La Belle et la Bête. Prix Louis Delluc, 1946

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jean Cocteau. 1946. France. 1h34. Avec Jean Marais, Josette Day, Michel Auclair, Mila Parély, Nane Germon, Marcel André, Raoul Marco, Jean Cocteau, Christian Marquand.

Sortie salles France: 29 Octobre 1946. U.S: 23 Décembre 1947

FILMOGRAPHIE: Jean Cocteau est un réalisateur, dessinateur, poète, graphiste, dramaturge français, né le 5 Juillet 1889 à Maisons-Laffitte, décédé le 11 Octobre 1963. 1930: Le Sang d'un Poète. 1946: La Belle et la Bête. 1948: l'Aigle a 2 têtes. 1948: Les Parents Terribles. 1950: Orphée. 1960: Le Testament d'Orphée.

“Lorsque vous lui ouvrez la porte, la magie est partout.”

Chef-d'oeuvre mythique du cinéma français, La Belle et la Bête était déjà entrée au panthéon des contes légendaires sous la plume de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont dans son classique homonyme publié en 1757. De par l'ambition formelle du poète Jean Cocteau, cette version cinématographique se joue du trucage de prestidigitation et du maquillage afin de matérialiser l'histoire d'amour féerique entre une bête humaine et une belle candide. Le pitch: Afin de sauver son père d'une inévitable sentence, une jeune fille est contrainte de partir à la rencontre de la bête, seigneur mi-homme mi-animal vivant reclus dans un immense château. Ce dernier tombe subitement amoureux de la Belle ! Peu à peu, une relation affectueuse se noue entre eux ! Conte universel sublimant les thèmes de la virginité de l'âme, du droit à la différence, de la duperie des apparences ainsi que de la rédemption de l'amour, La Belle et la Bête  perdure son pouvoir ensorcelant d'onirisme baroque sous la direction d'un cinéaste à son apogée. 

Car en technicien circonspect, Jean Cocteau croit tant à la puissance de ses images picturales qu'une inévitable aura fantasmatique s'y dégage. Et si la candeur de ces plages poétiques atteignent une telle intensité irréelle, elle le doit notamment à l'interprétation transie de fragilité de Jean Marais. L'acteur livrant également un triple rôle de personnages contradictoires dans leur démarche autoritaire à daigner conquérir une dulcinée. Mais c'est inévitablement dans la peau de la Bête que l'acteur maquillé transcende une charge émotionnelle en demi-teinte pour son amour voué à la Belle. Débordant d'affection pour cette jeune inconnue mais prisonnier de sa propre apparence monstrueuse, la Bête est contrainte d'escompter la réponse de sa bien-aimée dans un espoir élégiaque d'une rare puissance expressive. Beauté pastel incarnant la douceur la plus ténue, Josette Day lui offre la réplique avec l'élégance sensuelle d'une âme innocente. D'abord réticente à sa proposition insensée (une demande de mariage contre la vie de son père !), la Belle va peu à peu apprendre à connaître la Bête, comprendre sa fougue mais aussi son désarroi des sentiments en faisant fi de sa laideur corporelle. Leur incroyable destin se condensant à l'acuité de l'amour capable d'amadouer l'agressivité du monstre le plus indomptable.

Il était une fois.....
Baignant dans un esthétisme monocorde à l'architecture baroque, La Belle et la Bête fait véritablement office d'ovni insolite à travers sa variation sur la catharsis de l'amour capable de convertir l'être le moins influent. Au delà de son imagerie foisonnante où la féerie atteint une dimension hors norme, le duo d'amants maudits formé par Jean Marais et Josette Day reste sans nulle doute l'un des plus beaux couples de l'histoire du cinéma. Et rien que pour leur présence à la fois irréelle et fantasmagorique, la Belle et la Bête est à voir et à revoir pour en saisir toute son essence difficilement descriptible par les mots. 

*Bruno Matéï

La critique d'un autre ovni aussi fantasmatique : http://brunomatei.blogspot.fr/2012/11/la-belle-et-la-bete-panna-netvor-prix.html

24.05.22. 4èx

08.10.13. 

Le Blu-ray est un miracle formel !

THE WAY, LA ROUTE ENSEMBLE

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site aceshowbiz.com

de Emilio Estevez. 2010. U.S.A/Espagne. 2h01. Avec Martin Sheen, Emilio Estevez, Deborah Kara Unger, Yorick van Wageningen, James Nesbitt.

Sortie salles France: 25 Septembre 2013. Canada: 10 Septembre 2010. U.S: 7 Octobre 2011. Espagne: 19 Novembre 2010

FILMOGRAPHIE: Emilio Estevez est un acteur, réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 12 Mai 1962 à New-York.
1986: Wisdom. 1990: Men at Work. 1996: The War at home. 2000: Classé X. 2005: Culture Clash in AmeriCCa. 2006: Bobby. 2010: The Way.

Venant d'apprendre la mort de son fils durant un pèlerinage, un père décide d'accomplir le même trajet de dévotion afin de justifier son décès. 

Récit initiatique sur l'accomplissement de soi, l'espoir et la foi en l'âme, The Way est une odyssée humaine inscrite dans la plénitude. Une randonnée pédestre de 800 kms parcourue par quatre pèlerins à travers la France et l'Espagne. Acteur notoire de second rôle dans les années 80, Emilio Estevez (fils de Martin Sheen) endosse la fonction de réalisateur pour mettre en exergue ce projet personnel qui lui tenait à coeur. Mettre en scène son propre père alors que Martin Sheen avait déjà effectué un pèlerinage en compagnie de son petit fils. C'est d'ailleurs Taylor Estevez, fortement marqué par ce périple spirituel, qui lança l'idée à son père d'en concrétiser un long-métrage.
C'est avec une grande simplicité qu'Emilio Estevez nous retrace l'odyssée mystique d'un père endeuillé, profondément marqué par la disparition soudaine de son fils de 40 ans. Souvent sujet à des opinions de divergence, les deux hommes entretenaient peu de rapports courtois. Aujourd'hui accablé par la douleur, Thomas Avery décide à son tour de reprendre le même cheminement après avoir récupérer les cendres de son fils pour les déposer au lieu-dit. Au fil de son long voyage, cet ophtalmologiste un peu bourru va parcourir nombre de kms parmi l'entremise de trois autres pèlerins tout aussi méditatifs et indécis.

Leçon de vie, hymne à la beauté immaculée de la nature, The Way s'érige en aventure cosmopolite durant ces rencontres fortuites avec son lot de citadins éclectiques. Une longue marche pédestre émaillée d'improvisations, quiproquos et déboires auquel quatre aventuriers vont tenter de regagner leur dignité. Avec pudeur et bonhomie sincère, Emilio Estevez réussit à rendre attachante cette quête initiatique sans pathos et avec l'intégrité de protagonistes perfectibles.
Outre le jeu dépouillé des comédiens, c'est bien évidemment la présence notable de Martin Sheen qui prodigue le souffle lyrique octroyée à cette randonnée. A travers ses yeux renfrognés de paternel vieillissant, le comédien insuffle une humanité fragile davantage gagnée par la conviction de son engagement mais aussi la fraternité de ces camarades.

Vivre libre
Entrecoupé de tubes mélodiques, The Way surprend par le ton de sa simplicité et l'émotion qu'il finit par engendrer au fil de son cheminement spirituel. Parfois touché par une grâce céleste (l'incroyable séquence de recueillement dans la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle nous ébranle le coeur par son improvisation émotionnelle !) et privilégié par un quatuor de comédiens attachants, The Way est une épopée qui rassemble, éloge humaniste à la tolérance et au respect de soi. 
Beau à en pleurer.

A mon frère de coeur Pascal...
07.10.13
Bruno Matéï

La critique de mon ami Gilles Rolland ! http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-the-way-route

BERBERIAN SOUND STUDIO. Prix Spécial du Jury, Prix de la Critique à Gérardmer, 2013

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site wildside.fr

de Peter Strickland. 2012. Angleterre. 1h32. Avec Toby Jones, Tonia Sotiropoulo, Susanna Cappellaro, Cosimo Fusco.

Sortie salles Royaume-Uni: 28 Juin 2012

Récompenses: 2013: Prix spécial ex-æquo du Jury au Festival du film fantastique de Gérardmer.
2013: Prix de la critique au Festival du film Fantastique de Gérardmer.

2012: Mention spéciale du jury au Festival international du film de Catalogne.
2012: British Independent Film Award du meilleur film, du meilleur acteur pour Toby Jones, meilleure production, meilleur technicien
2013: London Film Critics Circle Awards: Film britannique ou irlandais de l'année, Acteur britannique de l'année

2013: Evening Standard British Film Awards: Meilleur acteur pour Toby Jones

FILMOGRAPHIE: Peter Strickland est un réalisateur et scénariste anglais, né en 1973 à Reading, Berkshire, en Angleterre.
2009: Katalin Varga. 2012: Berberian Sound Studio.

Comment établir une opinion objective quand on se retrouve confronté à une expérience imbitable ? Mise en abyme du milieu du cinéma, Peter Strickland souhaite rendre hommage à ces bruiteurs de films d'exploitation à travers le portrait d'un sexagénaire timide et introverti, venu exercer auprès d'un studio précaire de l'Italie. De toute évidence, le réalisateur est indéniablement nostalgique de l'époque des années 70 où fleurissaient les premiers giallos et l'ascension d'un Argento en pleine expérimentation avec son opéra lyrique Suspiria. Pour preuve, le film se situe à cette période charnière où les tueurs gantés violaient les femmes à l'aide d'un couteau acéré et se focalise sur un pitch occulte à base de sorcières et de prêtres inquisiteurs. Fourmillant de détails techniques sur la manière dont les bruitages sont façonnés par les ingénieurs du son et où les actrices néophytes tentent de doubler des hurlements stridents, Berberian Sound Studio dévoile l'envers du décor à l'instar d'un livre de cuisine. Puisqu'ici, les légumes y occupent une place éloquente, comme le fait de simuler à l'aide d'un chou-fleur ou d'une pastèque le son d'une lame de couteau pénétrant la chair humaine. Au milieu de cette hiérarchie destructurée par des cinéastes véreux et lubriques, notre bruiteur Gilderoy semble déboussolé à élaborer tous ces bruitages hostiles. Au fil des synchronisations, leur intonation horrifique s'avère si dérangeante et récurrente qu'il commence à perdre pied avec la réalité. Victimes d'hallucinations (ou d'une machination exercée par une troupe de techniciens perfides), Gilderoy semble se fondre avec l'illusion de la toile blanche pour se perdre à jamais dans l'abyme du silence.

Si un bonne partie du public risque de décrocher devant cette expérience hermétique, languissante, voire rébarbative, le soin alloué à sa mise en scène travaillée, le jeu des éclairages contrastant avec une superbe photo sépia, la reconstitution rétro du studio et l'alchimie inquiétante des comédiens inconnus nous rappellent les beaux jours d'un cinéma pragmatique épris de singularité. Qui plus est, à travers cette scénographie peu exploitée au cinéma, une ambiance lourde s'y détache avec une aura insolite prégnante où fiction et réalité succombent à s'uniformiser !

A vous de juger si Berberiand Sound Studio mérite les louanges qu'il a pu recevoir dans certains festivals et si cette leçon de cinéma impartie à la synchronisation du doublage et des bruitages s'avère aussi adroite et dialectique. De toute évidence, un second visionnage devrait être fructueux (du moins pour mon compte personnel !) afin de mieux déceler les tenants et aboutissants du cinéaste auteurisant. Au cas où, je revendrais plus tard avec une opinion plus tranchée...

04.10.13
Bruno Matéï

3096

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinebel.be

de Sherry Hormann. 2012. Allemagne. 1h51. Avec Thure Lindhardt, Antonia Campbell-Hughes, Amelia Pidgeon, Trine Dyrholm, Vlasto Peyitch.

Sortie salles Autriche: 25 Février 2013. Allemagne: 28 Février 2013

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sherry Hormann est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né en 1960 à Kingston, New-York, U.S.A.
1994: Frauen sind was Wunderbares. 1996: Fête des pères. 1998: Widows. 1998: Die Cellistin. 2001: Private Lies (télé-film). 2002: My Daughter's Tears. 2003: Le Merveilleux Noël de Lena (télé-film). 2004: Männer wie wir. 2007: Helen, Fred et Ted (télé-film). 2009: Fleur du Désert. 2012: Anleitung zum Unglücklichsein. 2013: 3096

Récit authentique du célèbre kidnapping de Natascha Kampusch, jeune fille autrichienne enlevée par un ravisseur à l'âge de 10 ans, puis épargnée de son calvaire après 3096 jours de captivité, ce drame éprouvant est transposé ici avec refus de voyeurisme dans sa volonté de retransmettre sans complaisance l'affliction d'une victime juvénile soumise à un sociopathe. Dans une chronologie elliptique, le réalisateur décrit avec réalisme blafard le calvaire de Natascha dès le jour de son enlèvement, c'est à dire le 2 mars 1998, jusqu'à sa liberté retrouvée à sa majorité le 23 Août 2006. Se raccrochant au témoignage de la véritable Natascha Kampusch répertorié dans son livre autobiographique, le film s'évertue à fidèlement reconstituer ses écrits en insistant sur les rapports étroits (parfois même amicaux !) que le couple finissait par entretenir.

Ce qui frappe d'entrée avec ce huis-clos aussi étouffant que dérangeant, c'est la rigueur de sa mise en scène épurée réfutant la moindre fioriture pour coller au plus près de la réalité, renforcée par la sobriété des comédiens étonnants de vérité. Superbement dessinés, Sherry Hormann leur accorde une attention circonspecte afin de mettre en exergue les rapports dysfonctionnels de la victime et du bourreau. Pour incarner la fragilité d'une adolescente famélique soumise à l'humiliation, le viol et les châtiments corporels, Antonia Campbell-Hughes retransmet avec fragilité son désarroi quotidien à devoir se réfugier dans un cachot en tolérant l'autorité castratrice d'un misogyne sexuellement refoulé. Avec son regard glaçant d'austérité et sa posture impassible, Thure Lindhardt incarne un tortionnaire avide de prépondérance afin de réduire à l'asservissement sa victime démunie. Littéralement transi de frustration irascible face à la gente féminine, l'acteur insuffle un jeu cynique d'autorité sadienne afin de mieux dissuader sa proie à s'échapper. Enfin, durant son 1er acte d'embrigadement, il faut souligner l'incroyable justesse de la petite Amelia Pidgeon, endossant avec un naturel impressionnant celle d'une fillette candide livrée à une claustration de longue haleine. Ces châtiments intentés tels que la privation de nourriture et la violence punitive nous plongent dans une dérive psychologique difficilement supportable.

En jouant la carte de l'émotion prude et du refus du sensationnalisme, 3096 s'érige en témoignage bouleversant pour retracer le calvaire inlassable d'une adolescente aussi découragée (sa tentative de suicide afin de mettre un terme à son isolement) que combative (ses tentatives d'évasion). Les rapports troubles qu'elle entretenait avec son ravisseur rajoute une aura insolite à cette séquestration auquel le jeu subtil des comédiens puise toute sa force émotionnelle. 
Pour clore, si quelqu'un peut m'expliquer pour quelle raison ce témoignage fidèlement respectueux, approuvé par la véritable Natascha Kampusch, s'est honteusement retrouvé banni de nos écrans français !

La critique de Loic Bugnon: http://www.grimmovies.com/2013/10/20/3096-sherry-hormann-2012/

Dédicace à Jenny Winter
02.10.13
Bruno Matéï

OVER THE TOP (le Bras de Fer)

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site dbcovers.com

de Menahem Golan. 1987. U.S.A. 1h33. Avec Sylvester Stallone, Robert Loggia, Susan Blakely, Rick Zumwalt, David Mendenhall, Chris McCarty.

Sortie salles France: 8 Avril 1987. U.S: 13 Février 1987

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Menahem Golan est un producteur, réalisateur, scénariste et acteur israélien, né le 31 Mai 1929 à Tibériade (Palestine mandataire).
1977: Operation Thunderbolt. 1984: Over the Brooklyn Bridge. 1986: Delta Force. 1987: Over the Top. 1990: Mack the Knife. 2006: Rikod Mesokan.

1987 est une année déclinante pour la star notoire Sylvester Stallone car après son modeste succès commercial Cobra, Over the Top se solde comme le plus sévère échec de sa carrière. Un an plus tard, le 3è volet de Rambo suit la même pente régressive (Razzie Award à l'appui !) même si on s'éloigne du fiasco antécédent. Réalisé par Menahem Golan, spécialiste de l'actionner bourrin décérébré (Delta Force), affilié à son cousin producteur Yoran Globus, Over the Top fait surtout la part belle aux bons sentiments dans les rapports conflictuels entre un routier divorcé et son jeune fils dont la garde lui a été soutiré par un grand-père cupide. Après 10 ans d'absence, sous la recommandation de son ex femme mourante, Lincoln Hawk doit renouer les liens familiaux avec Michael Cutler, rejeton capricieux et impétueux couvé par une existence bourgeoise. En parallèle, notre routier s'envisage de concourir au championnat de bras de fer afin de pouvoir acquérir un camion mais aussi prouver à son jeune fils qu'il n'est pas le raté que l'aïeul avait toujours prétendu.

A grand renfort de clichés sirupeux, de morale bien pensante et de cabotinage d'acteurs, Over the Top tente de nous émouvoir avec cette cohésion parentale entretenue entre un prolétaire au grand coeur et son jeune fils plein d'orgueil. Afin de ne pas occulter les fans de l'illustre star du cinéma d'action des eighties, Menahem Golan et Stallone himself (puisque notamment assisté au poste de co-scénariste), imaginent la trouvaille originale d'une compétition de bras de fer afin d'enchérir encore vers le milieu sportif où la rivalité des affrontements (dialogues impayables à l'appui !) culmine sa trajectoire vers un dernier combat plutôt intense.
Et le miracle de se produire ! Car grâce à la bonhomie irrésistiblement attachante de Sly, cette série B triviale réussit avec modeste efficacité à se dépêtrer d'une intrigue prévisible pour mettre en valeur les les rapports humanistes de la filiation parentale. A l'aide de chansons entraînantes et du score rétro de Gorgio Moroder, Over the Top attise donc la sympathie dans son dosage d'action et d'émotion, tout en véhiculant les valeurs sociales fondées sur la volonté de la réussite et le désir de transcender ses doutes. Si le marmot aux yeux bleux cabotine à n'en plus finir dans ses crises de colère intolérantes, Sylvester Stallone réussit à lui imposer son autorité avec l'éthique d'un père imparfait mais dévoué à enseigner le privilège de la victoire.

Real steel
Terriblement naïf, désuet et bourré de bons sentiments, Over the Top est l'exemple type du divertissement calibré, préalablement conçu sur la notoriété de son icône d'action. Sauvé par la présence pleine d'humilité de Sylvester Stallone, cette odyssée humaine insuffle abondamment une émotion candide et rehausse l'intensité des enjeux vers un point d'orgue spectaculaire.

01.10.13. 3èx
Bruno Matéï

UN ETE POURRI (The Mean Season). Grand Prix à Cognac.

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

de Philip Borsos. 1985. U.S.A. 1h44. Avec Kurt Russel, Mariel Hemingway, Richard Jordan, Richard Masur, Richard Bradford, Joe Pantoliano, Andy Garcia, William Smith.

Récompenses: Grand Prix spécial TF1 à Cognac, 1986
Prix du Public, 1986

Sortie salles France: 24 Juillet 1985. U.S: 15 Février 1985

FILMOGRAPHIE:  Philip Borsos est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 5 Mai 1953 à Hobart (Australie), décédé le 2 Février 1995 à Vancouver (Canada).
1976: Cooperage. 1977: Spartree. 1979: Nails. 1982: The Grey Fox. 1985: Un Eté pourri. 1985: One Magic Christmas. 1990: Bethune: The Making of a Hero. 1995: Loin de la maison.

Thriller occulté de nos jours alors qu'il fut en 1986 couronné du Grand Prix et celui du Public à Cognac, Un Eté pourri est le seul film reconnu en France par le cinéaste Philip Borsos. Décédé en 1995, ce jeune réalisateur laisse derrière lui un petit thriller retors rondement mené auquel l'interprétation de Kurt Russel, en journaliste susceptible, et celle de Richard Jordan, en serial killer aussi patibulaire que goguenard, doivent beaucoup au caractère intense de leur confrontation.
Un journaliste devient l'instrument d'un serial-killer afin que ce dernier puisse accéder à une certaine notoriété auprès des médias et du public. 

D'après le roman In the Heat of the Summer de John Katzenbach, Un Eté Pourri est érigé sous le moule de la série B avec sagacité dans son scénario équivoque mettant en exergue les rapports troubles qu'un jeune journaliste doit entretenir avec un tueur en mal de renommée. Réflexion sur la quête de célébrité et le rapport cynique du journalisme à sensations, Philip Borsos confronte un duel haletant entre deux rivaux contraints de collaborer sous les feux des projecteurs. Alors que ce reporter commence à gagner une popularité grandissante auprès des médias, le tueur inconsidéré décide de prendre sa revanche sur son orateur afin de pouvoir renouer avec sa célébrité. Face à cette trahison, quoi de plus perfide que de mettre en place une une stratégie accès sur l'esprit de provocation et le rapt d'un otage. Dans ce jeu de duperie auquel leur rapport malsain est toujours plus étroit, c'est une course poursuite endiablée que le journaliste va devoir finalement entamer afin de retrouver ATTENTION SPOILER sa femme en vie. FIN DU SPOILER. Efficacement réalisé et surtout interprété avec dextérité par deux comédiens inflexibles, Philip Borsos alterne étude de caractères, meurtres en série et action trépidante dans une dernière partie riche en rebondissements. Avec un certain réalisme et l'effet de suggestion, il n'oublie pas de renforcer le caractère crapuleux de son intrigue vis à vis des crimes lâchement exécutés par un tueur sans vergogne. A l'image de cette séquence éprouvante auquel un bébé en larmes est retrouvé aux abords d'une forêt sous une pluie torrentielle alors que sa mère vient d'être découpée en morceaux !

En privilégiant la psychologie ambivalente de deux adversaires confrontés à l'ascension de la popularité, Philip Borsos redouble d'efficacité pour mettre en exergue leur rivalité possessive. Dominé par la présence indéfectible de Kurt Russel, ce solide thriller est notamment pourvu d'une atmosphère blafarde (la ville de Miami risque à tous moments d'être balayée par un ouragan !) que n'aurait pas renié Seven. 

27.09.13. 3èx
Bruno Matéï

Isolation. Grand Prix, Gérardmer 2006.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Billy O'Brien. 2005. Irlande/Angleterre/U.S.A. 1h35. Avec John Lynch, Essie Davis, Ruth Negga, Sean Harris, Marcel Lures, Crispin Letts, Stanley Townsend.

Sortie salles France: 7 Juin 2006

FILMOGRAPHIE: Billy O'Brien est un réalisateur irlandais.
2005: Isolation. 2014 : Scintilla (The Hybrid). 2016 : I Am Not a Serial Killer

Premier long-métrage du réalisateur irlandais Billy O'Brien, Isolation sort vainqueur de Gérardmer en remportant le prestigieux Grand Prix et celui de la critique. Influencé par Alien et The Thing, mais sans jamais prétendre les plagier, cette série B horrifique redouble d'efficacité dans une structure narrative imparable alliant suspense anxiogène, intensité éprouvante, terreur diffuse. Le Pitch: Dans une ferme, un agriculteur et son ex femme sont confrontés à une menace biologique d'un genre nouveau. Celle d'une mutation génétique fécondée par l'une de leur vache. Huis-clos étouffant régi en interne d'une ferme isolée, Isolation ne perd pas de temps pour immerger le spectateur lors d'une séquence d'accouchement aussi dérangeante qu'ultra réaliste. Si bien qu'un agriculteur et une vétérinaire tentent désespérément d'extraire du ventre de sa mère un veau. Mais suite à des manipulations génétiques expérimentées par l'homme, cette génisse y enfante un foetus difforme. Et ce dernier de produire à son tour 6 nouveaux embryons dans l'estomac de sa mère ! Ainsi, dans un climat à la fois humecté et insalubre où le peu de clarté s'avère ternie par la nuit, nos 2 fermiers, un scientifique et un jeune couple en escapade tenteront de se débarrasser d'une créature belliqueuse particulièrement insidieuse. Or, le problème avec cette nouvelle menace inconnue c'est qu'elle grossit rapidement après s'être nourrie de sang auprès de son hôte et qu'elle réussit par la même occasion à se démultiplier afin de propager une contamination. 

Pire encore, l'embryon est capable de corrompre des cellules humaines à partir d'une simple morsure et ainsi provoquer une future mutation chez l'homme ! Ce scénario catastrophe alarmiste, Billy O'Brien le retransmet avec souci de vérité et du détail scientifique. Epaulé de la sobriété de comédiens à la dimension humaine en désarroi (pour ne pas dire dépressive), Isolation distille une angoisse infiniment oppressante (juqu'au malaise viscéral) face à des situations inopinées toujours plus embarrassantes. Sa réalisation habile exploitant parfaitement les recoins glauques de son décor industriel (notamment un jeu contrasté d'éclairage limpide) et la manière pertinente dont le réalisateur structure l'embryon provoquant inévitablement l'effroi proprement dérangeant pour le spectateur incommodé par tant de visions à la fois horrifiantes, cauchemardesques, fétides. Sa morphologie indescriptible et son instinct de survie à se planquer dans les recoins insalubres distillant un suspense métronome auquel l'intensité des enjeux progressera d'un échelon vers son point d'orgue crucial. Sans esbroufe, le film joue donc la carte de l'ultra réalisme clinique en suscitant une appréhension anxiogène car il fait notamment appel à la peur contemporaine des manipulations génétiques. C'est à dire le fait d'oser intégrer des gènes étrangers, animaux ou végétaux, dans le corps d'un membre d'une espèce distincte, ou encore d'y altérer les gènes d'un organisme afin de l'améliorer et de le rendre plus rentable.

 

Un mutant à la ferme

A partir d'un canevas éculé, Billy O'Brien réinvente le huis-clos claustro et la menace animale avec une efficacité effroyablement implacable. Le caractère parano des protagonistes livrés à une épreuve de force impitoyable accentuant le côté docu-vérité de cette horreur viscérale auquel un monstre hybride aura décidé d'annihiler notre monde. Sa physionomie squelettique, sorte de lombric élaboré à partir d'os broyés et de viscères y transcende une oeuvre littéralement glauque, inquiétante, cauchemardesque de par la puissance de ses images crapoteuses terriblement dérangeantes... ad nauseam. Surtout lorsque l'on a affaire à une horreur écolo impartie à la cause bovine soumise à la mégalomanie de l'homme vénal.  

Pour Public averti.

*Bruno

26.09.13.

04.08.23. 3èx

Récompenses: Grand Prix à Gérardmer, 2006
Prix de la Critique à Gérardmer, 2006

Screamfest 2006 :

Meilleur film

Meilleure actrice Essie Davis

Meilleur réalisateur Billy O'Brien

Deadgirl

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Marcel Sarmiento et Gadi Harel. 2008. U.S.A. 1h41. Avec Shiloh Fernandez, Noah Segan, Michael Bowen, Candice Accola, Andrew DiPalma, Eric Podnar, Nolan Gerard Funk, Christina Blevins

Sortie salles France: 31 Janvier 2009 (DTV). U.S: 19 Septembre 2008

FILMOGRAPHIE: Marcel Sarmiento est un réalisateur, acteur, producteur, scénariste américain. 2003: It's better to be wanted for murder than not to be wanted at all. 2007: Toi, moi... et mon chien. 2008: Deadgirl.  2012: The ABCs of Death. Gadi Harel est un réalisateur et scénariste israélien, né le 16 Mai 1971. 2002: Operation Midnight Climax. 2008: Deadgirl (Co-réalisateur)

 

Teen movie au vitriol sorti directement en DTV dans nos contrées, Deadgirl est un ovni putrescent, difficilement digérable par son absence totale d’empathie envers ses protagonistes et cette provocation jusqu’au-boutiste distillant un malaise poisseux avec une irresponsabilité désarmante. Pour l’anecdote, le film est tiré d’un scénario de Trent Haaga, ancien membre de l’écurie déjantée Troma, à qui l’on doit notamment Toxic Avenger 4 et de nombreux caméos dans diverses productions de la firme.

Le pitch. Dans les sous-sols d’un hôpital abandonné, deux adolescents découvrent un cadavre dévêtu. Surgie de nulle part, cette femme en voie de putréfaction s’avère être une zombie enchaînée sur une table d’opération. Comment est-elle arrivée là, par qui, et depuis quand ? On ne le saura jamais. Pas plus que l’origine de ce chien-cerbère surveillant les alentours, comme voué à la protéger. L’un des deux étudiants décide alors de la violer, sombrant aussitôt dans un culte de la perversion.

À la sortie de la projo, il est presque indécent de dévoiler ses impressions tant l’expérience amorale semble dénuée de raisonnement, prisonnière des motivations putassières d’une bande de teenagers décomplexés. Avec la volonté évidente de choquer le spectateur et de l’entraîner dans un bad trip inédit (la séquestration d’un cadavre mourant restant un cas d’école dans les annales du zombie movie), Marcel Sarmiento et Gadi Harel n’hésitent jamais à renchérir dans le sordide, nous immergeant dans leurs exactions sexuelles.

Gang bang volontiers émétique à travers les échanges avec une esclave zombie. Épaulé par une photographie blafarde et des décors rubigineux, Deadgirl instille un malaise persistant en étalant les états d’âme véreux d’ados écervelés, galvanisés par les penchants nécrophiles de leur leader. Seul son acolyte restera l’élément le moins corruptible, parce que plus sensé, bien qu’incapable d’affirmer son refus ou d’extérioriser ses remords. Vivant reclus dans un foyer fracturé, entre l’absence de sa mère et la présence inhospitalière d’un beau-père alcoolique, Rickie rêve de conquérir une lycéenne inaccessible, déjà engagée auprès d’une “terreur” du lycée. Embarqué dans cette sordide spirale et incapable d’imposer une autorité, il se réfugie dans les bas-fonds de l’hôpital pour assister aux abus nécrophiles. Le climat nauséeux, l’ambiance de claustration, cette pièce calfeutrée où les lycéens s’embrigadent, convoquent un sentiment d’impuissance et de voyeurisme malsain. Sans issue, les réalisateurs prolongent l’épreuve de force immorale avec parfois une ironie sardonique déconcertante (la tentative grotesque d’enlèvement d’une fille stoïque sur un parking), jusqu’à une conclusion nihiliste, refusant la rédemption de l’amour. On sort de l’expérience incongrue aussi étrangement fasciné qu’éprouvé, avec l’amertume d’avoir participé à un délire scabreux dénué d’éthique.

L’Amour à mort.
Sous couvert de frustration sexuelle, de remise en question morale et d’émoi amoureux, Marcel Sarmiento et Gadi Harel dissèquent le malaise adolescent avec un parti pris aussi radical que profondément dérangeant. Deadgirl s’apparente alors à un teen movie nécrosé, véritable cauchemar existentiel d’une jeunesse dépravée, totalement larguée par la décence de la tendresse sentimentale. Quoi qu’on en dise, l’expérience a le mérite de réfuter les conventions de l'entertainment pour revendiquer son constat immoral, nous plongeant dans les abysses d’une horreur fétide difficilement oubliable.

À découvrir avec précaution.

— le cinéphile du cœur noir

25.09.13. 
15.01.24. 3èx

CURSE OF CHUCKY

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site bloody-disgusting.com

de Don Mancini. 2013. U.S.A. 1h33. Avec Brad Dourif, Fiona Dourif, Danielle Bisuttin, A Martinez, Brennan Elliott, Chantal Quesnelle, Kevin Anderson.

Sortie salles France: 1er Novembre 2013 (DTV). U.S: 8 Octobre 2013 (DTV)

FILMOGRAPHIE: Don Mancini est un scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 25 Janvier 1963.
2004: Le Fils de Chucky
2013: Curse of Chucky

9 ans ! C'est le temps qu'il aura fallu à Chucky pour remonter les marches et se refaire une santé vers nos salles obscures, ou plutôt devant la lucarne de notre téléviseur puisque Curse of Chucky est directement passé par la trappe DTV ! Au vu du résultat désastreux du produit, on comprends aisément qu'une exploitation au cinéma aurait été une sacré prise de risque, voir un suicide commercial imparable. Alors pourquoi ce Dtv réalisé par le scénariste attitré de la saga, Don Mancini, (déjà responsable de l'excellent l'opus précédent, le Fils de Chucky), se vautre dans la banalité avec une telle insignifiance ? A cause d'un scénario inepte affligeant de bêtise, de comédiens stéréotypés dénués de toute psychologie et se situations rebattues de plus en plus lassantes.

Si le prologue futilement plaisant et son générique techniquement retors annonçait une éventuelle série B sympathique, la suite des évènements va prendre une tournure toujours plus conventionnelle quand Don Mancini tente de distiller un suspense lattent avant d'escompter les prochaines exactions de notre poupée de sang ! (la séquence du souper empoisonné s'avère un bon exemple pour la science de son intensité attendue !).
En guise de deuil, et avec l'aimable présence d'un prêtre, un trio d'amants vient rendre visite à Nica, jeune célibataire impotente vivant recluse parmi l'assistance de sa mère. Mais un mystérieux colis laissé par le facteur va transformer leur paisible existence en canular cauchemardesque !
Durant 45 minutes, on tente de s'attacher à nos personnages dans le huis-clos restreint de cette demeure familiale auquel une soeur cupide tente de négocier à son aînée handicapée la revente de la maison familiale depuis le décès accidentel de leur mère. Pour accentuer le côté manipulateur de la mégère, celle-ci fornique avec une femme de ménage topless ATTENTION SPOILER !!! alors que son mari suspicieux a déniché une trouvaille ingénieuse pour la surveiller (planquer une mini caméra dans la poche de vêtement de Chucky !). FIN DU SPOILER. 

Ce genre d'idées inutiles, Curse of Chucky en regorge, à l'instar de l'étroite relation que le réalisateur souhaite raccorder avec le premier volet de la saga initiée par Tom Holland. Avec une certaine prétention et refus d'ironie mordante, le réalisateur improvise une filiation parentale afin de justifier les nouvelles motivations vindicatives de Chucky, mais aussi démystifier l'handicap corporel de notre héroïne. Et à se prendre trop au sérieux, ce Dtv trivial est donc plombé par une quasi absence de délire sardonique et la fadeur de quelques meurtres routiniers, à deux exceptions près ! (ATTENTION SPOILER !!! la mort du prêtre et celle du mari FIN DU SPOILER). Même son épilogue à tiroirs, clins d'oeil caustiques aux deux récents épisodes, ne fait preuve d'aucune originalité pour tenter de nous surprendre avec l'apparition d'une icone sexuelle ! Sans vouloir faire preuve de mauvaise foi, j'ajoute enfin que notre poupée molle du genou fait ici pâle figure car elle semble fatiguée à daigner commettre ses nouveaux forfaits (le caractère haletant des dernières altercations est dénué de toute intensité) tout en tentant d'inculquer sa doctrine auprès d'une fillette (le rejeton docile de la soeur infidèle).  

Out of order
Par son absence totale de suspense, d'originalité, de terreur et de rythme alerte, Curse of Chucky s'avère le plus mauvais épisode de la saga, d'autant plus desservi par une facture télévisuelle blafarde (la plupart des séquences se déroulant le plus souvent dans une lumière nocturne). Et il faudra sans doute faire preuve d'indulgence pour trouver l'ensemble distrayant.

24.09.13

Bruno Matéï

                                     

Hostel, Chapitre 2 (Hostel: Part 2)

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Eli Roth. 2007. U.S.A. 1h35. Avec Lauren German, Bijou Philips, Heather Matarazzo, Jay Hernandez, Roger Bart, Vera Jordanova.

Sortie salles France: 11 Juillet 2007. U.S: 8 Juin 2007

FILMOGRAPHIE: Eli Roth est un réalisateur américain, né le 18 Avril 1972 à Boston.
2002: Cabin Fever. 2006: Hostel. 2007: Thanksgiving (faux trailer). 2007: Hostel 2. 2009: Nation's Pride - Stolz der Nation (trailer). 2013: The Green Inferno.

Rares sont les suites qui parviennent à supplanter leur modèle. Jubilatoire et fascinant autant qu'inquiétant et profondément dérangeant par son ultra perversité hallucinée.

Durant le phénomène du torture porn initié par Saw, Eli Roth nous offrit également sa copie avec un pur film d'exploitation moins roublard mais tout aussi hardcore, Hostel. Un an plus tard, il décide de  remettre le couvert avec ce second chapitre toujours produit par son compère Quentin Tarantino. Hostel 2 reprend donc le même concept linéaire auquel de traditionnels touristes égarés en Slovaquie deviendront les futurs cobayes de rupins assoiffés de sang et de perversité. Sauf qu'en l'occurrence, les victimes ne sont plus de jeunes dragueurs machistes mais trois fêtardes un peu trop influençables (tout du moins chez 2 d'entre elles). Avec sa photo saturée et l'aspect flamboyant de décors stylisés (la fête ésotérique au sein du village, la pièce des trophées où sont étagées les têtes décapitées, l'antichambre des tortures gérée à l'instar d'une forteresse), Eli Roth nous plonge dans un nouveau bain de sang où l'art du supplice est négociée aux enchères par la téléphonie mobile de riches notables. De par l'efficacité d'un suspense expectatif, Hostel 2 joue autant la carte de l'humour noir violemment sardonique que de la perversité innommable sous l'entremise de deux bourgeois en quête de plaisir morbide. En appréciant la méchanceté de son intensité dramatique en crescendo dénuée de concession. 

Alors que l'un s'excite à l'idée de commettre ses horribles méfaits sur une jolie étudiante, l'autre semble beaucoup plus distant et timoré à oser braver l'interdit. C'est dans la caractérisation de ces antagonistes maladifs, deux pères de familles aisés qu'Eli Roth prend soin de nous développer leur divergence morale. Roger Bart (découvert dans la série Desperate Housewives) insufflant une complexité psychologique dans son esprit introverti et refoulé, faute d'une mégère asexuelle, mais néanmoins rattrapé par ses pulsions misogynes. En père de famille contrairement serein et plein d'aplomb, Richard Burgi (également issu de la même série TV !) lui partage la vedette avec un cynisme pervers autrement assumé. La densité névrotique qu'ils véhiculent spontanément s'avère donc l'atout capital pour l'entreprise de ce second chapitre. Quand aux trois jeunes étudiantes, consécutivement endossées par Lauren German, Bijou Phillips et Heather Matarazzo, elles réussissent à nous retransmettre leur douleur morale et leur affres de la mort avec une fragilité féminine beaucoup plus empathique que nos machistes lubriques du précédant opus. En manipulatrice aguicheuse oh combien insidieuse, la sublime et longiligne Vera Jordanova impose l'antinomie d'une prédatrice vénale sous son regard noisette de louve mesquine.

Emaillé de séquences chocs douloureuses et radicales (le supplice du bain de sang inspiré par la comtesse Elisabeth Bathory est une scène d'anthologie à marquer d'une pierre blanche), non exempt d'humour potache vers son dernier quart d'heure festif (le dîner anthropophage que Ruggero Deodato pratique en autodérision, la partie de foot des orphelins avec une tête décapitée, l'émasculation risible), Hostel 2 bénéficie d'un savoir-faire infaillible auprès de son efficacité métronome culminant à l'horreur hardcore aussi incisive que dérangeante. Son constat social sur la cupidité démontrant aussi avec ironie mordante à quel point l'argent, la richesse, le pouvoir peuvent conditionner les bas instincts des fortunés les plus dépravés. Une séquelle supérieure à son modèle donc, techniquement mieux maîtrisée, formellement rutilante (avec un sens du détail constamment stylisé !), si bien que l'effet de surprise est (miraculeusement) renouvelé de par la densité psychologique des antagonistes et des victimes soumises s'efforçant de s'extirper de l'atrocité avec une force d'expression à la fois démunie et hystérisée. A ne pas rater, en le priorisant toutefois à un public aguerri (il est d'ailleurs interdit aux - de 16 ans). 

La Chronique de Hostel: http://brunomatei.blogspot.fr/2016/01/hostel.html

*Bruno Matéï
19.09.13. 
23.04.22. 3èx

Philadelphia Experiment. Meilleur Film au Fantafestival, 1985

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Stewart Raffill. 1984. U.S.A. 1h42. Avec Michael Paré, Nancy Allen, Eric Christmas, Bobby Di Cicco, Louise Latham, Stephen Tobolowsky.

Sortie salles France: 16 Janvier 1985. U.S: 3 Août 1984

FILMOGRAPHIE: Stewart Raffill est un réalisateur et scénariste américain, né le 27 Janvier 1942 au Royaume-Uni. 1971: The Tender Warrior. 1974: When the North Wind Blows. 1975: La Liberté Sauvage. 1976: Across the Great Divide. 1978: Les Naufragés de l'île perdue. 1981: Les Risques de l'Aventure. 1984: The Ice Pirates. 1984: Philadelphia Experiment. 1988: Mac et Moi. 1991: Mannequin: on the move. 1994: l'Ami Africain. 1994: Tammy and the T-Rex. 1998: Les Naufragés du Pacifique. 1999: Grizzly Falls. 2001: A Month of Sunday. 2005: Survie: les naufragés. 2007: Croc (télé-film). 2007: Bad Girl Island. 2010: Standing Ovation.

Dans la lignée de Nimitz, Retour vers l'enfer, Philadelphia Experiment inverse sa situation temporelle pour confronter deux gabiers des années 40 dans l'époque contemporaine de 1984. Car suite à une expérience scientifique destinée à rendre invisible un navire de guerre des radars ennemis, nos deux matelots se retrouvent projetés 41 ans plus tard sur le même lieu de leur disparition. Au même moment, dans une base militaire, le Dr Longstrat s'aperçoit qu'une ville côtière a entièrement disparu ! Inspiré d'une légende urbaine fondée sur l'expérience de Philadelphie (Project Rainbow) qui aurait consisté à rendre invisible le navire USS Eldridge le 23 Octobre 1943, Philadelphia Experiment joue la carte de la série B en alternant fougueusement action, science-fiction et bons sentiments à rythme métronomique.  Nancy Allen / Michael Paré demeurant très attachants en héros de dernier ressort apprenant à se connaître pour finalement s'étreindre amoureusement au fil d'un cheminement investigateur fertile en mauvaises rencontres policières, courses poursuites (sur bitume et à travers champs) et revirements dramatiques (la disparition de son ami et surtout ses retrouvailles avec Jim et Pamela s'avérant les moments les plus poignants du film).

Ainsi, à travers sa folle histoire rocambolesque (estampillée John Carpenter) et sa mise en scène aussi modeste que scrupuleuse à l'écoute de ses personnages, Stewart Raffill combine avec réelle efficacité l'action trépidante (les diverses courses-poursuites de nos héros amorcées contre les forces de l'ordre, les quelques incidents mortels qui s'ensuivent, l'altercation dans l'hôpital) et l'anticipation technologique épaulée d'effets spéciaux assez crédibles (avec en sus, l'emploi de certaines images de synthèses) pour s'immerger avec volupté dans la brèche temporelle. Emaillé de surprenants soubresauts (la ville soudainement ensevelie dans l'espace temps) et d'idées pittoresques (le futur président Ronald Regan jouant les cowboys dans les westerns de série B, la diffusion des Monstres de la mer à la TV d'un bar que nos héros reluquent, les punks accoutrés de crêtes colorées, le travelo racolant David lors de sa garde à vue !), Philadelphia Experiment se décline en palpitant divertissement  plein de charme et de nobles sentiments qu'on ne retrouve guère aujourd'hui. L'humilité des protagonistes ainsi que la trogne affable des seconds rôles renforçant le charme rétro de ce voyage temporel inscrit dans la volonté d'y braver ses doutes et ses peurs en tentant de percer la vérité d'une expérience incongrue.

Rondement mené à travers une moisson de sentiments à la fois mélancoliques et exaltants, d'anticipation débridée et d'actions soumises au fil narratif, Philadelphia Experiment  demeure une réjouissante série B qui saura encore séduire la génération 80 la plus sensible. Si bien que son charme candide dénué de toute forme de prétention nous parait aujourd'hui encore plus probant (ou alors aussi expressif) au sein de notre époque davantage pisse-froid et obscurantiste, et ce à l'aide d'une pointe de nostalgie gratifiante. Au demeurant, je peux même prétendre aujourd'hui (passé le 4è visionnage !) qu'il s'agit d'une des meilleures séries B des années 80 (qui plus est beaucoup plus réussie, fascinante et captivante que son homologue Nimitz, retour vers l'Enfer). 

*Bruno
24.09.21. 4èx

18.09.13

Ci-joint la chronique video de Jean-Marc Micciche: 

Le Facteur sonne toujours 2 fois

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

"The Postman always rings twice" de Bob Rafelson. 1981. U.S.A. 2h00. Avec Jack Nicholson, Jessica Lange, John Colicos, Michael Lerner, William Traylor, John P. Ryan, Angelica Huston.

Sortie salles U.S: 20 Mars 1981

FILMOGRAPHIE: Bob Rafelson est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain né le 21 Février 1933 à New-York. 1968: Head. 1970: Cinq pièces faciles. 1972: The King of Marvin Gardens. 1976: Stay Hungry. 1981: Le Facteur sonne toujours 2 fois. 1986: La Veuve Noire. 1989: Aux Sources du Nil. 1992: Man Trouble. 1996: Blood and Wine. 1998: Poodle Springes (télé-film). 2002: Sans motif apparent.

Remake du film homonyme de Tay Garnett, adapté du célèbre roman de James M. Cain, le Facteur sonne toujours 2 fois adopte une démarche plus sulfureuse sous l'influence du réalisateur Bob Rafelson de par l'audace d'un érotisme torride (l'étreinte sexuelle dans la cuisine restant dans toutes les mémoires !). Réunissant deux illustres acteurs incarnant avec passion un duo d'amants diaboliques, ce thriller habilement charpenté allie leur romance déchue avec une acuité émotionnelle élégiaque. Le pitch: Dans le Middle-West des années 30, deux amants paumés vont tenter de se débarrasser du mari gênant afin d'assouvir leur nouvelle relation. Mais rien ne se déroulera comme prévu... Auréolé d'une aura de scandale dès sa sortie internationale pour la verdeur érotique de sa séquence pré-citée, le Facteur sonne toujours deux fois continue toujours de surprendre à travers la violence ardente d'ébats passionnels ! Si bien que cette charge torride que Jessica Lange et Jack Nicholson retransmettent vigoureusement enveloppe tout le récit de par leur complicité faillible et leur désespoir amoureux à tenter de fonder une aubaine conjugale.

Sous le mode du thriller criminel au suspense sous-jacent et aux rebondissements fortuits (les magouilles de la jurisprudence sont édifiantes !), Bob Rafelson y transcende un drame passionnel pour sublimer le portrait subversif d'amants galvaudés par leur frustration sociale. De par l'aspect formel de sa mise en scène appliquée (reconstitution soignée de l'après crise de 1929 dans une photo aux teintes sépia), Le Facteur sonne toujours 2 fois nous ensorcelle auprès de son climat feutré où deux amants vont engendrer la déveine par leur démarche crapuleuse. En amant meurtrier, Jack Nicholson magnétise l'écran pour endosser de façon équivoque un personnage marginal plutôt flâneur et infidèle mais finalement délibéré à conquérir sa dulcinée. Paumée et effrontée mais débordante de fragilité amoureuse, Jessica Lange lui partage la vedette avec la complicité vénale d'une idéologie immorale. La beauté suave qu'elle dégage naturellement, la violente charge sensuelle qu'elle véhicule par son regard mesquin insufflent un jeu de séduction digne des grandes actrices fatales. Ces deux interprètes se livrant corps et âme afin d'y former un couple fébrile aussi désespéré que délétère. Ce qui contribue énormément à l'aspect envoûtant de leur névrose commune.

Déclinaison pleine de sensualité pour son aura érotique prédominante, son score mélancolique et l'alchimie du couple Nicholson / Lange transperçant l'écran de leurs rapports fusionnels, Le Facteur sonne toujours deux fois oppose le thriller érotique au drame romanesque avec une intensité émotionnelle finalement bouleversante. Un classique ambitieux et moderniste qui, à mon sens subjectif, transcende même son modèle notoire autrement prude et docile.

*Bruno
16.09.13. 3èx