Terreur dans le Shangaï Express / Horror Express / Pánico en el Transiberiano

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site ohmygore.com

de Eugenio Martin. 1972. Angleterre/Espagne. 1h30. Avec Christopher Lee, Peter Cushing, Alberto de Mendoza, Silvia Tortosa, Julio Pena, Helga Line, Telly Savallas.

Récompense: Médaille CEC en 1972 au Festival International de Catalogne, à Sitges.

FILMOGRAPHIE: Eugenio Martin est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1925 à Grenade.
1965: L'uomo di Toledo. 1966: Les Tueurs de l'Ouest. 1969: La vida sigue igual. 1971: Les 4 Mercenaires d'El Paso. 1972: Terreur dans le Shangaï express. 1973: La Chica del Molino Rojo.

Bisserie ibérique bien connue des cinéphiles des Eighties si bien qu'elle sortit au prémices de la VHS, Terreur dans le Shangaï Express allie harmonieusement science-fiction et épouvante d'après un pitch inspiré de The Thing. En chine, un paléontologue fait la stupéfiante découverte d'un fossile mi-humain, mi-singe. Il décide de le rapatrier à Moscou en empruntant le train. Mais à bord, une série de morts mystérieuses commence à ébranler les passagers, les victimes étant retrouvées aveugles. Série B modeste aux moyens minimalistes mais transcendée d'une imagination sans borne et le talent de ces illustres interprètes (Christopher Lee et Peter Cushing se partagent la vedette avec un habituel snobisme, alors que Telly Savallas cabotine en cosaque castrateur !), Terreur dans le Shangaï-Express joue la carte du divertissement efficient avec tant de charme. C'est de prime abord l'aspect débridé des motivations de la créature ainsi que sa physionomie rubigineuse qui fascinent le spectateur. 

Car sous son apparence glauque et velue s'y cache un extra-terrestre exilé sur terre depuis des millions d'années. Son but: nous annihiler par l'intelligence de notre cerveau en l'absorbant pour se nourrir de nos connaissances. Par son regard rutilant, il hypnotise chacune de ses victimes jusqu'à ce que leurs yeux ensanglantés soient rendus aveugles ! En prime, à l'instar de La Chose, et pour mieux détourner l'attention de ces ennemis, il possède la faculté d'usurper les corps humains par le simple esprit de sa pensée. Ce pitch génialement improbable, Eugenio Martin le trousse avec une ironie macabre (à l'instar de l'intégriste insidieux prêt à corrompre son âme pour le prix de la vérité) et un sens de l'action horrifique fertile en rebondissements. D'autant plus que le lieu de claustration est bien choisi afin d'y diluer inquiétude et angoisse. Car à bord du Shangaï-express, depuis que les cadavres pleuvent, la paranoïa s'y distille peu à peu auprès des passagers et ne cessent d'interroger un duo de scientifiques à l'affût. D'ailleurs, au fil de leur investigation pour y démystifier l'objectif de la chose, ils iront de découvertes en révélations dépassant l'entendement. Enfin, pour parachever, le réalisateur culmine vers une issue catastrophiste à l'aide d'une touche morbide à réveiller les morts ! 

Le Monstre aux yeux rouges
Nanti d'un scénario fantasque multipliant les idées extravagantes et campé par des vétérans notoires issus de l'horreur vétuste, Terreur dans le Shangaï-Express épouse un cachet bisseux parmi le soin de maquillages modestes mais qualitatifs et de l'originalité d'une mélodie entêtante. Son esprit iconoclaste d'y allier science-fiction alarmiste et horreur cheap au sein d'une scénographie inédite renforcent le caractère débridé d'une série B bonnard aujourd'hui considérée (à juste titre) comme culte. 

*Bruno

21.11.13. 
18.02.25. 5èx. Vost

LA PORTE DU PARADIS (Heaven's Gate)

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Michael Cimino. 1980. 3h37 (Director's Cut). Avec Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert, Jeff Bridges, John Hurt, Sam Waterston, Richard Masur, Brad Dourif, David Mansfield, Terry O'Quinn.

Sortie salles U.S: 19 Novembre 1980

FILMOGRAPHIE: Michael Cimino est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 3 février 1939 à New-York.
1974: Le Canardeur. 1978: Voyage au bout de l'enfer. 1980: La Porte du Paradis. 1985: L'Année du Dragon. 1987: Le Sicilien. 1990: La Maison des Otages. 1996: The Sunchaser. 2007: Chacun son cinéma - segment No Translation Needed.

Chef-d'oeuvre maudit du cinéma hollywoodien, de par son échec cinglant qui valut la faillite de United Artists, La Porte du paradis renaît aujourd'hui par le support du blu-ray dans une version director's cut entièrement supervisée par son réalisateur.

Retraçant un triste épisode de l'histoire américaine après la guerre de sécession (la bataille du comté de Johnson de 1890 qui opposa des mercenaires contre des immigrants d'Europe de l'Est), Michael Cimino démonte les mécanismes de la guerre sous l'insurrection de ces expatriés, condamnés à être exécutés pour anarchisme et vol chez les propriétaires de bétail. Au coeur de ce conflit sanglant, un shérif aigri et un mercenaire raciste vont participer à cette sédition tout en se disputant l'amour d'une tenancière de bordel.

Fresque monumentale d'une durée excessive de 3h37, La porte du Paradis est un western romanesque d'une ampleur démesurée dans le déploiement de ses moyens faisant intervenir des milliers de figurants au sein de paysages immaculés. Souffle épique et lyrique se côtoient avec le sens ambitieux d'une mise en scène circonspecte prenant son temps à élucider un épisode peu glorieux de l'ouest américain. Outre le fait de dénoncer une Amérique fasciste et xénophobe, hostile à tout étranger venu s'exiler sur leur patrie, Michael Cimino s'intéresse surtout à dépeindre les tourments d'un trio romanesque impliqué dans une situation politique qui leur échappe. De par leur divergence morale (Nathan est un tueur exerçant pour le syndicat des éleveurs alors que son acolyte James est prêt à défendre les démunis) et leur fragilité humaine (leur rancoeur compromise par l'infidélité amoureuse), le réalisateur décrypte leur remise en cause avec une acuité prude. Par la faute d'une idylle indécise, ces deux acolytes vont finalement se mesurer à leur aplomb pour la sauvegarde d'une catin depuis que cette dernière est consignée sur la liste noire des 125 immigrants (elle est coupable de rameuter sa clientèle étrangère contre du bétail volé). Alors que James se morfond dans la peine et tente de digérer sa rupture amoureuse, Nathan va peu à peu renoncer à ses activités de mercenaire réactionnaire afin de prémunir celle qu'il aime ! A sa réflexion sempiternelle apposée sur l'aboutissement de la guerre, Michael Cimino dépeint surtout l'état d'âme de personnages complexes asservis par un enjeu belliqueux et compromis par une romance en perdition. Il traite notamment de la vieillesse qui s'étiole inexorablement, du regret du temps passé alors que le chagrin d'un homme est engendré par le dépit amoureux.

Autant en emporte le vent
D'une intensité émotionnelle bouleversante et jalonné de batailles homériques hallucinantes de virtuosité, La Porte du Paradis sublime la romance de trois amants inconsolables, embourbés dans la barbarie d'une guerre inéquitable. A travers une page sordide de l'expansion d'une bourgeoisie ricaine, ce western contemplatif célèbre le courage et confine au vertige de la tragédie pour le sacrifice émis aux martyrs du chaos ! 
Un monument en état de grâce, à l'image des ses illustres comédiens transis d'humanisme versatile, déchirant et inoubliable !

20.11.13
Bruno Matéï

La Sentinelle des Maudits / The Sentinel

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecranlarge.com

de Michael Winner. 1977. U.S.A. 1h35. Avec Christina Raines, Ava Gardner, Chris Sarandon, Burgess Meredith, Sylvia Miles, José Ferrer, Arthur Kennedy, John Carradine, Christopher Walken, Eli Wallach, Jerry Orbach, Jeff Glodblum, Beverly D'Angelo, Martin Balsam, William Hickey, Tom Berenger.

Sortie salles U.S: 7 Janvier 1977

FILMOGRAPHIE: Michael Winner est un réalisateur britannique né le 30 Octobre 1935 à Londres.
1967: Qu'arrivera t'il après ?, 1971: les Collines de la Terreur, 1971: l'Homme de la loi, le Corrupteur, 1972: Le Flingueur, 1973: le Cercle noir, 1973: Scorpio, Un justicier dans la ville, 1976: Won ton ton, 1977: la Sentinelle des Maudits, 1978: le Grand Sommeil, 1979: l'Arme au poing, 1982: Un justicier dans la ville 2, 1985: le Justicier de New-York, 1988: Rendez-vous avec la mort, 1993: Dirty Week-end.

"Hallucinations sépulcrales au 7e étage".

Surfant sur la vague des succès satanistes de l'époque, Michael Winner s’essaie au genre horrifique en adaptant The Sentinel, roman de Jeffrey Konvitz. Entourée d’une pléiade de stars peu habituées à côtoyer les marges du cinéma de genre, cette série B surprenante, nantie d’une certaine renommée, a fini par s’élever au rang de classique dans la catégorie des vilains p’tits canards déviants.

Le pitch : En quête d’indépendance, Alison Parker quitte le domicile de son fiancé pour emménager dans un appartement new-yorkais, à Brooklyn. Rapidement, d’étranges manifestations s’accumulent : des bruits au-dessus du plafond la nuit, des voisines saphiques surgies de nulle part, et, au sommet de l’immeuble, un vieillard aphone qui semble scruter le monde à travers sa fenêtre.

Imprégnée de son ambiance Seventies, La Sentinelle des Maudits capte l'attention sans faiblir grâce à l’inquiétude latente qui innerve ce sinistre immeuble. Émaillée de séquences chocs, parfois sanguinolentes et terrifiantes (le corps nu du père d’Alison tailladé à coups de couteau !), et de visions d’effroi — ce final mémorable, érigeant une parade monstrueuse ! — Michael Winner cherche clairement à provoquer un malaise hétérodoxe, en assumant le caractère profondément déviant de ses situations.                             

À mesure que les hallucinations se multiplient, que l’esprit d’Alison vacille, Christina Raines insuffle à son personnage une densité humaine, une fragilité lestée de soupçons et d’un émoi suicidaire en guise de dernier recours. Winner lâche alors les rênes à une imagerie lubrique : orgies de vieillards salaces, libertinage insolent de lesbiennes insatiables — et cette séquence osée, burnée, d’une masturbation aussi gênante qu’inoubliable, comme seuls les Seventies savaient en produire.

Par son intrigue interlope habilement construite, La Sentinelle des Maudits distille son intensité dans les méandres que l’héroïne tente d’éclaircir, entre le poids du clergé et le soutien ambivalent de son amant. Ce dernier, jadis suspecté du meurtre de sa première épouse, incarne l’ambiguïté ambiante. Comme lui, tous les personnages qui traversent le récit s’avèrent distants, austères, équivoques — voire spectres désincarnés. Le Monseigneur Franchino au comportement trouble, le flic arrogant en mal de reconnaissance, dont le cabotinage paranoïaque frôle le grotesque, renforcent encore l’étrangeté du récit.

"Parade nécrosée au sommet de Brooklyn".

Modestement réalisé, le film privilégie un climat d’étrangeté sourde, presque insidieuse, baigné d’une ambiance malsaine, parfois franchement effrayante, traversée de visions d’horreur nécrosées. La Sentinelle des Maudits s’impose ainsi comme un must du genre, porté par sa galerie de personnages sclérosés et la folie macabre qui martyrise son héroïne, acculée au seuil de la damnation. Grâce à l’habileté légendaire des maquillages de Dick Smith, Michael Winner grave dans la rétine une poignée de séquences cauchemardesques, plongées dans la pourriture et la décrépitude. Si bien que l’on reste tétanisé d’effroi face à ce génial récit de patrimoine sépulcral.  

Dédicace à Guillaume Matthieu

*Eric Binford
14.04.11. 
18/11/13.
22/07/21. 

01.06.25. 5èx. Vost

We are what we are

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jim Mickle. 2013. France/U.S.A. 1h45. Avec Kelly McGillis, Michael Parks, Wyatt Russell, Ambyr Childers, Julia Garner, Bill Sage.

Sortie salles France: Prochainement. U.S: 18 Janvier 2013

FILMOGRAPHIE: Jim Mickle est un réalisateur et scénariste américain.
2006: Mulberry Street. 2010: Stake Land. 2013: We are what we are.

Jim Mickle nous avait déjà surpris avec Mulberry Street, un premier film maladroit et redondant mais prometteur dans sa vision apocalyptique d’un monde contaminé par un mystérieux virus. Son second essai, Stake Land, proposait un survival post-apo perfectible mais plein de bonnes intentions, réactualisant le mythe vampirique tout en dressant le portrait de fuyards farouches. Avec We Are What We Are, le réalisateur franchit un palier dans sa maîtrise, pour raconter une histoire de cannibalisme ancrée dans notre époque contemporaine : faute d’une vieille tradition, une famille doit perpétuer, une fois par an, un acte de cannibalisme pour assurer la survie de ses descendants. Mais une tempête torrentielle dévoile à la police des indices - des ossements retrouvés au bord d’une rivière.

Partant de l’idée originale du film mexicain Ne nous jugez pas, Mickle réexploite intelligemment le filon, sans céder à la mode du remake. Les 45 premières minutes peinent à démarrer (n'y voyez rien de péjoratif), le rythme languissant et l’ambiance dépressive accentuant le sentiment de désuétude, mais la narration gagne en densité dans la caractérisation interlope d’une famille religieuse. Avec l’élégance d’une photo limpide aux teintes grises et blanches, We Are What We Are explore le fondamentalisme sous l’autorité d’un patriarche entièrement voué à Dieu et à sa théorie du cannibalisme. Rongées par le chagrin depuis la mort accidentelle de Mme Parker, ses deux filles et le fils cadet doivent se confronter à son intransigeance pour perpétuer cette tradition filiale.

Le film exploite habilement ce thème grand-guignolesque pour dénoncer l’intégrisme, mais le traite surtout avec une densité psychologique, révélant la posture démunie des enfants et l’isolement réaliste de cette lignée recluse. Mickle s’attarde sur le fardeau désespéré des sœurs Parker, dont le jeu glaçant et anémique traduit la fragilité ; elles obéissent au père pour assassiner de sang-froid une jeune captive, mais rongées de remords et de honte, leur pudeur renaissante semble un pas vers la rédemption - d’autant que l’innocence du petit frère reste à protéger. Émaillé de séquences-chocs inattendues, We Are What We Are malmène notre empathie et suscite un malaise latent face au repli des sœurs. Porté par une musique monotone, le film instaure un climat diaphane en osmose avec la pluie battante et la rivière jonchée d’ossements. Plongé dans l’existence esseulée de cette famille, le spectateur partage, à l’instar des deux filles, l’abandon et la solitude, même si l’une d’elles cherche un réconfort dans les bras de l’adjoint du shérif. Et Mickle pousse le drame jusqu’au paroxysme, jusqu’à l’affrontement final où l’horreur éclate, ébranlant les plus sensibles.

En cinéaste avisé, réfractaire aux artifices du divertissement, Jim Mickle livre avec We Are What We Are son film le plus abouti et original, dans une démarche auteurisante portée par une interprétation hors pair. Le résultat est une œuvre austère, emplie de mélancolie et de silences lourds, à mi-chemin entre le conte social - le père, ogre insatiable - et l’horreur extrême, où la barbarie hallucinée surgit face à l’achèvement punitif. Fort et poignant. 

— le cinéphile du cœur noir

15.11.13
28.08.25.

La Résidence / la residencia /The house that screamed/Gli orrori del liceo femminile

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrorpedia.com

de Narcisso Ibañez Serrador. 1969. Espagne. 1h40. Avec Lilli Palmer, Christina Galbo, John Moulder Brown, Pauline Challoner, Tomas Blanco, Candida Losada, Mary Maude.

Sortie salles France: 9 Août 1972

FILMOGRAPHIE: Narciso Ibanez Serrador est un scénariste, producteur et réalisateur uruguayen, né le 4 Juillet 1935 à Montevideo (Uruguay).
1969: La Résidence. 1976: Les Révoltés de l'An 2000

Chef-d'œuvre d'épouvante gothique à l’aura perverse, d’autant plus troublante qu’elle découle du refoulement de jeunes collégiennes (défilé d’actrices particulièrement vénéneuses), La Résidence est un acmé de l’angoisse où l’ombre d’un tueur giallesque rôde derrière les murs d’une geôle scolaire.

Le pitch : Thérèse, nouvelle pensionnaire d’un internat du sud de la France, affronte la discipline sadique d’une directrice qui n’hésite pas à flageller les insolentes. Une nuit, Isabelle disparaît sans laisser de traces après avoir tenté de rejoindre le fils de l’administratrice…

Pour les amoureux d’épouvante séculaire à l’ambiance littéralement ensorcelante, La Résidence est une clef de voûte ibérique, traversée d’une puissance émotionnelle diaphane. Car à travers la claustration d’un pensionnat rongé par l’autoritarisme d’une matriarche (en tenue étriquée façon Ilsa, la louve SS, Lilli Palmer vampirise, éructe d’ambiguïté masochiste), Narciso Ibáñez Serrador nous plonge dans les racines de la perversité, sous l’emprise du conservatisme et de la sociopathie. Préfigurant les figures baroques de Suspiria (scénographie dominée par un univers presque exclusivement féminin, directrice raide comme Miss Tanner, meurtres stylisés), La Résidence dégage ce même magnétisme environnemental, où le mal semble infiltré jusque dans les murs.

En pleine possession de son talent de conteur (cheminement ombrageux en crescendo) et de sa maîtrise technique (caméra fluide, regard aiguisé), Serrador transcende un univers mortifère profondément immersif — autant par l’effronterie de ses personnages que par le point de vue d’un assassin invisible, voyeur permanent. Entre l’ombre du suspect et l’austérité glaçante de l’enseignante, le sentiment d’oppression, latente mais constante, prime sur la cruauté des exactions. Flagellations punitives sur les indociles, meurtres vertigineux sur les plus candides : tout concourt à l’étreinte.

Sur le même mode opératoire que Psychose, Serrador distille une montée progressive du suspense, s’abreuvant d’une menace sourde. Il tisse aussi une relation quasi incestueuse entre la directrice et son rejeton pubère — et va même plus loin qu’Hitchcock, avec une audace plus crue, plus insolente. Le climat malsain instauré par cette directrice saphique (quinquagénaire attirée par les jeunes collégiennes, éprise de sa comparse sadienne) contamine peu à peu les pensionnaires. Fantasmes lors d’une séance de couture, coucheries avec un paysan, scène de douche troublante sous l’œil humide d’une gouvernante : derrière ce portrait de jeunes filles insidieuses se cache un malaise existentiel, nourri par l’intolérance, le fanatisme religieux et le fétichisme d’une mégère interlope.

Le point d’orgue, d’un nihilisme foudroyant, scelle une véritable anthologie de l’effroi obscurantiste (un certain Lucky McKee s’en est peut-être inspiré pour façonner May). Quant à l’ultime image, littéralement dérangeante, elle hantera longtemps au-delà du générique final.

 

Profondément pervers, poisseux, et malsain, mais terriblement immersif grâce à son pouvoir de fascination irrépressible, La Résidence sublime son huis clos gothique au sein d’un internat rubigineux. Sa splendide photo sépia renforce l’aura vénéneuse de ses collégiennes en rut, victimes de l’endoctrinement d’une hiérarchie asexuée. Démonial, déviant, effronté : une terreur vertigineuse dont on se repaît, ad vitam aeternam.

*Bruno
14.11.13. 3èx

MODUS ANOMALI

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site pixagain.org

de Joko Anwar. 2012. Indonésie. 1h26. Avec Rio Dewanto, Hannah Al Rashid, Izzi Isman.

Sortie le 15 mai 2013

FILMOGRAPHIE: Joko Anwar est réalisateur, acteur et scénariste indonésien, né le 3 Janvier 1976
2005: Janji Joni. 2007: Dead Time: Kala. 2009: Pintu terlarang. 2012: Modus Anomali.

Survival indonésien goguenard et retors dans sa réhabilitation des codes du genre, Modus Anomali emprunte au suspense d'une énigme aussi confuse que déconcertante. A travers la fuite désespérée d'un quidam amnésique, perdu au beau milieu d'une forêt hostile, Joko Anwar livre un implacable thriller constamment imprévisible dans son lot de revirements abrupts !

Dans une forêt, un homme s'extirpe de la terre après avoir été enterré vivant. Poursuivi par un tueur sans visage, il se rend dans une maison abandonnée. A l'intérieur, il découvre la vidéo du meurtre de sa femme enceinte. Qu'en est-il de ses deux enfants ? La traque pour les retrouver et échapper au meurtrier ne fait que commencer ! 

Dans une mise en scène originale et inventive (la caméra exploite les décors et scrute la paranoïa du héros avec un sens du cadrage hétérodoxe !), le réalisateur distille une ambiance monocorde des plus déroutantes. Par le silence feutré de la végétation et l'attitude taciturne des protagonistes, Modus Anomali souhaite bousculer les habitudes du spectateurs embarqué dans un jeu de rôle hermétique. En prime, au sein de cette survivance de longue haleine, la manière dont le tueur utilise la paranoïa du héros laisse extérioriser une cruauté à l'humour noir grinçant pour les dommages collatéraux. Émaillé d'indices et de pièges, Joko Anwar fait donc subir à son personnage nombres d'épreuves physiques (sa planque dans une malle étroite alors qu'un feu est entrain de se propager !) et psychologiques ATTENTION SPOILER ! (le sort réservé à ses propres enfants, FIN DU SPOILER sa haine toujours plus viscérale de vouloir étriper son bourreau !) que n'aurait pas renié John Rambo et Evil Ash ! Cette atmosphère crépusculaire d'une forêt particulièrement délétère auquel un tueur s'y est planqué nous place dans une situation de doute, à l'instar du héros incessamment persécuté ! Sans céder à une esbroufe spectaculaire, le réalisateur opte le plus souvent sur le climat tendu d'un environnement étrangement onirique (la forêt superbement éclairée semble insuffler de temps à autre une aura fantasmatique héritée des contes de fée !) tout en nous ébranlant sur le caractère violent de certains évènements. 

Passée cette première heure aussi déroutante qu'irrésistiblement inquiétante, la dernière partie va littéralement bouleverser la  destinée de notre survivant dans une mise en abîme désarçonnante ! Si personnellement, j'ai été stupéfié de la tournure du revirement, il n'en sera pas du goût de tout le monde, tant son twist révélateur laisse certaines questions et réflexion en suspens !

Original et surprenant, mais déroutant et parfois incohérent dans ses facilités requises, Modus Anomali a au moins le mérite de proposer un survival détonnant dans sa structure insolite à double niveau de lecture. Le choc qui en émane (la stupeur des meurtres s'avère toujours plus dérangeante face à la réaction du héros) et les ruptures de ton accordées laissent en mémoire un ovni audacieux conçu pour diviser son public et s'interroger sur la riposte de la violence. 

13.11.13

Bruno Matéï

MEMORY OF THE DEAD (court-métrage).

de Pascal Frezzato. 2013. France. 20 mns. Avec Isabelle Rocton, Bruno Dussart, Caroline Masson, Christophe Masson, Adrien Erault, David Hamon, Camille Houlbert, Maxime Loiseau, Marina Poulet, Matthieu Lemercier, Eugene Rocton et Jean Bastien Erault

FILMOGRAPHIE: Pascal Frezzato est un réalisateur français de court-métrage, né le 4 Décembre 1972.
2010/11: Predator. 2012: Le Règne des Insectes. 2013: Memory of the dead.

Entreprise autrement plus ambitieuse que celle du Règne des Insectes (en rapport à sa scénographie plus hétérogène exploitant ici des décors naturels, ces comédiens amateurs plus nombreux et un planning de tournage plus imposant), Memory of the Dead est le troisième essai de Pascal Frezzato dans la cour des courts. La gestation de ce projet de longue haleine, nous la devons d'abord à la scénariste et comédienne Isabelle Rocton (jouant ici son 1er rôle à l'écran) qui souhaitait rendre hommage au mythe du zombie d'une manière toute intime.

Partant de la même théorie nihiliste que le Règne des Insectes (l'apocalypse sans espoir de rédemption), Memory of the Dead traite de la survie des infectés (on les prénomme ici les "Z") après que la 3è guerre mondiale ait éclaté. A partir de cet argument linéaire, Pascal Frezzato livre un hommage Bis au film de zombie dans sa pure tradition, à l'instar du pré-générique où quelques zombies déambulent au milieu des champs. A travers cette belle séquence filmée en plan large, on pense inévitablement à La Nuit des Morts-vivants de Romero, alors que la scène suivante (leur promenade sur le parking d'un supermarché) évoque le panthéon du genre: Dawn of the Dead. 

Passée cette première ébauche du chaos, nous entrons ensuite de plein pied dans l'intimité d'un dîner particulièrement inconvenant ! Le repas dégueulbif de trois infectés avachis sur une victime éventrée ! De manière percutante, et à l'aide de gros plans insistant sur la chair des viscères, le réalisateur semble subitement habité par une audace graphique quelque peu expérimentale. Les effets spéciaux, bricolés et minimalistes, s'avèrent assez efficaces dans leur texture graphique, d'autant mieux privilégiés par un habile montage. A contrario, on peut tout de même reprocher que la caméra s'attarde un peu trop sur l'appétit vorace d'une zombie en particulier, lorsque cette dernière mâchouille longuement un intestin ! A noter également que la qualité des maquillages de latex confectionnés pour les zombies s'avère assez impressionnante (en priorité le faciès menaçant que Isabelle Rocton porte avec ténacité !). 

Face à cette débauche gore complaisamment étalée, on peut songer aux effluves d'un Joe d'Amato en pleine renaissance ou d'un Jesus Franco pas encore remis de Mondo Cannibale. On imagine alors que la suite à venir sera sans doute du même acabit ! Que nenni, puisque durant sa dernière partie, le métrage bifurque diamétralement pour adopter une démarche très intime (à l'instar du final désenchanté du Règne des Insectes). 

C'est durant ses 10 dernière minutes, face à l'errance solitaire d'une femme zombie, que Memory of the Dead va enfin pouvoir décoller pour dévoiler ses ambitions premières. A travers le cheminement instinctif d'une morte-vivante, le film va subitement explorer son état de conscience comme George Romero l'avait préalablement su traiter dans le Jour des Morts-vivants. La perte de l'être cher face à une réminiscence infantile ! C'est ce que cette infectée souhaite se remémorer durant la visite de son ancienne demeure, où sa démarche nonchalante va l'entraîner vers le refuge tamisé de sa chambre. A l'aide d'un magnifique score élégiaque, l'ambiance mortifère qui imprégnait le métrage va subitement altérer pour extérioriser une amertume délicate ! Tristesse, accablement, colère et regret sont les nouveaux sentiments exprimés du point de vue de ce cadavre rongé par le souvenir et sa nécrose. Ces séquences dramatiques de claustration durant laquelle cette dernière se retrouve recluse dans l'intimité d'une chambre nous saisit à la gorge par son regain d'humanité égaré dans le néant.  

Si le jeu perfectible des comédiens aurait gagné à être plus charpenté, (la petite Camille est assez inexpressive face à la vue de sa maman zombifiée alors que Isabelle Rocton adopte une démarche un peu trop rigide pour se déplacer !) le désarroi fragile que nous véhicule l'actrice première nous bouleverse jusqu'aux larmes ! Face à cette décharge d'émotion et d'humanisme désespéré, on songe au magnifique psycho drame Moi, Zombie, Chronique de la douleur de Andrew Parkinson, alors que Pascal Frezzato ignorait l'existence de ce métrage British !

La mère des Larmes
Avec l'intégrité du cinéaste et l'aimable participation des comédiens amateurs, Pascal Frezzato continue d'entamer la voie du court-métrage Z en livrant aujourd'hui un hommage aux films de Zombies dans une dramaturgie inattendue. En dépit de quelques défauts techniques évidents (fx de synthèse perfectibles, éclairages ternes), du jeu de prestance parfois hésitant (bien que Isabelle Rocton dégage une incroyable acuité émotionnelle !), Memory of the Dead empreinte la voie de Romero et Parkinson pour sa réflexion sur la conscience et transcende en dernier acte une élégie bouleversante sur le deuil infantile ! 

P.S: Attention ! Passé le générique de fin, un clin d'oeil surprise vous attend !
Le court-métrage est visionnable ici !
http://www.dailymotion.com/video/x18teot_memory-of-the-dead-sous-titrage-anglais_shortfilms

La critique de Mathias Chaput:
Après son très réussi « Règne des insectes », le talentueux et passionné Pascal Frezzato récidive dans le court en s’appropriant un thème maintes fois ressassé auparavant : le film de zombies…
Sauf que là, il a choisi le parti pris d’adopter un ton totalement différent et aux antipodes des films d’horreur contemporains en incluant à son œuvre une dimension métaphorique voire cristalline par le biais du personnage de la zombie femelle qui revoit son passé d’humaine après s’être vue dans un miroir…
Et la donne change radicalement !
Inspiré à l’extrême, Frezzato, outre une technique et un sens du cadrage très intéressants prend la symbolique de l’escalier, cet escalier où la « Z » gravite et monte comme une ASCENSION du mort vers son âme dans le ciel…
Et d’un coup, tout son passé, toute sa vie ressurgit ! sa fille enfant, le lit, la chambre, l’ours en peluche, autant d’allégories qui jaillissent du subconscient de cette zombie, frêle et mélancolique…
Les maquillages sont efficaces et les décors très soignés et « Memory of the dead » prend son essor véritablement dès l’entrée dans la maison, parvenant à démarquer le début gore à l’outrance pour partir dans une recherche à la démarche intelligente, cassant les hypothétiques redondances qui auraient pu foisonner si Frezzato n’avait pas exulté son imagination dès lors…
Habilement réalisé et au timing soutenu, « Memory of the dead » plonge le spectateur en immersion vers un voyage sans retour au sein de l’inconscient, dans le creux d’une vague ou d’un tremblement sismique et finalement parvient à apporter un réconfort et un apaisement à une situation douloureuse et énigmatique…
Nul doute que le parcours de « Memory of the dead » sera jalonné du plus grand intérêt des aficionados de films de zombies qui y verront là une approche et une thématique parfaitement novatrice, revigorante et très rigoureuse dans son traitement…
Note : 9/10

Pour ceux qui souhaitent découvrir le Règne des Insectes
http://brunomatei.blogspot.fr/2012/08/le-regne-des-insectes_13.html
et Pour une poignée de Spaghettis: http://brunomatei.blogspot.fr/…/per-un-pugno-di-spaghetti-p…

11.11.13

Bruno Matéï

  

L'Invasion des Profanateurs / Invasion of the Body Snatchers. Antenne d'Or, Avoriaz 1979.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site dailymars.net

de Philip Kaufman. 1978. U.S.A. 1h55. Avec Donald Sutherland, Brooke Adams, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright, Leonard Nimoy.

Sortie salles U.S: 20 Décembre 1978

FILMOGRAPHIE: Philip Kaufman est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 23 Octobre 1936 à Chicago, Illinois (Etats-Unis). 1965: Goldstein. 1967: Fearless Frank. 1972: La Légende de Jesse James. 1974: The White Dawn. 1978: L'Invasion des Profanateurs. 1979: Les Seigneurs. 1983: L'Etoffe des Héros. 1988: L'Insoutenable légèreté de l'être. 1990: Henry et June. 1993: Soleil Levant. 2000: Quills, la plume et le sang. 2004: Instincts Meurtriers. 2012: Hemingway et Gellhorn (télé-film).

"Obey !"

Seconde adaptation du roman homonyme de Jack Finney, l'Invasion des Profanateurs est un remake du classique de Don Siegel aujourd'hui privilégié du caractère oppressant d'une épouvante anxiogène. Epaulé de remarquables effets-spéciaux impressionnants de réalisme (la reconstitution des cadavres perfectibles par les cocons) et d'une galerie de comédiens épatants d'expressivité fébrile (Donald Sutherland, Brooke Adams, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright et Leonard Nimoy), cette version colorisée s'érige en sommet de terreur psychologique de par son intensité métronome. Ainsi, à travers un scénario original bâti sur une nouvelle invasion d'E.T, l'Invasion des Profanateurs doit sa grande réussite à l'intelligence de son propos pour le rapport intrinsèque à nos pulsions face à la dépendance de l'angoisse et de la souffrance via nos émotions innées. A savoir l'inhérence vitale de régir notre vie par le principe de la souffrance afin de pouvoir conquérir le bonheur. Il fallait tout de même oser entreprendre un pitch aussi saugrenu que n'importe quel tâcheron Z aurait facilement versé dans le ridicule. Imaginez une seconde le concept SF alarmiste ! Une fleur venue de l'espace est la nouvelle menace terrienne dans leur mainmise à vouloir prendre possession de nos corps durant notre sommeil !

Mais sous la houlette de Philip Kaufman, cette trame incongrue s'avère un modèle d'angoisse diffuse et d'efficacité où la paranoïa d'une poignée de survivants sera mise à rude épreuve pour avertir la populace. La première partie, la plus éprouvante, nous fait partager la détresse d'une épouse, convaincue que son mari n'est plus celui qu'elle eut connu et qu'au sein de sa société une conspiration de grande ampleur est sur le point de converger ! Avec l'entremise amicale d'un inspecteur de l'hygiène, d'un couple et d'un psychiatre, ils vont tenter de comprendre les tenants et aboutissants de cette sournoise hostilité. C'est à travers la flore de cocons en mutation que l'origine extra-terrestre s'extrait pour s'emparer de nos corps afin de se dédoubler en zombie impassible ! Dénué d'une quelconque émotion, de douleur et de haine, ces nouveaux conquérants prolifèrent sur terre afin de nous asservir en guise de survie. Le climat d'inquiétude, de doute et de terreur palpable qu'insuffle chaque protagoniste est d'autant plus prégnant que l'endurance de la fatigue les contraint de garder l'oeil éveillé. Cette descente aux enfers se livre donc à un cauchemar sans fin que la mise en scène avisée de Kaufman va habilement coordonner à l'aide d'une bande son dissonante, de cadrages obliques et de mouvements de caméra cuisants (parfois à l'épaule) afin d'amplifier le malaise. La seconde partie, autrement haletante car fertile en poursuites, est une course contre la mort que nos héros devront traverser au sein d'une ville chaotique en adoptant une posture impassible afin de détourner le ravisseur. Avec un désespoir toujours plus contraignant, leur chance de survie semble de plus en plus précaire depuis que chaque citadin s'est substitué par un nouveau corps dénué d'épiderme !
 

Les Envahisseurs sont parmi nous
Métaphore sur la propagande, l'instinct grégaire et les doctrines dictatoriales (et bien d'autres analogies sur notre condition soumise), réflexion métaphysique où les sentiments de peur et de souffrance sont élémentaires à l'épanouissement, l'Invasion des Profanateurs perdure son pouvoir de fascination par la densité d'un scénario implacable et surtout par sa capacité émotionnelle à provoquer l'effroi, jusqu'à l'ultime image, glaçante de nihilisme. 

La Chronique de l'Invasion des profanateurs de Sépultures: http://brunomatei.blogspot.fr/…/linvasion-des-profanateurs-…

*Bruno

30.12.22. 4èx

08.11.13. 

Coup de Coeur / One from the Heart

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Hollywood.com

de Francis Ford Coppola. 1982. U.S.A. 1h38. Avec Frederic Forrest, Teri Garr, Raul Julia, Nastassja Kinski, Lainie Kazan, Harry Dean Stanton.

Sortie salles France: 29 Septembre 1982. U.S: 12 Février 1982

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Francis Ford Coppola est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 7 Avril 1939. 1963: Dementia 13. 1966: Big Boy. 1968: La Vallée du Bonheur. 1969: Les Gens de la pluie. 1972: Le Parrain. 1974: Conversation Secrète. Le parrain 2. 1979: Apocalypse Now. 1982: Coup de coeur. 1983: Outsiders. Rusty James. 1984: Cotton Club. 1986: Peggy Sue s'est mariée. 1987: Jardins de Pierre. 1988: Tucker. 1989: New-York Stories. 1990: Le Parrain 3. 1992: Dracula. 1996: Jack. 1997: L'Idéaliste. 2007: l'Homme sans âge. 2009: Tetro. 2011: Twixt.

Echec commercial cuisant lors de sa sortie officielle alors que les critiques de l'époque y accordaient un intérêt limité, Coup de coeur est pourtant, comme son titre l'indique, un moment de cinéma singulier dans son rapport universel à la thématique de l'amour. Car à travers les procédés illusoires du cinématographe, Francis Ford Coppola rend autant hommage au 7è art dans sa faste virtuosité où l'inventivité du cameraman expérimente son outil avec souci de stylisme féerique. Célébration aux romances classiques et aux comédies musicales de l'âge d'or, Coup de coeur est une nuit d'ivresse aussi euphorique que les bulles d'une coupe de champagne que l'on savoure à chaque gorgée. 

Le pitch: A Las vegas, un couple s'entre-déchire après 5 ans de vie commune. Ils décident d'un commun accord de se séparer pour vivre indépendamment leur nouvelle liberté au sein d'une ville effervescente. 

Trois ans après avoir sublimé la guerre dans le cauchemar vietnamien Apocalypse Now, Francis Coppola dépose les armes pour jeter son dévolu vers la romance d'un couple en perdition. Show de sons et lumières sous les néons polychromes des projecteurs de Las Vegas, Coup de coeur est une ode à l'amour le plus candide et à l'instant présent. Si bien qu'en dépit de l'infidélité du couple désuni, leur fuite vers un Las Vegas utopique va les rappeler à la raison de l'authenticité amoureuse, de l'expérience de leur propre vécu au mépris des broutilles subsidiaires ! Ainsi, à travers cette histoire limpide mainte fois éculée à l'écran, notre cinéaste perdure sa pertinence à réinventer ici le genre romantique dans une mise en scène expérimentale en constante créativité ! Jeu de lumières et d'ombres juxtaposés dans le même plan afin de suivre deux séquences distinctes, éclairages flashy et couleurs rutilantes sur des décors de carte postale, feux d'artifice de numéros musicaux improvisés en pleine rue de festivité, ballades de blues d'un romantisme exaltant, Coup de coeur s'érige au sommet d'une fantasmagorie en constante conversion. Un bain de jouvence pour tous les coeurs en peine ou en étreinte où les âmes blessées s'y séparent pour mieux se retrouver au moment opportun.

Cinema Paradiso
En illustrant la virée de deux femmes en quête de plénitude (Teri Garr et Nastassia Kinski magnétisent l'écran de leur érotisme à la fois charnel et gracile !), incessamment courtisées par des amants désireux (Frédéric Forrest et Raul Julia forment avec entrain un duo obstiné !), Coup de Coeur prodigue avec une féerie ensorcelante la sollicitation de l'amour le plus fébrile. En jouant sur les trucages de l'illusion pour y altérer la réalité, Francis Ford Coppola se porte aussi avant-coureur pour annoncer l'ère du numérique. Sauf qu'en l'occurrence, ces procédés artisanaux entièrement régis en studio renvoient à la fertilité première d'un Melies et d'un Chaplin ! Si vous voulez rendre amoureuse votre femme ou renouer avec la prémices de l'émoi sentimental, Coup de coeur est tout à fait capable d'occasionner l'effet escompté au sein de sa féerie étincelante plus vraie que nature. 

*Bruno

08.11.22. vf. 3èx
07.11.13. vost. 2èx.

L'Exorciste 2, l'hérétique / Exorcist 2: The Heretic

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site daysarenumbers.net

de John Boorman. 1977. U.S.A. 1h58. Avec Linda Blair, Richard Burton, Louise Fletcher, Max Von Sydow, Kitty Winn, Paul Henreid, James Earl Jones, Ned Beatty.

Sortie salles France: 25 Janvier 1978. U.S: 17 Juin 1977

FILMOGRAPHIE: John Boorman est un réalisateur, producteur, scénariste et acteur américain, né le 18 Janvier 1933 à Shepperton (Royaume-Uni).
1965: Sauve qui peut. 1967: Le Point de non-retour. 1968: Duel dans le pacifique. 1970: Leo the last. 1972: Délivrance. 1974: Zardoz. 1977: L'Exorciste 2. 1981: Excalibur. 1985: La Forêt d'Emeraude. 1987: Hope and Glory. 1990: Tout pour réussir. 1995: Rangoon. 1998: Le Général. 2001: Le Tailleur de Panama. 2003: In my Country. 2006: The Tiger's Tail.

"J’ai trouvé particulièrement stimulante l’idée de faire un film qui s’appuyait sur l’attente d’un public préexistant. Chaque film exige un effort pour rejoindre son public, et c’est pourquoi le cinéma est si souvent répétitif : la répétition est gage de succès. J’ai trouvé qu’il serait honnête de prendre en charge cette attente du public et de la remodeler, de l’aider à se réorienter, plutôt que de le satisfaire avec la réédition d’un produit familier." — John Boorman

"L’Hérésie selon Boorman : hypnotique odyssée au cœur du Mal"

Quatre ans après le traumatisme foudroyant de L’Exorciste, John Boorman entreprend de réaliser une suite à rebours des attentes, s’écartant résolument du grand-guignol révulsif de son modèle. Échec commercial cinglant - le public, sans doute, attendait un remake plus horrifique encore - le film est à nouveau boudé lorsque Boorman en remonte une version modifiée, avec final spectaculaire à la clé. 

Synopsis: En enquêtant sur les circonstances troubles de la mort du père Merrin, le prêtre Lamont entre en contact avec la jeune Regan à travers des séances d’hypnose synchronisée, pour tenter de confronter à nouveau le démon Pazuzu.

Visuellement éblouissant, notamment durant l’odyssée initiatique du père Lamont en Afrique, L’Exorciste II : L’Hérétique joue la carte du vertige sensoriel : jusqu’à s’infiltrer, par hypnose synchronique, dans les crevasses d’une montagne pour assister à l’exorcisme d’un enfant nommé Kokumo. Réflexion métaphysique sur la nature du Mal, le film bouscule les conventions, tente de sonder les fondements maléfiques de Pazuzu - lequel se manifeste sous l’apparence d’une invasion de sauterelles - et ose détourner le spectacle vers l’étrangeté spirituelle. Boorman déroute, mais avec panache : il accumule les visions, les incursions mentales, les connexions télépathiques, jusqu’à faire vaciller toute notion de réalité.

Plus ésotérique encore dans sa seconde partie, l’œuvre nous entraîne à la recherche de Kokumo, porteur d’un savoir ancestral capable de démystifier le Mal. À grands renforts de rituels tribaux, d’illusions mystiques et d’une écologie prémonitoire, le film fait résonner la figure des sauterelles en menace symbolique - entité organique, incontrôlable, presque divine. Le climat tropical qui martèle cette contrée aride en amplifie la moiteur hypnotique.

Côté interprétation, on retrouve avec bonheur Linda Blair, Regan affirmée, lumineuse, dont la sensualité adolescente épouse certaines plages oniriques d’une rare grâce - notamment sa présence symbolique sur un toit, parmi une nuée de colombes. Si Richard Burton frôle parfois le cabotinage (le prologue, où une possédée s’immole sous son regard halluciné, fait vaciller la crédibilité), il parvient fort bien à insuffler au père Lamont une présence hantée, tragique, parcourue de stupeur et d’obsession. Monolithique mais transi d'inquiétude et de contrariété, il incarne une densité humaine vacillante, ensorcelée.

Fascinante plongée dans les tréfonds du Mal, rythmée par l’inoubliable partition de Morricone, L’Exorciste II refuse la redite et peut se targuer d’être l’une des rares suites à affronter son panthéon diabolique avec une réelle autonomie d’auteur. Esthétiquement envoûtant dans ses nuances ocres, le film n’oublie pas de provoquer l’émotion - celle d’une Regan réconciliée avec sa lumière - et de culminer dans un final apocalyptique d’anthologie, soutenu par des FX prodigieux.

Comme le soulignait Pierre-André Arène à l’époque, il est grand temps de redécouvrir cette œuvre complexe, déroutante, mais passionnément originale.

— le cinéphile du cœur noir

06.11.13. 3èx

12.08.25. 4èx. Vost 

Razorback

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Russell Mulcahy. 1984. Australie. 1h35. Avec Gregory Harrison, Arkie Whiteley, Bill Kerr, Chris Haywood, David Argue, Judy Morris.

Sortie salles Australie: Avril 1984

FILMOGRAPHIE: Russell Mulcahy est un réalisateur australien, né le 23 Juin 1953 à Melbourne, dans l'état de Victoria. 1979: Derek and clive get the horn. 1984: Razorback. 1985: Arena. 1986: Highlander. 1991: Highlander 2. 1991: Ricochet. 1992: Blue Ice. 1993: l'Affaire Karen McCoy. 1994: The Shadow. 1996: Tireur en péril. 1998: La malédiction de la Momie. 1999: Resurrection. 2003: Swimming Upstream. 2007: Resident Evil: Extinction. 2008: Le Rois Scorpion 2. 2009: Fais leur vivre l'enfer, Malone !

 

"Dans la gueule du désert : Razorback".

À peine âgé de trente et un ans lorsqu’il met en chantier son second long-métrage, Russell Mulcahy ne laisse pas indifférent le jury d’Avoriaz, qui voit en ce solide artisan un nouveau prodige de la mise en scène — et ce, même si Razorback repart bredouille. Si, lors de sa sortie en salles, le succès reste timide auprès du grand public, c’est du côté des vidéophiles qu’il se taille peu à peu une réputation de série B culte. Mixant allègrement fantastique, aventure et horreur fangeuse pour croquer le portrait déviant d’un duo de rednecks, Mulcahy réinvente le bestiaire animalier pour hausser l’affrontement au rang de mythe. Mais deux portraits d’êtres meurtris se télescopent dans Razorback : celui de Carl, jeune homme exilé dans le désert australien pour retrouver la trace de sa femme disparue, Beth Winters, journaliste engagée pour la cause animale ; et celui de Jack, vieil homme esseulé, rongé par la vengeance après avoir perdu son petit-fils dans une attaque nocturne du sanglier. Chacun, avec sa faille, livre à sa façon une guerre impitoyable contre la bête, tandis que deux bouseux d’abattoir, violeurs en cavale, se retrouvent happés par cette traque implacable.

 

Spectacle baroque et furibond, où l’onirisme crépusculaire s’imbibe d’une nature solaire, clairsemée — la traversée hallucinée de Carl dans le désert aride ! — Razorback joue la carte de la singularité en ravivant des thèmes éculés du cinéma fantastique. Avec une ambition stylisée, Mulcahy sème des plages de poésie tout au long du cheminement, hasardeux et belliqueux, de ses justiciers hantés par le deuil. Dans la mouvance des Dents de la mer pour la démesure bestiale et de Massacre à la tronçonneuse pour le portrait de dégénérés sadiques — ces chasseurs de kangourous, aveuglés sous les projecteurs, traqués la nuit pour être torturés à loisir — Razorback hybride les genres et décuple l’intensité de l’aventure. Surtout, Mulcahy nous attache à ses personnages cabossés, où l’humanisme saigne d’écorchures intimes, et propulse ce bestiaire dans un survival sensoriel où des chasseurs faillibles, mais rebelles, affrontent le monstre. Une émotion poignante affleure dans la relation naissante entre Sarah, jeune assistante de Jack, et Carl, veuf inconsolable, qui grâce à elle, s’arrime de nouveau à la tendresse. Cette bribe de romantisme, qui infuse peu à peu le récit, trouve son écrin dans la superbe élégie musicale d’Iva Davies.

Quant à la carrure monstrueuse du Razorback, Mulcahy privilégie la suggestion, sans jamais céder à l’esbroufe : sans doute pour compenser un budget restreint, il use de gros plans, détaille la physionomie infernale, exalte la férocité. Avec un montage précis, une réalisation souvent inventive, Razorback accomplit le tour de force de rendre son monstre crédible, soutenu par une imagerie crépusculaire, littéralement — et inlassablement — ensorcelante. Déjà un chef-d’œuvre formel.

"Bestiaire baroque sous le soleil mort : Razorback".

Spectacle flamboyant, où l’onirisme baroque se dispute à une violence sèche, Razorback mêle les genres avec une efficacité et une pudeur d’émotion rares. Sa mise en scène, d’une audace inouïe, transcende la bête d’apocalypse et la pugnacité de pionniers que rien n’épuise. Un classique indépendant, incandescent, qui n’est pas près de s’éteindre.

 

*Bruno

La critique de Mathias Chaput: http://horrordetox.blogspot.fr/2013/11/razorback-de-russell-mulcahy-1984.html

22.12.24. 6èx. Vostf (comme si c'était la toute 1ère fois)

05.11.13. 5èx