LES VIERGES DE LA PLEINE LUNE (Il Plenilunio delle Vergini)

                                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site vampyres-online.com

de Luigi Batzella. 1973. Italie. 1h22. Avec Mark Damon, Rosalba Neri, Francesca Romana Davila, Esmeralda Barros, Xiro Papas, Sergio Pislar...

FILMOGRAPHIE: Luigi Batzella est un réalisateur italien né le 27 Mai 1924 à San Sperate, en Sardaigne, décédé le 18 Novembre 2008.
1966: Tre franchi di pietà. 1969: Les Mille et une nuits d'Istamboul. 1970: Quand explose la dernière grenade. 1971: Pour Django les salauds ont un prix. 1971: Les Ames damnées de Rio Chico. 1972: Le poulain était fils Dieu. 1972: Confessioni segrete di un convento di clausura. 1973: Les Vierges de la pleine lune. 1974: Les Nuits perverses de Nuda. 1974: Lo Strano ricatto di una ragazza par bene. 1977: Les Tigres du Désert. 1977: Holocauste Nazi. 1978: Symphonie de l'amour. 1979: La Guerre du Pétrole. 1980: l'Implacable Défi (non crédité).

Cinéaste mineur responsable du scandaleux et très Z Holocauste Nazi, Luigi Batzell réalise en 1973 son meilleur film avec Les Vierges de la pleine lune. On est d'autant plus surpris par la qualité du produit que sa rareté nous avait porté préjudice au sein de l'hexagone. Chose réparée aujourd'hui puisque le film bénéficie enfin d'une sortie Dvd digne de son support sous l'égide d'Artus Film !

A la recherche d'un anneau précieux conférant richesse et pouvoir à celui qui le possède, deux frères décident de partir en Transylvanie pour tenter de se l'approprier dans l'ancien château du comte Dracula. Attisé par la cupidité, Franz arrive d'abord le premier et se voit accueilli par une étrange comtesse férue de messe noire. 

Ce qui frappe d'emblée avec cette série B bien ancrée dans l'expression "Bis", c'est le soin accordé à la poésie de ces images contrastant avec des éclairages limpides. Notamment la richesse de sa photographie transcendant une scénographie gothique pour composer des séquences picturales axées sur la sensualité féminine et le rituel de sacrifices. Le réalisateur pallie donc son budget minimaliste par le sens esthétique d'un univers funeste où le rouge, le blanc et le noir prédominent l'assemblée des suceurs de sang. Si le scénario n'est pas un modèle d'intelligence, il s'avère bien conté, assez captivant, parfois surprenant (la relation insidieuse des frères jumeaux, l'épilogue nihiliste relégué en farce macabre) et d'autant mieux rythmé par son lot de rebondissements (la dernière demi-heure multiplie actions imprévisibles et retournements de situation !). Qui plus est, la caractérisation des personnages s'avère également attachante dans le jeu de séduction alloué entre Franz et la veuve de Dracula. Ponctué de séquences érotiques vertueuses et de quelques scènes gores graphiques, les Vierges de la pleine lune est une plongée fantasmatique dans la demeure intimiste d'une femme vampire adepte de solitude. Possédant une bague conférant tous les pouvoirs, elle décide de régir sa vie sous la mainmise des ténèbres en exploitant le sang des jeunes vierges et en séduisant les mâles imprudents. A travers sa mise en scène stylisée, Luigi Batzella emprunte donc les thèmes du vampirisme, de la beauté éternelle et du satanisme en mettant en exergue les pouvoirs surnaturels d'une amulette et d'un anneau, symboles antinomiques du Bien et du Mal. Sur ce point, la confrontation finale (à la lisière du grotesque !) instaurée entre Karl et la comtesse réussit à nous y impliquer, non sans une certaine ironie dans leurs efforts surmontés.

Sans aucune prétention que de divertir modestement, Luigi Batzell compose avec les Vierges de la peine lune une série B finalement originale dans son thème éculé du vampirisme d'où plane l'ombre de la comtesse Bathory (douche de sang à l'appui !), d'autant plus formelle dans le sens du cadrage hérité de l'art pictural. 

Bruno Matéï

LA VENGEANCE DE LADY MORGAN (La Vendetta di Lady Morgan)

                                                                                Photo personnelle appartenant à Bruno Dussart.

de Massimo Pupillo. 1965. Italie. 1h25. Avec Barbara Nelli, Erika Blanc, Gordon Mitchell, Paul Muller, Michel Forain, Carlo Kechler.

Sortie salles Italie: 16 Décembre 1965

FILMOGRAPHIE: Massimo Pupillo est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 7 Janvier 1929 à San Severo, Italie.
1961: Teddy, l'osacchiotto vagabondo. 1965: Cinq tombes pour un médium. 1965: Vierges pour le bourreau. 1965: La Vengeance de Lady Morgan. 1967: Django, le taciturne. 1970: L'amore, questo sconosciuto. 1970: Giovane Italia, Giovane Europa. 1984: Sajana, l'audace impresa

Exhumé de l'oubli grâce à l'éditeur français Artus Films, La Vengeance de Lady Morgan renoue avec la tradition du gothisme italien en s'inspirant de Danse Macabre de Margheriti. Joliment mis en scène dans un noir et blanc ciselé, le film relate l'histoire d'amour impossible entre deux amants, tour à tour victimes du complot d'Harold Morgan et de ses sbires. Persuadée que son ancien amant est mort d'une noyade accidentelle, Susan s'est donc résolue à épouser le comte Morgan en désespoir de cause. Divisé en deux parties, le premier segment joue la carte de la sobriété pour dépeindre les tourments psychologiques de la jeune fille, sévèrement persécutée par son mari cupide, et victime d'hypnose de la part d'une des domestiques. Sa vie conjugale vire donc rapidement au cauchemar depuis que d'étranges évènements influent sur son état mental et depuis que son époux infidèle a manigancé un complot communautaire en guise d'héritage.

Dans un souci esthétique, Massimo Pupillo compose des images gracieuses (voires aussi baroques à certains moments) en harmonie avec le style gothique du château hanté, des couloirs inquiétants éclairés aux candélabres, du cimetière brumeux et d'une crypte à torture. Outre l'aspect envoûtant de la scénographie, le film tire également parti de la caractérisation des personnages sournois au charisme évocateur. Que ce soit le majordome au visage buriné qu'incarne avec démence le vétéran Gordon Mitchel, le compte orgueilleux Harold Morgan qu'interprète Paul Muller dans une posture longiligne, ou encore la domestique aguicheuse qu'Erika Blanc endosse avec charme pernicieux ! Enfin, compromise par l'infortune de la mort, la personnalité de Lady Morgan plane sur le récit à l'instar du fantôme en robe blanche que Barbara Nelli retranscrit avec autant de fragilité que d'empathie pour la destinée de son compagnon. La deuxième partie, beaucoup plus exubérante, emprunte le thème du vampirisme (la condition des fantômes mécréants contraints de boire du sang afin de survivre dans notre monde !) et joue avec les forces du surnaturel lorsque Susan décide d'entamer une vengeance diabolique conçue sur le subterfuge SPOILER ! puisque les responsables de sa mort finiront maladroitement par s'entretuer fin du SPOILER. Emaillé de séquences chocs éculées mais efficaces (les procédés spectaculaires de l'esprit frappeur imposent l'artillerie usuelle des portes qui claquent, des objets qui se déplacent, du vent violent et de l'embrasement du feu ), Massimo Pupillo se laisse notamment aller à l'horreur graphique lorsque l'un des antagonistes grièvement blessé est sévèrement pris à parti avec les sabots d'un cheval !

Scénario structuré, noir et blanc formel, gothique raffiné, érotisme sensuel et personnages fielleux, La Vengeance de Lady Morgan se porte en digne représentant de l'horreur italienne dans sa texture séculaire liée à l'architecture moyenâgeuse. Une belle surprise et une aubaine que les aficionados pourront découvrir pour la première fois en Dvd chez Artus Films ! 

Bruno Matéï

Le Cirque des Vampires / Vampire Circus

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site projectdeadpost.com

de Robert Young. 1972. Angleterre. 1h27. Avec Laurence Payne, Domini Blythe, Lynne Frederick, Thorley Walters, Adrienne Corri, Robert Tayman.

Sortie salles: 23 Août 1973

FILMOGRAPHIE: Robert (William) Young est un réalisateur, scénariste et producteur anglais, né le 16 Mars 1933 à Cheltenham. 1972: Le Cirque des Vampires. 1979: Le monde est plein d'homme mariés. 1993: Grandeur et descendance. 1997: Créatures Féroces.

Etrange écrin (maudit) que ce Cirque des vampires (échec public et critique à sa sortie), au sein de l’illustre firme Hammer - qui plus est, façonné par un cinéaste encore néophyte : Robert Young.
En dépit de quelques effets spéciaux perfectibles et du cabotinage parfois appuyé de Robert Tayman - il force le trait dans sa posture vampirique, mais se rattrape par un charisme délétère, irradié d’un regard vicié - cette série B quasi expérimentale impose sa singularité, son pouvoir de fascination autre, grâce au décor forain et à la subversion assumée qui circule sous le chapiteau.

Synopsis: En 1810, le comte Mitterhouse est assassiné par les villageois après avoir tenté d’enlever une mère et sa fille. Avant d’expirer, il promet de revenir hanter leurs descendants. Quinze ans plus tard, un cirque s’installe dans la région, dirigé par son cousin. Des meurtres sanglants s’enchaînent ; la suspicion enfle ; l’étrange confrérie est désignée.

À partir d’un postulat classique - la vengeance d’un vampire venu parachever sa malédiction - Robert Young déjoue l’impression de déjà-vu par l’éclat de scènes singulières et l’onirisme des tours de prestidigitation. Le premier spectacle de la femme-tigre. L’épreuve du miroir de la vie, où certains villageois se voient projetés, malgré eux, vers une autre dimension. Le saut crépusculaire des funambules métamorphosés en chauves-souris, sous l’œil médusé du public.
Cette communauté gitane, soumise à l’autorité du mal, rassemble des figures extravagantes - l’Hercule, l’homme panthère, les jumeaux vampires, le nain - chacune vouée à un stratagème sacrificiel. La confrontation surnaturelle des villageois à ces pièges relance sans cesse une action sanglante, comme un sursaut contre la mort.
Et puis, fidèle à la déontologie Hammer : décors flamboyants tout juste nuancés - le cirque nocturne tapi dans les bois, la chapelle, la crypte -, horreur graphique flirtant avec un gore rutilant, jeunes filles aux poitrines charnelles irradiant d’une sensualité naturelle.

D’une beauté indicible, déconcertant au premier abord - il faut le revoir, disait Alain Schlockoff, pour en saisir la richesse et palier ses lacunes narratives, dans les Bonus du Blu-ray-, Le Cirque des vampires doit sa fascination macabre à ce chapiteau gouverné par une alliance aussi ombrageuse que sournoise.
Il en émane une œuvre exigeante, traversée d’audaces thématiques (saphisme, inceste, pédophilie tacite, infanticides) et de fulgurances poétiques, au point que certaines images s’impriment en nous, presque malgré nous.

À revoir, encore et encore, pour en éprouver toute la substance.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx. Vostfr

HIDDEN (The Hidden). Grand Prix Avoriaz 1988.

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site backtothemovieposters.blogspot.com

de Jack Sholder. 1987. U.S.A. 1h36. Avec Kyle MacLachlan, Michael Nouri, Claudia Christian, Clarence Felder, Clu Gulager, Ed O'Ross, William Boyett.

Sortie salles France: 23 Mars 1988. U.S: 20 Octobre 1987

FILMOGRAPHIE (source wikipedia): Jack Sholder est un réalisateur américain, né le 8 juin 1945 à Philadelphia. 1973: The Garden Party (court-métrage). 1982: Alone in the dark. 1985: Le Revanche de Freddy. 1987: Hidden. 1988: Vietnam War Story 2. 1989: Flic et Rebelle. 1990: By Dawn's Early Light (télé-film). 1993: 12H01: prisonnier du temps (télé-film). 1994: Sélection naturelle (télé-film). 1994: The Omen (télé-film). 1996: Generation X (télé-film). 1997: Panique sur l'autoroute (télé-film). 1999: Wishmaster 2. 2001: Arachnid. 2002: Beeper. 2004: 12 Days of terror.

Déjà auteur de l'excellent Alone in the Dark (psycho-killer sardonique où des fous s'évadaient d'un asile pour semer la panique dans une banlieue !) et du sympathique second opus de Freddy, La Revanche de Freddy, Jack Sholder réalise en 1987 son meilleur film avec Hidden, auréolé du Grand Prix d'Avoriaz. Si l'on peut néanmoins contester l'attribution de cette prestigieuse récompense, on ne peut nier l'incroyable efficacité d'un récit alternant action explosive et science-fiction horrifique, quand bien même la vigueur de sa réalisation et la précision de son montage nous laissent sur les rotules.

Partant d'un pitch complètement délirant - un parasite féru de gros flingues, de rock'n'roll et de vitesse en Ferrari investissant le corps de citadins pour foutre le zouc dans une bourgade de Los Angeles -, le réalisateur exploite une pure série B ludique conçue autour du fun des situations. Inspiré de classiques notoires parmi lesquels Alien et The Thing, il reprend le thème éculé de l'extraterrestre inhospitalier en dédiant ses confrontations belliqueuses aux forces de police, où l'action et les cascades n'auront de cesse de rebondir d'une séquence à l'autre.

Mené sur un rythme sans faille, le scénario tire notamment son efficacité des stratégies récurrentes que le parasite est contraint d'adopter afin de se glisser dans la peau d'une victime, puis d'en dégoter rapidement une autre dès que le corps qu'il occupe a été trop abîmé. L'idée retorse consistant à éradiquer la créature à l'aide d'une arme futuriste est également bien exploitée puisque son adversaire doit attendre qu'elle s'extirpe de l'enveloppe corporelle de sa victime, le pistolet ne produisant aucun dommage sur la chair humaine.

Au même moment, deux inspecteurs sont dépêchés sur le terrain afin d'enquêter sur cette vague de crimes inexpliqués tandis que de modestes quidams sont subitement atteints de démence. Pour ajouter un peu de consistance à l'intrigue, l'un des deux policiers s'avère être un agent du FBI investi d'une mission secrète que son supérieur tente vainement de percer, jusqu'au moment où ce premier décide d'avouer sa fonction de sauveur de l'humanité.

D'ailleurs, on peut saluer le jeu diaphane de Kyle MacLachlan, qui incarne à merveille un humanoïde flegmatique au regard étrangement angélique. Son comparse, interprété par Michael Nouri, s'avère tout aussi persuasif dans la peau d'un flic expéditif tentant de démystifier les tenants et aboutissants d'une improbable enquête. Outre la violence incisive de ses scènes spectaculaires et son humour noir décomplexé, Hidden bénéficie également d'effets spéciaux modestes mais tout à fait impressionnants (la grosse limace s'extirpant en temps réel de la bouche d'une victime pour en infiltrer une autre !).

Fun et jouissif de par son lot ininterrompu d'action explosive où les gunfights confinent au carnage - la dernière demi-heure pétaradante se rapprochant des excès destroy de Terminator -, Hidden s'érige en véritable leçon de mise en scène pour son sens de l'efficacité, où les altercations n'auront de cesse de redoubler d'intensité. Enfin, la complicité formée par le duo de flics ajoute une certaine densité psychologique, voire une dimension humaine dédiée au sens du sacrifice, à leurs rapports d'abord marqués par la divergence, avant que la confiance mutuelle ne finisse par porter ses fruits.

— Celui du cœur noir des images 🖤

3è

Récompenses: Grand Prix au Festival d'Avoriaz, 1988

Prix du Jury de la critique internationale et prix du meilleur acteur pour Michael Nouri, lors du Festival du film de Catalogne en 1987.

Prix du meilleur réalisateur et nomination au prix du meilleur film au festival Fantasporto en 1988.

La Guerre du Feu / Quest for Fire. César du Meilleur Film

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site relamovies.com

de Jean Jacques Annaud. 1981. France/Canada. 1h36. Avec Everett McGill, Ron Perlman, Nicholas Kadi, Rae Dawn Chong.

Récompenses: César du Meilleur Film, César du Meilleur Réalisateur

Sortie salles France: 16 Décembre 1981. Canada: 10 Février 1982

FILMOGRAPHIE: Jean-Jacques Annaud est un réalisateur et scénariste français, né le 1er Octobre 1943 à Juvisy-sur-Orge (Essonne). 1976: La Victoire en Chantant. 1979: Coup de Tête. 1981: La Guerre du Feu. 1986: Le Nom de la Rose. 1988: L'Ours. 1992: L'Amant. 1995: Guillaumet, les ailes du courage. 1997: 7 ans au Tibet. 2001: Stalingard. 2004: Deux Frères. 2007: Sa Majesté Minor. 2011: Or Noir. 2015: Wolf Totem.

Il y a 80 000 ans se levait l'aube de l'humanité. L'homme préhistorique savait conserver le feu offert par les hasards de la nature: foudre, éruptions volcaniques. Mais il ne savait pas le créer artificiellement. Ce feu, pour nous, si banal, était l'enjeu de rivalités impitoyables. En ces âges farouches, le feu assurait la survie de notre espèce. Il servait à l'homme pour se protéger des froids terribles des glaciations, écarter les animaux féroces, cuir les viandes. Les hordes s'organisaient autour de sa claire puissance bienfaitrice. Ceux qui le possédaient possédaient la vie. 

Succès mondial lors de sa sortie, auréolé chez nous du César du Meilleur Film, La Guerre du Feu est une gageure à vocation pédagogique et ludique que Jean-Jacques Annaud relève dignement afin de reconstituer l'époque du Paléolithique. Une première dans l'histoire du cinéma puisque le réalisateur traite son sujet avec souci de réalisme dans sa configuration géographique (décors naturels du Canada, de l'Ecosse et du Kenya), dans sa violence graphique imposée (affrontements sanglants assez brutaux) mais aussi dans la physionomie des acteurs au faciès simiesque ! On est donc loin ici des ersatz transalpins qui exploiteront rapidement le filon dans une précarité de système Z à but foncièrement mercantile.

Notre aventure débute donc avec l'expédition de trois guerriers de la tribu des Ulam contraints de quitter leur contrée pour partir conquérir le feu après l'avoir égaré dans un récipient. A partir de ce simple canevas, le réalisateur nous dépeint un captivant récit d'aventure chargé de souffle épique lors de ces batailles adverses que nos trois héros vont devoir braver durant leur périple. Récit initiatique, leçon de vie pour l'évolution humaine, La Guerre du Feu se porte en humble témoignage afin de rendre hommage à nos ancêtres où leur destinée de survie s'avérait particulièrement précaire. Incessamment confrontés à l'hiver climatique d'une nature sauvage, aux rivalités des tribus et à l'hostilité d'animaux affamés, nos héros vont devoir évaluer leur sens de bravoure afin de s'approprier la denrée du feu et pouvoir le créer indépendamment. De par leur épreuve de survie, leur désir de préserver leur dynastie mais aussi leur esprit de curiosité, ils vont défier la peur et apprendre les sens du mot amour, respect, fraternité et humour en se mesurant à la culture des tribus étrangères. Ainsi, à travers le tempérament primitif de l'homme, capable de perpétrer impunément un viol sur une étrangère, Jean Jacques Annaud illustre notamment notre instinct machiste et phallocrate avant de nous inculquer la valeur essentielle de l'amour. Car à travers la relation empathique partagée entre Naoh et Ika, le réalisateur dépeint avec poésie la prémices amoureuse lorsque deux amants sont communément épris de sentiments avant de procréer leur descendance (l'épilogue tacite au clair de lune).

Projet casse-gueule réputé inadaptable, voir peu convaincant du point de vue de certains scientifiques, La Guerre du Feu réussit pourtant l'exploit de retranscrire le Paléolithique avec souci de réalisme studieux. Esthétiquement magnifique à travers ces décors montagneux, bercé d'une partition envoûtante à la flûte de Pan et épaulé du jeu intense des comédiens, Jean-Jacques Annaud accorde autant de crédit au sens du mot spectacle dans cette aventure lyrique où le feu reste la convoitise pour nos ancêtres afin de prémunir leur destinée. Chef-d'oeuvre au demeurant. 

Bruno Matéï
4èx 

Black Christmas / Silent Night Evil Night

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site arte.tv

de Bob Clark. 1974. Canada. 1h38. Avec Olivia Hussey, Keir Dullea, Margot Kidder, John Saxon, Andrea Martin, Marian Waldman.

Sortie salles Canada: 11 Octobre 1974. U.S: 20 Décembre 1974 

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Bob Clark est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 5 Août 1941 à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane (Etats-Unis), décédé le 4 Avril 2007 à Pacific Palisades, en Californie. 1966: The Emperor's New Clothes. 1967: She-Man. 1972: Children Shouldn't play with dead things. 1974: Le Mort-Vivant. 1974: Black Christmas. 1979: Meurtre par décret. 1980: Un Fils pour l'été. 1982: Porky's. 1983: Porky's 2. 1983: A Christmas Story. 1984: Rhinestone. 1985: Turk 182 ! 1987: From the Hip. 1990: Loose Cannons. 1995: Derby (télé-film). 1999: P'tits génies. 2004: SuperBabies.

 

"Le grenier aux murmures".

Pièce fondatrice du psycho-killer, Black Christmas détourne les codes du genre horrifique avec une perspicacité peu commune, une mise en scène affûtée s’opposant aux conventions par son originalité et son sens de la dérision macabre.

Partant de ce simple postulat - des étudiantes d’une résidence harcelées au téléphone par un psychopathe et disparaissant une à une sous l’autorité perplexe de la police - Bob Clark érige son suspense de façon circonspecte, le laissant sourdre jusqu’à un crescendo suffocant. L’idée retorse, génialement exploitée, veut que le tueur se tapisse à l’endroit même où logent ses proies : une stratégie perfide pour mieux les piéger et accomplir impunément ses exactions. Planqué dans le grenier, après avoir massacré deux locataires, il ne cesse d’importuner ses proies au téléphone, attendant l’instant propice pour frapper à nouveau. Alors que police et badauds imaginent le meurtrier en maraude dans le blizzard, lui perpétue son rituel, ricanant à travers ses appels - divagations verbales d’une tonalité tantôt goguenarde, tantôt stridente, qui glacent le sang.

 

Ce harcèlement téléphonique, nouvelle trouvaille, Bob Clark l’exploite avec une ingéniosité diabolique pour distiller l’anxiété sans recourir aux artifices balisés. Qui plus est, la présence fantomatique du tueur, insinuée par la caméra subjective, exacerbe l’inquiétude et l’insécurité régnant au sein du huis clos. La manière dont il abat ses victimes sans jamais se faire prendre séduit par son comportement studieux, méthodique, insaisissable. Autre astuce macabre : la première victime, figée à une fenêtre du grenier, guette le monde de son œil de verre - et nul, parmi la police ou les passants, n’aura la curiosité de lever la tête !

Côté mise à mort, Clark innove sans esbroufe : il privilégie la concision, la stylisation, hérité du giallo — comme en témoigne la mise à mort onirique de Barbara, engloutie par le sommeil. Toujours prêt à briser ses propres codes, il parsème l’horreur de séquences délicieusement pittoresques : ainsi ce duo de flics pris d’un fou rire, raillant un collègue incapable de saisir le mot « fellation ». Puis, de manière exponentielle, Clark culmine un final terrifiant où les rebondissements manipulent sans vergogne et nous laissent, hagards, à scruter le sort de la dernière survivante - et l’identité, pour toujours incertaine, du monstre tapi dans l’ombre.

"Le Sapin a les boules." 

Précurseur de Halloween, Terreur sur la ligne et d’une kyrielle d’ersatz, Black Christmas transcende le psycho-killer par un sens du suspense méticuleux, à l’efficacité intacte. Chef-d’œuvre atypique, d’une modernité insoupçonnée dans sa mise en scène roublarde, il demeure un divertissement horrifique qui, un demi-siècle plus tard, n’a pas pris une ride.

*Bruno 
16.01.24 — 3èx. Vostfr

Récompense: Prix de la meilleure actrice pour Margot Kidder et meilleur montage son pour Kenneth Heeley-Ray, au Canadian Film Awards, 1975.

Les Innocents / The Innocents. Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario.

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site peoplearecrying.blogspot.com

de Jack Clayton. 1961. Angleterre. 1h40. Avec Deborah Kerr, Michael Redgrave, Peter Wyngarde, Megs Jenkins, Pamela Franklin. 

Sortie salles France: 16 Mai 1962

FILMOGRAPHIE: Jack Clayton est un réalisateur, producteur et scénariste anglais, né le 1er mars 1921 à Brighton, décédé le 26 Février 1995 à Slough (Royaume-Uni). 1959: Les Chemins de la haute ville. 1961: Les Innocents. 1964: Le Mangeur de Citrouilles. 1967: Chaque soir à 9 heures. 1974: Gatsby le magnifique. 1983: La Foire des Ténèbres. 1987: The Lonely passion of Judith Hearne. 1992: Memento Mori (télé-film).

 

"Le doute comme unique vérité."

Quintessence du cinéma fantastique pur et dur, dans ce qu’il a de plus éthéré et abrupt, Les Innocents est un cauchemar sur pellicule que le cerveau encaisse comme une épreuve de force. Modèle d’écriture ciselée, entièrement vouée à la psychologie torturée de ses personnages, Les Innocents emprunte aux thèmes de la hantise, de la possession et de l’enfant maléfique avec une force de persuasion sans égale.

C’est dans le pouvoir de suggestion que Jack Clayton se surpasse pour orchestrer une histoire démoniaque, où deux enfants espiègles seront sévèrement réprimandés par leur nouvelle gouvernante. Persuadée qu’ils sont les vecteurs d’une malédiction invoquée par leur ancien valet de maison, elle apprend, par la nourrice, que ce dernier - prénommé Quint - a trouvé la mort dans un accident douteux lié à son ébriété. Plus troublant encore : Miss Jessel, ancienne gouvernante, est elle aussi décédée subitement après une liaison particulièrement licencieuse avec Quint. Face à l’insolence croissante des enfants et à leur comportement interlope, Miss Giddens, la nouvelle maîtresse de maison, est convaincue qu’ils sont possédés par les fantômes des deux amants. Ses soupçons se cristallisent dès l’instant où elle aperçoit à plusieurs reprises leurs silhouettes tapies dans la maison ou rôdant près du parc…

Ce scénario charpenté, Jack Clayton le maîtrise avec une rare subtilité, distillant une angoisse tangible, un malaise diffus qui ne laisse jamais le spectateur en paix.
Épaulé par la photographie en clair-obscur du grand Freddie Francis, les jeux d’ombre et de lumière accentuent le sentiment d’insécurité latente, enfouie dans les murs mêmes de cette demeure victorienne.
En jouant sur le gothique intimiste des pièces closes et sur le regard angélique de bambins prétendument innocents, le réalisateur installe un véritable climat malsain, suffocant, à mesure que la gouvernante s’abandonne à la certitude qu’une force obscure s’est emparée de leurs âmes.

Mais la grande force du récit réside dans sa manière de faire vaciller notre propre perception. Miss Giddens, femme noble issue d’une éducation puritaine, est aussi le miroir d’une subjectivité névrosée, où la sensibilité se mue peut-être en délire de persécution. Faute de preuves tangibles, faute de ce comportement trop maîtrisé des enfants, et face aux visions spectrales qui colonisent son esprit, elle pourrait n’être que la victime de son autosuggestion… Une fanatique, prête à purifier ces êtres prétendument souillés par la perversion.

 

"L’innocence est un mensonge."

Dérangeant, anxiogène, perturbant, Les Innocents est un cauchemar implacable, d’une puissance émotionnelle trouble, d’une cruauté tragique, dont le point d’orgue nihiliste confine au traumatisme - pour mieux hanter notre mémoire par son irrésolution.

Son climat est d’autant plus déstabilisant qu’il pervertit la candeur enfantine et fissure la conviction d’une gouvernante (Deborah Kerr, bouleversante, transie d’émoi, le regard exorbité, elle écrase l'écran !), rongée par la paranoïa… ou peut-être par un refoulement sexuel larvé.

Un joyau d’une noirceur insondable, si bien que la vérité ne nous sera jamais offerte. Henry James lui-même refusa d’éclairer le moindre indice, interdisant à jamais la démystification - qu’il s’agisse de Miss Giddens, des enfants, ou des amants d’outre-tombe. On ne s'en plaindra pas, loin s'en faut. 
Génuflexion.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

08.04.26. 4èx. Vostfr

Récompense: Prix Edgar-Allan-Poe du Meilleur scénario

THE IMMIGRANT

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de James Gray. 2013. U.S.A. 1h57. Avec Joaquin Phoenix, Marion Cotillard, Jeremy Renner, Dagmara Dominczyk, Angela Sarafyan, Antoni Corone.

Sortie salles France: 27 Novembre 2013

FILMOGRAPHIE: James Gray est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né en 1969 à New-York.
1994: Little Odessa. 2000: The Yards. 2007: La Nuit nous appartient. 2008. Two overs. 2013: The Immigrant.

Cinq ans après Two Lovers, James Gray renoue avec le mélo afin de transposer The Immigrant, l'histoire douloureuse de deux soeurs polonaises fuyant leur pays pour accomplir le rêve américain après la première guerre mondiale. Arrivée à New-York, l'une d'elles est arrêtée par la police à cause de sa tuberculose et se voit admise dans un hôpital. Mais le jour de leur arrivée, l'aînée rencontre un gentleman affable décidé à lui venir en aide. En attente d'être prochainement expulsées, Ewa tente de trouver l'argent nécessaire pour sauver sa soeur mais se retrouve embarquée dans un réseau de prostitution.

Drame romantique dominé par la présence divine de Marion Cotillard, The Immigrant tire parti de son interprétation et des rapports équivoques qu'entretiennent le couple Ewa et Bruno, ce dernier s'avérant un insidieux maquereau. Si de prime abord, Ewa n'éprouve que du dégoût pour ce personnage sans scrupule et pour sa condition de prostituée, leur relation va peu à peu évoluer depuis que Bruno osera avouer ses sentiments. Avec l'intrusion du cousin Orlando, magicien de cabaret beaucoup plus intègre et tout aussi décidé à conquérir le coeur d'Ewa, on imagine que l'intrigue s'articulera autour d'un triangle amoureux, quand bien même un évènement inopiné va remettre en cause notre hypothèse. A travers cette liaison romantique inappropriée, James Gray brosse le portrait d'un anti-héros rongé par ses démons et sa médiocrité, mais rattrapé par une prise de conscience en quête de rédemption. Face à l'autorité de ce maître chanteur, Ewa nous retransmet son désarroi d'une femme humiliée gagnée par la honte et partagée entre le dilemme de deux hommes aux moralités contradictoires. Avec fragilité humaine, Mario Cotillard livre une fois de plus une interprétation magistrale pour incarner une immigrante timorée à la noble dignité lorsqu'il s'agit de s'opposer à l'injustice afin de sauvegarder l'existence de sa soeur.

Si l'intrigue manque inévitablement d'intensité émotionnelle dans sa dramaturgie imposée et dans la caractérisation de certains personnages (les rapports de force qu'entretiennent Bruno et Orlando ne s'avèrent pas très convaincants dans leur conflit d'autorité), la réalisation s'avère suffisamment compétente et soignée (la reconstitution d'époque est criante de vérité et la photo ocre illumine sa scénographie séculaire !) pour s'y laisser convaincre. Porté à bout de bras par le talent sobre de Marion Cotillard mais secondé par la présence cabotine de Joaquin Phoenix (sa confession finale invoquée à Ewa inspire l'outrance), The Immigrant réussit tout de même à nous séduire afin de nous impliquer dans leur idylle impossible.  

Bruno Matéï

SNOWPIERCER (Le Transperceneige)

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Bong Joon-ho. 2013. France/Etats-Unis/Corée du Sud. 2h06. Avec Chris Evans, Song Kang-ho, Ed Harris, John Hurt, Tilda Swinton, Jamie Bell, Octavia Spencer, Ewen Bremner.

Sortie salles France: 30 Octobre 2013. Corée du Sud: 1er Août 2013

FILMOGRAPHIE: Bong Joon-ho est un réalisateur et scénariste sud-coréen, né le 14 Septembre 1969 à Séoul.
2000: Barking Dog. 2003: Memories of Murders. 2006: The Host. 2009: Mother. 2013: Le Transperceneige.

Tiré d'une bande dessinée française, Snowpiercer renouvelle le film d'action avec une originalité sans égale, le réalisateur exploitant le décor d'un train avec autant de créativité (sa configuration hybride) que d'intelligence pour la peinture de son microcosme où l'inégalité des classes va imploser. En 2031, après le réchauffement climatique de la planète qui aura provoqué un cataclysme, l'humanité est devenue un glacier de désolation. Seuls, une poignée de survivants réfugiés à bord d'un train sont contraints de faire le tour du monde pour sauvegarder leur vie et entretenir le fonctionnement du convoi. Alors que les plus riches, installés dans les premiers compartiments, mènent une existence édénique, les pauvres sont parqués dans les dernières cabines insalubres pour être réduits à l'esclavage et la malnutrition. Mais leur leader Curtis et ses acolytes sont prêts à mener une sédition afin de pouvoir accéder à la "machine" gérée par le dictateur Wilford. 

Réflexion écolo sur le réchauffement climatique, pamphlet sur l'inégalité des classes sociales auquel les riches exploitent les plus faibles afin de mener une existence prospère, Snowpiercer redore le blason du film d'action avec méditation, épaulé du charisme buriné (ou excentrique !) de personnages opiniâtres. Alternant moments de bastonnades et gunfights stylisés (ralenti à l'appui !) aussi cinglants que barbares, ce survival réfrigérant tire parti de son décor ferroviaire avec un sens esthétique confinant parfois à la féerie (l'aquarium géant, le jardin des plantes, la piscine). Chaque compartiment du train révélant aux yeux de nos héros un nouveau décor insolite quand bien même une frange de population y cohabite en harmonie. A l'instar d'un jeu-video, nos héros sont donc contraints d'avancer avec prudence vers une nouvelle cabine pour déjouer l'hostilité de tueurs intraitables. Sans jamais se répéter et se laisser piéger par l'esbroufe, le réalisateur improvise ses scènes d'action avec intensité et refus de concession pour la survie de nos héros (n'importe lequel d'entre eux pouvant trépasser à tous moments !). C'est donc un véritable parcours du combattant que vont devoir affaire Curtis et sa troupe avec un sens du courage déterminé. Outre le caractère spectaculaires des offensives déloyales (nombre de stratégies perfides leur sont souscrits), Bong Joon-ho accorde autant d'intérêt à la dimension humaine de ces protagonistes (leur épreuve de force pour la survie et celle de la liberté, la remise en cause du héros) qu'à sa progression narrative incessamment surprenante (rebondissements en diable et intrusion inopinée de nouveaux antagonistes avant la confrontation attendue avec Wilford). Qui plus est, avec une amertume désespérée où l'être humain est assigné à reproduire les mêmes erreurs dans sa cupidité et son profit, le réalisateur transcende la destinée d'un héros ordinaire profondément fragilisé de sa condition d'opprimé. Enfin, Snowpiercer est notamment une réussite formelle dans la retranscription d'un univers post-apo où les effets spéciaux numérisés s'avèrent souvent stupéfiants de réalisme (je tairais d'ailleurs le caractère dantesque de son épilogue à bout de souffle !).

Généreux en diable, violent, intense, original et furieusement excitant, Snowpiecer transcende le mode du film d'action en accordant autant de place au facteur humain des enjeux dramatiques qu'au caractère spectaculaire des affrontements aléatoires. Avec une belle densité psychologique, il ne manque pas de nous interpeller sur sa condition sociale d'un régime despotique où l'enfant martyr paye une fois de plus le lourd tribut de la barbarie de l'homme. Celle de l'indépendance liée à la loi du plus fort, vecteur de survie pour accéder à la première place. Une référence du film d'action et un classique à en devenir !

Bruno Matéï

La critique de Yannick Dahan: https://www.youtube.com/watch?v=vZedrpiWGIk

Récompenses:

Grand Bell Awards 2013: Meilleur décorateur (Ondrej Nekvasil), Meilleur monteur (Choi Min-yeong et Kim Chang-joo). 

Korean Association of Film Critics Awards 2013: Meilleur film, Meilleure réalisateur (Bong Joon-ho)
Meilleur directeur de la photographie (Hong Kyung-pyo). 

Blue Dragon Film Awards 2013: Meilleur réalisateur (Bong Joon-ho), Meilleur décorateur (Ondrej Nekvasil).

 

THE SEASONING HOUSE

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site zombiehamster.com

de Paul Hyett. 2012. Angleterre. 1h33. Avec Rosie Day, Anna Walton, Jemma Powell, Kevin Howarth, Sean Pertwee, David Lemberg.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: Paul Hyett est un réalisateur, maquilleur, acteur et scénariste anglais.
2012: The Seasoning House. 2014: Heretiks. 2014: Howl.

Précédé d'une certaine réputation sulfureuse, faute de séquences gores d'un raffinement putassier, The Seasoning House joue la carte du film d'exploitation lancé par la franchise Hostel, Saw et consorts. Sur le modèle du Tortur'porn et du Rape and revenge, le britannique Paul Hyett s'essayant aux genres avec autant de maladresse que de complaisance. Prisonnière d'un réseau clandestin de prostitution en ex-yougoslavie, une sourde muette prépare son évasion afin de s'épargner une existence miséreuse où viols et sévices sont quotidiennement perpétrées sur d'innocentes esclaves. Par l'entremise d'un bref flash-back, nous apprendrons que ces jeunes filles ont été soutirées de leurs parents (souvent assassinés sous leur yeux !) par des militaires durant la guerre pour être exploitées à la prostitution et donc livrées à une gente misogyne dans un bordel miteux.

Glauque et poisseux, The Seasoning house nous plonge dans un univers de claustration en interne d'une cabane poussiéreuse, où le sang, le sperme et la sueur imprègnent les draps de chaque chambre, quand bien même les jeunes filles violées sont soumises aux pires maltraitances. Avec une certaine efficacité, la première demi-heure réussit à distiller une ambiance malsaine dans son décor putride et à provoquer une certaine empathie pour le courage de l'héroïne contrainte de droguer ses amies pour le compte d'une clientèle SM. Mais dès qu'elle tente de sauver une de ses collègues, prise à parti avec la perversité d'un colosse, les invraisemblances et les situations éculées n'auront de cesse de desservir la vraisemblance du récit. A l'instar de l'agression sanglante interminable émise entre la muette et ce surhomme increvable, ou encore quand cette dernière tente de se faufiler à l'intérieur des parois de l'établissement, telle une souris rusée, afin d'échapper aux tueurs. Mis en scène avec peu d'habileté dans son montage approximatif et modestement interprété, The Seasoning House finit donc rapidement par accumuler les situations grotesques, d'autant plus que l'attitude malhabile des tueurs finit par nous lasser de leurs stratégies dérisoires à tenter d'appréhender la rebelle. Pour parachever dans le ridicule, le réalisateur enfonce le clou dans son dernier quart-d'heure quand l'héroïne se retrouve (comme par enchantement !) accueilli par la femme du tueur à l'intérieur de son foyer, mais aussi quand elle tente de s'extirper d'un entrepôt pour échapper à son assaillant (la manière dont ce dernier est désarmé est plutôt risible).

Pur produit de consommation voué à choquer le spectateur dans le sens le plus racoleur du terme et avec une facilité redondante, The Seasoning House tente de provoquer et d'impressionner par le biais d'une violence graphique crue et d'une action spectaculaire canonique. Ces deux éléments conformément associés finissant par nuire à sa crédibilité et à l'intensité procurée. Pour les amateurs indulgents d'horreur ludique, le film peut néanmoins procurer son petit effet révulsif, certaines séquences vomitives provoquant l'inévitable "haut-le-coeur". 

Bruno Matéï  

Missouri Breaks / The Missouri Breaks

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au siteImdb.com

d'Arthur Penn. 1976. U.S.A. 2h06. Avec Jack Nicholson, Marlon Brando, Randy Quaid, Kathleen Lloyd, John McLiam, Frederic Forrest, Harry Dean Stanton.

Sortie salles U.S: 18 Mai 1976

FILMOGRAPHIE: Arthur Penn est un réalisateur américain, né le 27 Septembre 1922 à Philadelphie, décédé le 28 Septembre à Manhattan, New-york. 1958: Le Gaucher. 1962: Miracle en Alabama. 1965: Mickey One. 1966: La Poursuite Impitoyable. 1967: Bonnie and Clyde. 1969: Alice restaurant. 1970: Little big man. 1975: La Fugue. 1976: Missouri Breaks. 1981: Georgia. 1985: Target. 1987: Froid comme la mort. 1989: Penn and Teller get killed. 1995: Lumière et compagnie (segment).

Euphémisme que d’affirmer qu’à l’époque de sa sortie, Missouri Breaks dérouta une partie du public. Car ici, Arthur Penn bouscule nos habitudes avec un cynisme particulièrement insolent et un ton pittoresque inhabituel pour ce noble genre. Rien que la séquence d’ouverture, une cruelle pendaison d’un réalisme saisissant, place le spectateur dans l'inconfort, tandis que les témoins locaux, gênés de cette macabre mise en scène, se morfondent dans un mutisme pesant. Le réalisateur alterne ainsi les situations pittoresques - le jeu de provocation machiste entre Tom et Jane dans l’éclosion de leur idylle, ou encore l’arrivée précipitée des voleurs au bordel tenu par une septuagénaire - avec d’autres plus grotesques, notamment toutes les facéties excentriques du régulateur, à l’instar de son travestissement en grand-mère (il fallait oser), sans oublier des éclats de violence à la dramaturgie inopinément cruelle, où ses exactions sanglantes se révèlent aussi lâches que perfides.

Western insolite au cheminement narratif imprévisible, semé d’accalmies durant sa première heure au risque parfois de nous perdre en route, Missouri Breaks affiche la marginalité de ses anti-héros au gré d’une chasse à l’homme orchestrée depuis le point de vue amoral d’un régulateur prenant un malin plaisir à éliminer des voleurs de bétail. Tout au long du récit, Arthur Penn prend soin de nous attacher à la familiarité de ces quatre malfrats, nantis d’un véritable esprit de solidarité, alors même que leur leader s’éprend de la fille d’un riche éleveur. C’est d’ailleurs ce dernier qui recrutera Robert Lee Clayton, régulateur impertinent et goguenard, déterminé à assassiner un à un ces voleurs de chevaux soudés par l’amitié.

Dans la peau de ce tueur sans vergogne, empli de lâcheté et d’une perfidie sournoise, Marlon Brando crève l’écran en endossant un personnage détestable, passant son temps à se goinfrer tout en bavassant avec ses ennemis avec une hypocrisie narquoise. À la fois flegmatique et aimable, Jack Nicholson lui tient tête avec aplomb avant de céder malgré lui à des pulsions expéditives. Entre-temps, le réalisateur prend soin de mettre en valeur sa complicité amoureuse avec Jane, ainsi que son désir latent de se ranger pour préserver leur relation. Or, personne ne sortira vainqueur de cette traque reptilienne, emporté dans une réaction en chaîne déshumanisante.

"Une farce macabre gagnée par la défaite."

En dépit d’une première heure relativement langoureuse par son rythme sporadique, Missouri Breaks détourne les codes du western avec une ironie caustique particulièrement dérangeante, à l’image de ses dialogues ciselés et de ses éclairs de violence que l’on ne voit jamais venir. Qui plus est, son cheminement narratif volontairement indécis nous place dans une perpétuelle interrogation quant au sort réservé aux voleurs de bétail, mais aussi au régulateur lui-même. On sera d’autant plus dérouté par son final malsain d’une grande violence, dénué de tout happy-end, pour mieux afficher l’amertume de protagonistes déchus. Un western atypique donc, dont l’ambiance cynique nous laisse un goût de soufre en bouche, et auquel l’interprétation effrontée de Marlon Brando mérite à elle seule le détour.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

28.04.26. 3èx

LE DEMON DES ARMES (Gun Crazy / Deadly is the Female)

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site listal.com

de Joseph H. Lewis. 1950. U.S.A. 1h27. Avec Peggy Cummins, John Dall, Berry Kroeger, Morris Carnovsky, Annabel Shaw, Harry Lewis.

Sortie salles France: 20 Janvier 1950

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Joseph H. Lewis est un réalisateur américain, né le 6 Avril 1907 à New-York (Etats-Unis), décédé le 30 Août 2000 à Santa Monica (Californie).
1945: My name is Julia Ross. 1946: So dark the night. 1948: Le Manoir de la Haine. 1949: Le Maître du gang. 1950: Le Démon des Armes. 1950: La Dame sans passeport. 1952: Quatre jours d'angoisse. 1955: Man on a bus. 1955: Association Criminelle. 1955: Ville sans loi. 1958: Terreur au Texas.

Bien avant le chef-d'oeuvre d'Arthur Penn, un film noir s'était lui aussi inspiré des méfaits délinquants du couple meurtrier Bonnie and Clyde. Film noir d'une beauté diaphane, Le Démon des armes retrace avec réalisme (du moins pour l'époque !) l'équipée sauvage d'un couple d'amants, spécialiste des armes à feu et des braquages de banques. Au fil de leur périple infernal, ils vont s'attirer une triste renommée auprès des médias et des journaux au point de mobiliser toutes les polices de l'état qui finiront par leur soumettre une traque inlassable (l'haletante chasse à l'homme investie dans la forêt et en amont des marais reste ancrée dans les mémoires).

A travers cette course poursuite effrénée d'un couple de gangsters avides de liberté et de richesse, Joseph H. Lewis dresse un magnifique portrait de marginaux totalement tributaires de leur passion amoureuse autant que celle, indissociable, de leurs armes à feu. Des personnages burnés mais à la dimension humaine fragile et désespérée car entraînés malgré eux dans une virée criminelle toujours plus houleuse et irréversible. Par leurs exactions délinquantes, on sent bien que le réalisateur s'épanche sur la fascination des armes exercée envers le citoyen américain. Ici, c'est son côté perfide et malsain qui est mis en valeur par l'autorité d'un couple spécialiste du tir et des braquages. Le goût du risque, l'adrénaline et la détermination de leurs actes rebelles découlant d'une attirance semi-inconsciente pour une violence vénale ! (c'est ce que Bart avouera à sa compagne après avoir tenté de tuer un policier, alors que cette dernière est capable de braver l'acte par une peur irraisonnée !). Ce couple d'amants communément fous d'amour mais incapables de s'extirper de leur existence asociale est incarné à l'écran par des acteurs transis d'émoi ! Avec son charisme longiligne et son humanisme sentencieux, John Dall campe un gangster fasciné depuis l'enfance par sa passion des armes au point d'endosser finalement le rôle d'un gangster pour l'amour de sa compagne. Trouble et vénéneuse et beaucoup moins circonspecte, Peggy Cummins retransmet à merveille une criminelle toute aussi obsédée par le tir mais véritable instigatrice d'avoir impliqué son compagnon jusqu'au point de non retour. A eux deux, ils forment un duo aussi mythique que le couple Warren Beatty/Faye Dunaway recruté 17 ans plus tard dans Bonnie and Clyde, et doivent beaucoup à l'intensité furieuse et émotionnelle du récit.

Chef-d'oeuvre avant-coureur du film noir symbolisant les "amants criminels", Le Démon des Armes (titre français encore plus incisif et révélateur que son modèle !) est habité par l'exaltation amoureuse mais compromis par l'acte suicidaire d'un couple marginal pris dans l'engrenage de la violence. 

Bruno Matéï
2èx