Messe Noire / Evilspeak. Uncut Version

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site torrentbutler.eu

d'Eric Weston. 1982. U.S.A. 1h33. Avec Clint Howard, R.G Armstrong, Joseph Cortese, Claude Earl Jones, Haywood Nelson.

Sortie salle France: 26 Février 1982. U.S: 26 Février 1982

FILMOGRAPHIE: Eric Weston est un réalisateur, scénariste et producteur américain.
1981: Messe noire. 1983: Marvin and Tige. 1989: The Iron Triangle. 1992: To protect and serve. 2001: Pressure Point. 2002: Ambition Fatale. 2002: Hitters. 2011: Hyenas.

Pour une première oeuvre horrifique réalisée avec des bouts de ficelle, le débutant Eric Weston ébranla une génération de vidéophiles après qu'ils louèrent ce B movie au titre évocateur, Messe Noire, au sein de leur vidéo club. 

Le pitch: Dans une académie militaire, un souffre-douleur invoque les forces du mal via ordinateur pour se venger de ces camarades railleurs. 

A partir de cet argument simpliste (la vengeance sanglante d'un martyr au service du Mal) déjà évoqué dans le chef-d'oeuvre Carrie , Eric Weston en tire un modèle d'efficacité dans son suspense exponentiel et l'ambiance délétère qui s'y dégage au sein d'une cave abritée par le malin. Reposant sur les épaules du jeune Clint Howard (délivrant ici son meilleur rôle dans toutes les mémoires), Messe Noire s'érige en fascinante descente aux enfers par l'entremise originale de l'ordinateur. Mais revenons d'abord sur l'interprétation sidérante de vérité de cet acteur de seconde zone car si ce divertissement sardonique réussit autant à captiver, c'est notamment en partie grâce à l'empathie accordée pour Coopersmith, étudiant maladroit incessamment molesté par ses camarades de classe.

Avec sa bonhomie somme toute naïve et son regard candide, Clint Howard réussit instinctivement à nous impliquer dans son désarroi quotidien et nous amène lentement à fréquenter le malin sous l'intervention d'Estaban. Un sorcier sataniste condamné plus tôt par l'église pour hérésie mais qui s'était juré de se venger des siècles plus tard. Toute l'intrigue se focalise donc sur les tentatives de Coopersmith à daigner invoquer une véritable messe noire par une démarche moderne, l'utilisation électronique de l'ordinateur ! Et quand vient la vengeance tant escomptée, on ne peut que comprendre (ou plutôt fantasmer) sa rancoeur à oser bafouer le fondement du Bien en commettant des méfaits criminels sous influence démoniaque. A cet égard, on peut dire que son point d'orgue apocalyptique déploie des séquences cinglantes où le gore craspec se dispute à l'horreur pure à travers des FX de choix ! Décapitations en série, éventration, démembrements, corps embrasés nous sont étalés sans concession dans un déluge de feu et de sang. Qui plus est, et avec une audace sarcastique, le carnage se confine dans le cadre religieux d'une chapelle auquel des porcs carnassiers s'y sont soudainement invités ! Au delà de son indéniable sens de l'efficacité et de sa force émotionnelle génialement fascinante, Messe Noire insuffle une ambiance lugubre du plus bel effet, renforcé par la chaleur d'une photo sépia. Tant en interne du sous-sol de la cave auquel Coopersmith pratique son rite ou dans le cadre religieux d'un oratoire. Avec rigueur et intégrité pour le genre, le réalisateur distille donc un climat pernicieux diffus en vantant les mérites d'une démonologie contemporaine.

Soutenu du superbe score religieux de Roger Kellaway faisant écho à La Malédiction de Donner, Messe Noire n'a point usurpé son statut de classique moderne du film sataniste en faisant preuve également lors de son dernier acte d'une violence barbare littéralement dantesque ! En apprenti sorcier sévèrement malmené, Clint Howard apporte une indéniable intensité humaine à travers sa revanche spectrale désespérément nihiliste ! Inoxydable. 

*Bruno

30.03.25. 6èx. Vost

06.09.13. 

LE FLIC DE BEVERLY HILLS. (Beverly Hills Cop)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site hollywood80.com

de Martin Brest. 1984. U.S.A. 1h43. Avec Eddy Murphy, Judge Reinhold, John Ashton, Lisa Eilbacher, Ronny Cox, Steven Berkoff, James Russo, Jonathan Banks.

Sortie salles France: 27 Mars 1985. U.S: 5 Décembre 1984

FILMOGRAPHIE:  Martin Brest est un réalisateur, producteur, acteur, monteur et scénariste américain, né le 8 Août 1951 dans le Bronx de New-York.
1972: Hot Dogs for Gaugin. 1977: Hot Tomorrows. 1979: Going in Style. 1984: Le Flic de Beverly Hills. 1988: Midnight Run. 1992: Le Temps d'un Week-end. 1998: Rencontre avec Joe Black. 2003: Amours Troubles.

Enorme succès lors de sa sortie en salles (aux States, il était l'un des 10 plus grands hits commerciaux de tous les temps !), Le Flic de Beverlly Hills permis à Eddy Murphy d'accéder à la notoriété après s'être révélé dans 48 heures et Un Fauteuil pour deux. Comédie d'action menée tambour battant, cette production Bruckeimer doit sa renommée sur l'abattage de son acteur afro, ancien humoriste ayant préalablement fait ses preuves dans le célèbre show: Saturday Night Live. Après l'assassinat de son ami, un flic de Détroit décide de mener sa propre enquête sans l'accord de son supérieur. Durant l'investigation, il découvre que son acolyte travaillait pour le compte d'un riche entrepreneur implanté à Beverly Hills. Ce dernier exerçant des malversations, il va tenter par la même occasion de démanteler un réseau de contrebande avec le soutien de deux inspecteurs studieux. 

Il y a des comédies lucratives conçues sur une idée somme toute sommaire mais construites avec une telle dextérité qu'elles dépassent le stade du produit aseptique. Reposant sur la bonhomie impayable d'un acteur extrêmement attachant, le Flic de Beverly Hills fait parti de ces petits miracles de cocasserie auquel Eddy Murphy va y apporter son potentiel comique dans sa "cool attitude" ! En insufflant une verve irrésistible, l'ancien humoriste réussit à extérioriser un jeu cabotin de facéties désinvoltes et d'imitations extravagantes. Avec la complicité de deux adjoints aussi attachants (Judge Reinhold et John Ashton forment un tandem avec une tendre bonhomie), le Flic de Beverly Hills distille un charme naturel comme peu de comédies familiales ont su le retransmettre. Au delà de la cocasserie impartie aux dialogues et au mimétisme de Murphy, le réalisateur Martin Brest y introduit une pincée d'action dans son prologue rocambolesque (carambolage en pagaille lors d'une poursuite entre un camion et des cars de flics) et son final pétaradant (les gunfight fusent tous azimuts dans le repère du mafieux Victor Maitland). Et pour parachever, je ne manquerai pas non plus d'évoquer le fameux tube entraînant interprété par Patti Labelle - Stir it up !

Entre action et drôlerie, Le Flic de Beverly Hills compte sur l'efficience d'une intrigue bien construite et surtout sur la présence d'un acteur expansif pour nous divertir sans prétention. A travers cette aventure diablement réjouissante émane la simplicité d'une comédie bonnard sous l'impulsion de seconds-rôles aussi sympathiques dans leur fonction de faire-valoir. Antidépressif, le Flic de Beverly Hills constitue au terme un bain de jouvence d'une fraîcheur aussi capiteuse qu'à l'époque de sa conception.

05.09.13. 3èx
B-M

30 Jours de Nuit / 30 Days of Night

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site necronomiblog.canalblog.com

de David Slade. 2007. U.S.A. 1h53. Avec Josh Hartnett, Melissa George, Danny Huston, Ben Foster, Mark Boone Jr, Mark Rendall.

Sortie salles France: 9 Janvier 2008. U.S: 19 Octobre 2007

FILMOGRAPHIE: David Slade est un réalisateur britannique, né le 26 Septembre 1969 au Royaume Uni. 2005: Hard Candy. 2007: 30 Jours de Nuit. 2010: Twilight - Chapitre 3: Hésitation. 2011: R.E.M (TV). 2012: The Last Voyager of Demeter. Daredevil reboot.

Plutôt méconnu, David Slade prouva son habile talent de metteur en scène avec son premier film, Hard Candy, thriller psychologique confiné dans un huis-clos éprouvant. Deux ans plus tard, il récidive qualitativement parlant pour peaufiner son potentiel artistique avec l'adaptation d'un comic créé par Steve Niles et Ben Templesmith. Déclaration d'amour au travail artisanal de John Carpenter (photogénie esthétisante d'un environnement aussi réfrigérant que reculé, charisme frappant des comédiens, photo immaculée encadrée au format scope, score métronome, atmosphère anxiogène palpable, ambiance angoissante envoûtante), 30 Jours de Nuit se réapproprie du thème vampirique avec un souci formel bluffant. Le pitch: Epargnés du soleil durant 30 jours de nuit hivernale dans un village de l'Alaska, un shérif et une poignée de survivants vont tenter de déjouer la menace d'une horde de vampires assoiffés de sang. Ainsi, à partir de ce concept trivial, on ne peut pas dire que David Slade compte sur l'originalité d'une intrigue éprouvée avec son lot d'attaques impromptues auprès de victimes esseulées. D'autant plus que l'on a la gênante impression d'assister à une temporalité fallacieuse si bien que ces 30 nuits semblent se dérouler en un temps beaucoup plus restreint (à peine 2 ou 3 jours !) du point de vue des motivations des héros ! Mais avec une foi et un respect pour l'amour du genre, le réalisateur réussit à contrecarrer une narration aseptique pour sublimer de prime abord une atmosphère ténébreuse au sein d'un huis-clos réfrigérant.

Qui plus est, avec l'efficacité d'une action cinglante terriblement spectaculaire et d'un gore sanguinolent au réalisme saisissant, 30 Jours de Nuit frétille pour distiller un climat anxiogène diffus au fil d'affrontements intrépides perpétrés par des vampires erratiques. C'est simple, il y avait belle lurette que nous n'avions pu contempler face écran des goules aussi hargneuses et fétides de par leur morphologie taillée à la serpe. Vêtus en costard noir, David Slade est parvenu à donner chair à ces goules épouvantablement vicieuses à travers leurs exactions meurtrières (elles surveillent leurs proies du haut des toitures des maisons pour ensuite encercler certaines d'entre elles avec une vanité condescendante !). Il faut les voir se faufiler sous les chalets et se projeter à une vélocité vertigineuse sur les victimes pour les égorger avec une sauvagerie primitive ! Par conséquent, en jouant le plus souvent la carte du huis-clos oppressant, le réalisateur insuffle un suspense continuel pour l'épreuve de force impartis aux survivants contraints d'accéder d'un refuge à un autre pour se prémunir de la menace vampirique. La puissance visuelle de sa scénographie nocturne contrastant avec la clarté d'une neige endeuillée nous immergeant dans un environnement cauchemardesque particulièrement cinégénique. Au point d'orgue escompté, on pardonne l'aspect un tantinet décevant de son revirement héroïque (dès que leur leader est anéanti par l'un des survivants, la clique des vampires décide trop facilement de rebrousser chemin) et on se rattrape sur son épilogue désenchanté d'une beauté onirique poignante.

Sobrement dominé du caractère valeureux des protagonistes (Josh Hartnett et Melissa George forment un duo d'amants attachants dans leur reconversion sentimentale), 30 Jours de Nuit mise sur la fonction du divertissement efficace avec son lot d'action cinglante, de tension anxiogène et d'éclaboussures de sang ici dénuées de concession. Rehaussée d'une atmosphère cauchemardesque terriblement palpable, on reste surtout impressionné par l'aspect délétère de ces vampires contemporains incroyablement classieux dans leur morphologie démoniale. Et puis formellement, le cadre crépusculaire demeure  aussi hyper photogénique sous l'impulsion d'une violence tranchée que l'on a si peu coutume de voir dans une prod Hollywoodienne.   

*Bruno

05.03.24. 4èx vost

03.08.22. 

04.09.13. 

Watchmen. Director's Cut

                                                                            Photo empruntée sur Google

de Zack Snyder. 2009. U.S.A. 3h06. Avec Patrick Wilson, Jackie Earle Haley, Malin Akerman, Billy Crudup, Matthew Goode, Jeffrey Dean Morgan, Carla Gugino, Stephen McHattie.

Sortie salles France: 4 Mars 2009. U.S: 6 Mars 2009

FILMOGRAPHIE: Zack Snyder est un réalisateur, scénariste et acteur américain né le 1er mars 1966 à Green Bay, Wisconsin (États-Unis). 2004 : L'Armée des morts (Dawn of the Dead). 2007 : 300. 2009 : Watchmen. 2010 : Le Royaume de Ga'hoole : La Légende des gardiens. 2011 : Sucker Punch. 2012 : Superman: Man of Steel.

Film fleuve d'une durée excessive de 3h06, Watchmen est l'adaptation du comic homonyme d'Alan Moore et Dave Gibson publiée entre 1986 et 1987. Situé dans une réalité alternative des années 80, le film nous décrit la résurgence d'une poignée de super-héros, délibérés à empêcher une 3è guerre mondiale provoquée entre les Etats-Unis et la Russie. Au même moment, alors qu'un mystérieux tueur s'en prend à ces justiciers masqués, une machination de grande ampleur est sur le point de converger au péril de la survie de millions d'innocents. Après l'entreprise de son habile remake, l'Armée des Morts et du peplum ultra stylisé, 300, Zack Snyder redouble d'ambition pour reproduire en live une bande dessinée réputée inadaptable en s'interrogeant sur la notion du héros. Divertissement cérébral préconisé pour un public adulte, Watchmen nous établi avec flamboyance formelle l'état des lieux d'une terre en perdition, engluée dans les sempiternels conflits politiques entre dirigeants égotistes. 

Avec son ambiance crépusculaire terriblement pessimiste, Zack Snyder idéalise une somptueuse fresque où des héros désaxés sont ici sévèrement malmenés par leur hiérarchie héroïque, faute de leur tempérament contradictoire et d'une notoriété exubérante. A contre emploi du traditionnel super-héros fraternel et avenant, ces gardiens sont caractérisés comme des personnages sclérosés en quête existentielle, contrariés par un héroïsme dénué de signification. Puisqu'ici, l'infidélité, la manipulation, la trahison et le meurtre font parti de leur faille humaine et sont implicitement engendrés par un monde bestial toujours plus incivilisé. Confrontés à une morale déchue, ces gardiens passéistes vont tenter une seconde fois de renouer avec l'honneur de la bravoure pour prémunir le citoyen d'une 3è guerre mondiale et se racheter une conduite devant la souveraineté d'un divin en pleine dépression ! Dans une solide narration privilégiant l'étude caractérielle de ses marginaux parfois sanguinaires (les exactions vindicatives de Rorschach, la haine meurtrière du Comédien), volages (l'adultère du Hibou II entrepris avec le Spectre Soyeux II), voir même pervers (le viol du Comédien commis sur Sally Jupiter), Watchmen retransmet avec autant de souffle épique que de lyrisme leur indécise destinée avec une empathie moribonde. 

Tant qu'il y aura des hommes
Réflexion métaphysique, allégorie politique sur l'avilissement du pouvoir et l'instinct destructeur de l'homme, Watchmen propose un spectacle subversif d'une audace peu commune dans son alternance d'ultra violence et de défaillance existentielle. Mise en abîme de notre propre société en crise où l'insurrection du peuple s'avère toujours plus indisciplinée devant l'autorité. La rigueur de sa mise en scène stylisée, la bande son nostalgique d'une pop-rock rétro et surtout la dimension humaine impartie à ses anti-héros névrosés transcendent Watchmen au rang d'ovni hermétique, véritable pied de nez au rêve américain ! 

03.09.13. 2èx

Bruno Matéï

Wolf Creek

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site baranfilm27.org

de Greg McLean. 2005. Australie. 1h44. Avec Nathan Philipps, Cassandra Magrath, Kestie Morassi, John Jarratt.

Sortie salles France: 9 Août 2006. Australie: 3 Novembre 2005

FILMOGRAPHIE: Greg McLean est un réalisateur, scénariste et producteur australien.

2005: Wolf Creek. 2007: Solitaire

Chaque année, en Australie, 30 000 personnes sont portées disparues. 90 % d'entre elles sont retrouvées en l'espace d'un mois. Certaines disparaissent à jamais. 

K.O. et déprimé à la sortie de la projo de Wolf Creek. Pour une première œuvre, Greg McLean signe un coup de maître avec ce survival aride, saturé d’un climat d’insécurité permanent. Une épreuve de force physique et morale, infligée à un trio d’étudiants malmenés par un tueur en série dans l’immensité brûlante du désert australien magnifiquement photographié.

À partir d’un concept éculé, nourri des classiques des seventies - Massacre à la Tronçonneuse en tête, pour l’affliction hystérisée des victimes, la moiteur de son atmosphère et son authenticité malsaine - McLean renouvelle la terreur avec un esprit anti-ludique, refusant toute distraction facile pour mieux nous ébranler. Car Wolf Creek n’a rien du traditionnel “ouh, fais-moi peur” réconfortant, avec tueur décérébré courant après des proies ingénues. Non. Ici, il s’agit d’une expérience extrême, toujours plus éprouvante, refusant les compromis, la complaisance, la facilité - et exprimant une terreur crue, jusqu’au malaise.

Les victimes, enchaînées, hurlent de douleur ou d’impuissance face à la monstruosité d’un prédateur pervers, jouissant de ses pulsions dans un laps de temps indéfini. En toute liberté, au cœur d’un désert crépusculaire, ce tueur méthodique s’amuse à piéger des touristes dans un hangar rouillé, les torturant à sa guise dès que le goût du sordide lui revient. Une effroyable descente aux enfers d’une redoutable efficacité, que Greg McLean relate avec un souci glaçant de réalisme. Car Wolf Creek s’inspire librement d’un fait réel : le rapt de deux touristes par Bradley John Murdoch, condamné pour meurtre en 2005. En réalité, une seule victime fut retrouvée, et bien loin du fameux cratère : à plus de 2000 kilomètres…

Le tempo bourdonnant d’un score monocorde, la rigueur de la mise en scène exploitant l’hostilité sublime de ces paysages désolés, la scrupuleuse radiographie de la détresse humaine - tout ici exacerbe un malaise si insidieux que le spectateur, pris de vertige, se retrouve piégé dans cette claustration étouffante. Jusqu’au-boutiste et sans concession : aucun échappatoire à l’horizon. Et si certaines tentatives d’évasion semblent audacieuses, la mort - brutale, lâche - les rattrape inexorablement.

Chef-d’œuvre du survival niant toute notion de divertissement facile, Wolf Creek nous prend aux tripes, pour nous plonger dans l’authenticité d’une horreur vécue. Celle de voyageurs malchanceux croisant un inconnu affable… alors qu’un monstre à visage humain s’apprête à tomber le masque pour infliger les sévices les plus crapuleux. On en ressort d’autant plus traumatisé que les comédiens, inconnus au bataillon mais criants de vérité, nous touchent avec une empathie à vif, profondément meurtrie.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

26.07.25. 3èx. Vostf. 4k

30.08.13. 2èx

La critique de Wolf Creek 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/wolf-creek-2.html

Un Justicier dans la ville / Death Wish

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site silverferox.blogspot.fr

de Michael Winner. 1974. U.S.A. 1h33. Avec Charles Bronson, Hope Lange, Vincent Gardenia, Steven Keats, William Redfield, Stuart Margolin, Stephen Elliott.

Sortie salles France: 18 Octobre 1974. U.S: 24 Juillet 1974

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Michael Winner est un réalisateur britannique, né le 30 Octobre 1935 à Londres, décédé le 21 Janvier 2013.
1964: Dans les mailles du filet. 1967: Qu'arrivera-t-il après ? 1971: Les Collines de la Terreur. 1971: l'Homme de la Loi. 1971: Le Corrupteur. 1972: Le Flingueur. 1973: Le Cercle Noir. 1973: Scorpio. 1974: Un Justicier dans la Ville. 1976: Won Ton Ton, le chien qui sauva Hollywood. 1977: La Sentinelle des Maudits. 1978: Le Grand Sommeil. 1979: l'Arme au Poing. 1982: Un Justicier dans la Ville 2. 1983: La Dépravée. 1985: Le Justicier de New-York. 1988: Rendez vous avec la mort. 1990: Double Arnaque. 1993: Dirty Week-end.

Précurseur du Vigilante movie qui fit couler tant d’encre à sa sortie, Un Justicier dans la Ville révèle une figure devenue emblématique du cinéma d’action : l’implacable Charles Bronson. Adapté du roman Death Wish de Brian Garfield, ce polar brutal retrace l’expédition meurtrière d’un homme décidé à purger les rues de leurs voyous arrogants.

Synopsis: Trois délinquants s’introduisent chez une mère et sa fille. La première, battue à mort, succombe à ses blessures ; la seconde, violée, est internée dans un institut psychiatrique, ravagée par le traumatisme. Rongé par le deuil et l’impuissance d’une police inerte, Paul Kersey s’arme et s’abandonne à une vendetta expéditive.

Film-choc à la violence glaciale et implacable, dont le prologue - passage à tabac d’une mère et de sa fille dans l’intimité de leur foyer - conserve aujourd’hui encore une brutalité sidérante, Un Justicier dans la Ville frappe par son radicalisme : il expose une violence nue, gratuite, miroir d’une insécurité urbaine en pleine recrudescence. Si la polémique fut immédiate, c’est parce que le film joue dangereusement avec une thématique réactionnaire, esquissant le portrait psychotique d’un adepte de l’autodéfense. Michael Winner dépeint avec un réalisme clinique la lente dégénérescence d’un architecte respecté, happé par une spirale meurtrière pour venger sa femme. Son premier meurtre, commis dans un sursaut de bravoure, l’écrase de dégoût - il en vomit ses tripes dans les toilettes. Mais peu à peu, ses exécutions lui procurent une satisfaction trouble, puis une célébrité malsaine, à mesure que la criminalité recule. Phénomène de société, le justicier inspire une partie de la population qui se met, elle aussi, à prendre les armes. Désemparée, la police hésite à l’arrêter, craignant d’ériger un martyr et de voir les taux de criminalité remonter en flèche.

Avec une efficacité redoutable, Winner livre un polar ultra-violent, tendu de séquences d’action acérées, sans jamais célébrer la justice individuelle. Car il révèle plutôt la vénalité d’un tueur radical, pris dans l’ivresse de son propre vertige sanglant. Son épilogue édifiant - ce sourire narquois de Kersey, doigt en revolver pointé sur d’éventuels agresseurs - résume toute l’ironie morbide du personnage. Non pas l’apologie d’une violence fascisante, mais l’avertissement d’une dérive immorale où la vendetta personnelle dévore la raison.

Alternant enquête policière et action expéditive, Un Justicier dans la Ville demeure un polar brutal, fulgurant, construit sur une vengeance putassière. Michael Winner y scrute aussi l’échec d’une police impuissante face à une criminalité impunie. Magnétique et impassible, Charles Bronson éclabousse l’écran et grave dans le marbre l’ambiguïté d’un justicier réactionnaire, glaçant, pervers et fascinant à la fois.

— le cinéphile du cœur noir

17.08.25. 4èx. Vo 4K
28.08.13. 3èx

Le Labyrinthe de Pan / El laberinto del fauno

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site locecine.info

de Guillermo Del Toro. 2006. Espagne/Mexique. 1h59. Avec Ivana Baquero, Doug Jones, Sergi Lopez, Maribel Verdu, Ariadna Gil, Alex Angulo.

Sortie salles France: 1er Novembre 2006. Espagne: 11 Octobre 2006. Cannes: 27 Mai 2006

FILMOGRAPHIE: Guillermo Del Toro est un réalisateur, scénariste, romancier et producteur américain, né le 9 Octobre 1964 à Guadalajara (Jalisco, Mexique).
1993: Cronos. 1997: Mimic. 2001: l'Echine du Diable. 2002: Blade 2. 2004: Hellboy. 2006: Le Labyrinthe de Pan. 2008: Hellboy 2. 2013: Pacific Rim.

Deux ans après Hellboy, Guillermo Del Toro renoue avec le fantastique intimiste qu’il avait déjà exploré dans L’Échine du Diable, sous le spectre du franquisme. Dans Le Labyrinthe de Pan, conte onirique et drame de guerre se télescopent avec une verdeur qui en aura brusqué plus d’un. La faute revient à une affiche trompeuse, promettant une aventure féerique expurgée de toute cruauté. Or Del Toro n’a rien d’un illusionniste candide : il frappe sans détour pour dénoncer les horreurs du fascisme durant la guerre d’Espagne, au point de rendre son film constamment éprouvant, surtout à travers le regard désabusé d’une enfant. Car ce sont ses yeux de rêveuse, cherchant à fuir la brutalité qui l’engloutit, qui nous ouvrent les portes d’un monde obscur, habité de créatures hybrides échappées des contes les plus inquiétants.

Synopsis. Avec sa fille Ofelia, Carmen rejoint l’armée de son mari, le capitaine Vidal, tyran impitoyable. Tandis que les résistants traquent l’officier et que sa mère enceinte dépérit, Ofelia se réfugie dans un royaume de contes, guidée par un insecte. Un faune lui confie une mission : retrouver le labyrinthe qui lui permettrait de renaître princesse. Mais l’épreuve est implacable : sacrifier la vie de son futur petit frère pour accéder à l’éternité du monde souterrain.

Avec une audace rare, Del Toro juxtapose la quête spirituelle et la cruauté belliqueuse, érigeant un contraste foudroyant entre chimère et réalité sanguinaire. L’esthétique oscille entre flamboyance (le royaume souterrain, la forêt peuplée de créatures difformes) et ténèbres (le camp de Vidal, la grange des prisonniers). Tout repose sur l’imaginaire fragile d’une fillette isolée dans un monde où le fascisme impose sa doctrine, érigeant l’injustice en dogme. Les monstres de contes, étrangement expressifs, résonnent comme les reflets cauchemardés d’une guerre sans pitié. En parallèle, Del Toro filme sans relâche les corps suppliciés, la détresse d’une maternité vouée à l’échec. Il refuse toute indulgence, cherchant à nous ébranler face à la barbarie fasciste qui broie l’enfance et profane la vie. Ses scènes de torture et d’exécutions, d’une véracité suffocante, deviennent le miroir nauséeux du rêve d’Ofelia, obstinée à croire en un ailleurs purifié de toute douleur. De cette opposition jaillit une émotion déchirante : lyrisme désespéré d’un conte qui tente de réconforter, même au cœur du désastre.

Porté par la partition élégiaque de Javier Navarrete, Le Labyrinthe de Pan s’impose comme un chef-d’œuvre du fantastique transgressif. Dans l’alliance singulière de l’horreur crue et de la féerie, Del Toro sculpte une œuvre dure, inconfortable, mais d’une beauté métaphorique saisissante. Une poésie de l’abîme, où la dignité du sacrifice s’érige en ultime lumière.

— le cinéphile du cœur noir

27.08.13. 2èx

 
Récompenses: Oscars de la meilleure Photographie, Meilleure Direction Artistique et Meilleurs Maquillages, 2006.
Meilleur Film et Meilleur Acteur (Sergi Lopez) à Fantasporto, 2007
Meilleur Film International, Meilleure jeune Actrice, Ivana Baquero, au Saturn Awards, 2007
Meilleur Film au NSFC Awards, 2007

Meilleur Long-métrage au Prix Hugo, 2007

UN ELEVE DOUE (Apt Pupil)

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site dl-more.eu

de Bryan Singer. 1998. U.S.A/France. 1h50. Avec Brad Renfro, Ian McKellen, David Schwimmer, Ann Dowd, Bruce Davison, Elias Koteas, Joe Morton.

Sortie salles France: 20 Janvier 1999. U.S: 23 Octobre 1998

FILMOGRAPHIE: Brian Singer est un réalisateur et producteur américain, né le 17 Septembre 1965 à New-York aux Etats-Unis.
1993: Ennemi Public. 1995: Usual Suspects. 1998: Un Elève Doué. 2000: X Men. 2003: X Men 2. 2006: Superman Returns. 2009: Walkyrie. 2013: Jack, le Chasseur de Géants. 2014: X Men: Days of Future Past.

Trois ans après Usual Suspect, Brian Singer s'entreprend d'adapter une nouvelle de Stephen King (Différentes Saisons) pour retracer l'itinéraire sulfureux d'un jeune adolescent, fasciné par le Mal chez un ancien criminel de guerre. Son échec commercial et les critiques mitigées lors de sa sortie sont sans doute à reporter sur l'ambiguïté de son scénario couillu, le rapport masochiste qu'entretiennent les deux antagonistes et le climat malsain que Brian Singer distille sans complexe autour de leurs faits et gestes. Qui plus est, pour renforcer le malaise diffus, il ne décide à aucun moment de les juger et ne fait qu'explorer leur cheminement d'une conscience vénale subordonnée à l'arrivisme et la prépondérance. En situation inconfortable, le spectateur se sent d'autant plus complice et voyeur d'un duel psychologique intimement partagé avec deux monstres érudits.

Thriller psychologique austère par le rendu de son ambiance implacable, Un Elève Doué nous fait partager l'intimité d'un ancien criminel nazi, Kurt Dussander, contraint de collaborer avec l'un de ses jeunes voisins pour lui dévoiler le détail de ses exactions meurtrières durant le génocide juif. Fasciné par le Mal et la mort, Todd est un brillant étudiant ayant réussi après moult investigations personnelles à débusquer le visage de cet authentique monstre nazi. Il décide donc de le faire chanter afin de mieux connaître l'idéologie du meurtre et de la cruauté.
Dominé par les prestations autoritaires de l'illustre Ian McKellen et du jeune Brad Renfro (au jeu naturel terrifiant d'impassibilité !), Un Elève Difficile traite donc de l'influence du Mal par l'entremise d'un ancien bourreau SS. Cette relation singulière que le jeune Todd va entretenir avec son ascendant va peu à peu le plonger dans les racines du Mal et le déshumaniser de son entourage (échec scolaire, repli sur lui même et relation sentimentale amorphe). Mais leur liaison bâtie sur le mensonge, le chantage, la trahison et la manipulation est surtout un jeu d'asservissement pour la quête d'une domination individuelle et au final, une prémunition pour leur culpabilité !

Né pour tuer
Hermétique par l'aura de souffre qui se dégage de son climat malsain et sa déviance psychologique, Un Elève Doué provoque un malaise tangible durant cette rivalité de perversion entre deux générations distinctes. Porté à bout de bras par le couple Ian McKellen / Brad Renfro, leur confrontation intense nous dirige vers une réflexion sur la contagion du Mal, le désir de soumission et l'instinct cruel régi par la mégalomanie de l'homme. 

26.08.13. 2èx
Bruno Matéï

The Conjuring

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de James Wan. 2013. U.S.A. 1h52. Avec Vera Farmiga, Patrick Wilson, Lili Taylor, Ron Livingston, Mackenzie Foy, Shannon Kook-Chun, Joey King, Hayley McFarland.

Sortie salles France: 21 Août 2013. U.S: 19 Juillet 2013

FILMOGRAPHIE: James Wan est un producteur, réalisateur et scénariste australien né le 27 Février 1977 à Kuching (Malaisie), avant de déménager à Perth (Australie).
2004: Saw, 2007: Dead Silence, Death Sentence, 2010: Insidious. 2013: The Conjuring. 2013: Insidious 2.

"Possession à l’ancienne, peur à vif".

Trois ans après l’épatant Insidious, déclinaison à peine voilée de Poltergeist, James Wan renoue avec l’épouvante académique des esprits frappeurs et de la possession, en rendant hommage cette fois-ci à Amityville et L’Exorciste — foi catholique à l’appui, en bonne et due forme. Précédé d’une réputation flatteuse avant même sa sortie, The Conjuring s’érige sur un fait divers supposé, rapporté par les célèbres enquêteurs du surnaturel, Ed et Lorraine Warren. Ce couple de chasseurs de fantômes est cette fois appelé à la rescousse d’une famille en détresse : les Perron, emménagés dans une demeure poussiéreuse rongée par une entité diabolique.

Ce pitch archétypal, déclinaison directe du thème de la hantise, emprunte aux classiques du genre comme aux DTV les plus rances. Et pourtant. James Wan, passionné jusqu’au bout des ongles par les films de possession et de maisons maudites, s’évertue, avec intégrité et ferveur, à ressusciter la trouille sur grand écran. À l’instar du trépidant train fantôme qu’était Insidious, il ne recule pas devant l’usage de ficelles usées, mais les affine, les tend, les affûte, jusqu’à en faire des pièges redoutables.

Concoctée à partir d’une vieille formule — même l’époque se cale sur les seventies ! — cette nouvelle mouture fonctionne à tel point que l’on croit dur comme fer que la maison des Perron est infestée par le Diable lui-même. La peur du noir, une porte qui grince ou claque, un saut dans le vide, trois claps de mains, un placard mesquin, des volatiles suicidaires, une poupée sardonique, une cave mortuaire… et surtout, surtout, une entité maléfique dont on redoute la moindre résurgence. Et ça marche. À la perfection.

Pour asseoir son récit surnaturel, James Wan prend d’abord le temps d’humaniser ses protagonistes : il peaufine la vie conjugale des Perron, mais aussi celle des Warren. Il cultive une empathie viscérale pour cette famille harcelée par l’invisible, et creuse en parallèle les liens affectifs qui unissent le couple d’exorcistes. La sobriété des comédiens, empreints d’une fragilité contenue, confère à l’ensemble une humanité touchante — les enfants, notamment, sont admirables de justesse dans leur peur nue. À tel point qu’on en vient, au fil du récit, à éprouver une émotion poignante à l’idée de leur destin vacillant.

La crédibilité des personnages se double d’un volet quasi documentaire autour du couple Warren : James Wan crédibilise leur fonction avec force détails, mêlant images d’archives et foi catholique fervente. Leur manière de dissocier le vrai du faux, leur solidarité mutuelle face aux forces du Mal, leur connaissance des domaines occultes… tout cela renforce l’épaisseur de leur rôle. Jusqu’à cette pièce secrète, où s’entassent les objets maudits récoltés au fil des exorcismes — reliques du cauchemar ordinaire.

Si la première heure, parfois terrifiante, distille avec brio la suggestion d’une angoisse tapie dans l’ombre, la seconde bascule dans une intensité sensorielle presque insoutenable. La peur prend chair, se densifie, s’épanche dans un crescendo de visions d’effroi culminant lors d’un exorcisme fiévreux et désespéré.

"Panique sacrée".

Grâce à cette densité dramatique, James Wan signe avec The Conjuring un film d’épouvante d’une redoutable efficacité. Rigoureux, affolant, et d’une maîtrise technique éclatante (plan-séquence d’ouverture, travellings aériens, cadrages alambiqués), il exploite à merveille les recoins ténébreux d’une bâtisse gothique, tout en convoquant de véritables poussées d’angoisse — brutales, irrationnelles, jamais racoleuses. Car ici, on ne sait jamais d’où viendra l’attaque. Ni qui sera la prochaine proie.

Pensé comme un train fantôme en guise de déclaration d'amour au film de possession et de demeures hantées, The Conjuring ne se repose jamais sur une vacuité mercantile. Il tient ses promesses. Et provoque une peur panique comme le cinéma horrifique nous en offre trop rarement. Un électrochoc spectral, orchestré avec foi et frisson.

*Bruno

La Chronique de The Conjuring 2: http://brunomatei.blogspot.fr/…/conjuring-2-le-cas-endfield…

02.06.25. 3èx. 4K Vost

24.08.13 (232)
20.06.16

                                       

Dead Silence

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site screen-play.fr

de James Wan. 2007. U.S.A. 1h31. Avec Ryan Kwanten, Amber Valleta, Donnie Wahlberg, Michael Fairman, Joan Heney, Bob Gunton, Laura Regan.

Sortie salles France: 21 Novembre 2007. U.S: 16 Mars 2007

FILMOGRAPHIE: James Wan est un producteur, réalisateur et scénariste australien né le 27 Février 1977 à Kuching (Malaisie), avant de déménager à Perth (Australie).
2004: Saw, 2007: Dead Silence, Death Sentence, 2010: Insidious. 2013: The Conjuring. 2013: Insidious 2.

Au 6è siècle avant J.-C., on croyait que les esprits des morts parlaient du ventre des vivants. 

Des mots latins VENTER: "ventre" et LOQUI: "parler" vient le mot VENTRILOQUE (ventriloquist)

"Dead Silence : la langue des morts".

Trois ans après le cultissime Saw, James Wan poursuit son sillon horrifique et rend hommage, cette fois, au conte d’épouvante avec Dead Silence. Un titre on ne peut plus juste : ici, pour survivre, il ne faut surtout pas crier… mais garder le silence.

Synopsis: Un couple reçoit un colis anonyme contenant une poupée ventriloque. Peu après, la femme est retrouvée morte, la langue arrachée. Jamie Nash, son époux, entame alors sa propre enquête, laquelle le ramène dans sa ville natale, là où plane encore l’ombre de Mary Shaw, spectre vengeur qui terrorise les vivants.

Le premier éloge à faire au nouveau prodige de l’horreur, c’est l’éclat esthétique de sa scénographie gothique, d’un raffinement classieux. Porté par une photo désaturée tranchant avec un rouge rutilant, Dead Silence éblouit : James Wan cisèle ses cadres avec une ambition picturale rare. Qu’il s’agisse d’un amphithéâtre flambant neuf ou tombé en ruines, d’un cimetière diaphane, d’une bâtisse aux lignes mortuaires ou d’un village fantôme, tout suinte la beauté glaciale d’un cauchemar ancien.
Cette atmosphère séculaire d’une épouvante gothico-onirique captive d’autant plus que le pitch recycle habilement de vieilles ficelles — peur du noir, angoisse du mutisme — pour mieux les réinventer sous les traits d’une mégère flétrie flanquée d’une poupée sardonique.

À l’image d’un prologue terrifiant, James Wan orchestre un montage fin, distillant l’appréhension d’un danger diffus et sculptant le silence avec une précision sonore acérée. En jouant sur la peur enfantine de la poupée figée, il déclare son amour aux automates hagards, ici possédés par l’esprit vengeur de Mary Shaw. Dans un élan d’originalité, il revisite la figure du spectre maudit sous les traits d’une sexagénaire hargneuse, décidée à faire taire à jamais les enfants insolents en leur tranchant la langue.

Si Dead Silence parvient efficacement à ressusciter une épouvante archaïque, on peut peut-être se désolidariser de son épilogue, totalement dérisoire. Un rebondissement faisant écho à l’effet de stupeur déjà invoqué dans Saw, pour à nouveau décoiffer le spectateur. Or, cet épilogue poursuit sa ligne de conduite narrative à manipuler à sa guise l'ultime victime telle un pantin désarticulé. 

"Le cri dans la gorge, le silence en héritage".

Efficacement troussé dans une intrigue captivante et parsemé de moments véritablement effrayants — son prologue meurtrier, les apparitions de Mary Shaw, la première représentation de Billy devant un public suffoqué, ou encore le final confiné sous une tribune poussiéreuse — Dead Silence joue avec une macabre dérision et un soin formel redoutable. Il orchestre avec brio le ballet sinistre entre silence oppressant et cri interdit.

*Bruno

09.06.25. 4èx. Vost

23.08.13. 

"Le bois grince, les ventres se taisent" — Dead Silence, James Wan (2007).
Il y a dans ce film quelque chose d’inhumainement froid. Un vide creusé dans la bouche des morts. Un hurlement qu’on n’a pas entendu, mais dont l’écho racle encore les murs de nos nerfs.

James Wan, jeune architecte de cauchemars, délaisse ici les chaînes et les pièges de Saw pour bâtir un mausolée gothique, un théâtre du silence où les morts parlent par l’intermédiaire du bois poli et des yeux de verre. Dead Silence n’est pas un film qui crie. C’est un murmure humide. Une comptine que chuchotent les cercueils fermés.

Au cœur du récit, Mary Shaw, spectre aux lèvres figées, fait de ses poupées les prolongements d’un traumatisme irrésolu. Elle ne tue pas. Elle recompose, découpe les corps pour mieux en faire des accessoires de théâtre. Elle sculpte les âmes avec la précision d’un artisan maudit. Ses marionnettes sont des cercueils miniatures, des orphelins sans fils visibles.

Et Jamie, lui, traverse ce récit comme un mort-vivant égaré. Son visage de veuf prématuré se décompose à mesure que les secrets remontent, que le passé familial remonte par la trachée, comme une bile noire. La vérité, au fond, c’est que tout le monde est déjà mort. Les vivants ne sont que des pantins avec un peu d’illusion dans les yeux.

Le théâtre abandonné, l’éclairage au néon malade, les chambres vides, tout semble exsangue. La mise en scène respire par spasmes. Chaque plan est une crypte. Chaque coupe, un cercueil qui claque.

Et puis vient la fin. Le dernier retournement. Celui qui serre la gorge et laisse une brûlure dans les amygdales. Le père mort depuis longtemps, manipulé comme un pantin humain… Mary Shaw qui vit encore, parasite silencieux logé dans une nouvelle hôte. Alors Jamie crie. Et c’est ce cri — enfin — qui le condamne.

Dans ce monde-là, ce n’est pas la mort qui tue, c’est le son.

Dead Silence, derrière sa trame de série B assumée, évoque la transmission du mal comme un virus généalogique, un poison logé dans la langue. C’est un film hanté, pas seulement par des fantômes, mais par les mots qu’on n’a pas su taire, les cris qu’on a laissés sortir. Un conte cruel pour adultes endormis.

Ne criez pas.

Elle écoute.

TONNERRE DE FEU (Blue Thunder)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

de John Badham. 1983. U.S.A. 1h49. Avec Roy Scheider, Warren Oates, Candy Clark, Daniel Stern, Paul Roebling, David Sheiner, Joe Santos, Malcolm McDowell.

Sortie salles France: 17 Août 1983. U.S: 13 Mai 1983

FILMOGRAPHIE: John Badham est un réalisateur et producteur britannique, né le 25 Août 1939 à Luton.
1976: Bingo. 1977: La Fièvre du samedi soir. 1979: Dracula. 1981: C'est ma vie après tout. 1983: Tonnerre de feu. 1983: Wargames. 1985: Le Prix de l'exploit. 1986: Short Circuit. 1987: Etroite Surveillance. 1990: Comme un oiseau sur la branche. 1991: La Manière Forte. 1992: Nom de code: Nina. 1993: Indiscrétion Assurée. 1994: Drop Zone. 1995: Meurtre en suspens. 1997: Incognito. 1998: Road Movie.

"IL" EST LA...
Pilotant l'arme la plus redoutable jamais conçue...
Le "TONNERRE DE FEU" !
En son pouvoir, une caméra infra rouge voit au travers des murs de votre chambre.
Un micro enregistre toutes vos conversations intimes.
Et un canon électronique, magnum de 20 mm à six barillets, peut transformer votre quartier en un véritable enfer d'apocalypse.
Il vole, LA, juste au dessus de vous !
Et SEUL, un homme peut l'empêcher d'être utilisé contre vous.

Réalisé John Badham, briscard du cinéma de genre, Tonnerre de Feu fit grand bruit lors de sa sortie en salles en 1983 pour la facture ultra spectaculaire de son action explosive et l'idée singulière d'un appareil de filature façonné pour l'espionnage. D'après un scénario de Dan O'Bannon, le film s'approprie d'un argument d'anticipation afin de mettre en garde les dérives des technologies modernes et les nouveaux procédés de surveillance à distance. En l'occurrence, John Badham imagine la conception révolutionnaire du Blue Thunder (en français: tonnerre bleue !). Un hélicoptère ultra perfectionné apte à espionner par caméra infrarouge à travers les murs, écouter et enregistrer les conversations indiscrètes à l'aide d'un micro, et tirer à canon électronique sur n'importe quelle cible. Cette arme ultra moderne étant principalement conçue pour mieux déjouer la violence urbaine et le terrorisme de grande ampleur à l'approche des jeux olympiques. Suite à l'agression meurtrière d'une militante contre la délinquance, Spoil ! l'officier Frank Murphy va découvrir que cet assassinat avait été prémédité par des dirigeants policiers et magistrats afin de vanter l'efficacité novatrice du Blue Thunder. Conscient de son utilisation illicite, Frank décide de dérober l'appareil et tente de dévoiler aux médias une conspiration politique. Fin du Spoil.

Avec sa mise en scène virtuose déployant des séquences homériques au souffle épique, Tonnerre de Feu coiffe au poteau la plupart des films d'action entrepris durant la décennie 80. Et il faudra attendre le maître étalon du genre, Die Hard de John Mc Tiernan pour retrouver une telle efficacité narrative et surtout une ampleur visuelle décoiffante imputée à sa pyrotechnie. Avec la présence attachante de trois gueules burinées invétérées (Roy Scheider magnétise l'écran avec son traditionnel charme viril, Warren Oates lui donne la réplique avec retenue et Malcolm McDowell excelle à les provoquer dans celui d'un traître sarcastique !), John Badham possède un don inné pour élaborer un spectacle attractif à partir d'une réflexion alarmiste sur la vidéosurveillance. Car il faut bien le dire, l'aspect fascinant de son argument en revient tout autant à la star charismatique du "Blue Thunder", engin aérien pourvu de gadgets indécents afin de prôner l'institution du "big brother". Il faut le voir se faufiler entre les buildings des cités urbaines pour contrecarrer moult poursuites endiablées parmi des avions de chasse ! A cet égard, durant ces 45 ultimes minutes, John Badham nous peaufine assidûment un spectacle ahurissant de haute voltige à la technicité fluide (looping à l'appui !). C'est simple, nous sommes véritablement immergés dans la peau d'un pilote d'aéronef survolant en plein ciel sa trajectoire avec la souplesse d'une action virevoltante (chassés croisés avec rivaux qualifiés pourchassant Murphy à l'aide de missiles orientés vers des tours d'immeubles !).

D'une efficacité optimale par sa densité narrative et sa puissance formelle, Tonnerre de Feu transcende le cinéma d'action sous l'impulsion d'un appareil de sécurité anti-terroriste apte à violer notre vie privée par le truchement de dissidents. Jouissif en diable, il demeure un grand spectacle de virtuosité technique d'un réalisme rigoureux et à la thématique visionnaire. 

22.08.13. 3èx
BM

THIRTEEN. Prix de la mise en scène à Sundance. Prix du Jury à Deauville.

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Catherine Hardwicke. 2003. U.S.A. 1h35. Avec Holly Hunter, Evan Rachel Wood, Nikki Reed, Jeremy Sisto, Brady Corbet, Kip Pardue, deborah Kara Unger.

Sortie salles France: 10 Décembre 2003. U.S: 21 Août 2003

FILMOGRAPHIE:  Catherine Hardwicke est une réalisatrice, scénariste et chef décoratrice américaine, né en 1955 à Cameron (Texas, Etats-Unis).
2003: Thirteen. 2005: Les Seigneurs de Dogtown. 2006: La Nativité. 2008: Twilight, chapitre 1. 2011: Le Chaperon Rouge. 2012: Plush.

Pour son premier long-métrage, la future réalisatrice du 1er tome de Twilight a entrepris avec Thirteen un véritable coup de maître en autopsiant l'adolescence en perdition face à une éducation parentale atone. A cause d'une mauvaise influence, une jeune collégienne de 13 ans sombre dans la marginalité et la drogue devant l'impuissance de sa mère. Filmé à l'arraché dans un souci documentaire, Thirteen est une oeuvre forte d'une fragilité acerbe pour souligner le malaise existentiel d'une jeune adolescente prise au piège de la mauvaise influence d'une camarade de lycée. Ensemble, elles décident de former un tandem d'allumeuses impertinentes pour draguer les beaux mâles du quartier tout en se livrant à une vie délinquante en commettant divers larcins dans les boutiques friquées. Tatouages et piercings imprimés sur leur corps dans des défroques aguichantes, ces dernières s'entreprennent de brûler leur vie sous l'influence du sexe, de la drogue et de l'alcool !

Face au laxisme d'une mère aimante et attendrissante, sa fille Tracy en profite pour dicter sa loi et sa rébellion mais ne peut refréner ses scarifications commises sur son poignet, faute d'un malaise existentiel toujours plus ingérable et du manque affectif d'un paternel inexistant. Dépassée par les évènements, la mère démunie éprouve une impuissance grandissante à tenter de renouer les liens familiaux. Sans misérabilisme ni pathos, Catherine Hardwicke suit la pénible dérive de cette mère et la descente aux enfers de ces deux adolescentes avec un souci de réalisme ardu pour mettre en exergue la responsabilité parentale bannie de sa notion enseignante. Si Thirteen s'avère aussi froid et bouleversant, il le doit notamment au talent de ces comédiennes d'une justesse confondante. Pour incarner une mère instable desservie par un récent divorce, Holly Hunter apporte une gracile dimension humaine pour tenter de raisonner sa fille plongée dans la spirale de l'insouciance. Pétillante d'énergie mais aussi démunie par sa fragilité morale, Evan Rachel Wood insuffle une contrariété latente vibrante de vérité pour retranscrire son désarroi existentiel d'une crise adolescente face à l'influence peu recommandable de son acolyte. Nikki Reed lui partage donc la vedette avec sournoiserie et désinvolture afin de souligner son caractère inconscient d'allumeuse dévergondée.

Moi, Tracy F... 13 ans, droguée et scarifiée

Ovationné et récompensé dans divers festivals, Thirteen marche sur les traces d'un Larry Clark pour mettre en relief le difficile cap de l'adolescence (en l'occurrence, du point de vue féminin !), compromis entre la fascination de l'interdit, le désir d'émancipation et l'influence des mauvaises fréquentations. Il en ressort une oeuvre bouleversante faisant office de véritable documentaire pour souligner l'introspection douloureuse d'une adolescente en crise existentielle, tout en s'attardant sur la remise en question parentale. 

21.08.13.
2èx

Récompenses: Prix de la mise en scène au Festival de Sundance.
Léopard d’argent au Festival de Locarno, 2003.
Prix du jury au Festival du cinéma américain de Deauville.
Prix spécial décerné à Evan Rachel Wood pour sa prestation dans le film en 2003 au Bratislava International Film Festival