PACIFIC RIM

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmosphere.com

de Guillermo Del Toro. 2013. U.S.A. 2h12. Avec Charlie Hunnam, Ron Perlman, Idris Elba, Charlie Day, Burn Gorman, Clifton Collins Jr, Rinko Kikuchi.

Sortie salles France: 17 Juillet 2013. U.S: 12 Juillet 2013

FILMOGRAPHIE: Guillermo Del Toro est un réalisateur, scénariste, romancier et producteur américain, né le 9 Octobre 1964 à Guadalajara (Jalisco, Mexique).
1993: Cronos. 1997: Mimic. 2001: l'Echine du Diable. 2002: Blade 2. 2004: Hellboy. 2006: Le Labyrinthe de Pan. 2008: Hellboy 2. 2013: Pacific Rim.

Kaiju vs Jaegers
Oubliez les baudruches clinquantes Transformers et leurs playmobil, Guillermo Del Toro cristalise avec Pacific Rim un rêve de gosse pour des millions de spectateurs. Pur hommage aux Kaijus (films de monstres japonais apparus au cinéma dans les années 50) mais également au mecha (sous genre animé des mangas célébré par Goldorak dans les années 70 !), Pacific Rim transcende avec une virtuosité inédite tout ce qui avait été conçu au préalable dans le gigantisme monstrueux.

Blockbuster familial conçu pour émerveiller toutes les tranches d'âge, cet affrontement colossal entre

Jaegers (robot ultra perfectionné que deux homme réussissent à télécommander par leur pensée commune !) et Kaijus nous plonge dans des rixes de destruction massive étourdissantes. Et pour mieux contempler ses altercations titanesques, Guillermo Del Toro filme toutes les séquences de nuit afin de mieux mettre en valeur les armures métalliques de nos robots guerriers et les écailles argentées de monstres protéiformes ! A titre d'exemple prégnant, leur combat survenant dans un Tokyo illuminé de néons flashy nous déploie des séquences démentielles de bastons homériques avec un sens du détail inouï. Car ici l'action fluide nous permet de nous immerger en interne des combats sans l'utilisation d'une caméra erratique (que ce soit au milieu de l'océan ou à l'intérieur de la ville !). Un privilège donc qui va permettre d'exacerber l'action avec une rare intensité émotionnelle .

Outre la simplicité d'un scénario naïf prétexte aux confrontations pharaoniques (au fond du Pacifique, l'ouverture d'une brèche permet aux Kaijus d'envahir la terre pendant que des robots humanoïdes se préparent à la guerre !), Pacific Rim n'en n'est pas pour autant un épuisant pop-corn movie puisque la première heure prend le temps de nous décrire un univers technologique criant de vérité et de nous établir une complicité avec la caractérisation de nos héros. Que ce soit Raleigh Becket, jeune briscard pugnace mais affaibli par la disparition de son frère durant un combat de labeur, Stacker Pentecost, un colonel drastique au passé glorieux mais souffrant d'une certaine pathologie, et enfin Mako Mori, jeune japonaise pleine de bravoure mais ayant vécu un choc traumatique durant son enfance. En prime, son obscure relation paternelle avec le colonel la contraint de remettre en question sa collaboration avec Raleigh afin de pouvoir partir au front. D'autres seconds protagonistes fort en gueule sont également de la partie pour se mesurer aux Kaijus, tandis qu'un duo de scientifiques fébriles viennent égayer l'aventure de leurs extravagances cérébrales !

Le choc des Titans

Festival de pyrotechnie à vous faire décoller la mâchoire, Pacific Rim équivaut à la quintessence de l'actionner bourrin dans sa volonté studieuse de faire rêver son public avec humilité. Vouant son amour immodéré pour ces robots d'acier et ces reptiles hostiles, Guillermo Del Toro concède un gigantesque spectacle populaire prônant les valeurs nobles du courage, de la pugnacité, de la fraternité et du sens du sacrifice, tout en glorifiant l'égalité des sexes et l'unification des peuples.

19.07.13.

Bruno Matéï

                                      

Le Jour des Morts-Vivants / Day of the Dead

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site whatculture.com

de Georges A. Romero. 1985. U.S.A. 1h43. Avec Lori Cardille, Terry Alexander, Joseph Pilato, Jarlath Conroy, Richard Liberty, Sherman Howard.

Sortie salles France: 10 Décembre 1986. U.S: 19 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Georges Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 2011: Deep Red.

 

"Dans les entrailles du dernier jour".

Huit ans après le raz-de-marée Zombie, George A. Romero boucle sa trilogie avec Le Jour des Morts-vivants. Entouré d’acteurs méconnus et fidèle à sa touche féministe, il confie cette fois le rôle principal à une jeune femme, stoïque comme une statue au milieu du chaos. Avec l’entremise du sorcier des chairs Tom Savini et la pulsation hypnotique de John Harrison, Romero érige à nouveau sa vision de l’apocalypse, toujours aussi viscérale, toujours aussi spontanée.

Dans l’antre d’une base militaire creusée dans la roche, une poignée de scientifiques et de soldats s’écharpent pour sauver leurs peaux — tandis que dehors, la terre appartient aux morts.

En huis clos, le cinéaste nous enferme parmi la tyrannie de militaires abrutis et la résignation nerveuse de savants rongés d’angoisse. Il ressasse ses obsessions — l’incommunicabilité, l’individualisme — et se moque cruellement de l’homme, ce primate narcissique soudain confronté à un désordre qui le dépasse. Plus psychologique que son prédécesseur, Le Jour des Morts-vivants plonge plus profond dans la chair de ses personnages — et c’est justement ce qu’on lui reprochera. 

 

Romero esquisse un portrait de femme inattendu : Lori Cardille, encore novice, incarne Sarah, meneuse opiniâtre à l’endurance presque virile. Son humanisme bute contre la brutalité bornée du capitaine Rhodes (Joseph Pilato, délicieusement cabotin), despote mesquin prêt à purger quiconque ose le défier. Parmi ses compagnons, un latino fiévreux, incapable de brider ses fantômes, hait la froideur de Sarah et grince sous le poids de ses propres failles.

Pendant que les zombies, muselés derrière des grilles rouillées, attendent leur heure, deux camps rivaux s’autodévoraient déjà. Le Dr Frankenstein, savant fou, tente d’apprivoiser Bub — zombie moribond, inoubliable pantin incarné par Sherman Howard. Bientôt, le chaos éclate : la base s’ouvre, les morts s’engouffrent, et la dernière heure, jusqu’alors tendue par la haine humaine, éclate en une orgie de chair et de tripes.

Plus satirique encore que Zombie, Le Jour des Morts-vivants se gausse des militaires, crétins congénitaux à l’ego surdimensionné, et de la science, arrogante rivale de Dieu. Dehors, l’armée des goules attend, mâchoires claquantes, boyaux à l’air. Là encore, Tom Savini signe des prodiges : membres arrachés, entrailles répandues, crânes éclatés — tout filmé sans détour ni hors-champ pudique.

Certes, le film est peut-être le plus fragile de la trilogie — budget famélique, scénario inégal — mais ses atouts demeurent implacables : psychologie charnue, narration entaillée d’ironie noire, explosions de sang orgasmique, ambiance unique, à l'instar de cette bande-son exotique qui bat comme un cœur malade. Assez pour en faire, malgré tout, un classique définitif du genre.

--Bruno

18.07.13. 5èx

La critique de La Nuit des Morts-vivants : http://brunomatei.blogspot.fr/2012/02/la-nuit-des-morts-vivants-night-of.html

 

Récompenses: Prix d'Interprétation Féminine, Prix des Effets-Spéciaux au Festival du Rex de Paris en 1986.
Prix Spécial Gore

QUI VEUT LA PEAU DE ROGER RABBIT (Who Framed Roger Rabbit)

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site movie-bar.com

de Robert Zemeckis. 1988. U.S.A. 1h43. Avec Bob Hoskins, Christopher Lloyd, Joanna Cassidy, Stubby Kaye, Alan Tilvern, Richard LeParmentier, Joel Silver.

Sortie salles France: 18 Octobre 1988. U.S: 22 Juin 1988

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois).
1978: Crazy Day. 1980: La Grosse Magouille. 1984: A la poursuite du diamant vert. 1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Scrooge. 2013: Flight.

Oscars 1989: meilleurs effets visuels (Ken Ralston, Richard Williams, Edward Jones, George Gibbs), meilleur montage sonore (Charles L. Campbell, Louis L. Edemann), meilleur montage (Arthur Schmidt) et Oscar pour une contribution spéciale (Richard Williams).
BAFTA Awards 1989: meilleurs effets visuels (Ken Ralston, Richard Williams, Edward Jones, George Gibbs)

Couronné de 4 oscars un an après sa sortie, Qui veut la peau de Roger Rabbit n'a pas volé ses prestigieuses récompenses tant il continue de nous bluffer par son exploit technique à avoir su allier personnages de chair et d'os et héros d'animation. Avec la nouvelle recrue Roger Rabitt, ce divertissement roublard nous présente un nouveau toon à la spontanéité virevoltante, entouré d'une femme fatale à la sensualité ardente ! Avec sa trame policière située dans l'après guerre des années 40, Robert Zemeckis rend autant hommage au film noir qu'aux dessins animés de notre enfance érigés sous le label de Warner Bros (les fameux Looney Tunes !) et de Walt Disney (on y côtoie Dumbo, Blanche Neige et consorts). En redécouvrant aujourd'hui ce blockbuster familial, nous nous surprenons encore du soin circonspect intenté à la perfection des effets-spéciaux où des protagonistes humains cohabitent parmi la familiarité de personnages d'animation ! Qui veut la peau de Roger Rabbit s'avère d'autant plus bluffant de réalisme dans ses moult péripéties endiablées qu'il réussit à émerveiller le spectateur lambda âgé de 7 à 77 ans.

Son intrigue charpentée bourrée de revirements fortuits nous propose une véritable énigme policière que doit mener le détective Eddy Valiant (Bob Hoskins, étonnamment flegme et gentiment bougon!) épaulé d'un comparse peu commun, Roger Rabbit. A eux deux, ils forment un duo explosif dans leur tentative de débusquer le meurtrier d'un producteur mais aussi mettre la main sur un mystérieux testament. Durant leur investigation, ils vont devoir se confronter à l'autorité drastique de l'étrange Juge DeMort (Christopher Lloyd, diabolique de mégalomanie hautaine !) accompagné de ses sbires, les Fouines (des toons railleurs particulièrement sardoniques !), communément délibérés à retrouver la trace de Roger Rabbit. En effet, ce dernier se retrouve suspecté de l'assassinat de Marvin Acme, producteur de films d'animation et inventeur ayant eu la veille de sa mort une éventuelle liaison avec Jessica Rabbit !
Ce pitch hérité d'un roman de Gary K. Wolf (Who censored Roger Rabbit ?) et publié en 1981 est une occasion singulière d'opposer des personnages humains avec une foule de toons novices et notoires ! Avec un sens inventif sans cesse renouvelé (comme cette soudaine plongée dans l'univers urbain des Toons ou l'invention mortelle de la Trempette afin de pouvoir les dissoudre !), Qui veut la peau de Roger Rabit déploie sans modération une prolifération de gags échevelés dans une action ininterrompue (course poursuite en plein centre-ville à bord d'une voiture d'animation, rixes en tous genres entre toons et humains et point d'orgue explosif pourvu d'une révélation inopinée !).

Parfaitement équilibré par sa drôlerie insolente (mais jamais erratique !) et la tendresse impartie à tous ces protagonistes hybrides (la séquence mélancolique décrivant une Betty Boop passéiste est touchée par la grâce !), Qui veut la peau de Roger Rabbit est un bijou de féerie fantaisiste. 
Sans jamais surenchérir dans une esbroufe gratuite car au service d'un scénario retors, cet exploit technique insuffle son pouvoir séducteur pour le respect accordé à ses icônes d'animation, alors que Roger Rabbit va imposer son statut d'étoile montante de "Toon Reality" !  

17.07.13. 3èx
Bruno Matéï 

Cannibal Holocaust

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cultreels.net

de Ruggero Deodato. 1980. 1h32. Italie/Colombie/Etats-Unis. Avec Robert Kerman, Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen, Luca Barbareschi.

Sortie salles France: 22 Avril 1981. Italie: 7 Février 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Ruggero Deodato est un réalisateur italien, né le 7 Mai 1939.
1977: Le Dernier monde Cannibale. 1979: SOS Concorde. 1980: Cannibal Holocaust. 1980: La Maison au fond du parc. 1983: Les Prédateurs du Futur. 1985: Amazonia, la jungle blanche. 1987: Les Barbarians. 1987: Body Count. 1988: Le Tueur de la pleine lune. 1993: The Washing Machine.

 

        "Il faut parfois montrer au monde l’enfer pour qu’il se rende compte de son bonheur."

 

"Voyeurs de l’abîme : l’hallucinante cruauté de Cannibal Holocaust".

Classé X dans certains pays, interdit dans une soixantaine, Cannibal Holocaust garde intact son pouvoir de réalisme sordide, provoquant chez les spectateurs du monde entier une violente aversion ou une fascination dérangée. Réputé comme l’un des films les plus controversés de l’histoire du cinéma, il fut saisi dès sa sortie par un magistrat italien pour délit d’obscénité et suspicion de snuff movie. Ruggero Deodato s’est taillé au fil des décennies la réputation d’un cinéaste scandaleux, notamment pour sa culpabilité assumée d’avoir osé assassiner face caméra des animaux sauvages. Un acte impardonnable qu’il regrette aujourd’hui.

Mais le réalisateur poussa encore le vice à sa sortie officielle, en nourrissant une folle rumeur autour du sort des comédiens principaux, exilés hors d’Italie pendant un temps, complices avec lui pour simuler leur disparition auprès de la populace italienne.

Découvrir Cannibal Holocaust aujourd’hui reste une expérience aussi traumatisante qu’inoubliable. Deodato redouble de provocation putassière, jouant de l’illusion entre fiction et authenticité, avec le principe avant-gardiste du found footage. La caméra portée à l’épaule suit quatre journalistes avides d’images-chocs, filmant en pleine cambrousse amazonienne une succession de mises à mort hyper racoleuses : dépeçage d’une tortue, massacre d’un porcinet, viol d’une indigène, incendie de la hutte des Yacumos. Ils filment aussi une fausse couche suivie d’une lapidation, un rituel barbare, une femme empalée sur un pieu (séquence souvent censurée en VHS), le meurtre d’un des leurs et le viol collectif de la petite amie du cameraman.

Au-delà de cette boucherie primitive, Cannibal Holocaust dresse une charge corrosive contre notre société dite civilisée. Nos quatre reporters, en expédition amazonienne, s’abandonnent à la débauche et à l’assassinat, guidés par l’appât du scoop et la mégalomanie. Leur cruauté délibérée vise à prouver aux « primitifs » la suprématie de la loi du plus fort. En juxtaposant ces barbaries aux coutumes cannibales, aux meurtres d’animaux réels et aux jouissances meurtrières des « civilisés », Deodato sème un profond malaise. Son désir de choquer, d’écœurer le spectateur, l’enferme dans un maelström d’images morbides, crues, édifiantes. Entre fiction et réalité, on perd ses repères : l’illusion se transcende en vérité palpable. Combien, à l’époque, crurent assister à un véritable shockumentaire ?

Cette aversion viscérale à la cruauté, le réalisateur la transforme en une réflexion sur notre propre voyeurisme, cette curiosité instinctive à observer la mort sous son aspect le plus sordide. Le score élégiaque, tragique, amplifie avec provocation notre dégoût, révélant l’animalité tapie en nous. La mort et la souffrance, qu’elles soient sentence vindicative ou violence gratuite, demeurent des rituels universels, témoins d’une civilisation aussi moderne qu’inhumaine.

"Le festin de l’horreur : quand le cinéma révèle notre part d’ombre".
De ce chaos primitif émane un grand film malade, viscéralement éprouvant, hyper dérangeant, mais d’un pouvoir de fascination révulsif et d’une puissance émotionnelle rare. Cette accumulation explicite de barbarie suggère que nous sommes tous complices, coupables de notre voyeurisme, osant contempler la cruauté indissociable du monde sauvage qui nous entoure. Que l’on adhère ou rejette ce témoignage intolérable, Cannibal Holocaust provoquera toujours polémiques et débats passionnés sur la nature humaine, son instinct meurtrier, et notre morbide soif d’images choc.

*Bruno
16.07.13. 5èx

Halloween de Rob Zombie

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site newageamazon.buzznet.com

de Rob Zombie. 2007. U.S.A. 1h50. Avec Scout Taylor-Compton, Malcolm McDowell, Tyler Mane, Danielle Harris, Kristina Klebe, Daeg Faerch, Brad Dourif, Sheri Moon Zombie, Hanna Hall, Dee Wallace Stone.

Sortie salles France: 10 Octobre 2007. U.S: 31 Août 2007

FILMOGRAPHIE: Rob Zombie est un chanteur, musicien et réalisateur américain, né le 12 Janvier 1965 à Haverhill, dans le Massachusetts. 2003: House of 1000 Corpses. 2005: The Devil's Rejects. 2007: Werewolf Women of the S.S. (trailer). 2007: Halloween. 2009: Halloween 2. 2012: The Lords of Salem.

Deux ans après sa horde sauvage contemporaine (The Devil’s Rejects), Rob Zombie s’attelle, en 2007, à la conception d’une préquelle/remake du chef-d'œuvre inoxydable Halloween. En s’attardant sur l’enfance meurtrie de Michael Myers dans la première partie, il transcende le portrait glaçant d’un psychopathe juvénile, dénué de conscience et de morale, enfant avorté d’une cellule familiale corrompue. À coups d’ultraviolence tranchante, Zombie adopte une démarche explicite : figurer les exactions d’un enfant raillé, molesté, déterminé à passer à l’acte vindicatif — le premier meurtre, commis sur un camarade de classe, en reste une preuve éprouvante. Le jeune Daeg Faerch, avec sa bouille innocente et son regard de marbre, impressionne par un jeu diaphane : prestance austère, alternance d’accalmies et de fulgurances, sans logique apparente. Son fétichisme des masques, pour renier sa propre humanité, est une idée brillamment exploitée. Quant au Dr Loomis, incarné par Malcolm McDowell : s’il n’atteint pas l’aura hantée de Donald Pleasence, il insuffle une présence solide, vacillante — psychologue indécis, incapable de saisir le cœur du mal, il se résout à l’abstraire : Michael devient symbole pur, entité du Mal.

À contre-courant de l’horreur suggérée et du suspense latent magnifiés dans le modèle initial, cet Halloween 2007 opte pour l’action cuisante, les péripéties échevelées, la rage frontale. Sans concession, avec un désir assumé de heurter le spectateur, Zombie réinvente le mythe dans une veine crue, crapoteuse, hyperréaliste. Si la première partie convainc pleinement en exposant l’enfance saccagée de Michael, la seconde retombe dans une mécanique plus conventionnelle, reproduisant fidèlement les jalons du film original. Évadé de sa cellule, Myers, devenu adulte, poursuit l’obsession de renouer avec sa sœur. On bascule alors dans un psycho-killer dégénéré, enchaînant les meurtres fulgurants à cadence soutenue, avec une sauvagerie sèche qui n’aurait pas déplu à Massacre à la tronçonneuse, que Zombie convoque ouvertement. En assumant cette provocation — pied de nez au classicisme clinique de Carpenter — le film tétanise par la vigueur de sa mise en scène, la présence terrifiante du molosse inébranlable, et l’impact foudroyant des assassinats, lâchés en roue libre. À noter, geste singulier : ici, Michael ne cherche pas à tuer sa sœur — il tente de la préserver, de la garder pour lui, comme une ultime attache brisée.

Impitoyable, nihiliste, enragé et terrifiant dans ses deux segments où le Mal semble nous fixer droit dans les yeux, Halloween 2007 délivre, avec une maîtrise certaine, des séquences de terreur sèche et incisive, aux confins du vérisme. D’une audace décomplexée à désacraliser la figure mythique de Michael Myers — bourreau du Mal des temps modernes — Rob Zombie façonne un cauchemar ultra-violent, furibond, insolent. Une relecture à rebrousse-poil, en totale contradiction avec le matériau d’origine, mais qui redessine, dans le sang, la silhouette d’un Mal autrement bestial, mortifère et primitif. 

La critique d'Halloween 2: http://brunomatei.blogspot.fr/…/halloween-2-directors-cut.h…

*Bruno

09.03.25. 3èx. Vost

15.07.13. 

                                        

GENERATION SACRIFIEE (DEAD PRESIDENTS)

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site in.com

de Albert et Allen Hughes. 1995. U.S.A. 2h00. Avec Larenz Tate, Keith David, Chris Tucker, Bokeem Woodbine, Freddy Rodriguez, Rose Jackson, N'Bushe Wright.

FILMOGRAPHIE: Albert et Allen Hughes sont des frères jumeaux producteurs, scénaristes et réalisateurs américains, né le 1er Avril 1972 à Détroit (Michigan).
1993: Menace II Society. 1995: Génération Sacrifiée. 1999: American Pimp (doc). 2001: From Hell. 2009: New-York, I love you (un segment d'Allen Hughes). 2009: Le Livre d'Eli. 2013: Broken City (d'Allen Hughes).

Inédit en salles dans l'hexagone, Génération Sacrifiée avait néanmoins pu bénéficier d'une édition en Dvd quelques années après sa sortie officielle. Un paradoxe d'autant plus regrettable que le premier long-métrage des Hughes Brothers, Menace II Society, eut été salué pour la maîtrise de sa mise en scène et sa peinture abrupte d'une jeunesse afro-américaine en déclin, opposée aux règlements de compte meurtriers entre bandes rivales. En l'occurrence, les frères Hughes traite des conséquences dramatiques de la guerre du Vietnam après que les survivants ont pu rejoindre leur bercail. En particulier, la réinsertion de la communauté noire si dépréciée par leur société que certains n'hésiteront pas à sombrer dans le banditisme ou des mouvements anarchistes afin de tenter de survivre. Outre le portrait émis à une poignée de délinquants fraternels, Génération Sacrifiée s'intéresse au parcours d'Anthony Curtis (Larenz Tate, étonnant d'innocence galvaudée !), jeune garçon de 18 ans délibéré à s'inscrire dans la marine pour occulter ses études de lycée. Après avoir combattu vaillamment durant 4 ans au Vietnam, notre vétéran retrouve son cocon familial dans un quartier défavorisé par le chômage et la drogue. Après avoir été viré de son job de boucher, Anthony décide de planifier l'attaque d'un fourgon avec la complicité de quelques comparses.

Violent réquisitoire contre la guerre du Vietnam qui eut entraîné la première défaite militaire des Etats-Unis (toute la partie se déroulant au champ de bataille met en exergue la déficience mentale de certains soldats et l'inanité d'un conflit à la stratégie anti-communiste !), Génération Sacrifiée dénonce le traitement infligé aux vétérans afro-américains. Par l'influence d'un mouvement de crise contestataire en ascension (le fameux séminaire des Black Panthers prônant la violence des armes à feu en guise de rébellion !) et par la faute d'un chômage en recrudescence, certains anciens combattants vont donc se compromettre au brigandage afin de subvenir à leur famille. Dans une mise en scène stylisée et incisive, les frères Hughes n'y vont pas avec le dos de la cuillère pour illustrer la descente aux enfers irréversible d'une poignée de délinquants utopistes. Parmi le fiasco d'un braquage sanglant (séquence d'anthologie magnifiquement chorégraphiée !), les réalisateurs dénoncent également les conséquences désastreuses d'une jeunesse révoltée en perdition, largement influencée par l'illusion des drogues et de l'argent facile. Si on présage l'issue inévitable de cette tragique déroute, c'est que la guerre préalablement imposée au Vietnam aura engendré chez certains jeunes fragiles et sans repère une forme d'immoralité. La violence et la haine inculquées au front les ayant avili jusqu'à ce qu'ils reproduisent cette déchéance destructrice au sein de leurs quartiers urbains du Bronx.

Au rythme d'une pléthore de tubes Soul entraînants, Génération Sacrifiée juxtapose critique sociale d'une Amérique hautaine tournant le dos à leurs anciennes recrues et courant culturel de la Blaxploitation par l'entremise implacable d'une narration nihiliste. De par son ultra violence cinglante et son intensité dramatique, on sort secoué et aigri pour le portrait infligé à sa génération immolée. 

12.07.13. 3èx
Bruno Dussart

Warning ! Le trailer contient beaucoup de spoilers !

                                         

GUMMO

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieposters.2038.net

de Harmony Korine. 1997. U.S.A. 1h35. Avec Jacob Reynolds, Nick Sutton, Lara Tosh, Jacob Sewell, Darby Dougherty, Chloë Sevigny.

Sortie salles France: 9 Juin 1999

FILMOGRAPHIE: Harmony Korine est un réalisateur et scénariste américain, né le 4 Janvier 1973 à Bolinas, Californie.
1997: Gummo. 1999: Julien Donkey-Boy. 2007: Mister Lonely. 2009: Trash Humpers. 2013: Spring Breakers.

La célébration des anonymes
Bien avant l'ovni Spring Breakers, Harmony Korine avait débuté en 1997 avec un premier film indépendant sorti dans l'indifférence mais dont le bouche à oreille lui aura tout de même valu d'accéder au rang de film-culte. Tranches de vie d'une poignée de marginaux après qu'une tornade eut dévasté leur petite banlieue, Gummo se livre en expérience humaine où l'hyper réalisme documenté nous déconcerte et nous émeut par ses élans d'onirisme blafard. Sans voyeurisme ni misérabilisme, le réalisateur nous dresse ici le portrait d'une Amérique profonde endeuillée par une catastrophe naturelle mais livrée depuis toujours dans une immense solitude. Ce tableau peu reluisant d'une population livrée au chômage ausculte de façon aléatoire la quotidienneté triviale de petites gens désoeuvrés, déficients ou alcooliques tentant de survivre et tuer l'ennui dans un monde qu'ils ne comprennent pas. S'y côtoient devant notre témoignage et de manière désordonnée, deux adolescents tueurs de chats, une trisomique, un nain africain, une albinos, un travelo, un couple de gay et de lesbiennes, deux soeurs jumelles, deux boxeurs de sang ainsi que la faune éclectique des habitants de Xenia. 

Avec divers procédés photographiques et une caméra vacillante, Harmony Korine nous pénètre à l'intérieur de cette ville sinistrée avec une véracité perturbante si bien qu'il semble filmer en temps réel l'existence primaire de laissés-pour-compte avec une improvisation gênante. Cette sensation de malaise persistant et cette inévitable empathie que l'on éprouve pour ces quidams névrosés souvent livrés à la déchéance ou la perversité nous remettent en question sur notre situation sociale, le bien-être de notre cocon rassurant et notre éthique à accepter la différence la plus hétérodoxe. Transportés dans un tourbillon de séquences intimes d'une pudeur dérangée (la drague improvisée entre le gay refoulé et le nain timoré) ou d'une violence animale (la table de cuisine réduite en pièces détachées par une famille avinée !), Gummo se positionne en expérience humaine où l'émotion trouble nous accapare avec une acuité poignante. L'aspect amateuriste des comédiens néophytes ou inexpérimentés au langage rustre machinal renforce cet (étrange) sentiment de crudité désespérée où la tendresse se mêle à la colère de la partialité. 

La monstrueuse parade.

Avec dignité et sans jamais se moquer de leurs extravagances, Harmony Kroine livre avec Gummo un portrait inoubliable d'une parade de paumés inadaptés sans jamais juger de leurs agissements erratiques. Dérangeant et perturbant mais débordant d'humanité fébrile et de poésie infantile (le garçonnet aux oreilles de lapin traversant le film avec une discrétion aphone), cette errance existentielle nous confronte finalement à leur désillusion de reconnaissance et d'amour.  

11.07.13. 2èx

Bruno Matéï

Runaway, l'évadé du Futur (Runaway)

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Michael Crichton. 1984. U.S.A. 1h40. Avec Tom Selleck, Cynthia Rhodes, Gene Simmons, Kirstie Alley, Stan Shaw, G.W Bailey.

Sortie salles France: 7 Août 1985. U.S: 14 Décembre 1984

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Michael Crichton est un écrivain, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 23 Octobre 1942, décédé le 4 Novembre 2008 à Los Angeles. 1972: Pursuit (télé-film inédit en France). 1973: Mondwest. 1978: Morts Suspectes. 1979: La Grande Attaque du Train d'or. 1981: Looker. 1984: Runaway, l'évadé du futur. 1989: Preuve à l'appui (Physical Evidence).

Un bijou d’anticipation irradié par sa photogénie nocturne.
Trois ans après Looker, Michael Crichton renoue avec la thématique de la robotique, qu’il avait déjà sublimée dans le cultissime Mondwest. Thriller futuriste alertant sur les dérives technologiques - ici, la micro-électronique détournée à des fins terroristes - Runaway puise sa force dans son traitement visionnaire et son extrême efficacité au sein d’un récit orthodoxe, rondement mené.
 

Synopsis : dans un avenir proche, un flic et sa partenaire sont confrontés à un inventeur de génie capable de transformer les robots domestiques en machines à tuer. Par l’entremise d’idées futuristes aussi ingénieuses que débridées (le robot preneur d’otage, les araignées métalliques, les missiles à tête chercheuse pilotés par une arme révolutionnaire), Crichton orchestre un divertissement solide, fertile en péripéties, si bien que l’action rebondit sans relâche dans une narration savamment planifiée.

Aucune esbroufe racoleuse, donc, mais des séquences haletantes (telle cette poursuite automobile contre des mines coureuses !) mises au service d’une trame simpliste, mais rigoureusement captivante. Les effets spéciaux de Mark Dornfeld tiennent encore la route par leur inventivité : les robots insidieux, jamais vus jusqu’alors, demeurent étonnamment crédibles.
Enfin, le duo formé par la charmante Cynthia Rhodes et l’excellent Tom Selleck - très à l’aise dans son rôle musclé de flic circonspect sujet au vertige - s’avère particulièrement attachant, nourri d’une réelle densité humaine. Leur complicité touchante culmine dans l’instant alarmiste où Karen se retrouve grièvement blessée à l’avant-bras par une micro-bombe, scène d’une intensité anthologique. On n’en dira pas autant de notre terroriste du futur, incarné par l’ex-chanteur de Kiss, Gene Simmons, qui cabotine avec une gouaille sardonique. Pourtant, son charisme israélo-américain se prête bien à sa personnalité frondeuse, et finit par amuser par son outrecuidance mégalo. Sa présence, en somme, demeure marquante, iconique, saupoudrée d’une dérision tacite.

Si Runaway arbore aujourd’hui un cachet rétro évident, il ne manque ni de style, ni de classe, ni de vigueur, et continue de fasciner par ses spécimens robotiques et ses gadgets destructeurs, au cœur d’une intrigue remarquablement troussée. La solide présence de Tom Selleck renforce encore sa facture attachante, dans cette figure de flic dévoué, en pleine initiation héroïque. Et son climat nocturne, entre envoûtement surréel et frisson onirique, nous ensorcelle la vue - non sans évoquer, parfois, New York 1997, par son atmosphère futuriste crépusculaire, saturée d’un score électro subtilement discret.
Quant au final vertigineux, au sommet d’une cage de chantier, il s’impose comme un autre moment anthologique : action inventive, tension infiniment oppressante, souffle pur du cinéma de genre. Un classique des années 80, toujours aussi fun, et fascinant.

— le cinéphile du cœur noir

17.02.22. 4èx

10.07.13. 

                                         

TRANCE

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site paperblog.fr

de Danny Boyle. 2013. Angleterre. 1h43. Avec James McAvoy, Rosario Dawson, Vincent Cassel, Simon Kunz.

Sortie salles France: 8 Mai 2013. Angleterre: 27 Mars 2013

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester.
1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage
2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance

Pour son nouveau long-métrage, Danny Boyle renoue avec le thriller cynique préalablement exploité avec son premier essai, Petits meurtres entre amis.

Le Pitch: Durant une mise aux enchères, un commissaire-priseur est témoin d'un vol de tableau perpétré par le leader Franck. Au moment d'une altercation pour la disparition subite de la toile, Simon est frappé à la tête par son agresseur et se retrouve amnésique. Accusé par Franck et ses sbires d'avoir dérobé la peinture, il est contraint de contacter une hypno-thérapeute afin de retrouver la mémoire pour pouvoir dévoiler sa fameuse planque.

Thriller à suspense d'une efficacité exponentielle, Trance est façonné à l'instar d'un puzzle dans un dédale de faux semblants, jeu de miroirs et jeu de pouvoir où la manipulation cérébrale est reine. Toute l'intrigue se focalisant essentiellement autour d'un trio d'amants véreux. Deux rivaux compromis au charme d'une énigmatique thérapeute, délibérés à retrouver sous son allégeance le fameux magot d'un tableau d'art. Dans une mise en scène stylisée hyper travaillée, Danny Boyle véhicule une imagerie high-tech au design moderniste où les teintes polychromes se parent d'une élégance expressionniste. Avec l'habile emploi d'une structure narrative déstructurée, il nous projette dans une intrigue tortueuse auquel trois antagonistes n'auront de cesse de nous triturer les méninges, à savoir qui est le véritable imposteur tirant véritablement les ficelles de cette énigme à tiroirs. Avec plaisir masochiste, le réalisateur use et abuse de rebondissements fortuits afin de semer doute et confusion et semble notamment expérimenter un semblant d'hypnose avec le spectateur. A savoir que durant la projection, la plupart des épisodes suspicieux qui traversent le récit découlent des expériences d'un sujet mis sous sommeil artificiel. Par des séances récurrentes de transe, l'un de nos antagonistes va se retrouver compromis à un état de conscience altéré impliquant un dédoublement psychique de sa personnalité. Cet état second, Danny Boyle en profite pour semer l'illusion de la réalité sans jamais nous avertir de sa rationalité. En combinant hallucinations, rêve et réalité, il nous égare donc dans un dédale de simulacre où le mensonge et la manipulation d'esprits cupides vont engendrer une paranoïa collective. 

C'est dans sa dernière partie échevelée que Trance va redoubler d'intensité haletante pour enfin nous dévoiler sa supercherie dans un maelström d'émotions rudes (on passe de l'angoisse et la panique au malaise viscéral et l'empathie poignante.

Jeu de pouvoir
Original, surprenant, déroutant et retors, Trance intrigue et captive avec l'élaboration d'un scénario machiavélique où chaque antagoniste n'est jamais celui que l'on pense connaître. Pourvu d'une mise en scène inventive et d'un esthétisme pictural aux figures géométriques, ce thriller parano culmine sa chute dans un point d'orgue étourdissant de révélations. C'est justement au moment propice de cette délivrance que le film peut enfin négocier un nouveau défi ! 

Sensuel et brillant !

04/07/13

Bruno Matéï

Spring Breakers

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site pariscine.com

de Harmony Korine. 2012. 1h34. US.A. Avec James Franco, Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson, Rachel Korine, Heather Morris.

Sortie salles France: 6 Mars 2013. U.S: 22 Mars 2013

FILMOGRAPHIE: Harmony Korine est un réalisateur et scénariste américain, né le 4 Janvier 1973 à Bolinas, Californie. 1997: Gummo. 1999: Julien Donkey-Boy. 2007: Mister Lonely. 2009: Trash Humpers. 2013: Spring Breakers.

Le "Breakfast Club" des années 2000. Jean Baptiste-Thoret.

Déjà responsable d’un authentique film culte indépendant (Gummo), Harmony Korine nous projette, avec Spring Breakers, dans l’univers factice d’un congé printanier où une jeunesse insouciante s’abandonne sans réserve à la décadence. Cette parenthèse, née en Amérique du Nord, offre à des milliers d’étudiants l’ivresse de fêtes sans limites avant l’angoisse des examens. Le phénomène, baptisé Spring Break, s’est répandu au-delà des frontières (jusqu’en France), symbole estival où sexe, drogue et alcool débordent, malgré les tragédies : overdoses, comas éthyliques, viols sur corps trop vulnérables. 

Avec son affiche racoleuse et son trailer explosif, Spring Breakers pouvait inquiéter le cinéphile averti, flairant un Projet X déguisé en provocation putassière. Que nenni ! L’expérience se révèle un gouffre bipolaire : impossible de savoir où se raccrocher pour échapper au malaise.

Le pitch : quatre godiches braquent un fast-food pour financer des vacances féeriques en Floride. Sur place, elles croisent un rappeur crapuleux qui les guidera vers une délivrance suicidaire.

Voici, en quelques lignes, une trame classique, taillée pour ados. Mais sous l’avalanche des clichés attendus (sea, sexe, sun, alcool and coke), la réalisation expérimentale de Korine - au montage frénétique, digne parfois de Tueurs Nés - dynamite tout. Les conventions s’effritent : place à un bad trip onirique, frôlant la métaphysique. Peu importe la minceur du scénario : seule compte l’expérience sensorielle, l’aura insolite, la respiration spirituelle, l’atmosphère de torpeur qui irrigue l’âme de ces filles égarées. Avec une force émotionnelle piquante car hybride et contradictoire, Spring Breakers raconte leur dérive, leur soif d’un ultime paradis pailleté face à la grisaille d’une vie sans saveur. Leur faim de bonheur, leur appétit d’épanouissement, leur rêve d’un avenir insouciant les poussent vers le vice, sous la coupe d’un "penseur" névrosé (James Franco, hypnotique et génialement grotesque dans sa cool attitude triviale). Transgresser la morale, consumer chaque seconde, brûler la vie à coups de poudre, de sexe et d’adrénaline : bâtir son paradis artificiel. Cette atmosphère de poésie crue et de désillusion imprègne la pellicule, jusqu’à nous immerger dans une transe hypnotique où le néant crépusculaire culmine à la déroute. No future pour une innocence sans boussole, papillonnant vers un no man’s land. Désarçonnant. 

"Fleurs vénéneuses sous le soleil de Floride".
On ne sort pas indemne de la contemplation de Spring Breakers : une léthargie diffuse nous endeuille tout du long. Constat amer d’une jeunesse muette, éblouie par les paillettes et l’extase éphémère, le film est un voyage métaphysique au bout d’une nuit sans aube. Sa flamboyance formelle, sa mise en scène virtuose et la bande-son - à la fois cotonneuse et tonitruante - infusent malaise, aigreur, et une mélancolie poignante. Certain(e)s, déboussolé(e)s, n’y verront peut-être qu’un écran vide ; d’autres, le cœur entrouvert, auront du mal à se relever du cri de révolte de cette jeunesse perdue, sans morale ni repentance.

10/10

*Bruno

03.07.13. 25.22.20. 09.02.26.

«Spring Breakers», poétique de l’idiotie

Par Jean-Baptiste THORET, Historien et critique de cinéma — 2 avril 2013 à 19:06

Des images d’étudiantes en bikini, trémoussant leur booty au ralenti sur des plages bondées, et tout autour, des grappes de jeunes mâles bronzés comme des homards, tous pectoraux sortis, versant sur elles de la bière comme s’ils urinaient en hurlant des «Yeah !». Ainsi s’ouvre le film Spring Breakers, sorti le mois dernier : par un gigantesque rêve (ou cauchemar) éthylique et partouzard, un précipité génial des images industrielles qui composent ce qu’on appelle, faute de mieux, la pop culture mondiale. Spring Break ! Moins le refoulé d’une société occidentale d’autant plus puritaine qu’elle s’est intégralement sexualisée - ici, plus besoin d’un psy pour vous expliquer que le gun, c’est le phallus, «Look at My Shit !» glapit le dealer gangsta-midinette du film qui pianote du Britney Spears (Disney et Snoopy Dog, même combat) - qu’une forme de convivialité fantôme et autistique : le rêve de l’identité s’achève ici dans l’indifférence. «Yeah !» version originale de notre «Yes !» national, interjection performative qui évoque le «Eureka !» crié par le héros de la nouvelle éponyme d’Edgar Poe : «J’ai trouvé !» Mais quoi ?

Spring Breakers se branche à merveille sur l’humeur et la folie absurde de notre époque, fascinée par le fun et le rien, la performance (corporelle, sexuelle, éthylique) et l’agitation, la surface et l’idiotie, au sens où Clément Rosset l’entend : «La rencontre d’un but absolument déterminé et d’une motivation absolument manquante.» Comme le zombie, autre icône de notre époque, passée en quarante ans des marges du genre et de la critique politique, les créatures de la Nuit des morts-vivants, encore dépositaires d’une utopie alternative, au centre d’une société de consommation qui les décline, les dévitalise ad nauseam en séries, clips, films, publicités et happenings familiaux. Soit ces fameuses zombie walks au cours desquelles papa, maman et le fiston déambulent dans les rues, déguisés en morts-vivants friendly. Les morts-vivants, canal historique, voulaient dévorer l’ancienne société parce qu’ils portaient (à leurs corps défendant) un désir de changement. Quatre décennies plus tard, le processus s’est inversé : c’est nous qui imitons les zombies, manière de pastiche qui masque surtout une formidable dénégation de ce que nous sommes devenus. Le Spring Break ou comment se délester du poids de ce qu’on est pour embrasser l’identité nulle d’un collectif de zombies fêtards. En 1988, un slogan publicitaire vantant les mérites d’une célèbre marque de sport - «Just Do It» - avait pointé l’essence de ce consumérisme idiot. «Do It For What ?». Faire la preuve de sa propre vie, sans autre finalité que de montrer qu’on est capable d’y arriver, tel un canard (un zombie ?) sans tête qui continue d’avancer (de bouffer ?), mais pour rien, au-dessus du vide, jusqu’à l’épuisement physique.

L’hédonisme insignifiant que célèbre en accéléré le Spring Break, la forme souvent grotesque que prennent les plaisirs recherchés (fumer un joint par l’anus d’un nourrisson en plastique) découle de cette jouissance contrainte imposée par la logique capitaliste et sa hantise de ne pas consommer comme et avec les autres. Spring Breakers est, à n’en pas douter, un film en avance sur son temps, autrement dit à l’heure, pour reprendre la belle expression de Serge Daney à propos du Bon, la Brute et le Truand de Sergio Leone. A l’heure des années 2000 comme Easy Rider le fut à celle des années 60, Scarface des années 80 et Tueurs nés dix ans plus tard. Regarder Spring Breakers, c’est se retrouver au bord d’un gouffre, essoufflé, à se demander comment on en est arrivé là (Woodstock 2.0 ?) mais c’est surtout se demander pourquoi la contemplation du vide et du mauvais goût, du niveau zéro de la culture de masse, produit malgré tout une forme d’envoûtement, de poésie, voire de fascination. S’agit-il de cette extase que Baudrillard, dans les Stratégies fatales, décrivait comme «cette qualité propre à tout corps qui tournoie sur lui-même jusqu’à la perte des sens et qui resplendit alors dans sa forme pure et vide» ?

Si Harmony Korine a su trouver la bonne distance par rapport à son sujet, à la fois empathique et excentré, c’est qu’il a compris une chose, essentielle : pas de meilleur commentaire sur les images et le monde contemporain que le remake de ces mêmes images. Au fond, le tract, le pastiche, l’indignation, la satire, la dénonciation sont des armes critiques d’un autre temps. La querelle byzantine n’est plus : l’iconodule est aujourd’hui le meilleur des iconoclastes. L’intelligence critique du réalisateur de Gummo consiste à avoir embrassé exactement la forme de son objet. Le baiser est là, mais envoûtant et froid comme celui du tueur. Parties de rien et arrivées nulle part, les quatre adolescentes du film rêvent de pouvoir mettre sur pause ce présent perpétuel, de s’y installer pour toujours («Forever»), à l’abri de l’Histoire et du monde. Mais grâce au montage (effets de retard et de bégaiement du récit qui semble ne jamais décoller), Korine introduit au sein de cette irréalité amniotique et immersive, le sentiment du temps qui passe : l’accumulation des signes du bonheur ne fait pas le bonheur et la satisfaction virtuelle («Just Do It») bute bientôt sur un principe de réalité.

Au fond, les images industrielles se consomment sans rétribution, même symbolique : finir par tuer un dealer qu’on connaissait à peine, reprendre la route, et après ? Et alors ? C’était donc ça ? Au terme de toutes ces images, un objet perdu nous aveugle. Et la plus violente des critiques prend la forme de la mélancolie qui étreint celui, ou celle, qui réalise qu’il n’y a pas de secret. Heureux sont les zombies ?

Jean-Baptiste THORET Historien et critique de cinéma

L'avis de Mathias Chaput:
"Spring breakers" est avant tout un film choc, bien plus malin et intelligent qu'il pourrait paraître...
Un piège se referme sur les jeunes filles, aussi bien que sur le spectateur, appâtées par le gain et le sexe, pensant se "trouver" alors qu'au final elles se "perdent"...
Le folklore du gangster à la Tony Montana est de nouveau perpétré dans le film avec un côté moins viscéral que fun, doublé par l'inconscience de personnes désoeuvrées et paumées dans l'âme, ne pouvant qu'observer une issue funeste d'une noirceur absolue...
Il y a un côté pathétique et touchant en même temps dans "Spring breakers" au carrefour du polar moderne et de l'étude de moeurs ciselée, où s'articulent des thématiques comme la consommation de produits addictifs (la drogue, l'alcool mais aussi la vénalité et la perversion sexuelle) et la désespérance d'une jeunesse prise entre le marteau de l'intégration et l'enclume de la tentation d'une vie festive...
D'une réalisation fluide et rapide mais parfaitement lisible, "Spring breakers" est un métrage hybride, à mi chemin entre film expérimental et traditionnel, doté de comédiens en roue libre qui semblent "vivre" leurs rôles comme dans le réel...
Cauchemar crédibilisé par l'émotion des trois héroïnes qui perdent pied rapidement et se "réfugient" dans la violence comme d'autres trouveraient un exutoire afin de pallier à leurs angoisses, Korine trouve la force nécessaire pour insuffler de l'innocence à ces créatures qui en sont dépourvues, sorties de l'adolescence et en mutation transitoire entre l'âge adulte affirmé et les repères éclatés, se cherchant et pensant se trouver dans cette vie anarchique et superficielle, que leur propose Alien...
A la fois axé sur la tentation et le délabrement, il manquerait juste un côté initiatique au film, il est exempt de la moindre rédemption vis à vis des héroïnes, ce qui accentue et amplifie de fait le malaise provoqué chez le spectateur et fait ressortir ce dernier collapsé à la fin du visionnage...
"Spring breakers" est assurément un grand film qui laisse une empreinte, qui s'ancre bien dans son époque et qui ose toutes les transgressions pour appuyer son propos de manière très rigoureuse...
Une belle réussite !

Note: 9/10

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site aceshowbiz.com