The Girl with all the Gifts

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site IMDB

de Colm McCarthy. 2016. Angleterre/U.S.A. 1h51. Avec Gemma Arterton, Sennia Nanua, Glenn Close, Paddy Considine, Anamaria Marinca, Dominique Tipper.

Sortie salles Angleterre: 23 Septembre 2016

FILMOGRAPHIE: Colm McCarthy est un réalisateur et scénariste anglais né le 16 Février 1973 à Edinburgh. Scotland, UK. 2004: Baldy McBain (télé-film). 2010: Outcast. 2016: The Girl with All the Gifts.

"La chair et le don : McCarthy infecte le mythe".

Réalisateur néophyte, signataire d’un téléfilm et d’un long-métrage passé relativement inaperçu (Outcast), Colm McCarthy surprend agréablement avec The Girl With All the Gifts, en ressuscitant avec brio le thème éculé des infectés. 

Pitch: Dans un monde dystopique, les membres d’une base militaire tentent de contenir la menace d’humains affamés de chair. À la tête d’une petite classe d’enfants contaminés mais doués de conscience et de sensibilité, l’institutrice Miss Justineau s’efforce de les éduquer, de les humaniser, tandis que la froide docteur Caldwell ne songe qu’à les disséquer pour extraire un hypothétique vaccin. Mais l’assaut impromptu d’une horde d’infectés contraint quelques survivants - et le sujet Mélanie - à fuir la base et sillonner les ruines du centre urbain.

Récit d’anticipation horrifique inspiré de 28 jours et 28 semaines plus tard, The Girl With All the Gifts ravive un fantastique adulte et ambitieux qu’on ne croise plus guère dans un paysage horrifique trop balisé. McCarthy ancre son apocalypse dans une atmosphère de désolation hypnotique, et la ténuité de sa partition envoûtante distille une poésie entêtante, portée par une héroïne juvénile à la complexité troublante. Immersif par l’esthétisme blafard de son climat feutré, captivant par le périple fiévreux de ses protagonistes, le film renouvelle les codes du genre grâce à des rebondissements habiles : menace fongique inédite, contamination mutante, et nouvelle génération d’enfants, sauvages mais promis à une postérité peut-être plus juste.

On reste fasciné par la morphologie déroutante des infectés — hiératiques, statues de chair figées quand nul parfum humain ne les aguiche, puis soudain erratiques, animaux voraces à la moindre proie. Leur rictus carnassier, d’une émotion presque pathétique, imprime un charisme neuf à cette figure pourtant usée. Au-delà de quelques séquences d’angoisse magistrales (le soldat piégé dans l’épicerie), The Girl With All the Gifts privilégie l’étude caractérielle de ses figures morales — l’institutrice et la biologiste — sous le regard tendre et farouche d’une adolescente que Sennia Nanua habite avec une force dépouillée (prix d’interprétation féminine à Catalogne).

Sans jamais sombrer dans l’actionner bourrin où tant d’autres se sont perdus (hors ses vingt premières minutes échevelées), McCarthy retrouve un cinéma à l’ancienne : identitaire, intimiste, novateur, climatique — immergeant le spectateur dans une aventure humaine, pessimiste et pourtant vibrante de demi-teinte. À l’image de son épilogue, binaire et bipolaire jusqu’au vertige. Une œuvre marquante, sensible, et peut-être la plus originale jamais gravée sur la chair rebattue des infectés.

B-D

BLASTFIGHTER, L'EXECUTEUR

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site nanarland.com

de Lamberto Bava. 1984. Italie. 1h29. Avec Mike Miller, Patrick O'Neil Jr, Michael Sopkiw, Valentina Forte, George Eastman, Stefano Mingardo, Ottaviano Dell'Acqua, Michele Soavi.

Sortie salles France: 14 Novembre 1984. Italie: 25 Juillet 1984

FILMOGRAPHIE: Lamberto Bava est un réalisateur et un scénariste italien né le 3 avril 1944 à Rome. Il est le fils de Mario Bava. 1980 : Baiser macabre (+ scénariste) , 1983 : La Maison de la terreur, 1984 : Apocalypse dans l'océan rouge, 1985 : Demons (+ scénariste),1986 : Demons 2 (+ scénariste),1991 : Body puzzle, 1991 : La Caverne de la Rose d'Or : La Princesse Rebelle, 1992 : La Caverne de la Rose d'Or : La Sorcière Noire, 1993 : La Caverne de la Rose d'Or : La Reine des Ténèbres, 1994 : La Caverne de la Rose d'Or : L'Empereur du Mal, 1994 : Desideria et le prince rebelle, 1996 : La Caverne de la Rose d'Or : Le Retour de Fantaghirò, 1996 : La Légende d'Alisea, 1997: La Princesse et le Pauvre, 1998 : Caraibi, 2001 : L'impero, 2006 : Ghost son.

Surfant sur le succès notoire de Rambo, Lamberto Bava nous livre avec Blastfighter sa version transalpine sous couvert de manifeste écolo anti chasse. Après avoir purgé une peine de 10 ans de prison pour s'être fait justice auprès de l'assassin de sa femme, Tiger Sharp retourne dans sa ville natale. Confronté à la provocation de chasseurs sans vergogne, il finit par les brimer lors d'une partie de chasse. Alors que sa fille vient lui régler des comptes pour l'avoir lâchement abandonné après la mort de sa mère, Tiger est contraint de la protéger depuis la rancoeur des braconniers. Ce pitch canonique surfant sur Délivrance et Rambo compile à rythme métronomique un florilège de situations prévisibles entre un héros invincible (Mike Miller, plutôt inexpressif dans son regard azur) et des méchants décervelés ultra caricaturaux.

Adoptant son sujet au sérieux, Lamberto Bava nous livre donc une série Z truffée de maladresses et de clichés par le biais d'un survival haletant. Sur ce dernier point, Blasfighter s'avère plutôt généreux puisqu'il enchaîne sans répit des bravoures homériques fondées sur le principe payant de Rambo. A savoir une chasse à l'homme de longue haleine inscrite dans la déloyauté si bien que notre héros seul contre tous usera de subterfuges pour tenter de s'en sortir vivant. Et pour perdurer dans l'inspiration de Rambo, le cadre forestier des règlements de compte est efficacement exploitée par l'entremise d'un panorama montagneux. Seulement, si la plupart des épigones transalpins du même tonneau continuent de nous amuser et de nous faire vibrer par leur aspect irrésistiblement ringard (humour involontaire en sus), Blasfighter ne possède pas cette même aura, cette même innocence, faute d'une dramaturgie trop appuyée que l'on voit venir à des kilomètres, et d'un manque flagrant d'intensité pour les enjeux de survie (notamment ces rapports sirupeux entre Tiger et sa fille). Néanmoins, les inconditionnels de bisserie d'exploitation devraient sans doute y trouver leur compte grâce à son action en roue libre culminant vers une dernière partie gentiment débridée (l'usage escompté de la fameuse arme révolutionnaire du héros).

Sympathique par son esprit Bis typiquement transalpin (à l'instar de son score entraînant concocté par Tommie Baby) mais beaucoup trop naïf, contracté et prévisible pour combler nos attentes.

B-M

The Autopsy of Jane Doe

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site IMDB. 

de André Øvredal. 2016. Angleterre/U.S.A. 1h27. Avec Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton, Olwen Kelly, Parker Sawyers.

Sortie salles U.S: 21 Décembre 2016

FILMOGRAPHIE: André Øvredal est un scénariste, producteur et réalisateur norvégien né en 1973. 2000: Future Murder. 2004: Bushmann. 2010: The Troll Hunter. 2016: The Autopsy of Jane Doe. 2017: Mortal (en projet).

Révélé par le réjouissant food fountage Troll Hunter, André Øvredal nous revient 6 ans plus tard avec The Autopsy of Jane Doe. Un thriller fantastique d'une belle efficacité, de par son cheminement narratif façonnant un suspense à la fois inquiétant et tendu et la sobriété de comédiens particulièrement cohérents dans leur perplexité à se livrer aux phénomèmes (potentiellement) surnaturels. Exit donc les personnages stéréotypés vulgairement exhibés dans les produits lambdas quand bien même le réalisateur parvient à maintenir l'attention sous l'autorité de ses deux uniques acteurs. Renouant avec un Fantastique adulte autour d'un unité de lieu que n'aurait renié Carpenter (format scope à l'appui), André Øvredal  privilégie lestement la suggestion afin d'attiser notre curiosité témoin des interrogations récursives d'employés d'une morgue.

Synopsis: Alors que de nouveaux cadavres viennent de débarquer dans leur établissement, Tommy et son fils Austin vont de surprises en découvertes lors de l'autopsie d'une jeune femme à la langue coupée. Peu à peu, durant une nuit diluvienne, d'étranges évènements intentent à leur tranquillité au point que ces derniers ne parviennent pas à s'extraire de leur enceinte. 

Ains, sous couvert de thriller à suspense distillant au compte-goutte des indices dénués de raison, André Øvredal parvient à semer inquiétude, doute et anxiété dans l'esprit du spectateur autour d'une scénographie malsaine impartie aux autopsies de cadavre. Ce dernier ne lésinant par sur les zooms de chairs et organes dépecés en éludant miraculeusement tout effet de complaisance. La grande force de The Autopsy of Jane Doe résidant dans sa manière d'y distiller l'angoisse sans fantaisie grand-guignolesque. Et ce par le biais de petits détails bougrement intrigants (le son d'une clochette, le tube d'une radio, une porte qui s'ouvre lentement sans raison, des visions anxiogènes de silhouettes humaines et ce fameux cadavre sans identité). Si bien que la première heure impeccablement structurée est un modèle de suggestion jusqu'à ses confrontations violentes culminant parfois à une dramaturgie aussi rude qu'inique. Sans révéler le fameux thème que le réalisateur exploite avec une évidente originalité, The Autopsy of Jane Doe n'a pas pour prétention de révolutionner le genre mais simplement de nous tailler un solide moment d'angoisse et de mystère palpable au sein d'un huis-clos tributaire de l'inexplicable.

Esthétiquement soigné avec sa photo scope subtilement saturée et nanti d'un savoir-faire technique maîtrisé, André Øvredal étonne une fois de plus à considérer le genre avec respect et humilité sous l'impulsion de deux attachants protagonistes en cohésion parentale. Une excellente surprise donc tirant parti de son potentiel horrifique par sa simplicité à retravailler les codes avec des bouts de ficelle retors.  
*Bruno

3èx. Vost

THE DARK

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site mavideotek.fr

de John Fawcett. 2005. Angleterre/Allemagne. 1h33. Avec Sean Bean, Maria Bello, Richard Elfyn, Maurice Roëves, Abigail Stone, Sophie Stuckey.

Sortie salles France: 26 Octobre 2005

FILMOGRAPHIE: John Fawcett est un réalisateur américain, né le 5 Mars 1968 à Edmonton, Alberta, Canada. 1997: The Boys Club. 2000: Ginger Snaps. 2001: Lucky Girl (télé-film). 2005: The Dark. 2008: The quality of life. 2006: Issue Fatale.

Passé inaperçu, The Dark porte la signature de John Fawcett, réalisateur de l'excellent Ginger Snaps, film de loup-garou remis au goût du jour. Echec commercial à sa sortie et relativement peu sollicité par la critique, The Dark ne méritait pas un tel desavouement même si de mon point de vue sa dernière partie confuse, voire incohérente, nous laisse sur notre faim avec un sentiment d'inachevé. Adelle part séjourner dans la maison côtière de son ex mari en compagnie de sa fille Sarah. Mais à proximité d'une falaise, un incident grave intente à la vie de cette dernière. Accablés de chagrin et de questionnement, le couple part à sa recherche, Spoil ! quand bien même le fantôme d'une petite fille vient perturber leur investigation Fin du Spoil. 

Empruntant les thèmes de la hantise, du sacrifice, de la religion et du rituel occulte, The Dark distille une atmosphère de mystère assez vénéneuse sous l'éclairage d'une photo crépusculaire envoûtante et le cadre naturel de vastes paysages côtiers. Nanti d'un suspense latent au fil d'une investigation émaillée d'indices au compte-goutte, The Dark sème le trouble lorsqu'un couple en berne tente de décoder le mystère qui entoure la disparition de leur fille, notamment en apprenant le passé obscur de l'ancien résident de la maison. Spoil ! Un berger obscurantiste en concertation avec les forces de l'au-delà afin d'inciter sa confrérie d'adeptes au suicide collectif. Fin du Spoil. Jalonné de séquences angoissantes et de quelques éclairs de violence intentées sur une âme candide, l'intrigue captive sobrement sous l'autorité de Sean Bean et de Maria Bello, communément convaincants dans leur fonction parentale avide de rédemption. Mais si l'histoire aussi douloureuse que fragile ne manque pas d'intérêt en exploitant un surnaturel écolo, sa dernière partie jonglant entre rebondissements et revirements finit par s'emmêler les pinceaux à force de vouloir nous surprendre. Quand bien même sa conclusion déroutante se clôt sur une note d'amertume qui à mon sens n'avait pas lieu d'être ! Ce qui est donc dommageable car The Dark ne manquait pas de sincérité et d'application à exploiter sans fard le thème de la hantise du point de vue d'un enfant martyr.

Aussi imparfait et inachevé soit son obscur récit, The Dark mérite tout de même le coup d'oeil si bien que cette série B formellement envoûtante ne manque pas d'intensité et d'une certaine originalité (son monde parallèle indicible et le lien morbide conféré aux moutons) pour provoquer inquiétude et angoisse. 

B-M. 2èx

TED BUNDY

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site emaze.com

de Matthew Bright. 2002. 1h39. Avec Michael Reilly Burke, Boti Bliss, Steffani Brass, Eric DaRe, Tricia Dickson, Matt Hoffman, Tracey Walter.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: Matthew Bright est un réalisateur et scénariste américain, né le 8 Juin 1952
2003: Tiny Tiptoes. 2002 Ted Bundy. 1999 Freeway II: Confessions of a Trickbaby. 1996: Freeway.

L'expression "tueur en série" est née avec Ted Bundy. Dans les mois précédents son exécution, il recevait plus de 200 lettres par jour de femmes amoureuses de lui. 

Dtv discrètement sorti chez nous en dvd, Ted Bundy est une descente aux enfers que Matthew Bright (auteur du génialement barré Freeway !) retrace avec un souci de réalisme assez rigoureux (images d'archive à l'appui). Epaulé de son acteur Michael Reilly Burke, ce dernier hypnotise l'écran avec une vigueur viscérale dans sa posture sournoise (rictus décontractée en sus !) d'étudiant en droit se complaisant librement aux viols, meurtres en série et rituels macabres (il est nécrophile et décapite parfois ses victimes) ! S'autorisant sans complexe d'observer une fille dévêtue en se masturbant derrière un bosquet ou de grimacer tel un demeuré face au miroir de sa salle de bain, Ted Bundy nous est immédiatement décrit comme un érotomane pathologique, un pervers erratique en dépit de sa romance partagée avec Lee, maman godiche d'une petite fille. Relatant scrupuleusement sur une période de 5 années (1974-1978) ses crimes en série perpétrés à travers 7 états avant son arrestation, son soutien en prison avec une de ses fans, ses 2 évasions et son exécution sur la chaise électrique, Matthew Bright nous glace d'effroi (moral) dans son souci chronologique de répertorier ses exactions crapuleuses sans effets de manche. Avouant finalement à la justice 30 homicides, Ted Bundy aurait été potentiellement signataire de plus de 150 victimes !

Dérangeant et profondément malsain, de par la récurrence des homicides sexuels perpétrés avec une violence bestiale (coups de poing et de matraque assénés en pleine tête !) et de l'aspect macabre des déviances nécrophiles, l'intrigue s'irrigue d'une atmosphère fétide, pour ne pas dire irrespirable sous l'impulsion d'un acteur littéralement possédé par son rôle vicié ! On peut également souligner l'audace du sociopathe séducteur lorsque celui-ci parvient à s'évader sous les yeux de ses geôliers afin de perdurer une nouvelle série de meurtres aussi lâches qu'innommables. Quant au final à la fois dérangeant et inopinément poignant (on s'étonne d'éprouver une réelle compassion face à l'intolérable supplice du condamné !), Matthew Bright nous percute de plein fouet à instaurer une vraie réflexion sur la peine de mort lors des préparatifs du détenu humilié et torturé par les gardiens (ces derniers étant contraints d'obstruer son anus avec du coton pour éviter le flux de selle au moment de la sentence) puis transi de terreur à l'idée de trépasser l'instant d'après sur la chaise. Le réalisateur s'efforçant de dépeindre son chemin de croix avec une intensité émotionnelle à la limite du supportable (la posture infantile d'un Bundy au regard vague !), notamment lorsqu'une assemblée de spectateurs voyeurs osent lui faire face pour contempler avec frigidité son exécution.

Film choc en roue libre soutenu par la sobriété d'un score dramatique poignant, Ted Bundy constitue à mon sens l'un des portraits les plus durs et viscéraux que j'ai pu voir sur pellicule si on occulte les mastodontes inégalés Henry, Maniac et Schizophrenia. Une douloureuse épreuve de perversion morbide aussi fascinante que dérangeante si bien que l'on ne sort pas indemne, notamment pour son sous-texte conféré au réquisitoire anti peine de mort ! (en l'occurrence, l'approche barbare de la chaise électrique). 

Pour public averti

Atomic Cyborg

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

"Vendetta dal futuro" de Sergio Martino. 1986. Italie. 1h34. Avec Daniel Greene, Janet Ågren, Claudio Cassinelli, George Eastman, Roberto Bisacco, Andrea Coppola, Donald O'Brien

Sortie salles France: 26 Mars 1986

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sergio Martino est un réalisateur, producteur et scénariste italien né le 19 Juillet 1938 à Rome (Italie). 1970: l'Amérique à nu. Arizona se déchaine. 1971: l'Etrange vice de Mme Wardh. La Queue du Scorpion. l'Alliance Invisible. 1973: Mademoiselle Cuisses longues. 1973: Torso. 1975: Le Parfum du Diable. 1977: Mannaja, l'homme à la hache. 1978: La Montagne du Dieu Cannibale. 1979: Le Continent des Hommes poissons. Le Grand Alligator. 1982: Crimes au cimetière étrusque. 1983: 2019, Après la Chute de New-York. 1986: Atomic Cyborg. 1989: Casablanca Express. 1990: Mal d'Africa. Sulle tracce del condor.

Spécialiste de séries B et Z en tous genres, Sergio Martino exploite en 86 le filon en vogue du Post-nuke, du cyber punk et de la science-fiction bourine qu'iconisent respectivement Mad-max 2, Robocop et Terminator. Divertissement bonnard typiquement transalpin par son action bricolée et son casting irrésistible de trognes inexpressives (Daniel Green éclabousse l'écran en mastard impassible mais si noble en coeur, quand bien même Georges Eastman lui dispute méchamment la vedette avec un cabotinage outrancièrement mesquin), Atomic Cyborg exploite ses références ricaines avec un savoir-faire non négligeable (principalement sa dernière demi-heure multipliant très efficacement ces bravoures improbables à n'en plus finir). Si bien que par l'entremise d'un récit profondément naïf, Sergio Martino enchaîne les situations ubuesques et extravagantes au travers d'un esprit Bis aujourd'hui révolu.

Le Pitch: En sédition contre ses créateurs après avoir volontairement saboté sa mission, le cyborg Paco Queruak s'enfuit en Arizona et trouve refuge chez la taulière d'un motel. Pendant ce temps, les sbires de l'industriel Turner se lancent à ses trousses pour l'exécuter. 

Cette trame niaise aux références assumées n'est évidemment qu'un prétexte pour mettre en exergue une série d'épreuves physiques et explosives que Paco va amorcer 1h30 durant. A savoir, épreuves de bras de fer et pugilats de saloon avec deux molosses vaniteux, courses-poursuites sur bitume en camion et hélico, rixe saugrenue avec une androïde erratique et enfin moult gunfights avec des tueurs en costard affublés de lunettes noires. Ces situations puériles tributaires du western futuriste et d'une action parfois gore s'avèrent si attractives sous l'impulsion risible d'une distribution bovine au sérieux inébranlable. Martino usant des provocations machistes de ces portraits vantards par le biais de confrontations musclées entre routiers décervelés et margoulins déterminés. Pour parachever, on peut compter sur la contribution musicale de Claudio Simonetti pour provoquer l'émotion à travers une mélodie tantôt élégiaque (les étreintes du couple), tantôt entraînante (les règlements de compte virils).

Ludique en diable grâce à l'énergie de sa mise en scène, à la posture grotesque de ses seconds-couteaux impayables, à la variété des costumes ringards, des décors de carton pâte et du cadre naturel photogénique (les plaines de l'Arizona quand même !), Atomic Cyborg risque de faire vibrer la corde sensible du cinéphile nostalgique si bien qu'aujourd'hui cette fantaisie folingue semble encore plus cocasse et poignante auprès de son aspect (si) aimablement obsolète. 

*Bruno
11.06.24. 4èx

Info en berne (Wikipedia): Claudio Cassinelli est décédé au cours du tournage du film alors que celui-ci était achevé aux trois-quarts. L'acteur s'est tué en hélicoptère en passant en dessous du Navajo Bridge, dans l'Arizona. Sergio Martino a dû modifier le scénario en urgence puisque Cassinelli devait figurer dans l'affrontement final contre Paco.

Le Cauchemar de Freddy / A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site films-horreur.com

de Renny Harlin. 1988. U.S.A. 1h33. Avec Lisa Wilcox, Robert Englund, Andras Jones, Tuesday Knight, Danny Hassel, Brooke Theiss.

Sortie salles France: 4 Janvier 1989. U.S: 19 Août 1988

FILMOGRAPHIE: Renny Harlin (Renny Lauri Mauritz Harjola), est un réalisateur et producteur américain d'origine finlandaise, né le 15 mars 1959 à Riihimäki (Finlande). 1986 : Born American. 1987 : Prison. 1988 : Le Cauchemar de Freddy. 1990 : 58 Minutes pour vivre (Die Hard 2). 1990 : The Adventures of Ford Fairlane. 1993 : Cliffhanger. 1995 : L'Île aux pirates. 1996 : Au revoir à jamais. 1999 : Peur Bleue. 2001 : Driven. 2004 : Profession profiler. 2004 : L'Exorciste, au commencement. 2006 : Le Pacte du sang. 2008 : Cleaner. 2009 : 12 Rounds. 2011 : Etat de guerre. 2013 : Dyatlov Pass Incident. 2014 : La Légende d'Hercule. 2015 : Skiptrace.

4è volet d'une franchise aussi lucrative qu'Halloween et Vendredi 13, Le Cauchemar de Freddy 
s'avère d'ailleurs le plus gros succès de la saga sous l'égide du réalisateur en herbe Renny Harlin. Si ce dernier parvint à nous impressionner un an au préalable avec l'excellent Prison, ce 4è opus des aventures de Freddy se complait dans la trivialité avec une certaine efficacité et un charme insolent. Faute à un scénario aseptique dénué d'originalité mais heureusement renforcé de l'attrait attachant d'une galerie de personnages juvéniles plus humains que de coutume au sein de ce genre de produit lucratif, Le Cauchemar de Freddy divertit sans ennui sous un déluges d'effets spéciaux irréprochables. 

Le Pitch: Durant leur sommeil, une bande d'ados se fait exterminer un à un par le croquemitaine au griffes d'acier quand bien même Alice tente désespérément de les sauver par le biais de pouvoirs télékinésiques. Une lutte à mort s'engage entre eux et Freddy. 

Ainsi, si l'intrigue inepte ressemble à s'y méprendre au cheminement criminel d'un certain Jason  Voorhees (la recette rébarbative du meurtre tous les quarts d'heure afin de pallier les carences narratives et maintenir en éveil un spectateur amusé), le Cauchemar de Freddy parvient donc à divertir par le biais de séquences chocs souvent inventives, voires parfois même impressionnantes (Freddy aspirant l'oxygène de Sheila par sa bouche, la métamorphose de Debby en cafard humain, la pizza garnie de mini têtes humaines, l'affrontement final entre Alice et Freddy culminant à une surprenante dégénérescence corporelle de ce dernier). Spectaculaire et parfois intense pour les séquences susnommées, le Cauchemar de Freddy soigne d'autant plus le cadre excentrique de sa scénographie macabre avec l'appui d'une photo absolument flamboyante et le souci technique d'effets spéciaux artisanaux du plus bel effet inventif. Sur ce dernier point, on reste la plupart du temps fasciné par ses trucages à l'ancienne si bien que le Festival de Catalogne ne resta pas indifférent pour lui décerner le Prix des meilleurs effets spéciaux. Pour terminer sur une note subsidiaire, on peut également louer le jeu frugalement convaincant de Lisa Wilcox dans sa fonction d'étudiante philanthrope tentant de prémunir les siens en ingérant leurs facultés sportives en interne des rêves. Son récit initiatique volontiers féministe ne manquant pas d'humanisme torturé à travers son passé familial tragique (la perte de sa mère et de son frère, sans compter l'alcoolisme de son paternel) et de pugnacité pour sa détermination finale de ternir tête à Freddy en le combattant à mains nues !

Ersatz des Griffes de la Nuit en mode luna park, le Cauchemar de Freddy suscite aujourd'hui encore plus de charme et de sympathie auprès de son lot récurrent de séquences-chocs onirico-morbides illustrées sans prétention parmi la générosité d'un rythme infernal. Renny Harlin faisant preuve d'un véritable savoir-faire technique, notamment auprès du dynamisme du montage d'une redoutable efficacité. A redécouvrir donc. 

*Bruno 
18.07.24. 4èx

Récompense: Prix des meilleurs effets spéciaux lors du Festival international du film de Catalogne 1988. Ils sont dus à Steve Johnson.

DEEPWATER

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine

"Deepwater Horizon" de Peter Berg. 2016. U.S.A. 1h47. Avec Mark Wahlberg, Kurt Russell, Dylan O'Brien, Gina Rodriguez, Kate Hudson, John Malkovich, Ethan Suplee.

Sortie salles France : 12 octobre 2016. U.S: 30 septembre 2016

FILMOGRAPHIE: Peter Berg est un réalisateur, acteur, producteur, scénariste, compositeur américain né le 11 mars 1962 à New York.1998 : Very Bad Things. 2003 : Bienvenue dans la Jungle.
2004 : Friday Night Lights. 2007 : Le Royaume. 2008 : Hancock. 2012 : Battleship. 2013 : Du sang et des larmes. 2016 : Deepwater. 2016 : Traque à Boston.

Retraçant avec minutie la pire catastrophe pétrolière des Etats-Unis, à savoir la plate-forme Deepwater Horizon qui explosa le 20 Avril 2010 et entraîna la mort de 11 employés, Deepwater redore le blason du genre avec un réalisme insubmersible ! Aux antipodes du divertissement conventionnel conçu pour épater la galerie en mode ostentatoire (2012, San Andreas, aussi bonnard soit-il !), Deepwater nous ébranle les mirettes lors de ses séquences d'incendies en ébullition instaurées sur une plate-forme échappant au contrôle de ses experts. Mark Wahlberg monopolisant l'écran avec un sobre humanisme dans sa fonction d'ingénieur en chef en initiation héroïque. Par le biais (symbolique) de ce personnage aussi fragile que pugnace, Peter Berg honore les notions de courage et de bravoure lors d'une situation d'extrême danger que l'on redoute perdue d'avance !

Car si le désespoir, le doute et la peur de trépasser (la posture névralgique d'Andrea Fleytas) peut nous être fatal lors d'un contexte de survie aussi déloyal, la rage de s'en sortir, la détermination de croire en soi et à l'espoir peuvent modifier votre destin avec un optimisme insoupçonnée ! Si la première partie dépouillée prend son temps à nous caractériser les principaux témoins et responsables de la tragédie en distillant notamment un suspense sous-jacent quant à la catastrophe escomptée, la seconde partie émotionnellement éprouvante nous donne le vertige dans son maelstrom d'images cauchemardesques inspirées de l'Enfer ! Car durant cette endurance physique et morale où s'élève l'instinct de survie, une poignée de mutilés éreintés de fatigue, de stress et d'angoisse vont tenter de s'extirper de l'aveuglant brasier en se fiant de prime abord à leur libre-arbitre. Outre l'extraction fulgurante du pétrole de son réservoir, le souci du détail imparti à la prolifération des incidents techniques et l'esprit faillible de ces hommes réduits à la solitude et à l'impuissance sont habilement mis en exergue dans un déploiement de bravoures JAMAIS gratuites !

En adoptant le genre avec maturité et un brio technique effleurant la perfection, Deepwater est une référence du cinéma catastrophe dans son parti-pris humanitaire de vanter les ressorts psychologiques des personnages en perdition et dans son humble témoignage conféré à ses 11 victimes sacrifiées (ne ratez pas le pré-générique final plutôt poignant !). 

B-M 

Histoire (Wikipedia): L'explosion de Deepwater Horizon désigne une explosion et un incendie considérable déclarés, le 20 avril 2010, sur la plate-forme pétrolière Deepwater Horizon. Elle coule deux jours plus tard, et repose désormais par 1 500 m de fond. Avant ces événements, 115 personnes étaient présentes sur la plateforme. Parmi celles-ci, 11 personnes ont d'abord été portées disparues puis déclarées officiellement décédées. En outre, 17 blessés ont été recensés parmi les personnes rapatriées sur le continent.

Plusieurs fuites ont été produites lors de l'explosion, libérant le pétrole de son réservoir. Selon Lamar McKay, directeur pour les États-Unis de British Petroleum, le dernier dispositif de sécurité associé à la foreuse a lâché, rendant non opérationnelle la coupure de sécurité et les autres barrières empêchant le flux de pétrole de se vider dans la me

Je vous souhaite beaucoup d'espoir, d'amour et surtout une bonne santé pour cette nouvelle année !

Je vous embrasse 

JUSQU'EN ENFER

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine

"Drag Me to Hell" de Sam Raimi. 2009. U.S.A. 1h39. Avec Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, Dileep Rao, David Paymer, Adriana Barraza.

Sortie salles U.S: 27 Mai 2009. U.S: 29 Mai 2009

FILMOGRAPHIE: Sam Raimi est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 23 Octobre 1959 à Franklin, Etats-Unis. 1981: Evil-Dead. 1985: Mort sur le Grill. 1987: Evil-Dead 2. 1990: Darkman. 1993: Evil-Dead 3. 1995: Mort ou Vif. 1998: Un Plan Simple. 1999: Pour l'amour du jeu. 2000: Intuitions. 2002: Spi-derman. 2004: Spider-man 2. 2007: Spider-man 3. 2009: Jusqu'en Enfer. 2013: Le Monde fantastique d'Oz.

Après avoir changé de registre et rameuté un public plus large avec sa splendide trilogie Spiderman, Sam Raimi renoue à ses premiers amours avec Jusqu'en Enfer. Un divertissement horrifique en forme de clin d'oeil à Evil-Dead si bien que les séquences démoniaques s'enchaînent sans répit sous la maîtrise d'une réalisation chiadée comme seul Raimi a le secret. Après avoir refusé un prêt auprès d'une gitane prochainement expulsée de son foyer, la jeune banquière Christine Brown est sujette à sa terrible vengeance. Persécutée par le démon Lamia, elle tente de se faire épauler auprès d'un médium afin d'endiguer la conjuration. Dès lors, un combat entre elle et les forces du Mal s'engage quand bien même son petit ami tente de la rassurer dans son esprit cartésien. Sous couvert d'une satire mordante sur l'intolérance de la finance et de la compétition, Sam Raimi nous revient en grande pompe dans son art inégalable de façonner la frousse avec une ironie irrésistiblement sardonique.

Fort d'une mise en scène aussi inventive que fringante, Jusqu'en Enfer redouble d'efficacité à enchaîner les séquences d'anthologie (l'incroyable agression dans le parking impose une frénésie visuelle à couper le souffle !) pour ébranler son héroïne prise à parti avec des forces surnaturelles. A travers son épreuve de force physique (ses agressions avec l'entité invisible) et morale (ses hallucinations récurrentes) qu'elle doit encourir pour sa survie, l'intrigue multiplie les situations de stress, d'angoisse et de terreur avec un réalisme ébouriffant (si on épargne l'effet raté d'une séquence gore en CGI). Raimi parvenant une fois de plus à nous embarquer à bord d'une montagne russe avec une vigueur émoulue et l'appui de seconds-rôles finement dessinés. Outre l'impact jouissif des séquences-chocs incessamment surprenantes et inattendues (à l'instar de son épilogue aussi couillu qu'hétérodoxe !), Jusqu'en enfer bénéficie d'un travail sur le son (strident !) pour scander le déchaînement des forces occultes et d'une solide distribution pour rehausser la dramaturgie des évènements. Que ce soit le jeu dépouillé de Dileep Rao en médium à la fois studieux et prévoyant, le charisme iconique de Lorna Raver en gitane fielleuse, la posture rassurante de Justin Long en amant prévenant et surtout le charme chétif d'Alison Lohman en victime parano continuellement malmenée mais en initiation vaillante dans sa délibération de déjouer le démon Lamia et de s'affirmer auprès de son boss afin de récolter un poste supérieur.

Roublard en diable et mené de main de maître, Jusqu'en Enfer constitue une récréation diablement réjouissante dans son lot de séquences chocs effrénées impeccablement charpentées. Car aussi improbable soit son argument démoniaque, la carrure humaine taillée auprès de l'héroïne faillible et la vigueur des évènements cinglants qu'elle encaisse fébrilement nous scotche au siège pour nous convaincre de l'artillerie occulte. 

B-M. 2èx

Les Raisins de la Colère

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"The Grapes of Wrath" de John Ford. 1940. U.S.A. 2h09. Avec Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin, Dorris Bowdon, Russell Simpson, O. Z. Whitehead, John Qualen.

Sortie salles France: 31 Décembre 1947. U.S: 15 Mars 1940

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Ford, (John Martin Feeney), est un réalisateur et producteur américain, né le 1er février 1894 à Cape Elizabeth près de Portland (Maine) et mort le 31 août 1973 à Palm Desert (Californie). 1928 : Napoleon's Barber. 1932 : Tête brûlée. 1934 : La Patrouille perdue.
1939 : La Chevauchée fantastique. 1939 : Sur la piste des Mohawks. 1940 : Les Raisins de la colère.
1941 : Qu'elle était verte ma vallée. 1942 : La Bataille de Midway. 1946 : La Poursuite infernale.
1948 : Le Massacre de Fort Apache. 1949 : La Charge héroïque. 1950 : Le Convoi des braves.
1950 : Rio Grande. 1952 : L'Homme tranquille. 1953 : Mogambo. 1955 : Ce n'est qu'un au revoir.
1956 : La Prisonnière du désert. 1960 : Le Sergent noir. 1960 : Alamo, réalisateur de la 2e équipe
1962 : L'Homme qui tua Liberty Valance. 1962 : La Conquête de l'Ouest. 1963 : La Taverne de l'Irlandais. 1964 : Les Cheyennes. 1976 : Chesty: A Tribute to a Legend (documentaire)

Grand Classique des années 40, les Raisins de la Colère valu à l'illustre John Ford un Oscar pour le talent de sa mise en scène quand bien même Jane Darwell remporta celui du Meilleur Second Rôle Féminin pour son profil de matriarche au grand coeur. Photographié dans un splendide noir et blanc au jeu d'ombres et lumière expressionnistes, Les Raisins de la colère relate avec souci documenté l'épreuve de survie d'une famille de métayers ricains chassés de leur terre durant la Grande Dépression. Alors que Tommy vient de sortir de prison après avoir purgé 4 ans pour homicide, il retrouve sa famille dans une situation si précaire qu'ils doivent s'exiler vers la contrée Californienne. Manifeste contre la misère humaine et l'exploitation ouvrière, ce road movie rural imprime dans l'esprit du spectateur un sentiment intolérable d'injustice face au témoignage démuni de la famille Joad. Le film ne cessant d'illustrer avec une grande pudeur leur errance itinérante dans un pays en crise ne laissant nulle répit à ceux qui tenteraient de refonder un semblant de vie décente.

Ce poids de la sinistrose qui irrigue les pores du récit ne cède jamais au racolage ou au misérabilisme grâce au réalisme de sa reconstitution sociale et au charisme buriné d'une distribution poignante. L'immense Peter Fonda menant sa communauté parentale avec un humanisme à la fois pugnace et désespéré depuis qu'il enchaîne les infortunes au mépris d'une police aussi dictatoriale que véreuse. Ce portrait vérité de la crise économique de 29 qui engendra l'explosion du chômage (et la cupidité des institutions bancaires) s'avère proprement surréaliste face au discrédit de toutes ces familles affamées, violées de leur territoire, pour être ensuite parquées dans des taudis insalubres en se soumettant à une hiérarchie inéquitable. Par le biais du personnage de Tommy, John Ford insuffle à son portrait fragile une intensité dramatique en crescendo du fait de son caractère frondeur à s'attirer les ennuis au point d'être contraints d'abdiquer sa famille. Spoil ! Le film oscillant au final l'amertume et l'espoir quant à la destinée esseulée de ce laissé-pour-compte et la routine de sa famille que "Ma" (la matriarche) se résigne à poursuivre vers l'endurance Fin du Spoil.

Drame social d'une dureté âpre dans son réalisme glauque émanant d'un impitoyable pessimisme, Les Raisins de la Colère perce finalement vers l'optimisme lors de sa conclusion en demi-teinte afin de mettre en exergue l'initiation de survie d'une famille en perdition gagnée par le désir de persévérer et de s'affirmer pour la dignité. Un chef-d'oeuvre d'une puissance visuelle et émotionnelle que John Ford nous imprime avec une étonnante discrétion ! 

B-M. 3èx

LE REGNE DU FEU

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site dpstream.net

"Reign of Fire" de Rob Bowman. 2002. 1h42. Avec Christian Bale, Matthew McConaughey, Izabella Scorupco, Gerard Butler, Scott Moutter, David Kennedy, Alexander Siddig, Ned Dennehy.

Sortie salles France: 21 Août 2002

FILMOGRAPHIE: Rob S. Bowman est un réalisateur et producteur de télévision américain, né le 15 mai 1960 à Wichita Falls, Texas aux États-Unis. 1993: Airborne. 1998: The X-Files, le film. 2002: Le Règne du feu. 2005: Elektra

Sous le moule d'une série B de luxe, Rob Bowman redore le blason du blockbuster grand public avec l'intelligence d'un script redoutablement efficace. Dans un monde post-apo, Quinn Abercromby et sa confrérie de survivants tentent de se prémunir contre l'offensive de dragons dans leur forteresse de pierre. Alors qu'une attaque vient de leur porter préjudice depuis la maraude d'un de leurs acolytes à s'emparer d'une récolte, une escouade d'itinérants en fourgons militaires leur sollicite l'hospitalité sous l'impériosité de Denton Van Zan. D'abord réticent, Quin accepte le compromis quand bien même le baroudeur stoïque se vante d'être un tueur de dragon. S'efforçant consciencieusement de soigner le cadre réaliste d'un univers post-apo inspiré d'une scénographie médiévale, Rob Bowman parvient à crédibiliser sa situation improbable littéralement fantasmatique (certains plans faisant office de fresque picturale). A savoir le cataclysme nucléaire du 21è siècle engendré par l'hostilité d'une invasion de dragons au coeur de la capitale londonienne.

Avec ses FX numériques étourdissants de précision pour le design des dragons, et de fluidité pour leurs envolées épiques, le Règne du Feu fascine sans fards si bien que les séquences spectaculaires s'agencent au cheminement narratif sous le pilier d'une confrontation humaine assez tendue. Christian Bale et Matthew McConaughey (qu'on croirait sorti de Mad-Max 2 !) se disputant sobrement la vedette lors d'un point de vue antinomique. L'un préconisant l'alliance des deux camps afin de mieux détruire les dragons, l'autre privilégiant prévention et vigilance pour éviter la bravoure suicidaire des pertes humaines. Ces rapports de force instaurés durant toute l'aventure parviennent à captiver si bien que ces deux hommes vaillants et communément autoritaires vont prendre conscience de leurs erreurs humaines au fil des stratégies offensives puis finalement se respecter en assumant leur responsabilité. Au-delà de cette étude caractérielle bâtie sur le doute, le tort, le pardon et la fraternité, Le Règne du Feu imprime sur une photo désaturée un furieux spectacle sous l'impulsion vertigineuse de dragons plus vrais que nature (à l'instar de cette incroyable chasse en plein ciel perpétrée avec des hommes volants !). On peut même prétendre qu'il s'agit sans doute des sauriens les plus réalistes que l'on ai vu au cinéma avec l'autre exploit Le Dragon du lac de Feu de Matthew Robbins. Le final explosif et sacrificiel s'avérant d'une fulgurance visuelle aussi fascinante qu'hypnotique, notamment lorsque Bowman s'attarde à zoomer sur le charisme carnassier de l'animal !

B movie post-nuke où la fantasy se jumelle scrupuleusement au profit d'une densité narrative et formelle (décorum moyenâgeux et créatures mythologiques criants d'authenticité !), Le Règne du Feu instaure sans aucune prétention un divertissement retors aussi intelligent que mature dans son refus racoleur. Une excellente surprise au succès inévitablement modeste !

B-M. 3èx

Récompense: Prix des effets visuels au Festival international du film de Catalogne

Lemora / Lemora: a child's tale of supernatural

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site gremlinshavepictures.blogspot.com

"Lemora: a child's tale of supernatural" de Richard Blackburn. 1973. U.S.A. 1h25. Avec Lesley Gilb, Cheryl Smith, William Whitton, Steve Johnson, Hy Pyke, Maxine Ballantyne, Parker West, Richard Blackburn.

Sortie US: Mai 1975

FILMOGRAPHIE: Richard Blackburn est scénariste, acteur et réalisateur américain
1973: Lemora. 1987: Histoires de l'autre monde (série TV - 1 épisode). 

En majorité peu connue des cinéphiles hormis sa discrète exploitation Vhs à l'orée des années 80 sous l'étendard Scherzo (merci Christophe Gans), Lemora est l'unique oeuvre de Richard Blackburn, scénariste entre autre de Eating Raoul. Sombré dans l'oubli et inédit en salles en France, ce conte horrifique nous entraîne par la main dans la psyché tourmenté de la candide Lila. A la manière d'un rêve abscons, le spectateur est emporté, comme notre héroïne, au sein d'un carnaval ubuesque parmi la fréquentation de monstres, sorcière et vampires. A titre anecdotique, le rôle du révérend est incarné par le réalisateur lui-même. Le pitch: Dans les années 30, un gangster supprime son épouse et son amant dans leur chambre d'hôtel. Sur la route du retour, l'homme s'égare sur une route sans fin. Lila, sa fille, reçoit une lettre de la part de Lemora lui sollicitant de venir la rejoindre afin de retrouver son père mourant. Elle part à la rencontre de cette étrange inconnue et se retrouve embarquée dans un monde onirico-cauchemardesque. Métaphore sur la crise identitaire d'une adolescente vertueuse depuis son enseignement catholique, Lemora est un conte irrationnel d'un baroque stylisé (photo flamboyante à l'appui). Fascinée et dérangée par l'accueil maternel de Lemora parfois accompagnée d'enfants orphelins, Lila n'aura de cesse de la fréquenter avec une confiance davantage dubitative depuis son attitude obséquieuse, quand bien même, à proximité du bois, des créatures mi-monstres, mi-humaines tentent d'entrer dans le cocon familial pour l'assassiner.

Perturbée par la corruption criminelle de son père et en perte de repères au sein d'un univers nonsensique, Lila s'imagine donc ce refuge insolent peuplé de monstres gouailleurs et de vampires insidieux. Analogie de ses démons internes si bien que durant son errance psychologique elle s'initie à la perversité masculine et féminine à travers leur sexualité équivoque. C'est notamment une manière irrationnelle d'extérioriser ses doutes et ses craintes de se confronter à la réalité de la mort (Lemora, contrairement immortelle l'incitant à la vie éternelle) puis celle de devenir futur objet de désir sexuel. Si Lemora constitue une expérience à la fois irrésistiblement envoûtante et charnelle, il le doit à son atmosphère crépusculaire à la lisière du conte de fée (l'arsenal de vampires, hommes-loups, sorcière, ogre des bois, climat nocturne fantasmagorique, échos animaliers dans la nature champêtre) et de l'horreur gothique (les magnifiques chambres domestiques de la bâtisse héritées d'une épouvante archaïque). Qui plus est, sa distribution méconnue au charisme magnétique nous laisse pantois de fascination face à ces visages étrangement pénétrants. Troublante Lemora de par son jeu de regard aussi pâle et sévère qu'étrangement placide, Lesley Gilb crève l'écran si bien que nous ne sommes pas prêts d'oublier sa silhouette ténébreuse, nouvelle icone d'une vampirella à la fois secrète et bourrue. Attachante, chétive, innocente et doucement fascinée par cette théâtralisation morbide, Cheryl Smith parvient à nous immerger dans ses angoisses pubères avec un sobre naturel. 

                                          

Lila et le miroir des ombres
Oeuvre atypique indéchiffrable, récit initiatique et métaphysique, allégorie sur la perte de l'innocence et la dualité du Bien et du Mal, Lemora s'édifie en rêve irrationnel à l'aide d'une fulgurance visuelle prégnante. En effet, rarement au cinéma le sentiment d'évasion et d'abandon (à l'instar des sublimes Let's Scare Jessica to death et de Valérie au pays des merveilles) n'aura été aussi perçu aussi sensoriel dans l'esprit du spectateur embarqué dans un conte à l'aura macabre perméable. Il y émane une perle rare, une expérience parfois dérangeante et abstraite, un Alice au vitriol étrangement vénéneux de par son pouvoir de séduction feutrée. Et c'est donc aussi culte (au sens éthymologique) qu'incontournable.

*Bruno

21.11.22

27.12.16
08.12.11

LES BRONZES FONT DU SKI

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de Patrice Lecomte. 1979. France. 1h23. Avec Michel Blanc, Marie-Anne Chazel, Christian Clavier,
Gérard Jugnot, Josiane Balasko, Thierry Lhermitte, Dominique Lavanant, Maurice Chevit, Bruno Moynot.

Sortie salles France: 22 Novembre 1979.

FILMOGRAPHIE: Patrice Leconte est un réalisateur, scénariste et metteur en scène français né le 12 novembre 1947 à Paris. 1971 : Blanche de Walerian Borowczyk (assistant réalisateur). 1976 : Les Vécés étaient fermés de l'intérieur. 1978 : Les Bronzés. 1979 : Les bronzés font du ski. 1981 : Viens chez moi, j'habite chez une copine. 1982 : Ma femme s'appelle reviens. 1983 : Circulez y a rien à voir. 1985 : Les Spécialistes. 1987 : Tandem. 1989 : Monsieur Hire. 1990 : Le Mari de la coiffeuse. 1991 : Contre l'oubli. 1993 : Tango. 1994 : Le Parfum d'Yvonne. 1995 : Lumière et Compagnie. 1996 : Ridicule. 1996 : Les Grands Ducs. 1998 : Une chance sur deux. 1999 : La Fille sur le pont. 2000 : La Veuve de Saint-Pierre. 2001 : Félix et Lola. 2002 : Rue des plaisirs. 2002 : L'Homme du train. 2004 : Confidences trop intimes. 2004 : Dogora : Ouvrons les yeux. 2006 : Les Bronzés 3. 2006 : Mon meilleur ami. 2008 : La Guerre des miss. 2011 : Voir la mer. 2012 : Le Magasin des suicides. 2014 : Une promesse. 2014 : Une heure de tranquillité.

Succès en salles (il comptabilise 1 535 781 entrées), Les Bronzés font du Ski est un fleuron de la comédie populaire au même titre que le génialement barré, le Père-Noël est une ordure. On peut d'ailleurs avouer sans regret qu'il dépasse largement son modèle (beaucoup trop timoré à mon goût) dans la générosité de ses gags d'autant plus inventifs et percutants. Multi rediffusé sur nos chaines hertziennes et câblées, sa mécanique de drôlerie s'avère si bien rodée que l'on peut enchaîner les révisions avec la même appétence. En dépit d'une intrigue futile (nos vacanciers du 1er opus étant délocalisés vers une station de ski du Val d'Isère lors de nouvelles retrouvailles) prétexte à quiproquos, rapports de force conjugaux (Bernard/Nathalie, Jérôme/Gigo) et intimidations machistes (Bernard/Gilbert), Patrice Leconte parvient à enchaîner sans modération les gags sous l'impulsion d'une troupe du Splendid au diapason de leur carrière !

L'extrême bonne humeur des comédiens, leur complicité de camaraderie et la manière naturelle dont ils s'expriment à l'écran (à contre emploi de la diction théâtre de 99% de la comédie française donc !) nous suscitent une fougueuse sympathie dans leur profil volontairement extravagant à provoquer ou railler sans complexe son prochain. D'ailleurs, par leur posture empotée (Jean-Claude Dusse/Michel Blanc en dragueur complexé, Nathalie Morin/Josianne Balasko en skieuse novice), manipulatrice, (Popeye/Thierry Lhermitte en exploiteur sans vergogne car sans domicile fixe) ou contrairement héroïque (Jérôme Tarayre/Christian Clavier en skieur pro faussement émérite) émanent des situations catastrophiques aussi désopilantes que déjantées (Jean-Claude Duss coincé sur son télésiège durant toute une nuit, Bernard urinant dans la serrure de la portière du véhicule du voisin). On peut enfin citer à titre d'anthologies la séquence de la foulure du bras chez Nathalie que Popeye, Gigi et Bernard vont tenter de soulager, des ébats lubriques d'un trio de suédois entendus dans leur refuge, ou encore de l'hospitalité de paysans locaux incitant nos bronzés à la dégustation d'une "foune" puis d'une liqueur d'échalote.

Avec bientôt 40 ans d'âge au compteur, les Bronzés font du Ski peut entrer au panthéon des comédies populaires les plus hilarantes du cinéma français si bien que 90% de ses gags s'avèrent toujours aussi frais, et ce même quand on en connaît la chute ou la teneur de ces réparties ciselées ! A titre subsidiaire, on peut également vanter le refrain décontracté de sa chanson gentiment follingue intervenant à plusieurs bribes du récit ! Bref, un immense éclat de rire !

B-M. 3èx