AVATAR

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site yourentertainmentnow.com

de James Cameron. 2009. U.S.A. 2h42. Avec Sam Worthington, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodríguez, Zoe Saldana, Wes Studi, CCH Pounder, Laz Alonso.

Sortie salles France: 16 Décembre 2009. U.S: 18 Décembre 2009

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada)
1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

Succès planétaire public et critique au profit d'un budget pharaonique, Avatar prône le Blockbuster familial sous l'effigie d'une 3D révolutionnaire ! Outre l'expérience sensitive qu'il suscite avec ce relief immersif, Avatar peut autant se savourer en version plate si bien que le sentiment d'évasion que Cameron parvient à nous procurer nous laisse béa d'admiration. De par la perfection d'effets-spéciaux numériques à la pointe de la technologie et du réalisme conféré à ses décors naturels artificiels. La planète bucolique Pandora se dévoilant sous nos yeux avec une harmonie lyrique ! La tribu aborigène des Na'vy doit bientôt se confronter à l'hostilité d'une armée américaine désireuse de leur dérober un minerai qui pourrait résoudre la crise énergétique sur Terre. Avec le subterfuge d'un clonage de Na'vy combiné à des gènes humains, Jake Sully infiltre leur tribu afin de gagner leur confiance et les inciter à quitter les lieux. En plein apprentissage de leur coutume guerrière et écolo, il finit par s'attacher à leurs liens familiaux au moment même ou il s'éprend d'amour pour Neytiri.

En créateur d'univers chimérique et de créatures humanoïdes jamais vus au préalable, James Cameron nous offre un spectacle à la fois épique et onirique au travers d'une intrigue truffée de thèmes tristement actuels. Manifeste contre le militarisme, l'impérialisme, le capitalisme, le racisme et la deforestation (on songe à la condition amazonienne), Avatar constitue une leçon d'enseignement pour les générations futures sous couvert d'une préservation écolo (la faune et la flore bafouées par l'homme constituant l'épice des enjeux bellicistes !). Science-fiction, fantastique, guerre, romance se chevauchant habilement sous l'impulsion d'une dimension humaniste si bien que James Cameron parvient à donner chair à ces humanoïdes avec une candeur souvent poignante. C'est dire l'exploit technique qu'il est parvenu à transfigurer en donnant vie à ces E.T d'un genre nouveau (leur corps longiligne contrastant avec leur épiderme d'une teinte azur !). Par ailleurs, en réinterprétant l’histoire coloniale de l’Amérique contre les amérindiens, Cameron exploite intelligemment le Blockbuster homérique par la noble cause d'une ethnie démunie mais pétrie d'espoir, de bravoure et de dignité afin de ne pas céder au chantage impérieux.

Le Blockbuster dans son apparat novateur !
Leçon d'apprentissage et de tolérance auprès des ethnies étrangères, respect pour l'environnement naturel mais aussi pour le sacre des sépultures (réflexion spirituelle en sus !), Avatar constitue un magnifique récit initiatique sous le pilier d'un transfuge en rédemption romantique. Nanti d'un souffle épique vertigineux et d'un lyrisme capiteux par le biais de décors édéniques, Avatar envoûte notre sentiment d'évasion avec une acuité humaine bouleversante.

B-M. 2èx

Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain. César du Meilleur Film, 2002.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Jean Pierre Jeunet. 2001. France. 2h02. Avec Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze, Clotilde Mollet, Claire Maurier, Isabelle Nanty, Dominique Pinon, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Bénichou, Michel Robin, Andrée Damant, Armelle, Claude Perron, André Dussollier, Flora Guiet .

Sortie salles France: 25 Avril 2001. U.S: 2 Novembre 2001

FILMOGRAPHIE: Jean Pierre Jeunet est un réalisateur et scénariste français né le 3 Septembre 1953 à Roanne, Loire. 1978: l'Evasion (court), 1980: Le Manège (animation de marionnettes), 1981: Le Bunker de la dernière rafalle (court 26 mns coréalisé avec Marc Caro), 1984: Pas de repos pour Billy Brakko (court), 1989: Foutaises, 1991: Delicatessen (coréalisé avec Marc Caro), 1995: La Cité des Enfants perdues (coréalisé avec Marc Caro), 1997: Alien, la Résurrection, 2001: Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2004: Un Long Dimanche de Fiançailles, 2009: Micmacs à Tire-larigot. 2013: L'Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spive.

"Il n’y a que deux façons de vivre sa vie : l’une en faisant comme si rien n’était un miracle, l’autre en faisant comme si tout était un miracle."

8 636 041 entrées lors de sa sortie rien que sur notre territoire (aujourd'hui, il cumule 32 405 858 entrée à travers le monde), une vingtaine de récompenses internationales, une contribution musicale proverbiale de Yann Tiersen (BO écoulée à plus d'1 million d'exemplaires, César de la meilleure bande originale), Le Fabuleux Destin d'Amélie poulain déchaîna les passions d'un public galvanisé par ces bulles d'allégresse. Hymne existentiel nappé de nostalgie, message d'espoir et d'optimisme auprès de la conquête des coeurs, cantique au charme discret des petites choses de la vie par le biais de tocs et des saveurs culinaires, Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain exalte le rêve sous l'impulsion d'une (fée) philanthrope avide d'y bouleverser l'existence de son entourage. Car fuyant l'ennui et la solitude depuis sa difficile enfance sans affection parentale, Amélie s'empresse de se soucier des autres en leur élaborant des stratégies fructueuses afin d'y semer le bonheur sur leur cheminement personnel.

Illuminé de la présence candide d'Audrey Tautou, elle transfigure son portrait altruiste avec une fantaisie démiurge. Car discrètement gadin, introvertie, redoutablement timorée lorsqu'il s'agit de conquérir le coeur d'un inconnu, Amélie doit affronter l'épreuve du dépassement de soi, l'audace de transgresser ses peurs afin d'extérioriser ses propres sentiments. D'une inventivité endémique dans son lot de détails déjantés à la poésie évocatrice (notamment celle en rapport à l'enfance) et de situations cocasses où le baroque se disputent à l'effronterie, le destin singulier d'Amélie converge à l'endurence du jeu de piste romantique depuis sa remise en question d'y préfigurer son propre bonheur. Avec sa scénographie chaleureuse d'un paris provincial où cohabitent les petites gens, Jean Pierre Jeunet esthétise son cadre de carte postale parmi les teintes criardes de rouge, de vert et de jaune. Sous l'impulsion de ces citadins loufoques, caractériels, aigris, provocateurs, névrosés, voirs désespérément esseulés, Jeunet leur rend hommage avec un humanisme pétri de tendresse. Ainsi, par l'entremise de notre héroïne redresseuse de tort, telle une Zorro en juppe courte, le fabuleux destin d'Amélie Poulain ne cesse d'y prodiguer l'intensité du moment présent de par la fausse banalité de notre quotidienneté, quand bien même d'autres se morfondent dans le regrêt de n'avoir pu saisir leur chance au moment propice (j'en suis témoin).

La vie est un miracle
Instant d'émotions candides où l'onirisme enchanteur, l'humour coquin et le vertige amoureux se renouvellent sans cesse sous le tempérament pétulant de comédiens fantasques, le Fabuleux destin d'Amélie Poulain scande la festivité existentielle. Celle d'y dévorer sans complexe l'instant présent à l'instar d'une aventure riche en surprises et expériences humaines quand on s'y donne les moyens de les provoquer ! Une fulgurance féérique de tous les instants qu'Amélie nous prodigue généreusement avec une grâce scintillante. En d'autres termes, offrez le bonheur à votre entourage, ils vous le rendront.

B-M. 4èx

12.10.24

Récompenses:
Festival international du film de Karlovy Vary 2001 : Globe de cristal
Festival international du film de Toronto 2001 : People's Choice Award
Festival international du film de Chicago 2001 : Prix du public
Festival international du film d'Édimbourg 2001 : Prix du public
Festival du film de Cabourg 2001 : Prix du meilleur acteur pour Mathieu Kassovitz
Prix du cinéma européen 2001 :
People's Choice Award du meilleur film européen
Meilleur réalisateur pour Jean-Pierre Jeunet
Meilleure photographie
César 2002 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Jean-Pierre Jeunet
Meilleure musique originale pour Yann Tiersen
Meilleurs décors pour Aline Bonetto
Critics Choice Awards 2002 : meilleur film en langue étrangère
BAFTA Awards 2002 :
Meilleur scénario original pour Guillaume Laurant et Jean-Pierre Jeunet
Meilleure direction artistique pour Aline Bonetto
Prix Amanda 2002 : meilleur film étranger
Prix Goya 2002 : meilleur film européen
Prix Lumières 2002 :
Meilleur film
Meilleure actrice pour Audrey Tautou
Meilleur scénario
Lions tchèques 2002 : meilleur film étranger
Guldbagge Awards 2002 : meilleur film étranger
Independent Spirit Awards 2002 : meilleur film étranger
Prix Sant Jordi du cinéma 2002 : meilleure actrice étrangère pour Audrey Tautou
London's Favourite French Film 2004 : prix des internautes

Alice ou la dernière fugue

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site festival-gerardmer.com

de Claude Chabrol. 1977. France. 1h33. Avec Sylvia Kristel, Charles Vanel, André Dussollier, Bernard Rousselet, Fernand Ledoux, Jean Carmet, François Perrot.

Sortie salles France: 19 Janvier 1977.

L’ultime passage d’Alice

(Entre les limbes et la lumière).

Unique incursion de Claude Chabrol dans le fantastique, Alice ou la dernière fugue est une invitation au rêve, une dérive sensorielle dans l’errance d’une jeune femme piégée dans un monde sans repères. 

Lassée de sa vie conjugale avec son amant, Alice quitte le foyer et s’aventure vers une contrée inconnue. Sous une pluie battante, elle trouve refuge dans une vaste demeure nichée à la lisière d’un bois. Accueillie chaleureusement par un domestique affable, elle fait la connaissance du maître des lieux - si bien qu’elle accepte de passer la nuit parmi eux. Mais au matin, face à leur absence inexpliquée, elle tente de quitter la maison… pour découvrir qu’elle reste enfermée dans cet ailleurs sans issue.

Étrange, insolite, nonsensique, Alice ou la dernière fugue s’impose comme une expérience fantasmagorique irriguée par l’irrationnel. L’héroïne croise des figures tantôt excentriques, tantôt équivoques, au gré d’un cheminement en boucle, labyrinthique. Enraciné dans une nature vibrante que viennent troubler de légers soubresauts du réel - comme cette subtile rupture temporelle - le récit glisse peu à peu vers une douce inquiétude. Alice, guidée par son instinct aventureux, se heurte à des interlocuteurs volontiers provocateurs, presque hostiles (il est interdit de leur poser des questions !).

Portée par la beauté lunaire de Sylvia Kristel, inoubliable Emmanuelle, le film trouve son cœur battant. L’actrice insuffle à son personnage une grâce lascive, tout en pudeur et en sagesse, même lorsque Chabrol s’autorise un bref dévoilement de son corps, comme une offrande éthérée d’érotisme mélancolique. Curieuse, fragile, et pourtant paisible face aux mystères d’une demeure gothique, Alice tente d’en percer les secrets, au rythme de journées qui se répètent - visages croisés, phénomènes étrangement anodins, rituels absurdes. Grâce à la présence presque spectrale de Kristel, et au brio de Chabrol dans l’orchestration d’un décor à la fois gothique (la maison sombre, délabrée) et solaire (le jardin éclatant de lumière), le film nous immerge dans un rêve clos, suspendu dans l’instant. Unique en son genre. 

"La vie n’est qu’un long rêve dont la mort nous réveille."

Réflexion métaphysique sur la perception de la réalité, catharsis silencieuse sur l’acceptation de la mort, Alice ou la dernière fugue est l’une des rares pépites du fantastique français à réellement nous plonger dans un onirisme abscons, bientôt identifiable. Si la révélation finale se devine en filigrane, l’essence du film réside ailleurs : dans cette atmosphère feutrée, ensorcelante, où le surnaturel se drape de douceur et d’épure. Un joyau d’élégance et de mélancolie transcendé par Chabrol et par la divine Sylvia Kristel. Sans oublier la présence précieuse des excellents seconds rôles : Jean Carmet, André Dussollier, et surtout Charles Vanel, en énigmatique gardien des limbes.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

Dédicace à Philippe Beun-Garbe

FILMOGRAPHIE: Claude Chabrol est un réalisateur français, producteur, acteur, scénariste et dialoguiste, né le 24 juin 1930, décédé le 12 septembre 2010.
1959 : Le Beau Serge. 1959 : Les Cousins. 1959 : À double tour. 1960 : Les Bonnes Femmes. 1961 : Les Godelureaux. 1962 : Les Sept Péchés capitaux (segment L'Avarice avec J.-C. Brialy). 1962 : L'Œil du Malin. 1963 : Ophélia. 1963 : Landru. 1964 : L'Homme qui vendit la tour Eiffel
(segment dans Les Plus Belles Escroqueries du monde). 1964 : Le Tigre aime la chair fraîche. 1965 : Paris vu par... (segment La Muette). 1965 : Marie-Chantal contre docteur Kha. 1965 : Le Tigre se parfume à la dynamite. 1966 : La Ligne de démarcation. 1967 : Le Scandale. 1967 : La Route de Corinthe. 1968 : Les Biches. 1969 : La Femme infidèle. 1969 : Que la bête meure. 1970 : Le Boucher
1970 : La Rupture. 1971 : Juste avant la nuit. 1971 : La Décade prodigieuse. 1972 : Docteur Popaul
1973 : Les Noces rouges. 1974 : Nada. 1975 : Une partie de plaisir. 1975 : Les Innocents aux mains sales. 1976 : De Grey, un récit romanesque Téléfilm. 1976 : Les Magiciens. 1976 : Folies bourgeoises
1977 : Alice ou la Dernière Fugue. 1978 : Les Liens de sang. 1978 : Violette Nozière. 1980 : Le Cheval d'orgueil. 1982 : Les Fantômes du chapelier. 1984 : Le Sang des autres. 1985 : Poulet au vinaigre. 1986 : Inspecteur Lavardin. 1987 : Masques. 1988 : Le Cri du hibou. 1989 : Une affaire de femmes. 1990 : Jours tranquilles à Clichy. 1990 : Docteur M.1991 : Madame Bovary. 1992 : Betty
1993 : L'Œil de Vichy. (une sélection des actualités du régime de Vichy). 1994 : L'Enfer. 1995 : La Cérémonie. 1997 : Rien ne va plus. 1999 : Au cœur du mensonge. 2000 : Merci pour le chocolat (prix Louis-Delluc). 2002 : La Fleur du mal. 2004 : La Demoiselle d'honneur. 2006 : L'Ivresse du pouvoir
2007 : La Fille coupée en deux. 2008 : Bellamy

Death Warmed-up. Licorne d'Or au rex de Paris, 1984.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemascream.com

de David Blyth. 1984. Nouvelle-Zélande. 1h18. Avec Norelle Scott, William Upjohn, Margaret Umbers, Michael Hurst, David Letch.

Sortie salles Nouvelle-Zélande: 25 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: David Blyth est un réalisateur, scénariste et producteur néo-zélandais né 1956 à Auckland. 2013: Ghost Bride. 2010 Wound. 2004 Bound for Pleasure (Video documentary). 2001 Exposure (Video). 1997 Rouge sang. 1995 The Call Up. 1994: Kahu & Maia. 1992: My Grandpa Is a Vampire. 1990 Virus vampire. 1989 House III (non crédité). 1984 Death Warmed Up. 1983 It's Lizzie to Those Close (télé-film). 1980 A Woman of Good Character. 1978 Angel Mine.

"Dans le crâne du cauchemar".

Expérience de cinéma extrême, inédite en salles dans l’Hexagone mais bien connue des vidéophiles grâce à sa location VHS éditée par René Chateau, Death Warmed Up est une production néo-zélandaise façonnée dans un esprit dégénéré. David Blyth nous entraîne dans une sarabande infernale, jusqu’au-boutiste, portée par un maelstrom d’images frénétiques où s’entrelacent gore craspec et excentricité comportementale noyée dans la démence. Trip expérimental dégingandé - cadrages obliques, caméra à l’épaule agressive, parfois rotative - Death Warmed Up fait office d’ovni vitriolé, dont le scénario foutraque et improbable ne sert que de prétexte à cristalliser un univers déluré, voué à perdre les repères d’un spectateur médusé par ce climat d’hystérie collective.

Synopsis: Après avoir purgé sept ans en psychiatrie pour le meurtre de ses parents, Michael part à la recherche du véritable responsable : un savant fou perfide, obsédé par le secret de l’immortalité, qu’il tente d’atteindre au moyen d’horribles expériences sur des cobayes humains. Accompagné de sa compagne et d’un couple d’amis, il retrouve sa trace dans un archipel isolé. Mais sur place, ils sont bientôt agressés par des marginaux motorisés, puis pourchassés par des zombies et des infirmiers persifleurs !  

Un pitch absurde digne d’une série Z que David Blyth transcende par une inventivité formelle, malgré des décors standards réduits au minimum, et une avalanche de situations horrifiques d’une vigueur dérangeante. Le cinéaste insiste avec fureur sur des plans serrés, captant les expressions hallucinées de comédiens exaltés, avant d’exacerber la violence des corps à corps entre survivants et agresseurs. Portés par une impulsion névrosée, ces interprètes amateurs — inconnus du public français — offrent un surjeu en parfaite harmonie avec le climat bisseux de cette production indépendante née des terres néo-zélandaises.

Sous les faisceaux de lumières criardes, une partition dissonante et une scénographie fétide érigée autour d’une clinique chirurgicale - où l’on dissèque des boîtes crâniennes en gros plan - Death Warmed Up nous enferme dans un dédale malsain en chute libre. Sa dernière demi-heure, apocalyptique, s’avère aussi explosive et méchamment sanglante que tragique et vertigineuse, culminant dans un plan final d’une vigueur émotionnelle gravée dans toutes les mémoires.

Une expérience schizophrène, en roue libre, animée par une démence contagieuse.

Totalement fou, saugrenu et nonsensique (ou alors si peu), Death Warmed Up transcende l’expérience atypique d’un cauchemar sur pellicule, aussi glauque que bigarré. Un authentique film culte, justement récompensé par la Licorne d’Or à Paris, preuve que son impact visuel reste aussi probant que dépaysant - avec, en arrière-plan, comme un pied de nez ironique, l’environnement rassurant de vastes plaines verdoyantes.

— le cinéphile du cœur noir

B-M. 5èx

05.08.24. Vostfr

08.11.16

08.03.11. (161)

Récompense: Licorne d'Or au festival du film fantastique du Rex à Paris, 1984.

Les Contes de la Nuit Noire. Grand Prix, Avoriaz 91.

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site luv-movies.com

"Tales from the Darkside: The Movie" de John Harrison. 1990. U.S.A. 1h33. Avec Deborah Harry, David Forrester, Matthew Lawrence, Christian Slater, Steve Buscemi, Julianne Moore, James Remar, Rae Dawn Chong.

Sortie salls France: 15 Mai 1991.

FILMOGRAPHIE: John Harrison est un réalisateur américain et compositeur de musique de films né en 1948. Au cinéma: 1979 : Effects. 1990 : Darkside, les contes de la nuit noire. 2009: Livres de sang. A la télévision: 1995 : Donneur inconnu. 1996 : The Assassination File. 2000 : Dune (mini-série). 2005 : Supernova (téléfilm). 2008: Blank Slate. Discographie: 1983 : Creepshow. 1986 : Le Jour des morts-vivants. 1990 : Tales from the dark Side, the Movie. 2007 : Effects (B.O. du film de 1979).

N'y allons pas par quatre chemins, Les Contes de la Nuit constitue un film à sketchs (déclinaison de la série TV Histoires de l'autre monde) de ce qu'il y a de plus élémentaire, faute à des scénarios peu surprenants et d'une certaine carence de suspense et de tension. A titre de comparaison, n'importe quel épisode des Contes de la Crypte s'avère largement plus fréquentable. Je me demande alors comment une oeuvre aussi mineure ait pu autant convaincre le jury d'Avoriaz au point de lui décerner le fameux Grand Prix malgré ses qualités techniques ? Or, Outre le plaisir de retrouver à l'écran Christian Slater, Steve Buscemi et Julianne Moore et de s'impressionner de la cruauté de certaines mises à morts, le 1er sketch concernant la résurrection d'une momie par des étudiants demeure agréablement bonnard et attachant, notamment auprès de sa réalisation soignée et du jeu convaincant des jeunes acteurs aujourd'hui notoires. 

Et si le second segment bénéficie d'un montage inventif, d'un pitch un peu plus original (la vengeance d'un chat noir et les morts qu'il accumule malgré le recrutement d'un tueur à gage) et une fois encore d'effets spéciaux convaincants (l'incroyable séquence du félin pénétrant à l'intérieur de la gorge d'une victime !), son manque de rebondissements et la monotonie des situations d'appréhension sont récupérés d'une certaine efficacité dans la réalisation et la conduite du récit quelque peu atmosphérique. Et pour clore en beauté, on s'immerge avec mélancolie envoûtante dans sa dernière histoire dépeignant avec sensibilité l'histoire d'amour impossible entre un peintre et une jeune inconnue. Ce dernier ayant préalablement conclu un étrange pacte avec une créature ailée. Celui de lui promettre de garder à jamais le silence sur sa sauvage agression en guise de clémence. Bien que son cheminement narratif ne cultive pas non plus de surprises, il demeure un peu mieux conté et étoffé au niveau de la caractérisation du couple en étreinte amoureuse, notamment grâce aux attachantes prestances de James Remar et Rae Dawn Chong. Sa conclusion épouvantable et ses séquences impressionnantes sublimant l'iconographie d'une créature mythologique rehaussant l'aspect tragique de ce conte horrifique émotionnellement cruel et empathique.

Soutenu de la présence sarcastique de la chanteuse Deborah Harry entrevue lors des interludes parfaitement ludiques, Darkside les contes de la nuit noire est finalement une sympathique série B du Samedi soir que la génération 80 ne manquera pas de revoir avec soupçon de nostalgie faute de son époque révolue. 

B-M. 
25.09.24. 4èx. Vostfr

Récompense: Grand Prix au Festival international du film fantastique d'Avoriaz 1991

LA MAIN SUR LE BERCEAU. Grand Prix, Cognac 92.

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site subscene.com

"The Hand That Rocks the Cradle" de Curtis Hanson. 1992. 1h50. Avec Annabella Sciorra, Rebecca De Mornay, Matt McCoy, Ernie Hudson, Julianne Moore, Madeline Zima, John de Lancie

Sortie salles France: 9 Septembre 1992. U.S: 10 Janvier 1992

FILMOGRAPHIE: Curtis Hanson, né le 24 mars 1945 à Reno (Nevada) et mort le 20 septembre 2016 à Los Angeles (Californie), est un réalisateur, producteur et scénariste américain. 1973 : Sweet Kill. 1980 : The Little Dragons. 1983 : American Teenagers. 1987 : Faux témoin. 1990 : Bad Influence. 1992 : La Main sur le berceau. 1994 : La Rivière sauvage. 1997 : L.A. Confidential. 2000 : Wonder Boys. 2002 : 8 Mile. 2005 : In Her Shoes. 2007 : Lucky You. 2012 : Chasing Mavericks (coréalisé avec Michael Apted).

En pleine vogue du thriller érotico-horrifique initié par Liaison fatale et Basic Instinct, La Main sur le Berceau fit sensation au festival de Cognac si bien qu'il remporte le Grand Prix, le Prix d'interprétation Féminine pour Rebecca De Mornay et le Prix du Public durant l'année de sa sortie. A la suite du suicide de son époux gynéco dénoncé par une de ses patientes pour attouchements sexuels, sa défunte épouse décide de se faire passer pour une nourrice auprès de cette dernière afin de se venger. A partir de ce pitch limpide préfigurant un divertissement formaté bâti sur l'efficacité de confrontations tendues entre une nurse psychotique et une famille prévenante, Curtis Hanson élude adroitement les conventions dans sa faculté d'instaurer un suspense latent au fil progressif d'une vengeance circonspecte. Epaulé de la prestance désarmante de naturel de Rebecca De Mornay littéralement habitée par sa fonction sournoise et par sa haine contenue (si on élude son accès de fureur extériorisée dans les toilettes et sa punition expéditive finale !), La Main sur le Berceau cultive des situations particulièrement cohérentes.

De par la perversité de cette mégère experte en art de la manipulation, de l'humiliation (la scène de la surprise-party) et du chantage jusqu'aux stratégies meurtrières (le piège à verre dans la serre, les inhalateurs d'asthme vidés de leur gaz). Tant auprès du domestique déficient (la proie la plus facile à incriminer) que du couple Bartel et de leurs enfants inévitablement naïfs d'apprivoiser sa fausse bonhomie. Cette dernière usant notamment de son charme raffiné et de son regard azur pour endormir ses victimes dans un jeu tacite de séduction. Grâce à la sobriété des seconds-rôles se partageant la sérénité dans la cohésion familiale, Curtis Hanson fait naître une tension en ascension depuis leur dégénérescence morale à s'opposer au simulacre de la félonie. Au travers de cette cellule conjugale en implosion, le réalisateur insiste surtout sur le témoignage démuni de l'épouse Bartel brillamment manipulée par la nourrice si bien qu'elle finit par y délaisser son époux et ses enfants. Dans ce jeu roublard de manipulation, la tournure cauchemardesque des évènements va monter d'un échelon lorsque la mort viendra frapper à leur porte. Curtis Hanson culminant cette déchéance vindicative vers un point d'orgue terrifiant dans son jeu de cache-cache rigoureusement charpenté ! (et ce en dépit de clichés usuels du genre).

Thriller à suspense mené avec savoir-faire et rehaussé d'une efficacité ciselée dans sa tension subtilement oppressante (l'incroyable séquence claustro d'une asphyxie asthmatique !), La Main sur le berceau bénéficie en outre d'un casting convaincant afin de crédibiliser les enjeux humains sévèrement molestés par une psychopathe maternelle (son unique dessein n'étant que de fonder une nouvelle famille, à l'instar du Beau-Père de Joseph Ruben !). Une mécanique frissonnante redoutablement pernicieuse et viciée ! 

3èx

Récompenses: Grand Prix, Prix du public et Prix de la meilleure actrice (Rebecca De Mornay), lors du Festival du film policier de Cognac 1992.

INCIDENTS DE PARCOURS

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Monkey Shines" de George A. Romero. 1988. U.S.A. 1h52. Avec Jason Beghe, John Pankow, Kate McNeil, Joyce Van Patten, Christine Forrest, Stephen Root, Stanley Tucci, Janine Turner.

Sortie salles France: 25 Janvier 1989

FILMOGRAPHIE: George Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 2011: Deep Red.

Thriller horrifique d'une grande intensité psychologique autour des thèmes de la télépathie, la mégalomanie (l'orgueil de l'homme jouant à l'apprenti sorcier), l'exploitation animale (la vivisection) et notre instinct animal (notre nature délétère), Incidents de Parcours décuple son pouvoir de fascination sous l'impulsion d'une narration vitriolée d'une rare originalité. Devenu tétraplégique à la suite d'un accident, Allan établit la connaissance amiteuse d'un capucin, Ella, que son acolyte Geoffrey lui a offert pour lui prêter assistance. Peu à peu, une étrange relation irascible s'instaure entre eux depuis que Geoffrey continue d'expérimenter sur l'animal un sérum à base de cerveau humain afin d'altérer ses gênes.Variation tacite de la Planète des Singes si je me réfère à l'insurrection du capucin délibéré à transcender notre intelligence par le biais de l'autorité, de la domination et de la vengeance, Incidents de parcours nous entraîne dans un troublant jeu de pouvoir entre l'animal et son maître communément capables de communiquer par télépathie depuis l'expérimentation d'une potion frelatée.

D'un réalisme détonnant dans sa mis en scène studieuse si bien que le capucin se fond dans le corps d'un vrai comédien dans une posture rebelle en apprentissage criminel, Incidents de parcours distille un climat malsain redoutablement vénéneux par le biais d'un cheminement narratif vertigineux. Car si de prime abord, la relation amicale entamée entre eux s'avère gentiment ludique et que l'ambiance sereine préfigure une forme de divertissement convenu (clichés inévitables à l'appui), la tournure cauchemardesque des évènements converge à un vigoureux jeu de soumission entre l'animal et Allan littéralement envahi par la haine de sa compagne. Cette dernière étant inconsciemment déterminée (par l'effet du sérum) à prendre sa revanche sur l'homme depuis sa condition esclave ! A savoir, l'instrument de vivisection de chirurgiens sans vergogne qu'expérimentent Geoffrey ainsi que son adjoint fureteur. Parvenant à pénétrer à l'intérieur de l'esprit du singe par sa faculté mentale, Allan emmagasine toute sa colère interne et parvient même à visionner ses moindres déplacements lors de ses escapades nocturnes. Par le biais de ce sérum dérivé du cerveau humain, Ella finit donc par adopter nos sentiments perfides de tricherie, de vice, de trahison et de méchanceté engendrées par notre nature autocrate.

Epreuve de force à la fois corporelle et morale entre un tétraplégique et un primate, Incidents de Parcours transcende de manière bougrement singulière une réflexion sur l'instinct bestial de l'homme ("c'est ça le diable, c'est l'instinct" déclare Allan) et sa nature orgueilleuse à daigner exploiter plus faible qu'autrui. Passionnant, intense et immersif lorsque Allan et Ella ne font (cérébralement) plus qu'un jusqu'à s'entredéchirer pour un enjeu de survie, Incidents de parcours provoque un malaise psychologique quant à notre condition infortunée (l'influence du Mal sur notre raison !) sous couvert d'argument fantastique métaphysique. Une perle rare aussi ensorcelante que dérangeante, à redécouvrir d'urgence ! 

4èx

L'INCONNU DU NORD EXPRESS

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"Strangers on a Train" d'Alfred Hitchcock. 1951. U.S.A. 1h37 (US)/1h39(Angleterre). Avec Farley Granger, Ruth Roman, Robert Walker, Marion Lorne, Leo G. Carroll, Patricia Hitchcock, Jonathan Hale.

Sortie salles France: 9 Janvier 1952. U.S: 3 Juillet 1951

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980.
1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

Enième classique du thriller dirigé par le maître inégalé du suspense, L'inconnu du Nord-Express doit beaucoup de sa vigueur et de son pouvoir de fascination grâce au roman de Patricia Highsmith qu'Hitchock retranscrit sur pellicule avec sa maestria traditionnelle (le meurtre par strangulation saisissant de réalisme feutré, la chute du briquet dans l'égout, la tentative d'assassinat du père de Bruno, l'altercation musclée entre l'assassin et la victime communément piégés entre les chevaux d'un manège détraqué, le forain tentant d'y stopper le mécanisme en se faufilant sous le carrousel, etc...). Nanti d'un scénario aussi pervers que redoutablement machiavélique, l'Inconnu du Nord-express alterne suspense et tension sous l'impulsion d'une confrontation ardue entre un tueur sans vergogne et une victime subordonnée à son odieux chantage. Durant son voyage ferroviaire, le champion de tennis Guy Haisnes fait l'étrange connaissance de Bruno Anthony. Ce dernier lui proposant avec enthousiasme le compromis d'un échange de meurtres. A savoir supprimer l'épouse de Guy en instance de divorce contre l'assassinat du père de Bruno qu'il déteste immodérément. Conscient d'avoir affaire à un fou, Guy met un terme à la conversation au moment même où le train arrive à destination. Durant sa sortie précipitée, il omet son briquet sur la table que Bruno s'est empressé de dérober pour tenir lieu de preuve. Quelques jours plus tard, Bruno passe véritablement à l'acte si bien que l'épouse de Guy est retrouvée étranglée à proximité d'une fête foraine. 

Ce pitch déjanté d'une audace incongrue est notamment l'occasion de dresser le portrait glaçant d'un assassin psychotique avide de notoriété car désespérément solitaire depuis une démission parentale. Et pour incarner ce rôle désaxé, Robert Walker crève littéralement l'écran avec un désarmant naturel dans sa posture aussi décontractée qu'erratique. A l'instar de cette séquence à la fois intense et dérangeante lorsqu'il propose à une sexagénaire de lui simuler une strangulation face au témoignage d'une jeune fille ressemblant à la victime ! Par le biais de cette spectatrice intriguée par son comportement transi, Hitchcock décuple un intense malaise, notamment face au témoignage distingué des hôtes particulièrement gênés du numéro morbide. Assurément, l'une des séquences les plus impressionnantes et troubles quant au comportement pathologique du tueur incapable de refréner ses pulsions depuis sa réminiscence criminelle. On peut également vanter la densité psychologique impartie à la maîtresse de Guy (Ruth Roman, criante d'élégance épurée !) car soupçonnant avec désarroi et amertume l'éventuelle culpabilité de cet inconnu en concertation avec son propre amant. Quant à Guy Haisnes perpétuellement malmené par ce maître-chanteur mais s'efforçant dignement de se dépêtrer de la conjuration, Hitchcock le caractérise avec vibrante émotion sous l'impulsion sentencieuse du charismatique Farley Granger. 

Chef-d'oeuvre de suspense d'une perversité vénéneuse si bien que l'intensité des enjeux culmine vers un épilogue incroyablement catastrophiste, l'Inconnu du Nord-Express scande un fabuleux numéros d'acteurs dans leur caractérisation fébrile d'une tourmente criminelle. 

3èx 

Les Démons du Maïs / Children of the Corn / Horror Kid. Prix du Meilleur film fantastique, Bruxelles 84.

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorfreaknews.com

de Fritz Kiersch. 1984. U.S.A. 1h32. Avec Peter Horton, Linda Hamilton, Robby Kiger, Anne Marie McEvoy, John Franklin, Courtney Gains, R. G. Armstrong.

Sortie salles France: 30 Janvier 1985

FILMOGRAPHIE: Fritz Kiersch est un réalisateur et scénariste américain né en 1951 à Alpine, Texas. 1984 : Les Démons du maïs. 1985 : Quartier chaud. 1987 : Winners Take All. 1988 : Gor. 1989 : Under the Boardwalk. 1992 : Into the Sun. 1995 : The Stranger. 1997 : Crayola Kids Adventures: Tales of Gulliver's Travels. 2006 : Surveillance. The Hunt

Série B oubliée des années 80 d'autant plus méprisée par les critiques dès sa sortie, les Démons du Maïs obtint pourtant le succès commercial en Amérique du Nord puisqu'il rapporta 14 568 000 $ contre un budget de 3 000 000 $. D'après un roman de Stephen King, l'intrigue linéaire quelque peu confuse et sans surprise n'est pas le point fort du métrage, à l'instar d'une caractérisation peu développée des personnages. Un couple en villégiature se retrouve pris au piège au sein d'un village fantôme entièrement régi par des enfants tueurs. Ces derniers ayant sacrifié leurs parents sous l'allégeance du porte-parole Isaac afin d'invoquer leur Dieu au milieu d'un champs de maïs. Dès lors, dans un instinct de survie, le couple tente de leur échapper tout en contrecarrant en dernier recours les ambitions occultes des garnements. Ainsi, ce pitch interlope parvient miraculeusement à impliquer le spectateur lors d'une étrange incantation de masse proférée par des enfants irresponsables. Métaphore sur l'intégrisme, les Démons du Maïs bénéficie de quelques séquences-chocs percutantes (son prologue meurtrier plutôt déjanté, le meurtre d'un jeune adulte dans le champs de Maïs et l'accident automobile qui s'ensuit) et surtout d'une ambiance d'étrangeté assez malsaine qui imprègne tout le récit (comme le souligne l'appréhension du pompiste confiné dans sa station service et prochainement livré au lynchage) derrière le thème du sectarisme. 

Le réalisateur s'efforçant d'y distiller un climat véritablement ombrageux au sein d'une bourgade bucolique soumise aux forces du Mal depuis que les enfants se sont jurer d'y accueillir un Dieu sauveur. Sous l'impulsion d'une bande-son vigoureuse (le souffle explicite du vent fouettant les épis de maïs) et d'un superbe score de choeurs maléfiques, les Démons du Maïs fascine avec assez de réalisme quant à la description de cette confrérie ésotérique plutôt singulière (et ce en dépit d'une structure narrative émaillée d'ellipses). Si le couple formé par Peter Horton et Linda Hamilton (d'ailleurs son rôle le plus efféminé de sa carrière !) manque d'épaisseur psychologique à travers leur posture ordinaire, ces derniers y manifestent toutefois de la volonté à se fondre dans la peau de victimes molestées si bien que l'on s'attache facilement à leur condition démunie, notamment parmi leur ressort humaniste de se confier auprès de deux enfants candides. Qui plus est, on peut également prôner la figuration infantile des seconds-rôles inhospitaliers (d'autant plus affublés d'armes blanches acérées !) sous le pilier de deux leaders perfides se disputant la prise du pouvoir avec un charisme incroyablement expressif. Sur ce point, l'inquiétant John Franklin se taille une carrure patibulaire de "petit homme" dans celui d'Isaac avec une mine contorsionnée, quand bien même son partenaire rouquin Courtney Gains se glisse dans le personnage instable, si détestable, de Malachai avec une expression révoltée irriguée d'accrimonie.

Série B mineure pâtissant d'un script prémâché et d'une caractérisation approximative des personnages, Les Démons du Maîs constitue pourtant un fort sympathique divertissement horrifique de par son climat d'étrangeté rigoureusement prégnant et la bonhomie du couple Burton/vicky en proie à une hostilité infantile au charisme violemment délétère. A redécouvrir avec un vif intérêt si bien qu'il semble même encore plus convaincant et envoûtant aujourd'hui. 

4èx. Vostfr. 4K

Récompense: Prix du meilleur film fantastique au Festival international du film fantastique de Bruxelles, 1984.

Note (Wikipedia): La Finlande et l’Islande ont interdit le film sur leur territoire lors de sa sortie car jugé trop violent.

The descent, Part 2

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Jon Harris. 2009. Angleterre. 1h34. Avec Shauna Macdonald, Natalie Mendoza, Gavan O'Herlihy, Anna Skellern, Krysten Cummings, Joshua Dallas.

Sortie salles France: 14 Octobre 2009. Angleterre: 2 Décembre 2009

FILMOGRAPHIE: Jon Harris (né le 11 juillet 1967 à Sheffield en Angleterre) est un monteur et réalisateur britannique. 2009: The Descent 2.

4 ans après le succès public et critique de The Descent, Jon Harris, monteur de son modèle, entreprend pour la première fois de sa carrière de passer derrière la caméra avec The Descent, Part 2.
Pour info subsidiaire, le pitch de cette nouvelle mouture s'inspire du final alternatif US. 

Synopsis:  Devenue amnésique, Sarah accepte à nouveau de retourner dans la grotte depuis l'espoir des secouristes à retrouver d'éventuels rescapés. Mais les créatures aussi sanguinaires restent à l'affût du moindre intrus.

Reprenant à peu de choses près le même schéma narratif qu'au préalable (stratégies de survie d'une équipe de secouristes contre les agressions récursives des "Crawlers"), cette séquelle parvient pourtant à se démarquer de la routine sans excès de zèle. De par le savoir-technique d'une réalisation un peu mieux maîtrisée que son modèle (les confrontations barbares entre assaillants et victimes s'avérant cette fois-ci plus lisibles), la spontanéité des comédiens habités par la pugnacité (avec toujours cette louable louange pour la cause féminine) et quelques idées retorses renforçant en prime en dernière partie une intensité dramatique inopinément poignante.

Si bien qu'en empruntant les thèmes de la bravoure, de la rédemption et du sacrifice, Jon Harris développe intelligemment la relation divergente de deux personnages à nouveau mis à l'épreuve dans leurs sentiments contradictoires de courage, de loyauté et de solidarité. Et si une ou deux invraisemblances et certaines facilités (l'idée saugrenue des menottes pour empêcher une protagoniste de fuir) nuisent un tantinet à la crédibilité de situations (en suspens), l'énergie toujours plus épique des péripéties ainsi que ses habiles rebondissements traduisent une intensité barbare n'ayant point à rougir de son modèle. Qui plus est, exploitant à nouveau avec attention la scénographie crépusculaire de sa grotte tentaculaire, Jon Harris relance efficacement l'action des enjeux belliqueux vers des directions familières parfois inexplorées parmi l'appui d'un nouvel allié somme toute farouche. Et comme le veut la loi traditionnelle des séquelles à succès, cette seconde partie préconise la surenchère dans son lot de pugilats aussi homériques que teigneux (nullement gratuits !) si bien que le gore craspec s'avère généreux en diable entre deux jump scares tétanisants. Et à ce niveau furibond on est toujours plus comblés par le déchainement de violence primale qui en découle.

Sous couvert de série B ludique honorablement réalisée et menée avec assez de tempérament pour à nouveau compromettre de plein fouet le spectateur dans des situations d'autant plus connues, The Descent 2 ne déçoit nullement en optant le parti-pris d'une esbroufe belliqueuse une nouvelle fois abrupte et en y développant intelligemment l'étude caractérielle, Spoil ! principalement au niveau de deux emblèmes féminins fin du Spoil. Le tout en éludant une seconde fois le fameux happy-end de circonstance qui risque de faire grincer des dents le spectateur le plus vulnérable. Formidable séquelle donc n'omettant qui plus est jamais l'émotion auprès de son intensité dramatique en crescendo, à voir absolument. 

*Bruno
25.11.23. 

3èx. Vostfr. 

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Neil Marshall. 2005. Angleterre. 1h40. Avec Shauna Macdonald, Natalie Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder, MyAnna Buring, Nora-Jane Noone

Sortie salles France: 12 Octobre 2005. U.S: Angleterre: 8 Juillet 2005

FILMOGRAPHIE: Neil Marshall, né le 25 mai 1970 à Newcastle upon Tyne en Angleterre au Royaume-Uni, est un réalisateur, scénariste, monteur et producteur britannique.
2002: Dog Soldiers. 2005: The Descent. 2008: Doomsday. 2010: Centurion.

Considéré aujourd'hui comme une référence des années 2000, The Descent n'a pas usurpé sa réputation de modèle du survival horrifique alors qu'il s'agissait de la seconde réalisation du British Neil Marshall. A la suite d'un accident routier qui aura valu la perte de son époux et de sa fille, Sarah décide un an plus tard de se réunir avec ses amies le temps d'un week-end afin d'y explorer pour une première fois une grotte. Alors que les difficultés s'amoncellent au fil de leur parcours semée d'embûches, une menace beaucoup plus létale va les emmener droit en enfer ! A partir d'un concept original de claustration plus vraie que nature (même si l'unité de la grotte avait déjà été traité dans le très Bis Le Monstre Attaque), le cinéaste est parvenu à allier oppression et terreur avec un hyper réalisme à couper au rasoir si bien que nos nerfs seront mis à rude épreuve ! Sur ce point, la première partie fustigeant l'épreuve physique de nos alpinistes rampant hardiment dans les conduits et escaladant les parois rocheuses nous provoque déjà un sentiment viscéral d'insécurité à perdre haleine !

Dédié à la cause féminine, notamment afin de mettre en exergue l'endurance et la résilience de ces héroïnes en herbe, le cinéaste s'est entouré du charisme sauvage et sensuel de comédiennes au caractère bien trempé. Nous sommes donc ici aux antipodes de la potiche décervelée traditionnellement coursée par le tueur sans vergogne ! A travers leurs rapports de force parfois en contradiction, Marshall a l'habileté d'y inclure une transfuge au sein du groupe si bien que sa lâcheté quelque peu équivoque nous provoque une certaine empathie si je me réfère à son courage primal lorsqu'elle affronte sauvagement les créatures (les "Crawls" aura décidé de les nommer Marschall). Par le biais de leur caractère bien distinct ou résistance morale et bravoure physique trépignent d'audace malgré leur effroi de trépasser, The Descent développe une intensité dramatique perpétuellement rigoureuse au fil d'un cheminement de survie jusqu'au-boutiste ! Le cinéaste recourant à une violence graphique d'une brutalité inouïe afin de renchérir dans l'ultra réalisme acéré, quand bien même il n'hésitera jamais à sacrifier ses héroïnes les plus téméraires ! Exploitant à merveille chaque recoin et chambres des grottes à l'instar d'un dédale sans repères, Marschall en extirpe une éprouvante épreuve de survie sous l'impulsion d'une spartiate aux confins de la folie.

Un ticket pour l'enfer dans les entrailles d'une grotte sans échappatoire !
Fort d'un climat de claustration aussi irrespirable que belliqueux n'accordant aucun répit à ces victimes, Neil Marshall est parvenu à renouer avec une horreur irascible, digne héritière des pellicules insalubres des Seventies, pour décupler la terreur pure. C'est sans compter sur la vigueur démunie des comédiennes criantes d'animosité dans leur parcours sanguinaire contre la menace insidieuse que The Descent nous agrippe à la gorge sous l'impulsion fragile du magnifique thème (à la fois lourd et élégiaque !) de David Julyan. Un classique incontournable. 

3èx

ABIMES

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"Below" de David Twohy. 2002. U.S.A. 1h45. Avec Holt McCallany, Bruce Greenwood, Matthew Davis, Olivia Williams, Scott Foley, Zach Galifianakis, Jason Flemyng, Dexter Fletcher, Nick Chinlund, Andrew Howard.

Sortie salles France: 30 Juillet 2003. U.S: 11 Octobre 2002

FILMOGRAPHIE: David Twohy est un réalisateur et scénariste américain, né le 18 octobre 1955 à Los Angeles (États-Unis). 1992 : Timescape. 1996 : The Arrival. 2000 : Pitch Black. 2002 : Abîmes.
2004 : Les Chroniques de Riddick. 2009 : Escapade fatale. 2013 : Riddick.

Par le réalisateur des sympathiques Timescape / The Arrival et des excellents Pitch Black et sa suite les Chroniques de Riddick, Abîmes explore très efficacement l'unité de lieu du huis-clos marin sous l'impulsion de péripéties et rebondissements redoutablement haletants. Les séquences homériques redoublant d'intensité grâce à la faculté du réal à exploiter les corridors du sous-marin avec souci du détail technique et d'immersion vertigineuse ! D'un réalisme à toutes épreuves, David Twohy s'est même permis d'utiliser un véritable sous-marin de la Seconde Guerre mondiale (l'USS Silversides !) afin de renforcer le caractère crédible des situations au sein de son décorum aussi longuet qu'étroit.

Alors que le sous-marin USS Tiger Shark vient de repêcher à son bord trois rescapés britanniques, un destroyer allemand les ciblent à l'aide de grenades anti-sous-marines. Depuis cet incident ayant causé quelques dommages matériels, d'étranges évènements intentent à la tranquillité de l'équipage au point que ces derniers insinuent une cause surnaturelle. Leur ancien capitaine ayant été préalablement tué lors d'une circonstance accidentelle restée en suspens, certains des membres agitent le remord de n'avoir pu le secourir quand bien même d'autres préfèrent taire leur secret. A travers ce pitch simpliste mais efficient embrayant en seconde partie sur une investigation en ascension, Abîmes recourt à un Fantastique éthéré comme le souligne les rares apparitions fantomatiques que certains passagers croient entrevoir. Dosant habilement l'action des revirements par le biais d'incidents techniques meurtriers, Abîmes imprime d'autant mieux un climat anxiogène aussi inquiétant que palpitant à travers le pilier solidaire de personnages discrédités par la paranoïa. Sur ce point, on peut saluer la distribution solide composée d'acteurs de seconde zone au charisme viril quand bien même Olivia Williams tente d'amadouer la clientèle machiste avec une spontanéité vaillante. Si le caractère prévisible de sa révélation finale n'apporte pas vraiment de surprise quant à l'identité du coupable et de ses éventuels complices, sa réalisation toujours aussi appliquée et les évènements dramatiques en crescendo perdurent dans la tension parmi une vénéneuse aura d'angoisse.

Fort d'une réalisation classieuse exploitant à merveille le cadre claustro d'un sous-marin de toutes les peurs et dangers, Abîmes symbolise la série B intelligente par excellence, notamment dans sa faculté retorse de provoquer l'angoisse parmi l'art de suggestion, de manière à nous faire constamment douter de l'irrationalité des évènements. 

SING STREET

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site leblogtvnews.com

de John Garney. 2016. Irlande. 1h46. Avec Ferdia Walsh-Peelo, Aidan Gillen, Jack Reynor, Maria Doyle Kennedy, Lucy Boynton, Kelly Thornton, Kyle Bradley Donaldson

Sortie salles France: 26 Octobre 2016. Irlande: 17 Mars 2016

FILMOGRAPHIE: John Carney, né en 1972 à Dublin, est un réalisateur et scénariste irlandais de films pour le cinéma et la télévision. 1996 : November Afternoon. 1999 : Park. 2001 : La Vie à la folie. 2006 : Once. 2006 : Bachelors Walk Christmas Special (téléfilm). 2009 : Zonad. 2012 : The Rafters. 2013 : New York Melody. 2016 : Sing Street (également producteur).

Révélé par l'excellent Once, comédie musicale romantique taillée dans la pudeur, John Carney renoue avec ces trois genres dans Sing Street, et au final de nous offrir un conte de fée aussi sémillant que tendre lorsqu'un ado décide de former un groupe (les Sing Street !) afin de conquérir sa dulcinée. Plaçant le cadre de son action dans le Dublin des années 80, Sing Street constitue également un hommage passionnel envers cette décennie marquée par l'avènement du video-clip outre-atlantique et de la starisation de groupes baroques comme pouvaient l'incarner The Cure (look gothico-psychédélique, coiffure arachnéenne, fard au visage, liner aux yeux, rouge à lèvre) et Duran Duran (style autrement efféminée et clips sexy provocateurs). C'est d'ailleurs à travers ses stars notoires que le jeune Conor et ses musiciens comptent s'identifier afin d'aviver la modernité de la pop rock et de la New-Wave, et ce en dépit de l'homophobie régnante chez le corps enseignant et dans la cour du lycée.

Par leur initiation mélomane et leur ambition de bricoler des video-clips en camescope Vhs, Sing Street dégage une poésie galvanisante où nostalgie et féerie s'harmonisent en toute simplicité. Sous la fougue attendrissante de comédiens pleins de charme et de naturel, Sing Street se laisse gagner par une sensibilité prude en perpétuelle ascension si bien que l'on est partagé entre sourires et larmes sans pouvoir régir nos émotions ! Tant pour les séances de concert extrêmement stimulantes dans leur sonorité entraînante parmi la foule en liesse que pour les relations amicales et sentimentales que se partagent Conor avec ses acolytes, son frère et sa compagne. Au-delà de cette fureur de liberté et de la passion du premier émoi romantique que les acteurs extériorisent sans racolage sentimental, John Carney en profite notamment pour égratigner le conservatisme religieux depuis que notre héros est envoyé dans un établissement catholique emminemment drastique. A ce titre, outre sa fulgurance enjouée, la dernière séquence musicale s'avère redoutablement jouissive pour son pied de nez conféré à la caste religieuse. En combinant tous ces thèmes sociaux au sein de l'époque sacro-sainte des eighties en innovation musicale (principalement la new-wave et la nouvelle vague du pop-rock anglais), le réalisateur parvient à cristalliser une intrigue simple fondée sur le ressort des sentiments et l'ardent désir de se libérer du conformisme. Là encore, l'ultime séquence anthologique inscrite dans une rédemption libertaire et amoureuse insuffle une acuité incontrôlée dans son alliage d'émotions contradictoires (expressions de joie et de tendresse nous convergeant irrésistiblement au vertige des larmes !).

Bain de jouvence pour sa métaphore impartie à l'affranchissement, à la volonté de la réussite et à l'anticonformisme, Sing Street transfigure la comédie musicale avec un atout de séduction aussi puissant qu'inexplicable (on peut d'ailleurs évoquer la locution précieuse "magie du cinéma" !). Tant pour le rythme entêtant de ses tubes en sédition que de la bonhomie des comédiens surprenants de tempérance dans leur caractérisation rebelle et humaniste. Un anti-dépresseur tenant presque du miracle quant à sa simplicité narrative et à l'exploitation retorse de ses clichés pour l'un des meilleurs films de l'année 2016. 

Dédicace à Pascal Frezzato