premiers courts, Frankenweenie. Hommage à Frankenstein et aux monstres hybrides, ode au droit à la différence, Frankenweenie est une comédie débridée à la poésie macabre prédominante. Tourné dans un noir et blanc immaculé afin de mieux suggérer l'atmosphère monocorde de James Whale, cette perle funeste allie avec insolence, fantaisie, tendresse et émotion. Après avoir perdu son chien mortellement blessé par une voiture, le jeune Victor Frankenstein se destine à réanimer son cadavre. Revenu à la vie, Sparky commence à attiser la curiosité des camarades de son maître après s'être échappé de sa maison. En prime, depuis que leur professeur de Biologie a lancé un concours de science, certains élèves envisagent à leur tour de ranimer leurs défunts animaux pour remporter le 1er prix. 

Cette déclinaison infantile du célèbre Frankenstein est d'abord une réussite esthétique probante dans sa facture monochrome contrastant avec la richesse de décors crépusculaires (cimetière gothique, moulin à vent, grenier régi en laboratoire d'expérimentation). L'atmosphère lugubre qui en émane et son thème métaphysique imparti à la résurrection véhiculent des images picturales emplies de poésie. A partir d'un argument fantastique notoire, Tim Burton nous confectionne une irrésistible comédie bourrée de références aux classiques du film de monstres (Gamera, Dracula, la Momie, la Fiancée de Frankenstein, voir même Gremlins !). D'autant plus que la narration délirante regorge dans sa seconde partie de péripéties particulièrement échevelées. En effet, la dernière demi-heure, intense et homérique, déploie un attirail de monstres belliqueux venus semer la panique en plein centre-ville. Que ce soit en interne d'une fête foraine où chaque créature investit les lieux avec une vigueur cinglante ou au sein d'un moulin enflammé auquel les villageois s'étaient réunis pour traquer le petit Sparky.

Le soin méticuleux octroyé à la confection des personnages se révèlent saisissant de réalisme dans leur physionomie caricaturale où chacun s'alloue d'une personnalité distincte. Leur caractère commun s'avérant bien défini si bien que l'on s'attache facilement aux mesquineries des gamins indisciplinés (façon Goonies !) épris d'expériences morbides à daigner réveiller les morts ! Mention spéciale au camarade de Victor, gamin insidieux incapable de garder sa langue dans sa poche avec sa dentition effrayante ! D'autres protagonistes snobs et interlopes (l'instituteur de biologie passionné par ses cours d'enseignement), marginaux (la gamine mortuaire et son étrange chat) ou bougons (le voisin bedonnant féru de botanique) nous communiquent autant de ferveur dans leur personnalité spontanée.

Sous l'entremise d'un jeune enfant épris d'amour pour son chien, Tim Burton accorde notamment beaucoup d'intérêt à illustrer avec une infinie tendresse l'émotion partagée entre l'homme et l'animal. Plusieurs séquences poétiques laisse place à de jolis moments intimistes (Victor, plongé dans l'amertume de l'existence. Sparky, réfugié sur sa tombe pour s'isoler d'une population intolérante), tandis que d'autres situations débridées distillent une cocasserie irrésistible (les altercations entre Victor et son voisin opiniâtre, la conjonction électrique entre Sparky et la chienne de la voisine, les cours de biologie où chaque élève semble transi d'émoi devant la persuasion drastique de leur professeur). Spoiler ! A contrario, on regrettera l'aspect conventionnel de son happy-end inutilement niais car glorifiant une résurrection salvatrice. Fin du Spoiler.

En traitant des thèmes du droit à la différence et de l'indéfectible fraternité impartie entre l'homme et l'animal, Frankenweenie constitue une fantaisie macabre à l'inventivité expansive. Le soin assidu imparti à l'extravagance des personnages, son esthétisme sépulcrale et la compassion entretenue au cours du cheminement mystique de Victor s'harmonisent afin d'agrémenter un hommage cartoonesque au mythe de Frankenstein.

24.12.12
Bruno Matéï