KING KONG

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cine-region.fr

de Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack. 1933. U.S.A. 1h44. Avec Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher, Sam Hardy, Noble Johnson, Steve Clemente, James Flavin.

Sortie salles France: 29 Septembre 1933. U.S: 7 mars 1933 (première mondiale)

FILMOGRAPHIE: Merian C. Cooper est un producteur, scénariste, réalisateur et dirceteur de photo, né le 214 Octobre 1893 à Jacksonville (Floride), décédé le 21 Avril 1973 à San Diego (Californie). 1925: Grass: a nation's battle for life. 1927: Chang. 1929: Les 4 plumes blanches. 1933: King Kong. 1935: Les derniers jours de Pompéï. 1952: This is cinerama.
Ernest Beaumont Schoedsack est un réalisateur, directeur de photo, producteur, monteur, acteur et scénariste américain, né le 8 Juin 1893 à Council Bluffs (Iowa), décédé le 23 Décembre 1979 dans le Comté de Los Angeles. 1925: Grass: a nation's battle for life.1927: Chang. 1929: Les 4 plumes blanches. 1931: Rango. 1932: Les Chasses du comte Zaroff. 1933: King Kong. 1933: The Monkey's Paw. 1933: Blind Adventure. 1933: Le Fils de Kong. 1934: Long Lost Father. 1935: Les Derniers jours de Pompéï. 1937: Trouble in Morocco. 1937: Outlaws of the Orient. 1940: Dr Cyclop. 1949: Monsieur Joe. 1952: The is Cinerama.

Considéré comme l'un des films les plus célèbres de l'histoire du cinéma, King Kong continue de perdurer son pouvoir de fascination depuis sa sortie triomphale en 1933. Outre le dynamisme de sa mise en scène ne laissant aucun répit au spectateur dès que nos héros ont posé pied sur l'île de crane, King Kong tire parti de sa vigueur exubérante grâce aux effets spéciaux conçus en stop motion, surimpression et composition de plan par une équipe de techniciens novateurs (les superviseurs des effets spéciaux mais aussi ceux des effets visuels). Notamment cette faculté bluffante pour l'époque d'insérer dans le même plan nos acteurs de chair et d'os parmi la créature animée image par image ! Bon Dieu, quelle époque pionnière fondée sur l'artisanat ! Ainsi, de par le principe d'une aventure fantastique, il y émane un réalisme souvent impressionnant sous l'impériosité d'une créature au faciès horrifié. Car outre les humains incessamment pourchassés, Kong affronte avec une hargne impavide des créatures préhistoriques tous azimuts (la première partie confinée au coeur de la jungle) avant de détruire une ville en situation de chaos et de se réfugier du haut de l'empire state building (une seconde partie nourrie au mode catastrophe). 

Sur ce dernier point, on peut saluer l'intensité émotionnelle découlant d'un moment homérique lorsque Kong, grièvement blessé par les balles des pilotes d'avion, contemple une ultime fois avec tendresse sa belle avant de se laisser chavirer dans le vide. Un moment anthologique d'une puissance dramatique émouvante pour son impuissance de déjouer le danger et pour son agonie latente emprunt de désespoir ! Parmi cet acte barbare commandité par l'homme, on peut y dénoncer sa cupidité, sa lâcheté et son mépris de la cause animale lorsqu'une situation d'embrigadement échappe finalement à leur contrôle. Par conséquent, sous cette intrigue originale influencée par le conte de la Belle et la Bête, nos réalisateurs sont donc parvenus à révolutionner le cinéma Fantastique parmi l'archétype d'un gorille pharaonique soudainement effleuré par l'amour (à l'instar de cette séquence poétique pleine d'humour lorsqu'il effeuille sa belle pour entrevoir son anatomie corporelle) mais paniqué à l'idée de survivre depuis sa captivité en milieu urbain. Ses apparitions dantesques, sa stature monstrueuse, son regain d'amour pour la belle et sa panique d'accoster la civilisation moderne insufflant au métrage une dimension onirique aussi cauchemardesque qu'empathique.  

Mené sur un rythme d'enfer au fil de péripéties et rebondissements cinglants, King-Kong préfigure l'entreprise lucrative du Blockbuster avec une dimension poétique et un sens du réalisme littéralement troublants ! Dénonçant en sous-texte social la cupidité de l'homme engagé à surenchérir dans les attractions populaires de spectacle à sensation, le film scande une poignante histoire d'amour impossible entre deux êtres contradictoires, quand bien même l'animal succombera à sa faiblesse de s'être laissé gagner par ses sentiments. 

Bruno Matéï

3èx

Silent Hill

                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site psycho-dystopia.blogspot.com 

de Christophe Gans. 2006. France/Canada. 2h05. Avec Radha Mitchell, Sean Bean, Laurie Holden, Jodelle Ferland, Deborah Kara Unger, Alice Krige, Kim Coates.

Sortie salles France: 26 Avril 2006. U.S: 21 Avril 2006

FILMOGRAPHIE: Christophe Gans est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 11 Mars 1960 à Antibes (Sud de la France). 1994: Necronomicon. 1995: Crying Freeman. 2001: Le Pacte des Loups. 2006: Silent Hill. 2014: La Belle et la Bête.

Cinq ans après le Pacte des Loups, Christophe Gans s'emploie de transposer à l'écran l'adaptation du célèbre jeu video Silent Hill. Pourvu d'un casting américain au charisme plutôt saillant, ce film d'ambiance à l'ancienne allie avec assez de bonheur et d'efficacité, climat feutré et horreur insidieuse sous l'allégeance d'un spectre infantile. Synopsis: Souffrant de grave somnambulisme au point d'intenter à sa propre vie, Sharon, 10 ans, est hantée par de terribles cauchemars l'incitant à se réfugier dans la ville fantomatique de Silent Hill. Sa mère Rose décide de l'emmener dans cet endroit sinistré afin de tenter de démystifier l'origine de ses récurrents cauchemars. Alors qu'une motarde se lance à ses trousses, Rose et Sharon vont se retrouver embarqués dans un monde parallèle où les habitants du quartier sont entièrement soumis à la manipulation d'une fanatique religieuse. Nanti d'une splendide photo lestement saturée et de décors ombrageux plutôt glauques et malsains, Silent Hill renoue avec les ambiances diffuses des films d'horreur d'antan où la suggestion primait plutôt que l'esbroufe grand-guignolesque. C'est du moins ce que l'on peut vanter lors de sa première partie lorsque, au rythme d'une douce mélodie, Rose et l'officier partent à la recherche de Sharon dans une ville cendrée noyée de brume. Ambitieux et inspiré, Christophe Gans prend son temps à narrer son histoire en s'attardant de prime abord à soigner le cadre d'une atmosphère rubigineuse assez envoûtante pour y croire. 

De par ses pièces décrépites martyrisées par un ancien incendie et les apparitions dantesques de créatures difformes par leur morphologie fulgurante émanent un sentiment trouble d'insécurité et de malaise sous-jacent lorsque les forces des ténèbres se motivent à décourager l'investigation de nos héroïnes embarquées dans un dédale sans repère. Du moins avant de connaître les tenants et aboutissants des jumelles Sharon et Alessa étroitement liées à une affaire crapuleuse. Dénonçant dans sa seconde partie le fanatisme, l'obscurantisme et les superstitions du point de vue d'un séminaire religieux, le cinéaste implique ses thèmes autour d'une douloureuse affaire d'infanticide, quand bien même la pédophilie et la démission maternelle y seront les principaux ressorts. De par la sobriété des comédiennes inscrites dans une bravoure solidaire, l'empathie éprouvée renforce le caractère crédible de leur déambulation où cauchemar et réalité se confondent pour nous décrire un univers parallèle soumis à la malédiction d'une entité punitive. Outre le charisme prégnant des seconds-rôles inscrits dans le cynisme de l'influence meurtrière, on peut également saluer la présence malingre de Jodelle Ferland endossant dans une physionomie tantôt candide, tantôt hostile le double rôle équivoque de Sharon/Alessa avec assez d'étrangeté pour se confondre dans leur esprit torturé. 

Hormis quelques défaillances rythmiques, son caractère déroutant pour autant fascinant et la médiocrité de certains FX en CGI alors que certains effets gores auraient été beaucoup plus percutants auprès d'un réalisme charnel, Silent Hill parvient efficacement à troubler et fasciner parmi le souci formel de retranscrire à l'écran un univers proprement atypique (même si certaines références à Hellraiser sont de mise pour le côté SM de créatures et victimes suppliciées). Par son climat tantôt mélancolique, tantôt malsain, et l'intensité douloureuse de son récit compromis au martyr infantile, Silent Hill laisse en mémoire des images marquantes aussi envoûtantes (les errances de l'héroïne au sein de la ville fantôme sont sans doute les passages les plus atmosphériques) que cauchemardesques (la damnation apocalyptique dans l'antre de l'église et la cruauté des châtiments corporels qui s'ensuit). Dommage toutefois que sa structure narrative soit aussi inachevée que maladroite et parfois confuse si bien que Silent Hill aurait pu être beaucoup plus convaincant, terrifiant et réaliste pour accéder au rang de classique du genre. Mais ne boudons pas non plus notre plaisir actuel à travers ce très bon moment d'étrangeté aussi dépaysant que tourmenté tant il laisse des traces dans l'encéphale pour s'y replonger avec plaisir aux prochains visionnages. Or, quelque soit ses couacs précités, Silent Hill reste également en tout état de cause une réussite formelle éblouissante.  

*Bruno
4èx. VF.

A LA POURSUITE DE DEMAIN

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site denofgeek.com

"Tomorrowland"de Brad Bird. 2015. U.S.A. 2h10. Avec Brittany Robertson, George Clooney, Hugh Laurie, Raffey Cassidy, Tim McGraw, Judy Greer.

Sortie salles France: 20 Mai 2015. U.S: 22 Mai 2015

FILMOGRAPHIE: Brad Bird est un animateur, réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 15 Septembre 1957 à Kalispell dans le Montana. 1999: Le Géant de Fer. 2004: Les Indestructibles. 2004: Baby-Sitting Jack-Jack. 2007: Ratatouille. 2011: Mission Impossible: Protocole Fantôme. 2015: A la Poursuite de Demain.

Découvert avec son film d'animation, le Géant de Fer, et reconnu ensuite par le public et la critique avec Les Indestructibles, Brad Bird n'en finit plus de surprendre et de combler les attentes du public tant il accumule les réussites à un rythme métronomique (Ratatouille et Mission Impossible: Protocole Fantôme pour la suite de sa filmo). Avec son dernier né, A la poursuite de demain, il renoue cette fois-ci avec la science-fiction à l'ancienne, digne représentant des productions Amblin des années 80. D'une imagination aussi foisonnante qu'exubérante, Brad Bird créé un univers atypique incroyablement crédible pour son panel de décors futuristes stylisés, rehaussés d'effets spéciaux numériques ahurissants de réalisme (plutôt rare pour le souligner !). Après avoir découvert un étrange badge métallique capable de confondre la réalité dans un univers parallèle, Casey, adolescente férue de science, se laisse influencer par une humanoïde d'apparence infantile et un inventeur quinquagénaire pour se lancer dans une mission capitale. Tenter de sauver notre planète en perçant les mystères d'un endroit tenu secret: Tomorrowland !

En surfant sur les thématiques du voyage temporel et de la dimension parallèle, le cinéaste élabore un scénario complexe dans son lot de revirements, quiproquos et rebondissements périlleux que nos héros traversent entre les époques du passé et du présent. Pourchassés par intermittence par une confrérie de droïdes plus vrais que nature (j'insiste encore sur la qualité exceptionnelle des trucages en CGI !), nos héros entament avec sagacité leurs stratégies d'attaque et de défense afin de trouver une solution de dernier ressort à la survie de notre espèce. Plongés dans un Rubik's Cube mental, ils vont user de persévérance à déchiffrer le sens de leur dessein et leur responsabilité après avoir découvert une invention révolutionnaire Spoiler ! que nos grands savants du siècle dernier avaient conçu en secret du haut de la Tour Eiffel ! Fin du spoiler. Malgré le caractère confus d'une intrigue riche de thématiques quant au devenir de notre humanité, cette poursuite en pagaille vers l'optimisme d'un avenir moins cupide parvient à nous passionner sans jamais relâcher la tension. De par la fougue attachante des personnages aussi humains que retors et la mise en scène extrêmement avisée que Brad Bird transcende avec un esprit imaginatif insatiable. Notamment avec l'intensité vertigineuse de séquences d'action exubérantes ou poursuites et altercation physiques se télescopent sous l'impulsion héroïque de scientifiques jamais à court de subterfuges. Outre la fascination prégnante qu'exerce leur voyage temporel, là où la dystopie du péril atomique pointe à l'horizon, A la poursuite de demain est largement sollicité par les prestances pleines de dignité des comédiens en roule libre. George Clooney, l'étoile montante Brittany Robertson et la petite Raffey Cassidy formant un trio intrépide aussi houleux et antinomique (leurs premières rencontres) que solidaire et opiniâtre (la seconde partie impartie aux stratagèmes de solution de survie !).

Un Monde Meilleur
Grand divertissement d'anticipation imprégné de nostalgie pour son esprit chaleureux hérité des eighties et de réalisme pour sa scénographie futuriste étonnamment crédible, A la poursuite de demain arbore le spectacle familial avec une intelligence, un lyrisme et une humanité pleine de noblesse. Véritable réflexion sur l'optimisme pour la condition précaire de notre futur en crise, Brad Bird se permet aussi en second plan de prôner les valeurs de l'amour sous l'héroïsme d'un couple hétéroclite. Il en émane un enchantement permanent, de par son ambition visionnaire aussi immersive que singulière et l'inventivité d'une narration militant pour la sauvegarde d'une planète plus humaniste et responsable. Un classique en devenir d'une rare émotion expansive ! 

Bruno Matéï

L'HISTOIRE SANS FIN

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmaffinity.com

"Die unendliche Geschichte/The Neverending Story" de Wolfgang Petersen. 1984. Allemagne. 1h35. Avec Barret Oliver, Gerald McRaney, Thomas Hill, Moses Gunn, Deep Roy, Tilo Prückner, Noah Hataway.

Sortie salles France: 21 Novembre 1984. U.S: 20 Juillet 1984. Allemagne de l'Ouest: 6 Avril 1984

FILMOGRAPHIE: Wolfgang Petersen est un réalisateur allemand né le 14 Mars 1941 à Emden.
1974: Einer von uns beiden. 1977: La Conséquence. 1981: Le Bateau. 1984: L'Histoire sans Fin. 1985: Enemy. 1991: Troubles. 1993: Dans la ligne de mire. 1995: Alerte ! 1997: Air force one. 2000: En pleine tempête. 2004: Troie. 2006: Poséidon.

"La vie spirituelle commence à partir du moment où nous découvrons que toute la réalité de nos actes réside dans les pensées qui les produisent". Louis Lavelle.

Considéré à l'époque comme le film le plus cher d'Allemagne (60 millions de Deutsch Mark/27 000 000 $), l'Histoire sans fin rapporta à travers le monde plus de 100 000 000 de dollars. Et malgré son succès mitigé outre-atlantique, il est devenu auprès de plusieurs générations de spectateurs un grand classique de l'Heroic Fantasy, quand bien même la chanson interprétée par Limahl et composée par Giorgio Moroder s'est allouée d'un hit planétaire ! Mais aujourd'hui, que reste t-il de ce spectacle familial hors norme dans son onirisme baroque où le néant accorde une place prépondérante au cheminement héroïque d'Atreyu ? Hymne à l'innocence de l'enfance et au rêve, au pouvoir de l'imaginaire et à la possibilité d'exaucer nos voeux les plus excentriques, l'Histoire sans fin s'édifie en moment de cinéma enchanteur dans le parcours chimérique qu'un jeune ado entreprend au fil de la lecture d'un roman. Héros malgré lui, Bastien est sur le point de changer la destinée de Fantasia, un univers irréel sur le point d'être dévoré par le néant si le guerrier Atreyu ne parvient pas à sauver son impératrice de la maladie. Plongé dans l'illusion de son récit d'aventures, Bastien commence à perdre pied avec sa réalité mais se rétracte de ne pouvoir considérer ce rêve comme une réalité (son père rationnel en est également la responsabilité !). A moins qu'Atreyu et l'Impératrice ne parviennent à l'inciter à croire à l'impossible.

Touché par la grâce d'une poésie tantôt candide (l'intervention pleine de pudeur et de fragilité de l'impératrice lors du final majestueux, les envolées lyriques du dragon porte bonheur, Falkor) tantôt opaque (les présences iconiques de Gmork, le loup impassible, la tortue savante et le mangeur de pierre), Wolfgang Petersen n'hésite pas à cristalliser un endroit à mi chemin entre le merveilleux et l'hermétisme à travers la scénographie baroque de marécage mélancolique, de forêt obscure et d'univers stellaire. Périple d'épreuves homériques qu'un jeune garçon doit surpasser pour sauver sa planète du chaos, l'Histoire sans fin déploie une imagination singulière sans égale pour la conception de ses décors fantastiques tournés en studio (la vision du néant et ses multiples métamorphoses nous provoque une fascination vertigineuse !) et de créatures dantesques jamais vues au préalable ! Par le biais d'effets spéciaux révolutionnaires pour l'époque, le film parvient toujours à distiller féerie et inquiétude chez la conception artisanale de monstres aussi expressifs qu'attachants. Quand bien même le jeune Noah Hathaway parvient avec une innocence naturelle à se fondre dans la peau du guerrier parmi l'apprentissage de transcender ses peurs et sa tristesse. A cet égard, qui peut oublier la séquence poignante auquel son cheval Artax se laisse engloutir par la vase d'un marécage depuis sa mélancolie d'échouer la mission ! Une séquence assez cruelle d'une intensité dramatique plutôt inattendue pour le genre familial que Wolfgang Petersen illustre avec réalisme. Un parti-pris justifié lorsque l'on comprends le parcours initiatique du héros confronté au dépassement de soi parmi l'appui solidaire de Bastien contraint d'exploser les barrières de sa réalité par auto-suggestion. Croire en l'impossible pour braver ses doutes, ses peurs et son désespoir et découvrir un nouveau monde bâti sur la croyance en l'optimisme !

Enchanteur et baroque, lyrique et fantastique, l'Histoire sans Fin continue de perdurer son pouvoir d'évasion grâce à la beauté formelle de sa Fantasy photogénique et l'impulsion héroïque d'adolescents rebelles en quête d'imaginaire. Hymne à l'aventure et ce besoin viscéral de fuir notre quotidien, métaphore spirituelle sur la foi, réflexion sur la persuasion de l'esprit et sur la force de l'espoir afin de déjouer la solitude du néant, l'Histoire sans Fin possède un souffle magique enivrant pour nous faire croire à l'impossible ! 

Bruno Matéï

Anecdote (Wikipedia): La scène de la mort d'Artax est placée cinquième dans le top 11 de The Nostalgia Critic des scènes les plus tristes de notre enfance.

Le Spectre Maudit / The Black Torment

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site coverunivers.blogspot.com

"The Black Troment" de Robert Hartford-Davis. 1964. U.S.A. 1h26. Avec Heather Sears, John Turner, Ann Lynn, Peter Arne, Norman Bird, Raymond Huntley, Annette Whiteley, Robert Hartford-Davis.

Sortie Dvd France: 1er Avril 2005

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Robert Hartford-Davis est un réalisateur et producteur anglais, né le 23 Juillet 1923, décédé le 12 Juin 1977 à Beverly Hills, Los Angeles. 1962: Crosstrap. 1963: The Yellow Teddybears. 1964: Le Spectre Maudit. 1964: Saturday Night Out. 1967: Carnages. 1971: Suceurs de sang. 1972: Gunn la gachette. 1974: The Take.

Rareté des sixties exhumée de l'oubli grâce à notre regretté éditeur Neo Publishing, Le Spectre Maudit combine l'enquête policière et le surnaturel avec une efficacité en roue libre (euphémisme !). De par son intrigue charpentée au suspense imperturbable laissant parfois diluer une atmosphère d'étrangeté (les apparitions spectrales de Lana dans le jardin) et la qualité d'une interprétation spontanée jusqu'aux moindres seconds-rôles, le Spectre Maudit nous plaque au siège jusqu'à son renversant twist aussi démonial que retors. Le Pitch: Après 3 semaines d'absence, Sir Charles revient dans sa grande résidence parmi sa nouvelle épouse, Sir Elisabeth. Mais tièdement accueilli par la communauté, il finit par apprendre qu'une villageoise récemment décédée dans de troubles circonstances a dévoilé son patronyme avant de mourir. Pour amplifier le mystère, les résidents de sa demeure sont importunés chaque nuit par l'apparition d'une dame blanche ressemblant à sa première défunte épouse. 

Ce pitch prometteur dont le cadre historique se situe au 18è siècle, Robert Hartford-Davis le dépeint avec un art de conteur dans son habileté à distiller un suspense haletant autour d'une sombre conspiration. Employant quelques codes du cinéma d'épouvante, le cinéaste est aussi à l'aise pour nous plonger dans la perplexité face à l'apparition récurrente d'un fantôme puis celle, potentielle, d'un double maléfique conçu pour culpabiliser notre héros. L'intrigue gagnant notamment en intensité auprès du revirement d'un nouveau meurtre et le cheminement psychologique du protagoniste toujours plus compromis par des évènements imbitables qu'il tente vainement de démystifier afin de prouver son innocence. Ce climat de paranoïa régi autour de son autorité l'entraînant vers un comportement irascible où chacun des témoins (épouse inclue !) finiront davantage par le suspecter. Outre la résolution étonnante de l'énigme où vengeance et machination font bon ménage, le film se clôt par un duel à l'épée à la chorégraphie sauvagement épique !

Au gré d'un suspense exponentiel fort bien mené et d'une direction d'acteurs plein de vigueur (Heather Sears terriblement expressif de résignation colérique en victime démunie seule contre tous), Le Spectre Maudit parvient à captiver et à surprendre sous l'alibi irrationnel d'un spectre d'outre-tombe et du double maléfique. A redécouvrir avec vif intérêt donc, d'autant plus que les décors sépias de la résidence seigneuriale n'ont rien à envier au gothisme baroque des fleurons de la Hammer auquel il se fait dignement écho ! Un bijou. 

*Bruno Matéï
19.10.15.

04.06.22. 3èx

THE GREEN INFERNO

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site motifri.com

d'Eli Roth. 2014. U.S.A/Chilie. 1h43. Avec Lorenza Izzo, Ariel Levy, Aaron Burns, Daryl Sabara, Kirby Bliss Blanton, Nicolas Martinez, Magda Apanowicz.

Sortie VOD France: 16 Octobre 2015. Salles U.S: 25 Septembre 2015

FILMOGRAPHIE: Eli Roth est un réalisateur américain, né le 18 Avril 1972 à Boston.
2002: Cabin Fever. 2006: Hostel. 2007: Thanksgiving (faux trailer). 2007: Hostel 2. 2009: Nation's Pride - Stolz der Nation (trailer). 2013: The Green Inferno.

Privé de salles chez nous, The Green Inferno débarque directement en vod deux ans après l'achèvement de son tournage. Annoncé à renfort de trailers aussi prometteurs qu'alléchants mais d'un bouche à oreille contradictoire, le nouveau film d'exploitation d'Eli Roth sollicite l'hommage aux films de cannibales transalpins qui inondèrent nos écrans de la fin des Seventies jusqu'au milieu des années 80. Pourvu d'un discours social écolo lorsqu'une poignée de jeunes activistes envisagent de dévoiler via internet la déforestation d'une compagnie pétrolière et l'éventuelle épuration d'une tribu indigène du Pérou, The Green Inferno continue d'effleurer un des thèmes chers de Cannibal Holocaust. A savoir, la sauvagerie du citadin moderne prêt à exterminer un peuple primitif pour un motif lucratif. Alors que nos activistes parviennent à accomplir leur mission de diffuser leur bravoure via réseau de leur smartphone, ils sont rapidement alpagués par la police pour être rapatriés en avion. Seulement, durant leur retour, l'appareil se crashe en plein coeur de l'Amazonie. C'est le début d'un enfer (vert) que nous survivants vont endurer face à l'hostilité d'autochtones aux coutumes anthropophages !

Cette trame particulièrement bien troussée et captivante quant aux stratégies héroïques des protagonistes n'est évidemment qu'un prétexte pour embrayer sur les revirements horrifiques nauséeux de la seconde partie. Eli Roth poussant le vice de la dérision vers un détournement cruel lorsque nos militants pacifistes vont endosser malgré eux le rôle d'antagonistes du point de vue des indigènes qu'ils défendaient. Alternant le mauvais goût, la farce macabre, l'humour scato et la tripaille putassière avec une vigueur et invention décomplexées, Eli Roth n'y va pas de main morte pour étaler à intervalles irrégulier des séquences-chocs aussi intenses que viscéralement vomitives. Et si l'ossature prévisible de sa narration a été mainte fois exploitée chez nos transalpins précurseurs, le cinéaste parvient à dépoussiérer le genre grâce à l'impulsion spontanée des comédiens (transfuge cynique à l'appui pour pimenter la tension d'embrigadement et les discordes entre survivants !) et l'efficacité de sa mise en scène misant sur l'appréhension (autant que l'expectative !) des futurs sévices corporels. De surcroît, notre metteur en scène assidu soigne le cadre d'une forêt d'apparence édénique avant de nous dépayser explicitement avec l'envers d'une scénographie cauchemardesque. On peut également souligner la manière documentée dont Eli Roth fait preuve pour nous présenter avec humour sardonique la quotidienneté communautaire des indigènes endossé par des comédiens chiliens plus vrais que nature et affublés d'un charisme tribal des plus impressionnants (peinture guerrière d'un rouge saillant !). Sans compter la stylisation empathique de certaines séquences, telle l'exposition de leurs trophées humains présentés à une foule expansive ! Quand au final homérique, il témoigne toujours d'un ressort haletant pour l'enjeu de survie compromis à l'évasion de la dernière chance, quand bien même une menace autrement perfide est sur le point d'entrer en scène !

Mondo Cannibale
Véritable déclaration d'amour à l'âge d'or des films de cannibales, The Green Inferno est une résurrection pour les fans de tripailles faisandées qu'Eli Roth parvient à rajeunir avec un savoir-faire référentiel. Si l'intérêt mineur du pur divertissement peut prêter à sourire chez les non initiés, le spectacle barbare, aussi jouissif qu'éprouvant (la gêne viscérale peut être évoquée chez les plus sensibles !), comblera les attentes de la plupart des fans. Quant au fond socialo-écolo du produit d'exploitation, Eli Roth ne manque pas de sincérité à évoquer une diatribe contre la déforestation et la cupidité de nos dirigeants tout en effleurant le tabou de l'excision pratiquée illégalement dans certains états (principalement l'Afrique, l'Egypte, l'Indonésie et la Malaisie). Bref, un cadeau inespéré qu'il nous retranscrit ici avec une appétence et une générosité galvanisantes !

P.S: A ne pas louper, le cliffhanger infiltré dans le générique final !!!

La critique de Gilles Rolland: http://www.onrembobine.fr/critiques/critique-the-green-inferno

Bruno Matéï

THE VISIT

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site ecranlarge.com

de M. Night Shyamalan. 2015. U.S.A. 1h34. Avec Kathryn Hahn, Ed Oxenbould, Benjamin Kanes, Erica Lynne Marszalek, Peter McRobbie.

Sortie salles France: 7 Octobre 2015. U.S: 11 Septembre 2015

FILMOGRAPHIE: M. Night Shyamalan est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, d'origine indienne, né le 6 Août 1970 à Pondichéry.
1992: Praying with Angers. 1998: Eveil à la vie. 1999: Sixième Sens. 2000: Incassable. 2002: Signs. 2004: Le Village. 2006: La Jeune fille de l'eau. 2008: Phenomènes. 2010: Le Dernier maître de l'air. 2013: After Earth. 2015: The Visit.

Petite production indépendante de 5 000 000 de dollars que Shyamalan a su financer grâce au salaire engrangé par son précédent film, After Earth, The Visit joue la carte du simulacre dans sa combinaison des genres allouée aux thématiques de hantise, de peur du noir et de folie schizophrène. Loretta, mère de deux enfants, a rompu les liens parentaux depuis plus de 15 ans. Mais à la demande de ces derniers, elle accepte de laisser partir Tyler et Rebecca afin qu'ils puissent connaître leurs grands parents. Sur place, leurs comportements excentriques intriguent les enfants confondus en apprentis cinéastes. Jonglant avec les codes du cinéma d'horreur et du conte populaire de manière sarcastique, M. Night Shyamalan déconcerte sans modération pour l'ossature de son intrigue interlope usant de subterfuge et chausse-trappe afin de mieux nous surprendre. Le récit étant conditionné sous le principe du documentaire que deux adolescents filment sans répit pour préserver sur pellicule la quotidienneté intimiste de leurs grands-parents.

Pourvu d'une ambiance crépusculaire envoûtante lorsque la nuit bat son plein et que les arbres contrastent parmi une luminosité onirique, The Visit distille également une angoisse sous-jacente en interne d'une demeure vétuste occultant un terrible secret. Par le biais du comportement incohérent du couple de vieillards (même si l'un souffre du syndrome d'état crépusculaire !), nous nous portons témoins scrupuleux de leur déambulation nocturne sous la caméra amateur des adolescents voyeurs. Eludant remarquablement le stéréotype de l'ado aseptique, Shyamalan nous caractérise intelligemment des héros juvéniles aussi sensés et dégourdis que remarquablement solidaires. La grande force du récit résidant notamment dans le  développement de leur personnalité imparti à une quête initiatique pour la réconciliation parentale et la confiance en soi. Là où le film risque de dépiter une partie de son public, c'est dans la manière caustique dont le cinéaste recours pour exploiter les ressorts de flippe. D'une grande efficacité pour la progression de la tension et les effets de surprise impartis à l'incohérence comportementale, ces moments d'appréhension provoquent au final un sentiment libérateur (et déconcertant) d'angoisse amusée. Une démarche néanmoins subtile car hétérodoxe, justifiée et rationnelle lorsque l'on finit par connaitre les tenants et aboutissants des personnages et le fin mot de l'énigme. Sur ce dernier point, là encore Shyamalan continue de nous surprendre de manière autrement rigoureuse et dramatique lorsque les enfants vont se livrer à une imprévisible épreuve de survie. Quant à l'épilogue particulièrement bouleversant, The Visit nous dévoile enfin sa véritable identité, à savoir que ce à quoi nous venions d'assister n'était qu'un exutoire pour mettre en exergue un drame psychologique sur les conflits parentaux, le regret et le pardon érigés autour des valeurs éducatives. 

Hansel et Gretel
Intriguant, déroutant, angoissant et dérangeant pour la tournure cinglante de son point d'orgue horrifique, The Visit aborde le cinéma d'angoisse dans l'apparence pour privilégier un drame parental d'une intensité aussi dramatique que salvatrice. Outre la stature attachante des ados remarquablement convaincants et la posture interlope des seniors ricaneurs, le film tire-parti de son attention dans la progression intrigante du récit culminant vers une révélation rigoureusement brutale.  

Attention toutefois aux spectateurs non avertis de sa facture fallacieuse !

Bruno Matéï

LE VILLAGE DES DAMNES

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site to-hollywood-and-beyond.wikia.com

"Village of the Damned" de Wolf Rilla. 1960. Anglettere. 1h17. Avec George Sanders, Barbara Shelley, Martin Stephens, Michael Gwynn, Laurence Naismith, Richard Warner, Jenny Laird.

Sortie salles U.S: 7 Décembre 1960 (Interdit aux - de 18 ans).

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Wolf Rilla est un réalisateur anglais d'origine allemande, né le 16 Mars 1920 à Berlin, décédé le 19 Octobre 2005 à Grasse.
1953: Noose for a Lady. 1954: The Black Rider. 1957: The End of the Road. 1959: Jessy. 1959: Witness in the dark. 1960: Le Village des Damnés. 1968: Pax ? 1973: Secrets of a Door-to-door Salesman. 1975: Bedtime with Rosie.

Classique notoire des sixties où la science-fiction se heurte à l'épouvante, Le Village des Damnés emprunte le roman éponyme de John Wyndham pour illustrer de manière fort originale l'invasion extra-terrestre du point de vue d'une candeur insidieuse. Celle de chérubins aux têtes blondes mystérieusement enfantés par les femmes d'une paisible bourgade depuis l'apparition d'un nuage invisible dans l'atmosphère. Alors que la population de Midwich sombre quelques instants en léthargie devant le témoignage impuissant de l'armée et de la police, l'entité extraterrestre en profite pour investir le corps de quelques épouses avant leur retour au réveil. Un stratagème diabolique remarquablement planifié pour la procréation d'une nouvelle race infantile à l'intelligence surnaturelle. Car pourvus de pouvoirs télépathiques ayant la faculté de violer nos pensées les plus secrètes, ces bambins dénués d'émotions n'ont comme seule devise de coloniser notre planète.

Un scénario charpenté que Wolf Rilla structure avec l'appui d'un climat subtilement anxiogène pour les agissements sournois des enfants, tout en abordant de manière singulière les thèmes de la dictature et du fascisme par leur faculté à nous imposer leur prépondérance. D'apparence analogue, blond et angélique, ils se confondent dans la peau de tueurs (pro-nazis ?) sans vergogne. Incapables d'éprouver le sentiment d'amour pour leur mère et la compassion chez l'étranger, ils n'hésitent pas à se débarrasser des témoins arrogants en guise de vengeance et de couverture lorsque ces derniers envisagent de les éradiquer. Outre la fascination qu'exerce leur cheminement meurtrier et l'atmosphère diaphane qui en émane, le Village des Damnés tire parti de son étrangeté dans la stature innocente des extraterrestres en culotte courte. On peut d'ailleurs saluer le magnétisme accordé aux comédiens infantiles, leur interaction diabolique à hypnotiser communément leur proie d'un regard surnaturel incandescent. Ce sentiment tangible d'hostilité et d'intimidation provoquant chez nous un sentiment de malaise sous-jacent lorsque des enfants criminels parviennent à assujettir l'autorité des adultes !  

Par la biais d'une épouvante éthérée et dans le cadre de l'enfant démoniaque, Wolf Rilla parvient à renouveler les codes de la science-fiction alarmiste sous l'impulsion d'une hostilité extraterrestre à visage candide. Il en émane une mécanique de suspense latent et oppressant lorsque les adultes en perdition tentent vainement de déjouer la menace avant la stratégie mentale d'un dernier espoir se mesurant au self-control émotif pour en venir à bout.  

Bruno Matéï
3èx

DEUX JOURS, UNE NUIT. Prix spécial du jury œcuménique, Cannes 2014

                                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jean Pierre et Luc Dardenne. France/Belgique/Italie. 2014. 1h35. Avec Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Catherine Salée, Christelle Cornil, Timur Magomedgadzhiev.

Sortie salles France: 21 Mai 2014

FILMOGRAPHIE: Jean-Pierre et Luc Dardenne sont des frères réalisateurs belges. Jean-Pierre est né le 21 Avril 1951 à Engis, Luc, le 10 mars 1954 aux Awirs.
1987: Falsch, 1992: Je pense à vous, 1996: La Promesse, 1999: Rosetta, 2002: Le Fils, 2005: l'Enfant, 2008: Le Silence de Lorna, 2011: Le Gamin au Vélo. 2014: Deux jours, une nuit. 2016: La fille Inconnue.

Multi récompensé dans divers festivals, à l'instar de son Prix Spécial du Jury œcuménique décerné à Cannes, Deux Jours, Une Nuit traite du conditionnement moral et de l'égoïsme matérialiste des ouvriers au sein de l'entreprise. Des thèmes d'actualité développés ici autour de la pudeur d'une femme en perdition depuis sa requête professionnelle, eu égard de l'interprétation sensitive de Marion Cotillard. Une prestance névralgique que l'actrice retransmet avec une vérité bouleversante dans son cheminement inlassable à tenter de convaincre ses employés de les contredire dans leur choix pécuniaire afin de récupérer sa place. A la suite de son arrêt maladie d'une grave dépression, Sandra est sujette à un vote drastique au sein de son équipe professionnelle. Ces derniers pouvant empocher la prime de 1000 euros au mépris du licenciement de leur camarade. Mais depuis la révélation du chantage du contremaître, Sandra parvient à renégocier sa place auprès de son patron en soumettant un nouveau vote. Dès lors, avec le soutien de son mari, elle se lance dans un difficile compromis à contacter un à un ses camarades pour les convaincre de renoncer à leur prime de 1000 euros et l'épargner de son licenciement.  

Grand moment d'émotion d'une sobriété exemplaire, car réfutant toute forme de pathos et de racolage misérabiliste, Deux Jours, une nuit dresse le constat amer, désenchanté du monde de l'entreprise où l'individualisme prime pour une question de survie et de crainte du licenciement. A travers l'introspection morale d'une jeune femme dépressive terrorisée à l'idée de perdre son emploi, les Frères Dardenne transfigurent son portrait parmi l'impulsion exemplaire de Marion Cotillard. Un rôle timoré plein de dignité, celui d'une femme au bord du marasme et aux tendances suicidaires car contrainte malgré elle de contacter avec beaucoup de retenue (et sentiment de culpabilité) des pères et des mères de famille dont leur situation précaire s'avère difficilement négociable. Par son démarchage à domicile inscrit dans une humanité désespérée, les cinéastes en profitent pour dresser le portrait en demi-teinte d'ouvriers confrontés à un terrible dilemme moral. Celui d'être exposé à une controverse humanitaire alors que chacun d'eux tente difficilement de survivre depuis une situation professionnelle intraitable. Une partie d'entre eux se motivant en désespoir de cause ou en esprit de cohésion à soutenir leur camarade, quand bien même l'autre segment ne songe qu'à leur intérêt personnel afin d'empocher 1000 euros contre le sacrifice de leur camarade.

Dur, cruel et édifiant pour le tableau impitoyable réservé au milieu de l'entreprise auquel nombre d'ouvriers sont compromis par la loi de la survie, bouleversant et plein de dignité pour le douloureux portrait alloué à une femme en voie de constance et d'assurance (de par son parti-pris solidaire de dernier ressort et sa capacité à avoir su motiver la fraternité d'une poignée d'employés), 2 jours, une nuit nous laisse sur une note aussi vibrante que amère pour dénoncer la lâcheté du patronat et la déshumanisation de nos sociétés matérialistes. 

Bruno Matéï

Récompenses

Festival de Cannes 2014 : Prix spécial du jury œcuménique pour les Frères Dardenne (sélection officielle)
Prix André-Cavens de l’Union de la critique de cinéma (UCC) pour le meilleur film belge en 2014.
Festival du film de Sydney 2014 : Sydney Film Prize
Ensors 2014 : meilleur film en coproduction
Boston Society of Film Critics Awards 2014 :
Meilleure actrice pour Marion Cotillard (également pour The Immigrant)
Meilleur film en langue étrangère
Boston Online Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleure actrice pour Marion Cotillard
Meilleur film en langue étrangère
Indiana Film Journalists Association Awards 2014 : meilleur film en langue étrangère
National Board of Review Awards 2014 : top 2014 des meilleurs films étrangers
New York Film Critics Circle Awards 2014 : meilleure actrice pour Marion Cotillard (également pour The Immigrant)
New York Film Critics Online Awards 2014 : meilleure actrice pour Marion Cotillard
Online Film Critics Society Awards 2014 : meilleur film étranger
Prix du cinéma européen : meilleure actrice pour Marion Cotillard
San Diego Film Critics Society Awards 2014 : meilleure actrice pour Marion Cotillard
Women Film Critics Circle Awards 2014 : meilleur film étranger à propos des femmes
Guldbagge Awards 2015 : meilleur film étranger
National Society of Film Critics Awards 2015 : meilleure actrice pour Marion Cotillard (1re place, également pour The Immigrant)
Prix Lumières du meilleur film francophone 2015
Magritte du cinéma 2015 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Jean-Pierre et Luc Dardenne
Meilleur acteur pour Fabrizio Rongione

Chair pour Frankenstein / Flesh for Frankenstein" / "Il mostro è in tavola... barone Frankenstein

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site drnorth.wordpress.com

de Paul Morrissey et Antonio Margheriti. Produit par Andy Warhol. 1973. Américano-Franco-Italien. 1h39. Avec Udo Kier, Monique Van Vooren, Joe Dallesandro, Carla Mancini, Nicoletta Elmi, Arno Juerging, Srdjan Zelenovic,Dalilla Di Lazarro, Marco Liofredi.

Sortie salles France: 9 Octobre 1974 (Strictement interdit aux - de 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Paul Morrissey est un réalisateur, scénariste, directeur de photographie, producteur, monteur et acteur américain, né le 23 Février 1938 à New-York (Etats-Unis).1966: Chelsea Girls. 1967: I, a Man. 1968: San Diego Surf. 1968: The Loves of Ondine. 1968: Flesh. 1969: Lonesome Cowboys. 1970: Trash. 1971: I miss Sonia Henie. 1971: Women in Revolt. 1972: Heat. 1973: l'Amour. 1973: Chair pour Frankenstein. 1974: Du sang pour Dracula. 1978: Le Chien des Baskerville. 1981: Madame Wang's. 1982: Forty Deuce. 1985: The Armchair Hacker. 1985: Cocaïne. 1985: Le Neveu de Beethoven. 1988: Spike of Bensonhurst.

                            "Pour connaître la mort, Otto, il faut baiser la vie dans la vésicule !"

"L’Orgasme et la Suture".

Avec l’aval du producteur Andy Warhol (Flesh, Trash et Heat), Paul Morrissey s’attaque en 1973 au mythe de Frankenstein, dans un débordement de provocation putanesque, galvanisé par l’usage d’un système 3D que le spectateur percute, yeux écarquillés.

Le pitch : avec l’aide de son adjoint Otto, le baron Frankenstein souhaite créer le couple parfait afin d’engendrer une nouvelle race, recomposée de morceaux humains. Pendant qu’ils descendent au village pour choisir leur dernière victime, sa sœur nymphomane fait la rencontre de Nicholas, un métayer adepte de luxure.

Tournée à l’époque en relief, cette réactualisation dévergondée (euphémisme !) revendique sa décadence dans une surenchère organique — un véritable hymne à la chair, tant Morrissey insuffle une sensualité crue à ses séquences gores — et un goût outrancier pour les fantasmes nécrophiles du baron. Ce dernier n’hésite pas à copuler avec les entrailles d’une fille éventrée, amorçant les préliminaires en dégrafant les fils d’une immense cicatrice avant de lutiner l’estomac du sujet. Un moment d’anthologie halluciné, inscrit au panthéon de la déviance somatique, où climat pervers, ironie caustique (le regard lubrique du majordome, fasciné par l’orgasme de son contremaître) et poésie lascive se rejoignent sous l’impulsion romantico-élégiaque de Claudio Gizzi — l’une des plus graciles mélodies du cinéma fantastique, j’vous dis !

Tout, dans Chair pour Frankenstein, inspire fascination et répulsion, dans le portrait marginal d’une galerie de personnages refoulés (voire impuissants) ou, à l’inverse, concupiscents. La mise en scène baroque, érigée autour de somptueux décors gothiques (le laboratoire médical est sans doute l’un des plus vastes et singuliers jamais vus dans une adaptation de Frankenstein), dynamite l’archétype du mythe dans une déflagration vitriolée, où sexe et organes s’extirpent des corps pour mieux exhiber leur beauté viscérale. Outre la subtilité d’un ton semi-parodique, que Morrissey distille à travers la polissonnerie de personnages extravagants, le film est transcendé par le jeu instinctif d’acteurs en roue libre, dont le charisme patibulaire épouse parfaitement l’ambiance délurée :
— Udo Kier, d’une condescendance névrosée en baron incestueux (il est l’époux de sa sœur !)
— Dalila Di Lazzaro, beauté exsangue, créature soumise
— Monique Van Vooren, baronne nymphomane au regard vénéneux
— Joe Dallesandro, esclave lubrique à la posture doucement rebelle
— Srdjan Zelenović, créature asexuée, engourdie de suspicion
— Arno Juerging, assistant aussi pervers que déficient.
Et, à titre subsidiaire, les enfants de Frankenstein — Marco Liofredi et Nicoletta Elmi —, témoins voyeuristes de cette décadence infernale, prétentieusement animés par l’ambition d’en incarner la relève. Bande de fous !

 

"Beauté organique et fièvre gothique".

Déviant, décadent, baroque, érotique, caustique, ultra-sanglant, Chair pour Frankenstein est un objet de scandale, un exutoire aux obsessions impudiques. Pied de nez libertaire au roman séculaire de Mary Shelley, c’est un chef-d’œuvre de sexe et de mort, un hymne à la beauté organique que Paul Morrissey illustre sans tabous, dans une dérision semi-parodique des plus jouissives. Quant aux acteurs — cabotins ou sincères —, ils taillent leur prestance dans une emphase extravertie, tandis que la partition classique de Claudio Gizzi enivre l’ouïe de sa douceur, tout en mélancolie suspendue.
Un sommet de déviance immorale, d’autant plus couillu et précieux qu’il serait aujourd’hui infaisable dans notre époque aseptisée.

La Chronique de son binôme, Du sang pour Dracula: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/12/du-sang-pour-dracula-blood-for-dracula.html

*Bruno 
14.10.15. 5èx

07.06.10. (411)

Terre Brûlée / No Blade of Grass

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site surtestripes.blogspot.com

de Cornel Wilde. 1971. U.S.A. 1h35. Avec Nigel Davenport, Jean Wallace, Lynne Frederick, John Hamill, Patrick Holt.

Sortie salles France: 12 Juin 1974 (Interdit aux - de 18 ans). U.S: 23 Octobre 1970

FILMOGRAPHIE: Cornel Wilde est un acteur et réalisateur américain, né le 13 Octobre 1912 à Prievidza (Autriche-Hongrie), décédé le 16 Octobre 1989 à Los Angeles. 

1956: Storm Fear. 1957: Le Virage du Diable. 1958: Tueurs de feux à Maracaibo. 1963: Lancelot, chevalier de la reine. 1966: La Proie Nue. 1967: Le Sable était rouge. 1970: Terre Brûlée. 1975: Les Requins.

Série B post-apo oubliée et peu diffusée à la TV, Terre Brûlée traitait déjà des thèmes de la pollution de l'environnement (les pesticides), du réchauffement climatique et de la famine trois ans avant que Richard Fleischer ne les transcendent dans l'éprouvant Soleil Vert. Illustrant les pérégrinations d'une famille anglaise sillonnant les campagnes avec l'appui d'un groupe de survivants depuis la pandémie d'un virus, Terre Brûlée joue la carte du divertissement d'action dystopique parmi l'efficacité de péripéties aussi hargneuses qu'escarpées (d'où son interdiction aux moins de 18 ans lors de sa sortie). A l'instar de l'attitude meurtrière des pèlerins, Hells Angels et métayers ne comptant que sur leur autonomie afin de subsister, certains cédant même parfois à leurs bas-instincts innommables (le viol en réunion des motards). Dès lors, tous les coups sont permis lorsque par exemple quelques propriétaires se laissent influencer par une justice expéditive afin de défendre leur ferme et préserver leur potager. 

Si la tournure conventionnelle des évènements dramatiques ne propose aucune surprise quant au cheminement périlleux de nos rescapés en quête de nourriture et d'asile alors que le cannibalisme émerge chez certaines régions, la caractérisation équivoque impartie à la famille Custance ne manque ni d'audace ni d'intérêt dans leur posture anti-manichéenne souvent dénuée d'empathie. En particulier le leader borgne, John, capable d'enfreindre les lois sans remord (tirer sur des militaires et des fermiers même si ces derniers sont affublés d'armes afin d'intimider l'étranger) avant de trahir le compromis de son frère (pour un enjeu de survie), voir même duper sa femme (son baiser échangé avec une jeune courtisane). On peut aussi relever la manière détachée à laquelle il recourt lorsque quelques secondes plus tard l'amant jaloux décide d'abattre sa concubine infidèle face à son témoignage ! D'autres déconvenues meurtrières vont renforcer le caractère hétérodoxe de ce personnage supposé héroïque (il organise autour de lui un véritable convoi humain pour se prémunir du danger et rejoindre le bercail de son frère) au fil de péripéties toujours plus bellicistes (la charge épique des Hells Angels), et parmi l'appui d'un anarchiste juvénile (l'amant jaloux précité !) beaucoup trop erratique dans son comportement criminel bien que valeureux et burné. Bref, ce climat d'hostilité permanent régi autour de leur posture amorale renforce le caractère nihiliste d'une situation de crise rendue ingérable par les autorités (même la loi Martial est en déroute). Terre Brûlée se déclinant en véritable descente aux enfers d'une brutalité malsaine encore aujourd'hui sacrément perturbante car si intolérable, individualiste et sans pitié. 

En dépit de sa mise en scène académique entrecoupée de flashforward inutiles (un procédé désamorçant l'effet de surprise pour l'intensité des scènes-chocs à venir) et de quelques incohérences au niveau de certaines réactions (trop) naïves de personnages secondaires, Terre Brûlée ne manque ni de sincérité, ni de puissance dramatique, ni de trouble fascination à dépeindre une écologie en extinction parmi le comportement sournois de l'espèce humaine en totale déliquescence morale. Il y émane un constat d'échec aussi désespéré que terrifiant, une oeuvre pestilentielle aussi rude et nauséeuse que trouble et équivoque auprès de sa traversée d'éclairs de violence primitifs qu'une scénographie rurale agonisante nous retransmet en mode olfactif. A redécouvrir d'urgence avec le moral solide (car d'autant plus tristement actuel).  

*Bruno 

4èx. Vostf